Gustav Klimt - portrety i pejzaże, alegorie w malarstwie. Gustav Klimt, obszerna galeria obrazów i filmów

G. Klimt „Dziewczyny”

Jednym z najbardziej znanych malarzy przeszłości jest Gustav Klimt, którego obrazy są dziś bardzo poszukiwane. Niestety jego dzieł jest niewiele, a wszystkie już dawno znalazły swoje miejsce w najlepszych kolekcjach na świecie. Ale kiedy zdarzy się cud i jego obrazy zostaną wystawione na aukcję, ich cena jest bajeczna.

Gustav Klimt, jako prawdziwy artysta, przez całe życie szukał i znajdował inspirację w kobiecym pięknie. Ale jako prawdziwy koneser długo nie pozostawał z żadnym pięknem, dlatego żadnemu z nich nie udało się uhonorować zaszczytem miana muzy Klimta.

Gustav Klimt urodził się na przedmieściach Wiednia w Baumgarten w rodzinie grawera i jubilera Ernesta Klimta, był drugim z siedmiorga dzieci - trzech chłopców i czterech dziewczynek. Ojciec Klimta pochodził z Czech i był grawerem złota, jego matka Anna Klimt z domu Finster próbowała zostać muzykiem, ale nie mogła. Klimt spędził większość swojego dzieciństwa w biedzie, ponieważ sytuacja ekonomiczna w kraju była trudna, a jego rodzice nie mieli stałej pracy. Wszyscy trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami.

Rysunku Gustav uczył się początkowo od ojca, a następnie od 1876 roku w wiedeńskiej Szkole Rzemiosł Artystycznych przy Austriackim Muzeum Sztuki i Przemysłu (nauczyciele: Karl Grakhovina, Ludwig Minnigerode, Michael Rieser), do której wstąpił jego brat Ernst 1877. Gustav Klimt studiował tam do 1883 roku i specjalizował się w malarstwie architektonicznym.

W Szkole Artystycznej i Przemysłowej, gdzie Klimt i jego bracia studiowali na stypendium, zwrócili uwagę na obiecującego ucznia. Dzięki lekcjom ojca Gustaw przyszedł do szkoły jako znakomity rysownik i zdolny projektant, ale nie pozwalał sobie na żadne odpusty. Studiował poważnie, pilnie i rozważnie, imponując nauczycielom nie tylko sukcesem, ale także fanatycznym pragnieniem zrozumienia jak najwięcej. Mówiono, że przekupił służącego Hansa Makarta – najlepszego malarza wiedeńskiego tamtych lat – aby potajemnie wszedł do warsztatu swojego idola i przestudiował metody jego pracy na niedokończonych płótnach. Jednak ani wtedy, ani później zamiłowanie do sztuki wysokiej nie przeszkodziło Klimtowi pozostać pragmatykiem – jeszcze w szkole nauczył się dobrze zarabiać rysując portrety ze zdjęć.

Jego wzorem w tym okresie był historyczny malarz gatunkowy Hans Makart. W przeciwieństwie do wielu innych młodych artystów, Klimt zgadzał się z zasadami konserwatywnej edukacji akademickiej.

Ernsta i Gustava Klimtów poczynił znaczne postępy przed osiągnięciem wieku 20 lat. W 1879 roku nawiązali współpracę ze swoim kolegą ze szkoły artystycznej Franzem Matchem i zaczęli razem pracować, szybko zyskując sławę. W 1880 r. „trio” zostało zaproszone do malowania pawilonu wód mineralnych w Karlsbadzie (obecnie miasto Karlowe Wary w Czechach).

Wczesne prace artysty wykonane są w stylu naturalistycznym. Jednak Klimt wkrótce wypracowuje własny styl, który odróżnia go od innych artystów.

Trzy lata później młodzi artyści otworzyli własną pracownię w Wiedniu, gdzie przez kilka lat wykonywali zamówienia z prowincjonalnych austro-węgierskich miast. Ale wraz z rozwojem samego Wiednia pojawiła się potrzeba artystycznego projektowania nowych budynków. Dlatego w 1886 r Klimty i Match brali udział w tworzeniu wnętrz nowego gmachu teatru narodowego, przedstawiając sceny z historii teatru na tympanonie frontonu i plafonach schodów głównych.

The Globe Theatre w Londynie - Gustav Klimt

W 1885 r. pracowali nad projektem Kunsthistorisches Museum, zapoczątkowanym przez słynnego malarza Hansa Makarta (1840-1884). To doświadczenie, oprócz satysfakcji psychicznej, przyniosło im niezłe pieniądze, które zainwestowali w rozbudowę warsztatu.

W 1888 roku Klimt otrzymał nagrodę od cesarza Franciszka Józefa - „Złoty Krzyż” za zasługi dla sztuki. Został także członkiem honorowym uniwersytetów w Monachium i Wiedniu.

W 1891 roku bracia Klimt poznali siostry Flöge – Polinę, Helenę i Emilię. Córki stolarza Hermanna Flöge pracowały jako krawcowe, a później, gdy zamożny ojciec został pierwszym wytwórcą fajek morskich w całym cesarstwie, przeniosły się na dziedzinę mody – najstarsza, Polina, kierowała szkołą haute couture młodsze siostry prowadziły dom mody, salon mody i fabrykę włókienniczą. Powtarzamy, było już później, więc Ernst Klimt zakochał się w Helenie Flöge całkiem bezinteresownie. Ale jeśli ich spotkania zostały zwieńczone szybkim ślubem, to dziwny związek Gustawa z Emilią przeciągnął się na całe życie - wciąż nie jest jasne, jak daleko zaszli. Najwyraźniej straszna tragedia zbliżyła ich do siebie już na samym początku znajomości – w 1892 roku Klimtowie stracili ojca, a trzy miesiące później młody i obiecujący Ernst dość niespodziewanie zmarł na zapalenie osierdzia. Gustav, który zawsze był dobry dla swojej rodziny, zniósł ten podwójny cios, popadł w przedłużającą się depresję i prawie porzucił pracę. Jednak Flöge regularnie odwiedzał dom, odwiedzając roczną siostrzenicę i wspierając moralnie młodą wdowę Helenę. O tym, że szczere współczucie nie będzie mu przeszkadzać, jako pierwsza domyśliła się osiemnastoletnia Emilia…

W końcu Klimtowi udało się przywrócić spokój ducha, ale wiele zmieniło się w nim bezpowrotnie. Oficjalne malarstwo akademickie, w którym osiągnął wszelkie możliwe wyżyny, nudziło go przez długi czas. Trudna sytuacja życiowa wzmocniła indywidualny styl artysty, ostatecznie go kształtując. Pierwsze pejzaże Klimt zaczyna pisać podczas podróży z Emilią w Kammer. Ekspresjonizm w twórczości artysty aktywnie rozwija się w latach 90.

Od początku lat 90. XIX wieku Klimt corocznie odpoczywał z rodziną Flöge nad jeziorem Attersee i malował tam wiele pejzaży. Gatunek pejzażu był jedynym malarstwem niefiguratywnym, które zainteresowało Klimta. Krajobrazy Klimta są podobne w stylu do jego przedstawień postaci i zawierają te same elementy projektowe. Krajobrazy Attersee są tak dobrze zagnieżdżone w płaszczyźnie płótna, że ​​czasami przyjmuje się, że Klimt oglądał je przez lunetę.

W malowidłach przedstawiających alegoryczne postacie wykonywane przez Klimta w latach 1890-1891 na sklepieniach wielkiej klatki schodowej Muzeum Historii Sztuki w Wiedniu po raz pierwszy pojawiają się cechy, które stały się głównymi w jego twórczości – wyraźna sylwetka i zamiłowanie do ornamentalizmu. Po 1898 roku twórczość Klimta nabiera bardziej dekoracyjnego, symbolicznego charakteru.

Miał już reputację znanego artysty, kiedy na początku lat 90. jego styl zmienił się i nabrał wyraźnego symbolistycznego kolorytu. Rozprzestrzenianie się stylu Art Nouveau w Europie, czy Art Nouveau, jak nazywano go w Austrii, nie tylko poruszyło Klimta, ale okazało się najważniejszym czynnikiem jego artystycznego rozwoju.

Zamiłowanie do symboliki, wyrażone w Anglii w twórczości późnych prerafaelitów, w grafice O. Beardsleya, we Francji w twórczości G. Sea, zakochało się w Klimcie, którego dzieła w dużej mierze odzwierciedlają dzieła tych artyści.

Rok 1894 stał się punktem zwrotnym w twórczej biografii Gustawa Klimta. To wtedy on i jego kolega Match zostali poproszeni o namalowanie Wielkiej Sali Uniwersytetu Wiedeńskiego. Ale z powodu nieporozumień artyści musieli zająć się osobnymi obrazami i to wkrótce Mecz i całkowicie opuścili wspólny warsztat. Co spowodowało konflikt? Chodziło o to, by Franz Match pozostał wierny staremu, tradycyjnemu obrazowi, Klimta aktywnie poszukuje nowych podejść. Doprowadziło to do tego, że w 1897 roku wraz ze swoimi podobnie myślącymi ludźmi założył i prowadził rewolucyjną Secesję Wiedeńską, grupę artystów-dysydentów.

Tak więc, dzięki jego determinacji i odwadze, Gustawa Klimta z artysty realizującego prowincjonalne zamówienia stał się liderem austriackiej awangardy. Alegoryczne obrazy „Filozofia”, „Medycyna” i „Prawoznawstwo”, zwane „wydziałem”, ukończono do 1900 roku. Byli ostro krytykowani za tematykę, którą nazwano „pornograficzną”.

Zakładano, że artysta w tradycyjny sposób przedstawi triumf nauk nad powszechnym chaosem, jednak Klimt zdecydował inaczej: „Filozofia” w swoich szkicach wprowadzała ludzi w alegoryczną mgłę, „Medycyna” obojętnie odwracała się od tłumu umierających, i „Orzecznictwo” w osobie trzech furii bezlitośnie zaatakowało ludzką ofiarę. A wszystko to okraszone sporą porcją nieskrywanego erotyzmu.

Gustav Klimt „Obrazy dla uniwersytetu” (filozofia - medycyna - prawoznawstwo)

W 1900 r. na wystawie secesyjnej Gustawa Klimta wreszcie zaprezentował „Filozofię” – swoją pierwszą pracę w ramach projektu Uniwersytetu Wiedeńskiego. W odpowiedzi osiemdziesięciu siedmiu profesorów uniwersyteckich napisało do Ministerstwa Edukacji pismo z oskarżeniami Klimtaże „wyraża niejasne idee za pomocą nieokreślonych form” i zażądał odebrania mu porządku. Ciekawe, że w tym samym 1900 roku „Filozofia” została nagrodzona złotym medalem na Wystawie Światowej w Paryżu.

Klimt przekształcił tradycyjne alegorie i symbole w nowy język, z większym naciskiem na erotykę, a przez to bardziej irytujący dla konserwatywnych widzów. Niezadowolenie wyrażały wszystkie środowiska – polityczne, estetyczne i religijne. W rezultacie obrazy nie zostały wyeksponowane w głównym gmachu uczelni. Było to ostatnie zamówienie publiczne, które artysta zgodził się zrealizować. Następnie obrazy zostały nabyte przez patrona Augusta Lederera. W latach 30. władze hitlerowskie znacjonalizowały kolekcję dzieł Klimta należącą do Lederera. Pod koniec wojny prace te przeniesiono do pałacu Immerhof, jednak w 1945 roku wkroczyły tam wojska alianckie i wycofujące się oddziały SS podpaliły zamek. Obrazy są martwe. Wszystko, co istnieje dzisiaj, to rozproszone wstępne szkice, czarno-białe fotografie trzech kiepskiej jakości obrazów i jedno kolorowe zdjęcie Hygiei z medycyny. Jego lśniące złoto i czerwień dają wyobrażenie o tym, jak potężne były te trzy zaginione dzieła sztuki.

Około pięćset lat przed naszą erą rzymscy plebejusze, urażeni aroganckimi patrycjuszami, opuścili miasto i odmówili powrotu do czasu uchwalenia sprawiedliwych praw, które zrównałyby prawa wszystkich obywateli. Za pierwszym razem tak naprawdę im się nie udało, ale rebelianci ostatecznie osiągnęli swój cel: demokracja, choć częściowo, zatriumfowała, a sam exodus przeszedł do historii pod nazwą „secesio plebis” - „secesja plebejuszy”.

Gustav Klimt, założyciel i wieloletni przywódca Secesji Wiedeńskiej – słynnego ruchu zbuntowanych artystów – mimo że urodził się na peryferiach cesarskiego Wiednia, był też z urodzenia typowym plebejuszem.

Następnie Gustawa Klimta nigdy więcej nie zajmował się zamówieniami rządowymi, woląc tworzyć małoformatowe obrazy alegoryczne do prywatnych kolekcji. A były to głównie portrety, dobrze znane wielu wielbicielom jego twórczości.

A bezwstydne piękności z obrazów Klimta nadal z powodzeniem drażniły konserwatywną publiczność. Na swojej wystawie słynny kolekcjoner hrabia Laskoroński, trzymając się za głowę, biegał od obrazu do obrazu, krzycząc: „Co za horror!” I nadal była to raczej nieszkodliwa reakcja, ale ogólnie Klimtowi zaproponowano osądzenie, wydalenie z kraju, a nawet kastrację. Odpowiedzi secesjonistów były znacznie bardziej kreatywne. Ideolog „Secesji” Herman Bahr opublikował prowokacyjną książkę „Przeciwko Klimtowi”, zbierając w niej najgłupsze i najbardziej zaciekłe ataki – czytelnik musiał się upewnić, że tylko idioci besztają Klimta. A sam Klimt nazwał swoje następne płótno „Moim krytykom” - cały pierwszy plan obrazu zajmował luksusowy kobiecy tyłek ...

I nagle, w środku bitwy, Klimt ponownie wykonał ostry zwrot - opuścił stanowisko szefa „Secesji”, założył własny Związek Artystów Austriackich i zmienił swój styl twórczy, otwierając swój słynny „Złoty okres”. Zainspirowany starożytnymi mozaikami bizantyjskimi, przypomniał sobie umiejętności jubilerskie nabyte w młodości i zaczął uzupełniać swoje obrazy wspaniałymi złoconymi ornamentami. Teraz na portretach malował tylko twarze i ręce - oprawione fantastycznym wystrojem zastępującym strój i tło, były dokładnie takie same jak ikony w złotych pensjach. A główną świątynią tego panteonu była „Złota Adele” - portret młodej piękności Adele Bloch-Bauer - obecnie najdroższy obraz na świecie.

Jest mało prawdopodobne, aby ktokolwiek był w stanie policzyć choćby przybliżoną liczbę historii związanych z tajemniczymi wydarzeniami otaczającymi obraz Klimta „Portret Adele Bloch-Bauer”, i to nie tylko dlatego, że postacie, które były bezpośrednio związane z tym arcydziełem, przeszły już do inny świat, ale obraz, jak żywy, nadal pobudza wyobraźnię ludzi swoim niezwykłym losem...

