Biografia
Dmitrij Izydorowicz Mitrochin(1883-1973) - rosyjski grafik, ilustrator, autor książek, krytyk sztuki.
Urodzona w rodzinie drobnego pracownika i córki kupca kozackiego. Jako dziecko, spędzając dużo czasu w drukarni dziadka, zapoznał się ze sztuką poligraficzną i zainteresował się literaturą. Po ukończeniu szkoły realnej w Yeysk wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury iw 1903 roku po raz pierwszy wziął udział w wystawie tej szkoły. Rok później przeniósł się do szkoły Stroganowa, studiował w klasach rysunku Akademii Grande Chaumière. (Académie de la Grande Chaumiere), poświęcając wiele czasu na studiowanie zarówno nowoczesnych grafik, jak i rysunków dawnych mistrzów, klasycznych rycin europejskich i japońskich.
Od 1908 roku Dmitrij Mitrochin współpracuje z kilkoma wydawnictwami, biorąc udział w wystawie World of Art. Przez całe życie był członkiem wielu stowarzyszeń i stowarzyszeń twórczych. Od 1908 roku systematycznie zajmuje się grafiką książkową, rysując dla wielu wiodących wydawców książek - I. N. Knebla”, „Golike i Vilborg”, „Oświecenie”, „Pechatnik”, „M. i S. Sabashnikovs” i inni. Dużo pracował nad ilustracjami do książek dla dzieci; w swojej twórczości trzymał się jednej zasady dla wszystkich elementów książki – wszystko, od okładki z wyklejkami po czcionki z dekoracją, podlegało stylistycznej wspólnocie.
W czasach sowieckich kontynuował swoją pracę, łącząc ją z rytowaniem, akwafortą, litografią; od 1918 kierował Działem Rycin i Rysunków Muzeum Rosyjskiego, był profesorem w Instytucie Fotografii i Fototechniki wydziału drukarskiego Akademii Sztuk Pięknych. W sumie zaprojektował i zilustrował ogromną liczbę książek, opracował kilkadziesiąt znaków wydawniczych, emblematów i nalepek, wykonał prawie pięćdziesiąt ekslibrisów.
Rysuję głównie ołówkiem (ołówkiem). Potem lubię pokolorować mój rysunek akwarelami. Najwyraźniej ta metoda pracy powstała w wyniku długiego grawerowania. Ołówek często kładzie się jak dłuto lub igła do grawerowania. Czasami używam kolorowych ołówków. Ale nie jestem malarzem, kolor odgrywa w moich pracach rolę drugorzędną. Podstawą, projektem jest rysunek. Objętość rysunków (zapewne efekt wieloletniej pracy nad książką) nie przekracza rozmiarów stron książki. Wszystko, co chcę powiedzieć, mieści się na małej kartce papieru. Mówię cicho i zwięźle.
O rysunku nie mogę powiedzieć nic nowego. Nic poza prostymi zasadami zawartymi w każdym podręczniku. To jest metoda, którą kieruję się przez całe życie: rysuj, rysuj, rysuj. Rysuj codziennie, dopóki żyjesz, dopóki istniejesz, ponieważ rysowanie jest tym, co znaczy żyć, łączyć się ze wszystkimi żywymi istotami. Rysunek jest podstawą wszystkich sztuk pięknych, wszystkich jej rodzajów.
Czerpanie z natury to badanie otaczającej nas rzeczywistości, całego ogromnego życia: ludzi, krajobrazu, domów, chmur, światła, cienia, rzeczy żyjących blisko nas.
Nie lubię słowa "martwa natura". Lepiej inny termin: "Still-Leben". Ciche, ukryte życie, które artysta może i powinien zobaczyć.
Całe moje długie życie zajmuję się głównie ilustrowaniem książek. Powstało także wiele kompozycji, rycin, litografii. Tak więc podstawą całej mojej pracy zawsze były rysunki i szkice z natury.
Przed rysowaniem musisz zobaczyć: im więcej rysunków zostanie wykonanych z natury, tym łatwiej będzie przedstawić to, co wymyślono, przeczytano lub usłyszano.
