„Miasto o świcie”: drugie narodziny i pierwszy konflikt. Podsumowanie historii Irkucka Aleksieja Arbuzowa o świcie

3. Powtórne narodziny Jak trudno czasem dziełu znaleźć drogę do realizacji! Tołstoj, wymyśliwszy Kozaków, zacznie je pisać jako wiersz; nie od razu zrozumie, że to jest opowieść. Dostojewski będzie się trudził z każdą wielką powieścią. A bohaterowie na początku nie zawsze będą w stanie

„Darki”. Drugie narodziny Muzyka z filmu „Tylko starcy” idą do boju jest ważnym elementem ekspresyjnej struktury obrazu. To nie konwencja, nie tło, nie numer wstawki, ale całkowicie świadomy wybór reżysera. Z ekranu rozbrzmiewa prawie tuzin znanych melodii i piosenek

Aleksiej Nikołajewicz Arbuzow

Arbuzow Aleksiej Nikołajewicz (1908 - 1986), dramaturg.

Urodzony 13 maja (26 n.s.) w Moskwie w wykształconej, inteligentnej rodzinie. Najsilniejszym wrażeniem dziecka z dzieciństwa było morze, do którego rodzina co roku wyjeżdżała na wypoczynek. Początek wojny 1914 roku zastał Arbuzowów na wybrzeżu Rygi i musieli oni pilnie wyjechać. Arbuzowowie przeprowadzili się z Moskwy do Piotrogrodu, gdzie sześcioletni Alosza chodzi do teatru, słucha opery i chodzi do kina. Uczy się w prywatnym gimnazjum (1916). Rewolucja 1917 roku uniemożliwiła mu otrzymanie systematycznej edukacji.

W wieku 9 lat musiał zmierzyć się z załamaniem dotychczasowego życia i chętnie chłonie nowe doświadczenia. Nadchodzą ciężkie dni: głód, szkorbut, tyfus. W wieku 11 lat zostaje sam, trafia do kolonii dla trudnych do wychowania. Teatr był jego zbawieniem. W Teatrze Dramatycznym Bolszoj chłopiec miał okazję obejrzeć sztukę Schillera „Zbójcy”, którą wystawiano dla żołnierzy Armii Czerwonej wyjeżdżających na front. Wygłosił przemówienie otwierające. Blok. Wrażenie było tak silne, że w tym teatrze recenzował wszystkie przedstawienia, znał cały repertuar.

Jego życie jest trochę usprawnione: mieszka z ciotką V. Savich. Odmówił pójścia do szkoły i nigdy nie otrzymał średniego wykształcenia.

W wieku 14 lat rozpoczął pracę jako statysta w Teatrze Maryjskim. W wieku 16 lat wstąpił do studia teatralnego prowadzonego przez P. Gaideburova, genialnego aktora i reżysera. Jesienią, po ukończeniu studia, Arbuzov wchodzi do trupy Gaideburova. Wiosną 1928 roku odszedł z teatru, by z grupą młodych aktorów stworzyć własną "Dramatyczną Pracownię Eksperymentalną". Po jego upadku bierze udział w organizacji teatru na kółkach (agitvagon), który jeździ ze spektaklami po małych miasteczkach Rosji. Teatr nie miał własnego dramatopisarza, więc Arbuzow sam wziął się za pióro. Pierwsza wieloaktowa sztuka „Klasa” została wystawiona w Leningradzie, ale nie odniosła sukcesu. Po niepowodzeniu Arbuzow wyjechał do Moskwy i wstąpił do Teatru Meyerholda. Pojawiają się nowi przyjaciele: V. Pluchek, I. Shtok oraz inni aktorzy i reżyserzy. Wiosną 1932 roku ożenił się i miał córkę.

Pierwszą sztuką, która została wystawiona w Moskwie, Leningradzie i innych miastach i spotkała się z uznaniem publiczności i krytyków, była komedia „Sześć ukochanych” (1935). W tym samym roku powstała nowa komedia „Długa droga”. Arbuzov zawsze podziwiał utalentowaną grę aktorki teatralnej Vakhtangov Babanova i specjalnie dla niej napisał sztukę „Tanya”. „Tanya” została wystawiona w 1939 roku przez Moskiewski Teatr Rewolucji i odniosła ogromny sukces. Był wystawiany w latach 60. i 70. przez wiele sowieckich teatrów.

Premiera spektaklu „Miasto o świcie” odbyła się 5 lutego 1941 roku, jednak wojna przerwała długi żywot tego przedstawienia.

Po wojnie Arbuzov napisał komedię „Spotkanie z młodzieżą” (1947), przez około pięć lat pracował nad dramatem „Lata wędrówki” (1954). Arbuzov staje się jednym z najsłynniejszych dramaturgów w kraju, którego sztuki wystawiane są w wielu teatrach. Przez wiele lat wspólnej pracy dramatopisarz łączył z teatrem. E. Wachtangowa, w którym było siedem sztuk Arbuzowa: „Historia Irkucka”, „Godzina dwunasta” (1959), „Zagubiony syn” (1961) i inne. Człowiek, „Staroświecka komedia”, to także wystawiony w Paryżu. 20 kwietnia 1986 r. Zmarł Arbuzow. Pochowany w Moskwie.

Wykorzystane materiały książki: rosyjscy pisarze i poeci. Krótki słownik biograficzny. Moskwa, 2000.

Pisarz XX wieku

Arbuzow Aleksiej Nikołajewicz - dramaturg.

