Cechy artystyczne klasycyzmu. W drodze do klasycyzmu XVIII wieku: cechy klasycyzmu, pojawienie się w literaturze rosyjskiej

Propyleje autorstwa bawarskiego architekta Leo von Klenze (1784-1864) - wzorowane na ateńskim Partenonie. To brama wejściowa placu Königsplatz, zaprojektowana na wzór antyczny. Königsplatz, Monachium, Bawaria.

Klasycyzm zaczyna swój rozrachunek od XVI wieku w okresie renesansu, częściowo powraca do wieku XVII, aktywnie rozwija się i zdobywa pozycje w architekturze XVIII i początku XIX wieku. Pomiędzy wczesnym klasycyzmem a późnym klasycyzmem dominowały style baroku i rokoka. Powrót do antycznych tradycji, jako modelu idealnego, nastąpił na tle zmiany filozofii społeczeństwa, a także możliwości technicznych. Pomimo tego, że pojawienie się klasycyzmu wiąże się ze znaleziskami archeologicznymi, których dokonano we Włoszech, a zabytki starożytności znajdowały się głównie w Rzymie, główne procesy polityczne w XVIII wieku miały miejsce głównie we Francji i Anglii. Tutaj rosły wpływy burżuazji, której ideową podstawą była filozofia oświecenia, która doprowadziła do poszukiwania stylu odzwierciedlającego ideały nowej klasy. Antyczne formy i organizacja przestrzeni odpowiadały wyobrażeniom mieszczaństwa o ładzie i prawidłowej strukturze świata, co przyczyniło się do pojawienia się w architekturze cech klasycyzmu. Ideologicznym mentorem nowego stylu był Winckelmann, który pisał w latach 1750-1760. prace „Rozważania o naśladowaniu sztuki greckiej” i „Historia sztuki starożytności”. Mówił w nich o sztuce greckiej, przepełnionej szlachetną prostotą, spokojnym majestatem, a jego wizja stała się podstawą podziwu dla antycznego piękna. Pedagog europejski Gotthold Ephraim Lessing (Lessing. 1729-1781) umocnił stosunek do klasycyzmu pisząc dzieło „Laokoon” (1766), które uznali za barok i rokoko. Sprzeciwiali się także akademickiemu klasycyzmowi, który dominował w renesansie. Ich zdaniem architektura epoki klasycyzmu, wierna duchowi starożytności, nie powinna oznaczać prostego powtórzenia antycznych wzorów, ale być wypełniona nową treścią, oddającą ducha czasów. Tak więc cechy klasycyzmu w architekturze XVIII-XIX wieku. polegała na wykorzystaniu antycznych systemów kształtowania w architekturze jako sposobu wyrażania światopoglądu nowej klasy mieszczaństwa i jednocześnie wspierania absolutyzmu monarchii. W rezultacie Francja w okresie napoleońskim była w czołówce rozwoju architektury klasycystycznej. Następnie - Niemcy i Anglia, a także Rosja. Rzym stał się jednym z głównych ośrodków teoretycznych klasycyzmu.

Rezydencja królów w Monachium. Residenz Monachium. architekt Leo von Klenze.

Filozofia architektury epoki klasycyzmu została poparta badaniami archeologicznymi, odkryciami z zakresu rozwoju i kultury starożytnych cywilizacji. Wyniki wykopalisk, ujęte w pracach naukowych, albumach z obrazami, położyły podwaliny pod styl, którego wyznawcy uważali starożytność za szczyt doskonałości, za wzór piękna.

Cechy klasycyzmu w architekturze

W historii sztuki termin „klasyczny” oznacza kulturę starożytnych Greków IV-VI wieku. PNE. W szerszym znaczeniu odnosi się do sztuki starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu. Cechy klasycyzmu w architekturze czerpią swoje motywy z tradycji starożytności, którą uosabiała fasada świątyni greckiej lub budowli rzymskiej z portykiem, kolumnadami, trójkątnym frontonem, podział ścian pilastrami, gzymsy – elementy system zamówień. Elewacje ozdobione są girlandami, urnami, rozetami, palmetami i meandrami, paciorkami i jonikami. Rzuty i elewacje są symetryczne względem głównego wejścia. W kolorystyce elewacji dominuje jasna paleta, natomiast biel służy skupieniu uwagi na elementach architektonicznych: kolumnach, portykach itp., które podkreślają tektonikę budowli.

Pałac Taurydów. Petersburg. Architekt I. Starow. 1780s

Cechy charakterystyczne klasycyzmu w architekturze: harmonia, uporządkowanie i prostota form, bryły poprawne geometrycznie; rytm; wyważony układ, wyraźne i spokojne proporcje; wykorzystanie elementów porządku architektury antycznej: portyków, kolumnad, rzeźb i płaskorzeźb na powierzchni ścian. Cechą klasycyzmu w architekturze różnych krajów było połączenie tradycji starożytnych i narodowych.

Londyńska rezydencja Osterleya to klasycystyczny park. Łączy w sobie system porządku tradycyjny dla starożytności i echa gotyku, który Brytyjczycy uważali za styl narodowy. Architekt Robert Adam. Rozpoczęcie budowy - 1761 r

Architektura epoki klasycyzmu opierała się na normach sprowadzonych do ścisłego systemu, co umożliwiło budowanie według rysunków i opisów znanych architektów nie tylko w centrum, ale także na prowincji, gdzie miejscowi rzemieślnicy kupowali ryte kopie przykładowe projekty stworzone przez wielkich mistrzów i według nich budowane domy. . Marina Kałabuchowa

Klasycyzm (francuski klasycyzm, od łac. classicus - przykładowy) to styl artystyczny i nurt estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.
Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które powstały równolegle z ideami filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki, z punktu widzenia klasycyzmu, powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, odsłaniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata. Zainteresowanie klasycyzmem jest tylko wieczne, niezmienne – w każdym zjawisku stara się rozpoznać tylko istotne, typologiczne cechy, odrzucając przypadkowe pojedyncze znaki. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm czerpie wiele architektonicznych zasad i kanonów ze sztuki antycznej.

Główną cechą architektury klasycyzmu było odwoływanie się do form architektury antycznej jako wzorca harmonii, prostoty, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całość cechuje regularność rozplanowania i wyrazistość formy wolumetrycznej. Podstawą architektonicznego języka klasycyzmu był w proporcjach i formach zbliżony do starożytności. Klasycyzm charakteryzuje się symetryczno-osiowymi kompozycjami, powściągliwością dekoracji dekoracyjnej i regularnym układem urbanistycznym.

Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego weneckiego mistrza i jego następcę Scamozziego. Wenecjanie do tego stopnia absolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej, że wykorzystywali je nawet przy budowie prywatnych rezydencji. Palladianizm zakorzenił się w Anglii, a lokalni architekci przestrzegali wskazań Palladia z różnym stopniem wierności aż do połowy XVIII wieku.

W tym czasie wśród intelektualistów kontynentalnej Europy zaczął gromadzić się przesyt „bitej śmietany” późnego baroku i rokoka. Urodzony przez rzymskich architektów Berniniego i Borrominiego, barok przerzedził się w rokoko, głównie styl kameralny z naciskiem na dekorację wnętrz oraz sztukę i rzemiosło. W rozwiązywaniu głównych problemów miejskich ta estetyka była mało przydatna. Już za Ludwika XV (1715-74) powstawały w Paryżu zespoły urbanistyczne w stylu „starożytnym”, takie jak Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) i kościół Saint-Sulpice, a za Ludwika XVI (1774-92) podobny „szlachetny lakonizm” staje się już głównym nurtem architektonicznym.

Najbardziej znaczące wnętrza w stylu klasycyzmu zaprojektował Szkot Robert Adam, który wrócił do ojczyzny z Rzymu w 1758 roku. Po powrocie do ojczyzny został architektem królewskim w 1762 r., ale w 1768 r. zrezygnował z tego stanowiska, ponieważ został wybrany do parlamentu i wraz z bratem Jakubem zajął się architekturą i budownictwem. Był pod wielkim wrażeniem badań archeologicznych włoskich naukowców. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym rokokowi pod względem wyrafinowania wnętrz, co przysporzyło mu popularności nie tylko wśród demokratycznie nastawionych kręgów społeczeństwa, ale także wśród arystokracji. Adam, podobnie jak jego francuscy koledzy, głosił całkowite odrzucenie detali pozbawionych funkcji konstrukcyjnej. To przywróciło architektonicznej dekoracji sztukatorskiej (i ogólnie elementom architektonicznym) rygor linii i wyrównanie proporcji.
Francuz Jacques-Germain Soufflot podczas budowy kościoła Saint-Genevieve w Paryżu wykazał zdolność klasycyzmu do organizowania rozległych przestrzeni miejskich. Ogromna wielkość jego projektów zapowiadała megalomanię imperium napoleońskiego i późnego klasycyzmu. W Rosji Wasilij Iwanowicz Bażenow zmierzał w tym samym kierunku co Soufflet. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boulet poszli jeszcze dalej w kierunku rozwoju radykalnie wizjonerskiego stylu z naciskiem na abstrakcyjną geometryzację form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny patos obywatelski ich projektów na niewiele się zdawał; Innowacyjność Ledoux została w pełni doceniona dopiero przez modernistów XX wieku.