Rysuj codziennie, myśl o tym, co będziesz rysować dalej, obserwuj, szukaj, zawsze szukaj nowych sposobów obrazowania. Szukaj, pozostając zawsze sobą, nigdy nie spoczywając na tym, co zostało zrobione. Rzeczywistość nieustannie się zmienia. Codziennie nowy pejzaż w oknie, rzeczy układają się w nowy sposób, zmienia się światło i przestrzeń, powstają nowe, tajemnicze relacje. Kwiaty pojawiają się i opadają. Ktoś przynosi nieoczekiwane owoce z odległych krain. Ludzie przechodzą pod oknem, wieszają ubrania na podwórku, czyszczą dywany, grają w siatkówkę. Jeździec podąża ze stajni na hipodrom, ptaki gromadzą się w poszukiwaniu pożywienia, pędzą samochody, coś skrzydlatego opada na stronę. Przechodnie zatrzymywali się, rozmawiali (tak się teraz ubierają!). Obserwuj, rysuj, zawsze ucz się nowych rzeczy.
W ostatnich latach mało grawerowałem, tylko rysowałem. Rysunek jest przecież własną, samodzielną dziedziną sztuk plastycznych. Chciałbym tworzyć gotowe rysunki, jak kryształy, a co najważniejsze - żywe. Ale bardzo rzadko to, co jest zrobione, podoba się. Rysuję głównie ołówkiem (ołówkiem). Potem lubię pokolorować mój rysunek akwarelami. Najwyraźniej ta metoda pracy powstała w wyniku długiego grawerowania. Ołówek często kładzie się jak dłuto lub igła do grawerowania. Czasami używam kolorowych ołówków. Ale nie jestem malarzem, kolor odgrywa w moich pracach rolę drugorzędną. Podstawą, projektem jest rysunek. Objętość rysunków (zapewne efekt wieloletniej pracy nad książką) nie przekracza rozmiarów stron książki. Wszystko, co chcę powiedzieć, mieści się na małej kartce papieru. Mówię cicho i zwięźle.
Moje rysunki są pogrupowane w serie. Cykl łączy albo fabułę - kwiaty, pejzaże ryb, wnętrza - albo materiał, którego używam w danym okresie: kredki lub akwarele, torchon lub papier whatmana. Uważam, że od czasu do czasu konieczna jest zmiana materiałów, a także narzędzi, których używam. Jest to tak samo konieczne jak nowa fabuła, nowa natura. Staram się wszelkimi sposobami osiągnąć, szukać nowego, żywego i jasnego języka obrazkowego.
Mój zły stan zdrowia od najmłodszych lat, mój wiek uniemożliwia rysowanie ludzi - portrety, zbliżenia grup ludzi. Na moich rysunkach ludzie to najczęściej małe postacie biegające w oddali. Widzę je jak przez odwróconą lornetkę. Dlatego przedmioty nieistotne, zwane nieożywionymi, często pojawiają się na moich rysunkach jako fabuła, temat (np. szkło apteczne, krzesła).
Ludzie mają tendencję do postrzegania, ograniczeni pewnymi granicami. Rama może być szersza lub węższa, ale jest też głębia. Pracując, obserwując, próbuję wydobyć i ujawnić nie tylko kształt, wagę, relacje przestrzenne (swoją drogą, kartka, powierzchnia papieru ustanawia nowe relacje przestrzenne), ale także nauczyć się nimi zarządzać, różnicować. Staram się odnaleźć i przekazać percepcji widza poetycką i filozoficzną istotę przedstawionego. Prawie zawsze znajduję życzliwość, życzliwość w rzeczach. I chcę o tym porozmawiać.
Przypominam sobie niesamowite rysunki Vrubela, których idolem był jeden z moich przyjaciół-nauczycieli - V. D. Zamirailo - S. V. Noakovsky, S. P. Yaremich, K. S. Petrov-Vodkin. kaligrafia Zamiraila i jego zachwyt rysunkami Vrubla, znakomite rysunki kredą na tablicy Noakowskiego, petersburskie rysunki Jaremicza i jego najbogatszy zbiór rysunków i rycin dawnych mistrzów, niezwykła znajomość dzieł mistrzów rosyjskich i zagranicznych przez P. D. Ettingera, rozmowy o sztuce z Petrov-Vodkin (był zainteresowany moimi rycinami za pomocą noża do metalu) - wszystko to niewątpliwie wpłynęło na moją formację jako artysty.
Kiedy patrzę na swoje rysunki, te najbardziej udane wydają mi się obce, ale wady odczuwam jako własne. Będzie łatwo, gdy będziesz pracować sto razy. Ciągle pamiętam nieśmiertelnego Hokusai, niedoścignionego Mangwę. Kiedy ludzie pytają mnie, które z moich prac cenię najbardziej, zwykle odpowiadam: te, które będą wykonane jutro. Ponieważ praca całego życia przygotowuje cię do tego, co będziesz robić jutro”.