Urodzony w rodzinie kupieckiej, pochodzący ze szlachty. Dzieciństwo i młodość Arbuzowa upłynęły w Piotrogrodzie, w atmosferze niezgody między rodzicami. Ojciec opuścił rodzinę, gdy chłopiec miał 8 lat. Wrażenia z dzieciństwa, powikłane rodzinnym dramatem, chorobą psychiczną matki, odcisną swoje piętno na twórczości dramaturga. „Jego biografia jest teatralna” (Krymova N. - s. 10) w pełnym tego słowa znaczeniu. Dzień, w którym zobaczył Zbójców Schillera w Teatrze Dramatycznym Bolszoj, raz na zawsze przesądził o jego losie (Autobiografia, s. 47). Młody Arbuzow związał się z teatrem konsekwentnie i aktywnie – najpierw jako statysta na scenie operowej, potem jako aktor i reżyser (po ukończeniu pracowni teatralnej P. P. Gaideburova), wreszcie jako autor gazet teatralnych, spektakli propagandowych itp. . Poznał tajniki teatru, zanim nauczył się pisać sztuki. Pierwszym dramatycznym doświadczeniem Arbuzowa była sztuka „Klasa”, wystawiona przez Teatr Czerwony w Leningradzie (1931). Spektakl zakończył się całkowitym fiaskiem, ale to nie powstrzymało młodego autora. Na początku lat 30. przeniósł się do Moskwy, gdzie został członkiem Teatru Małych Form Proletkult. Pojawienie się „Egora Bułyczowa” Gorkiego, według Arbuzowa, skłoniło go do rozstania z teatrem agitacji i „powrotu do psychologii człowieka i jego duszy” (Pytania literackie. 1968. nr 3. s. 7).

Sukces przyszedł do Arbuzova wraz z liryczną komedią „Six Beloved” (1934). Przeznaczony na wiejskie przedstawienia amatorskie, nieoczekiwanie dla autora wystawiany był w wielu teatrach kraju. Komedia Długa droga (1935) po raz pierwszy ujawniła istotne cechy osobowości twórczej Arbuzowa. Tytuł sztuki wyrażał charakterystyczny dla pisarza motyw wędrówek, „dalekiej podróży” jako narzędzia kuszenia i uzdrawiania jego bohaterów. W tej wesołej i wesołej komedii o młodych budowniczych moskiewskiego metra niespodziewanie pojawiła się jednak niepokojąca nuta związana z tematem samotności (wizerunek Lily Bregman). Temat ten stanie się jednym z „przekrojowych” w twórczości pisarza.

Talent Arbuzowa objawił się w pełni w dramacie „Tanya” (1938) - jego najbardziej repertuarowej sztuce, dzięki której nazwisko autora stało się szeroko znane. Jego pomysł zrodził się, zdaniem Arbuzowa, ze zwykłego pragnienia ostrzeżenia bliskich mu osób przed kłopotami (Droga dramaturga // Literatura radziecka i zagadnienia umiejętności: zbiór artykułów. M., 1957. Wydanie 1. P. 13 ). Los Tanyi, jak wydawała się dramaturgowi, zawierał okrutną, ale przydatną lekcję życia. Autor wcielił się w wymagającego sędziego swojej bohaterki, która poświęciła się dla ukochanej osoby i w toku akcji poprowadziła ją na „właściwą” ścieżkę – ze świata ciasnego pokoju do świata szeroko pojętego życia publicznego . Jednak obraz Tanyi obiektywnie okazał się szerszy niż postawa moralizującego autora iw pewnym sensie mu się opierał. Wyraźnie ujawniło się to w przedstawieniu Moskiewskiego Teatru Rewolucji (1939, reż. A. Łobanow, w roli Tanyi - M. Babanowa, dla którego Arbuzow napisał tę sztukę). Autor był zdziwiony, a nawet z początku oburzony, że potępiona przez niego Tanya, mimo jej błędów i złudzeń, zdobyła największą sympatię publiczności. Spór o Tanyę, który powstał między Arbuzowem a Babanową (art. radziecka 1939. 27 kwietnia), był dla dramaturga głęboko pouczający. Zrezygnował następnie z intonacji kategorycznych w stosunku do swojej bohaterki, dokonując odpowiednich zmian w ostatecznej wersji dramatu (1947). Zainteresowanie nim nie osłabło w następnych dziesięcioleciach. Żywotna pojemność obrazu Tanyi umożliwiła utalentowanym aktorkom w różnych okresach odkrywanie w nim nowych, czasem nieoczekiwanych aspektów: A. Freindlich w przedstawieniu Teatru. Lensoveta (1963, reż. I. Władimirow), T. Samojłowa w Teatrze Aktora Filmowego (1968), O. Jakowlewa w filmie telewizyjnym „Tania” (1974, reż. A. Efros). Urodzona w epoce lat 30. sztuka Arbuzowa potwierdzała prawa i znaczenie tzw. temat „osobisty”, wyraźnie naciskany w literaturze tamtych lat przez problemy „społeczne”, „przemysłowe” itp. Autor „Tanyi” musiał słuchać wielu wyrzutów za swoje uzależnienie od „intymności” i „sentymentalizmu”. To wtedy Arbuzow wpadł na polemiczny pomysł, że „na dwudziestu stronach Biednej Lizy Karamzina zmieści się w zasadzie cała literatura rosyjska XIX wieku” (I. Wiszniewskaja - s. 81). Ta myśl wiele wyjaśnia w sytuacji dramatopisarza. Niezależnie od wahań literackiego i politycznego wahadła przez całe swoje twórcze życie interesował się złożoną i subtelną sferą ludzkich uczuć.

Nie mniej typowe dla Arbuzowa jest nieustanne poszukiwanie produktywnych form interakcji między literaturą a teatrem.

W 1938 roku wraz z reżyserem W. Płuczkiem zorganizował Moskiewskie Studio Teatralne z zamiarem stworzenia nowoczesnego teatru. występ zbiorowym wysiłkiem twórczej młodzieży. To, co zrodziło się z improwizacji na próbach, Arbuzov przetwarzał i zamieniał w tekst spektaklu. Tak powstała romantyczna kronika o historii budowy młodego miasta w dalekowschodniej tajdze - "Miasto o świcie" (1940, nowe wydanie - 1957). Został wystawiony przez studio w lutym. 1941 i ciepło przyjęty przez publiczność. Studio Arbuzovskaya miało status państwowy i wraz z wybuchem wojny zamieniło się w teatr frontowy. Pozostawiony przez nią ślad nie zniknął: na podobnych zasadach studyjnych powstał później Moskiewski Teatr Sovremennik, a także wiele innych. obecne zespoły teatralne. Nowym pomysłem A. była pracownia młodych dramaturgów, którą prowadził w ostatniej dekadzie swojego życia.