Tylko umysł żydowski może wymyślić karę dla sprawcy, wybierając w tym celu samego… wroga, który go skrzywdził. Umysł, w którym dojrzewał plan zemsty, należał do biznesmena Ferdynanda Blocha-Bauera, a Gustav Klimt, który nie mógł oprzeć się urokowi uroczej żony bogacza, Adele, wystąpił w roli „przestępcy”. Ta powieść była od dawna dyskutowana w stolicy, ale nie mogło być mowy o rozwodzie, a tym bardziej o banalnej karze fizycznej dla kochanków. Relacja między artystą a Adele powinna zakończyć się naturalnie, ale Bloch-Bauer uznał, że powinien przyspieszyć sprawę, a jednocześnie skorzystać z tej nieprzyjemnej historii, bo jego nazwisko brzmiałoby w tytule obrazu.

Klimt nieustannie potrzebował nowych relacji z kobietami, bez tego „narkotyku”, który mógłby nie tylko tworzyć, ale po prostu istnieć, dlatego po zamówieniu portretu swojej żony przemysłowiec liczył na nieuchronne wzajemne przesycenie kochanków, które nadejdzie praca na płótnie. Wysokość kontraktu na dzieło oszołomiła artystę i przez cztery lata pracował nad dziełem, wykonując wcześniej około stu szkiców.

Pracując nad portretem, Klimt wykorzystał cały arsenał twórczy charakterystyczny dla „złotego okresu” jego malarstwa: realistycznie namalowana twarz i dłonie zestawione zostały z abstrakcyjną scenerią; Strój i tło Adele zdobi egzotyczna symbolika, a atmosferę tworzy subtelny korzenny „aromat”.

Wszystkie „punkty” nakreślonego przez klienta planu zostały jednak zrealizowane, być może bez jego „genialnego” pomysłu: stan zdrowia żony pogarszał się, dużo paliła, czasami nie wstawała z łóżka przez cały dzień, a praca była często przerywany. Wszyscy byli zadowoleni z wyniku wysiłków Klimta.

W 1938 roku, gdy artysta i jego fatalny model, który przyczynił się do utrwalenia ich nazwiska, a także nazwiska Bloch-Bauer, już nie żyli, starzejący się Ferdynand, uciekając przed nazistami, pozostawił Złotą Adele swojemu rodzinie brata i osiedlił się w Szwajcarii. Maria Altman (przed ślubem - Bloch-Bauer), siostrzenica Adele, na jakiś czas stała się właścicielką ogromnych rodzinnych skarbów, w tym słynnego portretu, ale potem wszystkie skarby oddała za uratowanie męża. Hitler, choć nakazał nie ruszać dzieła Klimta, nie mógł przyjąć obrazu do swojej kolekcji ze względu na obfitość „żydowskich korzeni” związanych z jego pochodzeniem. Portret pojawił się po zakończeniu wojny, a jego stan był doskonały, co jest zasługą Aloisa Kunsta, który kiedyś żywił czułe uczucia do Marii Bloch-Bauer, aw latach wojny współpracował z gestapo. Obraz zajął swoje miejsce w Muzeum Belwederskim w Wiedniu, a Kunst nadal przechowywał dzieło, ale w oficjalnym statusie, zostając dyrektorem muzeum.

Maria Altman, która osiedliła się z mężem w Anglii, a potem w Stanach Zjednoczonych, nigdy nie wiedziałaby o losie portretu ciotki, ale dziennikarzowi Hubertusowi Cherninowi udało się dowiedzieć, że istnieje testament Ferdynanda Blocha-Bauera, według która „Złota Adele”, a wraz z nią i innymi wartościami powinna należeć do rodziny, w tym przypadku Maryi.

Dla Austrii, która uznała obraz za relikt narodowy, nadszedł czas niepokojących wydarzeń, które zmusiły ludzi, a także wszystkie instytucje władzy, do zjednoczenia się wokół chęci pozostawienia płótna w kraju w jakikolwiek sposób. Cena pięciu dzieł, wśród których znalazło się to arcydzieło, wzrosła ze 155 mln dolarów do 300 mln. Taka kwota była dla Austrii nie do zniesienia.

Pożegnanie „Złotej Adele” można by porównać do ogólnopolskiej imprezy, na której bez przymusu zgromadziły się tysiące osób pragnących pożegnać się z narodowym skarbem.

W USA zbudowano budynek specjalnie dla „Portretu Adele Bloch-Bauer”, który nazywa się „Muzeum Sztuki Austriackiej i Niemieckiej”; został zbudowany przez Ronalda Laudera, właściciela słynnego giganta perfum Esty Lauder, który kupił portret od Marii Altman za 135 milionów dolarów. Siostrzenica Adele dożyła 94 lat i zmarła spokojnie w 2011 roku.

Dla dziennikarza Czernina, zubożałego syna hrabiowskiej rodziny, który wierzył, że dzięki usługom Marii Altman będzie mógł żyć z rozmachem, los miał bardziej prozaiczny koniec: minęły zaledwie cztery miesiące po rozstaniu Austrii z arcydziełami Klimta i według oficjalnej policyjnej wersji dziennikarz zmarł na atak serca.

Najprawdopodobniej Ferdinand Bloch-Bauer coś wiedział, żądając od Klimta dzieła, które będzie żyło przez wieki.

Złoty okres” twórczości Klimta charakteryzował się pozytywną reakcją krytyków i jest dla Klimta najbardziej udany. Nazwa okresu pochodzi od stosowanych w wielu pracach artysty złoceń, zaczynających się od „ Pałac Ateny" () oraz " Judyta„(), ale jego najsłynniejszym dziełem z tego okresu jest „ Pocałunek» (-). Złote tło i symbolika zbliżona do bizantyjskiej nawiązują do mozaik z Wenecji i Rawenny, które Klimt oglądał podczas podróży do Włoch. W tym samym czasie zainteresował się sztuką zdobniczą w stylu Art Nouveau. W 1904 roku wraz z grupą artystów otrzymał zamówienie na dekorację Pałacu Stocleta, należącego do belgijskiego przemysłowca, który stał się jednym z najsłynniejszych zabytków secesji. Klimt jest właścicielem detali dekoracji jadalni, które sam przypisał swoim najlepszym pracom dekoracyjnym. W latach 1909-1909 Klimt wykonał pięć portretów kobiet w futrach.

Judith to postać kobieca, wdowa, która uratowała przed wrogami całą swoją żydowską rodzinę. Asyryjczycy oblegli jej rodzinne miasto, wdowa musiała się przebrać i udać do obozu przeklętego wroga. Była bardzo atrakcyjną panną, a dowódca wrogiej strony nie mógł ignorować jej wdzięków.

W swoich komnatach pocieszał się pięknym ciałem i pił wino. Gdy mężczyzna zasnął, dziewczyna odcięła mu głowę i dumnie położyła ją pod stopy swego ludu. Ta historia zainspirowała wielu artystów wszechczasów. Gustav Klimt nie był wyjątkiem. Przedstawił swój wizerunek odważnej i zdesperowanej kobiety.

W jego rozumieniu Judyta jest femme fatale. Przedstawił ją wychodzącą z namiotu wroga. Dziewczyna nie miała czasu na uporządkowanie się i nawet nie zawinęła brzegów szaty. Jej piersi lekko wystają spod sukienki. Głowa w dłoni nie jest od razu widoczna. Autorka starała się pokazać jej dumny i nieco arogancki wygląd. W tej bitwie stała się prawdziwym zwycięzcą i nie ma znaczenia, że ​​wróg był pijany i spał. Bohaterka nadal pozostaje kruchą, kobiecą osobą, która jest gotowa walczyć do końca.

Artysta namalował obraz w 1901 roku. Żona słynnego bankiera w Wenecji pozowała do tego portretu. Praca trwała kilka lat, potem powstał nowy związek z cudzą żoną. W rezultacie świat ujrzał sprzeczne płótno. Z jednej strony jest to kobieta, która stała się zbawicielem. Myślała o zwycięstwie ludu i dlatego oddała swoje wdzięki Holofernesowi. Wielu ją potępia, bo to była bardziej zemsta i przypływ gniewu na całą męską populację.

Wszyscy wiedzą, że młoda dziewczyna była nieszczęśliwa w swoim małżeństwie, nawet nie płacze, gdy dowiaduje się o śmierci męża. Autor używa kolorów słonecznych jako symbolu zwycięstwa i nowego okresu w życiu Żydów. Ale oczy bohaterki są praktycznie zamknięte, nie wiadomo, czy cieszy się z tej egzekucji, czy żałuje popełnionego morderstwa.

Biografowie twierdzą, że to właśnie z powodu jego upodobania do minimalizmu w wielkości prac, Gustawa Klimta otrzymał największe zlecenie w swoim życiu - zlecenie na projekt nowego domu belgijskiego przemysłowca Adolphe'a Stocleta, zwanego Frieze Stoclet.

Do najsłynniejszych dzieł Klimta należy fryz, który wykonał w jadalni pałacu Stocklet w Brukseli, zbudowany przez J. Hofmanna. Sama architektura Pałacu Stoklet jest typowym dziełem secesji, a fryz Klimta odpowiada stylowi budynku. Bizantyjskie mozaiki zrobiły na Klimcie ogromne wrażenie, co szczególnie widać w scenerii tego pałacu. Mozaiczność zresztą tkwiła także w jego malarskim stylu - całe płaszczyzny na swoich obrazach komponował z osobnych kawałków koloru, wszelkiego rodzaju zawijasów i fragmentów zdobniczych. We fryzie Pałacu Stoklet pracuje bezpośrednio w technice mozaiki: barwna kompozycja składa się z kolorowej emalii, szkła, ceramiki, metalu, częściowo złoconego, kości słoniowej, masy perłowej.

Użycie drogich, egzotycznych materiałów w tym fryzie jest również w stylu Art Nouveau. Na tle fryzu drzewa o konarach stylizowanych na spiralne loki, z liśćmi i ptakami. We fryzie znajdują się również wizerunki postaci ludzkich – „Oczekiwanie” w postaci postaci kobiecej, której suknię zdobi ornament loków i trójkątów przedstawiających oko. Twarz jest tak podobna do japońskiej, że można by pomyśleć, że jest kopią ryciny popularnego wówczas Hiroeige. Dwie pozostałe postacie łączą się w uścisku, przypominającym kompozycją motyw wielokrotnie powtarzający się w obrazach Klimta.

Gustav Klimt to lider wiedeńskiej awangardy przełomu wieków, aktywny członek secesyjnej społeczności twórców nowatorskich. Najlepszym dziełem Klimta są jego późniejsze portrety, z ich płaskimi, niecieniowanymi powierzchniami, przezroczystymi, mozaikowymi kolorami i kształtami oraz krętymi, ozdobnymi liniami i wzorami. Obrazy Klimta łączą dwie przeciwstawne siły; z jednej strony jest to pragnienie absolutnej swobody w przedstawianiu przedmiotów, co prowadzi do gry ornamentalnych form. Prace te są w istocie symboliczne i należy je postrzegać w kontekście symboliki jako wyrazu nieosiągalnego świata ponad czasem i rzeczywistością. Z drugiej strony jest to siła percepcji natury, której wpływ łagodzi blask ornamentyki w jego obrazach.

Gustav Klimt tworzył obrazy, które w swojej koncepcji artystycznej bliskie były przedmiotom sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Same wrażenia rzeczywistości posłużyły jedynie jako pretekst do obrazu, ale nie jako jego treść. Postacie i przedmioty stylizowano w duchu secesji. Tło Klimta było zawsze płaskie, utkane z małych wzorów. Kontrastem do tego tła były iluzoryczne, wolumetryczne interpretacje fragmentów obrazu – najczęściej twarzy.

Klimt przedstawiał postacie jako wydłużone, często uciekając się do ostro wyrazistej sylwetki profilowej. Inscenizacja postaci Klimta jest czysto warunkowa, rzeźbiarska; jeśli przedstawia dwie osoby, to najczęściej jest to fabuła uścisku, pocałunku, jeśli w kompozycji jest kilka postaci, to wszystkie łączą się w jedną grupę, a wokół nich rozciąga się to samo warunkowe ozdobne tło.

Modele przedstawione przez Klimta zawsze charakteryzują się wzmożoną emocjonalnością: są nerwowe, spięte, zmysłowe, agresywne. Był to jego indywidualny ton postrzegania rzeczywistości. Zostało to ujawnione w pracach przygotowawczych Klimta - jego rysunkach. Jeśli za życia artysty jego rysunki były mało znane i nie przywiązywano do nich większej wagi, to w ostatnich latach dziedzictwo graficzne Klimta przyciągnęło wielką uwagę publiczności i kolekcjonerów. W Europie z powodzeniem odbyło się kilka wystaw poświęconych wyłącznie rysunkom Klimta.

W 1909 roku Klimt kontynuował temat Judyty, nie biorąc pod uwagę negatywnej reakcji społeczeństwa na poprzednie prace, które w istocie były dalekie od wątków opisanych w Biblii. Tradycyjne pojęcia cnoty ponownie ustąpiły miejsca własnemu, „nasiąkniętemu” zmysłowym erotyzmem światopoglądowi.

W obrazie „Judyta II” malarzowi udało się stworzyć obraz pokazujący, jak potężne wewnętrzne siły mogą kryć się w „słabej” kobiecej naturze. W tym okresie życia i twórczości Klimta, w miłosnym związku z Adele Bloch-Bauer, chyba jeszcze tliła się jakaś iskierka, bo inaczej skąd ta straszna, a zarazem czarująca moc złej energii wybuchnie z płótna .

Klimt nie zareagował szczególnie na szum wokół swojej pierwszej „Judyty”, co uraziło uczucia zarówno żydowskiej burżuazji, jak i ludzi wyznania chrześcijańskiego, ale tym razem postanowił nie umieszczać na ramie napisu wskazującego nazwę obrazu wiedząc już, że praca będzie mówić sama za siebie („Judyta i Holofernes” została przedstawiona w miedzianej ramie, na której wygrawerowano jej imię).

Lud uznał, że tą fatalną kobietą, która przyciąga wzrok, ale odpycha duszę, może być tylko Salome, której taniec musi być poświęcony Erosowi, ukazana w intrygującym duecie ze Śmiercią; widz musiał czekać na „rozwiązanie”, przeżywając słabnące napięcie. W wielu katalogach praca była wymieniona pod nazwiskiem biblijnej tancerki, która swoim „piekielnym” tańcem zniszczyła Jana Chrzciciela, ale fakt, że Klimt stworzył postać kobiecą, która mogła uosabiać najbardziej okrutne fantazje, nazywając go imieniem pobożnej Judyty, ponownie wywołał ostro negatywną reakcję krytyków.

Artysta nigdy nie wyjaśnił szczegółów swoich prac, więc nie wiadomo, co według intencji autora może łączyć dwa tak przeciwstawne obrazy.

Jeśli w obrazach i malowidłach ściennych Klimta można znaleźć wiele „cytatów * z twórczości innych artystów, uderzające jest eklektyczne pochodzenie jego stylu, pompatyczna i nadmierna stylizacja języka artystycznego, to na rysunkach, gdzie artysta krótko zapisał wrażenia na temat? charakter i plany dotyczące przyszłych obrazów, objawia się jego wnikliwość. umiejętność ukazania istoty, charakteru modelki, stworzenia wyrazistym obrazem artystycznym zwięzłymi środkami.