(c) „Rysuj codziennie”
Czasopismo „Kreatywność”, 1971, nr 4„Osiągnąwszy dziewięćdziesiątkę, wiek, w którym tylko nieliczni są w stanie pracować naprawdę twórczo, Mitrochin kontynuował niestrudzoną pracę do ostatniego dnia, ponieważ sens jego istnienia koncentrował się dla niego w rysunku. Ale być może najbardziej niezwykłą rzeczą jest to, że Mitrochin nie tylko pracował, ale stale rozwijał się jako artysta. Z roku na rok, z dnia na dzień poszukiwał „nowego, żywego i jasnego, jak sam mówi, języka obrazkowego”. I znajdował nowe sposoby, środki, formy wyrażania spostrzeżeń, osiągając w rysunku coraz pełniejsze i głębsze odsłanianie ciągle zmieniającej się, nigdy nie powtarzającej się rzeczywistości.
(c) Yu.A. Rusakow.
„W twórczym życiu Dmitrija Isidorowicza nie jest trudno wyróżnić pewne okresy, ale żaden z nich nie jest zamkniętym cyklem, wszystkie są kamieniami milowymi jednej, długiej ścieżki, ciągłego ruchu w kierunku wzniosłego celu. Na ostatnim etapie tej drogi artysta osiągnął niezwykłą doskonałość, możliwą w rzadkich przypadkach. Uzyskał całkowitą jedność intencji i środków wyrazu. Na drodze do tej doskonałości artysta pokonał takie życiowe trudności, z którymi niewielu jest w stanie sobie poradzić. Choroba zmusiła go do ograniczenia się do małego mieszkania przez ponad dziesięć lat, do odmowy szerokiej komunikacji z ludźmi. Artysta odkrywał pełne wrażeń życie na własnym biurku, w każdym zakamarku pokoju. Potrafił wyczuć współczesny świat poprzez otaczające go przedmioty i opowiedzieć o swoim życiodajnym, optymistycznym nastawieniu do niego.
„Rysuj codziennie, myśl o tym, co narysujesz następnym razem, obserwuj, szukaj, zawsze szukaj nowych sposobów zobrazowania. Rzeczywistość nigdy się nie powtarza. Zawsze szukaj, pozostając sobą, nigdy nie poprzestając na tym, co zostało zrobione”.
Dmitrij Mitrochin„Był jedynym, który rozwinął sztukę grawerowania aż do dnia dzisiejszego. Ta idea Mitrochina była poparta opowieściami o nim starszych artystów, moich nauczycieli (V.N. Levitsky, L.F. Ovsyannikov, GS Vereisky i inni)”
VM Zvontsov
Dmitrij Isidorowicz Mitrochin (1883 - 1973) - rosyjski artysta, mistrz grafiki książkowej i sztalugowej.Urodzona w rodzinie drobnego pracownika i córki kupca kozackiego. Jako dziecko, spędzając dużo czasu w drukarni dziadka, zapoznał się ze sztuką poligraficzną i zainteresował się literaturą. Po ukończeniu szkoły realnej w Yeysk wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury iw 1903 roku po raz pierwszy wziął udział w wystawie tej szkoły. Rok później przeniósł się do Szkoły Stroganowa, studiował na zajęciach z rysunku Akademii Grande Chaumière (Académie de la Grande Chaumiére), poświęcając wiele czasu na studiowanie zarówno grafiki współczesnej, jak i rysunków dawnych mistrzów, klasycznych rycin europejskich i japońskich .
Od 1908 roku Dmitrij Mitrochin współpracuje z kilkoma wydawnictwami, biorąc udział w wystawie World of Art. Przez całe życie był członkiem wielu stowarzyszeń i stowarzyszeń twórczych. Od 1908 roku systematycznie zajmuje się grafiką książkową, rysując dla wielu wiodących wydawców książek - I. N. Knebla”, „Golike i Vilborg”, „Oświecenie”, „Pechatnik”, „M. i S. Sabashnikovs” i inni. Dużo pracował nad ilustracjami do książek dla dzieci; w swojej twórczości trzymał się jednej zasady dla wszystkich elementów książki – wszystko, od okładki z wyklejkami po czcionki z dekoracją, podlegało stylistycznej wspólnocie.