W latach wojny z faszyzmem Arbuzow zwrócił się w stronę gatunku, który wydawał się najmniej zgodny z duchem czasu – melodramatu. Spektakl „Dom na przedmieściach” (pierwotnie zatytułowany „Dom w Czerkizowie”, 1943) odtworzył sytuację Czechowa trzech sióstr (Wiara, Nadzieja, Miłość) w tylnym życiu okresu wojny. Zrodziła uporczywe wyrzuty pod adresem Arbuzowa w „teatralizmie”, w ciążeniu ku „wzruszonym” i „żałosnym” scenom (Rudnitsky K. - s. 266) itp. Jednocześnie cechy wybranego przez niego gatunku były niekiedy przedstawiane jako osobiste słabości dramatopisarza. W szczególności nie wzięto pod uwagę, że melodramat organicznie odpowiadał charakterowi talentu Arbuzowa, o czym świadczą jego późniejsze sztuki: „Zagubiony syn” (1961), „Oczekiwanie” (1976), „Cruel Intentions” (1978 ) itp. Odpowiadając na zarzuty krytyki, Arbuzow przekonywał, że „naszym teatrom brakuje serdeczności, pasji, podniecenia uczuć, prostej szczerości…” (Vishnevskaya I. - S. 17). Wytrwale (słowem i czynem) bronił gatunku melodramatu i bronił jego zasadności w dramacie sowieckim. W przeciwieństwie do klasycznych przykładów tego gatunku, w melodramacie Arbuzova nie ma postaci jawnych złoczyńców. Nawet te nieliczne postacie negatywne, które pojawiają się w jego sztukach (Agranowski w Mieście o świcie, Mołodcow w Synu utraconym, Korolevich z Wyboru, 1971) nie osiągają poziomu takich postaci negatywnych, które mogłyby znacząco wpłynąć na losy rozwój akcji dramatycznej. Wynika to ze specyfiki światopoglądu pisarza, który postrzegał każdą osobę z „optymistycznymi przesłankami” (Vasilinina I. - s. 34) i dlatego celowo unikał dzielenia swoich postaci na „dobrych” i „złych”. Po Tanyi Arbuzow uznał, że jego zadaniem nie jest obwinianie bohatera, ale wyjaśnienie go. Uważał, że „najciekawsze walki, jakie mogą być w sztuce, to walki bohatera z samym sobą” (O twórczości dramatopisarza, s. 17).

Te zasady twórcze zostały najwyraźniej ucieleśnione w dramacie Arbuzowa Lata wędrówki (1950, opublikowany w 1954). Ujawnienie postaci niezwykłej osoby (Aleksander Wiedernikow), która jest w konflikcie z samym sobą, zadaje innym wiele cierpienia i stopniowo uświadamia sobie swoje błędy - taka jest prawdziwa treść tego dramatu. Wzbudzała żywe zainteresowanie publiczności i krytyki, była w centrum ówczesnych sporów literackich i teatralnych. Brak w spektaklu wyroku skazującego autora wywołał wyraźne niezadowolenie krytyków. Zarzucano dramatopisarzowi, że usprawiedliwia swojego bohatera (Teatr. 1955. nr 1, s. 112), folguje indywidualizmowi i tak dalej. Publikacja „Lat Wędrówek” i ich występ na scenie zbiegły się z dyskusją o „bohaterze idealnym”, toczącą się na łamach gazet i magazynów. Autorka sztuki świadomie przełamywała utarte w literaturze schematy i stereotypy, jednak nie potrafiła się ich całkowicie pozbyć. W finałowej scenie sięgnął po swoją ulubioną, sprawdzoną metodę – wysłał swoich bohaterów w rejony dalekiej północy czy Syberii na duchowe „oczyszczenie” i dojrzałość.

Zmiany w wewnętrznym świecie młodego współczesnego nadal ekscytowały Arbuzowa w dramacie Historia Irkucka (1959).

Wystawiony i oryginalnie zinterpretowany przez czołowych reżyserów (E. Simonow w Teatrze im. E. Wachtangowa, 1959; N. Okhlopkov w Teatrze im. W. Majakowskiego, 1960; G. Towstonogow w Teatrze Bolszoj im. M. Gorkiego, 1960), stał się zauważalne wydarzenie w życiu teatralnym przełomu lat 50. i 60. XX wieku. Spektakl powstał w takiej publicznej atmosferze, kiedy odrzucenie wzniosłych słów wśród młodzieży przekształciło się w odrzucenie wzniosłych uczuć, rozczarowania, sceptycyzmu, które przybrały swoiste formy moralnego „wyzwania”. Akcja dramatu opiera się na walce o autentyczność uczuć, piękno i prawdę relacji międzyludzkich. Jego główni bohaterowie - Valya, Viktor i Sergey - poddawani są poważnemu testowi moralnemu, testowanemu według kryterium "prawdziwej miłości". Badacze zauważyli, że zazdrość w sztuce Arbuzowa, być może po raz pierwszy w historii dramatu, staje się siłą, która nie niszczy, ale ożywia człowieka (obraz Wiktora) (Rudnitsky K. - s. 291). Połączenie błyskotliwej teatralności, publicystyki i psychologizmu w Historii Irkucka pozwoliło jej autorowi uniknąć „zażyłości” i przejść do formy „otwartego” dramatu (w związku z tym sporo kontrowersji budziło miejsce i rola chóru w nim). Ale czas pokazał coś jeszcze: terminologia polityczna z domieszką słów o „komunizmie”, wypowiadana głównie ustami Siergieja, skłonnymi do rozumowania, a ponadto pozbawionymi poczucia humoru, wyraźnie osłabia dziś to dzieło.

