Francuski artysta, symbolista
krótki życiorys
(fr. Gustave Moreau) (6 kwietnia 1826, Paryż - 18 kwietnia 1898, Paryż) - francuski artysta, przedstawiciel symbolizmu.
Gustave Moreau urodził się w 1826 roku w Paryżu w rodzinie naczelnego architekta Paryża, do którego obowiązków należało utrzymywanie w należytym stanie budynków użyteczności publicznej i zabytków miasta. Wcześnie odkrył umiejętność rysowania i malowania. W 1842 roku, dzięki mecenatowi ojca, Moreau otrzymał certyfikat kopisty obrazów, który pozwala mu w każdej chwili swobodnie zwiedzać Luwr i pracować w jego salach.
Dzięki wsparciu i aprobacie rodziców w 1846 roku wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych, w pracowni François Picota, mistrza klasycyzmu, który nauczył go podstaw malarstwa. Edukacja była tu niezwykle konserwatywna i polegała głównie na kopiowaniu gipsowych odlewów starożytnych posągów, rysowaniu aktów męskich, studiowaniu anatomii, perspektywy i historii malarstwa. Po fiasku w konkursie o Prix de Rome opuszcza warsztat Pico. Moreau kłania się Delacroix, którego wpływ jest widoczny we wczesnych pracach (np. „Pieta”, wystawiona na Salonie w 1852 r.).
Moreau był uczniem Théodore'a Chasserio w École des Beaux-Arts w Paryżu. W 1849 roku Moreau wystawiał swoje prace w Salonie. W 1852 roku ojciec Moreau kupuje dla niego dom pod numerem 14, rue La Rochefoucauld, na prawym brzegu Sekwany, niedaleko pałacu Saint-Lazare. W tym prestiżowym miejscu, w luksusowej rezydencji, luksusowo i drogo wyposażonej, jak przystało na najlepsze mieszczańskie domy, Moreau urządza na trzecim piętrze warsztat. Żyje i pracuje w najlepszych warunkach, nadal otrzymuje zamówienia rządowe, zostaje członkiem wyższych sfer i oficjalnych środowisk artystycznych. 10 października 1856 Delacroix pisze w swoim dzienniku: „Widząc biednego Chasserio. Widziałem Doza, Diaza i młodego Moreau, artystę. Całkiem go lubię”.
Moreau nigdy nie zaprzeczał, że wiele zawdzięczał w swojej twórczości Chasserio, przedwcześnie zmarłemu przyjacielowi (w wieku 37 lat). Podczas swojego wcześniejszego wyjazdu Moreau namalował płótno Młodość i śmierć (1865). Wpływ Theodore'a Chasserio jest również widoczny na dwóch dużych płótnach, które Moreau zaczął malować w latach pięćdziesiątych XIX wieku, w Zalotnikach Penelopy i Córkach Tezeusza . Pracując nad tymi ogromnymi, pełnymi szczegółów obrazami, prawie nie wychodził z pracowni. Jednak te wysokie wymagania wobec siebie często stawały się później powodem, dla którego artysta pozostawił dzieło niedokończone.
Podczas dwóch podróży do Włoch (1841 i 1857-1859) odwiedził Wenecję, Florencję, Rzym i Neapol, gdzie Moreau studiował sztukę renesansu - arcydzieła Andrei Mantegny, Crivellego, Botticellego i Leonarda da Vinci. Przywozi stamtąd kilkaset egzemplarzy dzieł wielkich mistrzów renesansu. Maluje także pastele i akwarele, nawiązujące do twórczości Corota. W tym okresie spotyka Bonnata, Elie Delaunaya, młodego Degasa, któremu pomaga w jego wczesnych poszukiwaniach. Odtąd Moreau asymiluje charakterystyczny styl przesiąknięty duchem romantyzmu - hieratyczny-zamrożony, obcy ruchowi i akcji. W 1862 roku umiera ojciec artysty.
kreacja
Theophile Gautier pisał o malarstwie G. Moreau: jest „… tak dziwne, niezwykłe dla oka i tak przemyślane w swojej oryginalności, stworzone dla wnikliwego, znającego się na rzeczy i wyrafinowanego ducha”. („Muzeum Gustave'a Moreau”, Paryż, 1997, s. 16.). W 1864 wystawia w Salonie Edypa i Sfinksa - obraz wywołuje silną reakcję, nie pozostawiając obojętnym żadnego z krytyków. Ta symboliczno-alegoryczna praca była prawdziwym debiutem twórczym Moreau. Stwór o twarzy i klatce piersiowej kobiety, skrzydłach ptaka i ciele lwa - Sfinks - przylgnął do tułowia Edypa; obie postacie są w dziwnym odrętwieniu, jakby hipnotyzowały się spojrzeniem. Wyraźny rysunek, rzeźbiarskie formowanie form mówi o wykształceniu akademickim. Odkrycie Edypa i Sfinksa pomogło Odilonowi Redonowi zrealizować swoje powołanie, a jego pierwsze płótna inspirowane były dziełami Moreau.