W czasach sowieckich kontynuował swoją pracę, łącząc ją z rytowaniem, akwafortą, litografią; od 1918 kierował Działem Rycin i Rysunków Muzeum Rosyjskiego, był profesorem w Instytucie Fotografii i Fototechniki wydziału drukarskiego Akademii Sztuk Pięknych. W sumie zaprojektował i zilustrował ogromną liczbę książek, opracował kilkadziesiąt znaków wydawniczych, emblematów i nalepek, wykonał prawie pięćdziesiąt ekslibrisów.
Uczeń AM Vasnetsov (brat), AS Stepanov, S. I. Yaguzhinsky. Odwiedził warsztat E. S. Kruglikova w Paryżu w latach 1901 - 1903. Od 1916 członek stowarzyszenia „Świat Sztuki”. Znajomość wybitnej postaci V. D. Zamirailo skłania go do wyboru ścieżki harmonogramu.
Malował różnymi technikami, uznawany za mistrza drzeworytu. W sztuce książki zwracał szczególną uwagę nie na pasiaste ilustracje, ale na cały kompleks ornamentalno-rytmiczny okładki, wyklejek, strony tytułowej, nagłówków i zakończeń itp., starannie obrysowując każdy element, po mistrzowsku zachowując ogólny styl z książki.
"Statek widmo"
Ilustrator Dmitrij Mitrochin
Napisane przez Wilhelma Hauffa
Kraj Rosja
Rok wydania 1913
Wydawnictwo I.N.Knebel
rysunki i ryciny
„Kiedy ludzie pytają mnie, które z moich dzieł cenię najbardziej, zwykle odpowiadam: te, które będą wykonane jutro. Bo praca życia przygotowuje do tego, co będziesz robić jutro”
DI Mitrochin
Biografia
Wybitny rosyjski i radziecki grafik, ilustrator, mistrz rytownictwa sztalugowego, akwaforty i litografii; autor wielu ilustracji książkowych. Krytyk sztuki. Kierował sekcją graficzną leningradzkiego oddziału Związku Artystów ZSRR (LOSH, 1932-1939). Zasłużony Pracownik Artystyczny RFSRR (1969).
Dmitrij Isidorowicz Mitrochin urodził się w Yeysk na Terytorium Krasnodarskim. Po ukończeniu szkoły realnej w Yeysk (1902) wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury (MUZHVZ). W MUZhVZ nauczycielami D. I. Mitrochina byli A. M. Vasnetsov i A. S. Stiepanow. W 1904 przeniósł się do Szkoły Stroganowa. Jego ceramika bierze udział w XII wystawie Moskiewskiego Związku Artystów Plastyków (1905); w listopadzie wyjeżdża do Paryża przez Petersburg i Kolonię. W 1906 studiował w klasach rysunku Akademii Wielkiego Chaumière (Académie de la Grande Chaumiére), u E. Grasse i T. Steinlena.
Artysta pracuje w kilku wydawnictwach w Petersburgu (1908). Na zaproszenie A. Benois i K. Somowa Mitrochin bierze udział w wystawie „Świat sztuki”. Uczestniczy w „Salonie” S. Makovsky'ego oraz w VI wystawie Związku Artystów Rosyjskich.
Dmitrij Mitrochin jest członkiem wielu stowarzyszeń artystycznych: „Murawa” (Artel garncarzy, 1904-1908), Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów (1905-1924), Towarzystwa Leonarda da Vinci (1906-1911), Towarzystwa Społeczno-Pedagogicznego Twer Koło (1909-1913), Związek Artystów Rosyjskich (SRH, 1910-1923), Pierścień (1911-1914), Salon Moskiewski (1911-1921), Mieszkanie nr 5 (1915-1917), Świat sztuki (1916- 1924), „Dom Sztuki” (1919–1922), Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji (1922–1932), „Szesnaście” (1923–1928), „Ognisty kolor” (1923–1929), Sekcja rytowników ( OPKh, 1928-1929), Towarzystwo Malarzy (1928-1930). Członek założyciel Towarzystwa Artystów Grafików (1928–1932).
Pracuje jako kierownik Działu Rycin i Rysunków Muzeum Rosyjskiego (1918), profesor Wyższego Instytutu Fotografii i Fototechniki (1919-1926). Profesor wydziału drukarskiego Wyższego Instytutu Artystyczno-Technicznego (1924-1930) w Leningradzie.