Bezpośredniość i szczerość Klimta jako rysownika wyjaśnia historykowi, dlaczego jako osobowość artystyczna miał tak ogromne wpływy w Wiedniu przełomu wieków. Klimt był bardzo utalentowanym artystą, ale za cel swojej pracy uważał nie ujawnienie indywidualnego spojrzenia na świat, ale stworzenie pewnego stylu wspólnego dla sztuki plastycznej i dekoracyjnej. Dlatego zapożyczył i sam stworzył pewne „klisze” obrazów i ornamentów, które stale stosował w swoich pracach i które upodabniają je do siebie. Starał się nadać swoim utworom głęboki wydźwięk filozoficzny i psychologiczny. Niejasność obrazów i skojarzeń ucieleśnionych przez Klimta. jakby echem psychoanalitycznych konstrukcji jego współczesnego, wiedeńskiego lekarza Zygmunta Freuda.

Niejasność stosowanych przez artystę symboli, podkreślana wieloznaczność w odczytywaniu wszystkich jego kompozycji sprawiała, że ​​nie poddawały się one jednemu, ściśle ustalonemu rozszyfrowaniu, ale mogły być interpretowane przez każdego w zależności od jego doświadczenia artystycznego. Tak więc opcje odczytania jego kompozycji „Nadzieja”, powstałej w 1903 roku i przedstawiającej młodą nagą kobietę z otwartym łonem, w środku którego leży dziecko, mogą być niejednoznaczne. Za nią szkielet i kilka potworów, przypominających o tym, że kontynuacja ludzkiego życia przechodzi pod znakiem śmierci.

Klimt prowadził raczej skromne życie, pracował we własnym domu, cały swój czas poświęcał malarstwu (w tym ruchu secesyjnemu) i rodzinie, nie utrzymywał przyjacielskich stosunków z innymi artystami. Był na tyle sławny, że otrzymywał wiele prywatnych zamówień i mógł wybierać spośród nich to, co go interesowało. Podobnie jak Rodin, Klimt używał mitologii i alegorii, aby ukryć swoją głęboko erotyczną naturę, a jego rysunki często zdradzają czysto seksualne zainteresowanie kobietami. Z reguły jego modelki zgadzały się pozować w dowolnych pozycjach erotycznych; wiele z nich było prostytutkami.

Klimt pisał bardzo mało o swojej wizji sztuki czy swoich metodach. Nie prowadził pamiętnika, do Flöge wysyłał pocztówki. W Komentarzu do nieistniejącego autoportretu stwierdza: „Nigdy nie malowałem autoportretów. Jestem o wiele mniej zainteresowany sobą jako obiektem zdjęcia niż innymi ludźmi, zwłaszcza kobietami... Nie ma we mnie nic szczególnego. Jestem artystą, który maluje dzień po dniu od rana do wieczora… Kto chce się czegoś o mnie dowiedzieć… powinien uważnie przyjrzeć się moim obrazom”.

Gustav Klimt nigdy się nie ożenił, ale miał wiele romansów. Przypisuje mu się od trzech do czterdziestu nieślubnych dzieci. Na przykład austriacki reżyser i operator filmowy Gustav Ucicki twierdził, że jest synem Klimta.

Według biografów w jego najdłuższym i najbardziej intymnym związku z kobietą seks mógł być całkowicie nieobecny.

Metodami „zarządzania” Klimt zaskakująco przypominał innego znamienitego mieszkańca ówczesnego Wiednia – Zygmunta Freuda, który również dorobił się fortuny na zachciankach bogatych pań. Nawiasem mówiąc, na tym podobieństwa się nie kończą. Erotyzm, który przenika prawie każde płótno Klimta, zadziwiająco odbija się echem wszechobecnego freudowskiego libido, a symboliczne zderzenie żywiołów świata – kolejny motyw przewodni jego twórczości – jest tradycyjnie interpretowane przez freudowską konfrontację Erosa i Thanatosa. Chociaż nadal nie wiadomo, co stało się wcześniej, ponieważ Freud rozwinął tę część swojej teorii po śmierci Klimta.

To, czy Klimt brał udział w konsultacjach z Freudem, jest oczywiście interesującą kwestią. Oczywiście Gustav ze swoją słabo skrywaną erotomanią był prawdziwym odkryciem dla psychoanalityków, ale jest mało prawdopodobne, aby on sam uważał swoją słabość za chorobę wymagającą leczenia. Wręcz przeciwnie, chętnie podążał za młodymi czarodziejami, a gdy pozwalały na to dochody, urządzał w swoim warsztacie prawdziwy seraj. Kiedy właściciel w sandałach i antycznym greckim płaszczu na nagim ciele pracował za płótnem, zwykle wędrowali, leżeli i siedzieli, jedząc owoce, trzy lub cztery nagie modelki – niewyczerpane źródło inspiracji. Od czasu do czasu krzyczał do jednego z nich „Stój!”. i naszkicował pozę, która zrobiła na nim wrażenie - po Klimcie pozostało kilka tysięcy takich szkiców, nie licząc tych, które spalił, uznając je za niepotrzebne.

Nie trzeba dodawać, że nowy sułtan nie ograniczał się do platońskiej kontemplacji dziewczęcej urody, a jego modelki regularnie rodziły dzieci. Plotka przypisywała Klimtowi tuzin nieślubnych dzieci, które, nawiasem mówiąc, chętnie uznawał za własne i dawał pieniądze na ich utrzymanie. Gustav wyróżnił niejaką Mizzi, Marię Zimmerman, która urodziła mu syna i córkę, - patronował jej przez całe życie, pomagał nie tylko pieniędzmi, ale i dobrą radą, odwodząc ją kiedyś od uwodzicielskiej, ale niebezpiecznej kariery artysta.

Była córką producenta fajek Hermanna Flöge (1837-1897) i najpierw kształciła się jako krawcowa. Później została projektantką mody i wraz z siostrą Heleną prowadziła od 1904 roku w Wiedniu salon haute couture o nazwie Flöge Sisters.

Życie Emilii jest tematem książki Elizabeth Hickey The Painted Kiss. Malowany pocałunek) (odniesienie do obrazu Klimta „Pocałunek”) (Wikipedia)

W 1904 roku trzy siostry Flöge założyły dom mody i stały się czołowymi kreatorami mody w Wiedniu. Dostosowując paryską modę do lokalnych gustów i tworząc własne projekty, siostry ubierały najbardziej eleganckie – i zamożne – kobiety w Austrii. Klimt przyczynił się do powstania modeli Flöge i pomógł udekorować pokój demonstracyjny.

Stopniowo Emilia i Gustaw stali się nierozłączni – przynajmniej w biznesie. Wielu biografów i ekspertów wątpi, że mieli romans. Emilia była dumna ze swojej nowoczesności, w życiu osobistym nikt nie miał dla niej porządku, a Klimt najwyraźniej traktował ją jak równą sobie osobę.

Jednak Klimt namalował tylko kilka portretów Emilii. Na szczególną uwagę zasługuje płótno z 1902 roku. Oddając hołd ulubionemu dziełu kobiety (była współwłaścicielką domu mody Sisters Flöge i utalentowaną projektantką mody), artysta ubrał ją w strój o złożonym ornamentalnym wzorze w swoim „popisowym” stylu. Ale ważniejsza na tym obrazie Gustava Klimta jest troska, z jaką napisana jest twarz i ręce Emilii. Naukowcy uważają, że tak drobny szczegół sugeruje, że dokładnie znał tę twarz i ręce.

Biografowie wciąż nie mogą dojść do porozumienia co do relacji między Klimtem a Flöge. Niektórzy twierdzą, że była jego stałą kochanką, z którą nigdy się nie ożenił. Inni są pewni, że ich związek był wyłącznie platoniczny i dlatego Emilia nie urodziła artysty dziecka. Tak czy inaczej, związek Klimta i Flöge trwał 27 lat, a według naocznych świadków ostatnimi słowami artysty po udarze, który go uderzył, była prośba o wysłanie po Emilię.

Po co upokarzać godną kobietę fikcyjną zażyłością z maniakiem seksualnym, który zdradzał ją niemal codziennie? Tylko dlatego, że ktoś zobaczył twarz Emilii w słynnym „Pocałunku” Klimta? A więc to tylko jedna z hipotez, bohaterka „Pocałunku” nie bardzo przypomina wiarygodne portrety Emilii. Ale gdyby Klimt chciał przedstawić Emilię, zrobiłby to bez trudu - ze swoją fotograficzną dokładnością ... Ponadto w „Pocałunku” biorą udział dwie osoby, a mężczyzną powinien być oczywiście sam Klimt. Ale artysta oficjalnie stwierdził w prasie, że jego autoportrety nie istnieją, ponieważ nie uważa się ani za odpowiedni materiał do twórczości, ani za wystarczająco interesujący przedmiot dla widza.

Opis obrazu Gustava Klimta „Portret Adele Bloch-Bauer II”

„… Strasznie czuła i ospała… Twarz uduchowiona… Zadowolona z siebie i elegancka”, to fragment frazy Marii Altman, siostrzenicy Adele Bloch-Bauer, która z podziwem i miłością wspominała swoją słynną ciotkę, z największym powodzeniem pasuje jako epigraf do czwartego – ostatniego dzieła Klimta, na którym uwieczniona jest jedna z jego osobliwych „muz”.

„Portret Adele Bloch-Bauer II” został napisany przez mistrza w 1912 roku, pięć lat po stworzeniu „Złotej Adele”. Piękno bohaterki nie przeminęło przez lata, jej ciemne włosy i jasne zmysłowe usta są nadal atrakcyjne; ich kontrast z bladym odcieniem płótna nadaje im umiarkowanie dozowanej świeżości. Spojrzenie jest równie pewne, choć dodano do niego ledwo wyczuwalny smutek. „Podpisowy” ornament Klimtiana wygląda harmonijnie. Mistrz nie zaczął tworzyć głębi perspektywy, decydując się na zatrzymanie w samolocie. Suknia Adele jest również przedstawiona w zwykłej dwuwymiarowej płaszczyźnie, dotyczy to również wnętrza podzielonego na dwie części: czerwoną i zieloną.

Znaczna część elementów obrazu jest wykonana w uproszczonej formie, a wizerunek dłoni wygląda wręcz schematycznie, ale całą uwagę widza przykuwa twarz, która należy do rozpieszczonej kobiety, ale jakże tajemniczej i „głębokiej ”.

Adele stoi na ścieżce ogrodowej, w jej pozie jest trochę podobieństwo do malarstwa ikonowego. Mąż Ferdynand, najwyraźniej zadowolony z realizacji swego „jezuickiego” planu, według którego Klimt powinien był wyrobić w sobie niechęć do modelki kochanki, nie sprzeciwia się już pojawieniu się żony w ogrodzie malarza. W Wiedniu krążyło wiele złych plotek o tym ogrodzie, w którym można było spotkać nagie damy różnych klas. Plotka głosiła również, że Klimt malował obrazy z nagich modelek i „ubierał” je w ozdobne stroje dopiero na samym końcu pracy. Najprawdopodobniej w tym okresie związku malarza z Adele ich związek był już daleki od burzliwej namiętności, którą nasycone były poprzednie płótna.

Dzieło, podobnie jak jego pierwsza wersja, opuściło Austrię w 2006 roku i obecnie znajduje się w Stanach Zjednoczonych.

Nie, nie należy szukać „wiernej i wiecznej miłości” w biografii Klimta. Jak nikt inny potrafił przedstawiać kobiety jako niewymownie pożądane, ale to wcale nie znaczy, że przynajmniej raz w życiu nawiedziło go irracjonalne uczucie zakochania. Absolutny pragmatyk w pracy i życiu codziennym Klimt nie należał do grona ludzi pochłoniętych przez pasje. Ponadto przez całe życie dążył do całkowitej wolności i bardzo możliwe, że świadomie unikał długotrwałych przywiązań i głębokich zainteresowań - miał dość łatwo dostępnych modeli i frywolnych wielbicieli.

Jedyną kobietą, która przez całe życie cieszyła się niezmiennym oddaniem i miłością Gustawa, była jego matka Anna Klimt. Marzyła o profesjonalnym muzykowaniu i podróżowaniu po świecie z koncertami, ale nie było to pisane jej spełnić. Nie wiadomo, co dokładnie to spowodowało: albo brak talentu, albo małżeństwo i narodziny siedmiorga dzieci. Tak czy inaczej, w końcu Anna postanowiła całkowicie poświęcić swoje życie swojemu słynnemu synowi. Nie wychodziła z nim i nie próbowała przypisywać sobie niektórych zasług Klimta, ale po prostu spokojnie i niepostrzeżenie mieszkała w domu syna, dbając tylko o to, by zawsze miał ciepły obiad i czyste ubranie. Sam artysta przyjął to za pewnik, choć nie miał szczególnych zachcianek. Pochłonięty pracą często zapominał o jedzeniu i wolał tradycyjną niebieską bluzkę artysty od innych ubrań. Przez wszystkie lata cicho i niepostrzeżenie mieszkała obok swojego słynnego syna, przygotowując mu śniadanie, zabierając go na nieczęste wyjazdy i udając, że nic nie wie o obyczajach jego warsztatu. Prawie całe moje życie Gustawa Klimta spędził w Wiedniu, mieszkając z matką. Mimo silnej budowy ciała i zamiłowania do sportu coraz bardziej popadał w depresję, a od 1912 r Klimta zmuszany do chodzenia nad wodę co roku. Śmierć jego matki w 1915 roku zszokowała Klimta bardziej niż wszystkie okropności wojny światowej.

6 lutego Gustav Klimt zmarł w Wiedniu na zapalenie płuc, wcześniej przeszedł udar. Został pochowany na cmentarzu Hietzing w Wiedniu. Wiele obrazów pozostało niedokończonych.

Ogólnie rzecz biorąc, w pierwszych latach naszego stulecia Klimt wielokrotnie wchodzi w konflikt z opinią publiczną, która nie akceptuje jego dzieł. W 1903 r. Secesja organizuje osobistą wystawę Klimta, ale po tym artysta zrywa ze związkiem, co wskazuje na jego nieporozumienia z kolegami.

Niemniej jednak, choć Klimt nie był artystą równym i nie zawsze był rozumiany przez współczesnych, miał ogromny wpływ na rozwój sztuki austriackiej na początku XX wieku. Klimt jako pierwszy wprowadził pojęcie wielkiego stylu do malarstwa austriackiego.

Pod koniec życia w 1917 roku Klimt zdobył pełne oficjalne uznanie, zostając honorowym profesorem akademii w Wiedniu i Monachium.

Charakterystyczny dla niego ostro indywidualny sposób rysowania stał się podstawą poszukiwań młodszych artystów, przyszłych przedstawicieli ekspresjonizmu - Oskara Kokoschki i Egona Schielego.

O szerokim uznaniu twórczości artysty świadczy fakt, że za jego życia jego prace kupowali nie tylko prywatni kolekcjonerzy, ale także duże galerie państwowe. Tak więc w 1908 roku Galeria Sztuki Nowoczesnej w Rzymie kupiła jego pracę „Trzy wieki kobiety”, a Austriacka Galeria Państwowa kupiła „Pocałunek”. To prawda, że ​​\u200b\u200bdo tego czasu udało mu się pokłócić z uczestnikami Secesji i opuścić tę organizację. 6 lutego 1918 roku artysta zmarł u szczytu sławy – rzadkości w historii malarstwa.

Prace Klimta sprzedawały się z niesłabnącym powodzeniem nawet po śmierci autora, stale podnosząc cenę. Podczas II wojny światowej naziści kupowali płótna artysty za darmo od prywatnych właścicieli, wśród których było wielu Żydów. Ratując swoje życie, kolekcjonerzy nie wahali się rozstać ze swoim dobytkiem. Do połowy XX wieku ikoniczne obrazy Austriaków osiedliły się w galeriach państwowych. Aukcje składały się głównie z rysunków.