Teraz do swoich obrazów podejmuje tematy mitologiczne lub biblijne i preferuje wizerunki kobiet. Wewnętrzny świat i wygląd bohaterek Moro odpowiadają jego rozumieniu Wiecznej Kobiecości. Mityczna kobieta na obrazie artysty to surrealistyczna i piękna istota, której wdzięczne formy podkreśla kosztowna biżuteria. Nazywa się Salome, Elena, Leda, Pasiphae, Galatea, Kleopatra, Delilah, ucieleśniając albo śmiertelną siłę, która decyduje o losie człowieka, albo uwodzicielskie zwierzę. Pojawia się jak duch we wspaniałej szacie, obsypana drogocennymi kamieniami. Moreau pozostał kawalerem, jedynym władcą jego myśli i powiernikiem była jego matka, która żyła do 1894 roku. Być może fakt ten należy traktować jako wyjaśnienie, jak wielkie miejsce zajmowała kobieta w jego twórczości. W 1869 roku obraz „Prometeusz i Europa”, zaproponowany przez artystę do Salonu, wywołał ostrą krytykę, po której długo nie wystawiał, aw 1876 powrócił do Salonu z obrazami „Salome” i „Wizja ". Jeden z jego najsłynniejszych obrazów – „Objawienie” (1876, Paryż, Muzeum Gustave'a Moreau) - jest napisany na ewangelicznej opowieści o tańcu Salome przed królem Herodem, w zamian za który zażądała głowy Jana Chrzciciela. Z ciemnej przestrzeni sali przed Salome pojawia się wizja zakrwawionej głowy Jana Chrzciciela, emanującej oślepiającym blaskiem. Artysta obdarza obrazem ducha perswazyjność, która porusza wyobraźnię. W 1880 roku po raz ostatni brał udział w wystawie, pokazując dwa płótna: „Helena pod murami Troi”, gdzie kobieta przedstawiona jest jako okrutna istota winna wojny i śmierci ludzi, oraz „Galatea”: tu bohaterka jest obiektem pożądania, do którego na próżno przykute jest ogromne oko Cyklopa. Moreau osiągnął specjalny efekt połysku poprzez staranne mieszanie kolorów. Artysta lubił różne trendy twórcze, był dobrze zorientowany w muzyce i biżuterii, sztuce i towarach luksusowych.
W 1868 roku Moreau został przewodniczącym jury Grand Prix de Rome. W 1875 roku Gustave Moreau otrzymał najwyższą nagrodę Republiki Francuskiej - Order Legii Honorowej. W 1884 roku umiera matka artysty. Ta strata dosłownie sparaliżowała artystę, przez kilka miesięcy Moreau nie zbliżał się do sztalugi. Często wyjeżdżał poza miasto i za granicę, w tych podróżach artyście towarzyszy wierna Aleksandryna, której nigdy nie poślubił. Huysmans, wielbiciel Moreau, zauważył, że „bez wyraźnego przodka, bez możliwych potomków, on (Moro) pozostał samotnikiem w sztuce współczesnej”.
Prawdziwy pustelnik, Gustave Moreau, jest obcy dla masowej publiczności; jego twórczość adresowana jest do wyrafinowanej elity, zdolnej do zrozumienia świata mitologicznej czy średniowiecznej symboliki, której bohaterkami są zastygłe w uwodzicielskich pozach Salome i Galatea, czy dziewice obficie pieszczące dwuznaczne jednorożce. Te legendarne postacie śpiewali poeci parnasowscy i symbolistyczni, w tym Théodore de Banville i José Maria de Heredia, Jean Lorrain i Albert Samin, Henri de Regnier i Huysmans, Jules Laforgue i Milos. Moreau był ulubionym malarzem salonowym na Faubourg Saint-Germain, chwalonym przez Roberta de Montesquieu i Oscara Wilde'a, a Marcel Proust pamięta go jako malarza Elstira w W poszukiwaniu straconego czasu. Widząc akwarelę „Faeton” na Wystawie Światowej w 1878 roku, artysta Odilon Redon, zszokowany dziełem, napisał: „Ta praca jest w stanie wlać nowe wino w skórę starej sztuki. Wizja artysty jest świeża i nowa... Jednocześnie podąża za skłonnościami własnej natury. Redon, podobnie jak wielu ówczesnych krytyków, główną zasługę Moreau upatrywał w tym, że potrafił nadać nowy kierunek tradycyjnemu malarstwu, wypełnić lukę między przeszłością a przyszłością. Symbolistyczny pisarz Huysmans, autor kultowej dekadenckiej powieści The Reverse (1884), uważał Moreau za „wyjątkowego artystę”, który „nie ma prawdziwych poprzedników ani możliwych następców”.