Po Historii Irkucka Arbuzow napisał sporo sztuk, z których większość w taki czy inny sposób zmienia jego ulubione tematy i motywy. Z biegiem lat pisarz stał się mądrzejszy, co skłoniło go do ponownego przemyślenia niektórych problemów, które wcześniej poruszał. Sytuację znaną z Historii Irkucka (kocha go, ale wychodzi za innego), choć w innych okolicznościach historycznych, odtwarza Arbuzow w My Biedny Marat (1964). Losy Marata, Liki i Leonidika, którzy przeszli przez wojnę, na zewnątrz rozwijają się jakby bezpiecznie. Ale zamęt psychiczny i niepokój prześladują ich wiele lat po blokadzie i froncie. Nie jest im łatwo dokonać szczerej i uczciwej samooceny, uświadomić sobie, że „nawet na dzień przed śmiercią nie jest za późno, by zacząć życie od nowa” (Selected. t. 1. s. 702).

Osobliwą kontynuacją losu Wiedernikowa na nowym etapie był dramat Arbuzowa „Szczęśliwe dni nieszczęśliwego człowieka” (1968). Jej bohater, młody lekarz Krestovnikov, ostatecznie osiągnął wiele w swojej karierze naukowej, ale wiele stracił na charakterze moralnym i pozostał w istocie osobą samotną. Jeśli dawni bohaterowie Arbuzowa wyszli z samotności do ludzi, to Krestovnikov, słowami krytyka, poszedł „drogą powrotną - od ludzi do samotności” (I. Vishnevskaya - s. 217).

Szereg sztuk Arbuzowa z lat 70. związanych jest z tematem postrzegania przez człowieka zbliżającej się lub już wyprzedzonej starości: „Opowieści o starym Arbacie” (1970), „W tym słodkim, starym domu” (1971), „Stary -modna komedia” (1975). Dla podstarzałego lalkarza Balyasnikova („Opowieści o starym Arbacie”), który znalazł się na skraju twórczego kryzysu, starość jest jak katastrofa. Jednak pojawienie się sprytnego i czarującego Viktoshiego w jego domu wskrzesza mistrza duchowo i ożywia jego dawne siły twórcze. „Opowieści o starym Arbacie” są czasami nazywane „najbardziej osobistą” sztuką Arbuzowa (Krymova N. - P. 35) nie tylko dlatego, że niektóre fakty z biografii bohatera pokrywają się z biografią autora, ale także ze względu na intymną intonację, szczególny poetycki styl.

Powrót Arbuzowa do tematu młodości w sztuce Okrutne zamiary (1978) ujawnił zasadniczą zmianę w jego spojrzeniu na problem postawiony wcześniej w Tanyi. Autor „Cruel Intentions”, ten nowoczesny. odmian „dramatu bez ojca”, nie kwestionuje, jak kiedyś w Tanyi, ale wręcz przeciwnie, broni prawa kobiety do całkowitego poświęcenia się rodzinie, ukochanemu (obraz geologa Maszy ). Tak nieoczekiwany zwrot w interpretacji tego tematu nie odbył się bez wpływu negatywnych konsekwencji kobiecej emancypacji, które dramatopisarka dotkliwie odczuła. Orientacja głównie na sukces usługowy, wydajność, czysto racjonalistyczny styl życia z powodu utraty miłości i macierzyństwa jako podstawy szczęścia kobiet zakłóciła Arbuzov w sztuce „Zwycięzca” (1983). Ostatni dramat Arbuzowa o wyrazistym tytule Winny (1985), w którym centralne miejsce zajmuje problem osobistej winy matki za los porzuconego niegdyś przez nią syna, brzmiał w tym sensie jako przestroga. Akcja spektaklu rozwija się jako objawienie smutnych, choć odległych w czasie konsekwencji tego faktu. Pisarz wyszedł z idei rodziny, lat dzieciństwa jako nieodzownego warunku moralnego i psychicznego zdrowia osoby i społeczeństwa jako całości.

Bohaterowie Arbuzowa to z reguły wybitne osobowości, łatwo się mylić i trudno przezwyciężyć swoje błędy, drogo za nie płacąc. Emocjonalny koloryt jego prac to połączenie różnorodnych elementów ironii, łagodnego humoru, liryzmu i szczerego patosu. Jednocześnie autorowi nie zawsze udaje się uniknąć wzruszającego cienia na obrazie niespokojnych losów swoich bohaterów. Zainteresowanie Arbuzowa uniwersalnymi problemami człowieka, wychowaniem „kultury uczuć” w dużej mierze przyczyniło się do tego, że jego dramaturgia zyskała szerokie międzynarodowe uznanie. Sztuki Arbuzowa były wystawiane w Anglii, USA, Kanadzie, Francji, Niemczech, Belgii, Japonii, Indiach, krajach skandynawskich i Ameryce Łacińskiej. Za granicą postrzegany jest jako „naturalny następca Czechowa” (Selected. Vol. 1. s. 728).

VL Muromski

Wykorzystane materiały książki: Literatura rosyjska XX wieku. Prozaicy, poeci, dramatopisarze. Słownik biobibliograficzny. Tom 1. str. 101-104.

Czytaj dalej:

Rosyjscy pisarze i poeci(przewodnik biograficzny).

Kompozycje:

Wybrane prace: w 2 tomach / wpis. artykuł N. Krymovej. M., 1981;

Dramat. M., 1983;

Rzemiosło dramatopisarza // O twórczości dramatopisarza: Sob. M., 1957;

Jak pisano „Historię Irkucka” // Kwestie literatury. 1960. nr 10;

Pisarze radzieccy: autobiografie. M., 1988. V.5.

Literatura:

Rudnitsky K. Portrety dramaturgów. M., 1961;

Vishnevskaya I. Alexey Arbuzov: Esej o kreatywności. M., 1971;

Teatr Vasilinina I. Arbuzov. M., 1983;

Żylina E.N. Aleksiej Nikołajewicz Arbuzow: indeks literatury. L, 1958.