Na początku lat 70. pejzaż Klimta można było kupić za 400 000-600 000 USD. W 1978 roku nowojorski dealer Serge Sabarsky kupił dzieło mistrza „Park” za 500 000 USD. Portrety, które sporadycznie trafiały na rynek, były wówczas wyceniane do 1 milion dolarów Dekadę później ceny podobnych dzieł wzrosły prawie 4-krotnie. Na przykład w 1987 roku mieszkanka Kanady, pani Primavesi, sprzedała w Sotheby's wspaniały portret własnej matki pędzla Gustava Klimta - „Portret Eugenii (Mada) Primavesi”. Warto zauważyć, że płótno należało do najsłynniejszego tzw. złotego okresu mistrza. Japoński marszand Shigeki Kameyama kupił go za jedyne 3,85 miliona dolarów. Ale w 1994 roku obraz Dama z wachlarzem z tego samego okresu został sprzedany w Sotheby's za 11,5 miliona dolarów. Jezioro Attersee II „poszło pod młotek w Christie's za 23,5 miliona dolarów. Sprzedawca , który dziesięć lat wcześniej kupił ten obraz w Sotheby's za 5,3 miliona dolarów, zarobił 18,2 miliona dolarów. W 2003 roku „Country House in the Attersee” został sprzedany firmie Sotheby's za 29,128 miliona dolarów. Zaledwie trzy lata później ceny dzieł Klimta na tym samym poziomie i ten sam okres ponownie wzrósł. Po skandalu sądowym (który zostanie omówiony poniżej), „Domy w Unterach niedaleko Attersee” zostaną sprzedane w Christie's za 31,4 miliona dolarów.Na aukcjach sprzedawano nie tylko gotowe płótna i szkice ołówkiem, ale nawet pocztówki akwarelowe napisane przez samego Klimta. Tak, w październiku 1999 r. W Sotheby's nieznany nabywca kupił zestaw 24 pocztówek za 481,4 tys. dolarów.

Dla światowego rynku sztuki rok 2003 był sensacją. Sąd amerykański po długich opóźnieniach uwzględnił pozew obywatelki USA Marii Altman przeciwko Republice Austrii. 76-letnia powódka zażądała wydania jej pięciu obrazów Gustava Klimta, przechowywanych w Galerii Austriackiej, mieszczącej się w wiedeńskim Belwederze. Pani Altmann, spadkobierczyni zmarłego austriackiego przemysłowca Blocha-Bauera, twierdziła, że ​​obrazy zostały bezprawnie odebrane jej przodkowi przez nazistów, z których rąk trafiły do ​​galerii. Podstawą pozwu była austriacka ustawa restytucyjna w nowym wydaniu, która weszła w życie kilka lat wcześniej. Niewykluczone, że starszej pani tak doradzili fachowcy. „Prawdopodobnie nie była to tylko jej osobista decyzja. Przyznaję, że Maria Altman została doradzona do pozwu o płótna przez osoby, które zamierzały na tym dobrze zarobić” – mówi właścicielka galerii Bosco. Rzeczywiście, na światowym rynku sztuki od wielu lat brakuje ikonicznych obrazów wielkich artystów. A prowokowanie procesów naprawczych jest jednym z niewielu skutecznych sposobów na nadrobienie tego niedociągnięcia. Tak czy inaczej wydarzenie zyskało bezprecedensowy rozgłos, ponieważ wśród kontrowersyjnych obrazów znalazła się perła nie tylko austriackiej galerii i twórczości Klimta, ale całej nowoczesności - obraz „Portret Adele Bloch-Bauer I” , napisany w 1907 r. Austriacy nazywali ją swoją Mona Lisą.

Uwieczniona na płótnie Adele była młodą żoną starszego biznesmena i filantropa Blocha-Bauera, który przez wiele lat wspierał finansowo Klimta. To on był kiedyś klientem portretu. Nawiasem mówiąc, Frau Bloch-Bauer przeszła do historii również jako jedyna modelka, z której Gustav Klimt dwukrotnie namalował portret.

Wydawało się, że wniosek Marii Altman ma bardzo mgliste perspektywy sądowe. Zwłaszcza jeśli weźmie się pod uwagę zaawansowany wiek powoda. Ale tym bardziej sensacyjnym w 2006 roku było orzeczenie sądu na jej korzyść. W Austrii wybuchła panika. Członkowie rządu rzucili się w poszukiwaniu mecenasów, którzy zechcieliby kupić od dziedziczki pięć obrazów, następnie bankierów, którzy chcieli udzielić pożyczki na to przedsięwzięcie, aż w końcu podjęli nieudaną próbę emisji „obligacji Klimta” w celu pozyskania wymagana kwota. A nowa kochanka tymczasem uzupełniła cenę towaru: 100 mln dolarów, 150 mln dolarów, 200 mln dolarów... Kiedy stara kobieta zażądała 300 mln dolarów za obrazy, Austriacy opuścili ręce. Zimą 2006 roku kanclerz federalny Austrii oficjalnie ogłosił zakończenie negocjacji i odmowę państwa z prawa pierwszeństwa zakupu. A latem tego samego roku wybuchła nowa sensacja: „Portret Adele Bloch-Bauer I” został kupiony przez filantropa Ronalda Laudera, spadkobiercę słynnej Estée Lauder, założycielki imperium kosmetycznego o tej samej nazwie, za rekordowe 135 milionów dolarów.Tym samym obraz ten stał się wówczas najdroższym na świecie, bijąc rekord 104 milionów dolarów ustanowiony w 2004 roku w Sotheby's dla Chłopca z fajką Pabla Picassa. Niezbędnym warunkiem zakupu było zobowiązanie Laudera do wystawienia portretu we własnej nowojorskiej galerii Neue Galerie do publicznego wglądu. Transakcja została zawarta z pominięciem licytatorów, co pozwoliło biznesmenowi zaoszczędzić do 20% swojej wartości na prowizjach. Nawiasem mówiąc, ten sposób uzupełniania kolekcji jest wybierany przez wielu kolekcjonerów. Według Europejskiej Fundacji Sztuk Pięknych (TEFAF) wielkość światowego prywatnego rynku sztuki w 2007 roku wyniosła 30 miliardów dolarów.

Na uwagę zasługują także losy pozostałych czterech obrazów z Belwederu. Szum wokół pierwszego portretu Adele zrobił swoje: gorąca publiczność aukcyjna była gotowa rozstać się z milionami bez żalu. W 2006 roku cztery płótna z Belwederu trafiły pod młotek w Christie's za 192,6 dolara. Portret Adele Bloch-Bauer II przyniósł 87,9 miliona dolarów (szacowany na 40-60 milionów dolarów). Za „Brzozowy las” – 40,3 mln dolarów (szacunkowo – 20-30 mln), „Jabłonię I” – 33 mln dolarów (szacunkowo – 15-25 mln dolarów), a „Domy w Unterach koło Attersee”, jak już wspomniano, za 31,4 dolarów mln (szacunek - 18-25 mln $). Pani Altman skromnie wtedy przyznała prasie, że jest zadowolona z rezultatów transakcji. A Edward Dolman, dyrektor generalny Christie's International, potwierdził: „2006 był fenomenalnym rokiem dla Christie's”. To właśnie w 2006 roku sprzedaż domów wzrosła o 36% w ujęciu pieniężnym. Tylko wpływy ze sprzedaży impresjonistów i modernistów przekroczyły 1,2 miliarda dolarów.Historia sprzedaży „Złotej Adele” radykalnie wpłynęła na gwałtowny wzrost cen wszystkich wystawianych na sprzedaż dzieł Klimta. Co więcej, niektórzy eksperci oceniają ten wpływ negatywnie. Tak więc amerykańska historyczka sztuki Elizabeth Kuzhavsky zauważa: „To sztuczny rynek stworzony przez jedną osobę. We wszystkich przypadkach niedawnej sprzedaży Klimta ceny jego dzieł były nieracjonalnie zawyżone co najmniej dwukrotnie. To wszystko wina, głównie "Złotej Adele". W odpowiedzi Lauder pół żartem, pół serio odpowiada: „Nie miałem zamiaru w żaden sposób kształtować rynku. Po prostu mam pasję. Nikt na całym świecie jej nie chciał („Złota Adele” - ok. Aut.) Tak jak ja ”

W 2006 roku ukazał się hollywoodzki film „Klimt”. Obraz zaczyna się od tego, że umierający w klinice artysta, grany przez Johna Malkovicha, mamrocze: „Kwiaty, kwiaty…”. „Jakie kwiaty?” - wszyscy na oddziale rozglądają się zdezorientowani... Na konferencji prasowej reżyser Raul Ruiz został zapytany, czy to aluzja do symbolu tamtej epoki - "Kwiatów zła" Charlesa Baudelaire'a? W odpowiedzi Ruiz roześmiał się: „Kwiaty to te same komórki, których podział w jednym z odcinków pokazuje artyście pod mikroskopem jego przyjaciel, lekarz, komórki kiły, które zabiły Klimta”

Odniesienie:

Nowoczesny styl(z francuskiego moderne – nowoczesny, inna nazwa: art nouveau (fr. art nouveau, dosł. „nowa sztuka”), Jugendstil (niem. Jugendstil – „młody styl”) – kierunek artystyczny w sztuce, najpopularniejszy w II poł. XIX - początek XX w. Cechami charakterystycznymi stylu Art Nouveau jest odrzucenie linii prostych i kątów na rzecz linii bardziej naturalnych, „naturalnych”, zainteresowanie nowymi technologiami (np. w architekturze), rozkwit sztuki użytkowej.

Art Nouveau dążyło do połączenia funkcji artystycznych i użytkowych tworzonych dzieł, do włączenia w sferę piękna wszystkich sfer ludzkiej aktywności. W innych krajach jest również nazywany: „tiffany” (nazwa pochodzi od L.K. Tiffany) w USA, „art nouveau” i „fin de siècle” (dosł. „koniec stulecia”) we Francji, „art nouveau” (więcej dokładnie „Jugendstil” - niemiecki Jugendstil, od nazwy ilustrowanego magazynu Die Jugend założonego w 1896 r.) w Niemczech, „styl secesyjny” (Secessionsstil) w Austrii, „styl nowoczesny” (styl nowoczesny, dosł. „styl nowoczesny”) w Anglii, „styl Liberty” we Włoszech, „modernismo” w Hiszpanii, „Nieuwe Kunst” w Holandii, „spruce style” (styl sapin) w Szwajcarii.

Biografia
Gustav Klimt (1862-1918) – artysta, twórca secesji w malarstwie austriackim. Jeden z najbardziej wyrafinowanych artystów epoki Art Nouveau. Na początku XX wieku jego szczerze erotyczne obrazy szokowały wyrafinowaną wiedeńską publiczność. Niektórzy uważali Klimta za geniusza, inni za „zboczonego dekadenta”.

Urodził się na przedmieściach Wiednia Baumgarten 14 lipca 1862 roku w rodzinie grawera i jubilera Ernesta Klimta. Studiował u ojca, a w latach 1875-1883 – w szkole rzemieślniczej przy austriackim Muzeum Sztuki i Przemysłu w Wiedniu, do której w 1877 roku wstąpił także jego młodszy brat Ernest.

1879-1885 - Gustav wraz z bratem i młodym artystą Franzem Matchem pracuje, dekorując malowidłami dekoracyjnymi teatry prowincji austro-węgierskiej (w Reichenbergu, Fiume i Karlsbadzie - Karlovych Varach) oraz sufity wiedeńskich pałaców, a już w 1880 roku - otrzymuje pierwsze poważne zamówienie – „Cztery alegorie”.

1885-1886 - zdobią wiedeńskie budynki Burgtheater i Kunsthistorisches Museum.
W tym okresie wspólnej pracy styl Klimta zaczyna różnić się od stylu jego brata i Mutscha i odchodzi od akademickiego sposobu rysowania.

Po zakończeniu prac w Burgtheater cesarz Franciszek Józef przyznaje Klimtowi Złoty Krzyż za zasługi dla sztuki.

1886 - Klimt wykonuje panele ścienne do auli Uniwersytetu Wiedeńskiego z alegorycznym wizerunkiem trzech wydziałów "prawoznawstwa", "filozofii" i "medycyny". Płótna zostaną odrzucone ze względu na „prowokacyjny erotyzm”: damy z Klimt, symbolizujące filozofię i inne dyscypliny, wydały się klientowi zbyt urocze i niezgodne z duchem rygorystycznej nauki.

1891 - Klimt zostaje członkiem Związku Sztuk Pięknych.

1894 - Klimt wraz z Franzem Matchem otrzymuje zamówienie na dekorację "Aula Magna" na Uniwersytecie Wiedeńskim.

Coraz bardziej angażując się w elementy nowoczesności, a co za tym idzie, w opozycji do tradycji akademickiej, Klimt stał się w 1897 roku jednym z założycieli Wiedeńskiej Secesji, niezależnej od Akademii Sztuk Pięknych (niem. separacja"). Na zawsze zrywa z oficjalnymi kręgami twórczymi i od razu przewodzi nowej społeczności nowatorskich malarzy. W tym samym roku latem w miasteczku Kammer nad Attersee namalował swoje pierwsze pejzaże.

1898 - powstaje gazeta Sacrum - organ publiczny Secesji, odbywają się pierwsze wystawy jej członków. W tych latach Klimt rozwinął się jako ekspresjonista, jego prace wyróżniają się ozdobnym przedstawieniem form wypełnionych mozaikami.

1901-1902 - dla budynku wystawowego Secesji Klimt tworzy „Beethoven Frieze”, ucieleśniający tematy IX Symfonii.

1903 - Klimt podróżuje po Włoszech (Rawenna, Wenecja, Florencja). Oglądane tu luksusowe mozaiki bizantyjskie pobudzają wyobraźnię mistrza. Od tego czasu jego znakiem rozpoznawczym stała się umiejętność oddania prawdziwych przedmiotów poprzez grę ozdobnych ozdób. Rozpoczyna się jego „złoty okres”. Z jego inicjatywy powstały „Warsztaty Wiedeńskie”, które odegrały ważną rolę w odnowie stylistycznej wzornictwa austriackiego. W tym samym roku w Secesji odbywa się retrospektywa prac Gustava Klimta.

1904 - Klimt pisze szkice do mozaik ściennych Pałacu Stocleta w Brukseli, które zostały wykonane w wiedeńskiej pracowni artysty.

1905 - W Galerii Austriackiej zakupiono płyty Aula Magna, stworzone na Uniwersytecie Wiedeńskim.

Po wyjściu z Secesji w 1906 założył nowy Związek Artystów Austriackich, wspierając w jego wystawach mało jeszcze znanych O. Kokoschkę i E. Schielego.
1909-1911 - prace nad freskami w Pałacu Stocleta.

1917 - Rozpoczyna pracę nad Oblubienicą oraz Adamem i Ewą. Dopiero w tym czasie uzyskał pełne oficjalne uznanie, zostając honorowym profesorem akademii wiedeńskiej i monachijskiej.
6 lutego 1918 Klimt umiera w Wiedniu z powodu wylewu, pozostawiając ogromną ilość niedokończonych prac.