Skłonny do mizantropii Moreau odmawia wystawiania swoich obrazów, nie pozwala nawet na ich reprodukcję i niechętnie zgadza się na sprzedaż. „Tak bardzo kocham moją sztukę – pisze – że będę szczęśliwy tylko wtedy, gdy będę pisał dla siebie”. W 1888 Moreau został wybrany do Akademii Sztuk Pięknych, aw 1891 został profesorem Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu, zastępując na tym miejscu Delaunaya. Do jego uczniów należą Henri Matisse, Georges Rouault, Odilon Redon, Gustave Pierre. W 1890 roku zmarła jego partnerka życiowa Adelaide-Alexandrina Dure. Kochając jedną kobietę od dwudziestu lat i załamany jej przedwczesną śmiercią, Moreau w 1890 roku tworzy obraz „Orfeusz na grobie Eurydyki”. Tęsknota i rozpacz wyrażają się tu przede wszystkim poprzez ekspresyjnie rozdzielony pejzaż, w którym postać Orfeusza jest pewnym akcentem, detalem, w ogólnym niespokojnie napiętym pejzażu-nastroju. Nie wiadomo, czy francuski mistrz malował portrety Alexandriny Dore, jednak jego liczne mitologiczne wizerunki kobiece (często w swym wewnętrznym przekazie bliskie estetyce Baudelaire'a) pozbawione są indywidualizacji: są to uogólnione typowane stany twarzy, w których, jako panuje stan tajemnicy i niejasności. Jego płótna, akwarele i rysunki poświęcone były głównie tematyce biblijnej, mistycznej i fantastycznej. Jego malarstwo miało ogromny wpływ na fowizm i surrealizm. Moreau był znakomitym znawcą sztuki dawnej, wielbicielem sztuki antycznej Grecji i miłośnikiem orientalnych dóbr luksusowych, jedwabiu, broni, porcelany i dywanów.
Moreau zmarł w 1898 roku i został pochowany na cmentarzu Montmartre. Od 1903 roku Muzeum Gustave'a Moreau mieści się w jego dawnej pracowni w IX dzielnicy Paryża. Płótna Moreau są również w Neuss.
Pracuje
- Kiedy w 1864 roku artysta pokazał „Edypa i Sfinksa” – pierwszy obraz, który naprawdę przyciągnął uwagę krytyków – jeden z nich zauważył, że płótno to przypomina mu „potpourri na tematy Mantegny, stworzone przez niemieckiego studenta, który wypoczęty podczas pracy czytając Schopenhauera”.
- Chcąc uchronić się przed niepożądanymi interpretacjami, często towarzyszył swoim obrazom szczegółowym komentarzom i szczerze żałował, że „do tej pory nie było ani jednej osoby, która mogłaby poważnie mówić o moim malarstwie”.
- W 1895 roku, po ukończeniu pracy nad wielkim płótnem Jowisz i Semele, Moreau rozpoczyna swój ostatni wielki projekt: urządza we własnej posiadłości dom-muzeum. Chce w ten sposób udostępnić sztukę publiczności, a także mieć pewność, że zostanie ona zachowana dla przyszłych pokoleń.
- Sprzedawszy za życia niewiele dzieł, Moreau zapisał państwu swoją rezydencję wraz z pracownią, w której przechowywano około 1200 obrazów i akwarel oraz ponad 10 000 rysunków (dom-muzeum narodowe mieści się przy La Rochefoucauld 14, dziewiąta dzielnica Paryża). Za życia artysty francuskie muzea zakupiły tylko 3 dzieła, zagraniczne - ani jednego. Partnerami muzeum są Muzeum Orsay, Muzeum Opery Narodowej i Muzeum Hennera. Bilet wstępu do jednego z tych muzeów jest ważny przez tydzień, aby kupić bilety ze zniżką do pozostałych dwóch.
- Moreau celowo starał się jak najbardziej nasycić swoje obrazy niesamowitymi szczegółami, to była jego strategia, którą nazwał „potrzebą luksusu”. Moreau pracował nad swoimi obrazami przez długi czas, czasem kilka lat, ciągle dodając coraz to nowe detale, które mnożyły się na płótnie, jak odbicia w lustrach. Kiedy artysta nie miał już dość miejsca na płótnie, obszył dodatkowe paski. Stało się tak na przykład z obrazem „Jowisz i Semele” oraz niedokończonym obrazem „Jazon i Argonauci”.
- Krytycy widzieli w nim przedstawiciela symbolizmu, choć sam artysta wielokrotnie i zdecydowanie odrzucał tę etykietę.
- Z biegiem lat Moreau coraz bardziej wierzył, że jest ostatnim strażnikiem tradycji i rzadko wypowiadał się z aprobatą o współczesnych artystach, nawet tych, z którymi się przyjaźnił. Moreau uważał, że malarstwo impresjonistów było powierzchowne, pozbawione moralności i nie mogło nie doprowadzić tych artystów do duchowej śmierci.
