Cechy charakterystyczne rzeźby antycznej starożytnej Grecji. Rzeźbiarskie i architektoniczne cechy starożytnej Grecji

Sztuka starożytnej Grecji stała się podporą i fundamentem, na którym wyrosła cała europejska cywilizacja. Rzeźba starożytnej Grecji to temat szczególny. Bez rzeźby antycznej nie byłoby genialnych arcydzieł renesansu i trudno sobie wyobrazić dalszy rozwój tej sztuki. W historii rozwoju greckiej rzeźby antycznej można wyróżnić trzy główne etapy: archaiczny, klasyczny i hellenistyczny. Każdy ma w sobie coś ważnego i wyjątkowego. Rozważmy każdy z nich.

sztuka archaiczna. Cechy charakterystyczne: 1) statyczna pozycja frontalna postaci, przypominająca rzeźbę starożytnego Egiptu: ręce opuszczone, jedna noga do przodu; 2) Rzeźba przedstawia młodych mężczyzn ("kuros") i dziewczęta ("koros"), na ich twarzach spokojny uśmiech (archaiczny); 3) Kouros przedstawiano nago, kora zawsze ubierano, a rzeźby malowano; 4) Umiejętność przedstawiania kosmyków włosów, w późniejszych rzeźbach - fałdy draperii na postaciach kobiecych.

Okres archaiczny obejmuje trzy wieki - od VIII do VI wieku p.n.e. mi. To okres kształtowania się podstaw rzeźby antycznej, ustanawiania kanonów i tradycji. Okres bardzo warunkowo wyznacza ramy wczesnej sztuki starożytnej. W rzeczywistości początki archaiczności widać już w rzeźbach z IX wieku p.n.e., a wiele śladów archaiczności widać w zabytkach z IV wieku p.n.e. Mistrzowie wczesnej starożytności wykorzystywali do swojej pracy różnorodne materiały. Zachowały się rzeźby wykonane z drewna, wapienia, terakoty, bazaltu, marmuru i brązu. Rzeźbę archaiczną można podzielić na dwa zasadnicze elementy: kora (figury kobiece) i kouros (figury męskie). Uśmiech archaiczny to szczególny rodzaj uśmiechu używany przez greckich rzeźbiarzy archaicznych, zwłaszcza w drugiej ćwierci VI wieku. pne mi. , być może po to, by pokazać, że podmiot obrazu żyje. Ten uśmiech jest płaski i wygląda raczej nienaturalnie, choć jest to znak ewolucji sztuki rzeźbiarskiej w kierunku realizmu i jego poszukiwań.

Kore Common, dla prawie wszystkich kobiecych posągów, to kąt. Najczęściej kora pojawia się frontalnie wyprostowana, ramiona są często opuszczone wzdłuż ciała, rzadko skrzyżowane na klatce piersiowej lub trzymające święte atrybuty (włócznia, tarcza, miecz, różdżka, owoc itp.). Na jego twarzy pojawia się archaiczny uśmiech. Proporcje ciała są wystarczająco oddane, pomimo ogólnych schematycznych i uogólnionych obrazów. Wszystkie rzeźby muszą być pomalowane.

Kuros Rzeźby męskie z tego okresu charakteryzują się ścisłą pozą frontalną, często lewa noga jest wysunięta do przodu. Ręce opuszczone wzdłuż ciała, dłonie zaciśnięte w pięści, rzadziej rzeźby z ramionami wyciągniętymi do przodu, jakby składały ofiarę. Kolejnym niezbędnym warunkiem archaicznych męskich posągów jest dokładna symetria ciała. Zewnętrznie rzeźby męskie mają wiele wspólnego z posągami egipskimi, co wskazuje na silny wpływ egipskiej estetyki i tradycji na sztukę starożytną. Wiadomo, że najwcześniejsze kuro były wykonane z drewna, ale nie zachowała się ani jedna drewniana rzeźba. Później Grecy nauczyli się przetwarzać kamień, więc wszystkie ocalałe kouroi są wykonane z marmuru.

Sztuka klasyczna. Cechy charakterystyczne: 1) Zakończył poszukiwania sposobu na zobrazowanie poruszającej się postaci ludzkiej, harmonijnej w swoich proporcjach; wypracowano stanowisko „kontrpostu” – równowaga ruchów części ciała w spoczynku (postać swobodnie stojąca z podparciem na jednej nodze); 2) Rzeźbiarz Poliklet rozwija teorię kontraposty, ilustrując swoją pracę rzeźbami w tej pozycji; 3) W V w. pne mi. osoba jest przedstawiana jako harmonijna, wyidealizowana, z reguły młoda lub w średnim wieku, wyraz twarzy jest spokojny, bez zmarszczek mimicznych i fałdów, ruchy są powściągliwe, harmonijne; 4) W IV w. pne mi. jest większa dynamika, a nawet ostrość plastyki postaci; w obrazach rzeźbiarskich zaczynają ukazywać indywidualne cechy twarzy i ciał; pojawia się rzeźba.

V wiek w historii greckiej rzeźby okresu klasycznego można nazwać „krokiem naprzód”. Rozwój rzeźby starożytnej Grecji w tym okresie wiąże się z nazwiskami tak znanych mistrzów jak Myron, Policlet i Fidiasz. W ich kreacjach obrazy stają się bardziej realistyczne, jeśli można powiedzieć nawet „żywe”, maleje schematyzm charakterystyczny dla archaicznej rzeźby. Ale głównymi „bohaterami” są bogowie i „idealni” ludzie. Większość rzeźb z tej epoki kojarzy się ze starożytną sztuką plastyczną. Arcydzieła klasycznej Grecji wyróżniają się harmonią, idealnymi proporcjami (co świadczy o doskonałej znajomości anatomii człowieka), a także treścią wewnętrzną i dynamiką.

Polikleitos, który pracował w Argos, w drugiej połowie V wieku. pne e, jest wybitnym przedstawicielem szkoły peloponeskiej. Rzeźba okresu klasycznego jest bogata w jego arcydzieła. Był mistrzem rzeźby z brązu i znakomitym teoretykiem sztuki. Policlet wolał przedstawiać sportowców, w których zwykli ludzie zawsze widzieli ideał. Wśród jego dzieł znajdują się posągi „Doryfora” i „Diadumena”. Pierwsza praca to silny wojownik z włócznią, ucieleśnienie spokojnej godności. Drugi to szczupły młodzieniec, z bandażem zwycięzcy konkursów na głowie.

Myron, który żył w połowie V wieku. pne e, jest nam znana z rysunków i kopii rzymskich. Ten genialny mistrz doskonale opanował plastyczność i anatomię, wyraźnie oddawał swobodę ruchów w swoich pracach („Disco Thrower”).

Rzeźbiarz starał się pokazać walkę dwóch przeciwieństw: spokoju wobec Ateny i dzikości wobec Marsjasza.

Fidiasz to kolejny wybitny przedstawiciel rzeźbiarza okresu klasycznego. Jego imię brzmiało jasno w okresie rozkwitu greckiej sztuki klasycznej. Jego najsłynniejszymi rzeźbami były kolosalne posągi Ateny Partenos i Zeusa w Świątyni Olimpijskiej, Ateny Promachos znajdującej się na placu Akropolu w Atenach. Te arcydzieła sztuki są bezpowrotnie stracone. Dopiero opisy i zredukowane kopie rzymskie dają nam nikłe pojęcie o wspaniałości tych monumentalnych rzeźb.

Rzeźba starożytnej Grecji ukazywała fizyczne i wewnętrzne piękno i harmonię człowieka. Już w IV wieku, po podbojach Aleksandra Wielkiego w Grecji, poznano nowe nazwiska utalentowanych rzeźbiarzy. Twórcy tej epoki zaczynają zwracać większą uwagę na stan wewnętrzny człowieka, jego stan psychiczny i emocje.