Architekci napoleońskiej Francji czerpali inspirację z majestatycznych obrazów militarnej chwały pozostawionych przez cesarski Rzym, takich jak łuk triumfalny Septymiusza Sewera czy Kolumna Trajana. Z rozkazu Napoleona obrazy te zostały przeniesione do Paryża w postaci łuku triumfalnego Carruzel i kolumny Vendôme. W odniesieniu do zabytków wielkości militarnej epoki wojen napoleońskich używa się określenia „styl imperialny” – styl empirowy. W Rosji Karl Rossi, Andriej Woronikhin i Andriej Zacharow okazali się wybitnymi mistrzami stylu Empire. W Wielkiej Brytanii Imperium odpowiada tzw. „Styl regencji” (największym przedstawicielem jest John Nash).

Estetyka klasycyzmu sprzyjała zakrojonym na szeroką skalę projektom urbanistycznym i doprowadziła do uporządkowania rozwoju urbanistycznego w skali całych miast. W Rosji prawie wszystkie miasta prowincjonalne i wiele miast powiatowych zostało przeplanowanych zgodnie z zasadami klasycznego racjonalizmu. Miasta takie jak Sankt Petersburg, Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg i wiele innych stały się prawdziwymi skansenami klasycyzmu. Na przestrzeni od Minusińska po Filadelfię dominował jeden język architektoniczny, wywodzący się z Palladia. Zwykłą zabudowę wykonano zgodnie z albumami projektów standardowych.

W okresie po wojnach napoleońskich klasycyzm musiał iść w parze z romantycznie zabarwionym eklektyzmem, zwłaszcza z powrotem zainteresowania średniowieczem i modą na architektoniczny neogotyk.

Krótka charakterystyka stylu architektonicznego klasycyzmu

Cechy charakteru: Styl, który zwrócił się do starożytnego dziedzictwa jako normy i idealnego modelu. Charakterystyczny jest powściągliwy wystrój i drogie wysokiej jakości materiały (naturalne drewno, kamień, jedwab itp.). Najczęściej są to dekoracje z rzeźbami i sztukateriami.

Dominujące kolory: nasycone kolory; zielony, różowy, magenta ze złotym akcentem, błękitny.

linie: ściśle powtarzające się pionowe i poziome linie; płaskorzeźba w okrągłym medalionie; gładki uogólniony rysunek; symetria.

Klasycyzm (francuski klasycyzm, od łac. classicus - przykładowy) to styl artystyczny i architektoniczny, nurt w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.

Klasycyzm przeszedł w swoim rozwoju trzy etapy:

* Wczesny klasycyzm (1760 - początek 1780)
* Ścisły klasycyzm (połowa lat osiemdziesiątych XVIII wieku - lata dziewięćdziesiąte XVIII wieku)
* Imperium (od imperium francuskiego - „imperium”)
Empire - styl późnego (wysokiego) klasycyzmu w architekturze i sztuce użytkowej. Powstał we Francji za panowania cesarza Napoleona I; rozwinął się w pierwszych trzech dekadach XIX wieku; zastąpione prądami eklektycznymi.

Chociaż takie zjawisko w kulturze europejskiej, jak klasycyzm, dotknęło wszystkich przejawów sztuki (malarstwa, literatury, poezji, rzeźby, teatru), w tym artykule rozważymy klasycyzm w architekturze i wystroju wnętrz.

Historia powstania klasycyzmu

Klasycyzm w architekturze zastąpił patetyczne rokoko, styl już od połowy XVIII wieku szeroko krytykowany za nadmierną złożoność, pompatyczność, manieryzm, komplikowanie kompozycji elementami zdobniczymi. W tym okresie idee oświecenia zaczęły przyciągać coraz większą uwagę społeczeństwa europejskiego, co znalazło odzwierciedlenie w architekturze. Uwagę ówczesnych architektów przyciągnęła zatem prostota, zwięzłość, klarowność, spokój i rygor architektury antycznej, a przede wszystkim greckiej. Rosnącemu zainteresowaniu starożytnością sprzyjało odkrycie w 1755 r. Pompejów z najbogatszymi zabytkami sztuki, wykopaliska w Herkulanum, badania architektury antycznej w południowych Włoszech, na podstawie których ukształtowały się nowe poglądy na architekturę rzymską i grecką. Nowy styl – klasycyzm stał się naturalną konsekwencją rozwoju architektury renesansowej i jej przeobrażeń.

Słynne budowle architektoniczne klasycyzmu:

• Dawid Majernik
  Wygląd zewnętrzny Biblioteki Flemingów w Szkole Amerykańskiej w Lugano, Szwajcaria (1996) " target="_blank"> Biblioteka Fleminga Biblioteka Fleminga
• Roberta Adama
  Przykładem brytyjskiego palladianizmu jest londyńska rezydencja Osterley Park „target="_blank"> park osterleya park osterleya
• Claude-Nicolas Ledoux
  Placówka celna na Placu Stalingradzkim w Paryżu " target="_blank"> posterunek celny posterunek celny
• Andrei Palladio
  Andrei Palladio. Villa Rotunda w pobliżu Vicenzy" target="_blank"> Willa Rotunda Willa Rotunda

Główne cechy klasycyzmu

Architekturę klasycyzmu jako całość cechuje regularność rozplanowania i wyrazistość formy wolumetrycznej. Porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności, stał się podstawą architektonicznego języka klasycyzmu. Klasycyzm charakteryzuje się symetrycznymi kompozycjami osiowymi, powściągliwością dekoracji dekoracyjnej i regularnym układem planistycznym.

Architekci klasycyzmu

Andrea Palladio (Włoch Andrea Palladio; 1508-1580, prawdziwe nazwisko Andrea di Pietro) - wielki włoski architekt późnego renesansu. Założyciel palladianizmu i klasycyzmu. Prawdopodobnie jeden z najbardziej wpływowych architektów w historii.

Inigo Jones (1573-1652) był angielskim architektem, projektantem i artystą, który był pionierem brytyjskiej tradycji architektonicznej.

Claude Nicolas Ledoux (1736-1806) to mistrz architektury francuskiego klasycyzmu, antycypujący wiele zasad modernizmu. Uczennica Blondela.

Najbardziej znaczące wnętrza w stylu klasycyzmu zaprojektował Szkot Robert Adam, który wrócił do ojczyzny z Rzymu w 1758 roku. Był pod wielkim wrażeniem zarówno badań archeologicznych włoskich naukowców, jak i architektonicznych fantazji Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym rokokowi pod względem wyrafinowania wnętrz, co przysporzyło mu popularności nie tylko wśród demokratycznie nastawionych kręgów społeczeństwa, ale także wśród arystokracji. Podobnie jak jego francuscy odpowiednicy, Adam głosił całkowite odrzucenie detali pozbawionych konstruktywnej funkcji.

W Rosji Karl Rossi, Andriej Woronikhin i Andriej Zacharow okazali się wybitnymi mistrzami stylu Empire. Wielu zagranicznych architektów, którzy pracowali w Rosji, tylko tutaj mogło w pełni pokazać swój talent. Wśród nich są Włosi Giacomo Quarenghi, Antonio Rinaldi, Francuz Vallin-Delamote, Szkot Charles Cameron. Wszyscy pracowali głównie na dworze w Petersburgu i okolicach.

W Wielkiej Brytanii Imperium odpowiada tzw. stylowi regencji (największym przedstawicielem jest John Nash).

Niemieccy architekci Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel budują Monachium i Berlin z okazałymi muzeami i innymi budynkami publicznymi w duchu Partenonu.

Rodzaje budynków w stylu klasycyzmu

Charakter architektury w większości przypadków pozostawał zależny od tektoniki ściany nośnej i sklepienia, które uległo spłaszczeniu. Istotnym elementem plastycznym staje się portyk, a ściany od zewnątrz i od wewnątrz rozdzielają pilastry i gzymsy. Symetria dominuje w kompozycji całości oraz w detalach, bryłach i planach.

Kolorystyka charakteryzuje się jasnymi pastelowymi tonami. Biały kolor z reguły służy do ujawnienia elementów architektonicznych, które są symbolem aktywnej tektoniki. Wnętrze staje się lżejsze, bardziej powściągliwe, meble proste i lekkie, a projektanci wykorzystali motywy egipskie, greckie czy rzymskie.

Z klasycyzmem związane są najważniejsze koncepcje urbanistyczne i ich realizacja w przyrodzie końca XVIII i pierwszej połowy XIX wieku. W tym okresie powstają nowe miasta, parki, kurorty.

Klasycyzm we wnętrzu

Meble epoki klasycyzmu - solidne i porządne, wykonane zostały ze szlachetnego drewna. Ogromne znaczenie ma faktura drewna, pełniąca funkcję elementu dekoracyjnego we wnętrzu. Meble często wykańczano rzeźbionymi wstawkami ze szlachetnego drewna. Elementy wystroju są bardziej powściągliwe, ale drogie. Kształty przedmiotów są uproszczone, linie wyprostowane. Nogi są wyprostowane, powierzchnie stają się prostsze. Popularne kolory: mahoń plus wykończenie w kolorze jasnego brązu. Krzesła i fotele tapicerowane są tkaninami w kwiatowe wzory.