- G. Moreau wywarł silny wpływ na O. Redona (dla Redona modernizm Moreau polegał na „podążaniu za własną naturą”), belgijskich symbolistów F. Knopfa, J. Delville'a, na teoretyka surrealizmu A. Bretona. Moreau jest uważany za ojca "Fowizmu": był bezpośrednim nauczycielem A. Matisse'a, J. Rouaulta, A. Marqueta i innych (był kierownikiem Państwowej Szkoły Sztuk Pięknych (1892-98).
- Na początku XX wieku. twórczość Gustave'a Moreau została prawie zapomniana, dopóki nie pojawili się Andre Breton i surrealiści, którzy odkryli ją na nowo (Breton nazwał świat Moreau „światem somnambulistycznym”), czcili go także Salvador Dali i Max Ernst. Nawiązując barwną metaforą „sfinksa pochwyconego pazurami” do obrazu „Edyp i Sfinks” Gustave'a Moreau, Breton podkreśla tu swoją osobistą, sięgającą lat młodzieńczych, wdzięczność temu artyście, magicznym wizerunkom do których bohaterek jeszcze nie raz będzie się zwracał i do katalogu którego retrospektywnej wystawy napisze przedmowę w 1960 r.
Słynne powiedzenia
- „Nigdy nie nauczyłbym się wyrażać siebie bez ciągłej medytacji przed dziełami geniuszy: Madonną Sykstyńską i niektórymi dziełami Leonarda”.
- „Nigdy nie szukałem snów w rzeczywistości ani rzeczywistości w snach. Dałem swobodę wyobraźni” – lubił powtarzać Moreau, uważając fantazję za jedną z najważniejszych sił duszy.
Paradoksalna twórczość Moreau znajduje się na rozdrożu sztuki XIX wieku. Peter Cook pod koniec monograficznej pracy o Gustave'u Moreau (1826-1898) nazywa go protosymbolistą, rzadziej malarzem historycznym, ale generalnie trudno go sklasyfikować. Najlepsze z jego zawiłych obrazów biblijnych i mitologicznych są wyryte w pamięci, ale trudne do rozszyfrowania. Gustave Moreau: malarstwo historyczne, duchowość i symbolizm (Gustave Moreau: malarstwo historyczne, duchowość i symbolizm) jest próbą rzucenia światła na tę niezwykle osobliwą postać z pogranicza sztuki francuskiej.
Jego klasyczne kompozycje olejne przedstawiają postaci w odizolowanych jasnych obszarach, otoczonych dużymi ciemnymi obszarami, kolorowymi plamami koloru, które nadają tym grotom i salom tronowym wygląd klejnotów. Mimika jego postaci jest powściągliwa, a ich gesty nienaturalne i podniosłe. Odzież i architektura pokryte są misternymi dekoracjami, które nadają obrazom pseudoorganiczny wygląd. Pod koniec Drugiego Cesarstwa salonowe malarstwo historyczne stawało się ćwiczeniem w szukaniu sensacji i łaskotaniu nerwów. Trudno nie dostrzec, że Moreau chętnie torturuje się tradycją malarstwa historycznego, którego dni, jak podejrzewał, są policzone. Jego prace leżą pomiędzy neoklasycznym podejściem do malarstwa historycznego a rodzącym się ruchem symbolistycznym, który zdaniem Moreau nie był wystarczająco znaczący. W niezwykle złożonym i eklektycznym światopoglądzie artysty, oddanie sztuce łączyło się z mitologią panteistyczną i mistycyzmem katolickim. Stanowisko Moreau jako antyrealisty było konsekwencją jego przywiązania do idealizmu. Jego poglądy polityczne były skrajnie monarchistyczne i nacjonalistyczne.
Cook sugeruje, że negatywna reakcja na prace salonowe Moreau po sukcesie jego Edypa i Sfinksa (1864) była spowodowana pomieszaniem stylów i trudnością w interpretacji obrazowych narracji. Użył neoklasycyzmu jako podstawy swojego podejścia, ale uwzględnił zarówno emocjonalne zabarwienie romantyzmu, jak i ornamentalizm sztuki Dalekiego Wschodu i islamu. Cook porównuje obrazy Moreau z innymi wystawionymi na Salonie w tym samym roku. Jest to o tyle pouczające, że wiele z tych obrazów zostało namalowanych przez mało znanych artystów i zaginęło lub trafiło do podziemi prowincjonalnych muzeów.
Mieszany odbiór jego prac salonowych przyczynił się do tego, że Moreau zaczął uważać się za proroka, którego nie słuchano. Chcąc zabezpieczyć swoją pozycję w następnych pokoleniach, przekazał swoje zasady licznym uczniom. I pracował nad obrazami, które zgodnie z intencją artysty miały znaleźć się w pośmiertnym muzeum poświęconym jego twórczości. A jeśli żaden ze studentów nie został jego naśladowcą, to paryski dom-muzeum Moreau okazał się trwalszą spuścizną. Moreau stworzył kopie swoich udanych płócien, aby mogły być tutaj przechowywane.
