Rozkwit angielskiego dramatu rozpoczął się pod koniec lat 80. XVI wieku, kiedy pojawiła się plejada pisarzy, zwanych obecnie „umysłami uniwersyteckimi”: Christopher Marlowe (1564-1593), Thomas Kyd (1558-1594), Robert Greene (ok. 1560-1592) , John Lily (ok. 1554-1606) i kilku innych. Kamieniami milowymi, które wyznaczyły początek tego rozkwitu, były dwie tragedie - „Tamerlan Wielki” (1587) K. Marlo i „Tragedia hiszpańska” T. Kdda (ok. 1587). Pierwszy zapoczątkował krwawy dramat, drugi - gatunek tragedii zemsty.
Istnieją wszelkie powody, by sądzić, że Szekspir rozpoczął swoją dramatyczną karierę
OK. 1590. W pierwszym okresie swojej twórczości stworzył szereg krwawych dramatów historycznych - trylogię "Henryk VI" i "Ryszard III" oraz tragedię zemsty "Tytus Andronikus". Pierwsze komedie Szekspira, Komedia omyłek i Poskromienie złośnicy, wyróżniały się dość prymitywną komedią, bliską farsom.
W latach 1593-1594 nastąpił przełom. Chociaż Szekspir nigdy nie porzucił farsy i błazeństwa, w ogóle jego nowe komedie „Dwa Veronese”, „Sen nocy letniej”, „Kupiec wenecki”, „Wiele hałasu o nic”, „Jak wam się podoba”, „Wieczór Trzech Króli” , „Wesołe kumoszki z Windsoru” wyróżnia subtelny humor. Dominują w nich motywy awanturnicze i awanturnicze oraz motyw miłości.
Większość dramatów historycznych tego okresu zabarwiona jest wiarą w triumf najlepszych początków życia publicznego, co jest szczególnie widoczne w trzech sztukach kronikarskich – „Henryk IV” (dwie części) i „Henryk V”. Choć dramatyczna walka panów feudalnych jest w nich nieodzownym elementem akcji, na uwagę zasługuje spora doza humoru. To właśnie w „Henryku IV” pojawia się wizerunek Falstaffa – arcydzieła szekspirowskiej komedii.
Jedyną tragedią tego okresu, która trwa do końca XVI wieku, jest Romeo i Julia (1595). Jej akcja przesiąknięta jest głębokim liryzmem i nawet śmierć młodych bohaterów nie czyni tej tragedii beznadziejną. Choć Romeo i Julia umierają, po ich trupach dochodzi do pojednania zwaśnionych rodów Montekich i Kapuletów, miłość odnosi moralne zwycięstwo nad światem zła.
Tragedia „Romeo i Julia” ucieleśnia optymistyczną postawę Szekspira w drugim okresie. W komediach i jedynej tragedii tych lat ludzkość triumfuje nad złymi początkami życia.
Na przełomie XVI i XVII wieku nastąpił nowy przełom w sposobie myślenia Szekspira. Pierwsze oznaki tego są odczuwalne w tragedii historycznej „Juliusz Cezar” (1599). Jej prawdziwym bohaterem nie jest jednak wielki dowódca, lecz kolejna rzymska postać – Brutus, zaprzysięgły wróg tyranii. Przystępuje do spisku przeciwko Cezarowi, dążąc do zdobycia wyłącznej władzy despotycznej i uczestniczy w jego zamachu. Zwolennicy Cezara, a przede wszystkim Marek Antoniusz, oszukują lud demagogicznymi przemówieniami, Rzymianie wypędzają Brutusa. Szlachetny bohater zostaje pokonany i popełnia samobójstwo. Zwycięstwo przypada zwolennikom tyranii. Tragedia polega na tym, że ludzie (a mianowicie odgrywają decydującą rolę w tej tragedii) nie dojrzeli do zrozumienia, kto jest ich prawdziwym, a kto wyimaginowanym przyjacielem. Warunki historyczne rozwinęły się niekorzystnie dla tych, którzy chcieli ustanowić w życiu szlachetne ideały, co zostało wyrażone w Juliuszu Cezarze.