Klimt przeszedł do historii przede wszystkim swoimi ostro ekspresyjnymi portretami kobiecymi (E. Flöge, 1902, A. Bloch-Bauer, 1907) i obrazami symbolicznymi, nasyconymi dramatycznym, „fatalnym” erotyzmem („Judith 1”, 1901) ; „Pocałunek”, 1907-1908, Salome, 1901; Danae, 1907). Ten „dionizyjski” dramat uzupełnił złotymi tłami, potem dużymi barwnymi wzorami, z których mieniących się elementów, jakby z podłogi, rodziły się mieniące się postacie.

Gustawa Klimta. Symbolika „Secesji” i femme fatales

Atena Pallas. 1898

Tutaj Klimt po raz pierwszy użył złota. Zmysłowa ornamentyka podkreśla ważny element erotyczny jego wyobrażeń o świecie.

„Chcemy wypowiedzieć wojnę sterylnej rutynie, nieruchomemu Bizantynizmowi, wszelkim złym gustom… Nasza Secesja to nie walka współczesnych artystów ze starymi mistrzami, ale walka o sukces artystów, a nie sklepikarzy, którzy nazywają siebie artystami, ale jednocześnie ich interesy handlowe kolidują z rozkwitem sztuki. Ta deklaracja Hermanna Bahra, dramatopisarza i krytyka teatralnego, duchowego ojca secesjonistów, może posłużyć za motto powstania w 1897 r. „Secesji Wiedeńskiej”, jednego z założycieli, prezesa (do 1905 r.) był Klimtem.

Artyści młodszego pokolenia nie chcieli już poddawać się kurateli, jaką narzucał im akademizm; domagali się wystawienia ich prac w odpowiednim miejscu, wolnym od „sił rynkowych”. Chcieli zakończyć kulturową izolację Wiednia, zaprosić do miasta artystów z zagranicy i rozpowszechnić twórczość secesji w innych krajach. Program secesjonistów był znaczący nie tylko w kontekście „estetycznym”, ale także jako walka o „prawo do tworzenia”, o sztukę jako taką; stała się podstawą walki między „wielką sztuką” a „gatunkami drugorzędnymi”, między „sztuką dla bogatych” a „sztuką dla biednych” - krótko mówiąc, między „Wenus” a „Nini”.

„Secesja wiedeńska” odegrała ważną rolę w rozwoju i rozpowszechnianiu stylu Art Nouveau jako siły przeciwstawiającej się oficjalnemu akademizmowi i burżuazyjnemu konserwatyzmowi. Ten bunt młodzieży w poszukiwaniu wyzwolenia z ograniczeń narzuconych sztuce przez społeczny, polityczny i estetyczny konserwatyzm, mógł rozwinąć się bezprecedensowym sukcesem i zakończyć utopijnym projektem: ideą przekształcenia społeczeństwa poprzez sztukę.

Wiedeńskie stowarzyszenie artystyczne Secesji zaczęło wydawać własne czasopismo Ver Sacrum (Święta Wiosna), z którym Klimt regularnie współpracował przez dwa lata. Po sukcesie ruchu i udanych wystawach w innych krajach, projekt budowy budynku wystawienniczego dla Secesji stał się rzeczywistością. Klimt przedstawił swoje grecko-rzymskie plany projektu, ale preferowano (i ostatecznie wdrożono) projekt „pałacu sztuki” zaprojektowany przez Josepha Marię Olbricha. Jego koncepcja polegała na mieszaniu kształtów geometrycznych – od sześcianu po kulę. Na frontonie umieszczono słynne powiedzenie krytyka sztuki Ludwiga Hevesy'ego: „Czas to twoja sztuka. Sztuka jest twoją wolnością”.

Z niecierpliwością wyczekiwano otwarcia w marcu 1898 roku gmachu wystawowego Secesji Wiedeńskiej. Tutaj Klimt przedstawił kompozycję „Tezeusz i mój notaur”, wypełnioną bogatym znaczeniem symbolicznym. Liść figowy był celowo nieobecny, a nieśmiałość cenzorów artysta musiał uspokoić, przedstawiając drzewo. Tezeusz, niemal całkowicie nagi, symbolizował walkę o nowe w sztuce; jest po oświetlonej stronie, podczas gdy Minotaur, przeszyty mieczem Tezeusza i nieśmiało wycofujący się w cień, uosabia złamaną moc. Atena, wyłaniająca się z głowy Zeusa, czuwa nad sceną jako ucieleśnienie ducha zrodzonego z rozumu, symbolizującego boską mądrość.

Schuberta przy fortepianie. 1899

W Wiedniu podziwiano „pokojowe” dzieła Klimta, który cieszył publiczność portretem ukochanego kompozytora sentymentalnej burżuazji.

Nie ma sztuki bez mecenatu, a mecenasów „Secesji” znajdowały się przede wszystkim wśród żydowskich rodzin wiedeńskiej burżuazji: Karla Wittgensteina, magnata stalowego, Fritza Werndorfera, magnata tekstylnego, a także rodów Knipsów i Ledererów, którzy wspierał właśnie Art Nouveau. Wszyscy oni należeli do zamawiających obrazy Klimta, który specjalizował się w portretach ich żon.

Portret Sonyi Knips. 1898

Portret młodej damy z towarzystwa wyraża obojętność i wyniosłość charakterystyczne dla wszystkich śmiertelnych kobiet od tamtego czasu.

Portret Sonyi Knips był pierwszym w tej „galerii żon”. Rodzina Knipsów była związana z hutnictwem żelaza i stali oraz bankowością. Josef Hofmann zaprojektował ich dom, a Klimt namalował wiele obrazów, w tym w 1898 roku portret Soni na środku salonu. Portret łączy w sobie kilka stylów. Powszechnie wiadomo, że Klimt ugiął się przed hiperbolą Makarta, a poza Soni Knips wskazuje na wpływ twórcy portretu słynnej aktorki teatru Burgtheater, Charlotte Voltaire jako Messaliny, co przejawia się m.in. oraz w zaakcentowaniu sylwetki. Z drugiej strony zupełnie nietypowa dla Klimta interpretacja sukni przywodzi na myśl lekką skrzynię Whistlera. Dumny, powściągliwy wyraz, jaki Klimt nadał tej damie z towarzystwa, jest typowy dla artysty; od tego czasu pojawia się ponownie w jego śmiertelnych kobietach.

Nuda Veritas (Naga prawda). 1899

Ta prawdziwa kobieta, wysoka na dwa metry, wyrazista i prowokująca w swojej nagości, zawstydzała i drażniła wiedeńską publiczność. Tylko jej włosy łonowe wystarczyły, by wypowiedzieć wojnę klasycznemu ideałowi piękna.

Jedną z najpopularniejszych idei fin de siecle (koniec wieku) była dominacja kobiet nad mężczyznami. Temat „walki płci” ogarnął salony; W dyskusji brali również udział artyści i intelektualiści. Pallas Atena, namalowana przez Klimta w 1898 roku, była pierwszym obrazem w jego galerii „superkobiet”: ze swoją zbroją i bronią Atena jest pewna zwycięstwa, ujarzmia mężczyznę, a być może całą męską płeć. Niektóre elementy, które pojawiają się na tym obrazie, będą miały fundamentalne znaczenie w dalszej pracy Klimta: na przykład użycie złota i przekształcenie ciała w ornament, a ornamentu w ciało. Klimt kontynuował pracę z formą zewnętrzną, w przeciwieństwie do młodszego pokolenia ekspresjonistów, którzy szukali natychmiastowego wniknięcia w duszę. Język wizualny Klimta czerpał zarówno męskie, jak i żeńskie symbole ze świata freudowskich snów. Zmysłowy, erotyczny ornament odzwierciedla jedną ze stron światopoglądu Klimta.

Erotyzm twórczości Klimta nieustannie wywoływał kontrowersje, jak w przypadku trzech szkiców paneli dekoracyjnych do Wielkiej Sali Uniwersytetu, które zostały odebrane jako skandaliczne. W 1899 roku Klimt przedstawił ostateczną wersję Filozofii, pierwszego z tych trzech obrazów. Pierwotna wersja była już wtedy pokazywana na Wystawie Światowej w Paryżu. Choć została dobrze przyjęta przez wielu krytyków, a nawet zdobyła nagrodę na wystawie, wykształcona publiczność w Wiedniu uczyniła z niej obiekt takiego skandalu, jakby cała wiedeńska kultura została wdeptana w błoto. Jednak najwyraźniej Klimt napisał to tylko z najlepszymi intencjami.

Filozofia. 1899-1907

Mężczyźni i kobiety pływają jak w transie, nie kontrolując wybranego kierunku. Było to sprzeczne z ideami nauki i wiedzy panującymi wśród ówczesnych naukowców, którzy poczuli się śmiertelnie urażeni. Praca powstała na zamówienie Uniwersytetu Wiedeńskiego.

„Chociaż nie możesz zadowolić wszystkich ludzi swoimi działaniami i swoją sztuką, chcesz zadowolić niewielu. Niedobrze jest podobać się tłumowi”. Sądząc po wzburzeniu wywołanym przez Klimta Medicinal, wydaje się, że przyswoił sobie zasadę Schillera.

„Filozofię” postrzegał jako syntezę swoich wyobrażeń o świecie, a jednocześnie jako poszukiwanie własnego stylu. W katalogu wyjaśniał: „Po lewej stronie jest grupa postaci: Początek życia, Dojrzałość i Więdnięcie. Po prawej stronie znajduje się piłka przedstawiająca tajemnicę. Podświetlona postać pojawia się poniżej: Wiedza.

Jednak czcigodni profesorowie wiedeńscy zbuntowali się przeciwko temu, co uważali za atak na tradycję. Zaproponowali artyście namalowanie obrazu, który mógłby wyrazić triumf światła nad ciemnością. Zamiast tego Klimt przedstawił im obraz „zwycięstwa ciemności nad wszystkim”. Pod wpływem twórczości Schopenhauera i Nietzschego, próbując znaleźć własny sposób na rozwikłanie metafizycznej zagadki ludzkiej egzystencji, artysta odwrócił ich ideę, by wyrazić zagubienie współczesnego człowieka. Nie wahał się łamać tabu na takie tematy jak choroba, upadek fizyczny, bieda - w całej ich brzydocie; wcześniej rzeczywistość była zwykle sublimowana, ukazując jej najkorzystniejsze strony.

Pływ. 1898

Wodne kobiety Klimta o zmysłowej ekspresji poddają się objęciom fal, ich naturalnego żywiołu.

Życie i jego erotyczna idea zawsze koncentrowały się wokół walki Erosa z Thanatosem, a te idee całkowicie uchwyciły Klimta. Alegoria „Medycyna”, druga z cyklu kompozycji dla Uniwersytetu, ponownie wywołała skandal. Ciała wyrwane przez los unoszone są przez nurt życia, w którym pogodzone, na wszystkich jego etapach, od narodzin do śmierci, doznają rozkoszy lub bólu. Taka wizja graniczy z bagatelizowaniem roli medycyny; podkreśla jej bezsilność w porównaniu z nieuniknionymi siłami Skały. Czy Hygieia, bogini zdrowia, stojąca tyłem do rasy ludzkiej z kapłańską obojętnością, nie jest bardziej tajemniczą lub uroczą femme fatale niż symbolem uczonego oświecenia? Czy urzekające kobiece ciała zmieszane ze szkieletami nie są bezpośrednią ilustracją Nietzscheańskiej przypowieści o "wiecznym powrocie", w której śmierć jest postrzegana jako najwyższy punkt życia? W Filozofii i medycynie Klimt wyraża schopenhauerowski punkt widzenia, że ​​„świat jako pragnienie, jako ślepa siła w wiecznym cyklu, rodzi się, kocha i umiera”.

Lekarstwo. 1900-1907

Klimt został skazany za ukazanie bezradności medycyny i potęgi choroby. Opinia publiczna była głęboko oburzona, zszokowana, a artystę oskarżono o „pornografię” i „nadmierną perwersję”.

Z taką samą wrogością przyjęto trzecią pracę dla Uniwersytetu, „Orzecznictwo”; widzowie byli zszokowani brzydotą i nagością, którą wierzyli, że widzą. Tylko jeden Franz von Wickhoff, profesor historii sztuki na Uniwersytecie Wiedeńskim, bronił Klimta w legendarnym wykładzie zatytułowanym „Co jest brzydkie?”. Jednak skandal wywołany przez Klimta był dyskutowany nawet w parlamencie. Artystkę oskarżono o „pornografię” i „nadmierną perwersję”.

Prawoznawstwo. 1903-1907

Zamiast przedstawiać zwycięstwo światła nad ciemnością, zgodnie z oczekiwaniami, Klimt odzwierciedlał ludzkie poczucie niepewności w otaczającym go świecie.

Wydaje się, że Klimt interpretuje seksualność w kategoriach inspirowanych badaniami Freuda nad psychologią nieświadomości. Ryzykowne próby artysty - o wstyd! — miały na celu przedstawienie seksualności jako siły wyzwalającej, w przeciwieństwie do wiedzy naukowej i jej ograniczonego determinizmu. Oczekiwano, że Klimt będzie gloryfikował naukę, ale zamiast tego dał się ponieść cytatowi z Eneidy Wergiliusza, który Freud sparafrazował w swojej Interpretacji snów: „Jeśli nie mogę kontrolować bogów, wezwę piekło”.

Klimt nie dał się zastraszyć ostrą krytyką i nadal szedł własną drogą. Jego jedyną odpowiedzią na bojowy sprzeciw był obraz, który najpierw nazwano Moi krytycy, a po wystawie Złota rybka. Gniew opinii publicznej osiągnął punkt kulminacyjny: piękna, niegrzeczna nimfa na pierwszym planie pokazała swój tyłek, aby wszyscy mogli go zobaczyć! Morskie postacie wabią widza w świat seksualnych fantazji i skojarzeń, porównywalny do świata freudowskich symboli. Ten świat był już widziany w Prądzie i Nimfach (Silverfish) i zostanie ponownie odkryty kilka lat później w obrazach Water Serpents I i Water Serpents II. Art Nouveau lubił przedstawiać podwodne królestwo, gdzie ciemne i jasne glony rosną na mięczakach wenus lub delikatne tropikalne ciało korala mieni się w środku muszli małża. Znaczenie symboli sprowadza nas z powrotem do ich niewątpliwego pierwowzoru, kobiety. W tych podwodnych snach glony stają się włosami rosnącymi na głowie i łonach. Podążają za prądem falującym ruchem, tak charakterystycznym dla nowoczesności. Z ospałym oporem poddają się uściskowi żywiołu morza, tak jak Danae otwiera się przed Zeusem, wnikając w nią w postaci złotego deszczu.

Nimfy (srebrna ryba). OK. 1899

Te morskie obrazy torują drogę przez labirynt seksualnych aluzji rozpoznawalnych w świecie symboli Freuda.

Judyta I. 1901

Kojarzenie z seksualnością i śmiertelnością, Erosem i Tanatosem przyciągało wówczas nie tylko Klimta i Freuda, ale całą Europę; rozedrgana publiczność wysłuchała przedstawienia krwawej męki Klitajmestry w operze Richarda Straussa.