Żyrandole i lampy wyposażone są w kryształowe zawieszki i są dość masywne w wykonaniu.

We wnętrzu znajduje się także porcelana, lustra w drogich ramach, książki, obrazy.

Kolory tego stylu często mają wyraźne, prawie pierwotne żółcie, błękity, fiolety i zielenie, przy czym te ostatnie są używane z czarną i szarą, a także z brązową i srebrną biżuterią. Popularny kolor to biały. Często stosuje się lakiery kolorowe (biały, zielony) w połączeniu z lekkim złoceniem poszczególnych detali.

• Dawid Majernik
  Wnętrze Biblioteki Flemingów w Szkole Amerykańskiej w Lugano, Szwajcaria (1996) " target="_blank"> Biblioteka Fleminga Biblioteka Fleminga
• Elżbieta M. Dowling
  Nowoczesna aranżacja wnętrz w klasycznym stylu " target="_blank"> Nowoczesna klasyka Nowoczesna klasyka
• Klasycyzm
  Nowoczesna aranżacja wnętrz w klasycznym stylu " target="_blank"> Hala Hala
• Klasycyzm
  Nowoczesna aranżacja wnętrz jadalni w klasycznym stylu " target="_blank"> Jadalnia Jadalnia

"Klasa!" - mówimy o tym, co budzi nasz podziw lub koresponduje z naszą pozytywną oceną przedmiotu lub zjawiska.
Przetłumaczone z łaciny słowo klasyk i oznacza „wzorowy”.

Klasycyzmzwany stylem artystycznym i kierunkiem estetycznym w kulturze europejskiej XVII-XIX wieku.

A jako próbka? Klasycyzm wykształcił kanony, według których należy budować każde dzieło sztuki. Kanon- jest to pewna norma, zbiór technik artystycznych lub reguł obowiązujących w danej epoce.
Klasycyzm jest ścisłym nurtem w sztuce, interesowały go tylko istotne, wieczne, typowe, przypadkowe znaki lub przejawy, które nie były dla klasycyzmu interesujące.
W tym sensie klasycyzm pełnił edukacyjne funkcje sztuki.

Budynki Senatu i Synodu w Petersburgu. Architekt C. Rossi
Czy to dobrze, czy źle, gdy w sztuce istnieją kanony? Kiedy możesz lubić tylko to i nic więcej? Nie spiesz się z negatywnym wnioskiem! Kanony pozwoliły usprawnić pracę określonego rodzaju sztuki, nadać kierunek, pokazać próbki i odrzucić wszystko, co nieistotne i niezbyt głębokie.
Ale kanony nie mogą być wiecznym, niezmiennym przewodnikiem po twórczości – w pewnym momencie stają się przestarzałe. Tak stało się na początku XX wieku. w sztukach wizualnych i muzyce: normy, które zakorzeniły się w ciągu kilku stuleci, przeżyły swoją użyteczność i zostały rozdarte.
Jednak zrobiliśmy już skok do przodu. Wróćmy do klasycyzmu i przyjrzyjmy się bliżej hierarchii gatunków klasycyzmu. Powiemy tylko, że jako pewien nurt klasycyzm ukształtował się we Francji w XVII wieku. Cechą francuskiego klasycyzmu było to, że afirmował osobowość osoby jako najwyższą wartość bytu. Klasycyzm pod wieloma względami opierał się na sztuce antycznej, widząc w niej idealny model estetyczny.

Hierarchia gatunków klasycyzmu

W klasycyzmie ustala się ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie i niskie. Każdy gatunek ma pewne cechy, których nie należy mieszać.
Rozważ hierarchię gatunków na przykładach różnych rodzajów sztuki.

Literatura

Nicolas Boileau uważany jest za największego teoretyka klasycyzmu, ale jego założycielem jest Francois Malherba, który zreformował język i wiersz francuski oraz rozwinął kanony poetyckie. N. Boileau wyraził swoje poglądy na temat teorii klasycyzmu w poetyckim traktacie „Sztuka poetycka”.

Popiersie Nicolasa Boileau autorstwa F. Girardona. Paryż, Luwr
W dramaturgii trzeba było szanować trzy jedności: jedność czasu (akcja musi toczyć się w ciągu jednego dnia), jedność miejsca (w jednym miejscu) i jedność akcji (w utworze musi być jedna fabuła). Czołowymi przedstawicielami klasycyzmu w dramaturgii stali się francuscy tragicy Corneille i Racine. Główną ideą ich pracy był konflikt między obowiązkiem publicznym a osobistymi pasjami.
Celem klasycyzmu jest zmiana świata na lepsze.

W Rosji

W Rosji pojawienie się i rozwój klasycyzmu wiąże się przede wszystkim z nazwiskiem M.V. Łomonosow.

M. V. Łomonosow przy pomniku „1000-lecia Rosji” w Nowogrodzie Wielkim. Rzeźbiarze M.O. Mikeshin, I.N. Schroeder, architekt V.A. Hartmanna
Przeprowadził reformę wiersza rosyjskiego i rozwinął teorię „trzech uciszeń”.

„Teoria trzech spokojów” M.V. Łomonosow

Doktryna trzech stylów, tj. Klasyfikacja stylów w retoryce i poetyce, która wyróżnia styl wysoki, średni i niski (prosty), znana jest od dawna. Był używany w starożytnej rzymskiej, średniowiecznej i nowożytnej literaturze europejskiej.
Ale Łomonosow wykorzystał doktrynę trzech stylów do zbudowania systemu stylistycznego Język rosyjski i literatura rosyjska. Trzy „style” według Łomonosowa:
1. Wysoki - uroczysty, majestatyczny. Gatunki: ody, poematy heroiczne, tragedie.
2. Medium - elegie, dramaty, satyry, eklogi, kompozycje przyjacielskie.
3. Niski - komedie, listy, piosenki, bajki.
Klasycyzm w Rosji rozwinął się pod wpływem Oświecenia: idee równości i sprawiedliwości. Dlatego w rosyjskim klasycyzmie zakładano z reguły obowiązkową autorską ocenę rzeczywistości historycznej. Znajdujemy to w komediach D.I. Fonvizin, satyry A.D. Cantemir, bajki A.P. Sumarokova, I.I. Khemnitser, ody do M.V. Łomonosow, GR. Derżawin.
Pod koniec XVIIIw. nasiliła się tendencja do upatrywania w sztuce głównej siły wychowania człowieka. W związku z tym pojawia się trend literacki sentymentalizm, w którym uczucie (a nie rozum) zostało uznane za najważniejszą rzecz w naturze ludzkiej. Francuski pisarz Jean-Jacques Rousseau wzywał do bycia bliżej natury i naturalności. Za tym wezwaniem podążał rosyjski pisarz N.M. Karamzin – przypomnijmy sobie jego słynną „Biedną Lizę”!
Ale w kierunku klasycyzmu dzieła powstały w XIX wieku. Na przykład „Biada dowcipowi” A.S. Gribojedow. Chociaż w tej komedii są już elementy romantyzmu i realizmu.

Obraz

Skoro definicja „klasycyzmu” jest tłumaczona jako „wzorowy”, to jakiś model jest dla niego naturalny. A zwolennicy klasycyzmu widzieli to w sztuce antycznej. To był najwyższy przykład. Odwoływano się również do tradycji wysokiego renesansu, który również widział wzór w starożytności. Sztuka klasycyzmu odzwierciedlała idee harmonijnej struktury społeczeństwa, ale odzwierciedlała konflikty jednostki i społeczeństwa, ideału i rzeczywistości, uczuć i rozumu, które świadczą o złożoności sztuki klasycyzmu.
Formy artystyczne klasycyzmu charakteryzują się ścisłą organizacją, równowagą, klarownością i harmonią obrazów. Fabuła powinna rozwijać się logicznie, kompozycja fabuły powinna być wyraźna i wyważona, objętość powinna być wyraźna, rola koloru powinna być podporządkowana za pomocą światłocienia, z wykorzystaniem lokalnych kolorów. Tak pisał np. N. Poussin.

Mikołaj Poussin (1594-1665)

N. Poussin „Autoportret” (1649)
Francuski artysta, który stał u początków malarstwa klasycyzmu. Prawie wszystkie jego obrazy są oparte na tematach historycznych i mitologicznych. Jego kompozycje są zawsze klarowne i rytmiczne.

N. Poussin „Taniec do muzyki czasu” (około 1638)
Obraz przedstawia alegoryczny okrągły taniec Życia. Krąży (od lewej do prawej): Przyjemność, Pracowitość, Bogactwo, Bieda. Obok dwugłowego kamiennego posągu rzymskiego boga Janusa siedzi niemowlę puszczające bańki mydlane – symbol ulotnego ludzkiego życia. Młoda twarz dwulicowego Janusa patrzy w przyszłość, stara twarz zwrócona jest ku przeszłości. Skrzydlaty, siwobrody starzec, przy muzyce którego wiruje okrągły taniec, to Ojciec Czas. U jego stóp siedzi dziecko, które trzyma klepsydrę, przypominającą szybki bieg czasu.
Rydwan boga słońca Apolla pędzi po niebie w towarzystwie bogiń pór roku. Aurora, bogini świtu, leci przed rydwanem, rozrzucając kwiaty na swojej drodze.