Jako nauczyciel w Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych Moreau miał kontakt z pokoleniem artystów, którzy później tworzyli modernizm. Studenci Henri Matisse, Albert Marquet i Charles Camoin stanowili trzon ruchu fowistów, sprzeciwiającego się ideałom nauczyciela. Cook pokazuje, że Moreau był życzliwym mentorem, który zalecał kopiowanie szerokiej gamy prac i wywarł pozytywne wrażenie na uczniach. Ale ze wszystkich najwybitniejszych uczniów Moreau tylko Georges Rouault stał się artystą alegorycznym i konsekwentnym przeciwnikiem realizmu. Moreau był ostatnim orędownikiem tradycji, od której późniejsi artyści ostatecznie się odwrócili. Jego prace są bardzo atrakcyjne i wystarczająco subtelne, by zasługiwać na spóźnioną uwagę, jaką poświęcił mu Cook.
Tekst: Alexander Adams
Co wiemy o XIX-wiecznych artystach? Wielkie nazwiska słyszą wszyscy, ale są tacy, którzy pozostali nieznani światu. Każdy z nich swoimi płótnami wniósł coś do sztuki. Artysta Gustave Moreau był jednym z tych, którzy weszli w szeregi wielkich malarzy, słusznie zajmuje tam swoje miejsce.
Młodzież
Francuski symbolista urodził się w Paryżu w XIX wieku. Od razu zrozumiał, kim chce być, dlatego przez długi czas studiował w szkole sztuk pięknych. Już od młodości przejawiała się w jego twórczości orientacja: biblijna. Tworzył obrazy o tajemniczej tematyce, dlatego jego prace wciąż fascynują i niosą ze sobą coś tajemniczego i mistycznego.
Po szkole Gustave Moreau postanawia wstąpić do akademii. Dzięki ojcu mógł przebywać w Luwrze, kiedy tego potrzebował i tam pracować, inspirowany arcydziełami światowych geniuszy. W 1848 roku Moreau brał udział w konkursie Grand Prix. Obie próby zakończyły się niepowodzeniem i malarz opuścił akademię.
Aby czerpać inspirację, wielcy artyści XIX wieku uwielbiali podróżować w poszukiwaniu muzy. Moreau dwukrotnie udał się do Włoch. W tym czasie udało mu się dotrzeć do wszystkich najpiękniejszych zakątków tego kraju: Wenecji, Florencji, Rzymu, Neapolu. Oprócz niezwykłej architektury tamtych czasów, studiował tutaj renesans i słynnych autorów tamtych czasów.
Współpraca z państwem
Oprócz tego, że Gustave Moreau, którego obrazy odniosły już sukces, pracował nad swoimi arcydziełami, realizował rozkaz państwa. Jego zadaniem było stworzenie ogromnej kopii obrazu Carracciego. Wszystkim spodobała się kreacja i złożyli kolejne zamówienie na kopię obrazu, ale Moreau odmówił, mówiąc, że chce kupować jego prace, a nie kopie kolegów. Po takim oświadczeniu Gustave otrzymał polecenie stworzenia własnego płótna.
Nowy etap twórczości
Nowy etap rozpoczął się od zakupu mieszkania. Ojciec bardzo kochał syna, dlatego w 1852 roku kupił mu szykowny dom. Z okien widać było stację kolejową Saint-Lazare, aw pobliżu było głośno Moro i od razu postanowił stworzyć osobiste miejsce kreatywne na jednym z pięter i zabrać się do pracy. Elegancka rezydencja pomogła mu i zainspirowała go. Gustaw żył w doskonałych warunkach, wypełniając nakazy państwa. Stopniowo został dobrze przyjęty w kręgach znanych artystów.
W tym okresie dowiedział się o ciąży swojej mieszkającej w Rzymie dziewczyny. Malarz postanowił opuścić nieszczęśnika. Jego matka zgodziła się z tą decyzją, uważała, że zarówno ślub, jak i małe dziecko zniszczą karierę przyszłego wielkiego malarza. Ciągnęło się to przez kilka lat. Przyjeżdżali tu także rodzice Gustawa, którzy postanowili towarzyszyć artyście w jego podróżach. We Włoszech inspirował go Botticelli, Leonardo da Vinci, Crivelli i inni wielcy artyści. Przywoził więc do domu szkice i gotowe płótna nasycone włoskim smakiem.
Nagła miłość i oszałamiający sukces
Po powrocie do stolicy Francji Moreau zaczyna pracować w swojej rezydencji, czasami odwiedzając przyjaciół. Pewnego wieczoru rozmawiał z guwernantką Alexandrine Dureau. Nagła lekka miłość rozwija się w niesamowitą namiętność, ale kochankowie ukrywają swoje uczucia.
Śmierć ojca w 1862 r. poruszyła artystę i pogrążony w żalu postanowił poświęcić się sztuce i edukacji. Kreacje Moreau są poszukiwane, a on staje się popularny zarówno w Paryżu, jak i daleko poza nim. Pod koniec lat 60. Gustave został przewodniczącym jury tego samego Grand Prix, w którym dwukrotnie przegrał w młodości. W połowie lat 70. malarz otrzymał najwyższe francuskie odznaczenie – Order Legii Honorowej.