Słynnym rzeźbiarzem okresu klasycznego był Skopas, który żył w połowie IV wieku p.n.e. Wprowadza innowacje, odsłaniając wewnętrzny świat człowieka, stara się oddać emocje radości, strachu, szczęścia w rzeźbach. Nie bał się eksperymentować i portretował ludzi w różnych skomplikowanych pozach, poszukując nowych artystycznych możliwości ukazania na ludzkiej twarzy nowych uczuć (namiętność, złość, wściekłość, strach, smutek). Posąg Maenady jest doskonałym dziełem okrągłej sztuki plastycznej, obecnie zachowała się jego rzymska kopia. Nowym i wieloaspektowym dziełem reliefowym jest Amazonomachia, która zdobi Mauzoleum Halikarnasu w Azji Mniejszej.

Praksyteles był wybitnym rzeźbiarzem okresu klasycznego, który mieszkał w Atenach około 350 roku p.n.e. Niestety, do nas trafiła tylko statua Hermesa z Olimpii, ao pozostałych dziełach wiemy tylko z kopii rzymskich. Praksyteles, podobnie jak Skopas, próbował przekazać uczucia ludzi, ale wolał wyrażać bardziej „lekkie” emocje, które były przyjemne dla człowieka. Przeniósł liryczne emocje, senność na rzeźby, wyśpiewał piękno ludzkiego ciała. Rzeźbiarz nie tworzy postaci w ruchu.

Wśród jego prac należy zwrócić uwagę na „Odpoczywający satyr”, „Afrodyta z Cnidos”, „Hermes z niemowlęciem Dionizosem”, „Apollo zabija jaszczurkę”.

Lysippus (druga połowa IV wieku p.n.e.) był jednym z najwybitniejszych rzeźbiarzy okresu klasycznego. Wolał pracować z brązem. Dopiero rzymskie kopie dają nam możliwość zapoznania się z jego twórczością.

Wśród słynnych dzieł są „Herkules z łanią”, „Apoxiomen”, „Hermes odpoczynek” i „Zapaśnik”. Lysippus dokonuje proporcjonalnych zmian, przedstawia mniejszą głowę, szczuplejsze ciało i dłuższe nogi. Wszystkie jego prace są indywidualne, portret Aleksandra Wielkiego jest również zhumanizowany.

Mała rzeźba w okresie hellenistycznym była powszechna i składała się z postaci ludzi wykonanych z wypalanej gliny (terakoty). Nazywano je terakotami Tanagra, od miejsca ich produkcji, miasta Tanagra w Beocji.

Sztuka hellenistyczna. Cechy charakterystyczne: 1) Utrata harmonii i ruchów okresu klasycznego; 2) Ruchy postaci nabierają wyraźnego dynamizmu; 3) Wizerunki postaci w rzeźbie mają tendencję do przekazywania cech indywidualnych, pragnienia naturalizmu, odstępstwa od harmonizacji natury; 4) W dekoracji rzeźbiarskiej świątyń pozostaje dawny „heroiczny”; 5) Doskonałość w przekazywaniu form, objętości, fałd, „żywotności” natury.

W tamtych czasach rzeźba zdobiła domy prywatne, budynki użyteczności publicznej, skwery, akropolie. Rzeźba hellenistyczna charakteryzuje się odbiciem i ujawnieniem ducha niepokoju i napięcia, pragnienia przepychu i teatralności, a czasem surowego naturalizmu. Szkoła pergamońska rozwinęła artystyczne zasady Skopasa z jego zainteresowaniem gwałtownymi przejawami uczuć, przekazywaniem szybkich ruchów. Jedną z wybitnych budowli hellenizmu był monumentalny fryz Ołtarza Pergamońskiego, zbudowany przez Eumenesa 2 na cześć zwycięstwa nad Galami w 180 roku p.n.e. mi. Jej cokół pokryto fryzem o długości 120 m, wykonanym płaskorzeźbie i przedstawiającym bitwę bogów olimpijskich i zbuntowanych olbrzymów z wężami zamiast nóg.

Odwaga jest ucieleśniona w grupach rzeźbiarskich „Umierający Gal”, „Gal zabijający siebie i swoją żonę”. Wybitna rzeźba hellenizmu - Afrodyta z Mediolanu autorstwa Agesandera - półnaga, surowa i w najwyższym stopniu spokojna.

starożytna grecka rzeźba klasyczna

Starożytna grecka rzeźba z okresu klasycznego

Mówiąc o sztuce starożytnych cywilizacji, przede wszystkim pamiętamy i studiujemy sztukę starożytnej Grecji, a w szczególności jej rzeźbę. Naprawdę w tym małym pięknym kraju ten rodzaj sztuki urósł do takiego poziomu, że do dziś jest uważany za standard na całym świecie. Badanie rzeźb starożytnej Grecji pozwala lepiej zrozumieć światopogląd Greków, ich filozofię, ideały i aspiracje. W rzeźbie, jak nigdzie indziej, przejawia się stosunek do człowieka, który w starożytnej Grecji był miarą wszechrzeczy. To właśnie rzeźba daje nam możliwość oceny religijnych, filozoficznych i estetycznych idei starożytnych Greków. Wszystko to pozwala lepiej zrozumieć przyczyny takiego wzrostu, rozwoju i upadku tej cywilizacji.

Rozwój cywilizacji starożytnej Grecji dzieli się na kilka etapów - epok. Najpierw pokrótce opowiem o epoce archaicznej, ponieważ poprzedzała epokę klasyczną i „nadała ton” rzeźbie.

Okres archaiczny to początek powstawania starożytnej rzeźby greckiej. Era ta została również podzielona na wczesną archaiczną (650 - 580 p.n.e.), wysoką (580 - 530 p.n.e.) i późną (530 - 480 p.n.e.). Rzeźba - była ucieleśnieniem idealnej osoby. Wychwalała jego piękno, doskonałość fizyczną. Wczesne pojedyncze rzeźby reprezentowane są przez dwa główne typy: wizerunek nagiego młodzieńca - kurosa oraz postać ubraną w długą, obcisłą tunikę dziewczyny - kora.

Rzeźba z tej epoki była bardzo podobna do egipskiej. I nie jest to zaskakujące: Grecy, zapoznając się z kulturą egipską i kulturami innych krajów starożytnego Wschodu, dużo pożyczali, aw innych przypadkach znajdowali z nimi podobieństwa. W rzeźbie zaobserwowano pewne kanony, były więc bardzo geometryczne i statyczne: człowiek robi krok do przodu, ramiona są wyprostowane, ramiona opuszczone wzdłuż ciała, na ustach zawsze igra głupi uśmiech. Dodatkowo namalowano rzeźby: złote włosy, niebieskie oczy, różowe policzki.

Na początku epoki klasycznej kanony te nadal obowiązują, później jednak autor zaczyna odchodzić od statyki, rzeźba nabiera charakteru, często dochodzi do zdarzenia, do akcji.

Rzeźba klasyczna to druga epoka rozwoju kultury starożytnej Grecji. Dzieli się również na etapy: styl wczesny klasyczny lub ścisły (490 - 450 pne), wysoki (450 - 420 pne), styl bogaty (420 - 390 pne), późny klasyczny (390 - ok. 320 pne).

W dobie wczesnej klasyki następuje swego rodzaju przemyślenie życia. Rzeźba nabiera bohaterskiego charakteru. Sztuka zostaje uwolniona od sztywnych ram, które ją krępowały w epoce archaicznej, to czas poszukiwania nowego, intensywnego rozwoju różnych szkół i nurtów, tworzenia dzieł heterogenicznych. Dwa typy figur - kuros i kore - są zastępowane znacznie większą różnorodnością typów; rzeźby mają tendencję do przekazywania złożonego ruchu ludzkiego ciała.