.Podobnie jak inni przedstawiciele nowego światopoglądu, Szekspir wierzył, że najlepsze początki muszą zatriumfować nad złem. Jednak on i jego pokolenie musieli zadbać o to, by życie potoczyło się inaczej. Przez trzy stulecia rozwijał się humanizm europejski, głoszący potrzebę reorganizacji życia na nowych, bardziej ludzkich zasadach. Nadszedł czas, aby zobaczyć konsekwencje tego. Zamiast tego negatywne cechy rozwoju burżuazyjnego stawały się coraz bardziej widoczne we wszystkich aspektach życia. Niszcząca wszystko moc złota została dodana do pozostałości poprzednich feudalno-monarchicznych niesprawiedliwości.
Szekspir całym sercem czuł, że humanistycznych ideałów nie da się zrealizować w życiu. Wyraża się to w Sonecie 66. Chociaż bardziej znane są jego przekłady S. Marshaka i V. Pasternaka, podaję inną wersję:
- Wzywam śmierć, nie mogę już patrzeć,
- Jak godny mąż umiera w biedzie,
- A złoczyńca żyje w pięknie i sali;
- Jak depcze ufność dusz czystych,
- Ponieważ czystość jest zagrożona hańbą,
- Jak honoruje się łajdaków,
- Jak siła opada przed zuchwałym spojrzeniem,
- Jak wszędzie w życiu łotrzyk triumfuje,
- Jak dowolność drwi ze sztuki,
- Jak bezmyślność rządzi umysłem,
- Jak boleśnie marnieje w szponach zła
Wszystko, co nazywamy dobrem.
- Gdyby nie ty, kochanie, już dawno bym to zrobił
- Szukałem odpoczynku pod baldachimem trumny.
– Tłumaczenie O. Rumera
Sonet powstał prawdopodobnie pod koniec lat 90. XVI wieku, kiedy rozpoczął się przełom w mentalności Szekspira, prowadzący do powstania tragedii Hamlet. Powstał najwyraźniej w latach 1600-1601. Już w 1603 roku ukazało się pierwsze wydanie tragedii. Został wydany bez zgody autora i teatru, w którym grano sztukę, i został nazwany quarto z 1603 roku.
- Na pierwszy rzut oka zbieżność "Henryka VIII" z resztą dramatów napisanych po 1608 roku wygląda dość sztucznie. Co łączy „Peryklesa”, „Cymbeline”, „Zimową opowieść”, „Burzę”? Oświecony bajkowy kolor, zwycięstwo dobra, z boku...
- Dla osoby myślącej problem wyboru, zwłaszcza jeśli chodzi o wybór moralny, jest zawsze trudny i odpowiedzialny. Niewątpliwie o ostatecznym wyniku decyduje szereg przyczyn, a przede wszystkim system wartości każdej jednostki…
- Jeśli porównamy, jak Hamlet jest postrzegany przez tych, którzy z nim sympatyzują, okazuje się, że każdy ma o nim własne wyobrażenie. Dodajmy do tego, że są tacy, którzy wysoko ceniąc tragedię Szekspira...
- Czym w rzeczywistości jest ten dworzanin, najwyraźniej najbliższy tronu. Prawdopodobnie zajmował wysokie stanowisko za czasów byłego króla. Nowy król obdarza go łaskami i jako pierwszy jest gotowy...
- Ta komedia ma dwie historie: komiczną i miłosną. Linię miłosną tworzą Benedict i Beatrice, Claudio i Hero. Comic Line tworzą Margarita, Ursula, Leonato, Claudio i Don Juan. Główny...
- Julia Capulet jest jedną z głównych postaci tragedii. D. ukazana jest w momencie przejścia od naiwnej samowystarczalności dziecka, które nie ma wątpliwości, że otaczający ją świat może być inny, do...
- W okresie renesansu w Anglii rozpowszechniła się literatura dramatyczna, co wiązało się z rozwojem ówczesnych przedstawień teatralnych. Teatr w Anglii miał swoje własne cechy, które odróżniają go od ...
- Wykorzystanie zapożyczonych wątków, które w jego obróbce otrzymały nowe artystyczne wcielenie, poetycki oddech i filozoficzną treść; Szczególna rola błazna w dramatach – postaci, która najbarwniej ilustrowała ideę teatralności świata i...
- Uwidacznia się samotność bohatera tragedii. Pojawienie się Rosencrantza i Gildenruhla tylko potęguje rozczarowanie. Zgodnie z tradycją literacką postacie te uznawane są za przyjaciół Hamleta, którzy zdradzili go, spiskując z władzą. „Gra w...