Urodził się Aleksiej Nikołajewicz Arbuzow 13 (26) maja 1908 r w Moskwie w rodzinie kupca, pochodzącego ze szlachty. Dzieciństwo i młodość Arbuzowa upłynęły w Piotrogrodzie, w atmosferze niezgody między rodzicami. Ojciec opuścił rodzinę, gdy chłopiec miał 8 lat. Wrażenia z dzieciństwa, powikłane rodzinnym dramatem, chorobą psychiczną matki, odcisną swoje piętno na twórczości dramaturga.

Młody Arbuzow związał się z teatrem konsekwentnie i aktywnie – najpierw jako statysta na scenie operowej, potem jako aktor i reżyser (po ukończeniu pracowni teatralnej P. P. Gaideburova), wreszcie jako autor gazet teatralnych, spektakli propagandowych itp. . Poznał tajniki teatru, zanim nauczył się pisać sztuki. Pierwszym dramatycznym doświadczeniem Arbuzowa była sztuka „Klasa”, wystawiona przez Teatr Czerwony w Leningradzie ( 1931 ). Spektakl zakończył się całkowitym fiaskiem, ale to nie powstrzymało młodego autora. Wczesne lata 30. XX wieku przeniósł się do Moskwy, gdzie został dyrektorem Teatru Małych Form Proletkult. Pojawienie się „Egora Bułyczowa” Gorkiego, według Arbuzowa, skłoniło go do rozstania z teatrem agitacji i „powrotu do psychologii człowieka i jego duszy”.

Sukces przyszedł do Arbuzowa wraz z liryczną komedią „Sześć ukochanych” ( 1934 ). Przeznaczony na wiejskie przedstawienia amatorskie, nieoczekiwanie dla autora wystawiany był w wielu teatrach kraju. Komedia „Długa droga” ( 1935 ) po raz pierwszy ujawniły istotne cechy osobowości twórczej Arbuzowa. Tytuł sztuki wyrażał charakterystyczny dla pisarza motyw wędrówek, „dalekiej podróży” jako narzędzia kuszenia i uzdrawiania jego bohaterów. W tej wesołej i wesołej komedii o młodych budowniczych moskiewskiego metra niespodziewanie pojawiła się jednak niepokojąca nuta związana z tematem samotności (wizerunek Lily Bregman). Temat ten stanie się jednym z „przekrojowych” w twórczości pisarza.

W pełni talent Arbuzowa objawił się w dramacie „Tanya” ( 1938 ) – jego najbardziej repertuarowa sztuka, która rozsławiła nazwisko autora. Jego pomysł zrodził się, według Arbuzowa, ze zwykłego pragnienia ostrzeżenia bliskich mu osób przed kłopotami. Urodzona w epoce lat 30. sztuka Arbuzowa potwierdzała prawa i znaczenie tzw. temat „osobisty”, wyraźnie naciskany w literaturze tamtych lat przez problemy „społeczne”, „przemysłowe” itp. Autor „Tanyi” musiał słuchać wielu wyrzutów za swoje uzależnienie od „intymności” i „sentymentalizmu”. To wtedy Arbuzow wpadł na polemiczny pomysł, że „na dwudziestu stronach Biednej Lisy Karamzina zmieści się w zasadzie cała literatura rosyjska XIX wieku”. Ta myśl wiele wyjaśnia w sytuacji dramatopisarza. Niezależnie od wahań literackiego i politycznego wahadła przez całe swoje twórcze życie interesował się złożoną i subtelną sferą ludzkich uczuć.

Nie mniej typowe dla Arbuzowa jest nieustanne poszukiwanie produktywnych form interakcji między literaturą a teatrem.

w 1938 roku wraz z reżyserem V. Pluczkiem zorganizował Moskiewskie Studio Teatralne, którego celem było stworzenie współczesnego przedstawienia zbiorowym wysiłkiem twórczej młodzieży. To, co zrodziło się z improwizacji na próbach, Arbuzov przetwarzał i zamieniał w tekst spektaklu. Tak powstała romantyczna kronika o historii budowy młodego miasta w dalekowschodniej tajdze - „Miasto o świcie” ( 1940 , nowe wyd.- 1957 ). Został wystawiony przez studia w lutym 1941 r i ciepło przyjęty przez publiczność. Studio Arbuzovskaya miało status państwowy i wraz z wybuchem wojny zamieniło się w teatr frontowy. Pozostawiony przez nią ślad nie zniknął: na podobnych zasadach studyjnych powstał później Moskiewski Teatr Sovremennik, a także wiele obecnych grup teatralnych. Nowym pomysłem Arbuzowa była pracownia młodych dramaturgów, którą prowadził w ostatniej dekadzie swojego życia.

W latach wojny z faszyzmem Arbuzow zwrócił się w stronę gatunku, który wydawał się najmniej zgodny z duchem czasu – melodramatu. Spektakl „Dom na przedmieściach” (oryginalny tytuł „Dom w Czerkizowie”, 1943 ) odtworzyła Czechowską sytuację trzech sióstr (Wiera, Nadieżda, Ljubow) w warunkach tylnego życia w czasie wojny. Dała początek uporczywym wyrzutom wobec Arbuzowa w „teatralnych”, pociągających do „wzruszających” i „żałosnych” scen itp. Jednocześnie cechy wybranego przez niego gatunku były niekiedy przedstawiane jako osobiste słabości dramatopisarza. Nie wzięto pod uwagę w szczególności, że melodramat organicznie odpowiadał charakterowi talentu Arbuzowa, o czym świadczą jego późniejsze sztuki: „Zagubiony syn” ( 1961 ), „Oczekiwania” ( 1976 ), Okrutne zamiary ( 1978 ) itp. Nawet tych kilku negatywnych postaci, które można znaleźć w jego sztukach (Agranowski w Mieście o świcie, Mołodcow w Zagubionym synu, Korolewicz z Wyboru, 1971 ), nie osiągają poziomu tak negatywnych postaci, które mogłyby znacząco wpłynąć na rozwój akcji dramatycznej. Wynika to ze specyfiki światopoglądu pisarza, który postrzegał każdą osobę z „optymistycznym założeniem” i dlatego celowo unikał dzielenia swoich bohaterów na „dobrych” i „złych”. Po Tanyi Arbuzow uznał, że jego zadaniem nie jest obwinianie bohatera, ale wyjaśnienie go. Uważał, że „najciekawsze walki, jakie może stoczyć sztuka, to walki bohatera z samym sobą”.