Wszystko to dzieje się na tle wojny z Persami i to ta wojna tak bardzo zmieniła myślenie starożytnych Greków. Centra kulturalne zostały przesunięte i obecnie są to miasta Ateny, Północny Peloponez i grecki Zachód. W tym czasie Grecja osiągnęła najwyższy punkt rozwoju gospodarczego, politycznego i kulturalnego. Ateny zajęły czołowe miejsce w związku miast greckich. Społeczeństwo greckie było demokratyczne, zbudowane na zasadach równej działalności. Wszyscy mężczyźni zamieszkujący Ateny, z wyjątkiem niewolników, byli równymi obywatelami. I wszyscy mieli prawo do głosowania i mogli być wybierani na dowolne urzędy publiczne. Grecy byli w zgodzie z naturą i nie tłumili swoich naturalnych aspiracji. Wszystko, co zrobili Grecy, było własnością ludu. Posągi stały w świątyniach i na placach, na palestrach i na brzegu morza. Były obecne na frontonach, w dekoracjach świątyń. Podobnie jak w epoce archaicznej rzeźby były malowane.

Niestety rzeźba grecka dotarła do nas głównie we fragmentach. Chociaż według Plutarcha w Atenach było więcej posągów niż żywych ludzi. Wiele posągów spłynęło do nas w rzymskich kopiach. Ale są bardzo prymitywne w porównaniu z greckimi oryginałami.

Jednym z najsłynniejszych rzeźbiarzy wczesnych klasyków jest Pitagoras Rhegius. Niewiele jego dzieł dotarło do nas, a jego prace znane są jedynie z odniesień do starożytnych autorów. Pitagoras zasłynął realistycznym przedstawieniem ludzkich żył, żył i włosów. Zachowało się kilka rzymskich kopii jego rzeźb: „Chłopiec wyciągający drzazgę”, „Hiacynt” itp. Ponadto przypisuje mu się słynną statuę z brązu „Woźnica” znalezioną w Delfach. Pitagoras Regius stworzył kilka brązowych statuetek zwycięzców olimpijskich i delfickich. I jest właścicielem posągów Apollina - zabójcy Pytona, Porwania Europy, Eteoklesa, Polinejusza i Zranionego Filokteta.

Wiadomo, że Pitagoras Regius był współczesnym i rywalem Myrona. To kolejny słynny rzeźbiarz tamtych czasów. I zasłynął jako największy realista i znawca anatomii. Ale przy tym wszystkim Miron nie wiedział, jak nadać twarzom swoich prac życie i wyraz. Myron tworzył posągi sportowców - zwycięzców konkursów, reprodukował sławnych bohaterów, bogów i zwierzęta, szczególnie pięknie przedstawiał trudne pozy, które wyglądały bardzo realistycznie.

Najlepszym przykładem takiej rzeźby jest światowej sławy Discobolus. Starożytni pisarze wspominają także o słynnej rzeźbie Marsjasza z Ateną. Ta słynna grupa rzeźbiarska dotarła do nas w kilku egzemplarzach. Oprócz ludzi Myron przedstawiał także zwierzęta, szczególnie znany jest jego wizerunek „Krowy”.

Myron pracował głównie w brązie, jego prace nie zachowały się i znane są ze świadectw starożytnych autorów i kopii rzymskich. Był też mistrzem toreutyki - wykonywał metalowe kielichy z płaskorzeźbami.

Innym znanym rzeźbiarzem tego okresu jest Kalamid. Wykonywał rzeźby z marmuru, brązu i chryselefantyny, przedstawiał głównie bogów, kobiece postacie bohaterskie i konie. Sztukę Calamisa można ocenić na podstawie kopii z późniejszego czasu, która spłynęła do nas z posągiem Hermesa niosącego barana, którego zabił dla Tanagry. Postać samego boga wykonana jest w stylu archaicznym, z charakterystyczną dla tego stylu bezruchem postawy i symetrią ułożenia członów; ale baran niesiony przez Hermesa wyróżnia się już pewną żywotnością.

Ponadto zabytki starożytnej greckiej rzeźby z wczesnych klasyków obejmują frontony i metopy świątyni Zeusa w Olimpii. Innym znaczącym dziełem wczesnych klasyków jest tak zwany Tron Ludovisiego. Jest to trójboczny marmurowy ołtarz przedstawiający narodziny Afrodyty, po bokach ołtarza znajdują się hetery i panny młode, symbolizujące różne hipostazy miłości lub obrazy służenia bogini.

Wysoka klasyka jest reprezentowana przez imiona Fidiasza i Polikleta. Jej krótkotrwały rozkwit wiąże się z pracami na ateńskim Akropolu, czyli z rzeźbiarską dekoracją Partenonu. Szczytem starożytnej greckiej rzeźby były najwyraźniej posągi Ateny Partenos i Zeusa Olimpu autorstwa Fidiasza.

Fidiasz jest jednym z najlepszych przedstawicieli stylu klasycznego, a o jego znaczeniu wystarczy powiedzieć, że uważany jest za twórcę sztuki europejskiej. Kierowana przez niego attycka szkoła rzeźby zajęła czołowe miejsce w sztuce klasycystycznej.

Fidiasz posiadał wiedzę na temat osiągnięć optyki. Zachowała się opowieść o jego rywalizacji z Alkamenem: oba zostały zamówione posągi Ateny, które miały być postawione na wysokich kolumnach. Fidiasz wykonał swój posąg zgodnie z wysokością kolumny - na ziemi wydawał się brzydki i nieproporcjonalny. Szyja bogini była bardzo długa. Kiedy oba posągi zostały wzniesione na wysokich cokołach, poprawność Fidiasza stała się oczywista. Zwracają uwagę na wielką umiejętność Fidiasza w interpretacji strojów, w której przewyższa on zarówno Myrona, jak i Polikleitosa.

Większość jego dzieł nie zachowała się, możemy je ocenić jedynie z opisów starożytnych autorów i kopii. Jednak jego sława była kolosalna. A było ich tak dużo, że zostało już dużo. Najsłynniejsze dzieła Fidiasza - Zeusa i Ateny Partenos zostały wykonane w technice chryzoelefantyny - złota i kości słoniowej.

Wysokość posągu Zeusa wraz z cokołem według różnych źródeł wynosiła od 12 do 17 metrów. Oczy Zeusa były wielkości pięści dorosłego mężczyzny. Peleryna zakrywająca część ciała Zeusa, w lewej ręce berło z orłem, w prawej figura bogini Nike oraz wieniec na głowie wykonane są ze złota. Zeus siedzi na tronie, na nogach tronu przedstawione są cztery tańczące Nike. Przedstawiono także: centaury, lafity, wyczyny Tezeusza i Herkulesa, freski przedstawiające bitwę Greków z Amazonkami.

Atena Partenon była, podobnie jak posąg Zeusa, ogromna i wykonana w technice chryzoelefantyny. Tylko bogini, w przeciwieństwie do swojego ojca, nie zasiadała na tronie, ale stała na pełną wysokość. „Sama Atena jest zrobiona z kości słoniowej i złota… Posąg przedstawia ją w pełnym rozwoju w tunice do samych podeszew stóp, na piersi ma głowę Meduzy wykonaną z kości słoniowej, w dłoni trzyma obraz Nike około czterech łokci, aw jej drugiej ręce - włócznię. U jej stóp leży tarcza, a w pobliżu włóczni jest wąż; ten wąż to prawdopodobnie Erichtonius. (Opis Hellady, XXIV, 7).