- Stratford-upon-Avon - starożytne miasto położone około stu mil na północny-zachód od Londynu, wśród malowniczych wzgórz, jest pomnikiem Szekspira. Na jego krętych uliczkach łatwiej spotkać mieszkańców Londynu, Manchesteru i...
- Od powstania tragedii Szekspira „Romeo i Julia” minęło ponad sto lat, ale publiczność wciąż niepokoi się, śledząc losy kochanków z Werony i aktorów, którzy dostali tę rolę…
- Bohater tragedii W. Szekspira „Juliusz Cezar” (1599). Mimo że tragedia Szekspira nosi jego imię, C. nie jest głównym bohaterem, lecz sprężyną akcji. Jest wokół niego (na początku ...
- W ostatnich latach twórczości Szekspira (1608-1612) jego sztuki nabierają innego charakteru. Oddalają się od prawdziwego życia. Brzmią bajecznie, fantastyczne motywy. Ale nawet w tych sztukach – „Perykles”, „Zima…
- Miłość triumfuje w sztuce. Romeo początkowo tylko wyobraża sobie, że kocha Rozalinę. Jej nieobecność na scenie podkreśla iluzję jej istnienia i zauroczenie Romeem. Jest smutny i szuka samotności. Spotkanie z...
- W tragedii „Hamlet” (1601) William Shakespeare, opierając się na fabule średniowiecznej legendy i staroangielskiej sztuki o księciu Amlecie, ukazał tragedię humanizmu we współczesnym świecie. Hamlet, książę Danii, jest piękny...
- Początek pierwszego okresu przypada na lata zrywu narodowego, który nastąpił po 1588 roku, co ma decydujące znaczenie dla całego tonu twórczości Szekspira w tym czasie. Pierwszy okres zawiera najwspanialsze ...
- William Shakespeare jest przedstawicielem renesansu, kiedy myśli i uczucia człowieka były wypełnione nowymi pomysłami. Ale w tej okrutnej epoce humanistyczne idee renesansu nie były skazane na zwycięstwo, a Szekspir gorzko...
- Tragedia „Hamlet” była pierwszą z „wielkich tragedii” W. Szekspira. Główną ideą pracy jest idea, że człowieczeństwo utraciło swoje najwyższe znaczenie, słowo „człowiek” przestało być oznaczeniem najwyższej wartości, najwyższego…
- ROMEO i JULIA (ang. Romeo and Juliet) to bohaterowie tragedii W. Szekspira „Romeo i Julia” (1595), którzy na zawsze stali się symbolem pięknej, ale tragicznej miłości dwóch młodych istot, nieodwracalnie rozdzielonych wiekowymi wrogość...
- Znaczenie kronik Szekspira tłumaczy się nie zamiarem Szekspira przekształcenia przedstawionych przez niego wydarzeń historycznych w polityczną alegorię teraźniejszości, ale obecnością pewnych podobnych tendencji w historycznym rozwoju Anglii, jak w czasach, gdy...
Rozdział VII
Idee naukowe i filozoficzne renesansu w światopoglądzie Szekspira. - Trzy typy kulturowe: Henryk V, Falstaff i Hamlet. - Henryk V. - Falstaff.
Wiemy, jak żarliwie i aktywnie Szekspir reagował na poezję renesansu, ale jak reagował na jej myśl? Rzeczywiście, oprócz Boccaccia, Petrarki, Rabelais, ta sama epoka wyprodukowała Galileo, Giordano Bruno, Montaigne, Bacon. Szekspir urodził się nawet w tym samym roku co Galileusz; Bruno mieszkał w Londynie przez około dwa lata od 1583 roku i cieszył się dużą popularnością w społeczeństwach świeckich i literackich. Zachował się tom pism Montaigne'a jakby z inskrypcją Szekspira, a Bacon tworzył swoją filozofię, można powiedzieć, obok dramatopisarza Szekspira. Naukowcy od dawna odkryli i nadal odkrywają w jego twórczości wiele ech naukowego renesansu, zwłaszcza z prac Bruno i Montaigne'a. Ale to nie szczegóły nas zajmują, ale ogólny magazyn myśli Szekspira. Czy czołowy rywal Petrarki stał na tym samym poziomie co czytelnik filozofów?