Te zasady twórcze zostały najwyraźniej ucieleśnione w dramacie Arbuzowa Lata wędrówki ( 1950 , pub. w 1954 ). Publikacja „Lat Wędrówek” i ich występ na scenie zbiegły się z dyskusją o „bohaterze idealnym”, toczącą się na łamach gazet i magazynów. Autorka sztuki świadomie przełamywała utarte w literaturze schematy i stereotypy, jednak nie potrafiła się ich całkowicie pozbyć. W finałowej scenie sięgnął po swoją ulubioną, sprawdzoną metodę – wysłał swoich bohaterów w rejony dalekiej północy czy Syberii na duchowe „oczyszczenie” i dojrzałość.

Zmiany w wewnętrznym świecie młodego współczesnego nadal ekscytują Arbuzowa w dramacie „Historia Irkucka” ( 1959 ). Akcja dramatu opiera się na walce o autentyczność uczuć, piękno i prawdę relacji międzyludzkich. Połączenie jasnej teatralności, publicystyki i psychologizmu w „Historii Irkucka” pozwoliło jej autorowi uniknąć „zażyłości” i przejść do formy „otwartego” dramatu.

Po Historii Irkucka Arbuzow napisał sporo sztuk, z których większość w taki czy inny sposób zmienia jego ulubione tematy i motywy. Z biegiem lat pisarz stał się mądrzejszy, co skłoniło go do ponownego przemyślenia niektórych problemów, które wcześniej poruszał. Sytuację znaną z Historii Irkucka (kocha go, ale wychodzi za innego), choć w innych okolicznościach historycznych, oddaje Arbuzow w My Biedny Marat ( 1964 ). Losy Marata, Liki i Leonidika, którzy przeszli przez wojnę, na zewnątrz rozwijają się jakby bezpiecznie. Ale zamęt psychiczny i niepokój prześladują ich wiele lat po blokadzie i froncie.

Osobliwą kontynuacją losu Wiedernikowa na nowym etapie był dramat Arbuzowa „Szczęśliwe dni nieszczęśliwego człowieka” ( 1968 ). Jej bohater, młody lekarz Krestovnikov, ostatecznie osiągnął wiele w swojej karierze naukowej, ale wiele stracił na charakterze moralnym i pozostał w istocie osobą samotną.

Szereg sztuk Arbuzowa z lat 70. wiąże się z tematem postrzegania przez człowieka zbliżającej się lub już wyprzedzonej starości: „Opowieści o starym Arbacie” ( 1970 ), „W tym słodkim, starym domu” ( 1971 ), „Staromodna komedia” (1975 ).

Orientacja głównie na sukces usługowy, wydajność, czysto racjonalistyczny styl życia z powodu utraty miłości i macierzyństwa jako podstawy szczęścia kobiet zakłóciła Arbuzov w sztuce „Zwycięzca” ( 1983 ). Ostatni dramat Arbuzowa, o wyrazistym tytule „Winny” ( 1985 ), w której centralne miejsce zajmuje problem osobistej winy matki za los porzuconego niegdyś przez nią syna. Akcja spektaklu rozwija się jako objawienie smutnych, choć odległych w czasie konsekwencji tego faktu. Pisarz wyszedł z idei rodziny, lat dzieciństwa jako nieodzownego warunku moralnego i psychicznego zdrowia osoby i społeczeństwa jako całości.

Zespół jest tym, do czego dążą wszyscy reżyserzy. Ale można ją tworzyć z ludźmi podobnie myślącymi, z ludźmi wyznającymi tę samą wiarę, którzy doskonale rozumieją siebie nawzajem i swojego lidera. Oczywiście nikt nie robi tego od razu, latami tworzy się teatr podobnie myślących ludzi, trzeba latami pracować zespołowo, dostosowywać się do siebie, podporządkowywać się prawu, które wszyscy jednakowo rozumieją, a jednocześnie udoskonalenie każdej indywidualności. Można to osiągnąć tylko dzięki wspólnym wysiłkom. To są wysiłki, które nasza młodzież pod przewodnictwem Jewgienija Simonowa zaczęła podejmować w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych.

Jewgienij Simonow przyszedł do Teatru Wachtangowa w 1947 roku, po ukończeniu szkoły teatralnej B.V. Shchukin. Nawet w szkole próbował się jako reżyser.

W teatrze na poważnie zajął się reżyserowaniem, szukając swojego stylu, swojego głosu, swojej drogi. Już w pierwszych przedstawieniach – „Letni dzień” Ts. Solodara i „Dwóch Weroncach” W. Szekspira – istniała tendencja do poetyckiego rozumienia materiału scenicznego, romantycznie optymistycznego brzmienia pracy aktorskiej i przemyślanej nasze muzyczne rozwiązanie.

Jewgienij Simonow urodził się i wychował w rodzinie aktorskiej; Tradycje Teatru Wachtangowa chłonął z mlekiem matki i podążał za nimi od samego początku swojej kariery. A jeśli jego pierwsze prace były zarówno naśladownicze, jak i nieśmiałe, to do swoich najlepszych występów doszedł jako artysta o ugruntowanej pozycji. W nich realistyczna i szczegółowo-naturalna gra aktorów łączy się z wzniosłymi, poetyckimi warunkami ich egzystencji. Poezja rzuca piękne światło na realizm gry aktorskiej i w tym tkwi urok jego przedstawień. Główna idea spektaklu dociera do widza poprzez połączenie teatralności z detalami z życia, uniesieniem i trafnością.