Opracował kilkadziesiąt marek wydawniczych, znaków handlowych i etykiet. W dziedzinie „małych form”, które opanował D. I. Mitrokhin w latach 1910., szczególne miejsce zajmuje znak książkowy. Doskonały mistrz kompozycji, dobrze zorientowany zarówno w elementach dekoracyjnych, jak i graficznych księgi, subtelnie wyczuwając jej naturę, wykonał blisko pięćdziesiąt ekslibrisów (w większości z lat 1919-1923).
W czasach sowieckich artysta z powodzeniem zajmował się grafiką sztalugową, projektował i ilustrował książki; jest autorem ogromnego cyklu miniatur z gatunku kameralnej martwej natury. Ta praca ilustratora, wykonywana przez niego z miłością, entuzjastycznie iz dużym powodzeniem łączył ją z grawerowaniem, akwafortą i litografią. Zaprojektował i zilustrował znaczną liczbę książek i czasopism w różnych wydawnictwach - „Światła”, „Petropolis”, „Piotrogród”, „Myśl”. „Surf” i wiele innych, w najlepszych – Academia (z którą współpracował przez około sześć lat): „Siedem portretów miłosnych” A. de Regniera (1920, 1921; Piotrogród), bajkowy wiersz Mariny Cwietajewej „The Carska panna” (1922); - wykonane w tradycyjny już dla artysty sposób prowokacyjne rysunki piórkiem do projektu "Złotego żuka" Edgara Allana Poe (1922), "Epsin" Bena Jonsona (1920, 1921; "Petropolis"), - ilustracje Victora Hugo (1923), Henri Barbusse, Octave Mirbeau, "Księgi komedii" Arystofanesa (1930), "Etiopczycy" Heliodora (1932).
W latach 20. D. I. Mitrochin ponownie zetknął się z literaturą dziecięcą, zilustrował i zaprojektował kilka książek, wśród których należy wymienić wspomniany już „Złoty robaczek” Edgara Allana Poe (1921-1922) oraz „Podróż do krainy kina ” V. Szkłowskiego (1926), „Alfabet październikowy” (1927). Praca nad najnowszą edycją po raz kolejny potwierdza genialne mistrzostwo artysty w sztuce krojenia czcionek. Pojawienie się dwutomowego zestawu powieści satyrycznej K. Immermanna „Munchausen” (1930–1932) sugeruje, że artysta bardzo pomysłowo podszedł do rozwiązania całego systemu tej publikacji: postacie dzieła są ostro karykaturalne, zamieniając się w osobliwe, zabawne komentarze na temat książki, dowcipny układ kart tytułowych; oprawa, flyleaf, obwoluta - wszystko jest w harmonii. Od jesieni 1939 r. D. I. Mitrochin pracował nad projektem książki z bajkami H. K. Andersena, otrzymawszy zamówienie od niemieckiego wydawnictwa. Jak wynika z listów artysty, ciekawe ilustracje, sądząc po nielicznych zachowanych egzemplarzach, kontynuował już w połowie czerwca 1941 r. - to wydanie nie miało ujrzeć światła dziennego.
Od połowy lat trzydziestych dla D. I. Mitrochina grafika książkowa nie miała już pierwszorzędnego znaczenia w jego twórczości, zaczęła ustępować miejsca drzeworytom, rytowaniu na metalu, rysunkom i akwarelom. Praca z natury nigdy nie była wyłączona z liczby regularnych zajęć, ze sfery zainteresowań artysty, który nieustannie poszukiwał i doskonalił się w tej dziedzinie. Dmitrij Mitrochin wykonał nieco ponad 70 rycin, ale nawet ta stosunkowo niewielka liczba prac z tego zakresu pozwala zaliczyć go do najlepszych krajowych mistrzów drzeworytów. Wychodząc od technik zbliżonych do „czarnej maniery”, gdy artysta preferował białą, nieco szorstką kreskę, dochodzi później do „srebrzystej gamy bogatej w półtony i różne elementy fakturalne”.