Można spierać się o indywidualne poglądy naukowe Szekspira. Naszym zdaniem na przykład najlepsi niemieccy znawcy Szekspira mylą się, zaprzeczając wierze poety w nowy system astronomiczny. Oczywiście szyderczy list Hamleta do Ofelii niczego nie dowodzi, a mowa Ulissesa w Troilusie i Kresydzie o podporządkowaniu planet Słońcu bynajmniej nie jest obroną Ptolemeusza. Z drugiej strony można wątpić, czy Szekspir dobrze zrozumiał prawo krążenia krwi, ogłoszone przez Harveya zaledwie dwa lata po śmierci poety. Jeszcze bardziej wątpliwe są idee Szekspira dotyczące grawitacji. Ale z drugiej strony wnioski psychiatrów są dość wiarygodne. Szekspir w swoich poglądach na chorych psychicznie, w zadziwiająco dokładnej znajomości dolegliwości wyprzedzał swoich współczesnych o dwa wieki. Nadal panowało głębokie przekonanie o intrygach szatana, a chorych poddawano najcięższym torturom; poeta natomiast potrafił rozwikłać glebę i przyczyny chorób, a nawet wskazywał na uzdrawiające, humanitarne środki. Ofelia, Lady Makbet, Król Lear to nieśmiertelne pomniki genialnego wnikania w najbardziej złożone tajemnice natury i prawdziwie kulturowe wyobrażenia o cierpiącej ludzkości...
Niewątpliwie sam poeta dokonał najważniejszego podboju nowego czasu, który charakteryzował się rozwojem wolnej myśli, zwycięstwem osobistego doświadczenia nad tradycjami i uprzedzeniami. A realizacja była całkiem świadoma. Ryszard II, obalony z tronu, uważa niezgodę między nim, królem i wymaganiami czasu za jedną z przyczyn swojego upadku. Następnie Koriolan wyrazi jeszcze bardziej energicznie idee nieuchronnego i z pewnością uprawnionego postępu:
Gdybyśmy we wszystkim byli posłuszni zwyczajowi, nikt nie odważyłby się zmieść kurzu starożytności, a prawda na zawsze zalegałaby za górami złudzeń!
I tutaj patrycjusz wyraża prawdę nie dla przyjemności aroganckiej samowolki, ale w imię godności osobistej i szlachetnej niezależności od przyzwyczajeń i żądań tłumu.
Ale źródłami wolności osobistej są myśl, oświecenie, wiedza o życiu i przyrodzie, a Szekspir gorliwie broni wszystkich tych podstaw cywilizacji:
W nauce jest moc, Dzięki której wznosimy się do nieba, W ignorancji jest przekleństwo Boga.
Tak mówi jeden z bohaterów drugiej części Henryka VI, a my nie wiemy, czy te słowa należą dokładnie do Szekspira; ale są one stale potwierdzane przez niewątpliwie autentyczne myśli poety w innych sztukach. Ojciec Franciszek nazywa „doświadczenie” „towarzyszem nauki” (Wiele hałasu o nic), a inni bohaterowie ostrożnie podkreślają zawodność starego średniowiecznego sposobu życia. Ryszard II i wenecki Antonio są zgodni co do nadużyć w interpretacji Pisma Świętego, które rozkwitały w królestwie katolickim. Król jest zdezorientowany sprzecznymi wnioskami, jakie myśl może wyciągnąć z tekstów. Antonio – w odpowiedzi na biblijną opowieść Shylocka usprawiedliwiającą lichwę – wskazuje na sztukę nawet złoczyńców ukrywania się za świętą władzą. Poeta jest przekonany, że dialektyka i złośliwość będą w stanie „uświęcić i przyprawić tekstami i okryć zewnętrzną dekoracją” wszelkie złudzenia.
I słuszność tej myśli pokazuje przykładem życiowym - w wymownej scenie z pogrzebu Ofelii.
Oczywiście Szekspir w pełni przyswoił sobie główne idee doktryny filozoficznej i krytycznej swojej epoki, a przemówienia jego bohaterów często tchną energią donosów Lutra. Ale wielki kaznodzieja Reformacji, który wstrząsnął potęgą tradycji, również nie znalazł natychmiastowej satysfakcji w swojej osobistej myśli. Wręcz przeciwnie, nowy człowiek musiał wykupić swoje wyzwolenie przez najcięższe męki zwątpienia i niekończące się badania. Luter momentami popadał w rozpacz, przeżywał prawdziwe cierpienie Prometeusza w poszukiwaniu jednej, jasnej, niezachwianej prawdy. To samo dziedzictwo przypadło jego potomkom. A Szekspir wie, jak kuszący urok, ale i ciernie czają się w samodzielnej pracy umysłowej – a światowy motyw Hamleta zaczyna wybrzmiewać już w medytacji Richarda:
Myśli to ci sami ludzie; Podobnie jak oni, nigdy nie mogą znaleźć spokoju ani być z siebie zadowoleni.