V. Borowikowski „Portret G.R. Derzhavin" (1795)

V. Borowikowski „Portret G.R. Derzhavin, Państwowa Galeria Trietiakowska
Artysta przedstawił na portrecie człowieka, którego dobrze znał i którego opinię cenił. Jest to portret formalny, tradycyjny dla klasycyzmu. Derzhavin jest senatorem, członkiem Akademii Rosyjskiej, mężem stanu, o czym świadczy jego mundur i nagrody.
Ale jednocześnie jest to słynny poeta, pasjonat kreatywności, ideałów edukacyjnych i życia społecznego. Wskazuje na to biurko zaśmiecone rękopisami; luksusowy zestaw atramentów; półki z książkami w tle.
Wizerunek GR Derzhavina jest rozpoznawalny. Ale jego wewnętrzny świat nie jest pokazany. Idee Rousseau, które były już aktywnie dyskutowane w społeczeństwie, nie pojawiły się jeszcze w twórczości V. Borowikowskiego, stanie się to później.
W 19-stym wieku Malarstwo klasycyzmu wkracza w okres kryzysu i staje się siłą hamującą rozwój sztuki. Artyści, zachowując język klasycyzmu, zaczynają zwracać się ku tematyce romantycznej. Wśród rosyjskich artystów jest to przede wszystkim Karl Bryullov. Jego twórczość powstała w czasie, gdy klasyczne dzieła formy przepełnione były duchem romantyzmu, połączenie to nazwano akademizmem. W połowie XIX wieku. zaczęło się buntować młode pokolenie skłaniające się ku realizmowi, reprezentowane we Francji przez krąg Courbeta, aw Rosji przez Wędrowców.

Rzeźba

Rzeźba epoki klasycyzmu również uważała starożytność za wzór. Ułatwiły to między innymi wykopaliska archeologiczne starożytnych miast, w wyniku których poznano wiele rzeźb hellenizmu.
Klasycyzm osiągnął swoje najwyższe wcielenie w twórczości Antonio Canovy.

Antonio Canova (1757-1822)

A. Canova „Autoportret” (1792)
Rzeźbiarz włoski, przedstawiciel klasycyzmu w rzeźbie europejskiej. Największe zbiory jego dzieł znajdują się w Luwrze w Paryżu oraz w Ermitażu w Petersburgu.

A. Canova „Trzy Gracje”. Sankt Petersburg, Ermitaż
Grupa rzeźbiarska „Trzy gracje” nawiązuje do późnego okresu twórczości Antonio Canovy. Rzeźbiarz ucieleśniał swoje idee piękna w obrazach łask - starożytnych bogiń uosabiających kobiecy urok i urok. Kompozycja tej rzeźby jest niezwykła: wdzięki stoją obok siebie, dwie skrajne twarze zwrócone są ku sobie (a nie widzowi), a pośrodku stoi dziewczyna. Wszystkie trzy smukłe postaci kobiece zlały się w uścisku, łączy je splot dłoni i opadający z ręki szalik jednej z łask. Kompozycja Canovy jest zwarta i zrównoważona.
W Rosji estetyka klasycyzmu to Fedot Szubin, Michaił Kozłowski, Borys Orłowski, Iwan Martos.
Fiedot Iwanowicz Szubin(1740-1805) pracował głównie z marmurem, czasami przechodząc do brązu. Większość jego rzeźbiarskich portretów ma formę popiersi: popiersia wicekanclerza A. M. Golicyna, hrabiego P. A. Rumyantseva-Zadunaisky'ego, Potiomkina-Tavrichesky'ego, M. V. Łomonosowa, Pawła I, P. V. Zawadowskiego, pomnik ustawodawców Katarzyny II i innych.

F. Szubin. Popiersie Pawła I
Shubin jest również znany jako dekorator, stworzył 58 marmurowych portretów historycznych dla Pałacu Chesme, 42 rzeźby dla Pałacu Marmurowego itp. Był także rzeźbiarzem kości rzeźbionej kości Kholmogory.
W epoce klasycyzmu rozpowszechniły się publiczne pomniki, w których idealizowano militarną waleczność i mądrość mężów stanu. Ale w starożytnej tradycji zwyczajem było przedstawianie nagich modeli, podczas gdy normy moralne współczesne klasycyzmowi na to nie pozwalały. Dlatego postacie zaczęto przedstawiać jako nagich starożytnych bogów: na przykład Suworow - w postaci Marsa. Później zaczęto je przedstawiać w antycznych togach.

Pomnik Kutuzowa w Petersburgu przed Soborem Kazańskim. Rzeźbiarz BI Orłowski, architekt K.A. Ton
Późny, empirowy klasycyzm reprezentuje duński rzeźbiarz Bertel Thorvaldsen.

B. Thorvaldsena. Pomnik Mikołaja Kopernika w Warszawie

Architektura

Architektura klasycyzmu koncentrowała się również na formach architektury antycznej jako normach harmonii, prostoty, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności, stał się podstawą architektonicznego języka klasycyzmu. Zamówienie- rodzaj kompozycji architektonicznej wykorzystującej określone elementy. Zawiera system proporcji, określa skład i kształt elementów, a także ich wzajemne położenie. Klasycyzm charakteryzuje się symetryczno-osiowymi kompozycjami, powściągliwością dekoracji dekoracyjnej i regularnym układem urbanistycznym.

Londyńska rezydencja Osterley Park. Architekt Robert Adam
W Rosji przedstawicielami klasycyzmu w architekturze byli V.I. Bażenow, Karl Rossi, Andriej Woronikhin i Andriej Zacharow.

Carla Barthalomeo-Rossiego(1775-1849) – rosyjski architekt pochodzenia włoskiego, autor wielu budowli i zespołów architektonicznych w Petersburgu i okolicach.
Wybitne umiejętności architektoniczne i urbanistyczne Rossiego są ucieleśnione w zespołach Pałacu Michajłowskiego z przyległym ogrodem i placem (1819-1825), Placu Pałacowego z okazałym łukowatym budynkiem Sztabu Generalnego i łukiem triumfalnym (1819-1829), Plac Senacki z budynkami Senatu i Synodu (1829) -1834), Plac Aleksandryński z budynkami Teatru Aleksandryńskiego (1827-1832), nowy budynek Cesarskiej Biblioteki Publicznej i dwa jednolite długie budynki ulicy Teatralnej (obecnie ul. ulica architekta Rossiego).

Budynek Sztabu Generalnego na Placu Pałacowym

Muzyka

Pojęcie klasycyzmu w muzyce związane jest z twórczością Haydna, Mozarta i Beethovena, których nazywa się klasykami wiedeńskimi. To oni wyznaczyli kierunek dalszego rozwoju muzyki europejskiej.

Thomas Hardy „Portret Josepha Haydna” (1792)

Barbara Kraft „Portret pośmiertny Wolfganga Amadeusza Mozarta” (1819)

Karl Stieler „Portret Ludwiga van Beethovena” (1820)
Estetyka klasycyzmu, oparta na zaufaniu do racjonalności i harmonii porządku świata, ucieleśniała te same zasady w muzyce. Wymagano od niej: wyważenia części utworu, starannego wykończenia detali, wypracowania głównych kanonów formy muzycznej. W tym okresie ukształtowała się ostatecznie forma sonatowa, ustalono klasyczną kompozycję części sonaty i symfonii.
Oczywiście droga muzyki do klasycyzmu nie była prosta i jednoznaczna. Nastąpił pierwszy etap klasycyzmu - renesans XVII wieku. Niektórzy muzykolodzy uważają nawet okres baroku za szczególny przejaw klasycyzmu. Tak więc prace I.S. Bacha, G. Haendla, K. Glucka z jego reformistycznymi operami. Jednak najwyższe osiągnięcia klasycyzmu w muzyce kojarzą się jednak z twórczością przedstawicieli wiedeńskiej szkoły klasycznej: J. Haydna, W. A. ​​Mozarta i L. van Beethovena.

Uwaga

Konieczne jest rozróżnienie pojęć „muzyka klasycyzmu" oraz "muzyka klasyczna". Pojęcie „muzyki klasycznej” jest znacznie szersze. Obejmuje nie tylko muzykę epoki klasycyzmu, ale także muzykę przeszłości w ogóle, która przetrwała próbę czasu i jest uznawana za wzorcową.

Klasycyzm w architekturze i urbanistyce.

Główną cechą architektury klasycyzmu było odwoływanie się do form architektury antycznej jako wzorca harmonii, prostoty, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całość cechuje regularność rozplanowania i wyrazistość formy wolumetrycznej. Porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności, stał się podstawą architektonicznego języka klasycyzmu. Klasycyzm charakteryzuje się symetryczno-osiowymi kompozycjami, powściągliwością dekoracji dekoracyjnej i regularnym układem urbanistycznym.

Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego weneckiego mistrza Palladio i jego następcę Scamozziego.

Wenecjanie absolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej do tego stopnia, że ​​stosowali je nawet przy budowie takich prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones sprowadził palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni architekci palladiańscy przestrzegali wskazań Palladia z różnym stopniem wierności aż do połowy XVIII wieku.

W Wenecji Palladio na zlecenie Kościoła zrealizował kilka projektów i zbudował szereg kościołów (San Pietro in Castello, 1558; krużganek kościoła Santa Maria della Carita [obecnie Muzea Akademii]; fasada kościoła św. San Francesco della Vigna, 1562; San Giorgio Maggiore na wyspie o tej samej nazwie, 1565 [ukończone przez V. Scamozzi do 1610]; „Il Redentore”, czyli [kościół] Zbawiciela na wyspie Giudecca, 1576 -1592; Santa Maria della Presentatione, czyli „Le Citelle”; Santa Lucia, rozebrana w połowie XIX wieku podczas budowy dworca kolejowego). Jeśli wille Palladia jako całość łączy wrażenie harmonii i spokoju form, to w jego kościołach najważniejsza jest dynamika form, czasem - wzburzony patos.

Robert Adam (który pracował we współpracy ze swoim bratem Jamesem) stał się najbardziej poszukiwanym architektem w Wielkiej Brytanii. Koneserzy piękna podziwiali swobodę, z jaką łączył klasyczne elementy, które wcześniej uważano za nie do pogodzenia. Świeże podejście do układu znanych technik architektonicznych (okno termiczne, serliano) świadczyło o głębokim wniknięciu Adama w istotę sztuki antycznej. Budynki: Kedleston Hall, Sion House, Register House, Osterley Park.

Klasycyzm w malarstwie.

Kilka obrazów Agostino Carracciego (najlepsze z nich to freski w Palazzo Farnese w Rzymie, wykonane wspólnie z jego bratem Annibalem, „Komunia św. Hieronima” i „Wniebowstąpienie Marii Panny” w bolońskiej Pinakotece) wyróżniają się ich poprawny rysunek i lekką, wesołą kolorystykę.

Agostino był bardziej znanym rytownikiem niż jego brat Annibale. Naśladując Cornelisa Courta, osiągnął wielkie wyżyny w sztuce grawerowania. Najbardziej znane jego ryciny to: Ukrzyżowanie (z Tintoretto, 1589), Eneasz i Anchis (z Barocchio, 1595), Dziewica z Dzieciątkiem (z Correggio), Kuszenie św. Antoniego”, „Św. Jerome” (z Tintoretto), a także kilka rycin z jego własnej pracy.

Claude Lorrain z wielką wprawą przedstawił grę promieni słonecznych o różnych porach dnia, świeżość poranka, upał południa, melancholijny blask zmierzchu, chłodne cienie ciepłych nocy, blask spokoju lub lekkiego kołysania wody, przejrzystość czystego powietrza i odległość pokonywaną w lekkiej mgle. W jego twórczości można wyróżnić dwa maniery: obrazy odnoszące się do wczesnego okresu twórczości malowane są mocno, gęsto, w ciepłych barwach; później - łagodniej, w chłodnej tonacji. Postacie, które zwykle ożywiają jego pejzaże.

Lorrain, w przeciwieństwie do Poussina, wyszedł poza metafizyczny (czyt. akademicki) krajobraz. Światło jest zawsze ważne w jego pracy. Jako pierwszy zbadał problem światła słonecznego, rano i wieczorem; pierwszy, który poważnie interesował się atmosferą, jej nasyceniem światłem. Jego prace wpłynęły na rozwój europejskiego krajobrazu, w szczególności Williama Turnera

Klasycyzm w muzyce

Muzyka okresu klasycznego, czyli muzyka klasycyzmu, odnosi się do okresu w rozwoju muzyki europejskiej między około 1730 a 1820 r. do przydziału tych ram). Pojęcie klasycyzmu w muzyce trwale kojarzone jest z twórczością Haydna, Mozarta i Beethovena, którzy nazywani są klasykami wiedeńskimi i wyznaczyli kierunek dalszego rozwoju kompozycji muzycznej.

Charakterystyczną cechą twórczości Mozarta jest niesamowite połączenie surowych, wyraźnych form z głęboką emocjonalnością. Wyjątkowość jego twórczości polega na tym, że nie tylko pisał we wszystkich formach i gatunkach, jakie istniały w jego epoce, ale także w każdej z nich pozostawił dzieła o nieprzemijającym znaczeniu. Muzyka Mozarta wykazuje wiele związków z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską), niemniej należy do wiedeńskiej narodowej gleby i nosi piętno twórczej indywidualności wielkiego kompozytora.

Mozart jest jednym z największych melodystów. Jej melodia łączy w sobie cechy austriackich i niemieckich pieśni ludowych z melodyjnością włoskiej kantyleny. Mimo, że jego utwory odznaczają się poezją i subtelnym wdziękiem, często zawierają melodie o odważnym charakterze, z wielkim patosem dramatycznym i elementami kontrastowymi. Najpopularniejsze opery to Wesele Figara, Don Giovanni i Czarodziejski flet.

Pytania i zadania:

1) Klasycyzm (francuski klasycyzm, od łac. classicus - przykładowy) to styl artystyczny i nurt estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.

Istnieją dwa etapy rozwoju klasycyzmu: wiek XVII. i XVIII - początek XIX wieku. W XVIII wieku.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które powstały równolegle z tymi samymi ideami w filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki, z punktu widzenia klasycyzmu, powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, odsłaniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata. Zainteresowanie klasycyzmem jest tylko wieczne, niezmienne – w każdym zjawisku stara się rozpoznać tylko istotne, typologiczne cechy, odrzucając przypadkowe pojedyncze znaki. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm czerpie wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).

Klasycyzm ustanawia ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie (oda, tragedia, epicka) i niskie (komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma ściśle określone cechy, których mieszanie jest niedozwolone.

Jako pewien kierunek ukształtował się we Francji w XVII wieku. Francuski klasycyzm uznał osobowość człowieka za najwyższą wartość bytu, uwalniając go od wpływów religijnych i kościelnych.

Malarstwo, rzeźba, architektura, literatura, muzyka - reprezentowany jest klasycyzm.

2) Od budynku-pomnika dochodzą do budynku, który wyraża określoną funkcję społeczną, jedność takich funkcji tworzy organizm miejski, a jego struktura jest koordynacją tych funkcji. Ponieważ koordynacja społeczna opiera się na zasadach racjonalności, plany urbanistyczne stają się bardziej racjonalne, to znaczy podążają za wyraźnymi prostokątnymi lub promienistymi wzorami geometrycznymi, które składają się z szerokich i prostych ulic, dużych kwadratów lub okrągłych placów. Idea relacji między społeczeństwem ludzkim a przyrodą wyraża się w mieście poprzez wprowadzanie rozległych terenów zielonych, najczęściej parków w pobliżu pałaców lub ogrodów dawnych klasztorów, które stały się państwowe po rewolucji. Redukcja architektury jedynie do realizacji zadań urbanistycznych pociąga za sobą uproszczenie i typizację jej form.

3) Architekt klasycyzmu odrzuca „bitą śmietanę” baroku i obstaje przy normach harmonii, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Właściwie dla niego nie było wątpliwości, czy sztuka jest obiektywna, czy nie. Oczywiście obiektywnie, ale on sam służy wieczności i wszystkiemu niezmiennemu. Stąd zgodność z systemem porządku, regularność planowania i symetria. Człowieku, jak pamiętamy, brzmi dumnie. A regularność i przejrzystość jest dokładnie tym, co odróżnia stworzenie człowieka od spontanicznej asymetrii natury. Dla budynków i parków oznaczało to pojawienie się wychodzących w perspektywie rzędów kolumn, perfekcyjnie przystrzyżonych krzewów i dziesiątek metrów doskonałych rzeźb. I loki, fałdy architektoniczne i marszczenia - od złego. Architekt klasycyzmu najczęściej był turystą i podróżował do Włoch i Grecji, aby obejrzeć ruiny, dzieła Palladia, Scamozziego i rysunki Piranesiego, a następnie przeniósł tę wiedzę do własnego kraju. Tak więc w szczególności stało się to z Inigo Jonesem, odpowiedzialnym za zasianie klasycyzmu w Wielkiej Brytanii, oraz z Robertem Adamem, który zmienił oblicze Szkocji. Niemcy Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel, oszaleli na punkcie piękna Partenonu, zbudowali Monachium i Berlin w duchu neogreckim z okazałymi muzeami i innymi budynkami publicznymi.

Francuzi Jacques-Germain Soufflot, Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boulet stworzyli własne wersje klasycyzmu: ci pierwsi coraz bardziej opanowali przestrzenie wokół budynku, a Ledoux i Boulet porwał radykalna geometryzacja form. Francuzi (a po nich Rosjanie) w ogóle ze wszystkich Europejczyków okazali się najbardziej wrażliwi na luksus cesarskiego Rzymu i bez wahania kopiowali łuki triumfalne i kolumny.