Zachód słońca kreatywności
W 1884 roku Gustaw stracił matkę. To tragiczne wydarzenie nie pozwoliło mu spokojnie tworzyć i przez sześć miesięcy nie mógł owocnie pracować. Wiek też dał o sobie znać. Gustave coraz częściej opuszcza Paryż, podróżuje do innych krajów w towarzystwie ukochanej Aleksandryny. Już w 1888 został członkiem Akademii Sztuk Pięknych, a po 3 latach został profesorem paryskiej Szkoły Sztuk Pięknych.
Na początku lat 90. XIX wieku umiera Alexandrine, pięć lat później Gustaw kończy swoje gigantyczne dzieło „Jowisz i Semele” i postanawia urządzić w swoim domu muzeum. Artysta zmarł w 1898 roku, został pochowany na cmentarzu Montmartre, gdzieś niedaleko spoczywa jego ukochana Alexandrine Dureau.
Muzeum
Przed śmiercią Gustave Moreau, którego biografia jest bogata i żywa, pozostawił miastu w spadku swoje dzieła i majątek. Malarz zdołał zachować kolekcję swoich obrazów i szkiców, zgromadził także dzieła wielkich artystów, rzeźbiarzy, rzadkie meble i inne przedmioty z XIX wieku.
Muzeum Domu Gustave'a Moreau stało się obecnie niezwykle popularnym miejscem w Paryżu. Choć malarzowi nie udało się przełożyć swoich pomysłów na rzeczywistość, paryski ratusz zadbał o jego spuściznę. Miasto stworzyło niezwykły dom-muzeum, w którym obecnie znajduje się najpełniejsza kolekcja malarstwa
Ten „malarski raj” zajmował dwa piętra. Na pierwszej - wszystkie ściany obwieszone są pracami Moreau. Aby pomóc przyszłym koneserom sztuki, Gustaw sporządził opisy obrazów, w muzeum te notatki zostały również przetłumaczone na język angielski. Ponadto wśród gotowych prac na sztalugach znajdują się te, których artysta pozostawił niedokończone.
Drugie piętro wypełnia kolekcja obrazów innych artystów, a także rzeźby, zabytkowe meble – wszystko to, co Gustave Moreau mógł kolekcjonować samodzielnie. W tej chwili bilet do domu-muzeum kosztuje 6 euro dla osoby dorosłej, a dzieci do 18 roku życia mają wstęp bezpłatny.
Obrazy
Wśród obrazów pozostawionych przez malarza są znane wszystkim i każdemu. Jednym z nich jest „Jowisz i Semele”, napisany dwa lata przed śmiercią artysty. Płótno przedstawia alegoryczne postacie o określonym znaczeniu: Śmierć, Cierpienie, Noc itp.
Całą przestrzeń wypełniają niezwykłe rośliny, fantastyczne rozwiązania architektoniczne i rzeźbiarskie rzeźby. Bardzo ważne jest również, aby artysta komentował całe to bogactwo obrazów i fantazji, ponieważ widzowi trudno jest samodzielnie zidentyfikować wszystkie postacie. Ta sama legenda o Semele na płótnie nabiera pewnego mistycyzmu i tajemniczości.
Analizując sztukę Gustawa, staje się jasne jego pragnienie „niezbędnego splendoru”. Malarz przekonywał, że powinniśmy zwracać uwagę na mistrzów przeszłości, którzy nie nauczą nas kiepskiej sztuki. Artyści z przeszłości starali się pokazać na swoich płótnach tylko to, co było najbogatsze, najrzadsze i najwspanialsze w swoim czasie. Stroje, które przedstawiali w swoich pracach, biżuterii, przedmiotach - wszystko to zostało przyjęte przez Moreau.
Innym popularnym obrazem Gustawa jest Objawienie, które stworzył w 1876 roku. Podobnie jak wiele innych, zawiera historię religijną, w tym przypadku historię ewangelii. Na płótnie mowa o Salome tańczącej przy głowie Heroda.W tym momencie przed Salome pojawia się głowa Jana, tworząc wspaniały, olśniewający blask.
W latach 1860-1870, kiedy pojawili się impresjoniści, obojętni na historyczną, religijną, literacką fabułę w malarstwie, na scenie artystycznej Francji pojawił się jeden z najbardziej tajemniczych artystów XIX wieku, wynalazca fantastycznych wątków, znakomitych, tajemniczych i mistyczne obrazy - Gustave Moreau.
Jeden z jego najsłynniejszych obrazów – „Objawienie” (1876, Paryż, Muzeum Gustave'a Moreau) - jest napisany na ewangelicznej opowieści o tańcu Salome przed królem Herodem, w zamian za który zażądała głowy Jana Chrzciciela. Z ciemnej przestrzeni sali przed Salome pojawia się wizja zakrwawionej głowy Jana Chrzciciela, emanującej oślepiającym blaskiem. Artysta obdarza obrazem ducha perswazyjność, która porusza wyobraźnię.