Hełm bogini miał trzy herby: środkowy ze sfinksem, boczne z gryfami. Według Pliniusza Starszego na zewnętrznej stronie tarczy wybito bitwę z Amazonkami, od wewnątrz walkę bogów z gigantami, a na sandałach Ateny umieszczono wizerunek centauromachii. Podstawa została ozdobiona historią Pandory. Chiton bogini, jej tarcza, sandały, hełm i biżuteria są wykonane ze złota.

Na marmurowych kopiach ręka bogini z Niką wsparta jest na filarze, to, czy istniała w oryginale, jest przedmiotem licznych sporów. Nika wydaje się malutka, w rzeczywistości miała 2 metry wzrostu.

Atena Promachos - kolosalny wizerunek bogini Ateny wymachującej włócznią na ateńskim Akropolu. Wzniesiony na pamiątkę zwycięstw nad Persami. Jego wysokość sięgała 18,5 metra i górowała nad wszystkimi okolicznymi budynkami, z daleka błyszcząc nad miastem. Niestety ta bogini z brązu nie przetrwała do dziś. A wiemy o tym tylko ze źródeł kronikowych.

Atena Lemnia - znana nam również z kopii jest wykonana z brązu rzeźba bogini Ateny, stworzona przez Fidiasza. Jest to posąg z brązu przedstawiający boginię opartą na włóczni. Nazwany - od wyspy Lemnos, dla mieszkańców której został wykonany.

Ranna Amazonka, druga statuetka w słynnym konkursie rzeźbiarskim na Świątynię Artemidy w Efezie. Oprócz powyższych rzeźb Fidiaszowi przypisuje się także inne, zgodnie z podobieństwami stylistycznymi: posąg Demeter, posąg Kore, płaskorzeźbę z Eleusis, Anadumena (młody mężczyzna owijający głowę bandażem), Hermes Ludovisi, Tyber Apollo, Kassel Apollo.

Mimo talentu, a raczej boskiego daru Fidiasza, jego stosunki z mieszkańcami Aten wcale nie były ciepłe. Jak pisze Plutarch, Fidiasz w swoim Żywocie Peryklesa był głównym doradcą i asystentem Peryklesa (ateńskiego polityka, słynnego mówcy i dowódcy).

„Ponieważ był przyjacielem Peryklesa i cieszył się z nim wielkim autorytetem, miał wielu osobistych wrogów i zazdrosnych ludzi. Przekonali jednego z asystentów Fidiasza, Menona, by zadenuncjował Fidiasza i oskarżył go o kradzież. Fidiaszowi ciążyła zazdrość o chwałę jego dzieł… Analizując jego sprawę w Zgromadzeniu Narodowym, nie było dowodów kradzieży. Ale Fidiasz został wysłany do więzienia i tam zmarł z powodu choroby.

Polikleitos Starszy - starożytny grecki rzeźbiarz i teoretyk sztuki, współczesny Fidiaszowi. W przeciwieństwie do Fidiasza nie był tak duży. Jego rzeźba ma jednak pewien charakter: Policlet lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku, specjalizował się w przedstawianiu sportowców, zwycięzców olimpijskich. Jako pierwszy wpadł na pomysł nadania figurom takiego stwierdzenia, że ​​spoczywały one na dolnej części tylko jednej nogi. Polikleitos umiał pokazać ludzkie ciało w stanie równowagi – jego postać ludzka w spoczynku lub w zwolnionym tempie wydaje się poruszać i ożywić. Przykładem tego jest słynny posąg Polikleita „Dorifora” (włócznika). To właśnie w tej pracy ucieleśnione są idee Polikleta o idealnych proporcjach ludzkiego ciała, które są ze sobą w stosunku liczbowym. Uważano, że figura została stworzona na podstawie przepisów pitagoreizmu, dlatego w czasach starożytnych posąg Doryforosa był często nazywany „kanonem Polikleta”. Formy tego posągu powtarzają się w większości prac rzeźbiarza i jego szkoły. Odległość od brody do korony w posągach Polikleta to jedna siódma, odległość od oczu do podbródka to jedna szesnasta, a wysokość twarzy to jedna dziesiąta całej figury. Polykleitos jest silnie związany z tradycją pitagorejską. „Kanon Polikleta” – traktat teoretyczny rzeźbiarza, stworzony przez Polikleta dla innych artystów, aby z niego korzystali. Istotnie, Kanon Polikleta wywarł wielki wpływ na kulturę europejską, mimo że zachowały się tylko dwa fragmenty pracy teoretycznej, informacje na jego temat są fragmentaryczne, a podstawa matematyczna nie została jeszcze ostatecznie wydedukowana.

Oprócz włócznika znane są również inne dzieła rzeźbiarza: „Diadumen” („Młody człowiek wiążący bandaż”), „Zraniona Amazonka”, kolosalna statua Hery w Argos. Został wykonany w technice chryzoelefantyny i był postrzegany jako pandan dla olimpijczyka Zeusa Fidiasa „Discophorus” („Młody człowiek trzymający dysk”). Niestety rzeźby te przetrwały tylko w starożytnych kopiach rzymskich.

Na etapie „Rich Style” znamy nazwiska takich rzeźbiarzy jak Alkamen, Agoracritus, Callimachus itp.

Alkamen, grecki rzeźbiarz, uczeń, rywal i następca Fidiasza. Uważano, że Alkamen nie ustępował Fidiaszowi, a po śmierci tego ostatniego stał się czołowym rzeźbiarzem w Atenach. Jego Hermes w formie hermy (filar zwieńczony głową Hermesa) znany jest w wielu kopiach. Nieopodal, w pobliżu świątyni Ateny Nike, znajdował się posąg Hekate, który składał się z trzech postaci połączonych plecami. Na akropolu w Atenach odnaleziono także grupę należącą do Alkamen - Proknę, która wzniosła nóż nad swoim synem Itisem, szukającym ratunku w fałdach jej ubrania. W sanktuarium na zboczu Akropolu znajdował się posąg siedzącego Dionizosa należącego do Alkamena. Alkamenes stworzył także posąg Aresa do świątyni na agorze oraz posąg Hefajstosa do świątyni Hefajstosa i Ateny.

Alkamen pokonał Agoracritusa w konkursie na posąg Afrodyty. Jednak jeszcze bardziej znana jest Afrodyta siedząca w Ogrodach, u północnych podnóży Akropolu. Jest przedstawiana na wielu czerwonofigurowych wazonach na Attyce, otoczonych przez Erosa, Peito i inne ucieleśnienia szczęścia, jakie niesie miłość. Często powtarzana przez starożytnych kopistów głowa, zwana „Sappho”, została prawdopodobnie skopiowana z tego posągu. Ostatnie dzieło Alkamena to kolosalna płaskorzeźba z Herkulesem i Ateną. Jest prawdopodobne, że Alkamen zmarł wkrótce potem.

Agorakrit był także uczniem Fidiasza i, jak mówią, ulubieńcem. On, podobnie jak Alkamen, brał udział w tworzeniu fryzu Partenonu. Dwa najbardziej znane dzieła Agorakrytusa to kultowy posąg bogini Nemezis (przerobiony po pojedynku z Alkamen Ateną), podarowany świątyni Ramnos oraz posąg Matki Boskiej w Atenach (przypisywany czasami Fidiaszowi). Spośród dzieł wymienionych przez starożytnych autorów do Agorakryta należały niewątpliwie jedynie posągi Zeusa-Hadesa i Ateny w Koronei. Z jego prac zachowała się tylko część głowy kolosalnego posągu Nemezis oraz fragmenty płaskorzeźb zdobiących podstawę tego posągu. Według Pauzaniasza, młoda Helena (córka Nemezis) została przedstawiona na podstawie z Ledą, która ją opiekowała, jej mężem Menelaosem i innymi krewnymi Heleny i Menelaosa.

Ogólny charakter rzeźby późnoklasycznej zdeterminowany był rozwojem tendencji realistycznych.