Mitrochin zaczął zajmować się drzeworytami „prawie z ciekawości”, pod wpływem W. W. Wojnowa, jednego z inicjatorów i propagandzistów odrodzenia drzeworytów jako samodzielnej (niereprodukcyjnej) techniki sztalugowej, z którym Dmitrij Izydorowicz był dobrze zaznajomiony z świat sztuki, - i praca w muzeach; w 1941 r. razem wstąpili do milicji, przeżyli blokadę i byli razem w Ałma-Acie. Mitrochin pracował w wydawnictwie Sztabu Generalnego, od 1941 do 1942 w Instytucie Transfuzji Krwi. Stworzył około 100 rysunków ołówkiem i akwarelą, w tym poświęconych życiu oblężonego miasta.
Metaloryt D. I. Mitrochina jest wyjątkowym zjawiskiem w przedwojennej sztuce sowieckiej. Prawdziwy kunszt, z jakim mistrzowi udało się ucieleśnić subtelną strukturę emocjonalną i liryzm jego artystycznej natury, nie znalazł odpowiedzi na poparcie tego świeżego przedsięwzięcia, a prawdziwy obszar jego twórczości naprawdę sam zajmuje miejsce wśród „największe fenomeny europejskiego grawerowania na metalu XX wieku” – zauważa artysta, historyk sztuki Yu A. Rusakov.
Do drugiej połowy lat 20. tylko dwa razy zajmował się kamieniem. Spośród tych stworzonych przez D. I. Mitrochina w litografii połowa odnosi się do 1928 r. - pierwszego roku jego pełnoprawnego zajęcia się tą techniką graficzną. Aby zachować żywy kontakt miękkiego ołówka litograficznego z powierzchnią roboczą, zaniedbuje stos korzeniowy, co pozwala mu przenieść wykonany wcześniej rysunek – artysta pracuje bezpośrednio na kamieniu. I tu wykorzystuje całe bogactwo technik: rysuje szerokim lekkim pociągnięciem, posługuje się piórem, rozjaśnia tonację, kreśli długimi, równoległymi pociągnięciami. Wykonywał przede wszystkim litografie sztalugowe do odbitek monochromatycznych - na jednym kamieniu, ale kilka litografii wydrukowano z 2, a nawet z 3 kamieni (1929-1931).
W jego litografiach dominuje ten sam temat, co w końcowej rycinie - ulica Leningradu, rybacki Yeysk. Najlepsza seria - "Sześć litografii pokolorowanych przez autora" (1928). I tutaj uwaga artysty skupiona jest na kolorowych typach ulic, te prace oddają nam wygląd miasta, aromat minionej epoki.
Krótkie zamiłowanie do tej techniki zaowocowało u D. I. Mitrochina doświadczeniem w stosowaniu jej w grafice książkowej - powstały „Prace wybrane” N. S. Leskowa (1931). Artysta wykonał ostatnią litografię w 1934 roku - to pejzaż Centralnego Parku Kultury i Kultury, nigdy więcej do niego nie wrócił.
Przy wszystkich sukcesach D. I. Mitrochina w grafice książkowej i osiągnięciach w grawerowaniu, najbardziej znaczącą i znaczącą częścią jego pracy jest rysunek sztalugowy. Koncepcja ta łączy w sobie rzeczywistą pracę ołówkiem i akwarelą oraz prace wykonane techniką mieszaną – głównym zajęciem ostatnich trzydziestu lat jego życia. Setki małych kartek sztalugowych (w większości wielkości pocztówki, kartki zeszytu) zawierają najbardziej plastyczny i przejmujący wyraz światopoglądu artysty; bardzo organicznie połączyli zasady graficzne i obrazkowe; te powstające latami suity to strony pamiętnika tętniącego życiem. Twórczość D. I. Mitrochina uległa zmianom w ciągu prawie pół wieku jego aktywnej pracy w tej dziedzinie, jakby antycypując odwołanie się artysty do jedynej możliwej dla niego, ale także najbardziej uderzającej, unikalnej formy zastosowania jego talentu - rysunek, który od pewnego momentu ma stać się uniwersalnym środkiem wyrazu jego światopoglądu. Można odnieść wrażenie, że tę samą funkcję „przygotowawczą” pełniły inne rodzaje grafiki sztalugowej, jakby pomagając artyście odnaleźć ten lapidarny, zrozumiały, ale daleki od jednosylabowości język głównych dzieł pod względem treści, pojemności, indywidualności, całkowicie niezależne pismo graficzne.