Wiadomo, że poeta szczerze i bezlitośnie przeciwstawi się wszelkiemu fanatyzmowi – teoretycznemu, moralnemu i religijnemu. Będzie wyśmiewał i karał błahych lub obłudnych wrogów naturalnych praw natury ludzkiej, zniszczy purytańską hipokryzję i nietolerancję, a jeden z jego wesołych bohaterów wyrazi sens tej humanitarnej i wyzwoleńczej walki w ten sposób: żadnych ciast czy wino na świecie?” (Dwunasta noc).
Dzięki szerokiemu światopoglądowi Szekspir był w stanie objąć w swoim dziele główne typy różnych epok kulturowych i spełnić wysoki cel sztuki wskazany przez Hamleta - ucieleśnić jego wiek i czas w ich prawdziwych rysach. Musiał działać w przejściu starego życia na nową drogę. Widział i osobiście doświadczył zderzenia postępowych zasad reformacji i renesansu z obyczajami i autorytetami średniowiecza. Na jego oczach miał miejsce szybki rozwój wyzwolonej natury i myśli, uczuć i umysłu; on sam zdecydowanie stanął po stronie wolności i postępu. Od pierwszych prac zaczął bronić nowego i po pewnym czasie uchwycił szereg typów psychologicznych, które uosabiają różne nurty historyczne epoki. Jeden z nich, typ średniowiecznego człowieka. Inni, najjaśniejsi, skrajni przedstawiciele dwóch głównych idei renesansu: wolnych instynktów naturalnych i wolnej myśli krytycznej. Wszyscy trzej bohaterowie są przedstawieni z wielką starannością i siłą, ale nie wszyscy są równie prości i przystępni pod względem kompozycji psychologicznej. Prymat jasności i integralności należy oczywiście do bohatera starożytności.
Książę Gal, późniejszy król Henryk V, jest jedną z najpopularniejszych postaci w angielskich kronikach dramatycznych, a na przykład Szekspir bez wątpienia wykorzystał jedną z wczesnych sztuk — Chwalebne zwycięstwa Henryka V. Ale dla nas kwestia faktycznych zapożyczeń znowu nie jest istotna, psychologia jest zawsze pierwotną własnością naszego poety, który umie wynieść postać historyczną na wyżyny typu uniwersalnego. Rozwój moralny Henryka, jego natura, wady i talenty - wszystko to jest doskonałym odzwierciedleniem średniowiecza, krótką, ale kompletną historią całego okresu kultury ludzkiej, wyeliminowanej ze sceny przez ludzi renesansu.
Książę Gal – idealnie zdrowy, normalny młody człowiek – cieszy się młodością z całą mocą i żarem anglosaskiej krwi. Jest ucieleśnionym przeciwieństwem rozważnego, ale naiwnego filozofa - króla Nawarry i konsekwentnie odtwarza światową mądrość poety, rozproszoną w komediach.