Portrety dam z towarzystwa dały Klimtowi niezależność materialną. Nie miał więc obowiązku zaspokajania gustów publiczności ani przyglądania się, jak jego starannie przemyślane i znakomicie wykonane dzieła zostały wdeptane w błoto. Uważał, że jego obrazy można odkupić za taką samą kwotę, za jaką zostały zakupione. Wiedeńskiej dziennikarce Berthie Zuckerkandl wyjaśnił: „Główne powody, dla których zdecydowałem się poprosić o zwrot obrazów… nie wynikają z irytacji przy różnych atakach… mogły powstać we mnie. Wszystkie ataki krytyki prawie mnie wtedy nie dotknęły, a poza tym nie sposób było odebrać mi szczęścia, którego doświadczałem podczas pracy nad tymi utworami. Ogólnie jestem bardzo niewrażliwy na ataki. Ale staję się dużo bardziej wrażliwy, kiedy rozumiem, że ktoś, kto zlecił mi pracę, jest z niej niezadowolony. Jak w przypadku zakrywania obrazów. W końcu rząd zgodził się, aby przemysłowiec August Lederer kupił filozofię za ułamek pierwotnej ceny. W 1907 r. Koloman Moser nabył medycynę i prawoznawstwo. Próbując ocalić obrazy podczas II wojny światowej, przeniesiono je do zamku Immendorf w południowej Austrii; 5 maja 1945 zamek i wszystko co było w nim przechowywane spłonęło w pożarze podczas wycofywania się oddziałów SS.Dzisiaj pewne wyobrażenie o pracy, która kiedyś wywołała takie oburzenie opinii publicznej można uzyskać od czarnych -białe fotografie i dobra kolorowa kopia Bogini Higiei, centralnej postaci Medycyny. Jest też „kolorowy” komentarz Ludwiga Hevesy'ego: „Niech oko przejdzie do dwóch bocznych obrazów, Filozofii i Medycyny: magiczna symfonia w zieleni, inspirująca uwertura w czerwieni, czysto dekoracyjny element w czerwonym soku na obu. W orzecznictwie dominuje czerń i złoto, odrealnione barwy; jednocześnie linia nabiera znaczenia, a forma staje się monumentalna.

Dzieło Klimta powstało w walce między Erosem a Tanatosem, zaprzeczając podstawowym prawom społeczeństwa burżuazyjnego. W Filozofii przedstawił triumf ciemności nad światłem, wbrew konwencjonalnej mądrości. W medycynie ujawniła swoją niezdolność do wyleczenia choroby. Wreszcie w Prawoznawstwie namalował skazańca w mocy trzech Furii: Prawdy, Sprawiedliwości i Prawa. Pojawiają się jako Erynie otoczone wężami; za karę ośmiornica ściska skazańca w śmiertelnym uścisku. Swoimi obrazami archetypów seksualnych Klimt chciał zaszokować sztywne społeczeństwo i „zburzyć filary” moralności.

Z tej specjalnie pomyślanej grupy nie zachowało się nic poza materialnymi dowodami: fotografiami i kopiami fragmentów zaginionych arcydzieł. A także gorzka świadomość niemocy artysty, wyśmiewanego przez cenzurę. Klimt nigdy nie był profesorem Akademii; ale przed tymi, którzy z niego szydzili, trzymał zwierciadło „nagiej prawdy” – Nuda Veritas.

Judyta II (Salome). 1909

Judyta czy Salome? Klimt wyraźnie namalował „śmiertelny orgazm” femme fatale, a nie portret cnotliwej żydowskiej wdowy

„Czas jest twoją sztuką. Sztuka jest twoją wolnością” – napisał Hevesy na frontonie budynku wystawy Wiedeńskiej Secesji. Klimt chciał być całkowicie wolny, chciał myśleć i pisać niezależnie od oficjalnych nakazów, w czym otrzymał wsparcie kilku lojalnych mecenasów. Przed aferą z Uniwersytetem Wiedeńskim poznał Nikolausa Dumbę, syna greckiego biznesmena z Macedonii, który był związany ze Wschodem i przodował w bankowości i przemyśle włókienniczym. Wystrój wnętrz gabinetu Dumby wykonał Hans Makart; po śmierci Makarta Klimt stał się jego ulubionym artystą. To jemu zwierzył się Dumba, urządzając i dekorując salon muzyczny w swoim pałacu. Nad portalem Klimt wykonał dwa obrazy: pierwszy przedstawiał Schuberta przy fortepianie, a drugi, Muzyka II, przedstawia grecką kapłankę z apollo citharą. Pierwsza naznaczona jest nostalgią za utraconym rajem, w którym beztrosko bawi się towarzystwo domowej muzyki. Drugi jest napisany w zupełnie innym stylu i wskazuje na dionizyjski świat muzycznych symboli. „Na tych dwóch obrazach”, pisał Carl E. Schorske, „burżuazyjny spokój i dionizyjskie podniecenie ścierają się w tym samym pokoju. Obraz z Schubertem przedstawia kompozytora w domu, w otoczeniu muzyki, która jest najwyższym estetycznym punktem bezpieczeństwa i prawidłowym stylem życia. Scenę oświetla ciepłe światło kandelabrów, które zmiękczają kontury postaci, tak że rozpływają się w świątecznej harmonii... Klimt wykorzystuje technikę impresjonistów, aby umieścić swoją rekonstrukcję historyczną w atmosferze nostalgicznego wspomnienia. Przedstawia nam słodki sen, jasny, ale bezcielesny - sen o niewinnej, przyjemnej sztuce w służbie beztroskiego społeczeństwa”.

Portret Gety Felshvani. 1902

To był Klimt, którego Wiedeń kochał, Klimt, który urzekł nawet najbardziej konserwatywną publiczność, nagradzając ją czymś więcej niż aplauzem. Dał publiczności więcej, niż się spodziewała - kompozytora Schuberta, święty obiekt jej sentymentalnej czci. Klimt zachował ten atrakcyjny styl dla mecenasów z wysokiego społeczeństwa wiedeńskiego. Przejawiało się to oczywiście zarówno w jego Portrecie Sonyi Knips, jak iw czułości kolejnych portretów „żon”: Gerty Felyivani, Sereny Lederer i Emilii Flöge. Jednak kobiety na tych portretach zawsze mają ten sam pogodny, marzycielski wyraz twarzy: patrzą na świat i na mężczyznę melancholijnie i z dystansem. Klimtowski „strach przed wolną przestrzenią” objawił się tu jednocześnie z majestatycznymi pozami bohaterek. Jego eklektyzm pozwolił mu tworzyć w stylu Diego Velasqueza czy Fernanda Knopfa. Od jednego przejął sposób pisania zarysów podbródków i wspaniałych fryzur; z drugiej - główne cechy femme fatales. W pozornej bierności jego modeli zawsze jest coś przytłaczającego.

Portret Sereny Lederer. 1899

Klimt wiedział, jak zadowolić zamożnych żydowskich obywateli Wiednia, którzy poparli secesję. Malował portrety ich żon, dodając im bezgranicznego uroku i nutki arogancji.

Portret Emilie Flöge. 1902

Emilia Flöge była wielką miłością Klimta i jego towarzyszką do końca swoich dni. Ona prowadziła dom mody, a on projektował dla niej tkaniny i sukienki. Jego wzory wyglądają, jakby zostały wyrzeźbione z ozdób z jego obrazów.

Mimo to Klimt nie tylko podążał za wymaganiami klienta, wydawało się, że pozbył się wszelkich ograniczeń i malował tak, jak chciał. Na obrazach pojawił się zupełnie inny typ kobiety, niebezpiecznej i owładniętej instynktami, jak w Pallas Athena i Nuda Veritas (Naga prawda). Pojawiająca się po raz pierwszy na rysunku dla magazynu „Ver Sacrum” postać ta stała się znana jako „demon secesji”. Druga wersja obrazu - obraz olejny (wysoki na 2,6 metra) - wyraża przełom w nowym, "naturalistycznym" stylu Klimta. Publiczność była zszokowana i zawstydzona prowokacyjnie nagą rudowłosą kobietą: to nie była Wenus, ale naturalnej wielkości cocotta Nini, stworzenie z krwi i kości, zrywające z tradycyjną idealizacją nagiej kobiety w sztuce. Cytat Schillera służy jako komentarz wzmacniający prowokacyjność i zapewniający późniejsze odrzucenie przez publiczność: „Chociaż nie możesz zadowolić wszystkich swoimi działaniami i swoją sztuką, chcesz zadowolić kilku. Niedobrze jest podobać się tłumowi”. Tej pierwszej wersji, opublikowanej w Ver Sacrum, towarzyszył także cytat L. Schaeffera: „Prawdziwą sztukę tworzą nieliczni i nieliczni ją doceniają”.

Judith I i osiem lat później Judith II to kolejne wcielenia archetypu femme fatale Klimta. Jego Judyta nie jest biblijną bohaterką, lecz rówieśniczką wiedeńską, o czym świadczy jej modny, być może drogi naszyjnik. Według publikacji Berty Zuckerkandl, Klimt stworzył typ wampira na długo przed pojawieniem się na srebrnym ekranie Grety Garbo i uosabiającej go Marlene Dietrich. Dumna i wolna, ale jednocześnie tajemnicza i czarująca, femme fatale ceni się wyżej niż męski widz.

Las bukowy. OK. 1902

Klimt wniósł do swoich pejzaży tę samą zmysłowość, którą można znaleźć w jego portretach. Tutaj zwraca się do skomplikowanego efektu gobelinu.Drzewa przedstawione przez Van Gogha brzmią jak fanfary we współczesnym malarstwie, a zmysłowy podziw kobiet wyczuwalny jest w drzewach Klimta.

Zdjęć nie można rozpatrywać w oderwaniu od luksusowych ram. Pierwszą wersję oprawy wykonał przypadkowo brat artysty, jubiler Georg Klimt. Ornament w obrazie został również przeniesiony na ramę w bardzo popularny wówczas sposób proponowany przez prerafaelitów. Obrazy powstały pod wpływem sztuki bizantyjskiej, którą Klimt studiował podczas podróży do Rawenny. Cechą charakterystyczną tych obrazów jest zamierzony kontrast między trójwymiarową plastycznością drobno zarysowanej i miękko pomalowanej twarzy a dwuwymiarową powierzchnią ornamentu. Ich uroku dodaje „efekt fotomontażu”.

Bez wątpienia Klimt znalazł w Judycie uogólniający symbol sprawiedliwości, jaką kobieta wymierza mężczyźnie, który śmiercią odpokutowuje za winę. Aby ocalić swój lud, Judyta uwiodła wrogiego dowódcę Holoferna i odcięła mu głowę. Starotestamentowa bohaterka — wspaniały przykład odwagi i determinacji, służąca za ideał — staje się Klimtowską „czarującą” kobietą… W tej biblijnej postaci Eros i Śmierć łączą się w znajomy związek, który fin de siecle (koniec wieku) okazał się tak intrygujący. Innym przykładem kobiety „kastrującej”, bezwstydnie ucieleśniającej najokrutniejsze fantazje, była krwiożercza Klitajmestra, bohaterka opery Richarda Straussa Elektra.

Judith Klimt miała drażnić tę część wiedeńskiego społeczeństwa (skazaną na to, by zaakceptować łamanie przez niego tabu), którą nazywano żydowską burżuazją. Klimt naruszył religijne zakazy, a publiczność nie mogła uwierzyć własnym oczom. Komentatorzy spekulowali, że Klimt musiał się mylić, twierdząc, że ta szalona, ​​niemal orgazmiczna kobieta, z na wpół zamkniętymi oczami i lekko rozchylonymi ustami, była pobożną żydowską wdową i odważną bohaterką. Biblijna Judyta bez najmniejszej przyjemności wypełniła straszliwą misję powierzoną jej przez niebo i odcięła głowę Holofernesowi, przywódcy armii asyryjskiej. Ludzie byli pewni, że Klimt miał na myśli Salome, kwintesencję fin de femme fatale, która urzekła już tak wielu artystów i myślicieli, od Gustave'a Moreau po Oscara Wilde'a, Aubreya Beardsleya, Franza von Stucka i Maxa Klingera. A obraz „Judyta” z najlepszych intencji był stale nazywany „Salome” w katalogach i czasopismach. Nie wiadomo, czy Klimt przypisał cechy Salome swojej Judycie; ale niezależnie od jego intencji, rezultatem było najbardziej wymowne przedstawienie Erosa i fantazji współczesnej femme fatale artysty.

Złota Rybka. 1901 - 1902

Ten obraz jest odpowiedzią Klimta na ostrą krytykę jego obrazów wydziałowych. Zdjęcie, zatytułowane początkowo „Mem dla krytyków”, przedstawia na pierwszym planie niesamowitą, zwinną najadę, która szczerze pokazała swój piękny tyłek.

Ale Klimt był nie tylko koneserem femme fatales. Podczas gdy jego pisma do Wielkiej Sali Uniwersytetu wciąż wywoływały szeroki oddźwięk, zaczął „pielęgnować swój ogród” jak Kandyd. Klimt zwrócił się ku malarstwu pejzażowemu, biorąc za punkt wyjścia pejzaże impresjonistów i postimpresjonistów. Można znaleźć wystarczające powody, by sądzić, że Monet był wzorem dla niektórych wczesnych krajobrazów Klimta, takich jak Bagno (1900) czy Wysokie topole II (1903). Jednak jako pejzażysta Klimt oferuje stabilną syntezę impresjonizmu i symbolizmu. Zarysy kresek są zniszczone (przywodzi to na myśl impresjonistów), ale schematyczna interpretacja powierzchni często wskazuje na charakterystyczne dla secesji wpływy Wschodu. W przeciwieństwie do impresjonistów, Klimt nie lubi obrazu wody, a także gry światłocienia. Podobnie jak w portretach, tak iw pejzażach zdaje się układać mozaiki, łącząc naturalizm ze schematyzmem. Staje się to widoczne przy porównywaniu takich obrazów jak Po deszczu, Nimfy czy Portret Emilii Flöge z Puszczą Bukową. W pejzażach, a także w portretach i alegoriach figury i formy pojawiają się jakby na tle płaskiej ornamentyki.

Sceny leśne, takie jak Las Bukowy, są jak gobeliny, w których Klimt wprowadza poczucie rytmu, tworząc powtarzający się wzór poprzez grupowanie pionowych i poziomych linii. Van Gogh desperacko walczył o zwycięstwo nowoczesnego malarstwa, podczas gdy Klimt był raczej cichym żniwiarzem, którego zmysłowy blask pejzaży jest wzmocniony ornamentalnym i symbolicznym znaczeniem. Różnorodne mozaiki, które wypełniały horyzont i niszczyły wolną przestrzeń, pomogły mu pozbyć się „lęku przed wolną przestrzenią”.

Fakt, że w jego pejzażach nie ma nawet śladu obecności ludzi, pomaga nam zrozumieć, że Klimt naprawdę postrzegał krajobrazy jako żywe istoty. Stosunek artysty do pejzaży jest równie osobliwy, jak do kobiet – głównych bohaterek jego prac. Czyż suknia, którą Emilia Flöge miała na swoim pierwszym portrecie (1902) nie wygląda jak tkanina wycięta z leśnego pejzażu, dopasowana do kobiecego ciała jak druga skóra? Klimt wybrał tę sukienkę, aby podkreślić wszystkie zalety smukłej sylwetki; to trochę dziwne, że wywołało to nowy skandal w Wiedniu. Nawet matka artystki wyraziła swoje niezadowolenie z nowomodnej sukni, która z nieakceptowanymi wówczas jeszcze marszczeniami i falbanami wykraczała jej zdaniem daleko poza granice przyzwoitości.