Skopas jest jednym z najważniejszych rzeźbiarzy tego okresu. Skopas, zachowując tradycje monumentalnej sztuki wysokiej klasyki, nasyca swoje dzieła dramaturgią, ujawnia złożone uczucia i przeżycia człowieka. Bohaterowie Scopas nadal ucieleśniają doskonałe cechy silnych i walecznych ludzi. Skopas wprowadza jednak do sztuki rzeźbiarskiej tematy cierpienia, wewnętrznego załamania. Są to wizerunki rannych żołnierzy z frontonów świątyni Ateny Alej w Tegei. Plastyczność, ostra niespokojna gra światłocienia podkreśla dramaturgię tego, co się dzieje.

Skopas wolał pracować w marmurze, prawie porzucając ulubiony materiał wysokiej klasyki - brąz. Marmur umożliwił oddanie subtelnej gry światła i cienia, różnych kontrastów fakturalnych. Jego Maenada (Bachantka), zachowana w niewielkim zniszczonym, antycznym egzemplarzu, ucieleśnia obraz człowieka ogarniętego burzliwym wybuchem namiętności. Taniec Maenady jest szybki, głowa odrzucona do tyłu, włosy opadają ciężką falą na ramiona. Ruch zakrzywionych fałd jej tuniki podkreśla porywczy impuls ciała.

Obrazy Skopasa są albo głęboko zamyślone, jak młody człowiek z nagrobka rzeki Ilissus, albo żywe i pełne pasji.

W oryginale zachował się fryz z mauzoleum w Halikarnasie, przedstawiający walkę Greków z Amazonkami.

Wpływ sztuki Skopasa na dalszy rozwój greckiej sztuki plastycznej był ogromny i można go porównać jedynie z wpływem sztuki jego współczesnych Praksytelesów.

W swojej twórczości Praksyteles odwołuje się do obrazów przepojonych duchem czystej i czystej harmonii, spokojnej zadumy, pogodnej kontemplacji. Praksyteles i Skopas uzupełniają się wzajemnie, ukazując różne stany i uczucia człowieka, jego wewnętrzny świat.

Ukazując harmonijnie rozwiniętych, pięknych bohaterów, Praksyteles ujawnia także związki ze sztuką wysokiej klasyki, ale jego obrazy tracą heroizm i monumentalną wielkość dzieł okresu świetności, nabierając bardziej wyrafinowanego lirycznie i kontemplacyjnego charakteru.

Mistrzostwo Praksytelesa najpełniej ujawnia się w marmurowej grupie „Hermes z Dionizosem”. Pełen wdzięku krąg sylwetki, zrelaksowana postawa odpoczynku młodego, smukłego ciała, piękna, duchowa twarz Hermesa są oddane z wielką wprawą.

Praxitel stworzył nowy ideał kobiecego piękna, ucieleśniając go w obrazie Afrodyty, która jest przedstawiona w momencie, gdy po zdjęciu ubrania ma wejść do wody. Choć rzeźba przeznaczona była do celów kultowych, wizerunek pięknej nagiej bogini został uwolniony od uroczystego majestatu. „Afrodyta z Knidos” spowodowała w kolejnych czasach wiele powtórzeń, ale żadne z nich nie mogło się równać z oryginałem.

Rzeźba „Apollo Saurocton” to wizerunek pełnego wdzięku nastoletniego chłopca, który celuje w jaszczurkę biegnącą po pniu drzewa. Praksyteles na nowo zastanawia się nad obrazami mitologicznymi, cechami życia codziennego, pojawiają się w nich elementy gatunku.

Jeśli w sztuce Skopasa i Praksytelesa istnieją jeszcze namacalne związki z zasadami sztuki wysokiej klasyki, to w kulturze artystycznej ostatniej tercji IV wieku. pne np. te więzi coraz bardziej słabną.

Macedonia nabiera wielkiego znaczenia w życiu społeczno-politycznym starożytnego świata. Podobnie jak wojna z Persami zmieniła i na nowo przemyślała kulturę Grecji na początku V wieku. pne mi. Po zwycięskich kampaniach Aleksandra Wielkiego i jego podboju polityki greckiej, a następnie rozległych terytoriach Azji, które stały się częścią państwa macedońskiego, rozpoczyna się nowy etap rozwoju starożytnego społeczeństwa - okres hellenizmu. Okres przejściowy od późnej klasyki do samego okresu hellenistycznego wyróżnia się osobliwymi cechami.

Lysippus jest ostatnim wielkim mistrzem późnej klasyki. Jego praca rozwija się w latach 40-30. V wiek pne e., za panowania Aleksandra Wielkiego. W sztuce Lysippusa, a także w pracach jego wielkich poprzedników, rozwiązano zadanie ujawnienia doświadczeń człowieka. Zaczął wprowadzać wyraźniej wyrażone cechy wieku, zawodu. Nowością w twórczości Lysippusa jest jego zainteresowanie charakterystyczną ekspresją w człowieku, a także rozszerzeniem malarskich możliwości rzeźby.

Lysippus ucieleśniał swoje rozumienie obrazu mężczyzny w rzeźbie młodego mężczyzny, który zeskrobuje piasek po zawodach - „Apoxiomen”, którego przedstawia nie w momencie wysiłku, ale w stanie zmęczenia. Smukła postać sportowca ukazana jest w złożonym zwoju, który zmusza widza do obejścia rzeźby. Ruch jest swobodnie rozmieszczany w przestrzeni. Twarz wyraża znużenie, głęboko osadzone, zacienione oczy patrzą w dal.

Lysippus umiejętnie przekazuje przejście od stanu spoczynku do działania i odwrotnie. To jest wizerunek odpoczywającego Hermesa.

Ogromne znaczenie dla opracowania portretu miała praca Lysippusa. W stworzonych przez niego portretach Aleksandra Wielkiego ujawnia się głębokie zainteresowanie odsłanianiem duchowego świata bohatera. Najbardziej niezwykła jest marmurowa głowa Aleksandra, która oddaje jego złożoną, sprzeczną naturę.

Sztuka Lysipposa zajmuje pogranicze na przełomie epok klasycznych i hellenistycznych. Wciąż jest wierny klasycznym koncepcjom, ale już podważa je od wewnątrz, tworząc grunt pod przejście do czegoś innego, bardziej zrelaksowanego i bardziej prozaicznego. W tym sensie głowa bojownika na pięści nie należy do Lysippusa, ale być może do jego brata Lizystratusa, który był również rzeźbiarzem i podobno jako pierwszy używał masek zdjętych z twarzy modela do portretów ( co było szeroko rozpowszechnione w starożytnym Egipcie, ale całkowicie obce sztuce greckiej). Możliwe, że głowa pięściarza również została wykonana za pomocą maski; daleko mu do kanonu i ideału doskonałości fizycznej, którą Hellenowie ucieleśniali w postaci sportowca. Ten zwycięzca walki na pięści nie jest niczym półbóg, tylko artystą estradowym dla bezczynnego tłumu. Jego twarz jest szorstka, nos spłaszczony, uszy opuchnięte. Ten rodzaj „naturalistycznych” obrazów rozpowszechnił się później w hellenizmie; Jeszcze bardziej brzydkiego wojownika na pięści wyrzeźbił attycki rzeźbiarz Apoloniusz już w I wieku p.n.e. mi.

To, co wcześniej rzucało cień na jasną strukturę światopoglądu helleńskiego, pojawiło się pod koniec IV wieku p.n.e. e.: dekompozycja i śmierć polityki demokratycznej. Początkiem tego było powstanie Macedonii, północnego regionu Grecji, i faktyczne zdobycie wszystkich państw greckich przez macedońskiego króla Filipa II.