4) Patrz pytanie nr 3.

5) Charakterystyczną cechą twórczości Mozarta jest niesamowite połączenie surowych, wyraźnych form z głęboką emocjonalnością. Wyjątkowość jego twórczości polega na tym, że nie tylko pisał we wszystkich formach i gatunkach, jakie istniały w jego epoce, ale także w każdej z nich pozostawił dzieła o nieprzemijającym znaczeniu. Muzyka Mozarta wykazuje wiele związków z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską), niemniej należy do wiedeńskiej narodowej gleby i nosi piętno twórczej indywidualności wielkiego kompozytora.

6) Mikołaja Poussina. Mistrz ściganej, rytmicznej kompozycji. Jeden z pierwszych, który docenił monumentalność tutejszego kolorytu.

Urodzony w Normandii, wstępne wykształcenie artystyczne otrzymał w ojczyźnie, następnie studiował w Paryżu pod kierunkiem Quentina Varena i J. Lallemanta. W 1624 roku, już dość znany artysta, Poussin wyjechał do Włoch i zaprzyjaźnił się w Rzymie z poetą Marino, który zaszczepił w nim zamiłowanie do studiowania włoskich poetów, których twórczość dała Poussinowi obfity materiał do jego kompozycji. Po śmierci Marino Poussin znalazł się w Rzymie bez żadnego wsparcia. Jego sytuacja poprawiła się dopiero po znalezieniu patronów w osobie kardynała Francesco Barberiniego i kawalera Cassiano del Pozzo, dla których napisał Siedem Sakramentów. Dzięki serii tych znakomitych obrazów Poussin został w 1639 roku zaproszony do Paryża przez kardynała Richelieu do dekoracji Luwru. Ludwik XIII wyniósł go do tytułu pierwszego malarza. W Paryżu Poussin miał wiele zamówień, ale utworzył partię przeciwników, w osobie artystów Vue, Brekiera i Merciera, którzy wcześniej pracowali przy dekorowaniu Luwru. Szczególnie intrygująca przeciwko niemu była szkoła Vue, która cieszyła się patronatem królowej. Dlatego w 1642 roku Poussin opuścił Paryż i wrócił do Rzymu, gdzie mieszkał aż do śmierci.

Poussin był szczególnie silny w krajobrazie. Wykorzystując efekty osiągane w tym rodzaju malarstwie przez szkołę bolońską i mieszkającą we Włoszech Holandię, stworzył tzw. przyjemne i majestatyczne formy, posłużyły mu za scenę do zobrazowania idyllicznego złotego wieku. Krajobrazy Poussin nasycone są poważnym, melancholijnym nastrojem. W przedstawianiu postaci trzymał się starożytności, przez co wyznaczył dalszą drogę, jaką podążała za nim francuska szkoła malarstwa. Jako malarz historyczny Poussin miał głęboką wiedzę na temat rysunku i talent do kompozycji. Na rysunku wyróżnia się ścisłą konsekwencją stylu i poprawnością.

„Wielkoduszność Scypiona”, „Pasterze Arkadii”, „Tankred i Erminia”.

Hojność Scypiona.

Obraz oparty jest na zdobyciu Nowej Kartaginy (współczesna Cartagena), hiszpańskiej twierdzy Punijczyków podczas drugiej wojny punickiej, którą Scypion zdobył wraz z niezliczonymi skarbami, zakładnikami z plemion hiszpańskich i dużym zapasem prowiantu. Nawiasem mówiąc, w jeden dzień schwytany.

W rzeczywistości szczodrość Scypiona polegała na tym, że uwolnił zakładników i zorganizował ich odesłanie do domu, a także uratował honor szlachcianek z tych hiszpańskich plemion, które zyskały przyjaźń i przychylność wielu Hiszpanów, którzy przeszli na stronę Rzymu.

№21 Podstawy światopoglądowe w kulturze edukacyjnej. Oświecenie w Europie i Ameryce

Powstanie nowej ideologii wiąże się z powstaniem nowej warstwy społecznej. Przekonany o ideach racjonalizmu, wykształcony. Nie arystokraci. Stwierdzają ubóstwo i upokorzenie ludu, rozkład górnych warstw i stawiają sobie za cel zmianę sytuacji, używając naukowego światopoglądu, który może wpływać na masowe nastroje. (Wichrzyciele - są poddanymi)

Opowiadają się za uznaniem praw jednostki, stąd pojawiają się doktryny prawa naturalnego. Pojawiają się one w naukach Hobbesa, Locke'a, Grocjusza w XVIII wieku. Oryginalna idea prawa naturalnego Hobbesa polega na tym, że natura człowieka jest zła i samolubna. „Człowiek człowiekowi wilkiem”, naturalnym stanem jest „wojna wszystkich ze wszystkimi”. W tej wojnie człowiek kieruje się swoim naturalnym prawem - prawem siły. Prawu naturalnemu przeciwstawiają się prawa naturalne, które są rozumną zasadą moralną człowieka. Prawa samozachowawcze i zaspokajania potrzeb. Ponieważ wojna wszystkich ze wszystkimi grozi ludzkości samozniszczeniem, istnieje potrzeba zmiany stanu naturalnego na cywilny. Powinna być umowa społeczna. Ludzie dobrowolnie scedują część swoich praw i wolności na rzecz państwa, zgadzają się na przestrzeganie prawa. W ten sposób naturalne prawo siły zostaje zastąpione harmonią praw naturalnych i cywilnych. Państwo jest więc warunkiem koniecznym kultury. Locke uważał, że prawda życia społecznego nie leży w państwie, ale w samej osobie. Ludzie jednoczą się w społeczeństwie, aby zagwarantować człowiekowi prawa naturalne. Jest to według Locke'a prawo do życia, własności, pracy. Praca i własność dają ludziom wolność i równość. Państwo jest zobowiązane do ochrony wolnego życia prywatnego człowieka. Teorie prawa naturalnego od samego początku miały orientację antykościelną i antyfeudalną, gdyż podkreśla się naturalne pochodzenie prawa. Co sprzeciwia się teorii boskiego prawa, w której religia jest źródłem państwa feudalnego, nierówności społecznej. Termin oświecenie został po raz pierwszy użyty przez Aviary. Priorytet w rozwoju edukacji należy do Francji. A Herder wraz z Wolterem wymyślili ten kapelusz - oświecenie. Kant pisał, że oświecenie jest wyjściem ze stanu mniejszości, w którym człowiek znalazł się z własnej woli. Niedojrzałość własnej wolnej woli to taka, której przyczyny nie tkwią w braku rozumu, ale w braku determinacji i odwagi, by go używać bez przewodnictwa innej osoby. Mottem oświecenia według Kanta jest mieć odwagę posługiwania się własnym umysłem.

Idee oświecenia opierają się na ideach racjonalizmu. To nie przypadek, że literatura i sztuka gloryfikują umysł, potęgę ludzkiego umysłu - to optymistyczny światopogląd. Wiara w potęgę ludzkiego umysłu. Povillon - „Cuda ludzkiego umysłu” W centrum oświeceniowej koncepcji człowieka znajduje się idea człowieka naturalnego, ogromną rolę w jej kształtowaniu odegrała powieść Daniela Defoe „Robinson Crusoe” – człowiek w stanie naturalnym. To opowieść o życiu ludzkości, która przeszła od dzikości do cywilizacji. To stan natury kształci Robinsona. J.-J. przejął od niego obowiązki. Rousseau. W traktacie o rozumowaniu o naukach i sztukach mówi, że osoba fizyczna jest oświecona, ale nie przez nauki i sztuki, które są potrzebne despotom do przełamania oporu ludzi. Cywilizacja była w stanie stworzyć tylko szczęśliwych niewolników, Rousseau przeciwstawia ich dzikusom Ameryki. Są niezwyciężeni tylko przez polowanie. Nie można nakładać jarzma na ludzi, którzy nie mają potrzeb. Rousseau rozwija również koncepcję człowieka naturalnego w traktatach o pochodzeniu i podstawach nierówności między ludźmi, o umowie społecznej. Pochodzenie nierówności jest wyjaśnione historycznie. Wolter i Montesquieu ostro skrytykowali ideę świętości władzy duchowieństwa. Bóg zdyskredytował się, ponieważ przez długi czas oligarchowie używali jego imienia, aby oszukiwać ludzi i wzmacniać ich władzę. Następnie oświeceni zaangażowani byli w rozwój utopii społecznych.

Najpierw budowana jest reorganizacja społeczeństwa, a następnie teoria społeczeństwa uniwersalnego. Wszyscy starali się zdefiniować naturalny stan człowieka, który przejawiał się w społecznej rzeczywistości dobrobytu materialnego. Rousseau uważał, że w stanie dobrobytu materialnego rozwija się bogactwo, ludzkie zdolności, rozszerzają się idee, uszlachetniają się uczucia, dusza wznosi się.