Moreau otrzymał dobre wykształcenie zawodowe, studiował u Pico, mistrza orientacji klasycznej, był pod wpływem Delacroix, a zwłaszcza Chasserio; spędził dwa lata we Włoszech, kopiując dawnych mistrzów, pociągały go obrazy Carpaccia, Gozzoli, Mantegny i innych.
Edyp i Sfinks Moreau był wystawiany na Salonie 1864 (Nowy Jork, Metropolitan Museum of Art). Stwór o twarzy i klatce piersiowej kobiety, skrzydłach ptaka i ciele lwa - Sfinks - przylgnął do tułowia Edypa; obie postacie są w dziwnym odrętwieniu, jakby hipnotyzowały się spojrzeniem. Wyraźny rysunek, rzeźbiarskie formowanie form mówi o wykształceniu akademickim.
Tematyka Moreau nadal koncentruje się wokół mitologii różnych kultur – antycznej, chrześcijańskiej, orientalnej. Artysta maluje jednak mit zgodnie z własną wyobraźnią: obraz „Orfeusz” (1865, Paryż, Musee d'Orsay) przedstawia młodą kobietę niosącą na lirze głowę pięknej śpiewaczki – według legendy Orfeusz był rozerwany na kawałki przez Bachantki.
Śmierć poety jest również poświęcona płótnu „Umarły poeta i centaur” (ok. 1875, Paryż, Muzeum Gustave'a Moreau). Sztuka, poezja, piękno skazane są na zagładę na ziemi – być może taki jest jego pomysł, ale treść dzieł mistrza jest niejednoznaczna, a widz ma możliwość odgadnięcia znaczenia dzieł.
Studiując obrazy mistrzów przeszłości, Moreau dochodzi do wniosku, że artysta w swojej twórczości musi kierować się zasadą „niezbędnego splendoru”. „Odwołaj się do wielkich mistrzów” — powiedział Moreau. - Nie uczą nas, jak tworzyć biedną sztukę. Artyści różnych czasów używali w swoich obrazach wszystkiego, co znali z najbogatszych, genialnych, rzadkich, nawet najdziwniejszych, wszystkiego, co u nich było uważane za luksusowe, cenne ... Jakie stroje, jakie korony, jakie klejnoty ... co rzeźbione trony! ... Wielcy i prostoduszni geniusze włączają w swoje kompozycje nieznaną i delikatną roślinność, zachwycającą i dziwaczną faunę, naręcze kwiatów, girlandy niespotykanych owoców i pełne wdzięku zwierzęta.
Z biegiem lat prace Moreau stają się coraz bardziej wielobarwne, wypełnione detalami, wspaniałą biżuterią, drogocennymi tkaninami, czasem zmieniając płótna mistrza w podobiznę pięknych gobelinów lub emalii.
Ale w przeciwieństwie do impresjonistów, którzy pisali oddzielnymi pociągnięciami, czyste kolory, Moreau ostrożnie miesza kolory na palecie, uzyskując specjalny połyskujący stop, amalgamat, w którym pociągnięcia płonącego szkarłatu cynobru, niebieskiego kobaltu, złotej ochry, błękitu, zieleni, mienią się na różowo ("Salome tańcząca przed Herodem", 1876, Los Angeles, kolekcja prywatna; "Jednorożce", ok. 1885, Paryż, Gustave Moreau Museum; "Galatea", 1880-1881, Paryż, kolekcja prywatna).
W swoich pracach Moreau stara się ucieleśnić idee i myśli, które czasami przekraczają możliwości malarstwa - sztuki przestrzeni, a nie czasu; marzy o wyrażeniu niewyrażalnego w plastycznych obrazach. To może tłumaczyć szczegółowe komentarze, którymi artysta towarzyszy swojej pracy. Tak więc, odnosząc się do mitu o Jowiszu i Semele, Moreau pisze: „W centrum kolosalnych struktur powietrznych… święty kwiat wznosi się, na ciemnym lazurze gwiezdnego sklepienia - Bóstwo… objawia się w blasku ; ... Semele, wdychając aromaty wydychane przez Boskość, przemieniona ... umiera, jak uderzona piorunem. ... Wstąpienie do wyższych sfer, ... czyli ziemska śmierć i apoteoza nieśmiertelności.