Aleksander Wielki w młodości skosztował owoców najwyższej kultury greckiej. Jego opiekunem był wielki filozof Arystoteles, nadworni malarze - Lysippos i Apelles. Nie przeszkodziło mu to, po zdobyciu państwa perskiego i objęciu tronu egipskich faraonów, ogłosić się bogiem i zażądać, aby on i w Grecji otrzymał boskie zaszczyty. Nieprzyzwyczajeni do wschodnich obyczajów Grecy, chichocząc, mówili: „Cóż, jeśli Aleksander chce być bogiem, niech nim będzie” – i oficjalnie uznali go za syna Zeusa. Jednak demokracja grecka, na której wyrosła jej kultura, umarła za Aleksandra i nie odrodziła się po jego śmierci. Nowo powstałe państwo nie było już greckie, lecz grecko-wschodnie. Nadeszła era hellenizmu - zjednoczenia pod auspicjami monarchii kultur helleńskich i wschodnich.

• Etapy rozwoju starożytnej rzeźby greckiej:

• Archaiczny

• Klasyczny

• hellenizm

SZCZEKAĆ(od greckiego kore - dziewczyna),

• SZCZEKAĆ(od greckiego kore - dziewczyna),

• 1) wśród starożytnych Greków kultowe imię bogini Persefony.

• 2) W starożytnej sztuce greckiej posąg wyprostowanej dziewczyny w długich szatach.

• KOUROS- w sztuce starożytnej Grecji archaicznej

• - pomnik młodego sportowca (zwykle nagiego).

Kuros

Rzeźby kouros

• Wysokość posągu do 3 metrów;

• Ucieleśniał ideał męskiej urody,

• siła i zdrowie;

• Postać wyprostowanego młodzieńca z

• noga do przodu, ręce zaciśnięte

• w pięści i rozciągnięte wzdłuż ciała.

• Twarzom brakuje indywidualności;

• Wystawiana w miejscach publicznych

• blisko świątyń;

Szczekać

Rzeźby

• Ucieleśnione wyrafinowanie i wyrafinowanie;

• Pozycje są monotonne i statyczne;

• Chitony i peleryny z pięknymi wzorami od

• równoległe faliste linie i granica wzdłuż

• krawędzie;

• Włosy zwinięte w loki i przechwycone

• diademy.

• Na twarzy tajemniczego uśmiechu

• 1. Hymn o wielkości i duchowej mocy człowieka;

• 2. Ulubiony obraz - smukły młody człowiek o atletycznej sylwetce;

• 3. Duchowy i fizyczny wygląd są harmonijne, nie ma nic zbędnego, „nic ponad miarę”.

Rzeźbiarz Polikleitos. Doryfor (5 wpne)

• skrzyżowanie,

• w obrazowym

• obraz sztuki

• stojący człowiek

• dane liczbowe na podstawie

• jedna noga: w tym przypadku, jeśli

• prawe ramię podniesione

• prawe udo opada i

• nawzajem.

Idealne proporcje ludzkiego ciała:

• Głowa ma 1/7 całkowitej wysokości;

• Twarz i dłonie 1/10 części

• Stopa - 1/6 części

Rzeźbiarz Miron. Miotacz dyskietek. (5 wpne)

• Pierwsza próba greckiej rzeźby przełamania niewoli bezruchu. Ruch jest przekazywany tylko przy rozważaniu sylwetki z przodu. Patrząc z boku, postawa sportowca jest postrzegana jako nieco dziwna, a wyraz ruchu jest odgadywany z wielkim trudem.

IV wiek PNE.

• IV wiek PNE.

• 1. Dążył do przeniesienia energicznego działania;

• 2. Przekazali uczucia i doświadczenia osoby:

• - pasja

• - smutek

• - marzenia

• - zakochiwać się

• - Furia

• - rozpacz

• - cierpienie

• - żałość

Skopas (420-355 pne)

• Skopas.

• Bachantka. IV w. PNE. Skopas.

• Głowa rannego wojownika.

Skopas.

• Skopas.

• Bitwa Greków z Amazonkami .

• Płaskorzeźba z Mauzoleum w Halikarnasie.

Praksyteles (390 -330 pne)

• Wszedł do historii rzeźby jako

• inspirująca piosenkarka urody.

• Według legendy Praksyteles stworzył dwa

• posągi Afrodyty, przedstawiające na jednym

• jeden z nich ubrana bogini, a w drugim -

• nagi. Afrodyta w ubraniach

• nabyte przez mieszkańców wyspy Kos, oraz

• Akt został zamontowany na

• jeden z głównych placów wyspy

• Knidos, skąd ze wszystkich części Grecji

• fani zaczęli się gromadzić

• słynne dzieło rzeźbiarza,

• uwydatniając chwałę miasta.

Lysippos.

• Lysippos.

• Szef Aleksandra

• Macedoński Około 330 p.n.e.

Lysippos.

• Lysippos.

• „Odpoczynek Hermes”.

• II poł. IV w. pne mi.

Leohar

• Leohar.

• „Apollo Belvedere”.

• Poł. IV w. pne mi.

HELLENIZM

• HELLENIZM, okres w historii krajów wschodniego basenu Morza Śródziemnego od czasów kampanii Aleksandra Wielkiego (334-323 p.n.e.) do podboju tych krajów przez Rzym, który zakończył się w 30 p.n.e. mi. zniewolenie Egiptu.

• W rzeźbie:

• 1. Podniecenie i napięcie twarzy;

• 2. Wir uczuć i doświadczeń w obrazach;

• 3. Senność obrazów;

• 4. Harmoniczna doskonałość i powaga

Nike z Samotraki. Początek II w. PNE. Luwr, Paryż

• W godzinie mojego nocnego delirium

• Pojawiasz się przed moimi oczami

• Zwycięstwo Samotraki

• Z wyciągniętymi rękami.

• Przerażająca cisza nocy,

• Powoduje zawroty głowy

• Twój skrzydlaty, ślepy,

• Niepowstrzymane pragnienie.

• W twoim szalenie jasnym

• wyglądać

• Coś się śmieje, płonie,

• A nasze cienie pędzą od tyłu

• Nie będąc w stanie ich dogonić.

Agesander. Wenus (Afrodyta) z Milo. 120 pne Marmur.

Agesander. „Śmierć Laokoona i jego synów”. Marmur. Około 50 pne mi.

Krzyżówka

Poziomo : 1. Osoba stojąca na czele monarchii (ogólna nazwa królów, królów, cesarzy itp.). 2. W mitologii greckiej: tytan trzymający sklepienie nieba na ramionach jako karę za walkę z bogami. 3. Własne imię Greka. 4. Starożytny grecki rzeźbiarz, autor „Głowy Ateny”, posągu Ateny w Partenonie. 5. Rysunek lub wzór wielobarwnych kamyków lub kawałków szkła połączonych ze sobą. 6. W mitologii greckiej: bóg ognia, patron kowali. 7. Rynek w Atenach. 8. W mitologii greckiej: bóg uprawy winorośli i winiarstwa. 9. Starożytny grecki poeta, autor wierszy „Iliada” i „Odyseja”. 10. „Miejsce na spektakle”, gdzie wystawiano tragedie i komedie.

Pionowo : 11. Osoba z darem mówienia. 12. Półwysep na południowym wschodzie Grecji Środkowej, terytorium państwa ateńskiego. 13. W mitologii greckiej: morskie stworzenia w postaci ptaka z kobiecą głową, wabiące śpiewem żeglarzy. 14. Główne dzieło Herodota. 15. W starożytnej mitologii greckiej: jednooki olbrzym. 16. Rysowanie farbami na mokrym tynku. 17. Starożytny grecki bóg handlu. 18. Autor rzeźby „Wenus z Milo”? 19. Autor rzeźby „Apollo Belvedere”.

Rzeźba starożytnej Grecji zajmowała ważne miejsce w sztuce starożytnej Grecji i była najwyższym osiągnięciem kultury starożytnego świata.