Claude Helvetius sformułował pojęcie cnoty, którą mierzył użytecznością, a nie samozaparciem, jak to miało miejsce w moralności chrześcijańskiej. Oznacza to, że człowiek powinien cieszyć się życiem, a nie służyć Bogu z samozaparciem charakterystycznym dla chrześcijanina. Ideę tę poparł angielski pedagog Bentham, który uważał, że cnota powinna opierać się na osobistej korzyści, z uwzględnieniem interesu publicznego społeczeństwa. Tak rozpoczyna się nowy etap w rozwoju oświecenia, które jako całość przeszło ewolucję: od rozproszonych prób ustanowienia idei oświecenia, do zjednoczenia sił oświecających; od deizmu Waltera do ateizmu Denisa Diderota. Od idei oświeconej monarchii, zamiłowania do systemu angielskiego, przez rozwój rewolucyjnej zmiany we francuskim systemie społecznym, po ustanowienie idei republiki, zasady równości. Najważniejszym hasłem jest „Wolność, Równość, Braterstwo”. Ogólnie rzecz biorąc, oświeceni tworzą harmonijny obraz świata, ponieważ jest on optymistyczny. Powstaje idea uniwersalności, kultury światowej. Najbardziej znanym był Johann Herder. Potwierdza równość kultur różnych narodów i epok. Jednocześnie pojawia się grunt pod rozwój europocentryzmu. Przez długi czas Europejczycy nie znali obcych kultur, a podbijając ludy Ameryki i Australii występowali jako zdobywcy. Zaniedbano kulturę wrogów. Natomiast wraz z rozwojem idei uniwersalności porównywania kultur jako równych sobie jednak okazuje się, że własna jest ważniejsza, wyższa od cudzej. Rozwój idei Rousseau przez rewolucję francuską świadczył o nowym stosunku do człowieka, dlatego w społeczeństwie zaczęły pojawiać się idee sprzeczne z ideami niewolnictwa.

Prawa człowieka Thomasa Pena ukazały się w 1791 roku.

„Obrona praw kobiet” Ounstonecraft 1792. Dania była pierwszym krajem, który zakazał niewolnictwa. Następnie w 1794 roku Francja zakazała tego. W 1807 roku w Imperium Brytyjskim zniesiono niewolnictwo. Idee oświeceniowe determinowały rozwój kultury amerykańskiej. Filadelfia staje się centrum edukacji w Ameryce, tu powstała pierwsza biblioteka w Ameryce i pierwsze czasopismo prawnicze. Z tym miastem związana jest pierwsza szkoła medyczna i szpital, działalność edukacyjna Benjamina Franklina, który sformułował klasyczne zasady moralności mieszczańskiej. Bohaterem nowych czasów jest człowiek, który wszystko zawdzięcza tylko sobie. Cechuje go trzeźwość umysłu, racjonalność, skupienie na prawdziwym życiu, z jego materialnymi radościami. To on jest właścicielem wielu aforyzmów, które mówią o burżuazyjnej kulturze, burżuazyjnej moralności: „Czas to pieniądz”, „Oszczędność i praca prowadzą do bogactwa” itp.

Kultura oświeceniowa opiera się na ideach Cottana Mathera i Jonathana Edwardsa.

Ideologia oświecenia przyczyniła się do rozwoju edukacji. Oświeceniowcy wierzą, że edukacja w duchu współczesnej nauki, nowoczesnej wiedzy może poprawić życie ludzi, to nie przypadek, że Diderot połączył tworzenie słownika objaśniającego lub Encyklopedii nauk ścisłych, sztuki i rzemiosła w siłach oświecających Voltaire'a i Montesquieu.

Stopniowo w Ameryce wyłania się korzystniejsza sytuacja dla edukacji niż w starym świecie. To wyjaśnia pojawienie się ojców założycieli republiki.

Thomas Jefferson napisał Deklarację Niepodległości. Stał się amerykańskim interpretatorem nauk Locke'a. Widział cel państwa - obrona praw człowieka: prawa do życia, własności, wolności, szczęścia. Lud może obalić państwo. Najważniejsze jest prawidłowe rozłożenie mocy. Wolność łączy się z odpowiedzialnością.

Rozczarowanie ideałami Oświecenia wyraziła powieść Jonathana Swifta „Podróże Guliwera” – satyra na idee Oświecenia. Swift kwestionował postęp naukowy.

Era oświecenia trwała około 100 lat, potem następuje reakcja na skutki rewolucji francuskiej. Myśląca część europejskiej ludzkości czuła, że ​​ideał osoby, ukształtowany przez kulturę odrodzenia, nie odpowiada rzeczywistości.

№22,23 Romantyzm jako paradygmat kulturowy, Romantyzm w Europie

W XVIII wieku ukształtował się przedromantyzm, w którego kształtowaniu szczególną rolę odegrał J. - J. Rousseau, przede wszystkim ze swoim słynnym wyznaniem. Wiek rozumu mówił o prymacie uczucia, o oryginalności i wyjątkowości każdego człowieka. W Niemczech romantyzm żywi się ideami literackiego i społecznego ruchu Sturm und Drang. Twórczość wczesnego Goethego, Schillera. Jako ważne źródła można wymienić filozofię Fichtego z jej absolutyzacją wolności twórczej. I Artur Schopenhauer ze swoją ideą ślepej, nierozsądnej woli, która stwarza świat zgodnie ze swoją wolą. Rzeczywistość wydawała się niekorzystna, czasem straszna, a umysł tego nie koryguje. Światopogląd romantyków jest irracjonalny. Idea istnienia sił nieziemskich jest wytworem fantazji, nie kontrolowanym przez oświecający umysł. Trend ten objawił się w twórczości hiszpańskiego artysty Francisco Goya. Odzwierciedla nowe wątki, stawia pod znakiem zapytania kult ludzkiej racjonalnej zasady, wiarę w pierwotne człowieczeństwo. Sprawy ludzkie budzą głębokie wątpliwości w poprzednich twierdzeniach. Goya odmawia dzielenia życia na dobre i złe, wysokie i niskie. Doświadczenie nowej epoki, wstrząsanej rewolucją, wojnami, obaliło pogląd, że ciemne i jasne początki są nie do pogodzenia. Życie okazało się bardziej skomplikowane i wszystko, co istnieje - ludzie, historia, człowiek, z jego marzeniami, fantazjami, jest uwikłane w nieustanny proces zmian i formacji. Z jednej strony Goya pokazuje odwagę, niezłomność, wielkość duszy, z drugiej strony umie pokazać zbrodnię, nieludzkość. Romantyzm powstaje jako reakcja na rewolucję francuską, na ideę ich kultu rozumu. A także przyczyną jego rozwoju jest ruch narodowowyzwoleńczy. Początkowo termin romantyzm był używany w literaturze ludów germańsko-rzymskich, później obejmował muzykę i sztuki wizualne. Najważniejszą rzeczą w sztuce romantycznej była idea dwoistości, czyli porównania i przeciwstawienia światów rzeczywistych i przedstawionych. Prawdziwe życie czy też proza ​​życia, z jego brakiem duchowości, utylitaryzmem, uchodzi za iluzję niegodną człowieka, przeciwstawną prawdziwemu światu. Afirmacja urzeczywistnienia pięknego ideału jako rzeczywistości urzeczywistnionej przynajmniej w snach jest główną cechą romantyzmu. Współczesna rzeczywistość jest odrzucana jako skarbnica wszelkich przywar, więc romantycy od niej uciekają. Ucieczka odbywa się w następujących kierunkach:

1. Wchodzenie w naturę, a więc przyroda jest kamertonem doznań emocjonalnych, ucieleśnieniem prawdziwej wolności, stąd zainteresowanie wsią, krytyka miasta. Zainteresowania folklorem, starożytnymi mitami, legendami, eposami.
2. Ucieczka do egzotycznych krajów, nie zepsutej według romantyków cywilizacji burżuazyjnej.
3. W przypadku braku rzeczywistego adresu terytorialnego lotu jest on wymyślony, skonstruowany w wyobraźni.
4. Ucieczka do innego czasu. Przede wszystkim romantyzm szuka ucieczki w średniowiecze. Istnieje piękny rycerski ideał.

W życiu serca romantycy widzą przeciwieństwo bezduszności świata zewnętrznego. W malarstwie rozwija się romantyczny portret, autoportret. Bohaterowie portretów to niezwykłe osobowości twórcze. Poeci, pisarze, którzy mają niezwykły świat wewnętrzny. Obraz świata wewnętrznego staje się dominujący. Jeden z pierwszych obrazów człowieka wolnego został ucieleśniony przez pisarza, poetę Byrona „Podróż i pielgrzymka dziecka Harolda”. Obraz człowieka wolnego został nazwany bohaterem Byrona. Ma takie cechy jak samotność, egocentryzm. Wolny od społeczeństwa, ten bohater jest nieszczęśliwy. Niezależność jest mu droższa niż wygoda i spokój. Motyw samotności znajduje odzwierciedlenie w twórczości Caspara Davida Friedricha, który przedstawia samotne postacie ludzkie na tle natury. Hector Berlioz został twórcą języka francuskiego. Pod tym względem staje się fantastyczną symfonią. Fantastyczne jest odbiciem wewnętrznego świata bohatera lirycznego, samotnego, nierozpoznanego zbiegłego poety, dręczonego nieodwzajemnioną miłością. Romantyczny światopogląd wyrażał się w dwóch wersjach: 1) świat wydawał się nieskończoną, pozbawioną twarzy podmiotowością kosmiczną.Twórcza energia ducha działa jako początek tworzenia światowej harmonii. Charakteryzuje się panteistycznym obrazem świata, optymizmem, wzniosłym uczuciem. 2) Uwzględnia się podmiotowość człowieka, która pozostaje w konflikcie ze światem zewnętrznym. Taka postawa charakteryzuje się pesymizmem.