Dmitrij Izydorowicz Mitrochin, który przeżył długie twórcze życie, miał szczęście studiować, współpracować, zawierać przyjaźnie, przebywać w stowarzyszeniach i stowarzyszeniach z wieloma artystami, wśród których byli tacy, których piętno na sztuce XX wieku jest porównywalne z wpływem na biegu dziejów najważniejszych odkryć epoki. W pierwszych wierszach autobiograficznych notatek artysty pojawiają się nazwiska M. F. Larionova, N. S. Gonczarowej i A. V. Fonvizina, którzy studiowali obok siebie i przyjaźnili się z nim - S. T. Konenkov i S. V. Malyutin.
W różnych okresach pojmowania dróg ekspresywności i kunsztu zainteresowanie artysty koncentrowało się na różnych ich przejawach io różnej mierze ich wpływu na światopogląd artysty, czasem efemerycznego i niemal oportunistycznego, a więc łatwego i bezbolesnego do przezwyciężenia, jak np. jak np. salon, Beardsley, tendencje nowoczesne – takie, które wymagały dłuższej „neutralizacji”, czysto dekoracyjne, stylizowane ornamentalne, popularne nadruki i motywy drukowane; lub wręcz przeciwnie, w formie głębokiego, esencjalnego zrozumienia, realizowanego w systemie poglądów artysty - ryciny zachodnioeuropejskie i japońskie. „Ale po przejściu przez te hobby”, pisze M. V. Alpatov, „powrócił do takich wartości sztuki, które przekraczają granice czasu i przestrzeni i istnieją wszędzie”.
Prace artysty D. I. Mitrochina są reprezentowane w Muzeum Rosyjskim (RM), Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Rosyjskim Archiwum Literatury i Sztuki (RGALI), Rosyjskiej Bibliotece Narodowej (St. Petersburg), Muzeum Sztuk Pięknych Karelii , Galeria Narodowa Republiki Komi, Muzeum Sztuk Pięknych w Udmurcie, Muzeum Sztuki Czuwaski, Muzeum Ługańskie, wiele prywatnych kolekcji i galerii.
Ten adres pocztowy jest chroniony przed spamowaniem. Musisz mieć włączoną obsługę JavaScript, aby zobaczyć.
Dmitrij Izydorowicz Mitrochin- mądry człowiek i niesamowity artysta. Jego droga twórcza obejmuje trzy czwarte naszego stulecia. Już jako dziecko zdecydował się zostać grafikiem, a wybór ten podyktowany był głębokim wewnętrznym zamiłowaniem Mitrochina do tego rodzaju sztuki, która wymaga dużej erudycji, artystycznego gustu i samodyscypliny.
Zasady pracy Mitrochina ukształtowały się na tle bogatym w różne doświadczenia. W latach przedrewolucyjnych artysta często współpracował w czasopismach „Apollo”, „Lukomorye” i innych. Następnie działał jako ilustrator książki.
Podczas tworzenia ilustracji do bajki R. Gustafsona „Barka” (1913) Mitrochin był blisko artystów stowarzyszenia „Świat sztuki”, aw 1916 został jego członkiem.
Artysta wybrał w "Barce" lakoniczną, wygodną technikę reprodukcji drukarskiej, przypominającą technikę drzeworytów. Czarny kolor pojawia się w połączeniu z obrysem z wypełnieniem płaszczyzn. Na niektórych ilustracjach duże obszary są pokryte kolorem, ale odgrywa on drugorzędną rolę.
Mitrochin szczegółowo ilustruje historię wędrówek brygu „Sea Eagle”, ale chcąc wzmocnić poetycką melodię opowieści, nigdzie nie przedstawia konkretnych epizodów z przygód statku. Na prawie wszystkich arkuszach, na których występuje bryg, widzimy go z daleka. Na arkuszu „Ocean Arktyczny” biała łódź na tle ponurej wody wydaje się być kruchą wizją. Ciekawa jest decyzja arkusza „Las deszczowy”. Graficzne arabeski, które wypełniają arkusz, przedstawiają mieszkańców i rośliny lasu deszczowego, narysowane z naukową dokładnością.
W przyszłości ilustracje Mitrochina stają się bardziej zwięzłe, swobodniej rozmieszczone na powierzchni arkusza. Godnym uwagi zjawiskiem w twórczości artysty były ilustracje do wydanej w 1922 roku książki Edgara Allana Poe The Gold Bug. Najbogatsze efekty plastyczne uzyskuje w nich dopiero łącząc kreskę i sylwetkę. Po „Złotym Żuku” przejście do ażurowej grafiki „Efioniki” Heliodora było naturalne. W lekkim rysunku „Efioniki” i lakonicznych rycinach dłutem, gdzie każde pociągnięcie dokładnie i elastycznie leży na powierzchni arkusza, można przewidzieć pojawienie się wspaniałych rysunków Mitrochina z lat sześćdziesiątych.Praca artysty
Mitrochin Dmitrij Izydorowicz (1883-1973)
D. I. Mitrokhin miał szczęście żyć nie jednym, ale trzema niezależnymi twórczymi życiami, a każde z nich było pełne i piękne na swój sposób.