Starożytna grecka rzeźba we wszystkich swoich przejawach zawsze pozostawała głęboko antropocentryczna, wyrażająca religijność i duchowy świat osoby lub sakralny czyn, który rzeźbiarz starał się uchwycić i przekazać.

Większość rzeźb została wykonana z myślą o ofiarowaniu do sanktuariów lub jako pomniki nagrobne. Osobliwością sztuki greckiej było to, że mistrz, tworząc dzieła, starał się przekazać piękno i doskonałość ludzkiego ciała.

W formach pierwszych posągów podjęto próbę zrównoważenia bóstwa i człowieka w wyrażaniu ich emocji. Rzeźba starożytnej Grecji osiągnęła najwyższy okres kwitnienia w V wieku p.n.e. e, natomiast pochodzenie rzeźby starożytnej Grecji można przypisać XII-VIII wieku pne. mi.

Początkowo greccy rzemieślnicy wykorzystywali w swojej pracy miękkie materiały – drewno i porowaty wapień, później marmur. Odlewy z brązu po raz pierwszy zastosowali mistrzowie wyspy Samos.

Figurki z okresu homeryckiego przedstawiały bogów lub bohaterów, w pracach mistrzów zainteresowanie plastycznością ciała jest tylko zarysowane.

W okresie archaicznym rzeźba antycznej Grecji, nabiera archaicznego uśmiechu, obracając twarze rzeźb coraz bardziej na obraz osoby, ciało nabiera harmonijnej równowagi form. Mężczyźni zostali przedstawieni nago, a kobieta była ubrana.

W tym czasie w sztuce rzeźbiarskiej starożytnej Grecji rozpowszechnione były kouros - młodzi chłopcy, którzy byli stworzeni głównie do rytuałów pamięci. Mistrzowie przedstawiali kurosa jako powściągliwego, o dobrej postawie, uśmiechu, z zaciśniętymi pięściami, fryzura kurosa przypominała perukę. Jedną z najsłynniejszych rzeźb Kouros jest „Kouros z Tenei” (κούρος της Τενέας). Rzeźba została znaleziona niedaleko Koryntu, w Tenei, w świątyni Apolla. Teraz jest przechowywany w Muzeum w Monachium.

Młode dziewczęta lub korsy, Grecy przedstawiani w tradycyjnych strojach, w tunikach lub peplos. Kora (κόρη) - specyficzny typ posągu o kobiecych formach z czasów archaicznych, a mianowicie z drugiej połowy VII wieku p.n.e. Bogata fryzura, modna biżuteria i kolorowe ozdoby ubrań - tak przedstawiali je rzeźbiarze starożytnej Grecji.

Epoka klasyczna jest tym, co nazywamy okresem, który rozpoczyna się w 480 r. p.n.e. a kończy się w 323 rpne, czyli od zakończenia wojen grecko-perskich do śmierci Aleksandra Wielkiego. Podczas tego okresu nastąpiły ważne zmiany społeczne i równoległe innowacje w rzeźbie starożytnej Grecji. Starożytni Grecy skupiają swoją uwagę na przekazywaniu ducha i pasji. Artyści studiują mowę ciała, aby ujawnić swoje najskrytsze myśli, pokazać ruch ciała: ułożenie kończyn, głowy i klatki piersiowej.

Pierwszym posągiem, który zasadniczo przedstawia koniec jednej epoki i początek drugiej, jest „Chłopiec z Krytii” (Κριτίου παίς), przechowywany w Muzeum Akropolu. Ten wysoki na 1,67 m posąg nagiego nastolatka jest jednym z najpiękniejszych i najdoskonalszych przykładów sztuki wczesnoklasycznej. Rzeźba łączy w sobie ruch, plastyczność, powagę pojawia się w wyrazie twarzy.

Słynna rzeźba woźnicy (woźnicy) pochodzi z okresu wczesnej klasyki i jest przechowywana w Muzeum Delphi. Posąg młodzieńca wykonany jest z brązu, ma wysokość 1,8 m, ubranego w chiton z rękawami, ukazuje muskularne ramię młodzieńca, w ręku trzyma fragmenty wodzy. Draperia fałd na ubraniach, które odpowiadają ruchom, jest dobrze przeniesiona.

Za 450-420 lat. pne mi. okres klasyczny, rzeźba starożytnej Grecji jest modyfikowana. Teraz rzeźby mają więcej miękkości, plastyczności i dojrzałości. Fidiasz reprezentował cechy sztuki klasycznej w rzeźbach Partenonu.

W tym czasie pojawiają się inni godni rzeźbiarze: Agoracritos, Alkamen, Kolot, którzy byli ekspertami w wykonywaniu posągów ze złota i kości słoniowej. Kallimach był jednym z wynalazców porządku korynckiego, Policlet, który przedstawiał sportowców, jako pierwszy napisał tekst teoretyczny na temat rzeźby i innych.

W okresie późnego klasycyzmu, w rzeźbie starożytnej Grecji pojawiają się tendencje w badaniu ludzkiej postaci w przestrzeni trójwymiarowej, jest więcej zmysłowego piękna i dramatyzmu.

Wielcy rzeźbiarze tamtych czasów to: Kefisodot („Eirena z dzieckiem w ramionach”), Πρaxiteles, który stworzył młodość Maratonu oraz Afrodyta z Knidos, Ephranor, Silanion, Leocharus, Skopas i Lysippus, ostatni rzeźbiarze późnego klasycyzmu okres, który otworzył drogę do epoki sztuki hellenistycznej.

Epoka hellenistyczna w rzeźbie starożytnej Grecji znalazła odzwierciedlenie w bardziej zróżnicowanej interpretacji form plastycznych, komplikacji kątów i najdrobniejszych szczegółów. Rozwija się rzeźba monumentalna, pojawiają się ogromne reliefowe kompozycje, wielopostaciowe grupy, reliefy, które są integralną częścią ekspresji sztuki rzeźbiarskiej, małą plastyczność komplikuje żywotność obrazów.

Najsłynniejsze dzieła tego czasu: Nika z Samotraki Pythokrita o wysokości 3,28 m, Wenus z Milo o wysokości 2,02 m, wykonane przez rzeźbiarza Aleksandra z Antiochii, przechowywane są w Luwrze, Laokoona i jego synów przez rzeźbiarzy z Rodos Agesander z Rodos , Polydorus i Atenodorus, znajduje się w Watykanie.

Starożytne rzeźby Grecji, świątynie, wiersze Homera, tragedie ateńskich dramaturgów i komików uczyniły kulturę Hellenów wielką. Ale historia sztuki plastycznej w Grecji nie była statyczna, ale przechodziła kilka etapów rozwoju.

Rzeźba Archaiczna Starożytna Grecja

W średniowieczu Grecy wykonali ikoniczne wizerunki bogów z drewna. Nazywano ich xoans. Wiadomo o nich z pism starożytnych pisarzy, próbki Xoans nie zachowały się.

Oprócz nich w XII-VIII wieku Grecy wykonali prymitywne figurki z terakoty, brązu lub kości słoniowej. Monumentalna rzeźba pojawiła się w Grecji na początku VII wieku. Posągi, którymi ozdobiono fryzy i frontony starożytnych świątyń, wykonane są z kamienia. Poszczególne rzeźby zostały wykonane z brązu.

Najwcześniejsze rzeźby archaiczne starożytnej Grecji zostały znalezione na Kreta. Ich materiałem jest wapień, a na figurach wyczuwalny jest wpływ Wschodu. Ale do tego regionu należy posąg z brązu ” kriofora”, przedstawiający młodego mężczyznę z baranem na ramionach.