Narodowe formy romantyzmu, w obecności cech wspólnych, są oryginalne. Niemiecki romantyzm jest więc poważny, mistyczny. W Niemczech ukształtowała się teoria i estetyka romantyzmu (Fichte, Schopenhauer). Jednocześnie rodzą się tu arcydzieła muzyczne i literackie, mające na celu samopogłębienie. Francuski romantyzm jest porywczy i kochający wolność. Przede wszystkim przejawiał się w malarstwie rodzajowym. W malarstwie historycznym i codziennym, w gatunku portretowym, w romansie. Sentymentalny zmysłowy angielski powieściopisarz posługiwał się fantastycznymi, alegorycznymi, symbolicznymi formami ukazywania świata, ironii i groteski.

Theodore Géricault był twórcą francuskiego romantyzmu. Pokonuje wpływy klasycyzmu, jego prace odzwierciedlają różnorodność natury. Wprowadzając w kompozycję człowieka, Gericault dąży do jak najbardziej wyrazistego ujawnienia wewnętrznych przeżyć, emocji człowieka. Zachowując klasycystyczne pragnienie uogólnień, heroicznych obrazów, Gericault po raz pierwszy w malarstwie francuskim ucieleśnia ostre poczucie konfliktu świata. Ucieleśnia dramatyczne zjawiska nowoczesności, silną pasję. Wczesne prace Gériota odzwierciedlały heroizm wojen napoleońskich. „Oficer zwiadowców konnych gwardii cesarskiej idący do ataku”, „Ranny kirasjer opuszczający pole bitwy”. Dynamika kompozycji i koloru. Jednym z centralnych dzieł Gericaulta jest „Tratwa Meduzy”. Został on napisany na aktualnej historii o zaginionej fregacie „Medusa”. Gericault nadaje prywatnemu wydarzeniu historyczne, symboliczne znaczenie. Praca ujawnia złożoną gamę uczuć. Od całkowitej rozpaczy do całkowitej apatii i żarliwej nadziei na zbawienie. Idea artysty romantycznego jako osoby wolnej, niezależnej, głęboko emocjonalnej. Géricault wyraził to w serii swoich portretów. (Portret dwudziestoletniego Delacroix) i autoportrety. Znaczący jest cykl portretów osób chorych psychicznie. Tradycję Géricault podjął Eugene Delacroix. „Dante i Wergiliusz” czy „Łódź Dantego”) Ta sama pasja, sprzeciw wobec wszelkiej przemocy, naznaczyła jego późniejsze prace. „Masakra na Yose” lub „Grecja na ruinach Messalongi”) Odzwierciedlają wydarzenia z obrony Greków przed inwazją turecką. „Wolność na barykadach”, napisana na temat współczesnych wydarzeń. Jej romantyczną, rewolucyjną symbolikę wyraża alegoryczna figura wolności, z rozwijającą się wiedzą w ręku. Wiele prac inspirowanych jest podróżą po Afryce Północnej. „Algierskie kobiety w swoich komnatach”, „Żydowskie wesele w Maroku”, „Polowanie na lwy w Maroku”. Delacroix lubił wyścigi i konie. Delacroix maluje portrety kompozytorów (Chopin, Paganini). Wyrazem romantyzmu w malarstwie niemieckim była twórczość K. D. Friedricha. Już we wczesnych pracach zdeterminowana była pełna mistyczna atmosfera jego sztuki. Są to takie obrazy jak „Grobowiec Hunów w śniegu”, „Krzyż w górach”, „Mnich nad morzem”. Przedstawia widza jako postać, z dystansem kontemplującą krajobrazowe odległości. Przed tym kontemplacyjnym objawia się tajemniczo cicha natura. Różne symbole istoty nadprzyrodzonej. (horyzont morski, szczyt górski, statek, odległe miasto, krucyfiks, krzyż, cmentarz) Przyroda jest dla Friedricha nośnikiem głębokich, religijnych przeżyć. Krajobraz został wykorzystany jako środek do pokazania głębokich przeżyć emocjonalnych. W pracy programu są cztery wieki życia. Postacie ludzi w różnym wieku są przedstawione na opuszczonym wybrzeżu Arktyki i czterech statków zbliżających się do brzegu. Artysta pokazał więc upływ czasu, upływ czasu, skazaną na zagładę śmiertelność człowieka. Sama scena na tle zachodzącego słońca wywołuje głębokie poczucie melancholijnej nostalgii. Tytuł kolejnej pracy mówi sam za siebie „The Crash of Hope”. Prerafaelici to bractwo angielskich malarzy. (Rosetti, Milles, Hunt). Kryzysy gospodarcze, rewolucje lat czterdziestych XIX wieku nie dotknęły Anglii. To okres rozkwitu brytyjskiego kapitalizmu. Dyktat estetyczny Anglii. Nazwa Prerafaelici pojawiła się z powodu tego, że członkowie społeczeństwa kłaniali się sztuce Docinquecento. Opierają się przede wszystkim na quattrocento, trecento. Malarstwo prerafaelickie było reakcją na pragmatyzm burżuazyjnego świata i było krytyką kapitalizmu z punktu widzenia piękna. To próba stworzenia lepszej rzeczywistości opartej na harmonii duchowej, fizycznej, społecznej. Boskie znaczenie idealnego piękna, uniwersalny sens bytu, wysoka duchowość ujawniają się w otaczającej człowieka naturze i życiu codziennym. Zainteresowanie średniowieczem wynikało z pragnienia odnowy religijnej. „Panna młoda” - Rosetti, pojawia się obraz kobiecości. Obrazy Hunta są przesiąknięte symboliką. „Najemny pasterz” Martwa głowa jest symbolem zemsty, jabłko jest symbolem pokusy. Polowanie na „Przebudzony wstyd”. „Światłość świata” przedstawia chodzącego Chrystusa. „Kozioł ofiarny” to alegoria Chrystusa na pustyni. Millesa „Chrystus w domu rodzinnym”, obraz nazywany był inaczej „warsztatem stolarskim”. Romantyzm w Ameryce powstał pod wpływem kultury europejskiej. Istniała tendencja do romantyzowania rewolucji amerykańskiej, którą przedstawiano jako drogę do najwyższego stopnia rozwoju, stawiającą Stany Zjednoczone na czele światowego postępu. W ten sposób potwierdzono wyjątkowość drogi Ameryki. Rozwija się gatunek biograficzny. Waszyngton był pierwszym bohaterem. Ojcem amerykańskiej biografii jest Gerard Sparks. Stworzył 12 tomów o Waszyngtonie, 10 tomów o Franklinie. Szybka industrializacja północnych stanów zniszczyła tradycję.

№24 System wartości i kultury społeczeństwa przemysłowego

Demokratyczne zasady w strukturze społecznej, rozwój nauki eksperymentalnej i uprzemysłowienie. Powstał już w XVII wieku. Rezultatem rewolucji przemysłowej było powstanie społeczeństwa przemysłowego. Ich ideałami są praca, produkcja, nauka, edukacja, demokracja. Saint-Simon marzy o społeczeństwie zorganizowanym jak wielka fabryka kierowana przez przemysłowców i naukowców. Fabryka w tym czasie zmieniła manufakturę, prowadząc do bezprecedensowego wzrostu wydajności pracy społecznej. Wprowadzaniu nowinek technicznych towarzyszyła konsolidacja przedsiębiorstw, przejście do produkcji masowych, zestandaryzowanych wyrobów. Masowa produkcja doprowadziła do urbanizacji. (rozwój miast) Perspektywę przyspieszonego rozwoju kapitalizmu pokazały Stany Zjednoczone. Proces stał się wszechogarniający i bardziej jednorodny, nastąpił proces przekształcania historii w historię świata. Kształtowanie się kultury jako jedności, różnorodności kultur narodowych i szkół artystycznych. Tradycyjne kraje, takie jak Japonia, również są objęte tym procesem. Problem dialogu kulturowego nabiera szczególnego kolorytu. Powstaje nowy system wartości. Wrażliwość opiera się na użyteczności, dobrobycie, wygodzie. Postęp utożsamiany jest z postępem gospodarczym. Jednocześnie zasada użyteczności przekształca pojęcie prawdy. Najważniejsze jest to, że jest wygodny i użyteczny. Utylitarny charakter nabiera etykiety. Regulacja stosunków między wolnymi partnerami w drodze sprzedaży i zakupu. Sprzedawca musi być uprzejmy i uprzejmy, ale kupujący nie. Uwaga jest zwracana tylko na tych, którzy są użyteczni. Relacje są sformalizowane.