W portretach Klimta sukienki odgrywają nie mniejszą rolę niż same modelki. Umiejętnie służą ujawnieniu indywidualności kobiety, poprawiając percepcję twarzy, szyi i dłoni. Jako klasyczny przykład można przytoczyć Ingresa, którego portrety również są pełne zmysłowego piękna. Dla obu artystek ubranie pełniło tę samą niezbędną funkcję, co ciało. Wypowiedź Gaetana Pico na temat Ingresa można w równym stopniu odnieść do Klimta: „W pracach Ingresa nie ma nic bardziej zręcznego i wyrafinowanego niż harmonia szyi i naszyjnika, aksamitu i ciała, peleryny i fryzury; lub granice kontaktu między klatką piersiową a głęboko wyciętą sukienką, dłonią i długą rękawiczką. Jeśli na tych portretach kobiety są ubrane w jakąś szczególną suknię, to dlatego, że emanuje z nich światło pożądania; zbliżają się do nas w zawoalowanej nagości…”

Gilles Nere. Tachen / Wiosna sztuki, 2000

Inne prace

01 - Złota Adele. 1907

02 - Fryz Beethovena (fragment: wrogie siły). 1902

03 - Idylla. 1884

04 - Bajka. 1898

05 - Pocałunek. 1907-1908

06 - Danae. 1907-1908

07 - Fryz Beethovena, Wandgem. 1902

08 - Trzy grupy wiekowe kobiet. 1905

09 - Latawce wodne 1. 1904-1907

10 - Dziewczyny. 1916-1917

11 - Węże wodne 2. 1904-1907

12 - Dziewice. 1913

13 - Życie i śmierć. 1908-1911

31 - Kwitnące pole. 1909

32 - Zamek Malcesine nad jeziorem Garda. 1913

33 - Zamek Kammer nad Attersee. 1910

34 - Park. 1910

35 - Topola-olbrzym lub zbliżająca się burza z piorunami. 1903

36 - Staw w parku zamku Kammer. 1899

37 - Kościół w Kassonie. 1913

38 - Droga w parku zamku Kammer. 1912

39 - Dom Guardaboskiego. 1912

40 - Dom chłopski w Górnej Austrii. 1912

41 - Jabłoń. 1916

42 - Ogród kwiatowy. 1905-1906

43 - Zamek Kammer nad jeziorem Attersee. 1912

44 - Tancerz. 1906

45 - Pocałunek. 1907-1908

46 - Miłość. 1895

Gustav Klimt (1862 - 1918) - austriacki malarz. Gustav Klimt to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli stylu Art Nouveau.

BIOGRAFIA GUSTAVA KLIMTA

Urodzony na przedmieściach Wiednia w rodzinie rytownika. Absolwent Wiedeńskiej Szkoły Sztuk Dekoracyjnych. Wczesne prace artysty składały się głównie z dużych fresków dla teatrów i były malowane w stylu naturalistycznym. W obrazach przedstawiających postacie alegoryczne, wykonanych przez Klimta w latach 1890-1891 na sklepieniach Wielkiej Klatki schodowej wiedeńskiego Kunsthistorisches Museum, po raz pierwszy pojawiają się cechy, które stały się głównymi w jego twórczości - wyraźna sylwetka i zamiłowanie dla ornamentalizmu. Po 1898 roku twórczość Gustava Klimta nabiera bardziej dekoracyjnego, symbolicznego charakteru.

Gustav Klimt był liderem wiedeńskiej awangardy przełomu wieków. Będąc przede wszystkim artystą dekoracyjnym, Klimt przewodził wiedeńskiemu stowarzyszeniu nowatorskich artystów „Secesja” – ruchowi protestu przeciwko estetycznemu konserwatyzmowi i moralizatorstwu poprzedniego pokolenia.

Za najlepsze obrazy Klimta uważa się późniejsze portrety artysty, z ich płaskimi, niecieniowanymi powierzchniami, przezroczystymi, mozaikowymi kolorami i kształtami oraz falistymi, ozdobnymi liniami i wzorami.

Obrazy Klimta łączą dwie przeciwstawne siły; z jednej strony jest to pragnienie absolutnej swobody w przedstawianiu przedmiotów, co prowadzi do gry ornamentalnych form. Te obrazy malarza są w istocie symboliczne i należy je rozpatrywać w kontekście symbolizmu jako wyrazu świata nieosiągalnego, stojącego ponad czasem i rzeczywistością. Z drugiej strony jest to siła postrzegania natury i natury, której wpływ łagodzi blask ornamentyki w obrazach Gustava Klimta.

TWÓRCZOŚĆ GUSTAVA KLIMTA

Do najbardziej godnych podziwu dzieł artysty należy panel do Burgtheater w Wiedniu (1888), seria mozaikowych fresków w Pallas Stoclet, bogatej prywatnej rezydencji w Brukseli. Pod koniec życia w 1917 roku Klimt zdobył pełne oficjalne uznanie, zostając honorowym profesorem akademii sztuk pięknych w Wiedniu i Monachium.

Obraz Gustava Klimta „Pocałunek”. Na polu kwiatowym, z ornamentu i abstrakcyjnych form wyrasta sylwetka całującej się pary. W kolorystyce obrazu dominuje złoty ton przeplatany jasnymi plamami polnych kwiatów i bogatym wzorem ubrań. Erotyczny charakter nadają scenie zmysłowe linie, bujna ornamentyka i pikantny kolor – symbol luksusu i dekadencji. Ten styl jest często określany jako Art Nouveau. Klimt namalował wiele portretów, głównie kobiet, a także kompozycje mitologiczne i alegoryczne. Szkice sztuki użytkowej i mozaiki Gustava Klimta odniosły ogromny sukces, ale malowidła ścienne stworzone przez artystę dla Uniwersytetu Wiedeńskiego wywołały skandal i zostały uznane przez krytyków sztuki początku XX wieku za „pornograficzne”. Gustaw Klimt zmarł w 1918 roku.

Secesja (niem. Sezession, z łac. secessio – odejście, separacja), nazwa zrzeszeń artystów z Monachium, Wiednia, Berlina, którzy odrzucali doktryny akademickie i występowali jako prekursorzy stylu Art Nouveau. Secesja Wiedeńska powstała w 1897 roku i zjednoczyła artystów austriackiej secesji - "styl secesji" (Sezessionsstil) - wokół założonego w 1898 roku pisma "Ver Sacrum" (Ver Sacrum). Pismo było także organem austriackiego symbolizmu literackiego (Hugo von Hofmannsthal, Rainer Maria Rilke). Na czele stowarzyszenia stał malarz Gustav Klimt. Cechami charakterystycznymi tego stylu dla malarstwa były mozaikowa wielobarwność i wyrafinowana ornamentyka, dla grafiki - geometryczna wyrazistość wzoru z jego ogólną swobodną dekoracyjnością, dla architektury - rytmiczne porządkowanie podziałów, lakonizm wystroju, racjonalność kompozycyjna i konstruktywne rozwiązania. Mistrzowie tego stylu (Josef Maria Olbrich, Otto Wagner, Josef Hofmann, Karl Moser i inni) wyróżniali się zamiłowaniem do ornamentyki prostoliniowej, zachowującej geometryczną sztywność nawet w najbardziej skomplikowanych kombinacjach. W związku z tym „styl secesyjny” jest czasem nazywany „stylem kwadratowym” (Quadratstill).

Sto trzydzieści pięć milionów dolarów zapłacono na aukcji w 2006 roku za „Portret Adele Bloch-Bauer”, namalowany przez Gustava Klimta w 1907 roku.

W kompozycjach otwierających i zamykających serial anime „Elven Song” Mamoru Kanbe główni bohaterowie serialu pojawiają się przed widzem w zinterpretowanej formie najsłynniejszych obrazów Gustava Klimta: „Pocałunek”, „Przytul”, „ Kobieta w trzech wiekach”, „Portret Adele Bloch-Bauer I”, „Węże wodne I”, „Węże wodne II”, „Danae”.

Trzy wieki kobiety Węże wodne Danae

Jednym z najbardziej znanych malarzy przeszłości jest Gustav Klimt, którego obrazy są dziś bardzo poszukiwane. Niestety jego dzieł jest niewiele, a wszystkie już dawno znalazły swoje miejsce w najlepszych kolekcjach na świecie. Ale kiedy zdarzy się cud i jego obrazy zostaną wystawione na aukcję, ich cena jest bajeczna.

początek czasu

Człowiek, którego nazwisko jest dziś znane każdemu intelektualiście, urodził się niedaleko stolicy Austrii, w miejscowości Baumgarten. Gustaw, urodzony 14 lipca 1862 r., był drugim dzieckiem. Jego ojciec był grawerem i jubilerem, więc wszystkim swoim licznym dzieciom udzielał pierwszych lekcji rzemiosła. Rodzina żyła w biedzie, ale w wieku czternastu lat młody talent rozpoczyna naukę w szkole plastycznej. Tam Gustav Klimt, którego obrazy zadziwiają wszystkich bez wyjątku, studiował u takich luminarzy jak Ferdinand Laufberger i Julius Victor Berger. Kilka lat później do tej samej placówki trafił młodszy brat artysty, Ernst. Razem malowali ze zdjęć portrety szlacheckich obywateli i sprzedawali je za sześć guldenów. To były ich pierwsze niezależne zarobki.

Pierwsze kroki w sztuce

W 1879 roku artysta Gustav Klimt, jego brat i Franz von Mach dekorują dziedziniec wiedeńskiego Muzeum Historii Sztuki, po czym otrzymują pierwsze poważne zlecenie. Z pałacu Stureny („Cztery alegorie”) i łaźni w Karlsbadzie wyłania się szczególny styl, który odróżni obrazy Gustava Klimta od dzieł innych malarzy. Dlatego trio artystów przestaje ze sobą współpracować i każdy z nich wyrusza w swoją własną podróż przez życie.

Znalezienie własnego stylu

Artysta Klimt niemal natychmiast zyskał uznanie wymagającej publiczności. Z rąk cesarza Franciszka Józefa otrzymuje Złoty Krzyż za zasługi dla sztuki po zakończeniu pracy w Burgtheater. Dlatego mistrz zostaje wysłany w podróż po Starym Świecie, podczas której odwiedza Monachium i Wenecję. Wyjazd ten dostarczył mu wielu wrażeń i inspiracji do dalszej pracy.

Po zakończeniu malowania głównej klatki schodowej Moskiewskiego Muzeum Historii Sztuki Gustav odchodzi od akademickiego sposobu rysowania. Jego szczególny sposób wykonania uzyskał już gotową formę. W kolejnych latach artysta Gustav Klimt, o którego obrazach marzy każdy kolekcjoner, zostaje członkiem Związku Sztuk Pięknych. Ale w 1892 roku czekają go ciężkie straty: najpierw umiera jego ojciec, a potem brat Ernst. W 1894 roku Klimt wraz ze swoim wieloletnim partnerem Franzem Matchem udekorowali Uniwersytet Wiedeński, zanim Gustav pracował nad salami węgierskiego zamku Esterhazy.

Uznanie w życiu

Prace nad wnętrzami pomieszczeń, w szczególności wykonywaniem alegorycznych obrazów, trzech wydziałów „Filozofii”, „Prawnictwa” i „Medycyny” skłoniły artystę do rysowania płócien. Zakłada w Wiedniu „Secesję” i zostaje jej prezesem, pisze swoje pierwsze pejzaże, pasjonuje się ekspresjonizmem. Obrazy Gustava Klimta z tego okresu wyróżniają się zamiłowaniem do mozaik i form zdobniczych. Jest to charakterystyczna cecha pracy mistrza w przyszłości.

Freski Beethovena tworzy Gustav Klimt, którego obrazy zostały nagrodzone złotym medalem na Wystawie Światowej w Paryżu (obraz „Filozofia”). Ta jego praca, ukończona w 1902 roku, była aktywnie dyskutowana przez publiczność, a Rodin ją podziwiał. Mistrz jedzie na wycieczkę do Włoch, staje się poszukiwany, słuchają go. W 1908 roku artysta zorganizował własną wystawę, na której zaprezentował szesnaście obrazów. Dwa z nich zostały natychmiast nabyte przez renomowane instytucje – Galerię Sztuki Nowoczesnej w Rzymie i Austriacką Galerię Państwową.

W Paryżu, który Klimt odwiedził w 1909 roku, zapoznał się z twórczością Toulouse Lautreca, Van Gogha, Gauguina, Matisse'a, Muncha, Bonnarta. Rok później bierze udział w dziewiątym obrazie „Śmierć i życie”, który został wysoko oceniony na Wystawie Światowej w Rzymie w 1911 roku. Po niej artysta ponownie wyrusza w podróż do Europy.

Ostatnie lata życia wielkiego malarza

Pomimo miłości publiczności twórczość Gustava Klimta była krytykowana przez ekspresjonistów. Po śmierci matki w 1915 roku artysta coraz częściej wybierał ciemną paletę barw. Nadal bierze udział w najbardziej prestiżowych wystawach na świecie, zostaje honorowym członkiem Akademii Sztuk Pięknych w Monachium i Wiedniu, pisze arcydzieła malarstwa. Artysta umiera na zawał serca 6 lutego 1918 roku, pozostawiając dużą liczbę niedokończonych prac. Po nim umierają także inni wielcy malarze tamtych czasów.

„Pocałunek” Gustava Klimta – najsłynniejszy obraz artysty

Ta praca jest słusznie uważana za jedną z najlepszych wśród spuścizny mistrza. Powstał w 1907 roku i zaraz po prezentacji został wykupiony przez rząd Austro-Węgier. Emocjonalny, olśniewająco jasny „Pocałunek” Gustava Klimta uznawany jest za najbardziej wyrazisty obraz w historii malarstwa XX wieku. Co jest w niej szczególnego?

Na płótnie znajdują się różnego rodzaju wzory: rozsypane różnobarwne kwiaty, biegnące loki, motyw szachownicy z czarnych, białych i zielonych prostokątów, arabeski wstęgowe, skręcone spirale. Abstrakcja fragmentów naturalistycznie zinterpretowanych postaci, dziwacznych ornamentów wygląda po prostu luksusowo na złotym tle. Przedstawiona pośrodku para objęła się i połączyła w namiętnym pocałunku. Mozaikowe stroje kochanków tylko potęgują efekt namiętności, stworzonej przez mistrza za pomocą ozdobnych detali i ich głębokiego kontrastu z elementami naturalistycznymi. Twarz dziewczynki, ręce i nogi są bardzo realistycznie pomalowane. Ale części ciała są otoczone, a miejscami całkowicie pokryte, płaszczyznami z abstrakcyjnym motywem, który pasuje do kolorów podłoża i faktury tkaniny.

Obraz ma ulubiony format artysty - kwadrat. Gustav ignoruje horyzont i głębię przestrzeni, spycha rzeczywistość i aktualny czas na dalszy plan. W ten sposób pocałunek zakochanego młodzieńca i dziewczyny nabiera uniwersalnej skali.

Symbolika pocałunku

Gustav Klimt, którego obrazy zawsze mają znaczenie semantyczne, również w Pocałunku zastosował symbolikę. Tak więc na pierwszy rzut oka prostokąty przedstawione na ubraniach mężczyzny mają jedynie wartość dekoracyjną. Ale są to falliczne symbole, które uosabiają męską zasadę. Łączą się z kobiecością, zaszyfrowaną w motywie kobiecego stroju. Są to spirale, koła i owale, które można uznać za artystyczne znaki kobiecych genitaliów. Ten związek jest harmonijny i energetyczny, rodzi życie i je kontynuuje.