Rzeźba archaiczna starożytna Grecja

Istnieją dwa główne typy posągów epoki archaicznej - kuro i szczeka. Kouros (przetłumaczony z greckiego jako „młodzież”) był stojącym nagim młodzieńcem. Jedna noga posągu przesunęła się do przodu. Kąciki ust kouros były często lekko uniesione. To stworzyło tak zwany „archaiczny uśmiech”.

Kora (przetłumaczona z greckiego jako „dziewica”, „dziewczyna”) to kobieca rzeźba. Starożytna Grecja z VIII-VI wieku pozostawiła wizerunki korsów w długich chitonach. Mistrzowie Argos, Sikyon, Cyklady woleli robić kouros. Rzeźbiarze Ionii i Aten - Kor. Kouros nie były portretami konkretnych osób, ale przedstawiały uogólniony obraz.

Architektura i rzeźba starożytnej Grecji zaczęły wchodzić w interakcje w epoce archaicznej. Na początku VI wieku w Atenach znajdowała się świątynia Hekatompedon. Fronton kultowej budowli ozdobiono wizerunkami pojedynku Herkulesa z Trytonem.

Znaleziony na Akropolu w Atenach Posąg Moschofora(mężczyzny niosącego cielę) z marmuru. Został ukończony około 570. Napis dedykacyjny głosi, że jest to dar dla bogów od ateńskiej Ronby. Kolejny ateński posąg - kouros na grobie ateńskiego wojownika Kroisos. Napis pod posągiem mówi, że został wzniesiony ku pamięci młodego wojownika, który zginął na czele.

epoka klasyczna

Na początku V wieku w greckiej sztuce plastycznej rośnie realizm postaci. Mistrzowie starannie odwzorowują proporcje ludzkiego ciała i jego anatomię. Rzeźby przedstawiają osobę w ruchu. Następcy dawnego kurosa - posągi sportowców.

Rzeźby z pierwszej połowy V wieku określane są niekiedy mianem stylu „surowego”. Najbardziej uderzający przykład pracy tego czasu - Rzeźby w Świątyni Zeusa w Olimpii. Postacie tam są bardziej realistyczne niż archaiczny kouros. Rzeźbiarze starali się oddać emocje na twarzach postaci.

Rzeźby w surowym stylu przedstawiają ludzi w bardziej zrelaksowanych pozach. Dokonano tego poprzez „kontrapostę”, kiedy ciało jest lekko przechylone w jedną stronę, a jego ciężar spoczywa na jednej nodze. Głowa posągu została lekko przekręcona, w przeciwieństwie do wyczekującego kurosu. Przykładem takiego posągu jest Chłopiec Critias”. Ubrania postaci kobiecych w pierwszej połowie V wieku są prostsze w porównaniu ze złożonymi ubraniami korsów epoki archaicznej.

Druga połowa V wieku nazywana jest erą wysokiej klasyki dla rzeźby. W tej epoce plastik i architektura nadal wchodziły w interakcje. Rzeźby starożytnej Grecji zdobią świątynie zbudowane w V wieku.

W tej chwili majestatyczny Świątynia Partenonu, do dekoracji których wykorzystano dziesiątki posągów. Fidiasz tworząc rzeźby Partenonu porzucił dawne tradycje. Ciała ludzkie na grupach rzeźbiarskich świątyni Ateny są doskonalsze, twarze ludzi są bardziej beznamiętne, ubrania są przedstawione bardziej realistycznie. Mistrzowie V wieku zwracali uwagę przede wszystkim na postacie, ale nie na emocje bohaterów rzeźb.

W latach 40. mistrz Argive Polikle Napisał traktat, w którym nakreślił swoje zasady estetyczne. Opisał cyfrowe prawo idealnych proporcji ludzkiego ciała. Rodzajem ilustracji do tego był posąg ” Doryfor"("Włócznik").

W rzeźbie z IV wieku rozwinęły się stare tradycje i powstały nowe. Posągi stały się bardziej naturalistyczne. Rzeźbiarze starali się oddać nastrój i emocje na twarzach postaci. Niektóre posągi mogą służyć jako personifikacje pojęć lub emocji. Przykład, posąg bogini Pokój Eireny. Rzeźbiarz Kefisodot stworzył go dla państwa ateńskiego w 374, wkrótce po zawarciu kolejnego pokoju ze Spartą.

Wcześniej mistrzowie nie przedstawiali bogiń nagich. Pierwszym, który to zrobił, był rzeźbiarz Praksyteles z IV wieku, który stworzył posąg ” Afrodyta z Knidos”. Dzieło Praksytelesa zaginęło, ale zachowały się jego późniejsze kopie i wizerunki na monetach. Aby wyjaśnić nagość bogini, rzeźbiarz powiedział, że przedstawił jej kąpiel.

W IV wieku pracowało trzech rzeźbiarzy, których dzieła uznano za największe - Praksyteles, Skopas i Lysippus. Z imieniem Skopasa, rodaka z wyspy Paros, starożytna tradycja wiązała obraz na twarzach postaci emocjonalnych przeżyć. Lysippos pochodził z peloponeskiego miasta Syjon, ale przez wiele lat mieszkał w Macedonii. Przyjaźnił się z Aleksandrem Wielkim i wykonywał jego rzeźbiarskie portrety. Lysippus zmniejszył głowę i tułów postaci w porównaniu do nóg i ramion. Dzięki temu jego posągi były bardziej elastyczne i giętkie. Lysippus naturalistycznie przedstawiał oczy i włosy posągów.

Rzeźby starożytnej Grecji, których nazwy znane są całemu światu, należą do epoki klasycznej i hellenistycznej. Większość z nich zginęła, ale zachowały się ich kopie, powstałe w czasach Cesarstwa Rzymskiego.

Rzeźby starożytnej Grecji: nazwy w epoce hellenistycznej

W dobie hellenizmu rozwija się obraz emocji i stanów ludzkich - starość, sen, niepokój, odurzenie. Tematem rzeźby może być nawet brzydota. Pojawiły się posągi zmęczonych zapaśników, wściekłych olbrzymów, zgrzybiałych starców. W tym samym czasie rozwinął się gatunek portretu rzeźbiarskiego. Nowym typem był „portret filozofa”.

Posągi zostały wykonane na polecenie obywateli greckich miast-państw i królów hellenistycznych. Mogli pełnić funkcje religijne lub polityczne. Już w IV wieku Grecy czcili przy pomocy rzeźb swoich dowódców. W źródłach zachowały się wzmianki o posągach, które mieszkańcy miast wznosili na cześć spartańskiego dowódcy, zwycięzcy Ateny Lysandra. Później Ateńczycy i obywatele innych polityk wznosili figury strategów Konon, Chabria i Tymoteusz na cześć ich zwycięstw militarnych. W epoce hellenistycznej liczba takich posągów wzrosła.

Jedno z najsłynniejszych dzieł epoki hellenistycznej - Nike z Samotraki. Jego powstanie datuje się na II wiek p.n.e. Posąg, jak sugerują badacze, uwielbił jedno ze zwycięstw morskich królów Macedonii. W pewnym stopniu w epoce hellenistycznej rzeźba starożytnej Grecji jest prezentacją władzy i wpływów władców.

Wśród monumentalnych grup rzeźbiarskich hellenizmu można przypomnieć: Szkoła pergamońska. W III i II wieku pne. królowie tego państwa prowadzili długie wojny przeciwko plemionom Galatów. Około 180 p.n.e. w Pergamonie ukończono ołtarz Zeusa. Zwycięstwo nad barbarzyńcami zostało tam przedstawione alegorycznie w postaci rzeźbiarskiej grupy walczących olimpijskich bogów i gigantów.

Starożytne rzeźby Grecji zostały stworzone do różnych celów. Ale od renesansu przyciągały ludzi swoim pięknem i realizmem.

Rzeźby starożytnej Grecji: prezentacja