Płótno „Jupiter and Semele” (1896, Paryż, Gustave Moreau Museum) wypełnione jest alegorycznymi postaciami symbolizującymi Śmierć, Cierpienie, potwory Nocy, Erebusa, Geniusza ziemskiej miłości, Pana itp. Przestrzeń jest spleciona z fantastycznymi rośliny, dziwaczne formy architektoniczne, rzeźby rzeźbiarskie. Pędzel nie nadąża za wyobraźnią i fantazją malarza, więc wiele prac pozostało niedokończonych, a co najważniejsze, widzowi trudno jest zrozumieć ten plątaninę symboli bez interpretacji słownej. Legenda o Semele (która wybłagała Jowisza, aby pojawił się przed nią w całej swojej potężnej mocy i umarła, dając życie w chwili śmierci bogu winiarskiemu Dionizosowi), zamienia się w rodzaj mistycznego traktatu.
Bardziej udane płótna Moreau, nie obciążone zbyt skomplikowanymi koncepcjami symbolicznymi i alegoriami - „Paw narzekający na Junonę” (1881), „Helena pod murami Troi” (ok. 1885, oba - Paryż, Gustave Moreau Museum).
Przez pewien czas na początku XX wieku nazwisko Moreau zostało zapomniane, ale potem miał zagorzałych propagandzistów i wielbicieli - surrealistów Andre Bretona, Salvatora Dali, Maxa Ernsta. Ponadto Moreau był dobrym pedagogiem, który wychował całą plejadę słynnych malarzy XX wieku – Matisse'a, Rouaulta, Marqueta, Manguina, który szanował i cenił Moreau jako subtelnego kolorystę, osobę inteligentną, wszechstronnie wykształconą. W 1898 roku artysta przekazał państwu swój warsztat ze wszystkim, co się w nim znajdowało. Zorganizowano tam Muzeum Gustave'a Moreau, którego pierwszym kuratorem był Georges Rouault.
Weronika Starodubowa
Człowiek z klasycznym wykształceniem artystycznym i wielką wiedzą w dziedzinie sztuki, Gustave Moreau stał się jednym z przywódców symbolistów, ruchu, który przybrał na sile w drugiej połowie XIX wieku. Symbolistów często łączy się z dekadentami, ale prace Moreau trudno przypisać do jakiejkolwiek konkretnej gałęzi. W swoich obrazach wykorzystuje motywy historyczne, klasyczne zestawienia kolorystyczne i awangardowe metody obrazowania.
Z urodzenia Gustave Moreau był paryżaninem, gdzie urodził się w 1826 roku w rodzinie dość bliskiej sztuce - jego ojciec był architektem. Przyszły artysta studiował w paryskiej Szkole Sztuk Pięknych, a już w 1849 roku zaczął wystawiać w Salonie. Interesowały go próbki malarstwa historycznego i dzieła dawnych mistrzów, dlatego kilkakrotnie podróżował tam, gdzie studiował zachowane dzieła najlepszych mistrzów renesansu.
Na jego twórczość duży wpływ miały motywy często wykorzystywane w obrazach znanych artystów z przeszłości - historyczne, biblijne, legendarne, baśniowe, epickie. Stąd mistrz czerpał pomysły na swoje przyszłe obrazy z wyraźnym mistycznym początkiem, charakterystycznym dla symbolizmu. Jednak w przeciwieństwie do klasycznych motywów malarskich, jego styl przedstawiania był całkowicie zaawansowany, zgodnie z duchem czasu, z poszukiwaniem efektów specjalnych i charakterem pisma autora.
Twórczość Moreau została uznana i doceniona przez współczesnych. W 1868 został przewodniczącym konkursu plastycznego, aw 1875 jego osiągnięcia artystyczne zostały uhonorowane Orderem Legii Honorowej, najwyższym odznaczeniem nadawanym za zasługi dla Republiki Francuskiej.
Artysta lubił klasyczną sztukę starożytnej Grecji, bardzo lubił orientalny luksus, bogato zdobione naczynia i naczynia, rzadką kosztowną broń, tkaniny i dywany. W swoich obrazach o motywach mistycznych, biblijnych i historycznych często wykorzystywał te przedmioty o rzadkiej urodzie, zachwycając się ich doskonałością i piękną kolorystyką. Malarstwo mistrza jest rozpoznawalne i dość specyficzne, używa wielu jaskrawych kolorów, ale jakimś cudem udaje im się nie stać pstrokatą kolekcją kolorów, ale sprawiać wrażenie całości i jedności obrazu i jego ucieleśnienia. Obrazy są bardzo wyraziste i zadziwiają opanowaniem koloru. Nawet dobrze znane motywy biblijne są przez niego interpretowane po swojemu, bardzo indywidualnie i nietrywialnie.
W 1888 Gustave Moreau został członkiem Francuskiej Akademii Sztuk Pięknych, aw 1891 rozpoczął nauczanie jako profesor w École des Beaux-Arts. Wśród tych, których uczył, są tak znani mistrzowie, jak Odilon Redon, Georges Rouault i Gustave Pierre. Uważa się, że obrazy Moreau miały bardzo silny wpływ na powstanie fowizmu i surrealizmu.
Pięć lat po śmierci Gustave'a Moreau w 1898 roku w jego paryskim warsztacie zorganizowano muzeum. Jego prace znajdują się w wielu światach, m.in.