Pierwsza zaczęła się w dzieciństwie, kiedy on, urodzony na odległej prowincji, w rodzinie drobnego pracownika, rozpalił się pragnieniem zostania artystą książkowym. W tym celu wstąpił do MUZHVZ (1902), dwa lata później zmienił go na SHPU, ale był przekonany, że potrzebne mu umiejętności graficzne musi jeszcze rozwijać we własnym zakresie.
Tutaj pomogły mu wrażenia z podróży do Paryża, ale głównym punktem odniesienia były grafiki mistrzów Świata Sztuki. Dlatego w 1908 roku przeniósł się do Petersburga, gdzie znalazł się w bardzo pożądanym środowisku artystycznym. Tutaj szybko zwrócił na siebie uwagę, ilustrując kilka książek dla dzieci, w tym „Małą mąkę” V. Gaufa (1912), „Roland the Squire” VA Żukowskiego i „Barkę” R. Gustafsona (oba 1913). Każdy z nich był wzorowy pod względem nienaganności stylu graficznego oraz jedności rysunków, napisów i ornamentów.
Uznanie przyszło do Mitrochina, a wraz z uznaniem - liczne zamówienia, które sumiennie i entuzjastycznie wypełniał, nieraz zamieniając zwykłe okładki w dzieła wyrafinowanej grafiki. Wraz z G. I. Narbutem i S. V. Chekhoninem określił wysoki poziom rosyjskiej sztuki książkowej w przededniu rewolucji.
Grafika książkowa pozostawała w centrum jego zainteresowań nawet po rewolucji, mimo że krąg jego działalności wyraźnie się poszerzył: od 1918 został kustoszem i kierownikiem działu rycin i rysunków Muzeum Rosyjskiego oraz zajmował się nauczaniem . Kontynuując tworzenie okładki za okładką, wypracował własny styl, uwalniając go stopniowo od nadmiernego wzornictwa i podporządkowania wypracowanemu kanonowi; pomogły mu w tym intensywne studia nad czerpaniem z natury. Wrócił do książki dla dzieci, dużo pracował w czasopismach.
Ale z biegiem czasu kierunek jego twórczych zainteresowań zaczął się zmieniać. Jeszcze w połowie lat 20. Mitrochina interesowały możliwości technik grafiki drukowanej, a grafika książkowa stopniowo schodziła na dalszy plan. W każdej z opanowanych przez niego technik pokazywał się jako utalentowany i pewny siebie mistrz.
Najpierw był to drzeworyt, potem litografia, wreszcie rycina na metalu (dłutem i suchą igłą) - udoskonalona i w XX wieku dość rzadka. Technika. Osiągnął w nim najbardziej imponujące wyniki i wyrósł na jednego z największych i najbardziej oryginalnych mistrzów grawerowania sztalugowego.W swoich kameralnych pejzażach, przedstawiających spokojne zwykle zakątki Leningradu i stary park na Wyspie Elagin, wystąpił w nowej roli - uważnego i lirycznego obserwatora, zdolnego do poetyckości bezpretensjonalnych motywów życiowych i podniesienia ich do poziomu sztuki wysokiej . Nowe zmiany w pracy Mitrochina, mieszkającego od 1943 roku w Moskwie, nastąpiły samoistnie. Pod koniec lat czterdziestych XX wieku tracąc siły musiał rozstać się z rytownictwem, a dziesięć lat później – z grafiką książkową.
Coraz bardziej skrępowany starością i chorobą, zamknięty w swoim mieszkaniu, ale wciąż przytłoczony nieposkromionym pragnieniem kreatywności, znalazł wyjście w tym, co było jeszcze dostępne - w prostym rysunku ołówkiem, często lekko podbarwionym akwarelą. Setki tych małych (zwykle nie więcej niż pocztówka) rysunków stały się świadectwem fenomenalnej twórczej młodości artysty i klasykami rosyjskiej sztuki XX wieku.