Tuż przed wojną studio, którym kierował dramaturg Aleksiej Nikołajewicz Arbuzow, pokazało swój pierwszy spektakl w Moskwie. Członkowie studia postanowili wspólnie napisać sztukę, a właściwie nie pisać, tylko stworzyć w etiudowym porządku, obierając za temat budowę Komsomolska nad Amurem. Każdy z uczestników wymyślił własną rolę, postać swojego bohatera, a wszystkie te koncepcje zostały dopracowane i zweryfikowane w trakcie pracy.

Tak nam opowiedział Maksym Grekow, były „Arbuzowita”, a potem po wojnie aktor naszego teatru. Spektakl nazwali „Miasto o świcie”, a jego sukces z Moskalami był głośny. To jest sztuka, którą Jewgienij Simonow wziął do następnej produkcji. Wziął go, od razu widząc w nim coś, co odpowiadało jego pojmowaniu teatru, jego stylowi.

Zbieżność materiału spektaklu i figuratywnej wizji reżysera sprawiły, że dzieło było niezwykle interesujące. Szła, jak to mówią, na jednym oddechu. Od razu znalazł się obraz spektaklu i jego rytm, aktorzy też od razu, bez zwyczajowych długich poszukiwań i wątpliwości (przynajmniej ja je prawie zawsze mam), zaakceptowali, podchwycili i zaczęli rozwijać to, co reżyser im zaoferował.

Nie oznacza to, że ciężka praca nie jest potrzebna. Ale co innego pracować, a co innego zmieniać decyzje w nieskończoność, całkowicie dezorientując aktora. Pokręcony, nie wycelowany precyzyjnie i ekscytująco zaczyna kłócić się z reżyserem, a wzajemna irytacja często osiąga takie natężenie, że nie może być mowy o jakiejkolwiek twórczej atmosferze.

Sprytni i subtelni reżyserzy starają się stworzyć na próbie atmosferę wzajemnego szacunku i przyjaźni.

Mówią, że wielki Shchukin nie lubił kłócić się słowami.

Zaproponował kilka opcji rozwiązania tego lub innego miejsca roli i uważnie słuchał reakcji na nich oraz reżysera i towarzyszy. Im aktor jest bogatszy twórczo, tym bardziej hojny i różnorodny w swoich poszukiwaniach. Oczywiście, wybierając dokładniejsze rozwiązanie, będzie ostrożny i uważny.

Dyktatura reżysera jest dobra tylko w połączeniu z poszanowaniem wolności i twórczej emancypacji aktora. A kiedy performer wie z góry, że każdy jego krok jest z góry przesądzony, wtedy ogarnia go okropny stan zależności: nieustannie, jak pisklę, czeka z otwartą buzią, co reżyser mu „włoży”. Reżyser zrobił dla niego jedną rolę, drugą, a teraz ten aktor boi się zrobić krok na własną rękę i już nie wie, jak to zrobić. Sprytny reżyser nie będzie wywierał na wykonawcy presji swoim autorytetem, da mu możliwość wypróbowania różnych opcji aktorskich. I jest możliwe, a zdarza się to dość często, że po rozważeniu wszystkiego wraz z aktorem zatrzyma się nie na własną rękę, ale na podstawie swojej decyzji. Cóż, jeśli mocno nalega na siebie, to przyprowadzi do niego aktora naturalnie i, jeśli to możliwe, nie siłą. Spory w pracy są nieuniknione. Jeśli są to poszukiwania najlepszego, są to twórcze spory. Ale jeśli te spory są starciem dwóch „nieugiętych” charakterów, to z reguły nic wartościowego z tego nie wychodzi.

Grupa teatralna to zbiór bardzo złożonych i często wrażliwych osobowości aktorskich. Można na to narzekać, ale to fakt. Taki jest teatr i jego ludzie, którzy pracują nie na marmurze, ale na nerwach, nie pędzlem, ale sercem, przeciążając psychikę. A aktorzy nie mają innego materiału. A dyrektor - kapitan na tym statku - potrzebuje dużo - i taktu, i ludzkiego zrozumienia, i wytrwałości, i dyplomacji, i woli (tylko nie złej i głupiej), i cierpliwości, i oczywiście wielkiego talentu, aby może zaproponować takie decyzje i posunięcia, że ​​aktorzy staną przed nimi zaskoczeni i zszokowani ich zaskoczeniem i trafnością. Reżyser potrzebuje wielu rzeczy i nie zawsze wszystkie pożądane cechy łączy jedna osoba.

W pracy nad „Miastem o świcie” zapanowała rzadka jedność całej kompozycji spektaklu. Zaprosili wybitnego leningradzkiego artystę teatralnego A. Bosulajewa. Dość szybko stworzył makietę przyszłego występu. Na tle bezgranicznej głuchej tajgi na scenie stała warunkowa skała z wieloma półkami i stopniami. Skała ta była bardzo wygodna dla ekspresyjnych inscenizacji i była obrazem nagiego, ponurego brzegu Amuru, na którym wylądowali pierwsi budowniczowie Komsomołu.

To na tej skale rozegrały się wszystkie dalsze wydarzenia. Jewgienij Simonow uważał przedstawienie za romantycznie podniosłe widowisko, w którym teatr od pierwszej minuty angażował widza, domagając się od niego udziału i współudziału. Jewgienij Rubenowicz po raz pierwszy w swojej pracy reżyserskiej przedstawił publiczności szczery apel. Spektakl rozpoczął się od lądowania na brzegu i wściekłego, duszącego apelu marynarza Kostii Belousa do publiczności.

A ja, wykonawca Kostyi Belousa, otrzymałem zadanie zwracania się nie do ogółu widowni, ale do konkretnych osób tam siedzących.