Płótno „Pocałunek” jest absolutnie niezwykłe i oburzające. Jak wszystkie poprzednie dzieła, miał swoich fanów i zaciekłych przeciwników. Jednak to właśnie ona wyznacza szczyt tzw. złotego okresu twórczości artysty. Obraz stał się emblematem wiedeńskiej secesji, urzekający złotą poświatą, przyćmionym erotyzmem (w końcu tylko ręce, stopy i twarze postaci ukazały się na oku), oczywistą czystością.

Cherchez la femme, czyli Szukaj kobiety

Ulubionym motywem Gustava Klimta były kobiety i ich ciała. Lubił malować sceny z mitologii, postacie biblijne, boginie olimpijskie, nimfy i zwykłe dziewczyny, które stały się nieziemskie. Otoczone złotym światłem (wiele dzieł geniusza miało właśnie takie szykowne tło) zdawały się być ideałem piękna, pięknem i uwodzicielskim zarazem. Jako prawdziwy artysta ubóstwiał płeć piękną, jej boski podziw, zmysłowość, mistycyzm i kobiecość.

Na swoich płótnach malował nagie kobiety, a dopiero potem ubierał ich ciała w bajecznie drogocenne szaty. Tajemniczy blask drogocennych kamieni, rozwiane włosy, blask jedwabistej skóry i najcieńsza suknia z pajęczyny stworzyły pokusę, zakrywającą półnagie ciało.

Fatalne damy geniuszu

Artysta przełomu wieków pochłonął wszystkie sprzeczne opinie tamtej epoki. Szukał kobiety idealnej i współczesnej, której przedstawiał na swoich obrazach. Malował nie tylko prawdziwych ludzi, jak na przykład Sonia Knips, której portret wyraża jednocześnie lekkość, niewinność, niepokój i zamyślenie. Każda dama przedstawiona przez Gustawa jest śmiertelna. Na obrazie „Miłość” twarz bohaterki zastygła w słodkiej ekstazie, ale w tle gęstnieją cienie. W końcu na młodego mężczyznę i dziewczynę czeka starość i śmierć. Uderzającym przykładem takich piękności są obrazy: „Syrenka”, „Złota rybka”, obie wersje „Judyty”, „Węże wodne”. Dzieło „Trzy wieki kobiety”, przedstawiające małą dziewczynkę, kobietę w kwiecie wieku i urody oraz staruszkę, również przepełnione jest głęboką filozofią.

Ciekawe, że mistrz nie był żonaty, chociaż miał liczne powieści. Być może nigdy nie znalazł swojego ideału…

Galeria obrazów Gustava Klimta

(Niemiecki Gustaw Klimt, 14 lipca 1862 w Baumgarten – 6 lutego 1918 w Wiedniu) – artysta austriacki. Gustav Klimt to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli stylu Art Nouveau.

Gustav Klimt malował symboliczne kompozycje, portrety i pejzaże w stylu Art Nouveau, podporządkowując płaskie obrazy wyrafinowanemu rytmowi ornamentalnemu, ułamkowemu układowi drobnych plam barwnych. Klimt to przywódca wiedeńskiej awangardy przełomu wieków, aktywny członek secesyjnego środowiska nowatorskich artystów. Najlepszym dziełem Gustava Klimta są jego późniejsze portrety, z ich płaskimi, niecieniowanymi powierzchniami, przezroczystymi, przypominającymi mozaikę kolorami i kształtami oraz falistymi, ozdobnymi liniami i wzorami. Obrazy Klimta łączą dwie przeciwstawne siły; z jednej strony jest to pragnienie absolutnej swobody w przedstawianiu przedmiotów, co prowadzi do gry ornamentalnych form. Prace te są w istocie symboliczne i należy je postrzegać w kontekście symboliki jako wyrazu nieosiągalnego świata ponad czasem i rzeczywistością. Z drugiej strony jest to siła percepcji natury, której wpływ łagodzi w jego obrazach przepych ornamentyki.

Pocałunek

Muzyka

Portret pianisty Josefa Pembauera

Dama w kapeluszu i boa z piór

Audytorium starego Burgtheater w Wiedniu

„Fryz Beethovena”. Fragment

Miłość

Atena Pallas

Judyta

Dwie dziewczyny z oleandrem

Muzyka

Pływ

Nuda Veritas

Trzy wieki kobiety

Artykuł K. Bohemskaya w książce „Kalendarz artystyczny 100 pamiętnych dat”, M., 1987 .

Gustav Klimt to austriacki artysta, jeden z tych, których twórczość zdeterminowała artystyczny klimat Wiednia przełomu wieków.

Był synem grawera Ernsta Klimta, w młodości uczęszczał do szkoły sztuk użytkowych. W młodości był pod wpływem pompatycznego stylu malarstwa historycznego Hansa Makarta. Ale sam Klimt wyróżniał się przede wszystkim zamiłowaniem do dekoracyjności. Już w jego wczesnych pracach jasny blask zapożyczony od Makarta łączy się z ornamentyką. Interesuje się także portretem. w 1888 roku

wykonał akwarelę „Wnętrze starego teatru ze sceny”, na której umieścił 131 małych portretów. Klimt malował scenografie teatralne, wykonywał ilustracje do książek, wraz z bratem i innymi artystami stworzył cykl murali w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.

Miał już reputację znanego artysty, kiedy na początku lat 90. jego styl zmienił się i nabrał wyraźnego symbolistycznego kolorytu. Rozprzestrzenianie się stylu Art Nouveau w Europie, czy Art Nouveau, jak nazywano go w Austrii, nie tylko poruszyło Klimta, ale okazało się najważniejszym czynnikiem jego artystycznego rozwoju.

Zamiłowanie do symboliki, wyrażone w Anglii w twórczości późnych prerafaelitów, w grafice O. Beardsleya, we Francji w twórczości G. Sea, zakochało się w Klimcie, którego dzieła w dużej mierze odzwierciedlają dzieła tych artyści.

W 1897 r. powstało w Wiedniu towarzystwo artystyczne „Secesja”, którego pierwszym, stałym przez wiele lat przewodniczącym, został Gustav Klimt. Takie towarzystwa powstały wówczas w wielu europejskich stolicach, przyczyniły się do wymiany wystaw między artystami z różnych krajów, odnowy języka artystycznego. Przeciwstawiali się oficjalnej polityce w dziedzinie sztuki i osobistym gustom mecenasów i generalnie przyczyniali się do demokratyzacji kultury artystycznej.

Wiedeńska Secesja organizowała kilka wystaw rocznie, zapraszając artystów, przedstawicieli nowych nurtów artystycznych: w 1900 roku pokazano tu prace szkockiego architekta C. R. Mackintosha i szkoły z Glasgow, w 1902 - rzeźbę Beethovena Maks Klinger, dla środowiska, którego Klimt wykonał specjalny fryz, w tym samym roku wystawiano tu sztukę francuskich impresjonistów i postimpresjonistów, dzieła O. Beardsleya, D. Whistlera.

Gustav Klimt tworzył obrazy, które w swojej koncepcji artystycznej bliskie były przedmiotom sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Same wrażenia rzeczywistości posłużyły jedynie jako pretekst do obrazu, ale nie jako jego treść. Postacie i przedmioty stylizowano w duchu secesji. Tło Klimta było zawsze płaskie, utkane z małych wzorów. Kontrastem do tego tła były iluzoryczne, wolumetryczne interpretacje fragmentów obrazu – najczęściej twarzy.

Klimt przedstawiał postacie jako wydłużone, często uciekając się do ostro wyrazistej sylwetki profilowej. Inscenizacja postaci Klimta jest czysto warunkowa, rzeźbiarska; jeśli przedstawia dwie osoby, to najczęściej jest to fabuła uścisku, pocałunku, jeśli w kompozycji jest kilka postaci, to wszystkie łączą się w jedną grupę, a wokół nich rozciąga się to samo warunkowe ozdobne tło.

Modele przedstawione przez Klimta zawsze charakteryzują się wzmożoną emocjonalnością: są nerwowe, spięte, zmysłowe, agresywne. Był to jego indywidualny ton postrzegania rzeczywistości. Zostało to ujawnione w pracach przygotowawczych Klimta - jego rysunkach. Jeśli za życia artysty jego rysunki były mało znane i nie przywiązywano do nich większej wagi, to w ostatnich latach dziedzictwo graficzne Klimta przyciągnęło wielką uwagę publiczności i kolekcjonerów. W Europie z powodzeniem odbyło się kilka wystaw poświęconych wyłącznie rysunkom Klimta.

Jeśli w obrazach i malowidłach ściennych Klimta można znaleźć wiele „cytatów * z twórczości innych artystów, uderzające jest eklektyczne pochodzenie jego stylu, pompatyczna i nadmierna stylizacja języka artystycznego, to na rysunkach, gdzie artysta krótko zapisał wrażenia na temat? charakter i plany dotyczące przyszłych obrazów, objawia się jego wnikliwość. umiejętność ukazania istoty, charakteru modelki, stworzenia wyrazistym obrazem artystycznym zwięzłymi środkami.

Bezpośredniość i szczerość Klimta jako rysownika wyjaśnia historykowi, dlaczego jako osobowość artystyczna miał tak ogromne wpływy w Wiedniu na przełomie skazańców. Klimt był bardzo utalentowanym artystą, ale za cel swojej pracy uważał nie ujawnienie indywidualnego spojrzenia na świat, ale stworzenie pewnego stylu wspólnego dla sztuki plastycznej i dekoracyjnej. Dlatego zapożyczył i sam stworzył pewne „klisze” obrazów i ornamentów, które stale stosował w swoich pracach i które upodabniają je do siebie. Starał się nadać swoim utworom głęboki wydźwięk filozoficzny i psychologiczny. Niejasność obrazów i skojarzeń ucieleśnionych przez Klimta. jakby echem psychoanalitycznych konstrukcji jego współczesnego, wiedeńskiego lekarza Zygmunta Freuda.

Niejasność stosowanych przez artystę symboli, podkreślana wieloznaczność w odczytywaniu wszystkich jego kompozycji sprawiała, że ​​nie poddawały się one jednemu, ściśle ustalonemu rozszyfrowaniu, ale mogły być interpretowane przez każdego w zależności od jego doświadczenia artystycznego. Tak więc opcje odczytania jego kompozycji „Nadzieja”, powstałej w 1903 roku i przedstawiającej młodą nagą kobietę z otwartym łonem, w środku którego leży dziecko, mogą być niejednoznaczne. Za nią szkielet i kilka potworów, przypominających o tym, że kontynuacja ludzkiego życia przechodzi pod znakiem śmierci.

Do najsłynniejszych dzieł Klimta należy fryz, który wykonał w jadalni pałacu Stocklet w Brukseli, zbudowany przez J. Hofmanna. Sama architektura Pałacu Stoklet jest typowym dziełem secesji, a fryz Klimta odpowiada stylowi budynku. Bizantyjskie mozaiki zrobiły na Klimcie ogromne wrażenie, co szczególnie widać w scenerii tego pałacu. Właściwie mozaicyzm był też wpisany w jego styl malarski - całe płaszczyzny na swoich obrazach komponował z osobnych kawałków koloru, wszelkiego rodzaju zawijasów i fragmentów zdobniczych. We fryzie Pałacu Stoklet pracuje bezpośrednio w technice mozaiki: barwna kompozycja składa się z kolorowej emalii, szkła, ceramiki, metalu, częściowo złoconego, kości słoniowej, masy perłowej.

Użycie drogich, egzotycznych materiałów w tym fryzie jest również w stylu Art Nouveau. Na tle fryzu drzewa o konarach stylizowanych na spiralne loki, z liśćmi i ptakami. We fryzie znajdują się również wizerunki postaci ludzkich – „Oczekiwanie” w postaci postaci kobiecej, której suknię zdobi ornament z loków i trójkątów przedstawiających oko. Twarz jest tak podobna do japońskiej, że można by pomyśleć, że jest kopią ryciny popularnego wówczas Hiroeige. Dwie pozostałe postacie łączą się w uścisku, przypominającym kompozycją motyw wielokrotnie powtarzający się w obrazach Klimta.

Jeśli fryz w Pałacu Stoklet był odpowiedni i łączył się z architekturą i gustem klienta, to panele dekoracyjne wykonane przez Klimta dla auli Uniwersytetu Wiedeńskiego wywołały niezadowolenie i nigdy nie zostały umieszczone w miejscu, do którego były przeznaczone . Tematyka panelu to „Prawoznawstwo*”, „Filozofia” i „Medycyna”. Panel „Medycyna” przedstawiał różne fazy życia człowieka, były tam figury matki z dzieckiem i kobiety w ciąży, przywodzące na myśl obraz „Nadzieja”, jestem starą kobietą, skopiowany z jednej z rzeźb Rodina. Połączenie naturalizmu obrazu ze złożonym schematem spekulatywnym zadecydowało o dominacji fabuły i idei nad kunsztem dzieła. To był powód niepowodzenia planu Klimta.

Ogólnie rzecz biorąc, w pierwszych latach naszego stulecia Klimt wielokrotnie wchodzi w konflikt z opinią publiczną, która nie akceptuje jego dzieł. W 1903 r. Secesja organizuje osobistą wystawę Klimta, ale po tym artysta zrywa ze związkiem, co wskazuje na jego nieporozumienia z kolegami.

Niemniej jednak, choć Klimt nie był artystą równym i nie zawsze był rozumiany przez współczesnych, miał ogromny wpływ na rozwój sztuki austriackiej na początku XX wieku. Klimt jako pierwszy wprowadził pojęcie wielkiego stylu do malarstwa austriackiego. Charakterystyczny dla niego ostro indywidualny sposób rysowania stał się podstawą poszukiwań młodszych artystów, przyszłych przedstawicieli ekspresjonizmu - Oskara Kokoschki i Egona Schielego.

Nowoczesny styl(z francuskiego moderne – nowoczesny, inna nazwa: art nouveau (fr. art nouveau, dosł. „nowa sztuka”), Jugendstil (niem. Jugendstil – „młody styl”) – kierunek artystyczny w sztuce, najpopularniejszy w II poł. XIX - początek XX w. Cechami charakterystycznymi stylu Art Nouveau jest odrzucenie linii prostych i kątów na rzecz linii bardziej naturalnych, „naturalnych”, zainteresowanie nowymi technologiami (np. w architekturze), rozkwit sztuki użytkowej.

Art Nouveau dążyło do połączenia funkcji artystycznych i użytkowych tworzonych dzieł, do włączenia w sferę piękna wszystkich sfer ludzkiej aktywności. W innych krajach jest również nazywany: „tiffany” (nazwa pochodzi od L.K. Tiffany) w USA, „art nouveau” i „fin de siècle” (dosł. „koniec stulecia”) we Francji, „art nouveau” (więcej dokładnie „Jugendstil” - niemiecki Jugendstil, od nazwy ilustrowanego magazynu Die Jugend założonego w 1896 r.) w Niemczech, „styl secesyjny” (Secessionsstil) w Austrii, „styl nowoczesny” (styl nowoczesny, dosł. „styl nowoczesny”) w Anglii, „styl Liberty” we Włoszech, „modernismo” w Hiszpanii, „Nieuwe Kunst” w Holandii, „spruce style” (styl sapin) w Szwajcarii.