Czy wiesz, czym jest szczęście? I ty? Ty? Do czego dążysz, o czym marzysz, czego pragniesz przyjacielu, bracie, z którym dzieli mnie ćwierć wieku? Jakże chciałbym przebić się przez te dwadzieścia pięć lat i spędzić przynajmniej godzinę na rozmowie, spojrzeć ci w oczy, komsomołu przyszłości, poznać twoje nadzieje, twoje marzenia. Czy martwicie się, tak jak oni nas, odległymi drogami i nietkniętymi ścieżkami? Czy znasz radość nocnych sporów, czy zapomniałeś o prawie wielkiego komsomolskiego partnerstwa? Czy jesteś gotów, tak jak my, oddać życie za nieśmiertelną sprawę Lenina? Ale co, jeśli znudzisz się i staniesz się solidny i ważny ponad swoje lata - nie staniesz w obronie swojego towarzysza na pierwsze wezwanie partyjnego sumienia i nauczysz się żyć w zgodzie z nieprawdą i niesprawiedliwością?

Ale co, jeśli szukasz szczęścia w ciszy i samotności, a twoja wiara w tę świętą sprawę, której poświęciliśmy naszą młodość, nasze życie ostygła? Jeśli tak, to współczuję Ci - nigdy nie zaznasz prawdziwego szczęścia! A my – powiem to z dumą – znaliśmy go. Czy nasze serca nie biły ze szczęścia owego niezapomnianego dnia, 20 czerwca 1932 r., kiedy zeszliśmy na brzeg Amuru i stojąc wśród skrzyń i bel, koszy i walizek, śpiewaliśmy, śpiewaliśmy z suchymi gardłami szczęścia…

Ten apel do publiczności na samym początku spektaklu był jakby ostrzeżeniem przed tym, o czym będzie mowa.

I całe przedstawienie było pełne takiego zaangażowania publiczności w akcję, co zostało również podkreślone w inscenizacji – aktorzy szli prosto na rampę i zwracali się bezpośrednio do widza. W tej nagości odbioru pokładano wielkie zaufanie do widza, do jego zdolności zrozumienia pojęcia teatru. Wyrażało się to zarówno w bezpośrednich apelach do publiczności, jak iw dynamicznym prowadzeniu akcji scenicznej oraz w pewnym szaleńczym, wznoszącym się rytmie spektaklu. Był naprawdę intensywny i namiętny. Pasjonuje się rozwiązywaniem scen masowych i rozwiązywaniem wielu postaci. I głupio ortodoksyjni, prostolinijni Agranowski i Leshka Zorin gryzący zza rogu, i nieskrępowany marzyciel, żarliwie wierzący, że miasto, które budują, będzie miastem słońca i szczęścia, Zięba i chudy, pozornie kruchy i bezbronny , ale w rzeczywistości dziewczyna o nieugiętej woli - Natasza i Oksana, które odważnie wyznały swoją miłość do małego Don Kichota Zyablika, Oksana i mięczak, odeski dobry chłopak, krótkowzroczny, o odważnym sercu Altman i lekkomyślny żeglarz Kostya Belous - wszystkich tych różnych ludzi łączy pragnienie, aby wszystko zrobić, wszystko przezwyciężyć, wszystko podbić, wszystko znieść dla jasnego miasta przyszłości.

Jewgienij Simonow przesiąkł spektakl tą linią przewodnią, dzięki czemu okazał się solidny, precyzyjnie wyreżyserowany i skuteczny. Odgadywano ducha Komsomołu lat trzydziestych, ducha bezgranicznej wiary w możliwość spełnienia pragnień, ducha poświęcenia, ducha niepohamowanej energii i prawdziwego żaru. A wychowanie, pasja spektaklu zrodziła się nie z nagiego pomysłu reżysera, ale z obsesji bohaterów, ich szaleńczej chęci budowania przyszłości. Uczucia te przelały się na salę i niejako poraziły serca publiczności prądem elektrycznym.

To był jeden z tych występów, które musiały iść pełną parą, w pełnym zakresie temperamentu. I wtedy, i tylko wtedy, zdobył publiczność. Aktorzy (i prawie wszyscy grali młodzi aktorzy) - Julia Borysowa, Jurij Jakowlew, Wiaczesław Dugin, Maksim Grekow, Larisa Pashkova, Antonina Gunczenko, Michaił Dadyko, Aleksander Grave i inni - studiowali na tym przedstawieniu dopiero kolektywizm i napięcie wspólnych wysiłków w twórczości.

Ilekroć chodzi o problem młodości, o najlepsze drogi, kształcenie aktorów nowego pokolenia, przypominam sobie „Miasto o świcie”, które zasiało w naszych duszach wiele dobrego i pomogło nam zrozumieć, czym jest życie studyjne i koleżeństwo są. Jest wiele warta, kiedy czujesz wspaniałe poczucie zaangażowania we wspólną sprawę, kiedy rozumiesz, że bez Twojego wysiłku będzie słabsza.

Sposobów na kształcenie młodych aktorów jest wiele i te sposoby są potrzebne. Ale najbardziej owocny, najbardziej twórczy jest spektakl stworzony przez samą młodzież, jako ich ludzkie i twórcze credo. Oczywiście, jeśli ten spektakl się powiedzie, jeśli w pełni wyraża całą pasję, niecierpliwość i pragnienie młodych. Spektakl ten nie staje się kolejnym spośród innych, ale jest manifestem ludzkim, obywatelskim i aktorskim. Takim manifestem dla nas, wówczas początkujących aktorów, i dla reżysera Jewgienija Simonowa, który nabiera sił, była sztuka „Miasto o świcie”.

Potem były inne role, inne występy. Były sukcesy, były porażki i szare role codzienności, ale Miasto o świcie pozostało dla nas spektaklem, w którym mogliśmy pełnym głosem zadeklarować swoją twórczą pozycję, po raz pierwszy poczuć wielką moc teatru.