Wcale nie zamierza forsować swojej natury celową sztuką i świadomą szkołą moralności. Całkowicie obcy jest mu także niepokój myślenia abstrakcyjnego; dla niego, jak dla osoby średniowiecznej, wszystkie wyższe kwestie rozwiązują ci, którzy powinni to wiedzieć. Beztrosko i bez zbędnych ceregieli chytrze bierze życie takim, jakie jest dane, nie stawia mu idealnych i niemożliwych wymagań. Ale z natury zrównoważona, całonocna natura nie więdnie i nie odpręża się w wirze przyjemności. A książę z doświadczeń swojej młodości nie zniesie ani rozczarowania, ani upadku sił moralnych. Eksperymenty będą jedynie manifestacją potężnego organizmu fizycznego. Wynikają nie tyle z frywolności i pragnienia przyjemności, ile z nadmiaru krwi i energii. Książę nie ma na co wydać tej nadwyżki: podejrzliwy i autokratyczny ojciec nie pozwala mu uczestniczyć w sprawach państwowych – syn pracuje w tawernie i odgrywa rolę króla u Falstaffa, nie odmawiając czasem znacznie bardziej odpowiedzialnej zabawy. Ale element moralny i organiczny zdrowy rozsądek księcia są niewzruszone. Z następcy tronu zrobią błyskotliwego młodzieńca, z króla stworzą najmądrzejszego i najpopularniejszego władcę. Książę jest w każdej chwili świadomy swoich namiętności i wierzymy w jego obietnicę, że pojawi się później jak słońce, tylko chwilowo przykryte „nikczemnymi chmurami”. To nie tylko siła, ale także jej głęboka świadomość, a co za tym idzie stanowczość i pewność działania, dumna skromność i powściągliwość, dyskretna, ale w żaden sposób niezwyciężona szlachetność. I widzimy, jak książę Gal, towarzysz Falstaffa przy piciu, zmienia się w księcia Walii i odważnego wojownika. Jesteśmy obecni na niesamowitej scenie pojedynku urodzonego i skromnego bohatera z genialnym rycerzem Percym: ile waleczności i spokojnej siły, a tak mało słów i efektu! Książę nawet bezkrytycznie przyznaje Falstaffowi chwałę swojego zwycięstwa. Wojna się skończyła, a książę znów jest dowcipnisiem i biesiadnikiem. Falstaff nie jest w stanie zrozumieć tajemnic tej przemiany; Prosta, ale moralnie potężna psychologia Henry'ego jest dla niego tajemnicą, a kiedy książę postanawia „pochować wszystkie dawne wady w grobie z ojcem” i być godnym władzy i tronu, Sir John nie widzi sensu w całkowicie naturalnej historii . Tymczasem burzliwa młodość, nawet dla Henryka Suwerena, nie poszła na marne. Znał osobiście życie zwykłych ludzi, nadzieje i duszę ostatniego z poddanych; zasiadając na tronie, będzie najbardziej narodowym i posiadającym praktyczną wiedzę władcą. W młodości nie był marzycielem - teraz nie będzie idealistą, twórcą szerokich planów politycznych; wszystkie jego działania są nierozerwalnie związane z podstawową rzeczywistością, bez najmniejszej ingerencji teorii i idei. To sprawny właściciel ogromnego domu państwowego ze wszystkimi zaletami i wadami wyjątkowo praktycznego umysłu; ten sam wieśniak, żołnierz, tylko na rozległym polu. Poeta ukazuje swój wzruszający udział w zwykłych żołnierzach, rzadką umiejętność zbliżenia się do ich życia i moralnego świata, i to w ustach Henryka V wkłada entuzjastyczną mowę do angielskich osadników. Wreszcie — to jedyna taka scena — widzimy wyznanie miłości króla do księżniczki, bynajmniej nie bardziej przebiegłe i eleganckie niż powieść jakiegokolwiek angielskiego marynarza!
Taki jest idealny człowiek starości, organicznie silny, duchowo nieskomplikowany, bezpośrednio inteligentny i rycerski, ogólnie zdrowy i szczęśliwy w swej pełni. Nowe prądy powołały do życia nieporównanie bardziej złożone natury, a złożoność ta jest tym głębsza, im nurt szlachetniejszy. Najprostszym i najbardziej przystępnym ideałem renesansu jest wolność uczuć, nieograniczony epikureizm, skrajny sprzeciw wobec średniowiecznego ucisku ciała i wyrzeczenia się ziemi. Ta opozycja nie zwlekała z tworzeniem własnej filozofii i ustanawianiem wolności instynktów na ideologicznych podstawach. Znają je nawet bohaterki Boccaccia, a rozumowanie jednej z nich jest dla nas szczególnie interesujące. Mamy najwyraźniej do czynienia z najbardziej wyjątkowym przykładem zepsucia i braku skrupułów, a jednak odległe echa tych okropności słyszymy nawet u najbardziej eleganckiego poety włoskiego renesansu.
Dama przychodzi do doświadczonej kobiety - prosić o pomoc w jakiejś miłości, a nie szczególnie moralnej przedsięwzięciu. Natychmiast się zgadza, a nawet spieszy, by z góry obalić wszelkie zastrzeżenia surowych moralistów.
„Moja córko, Pan wie – a On wie wszystko – że sobie poradzisz. Nawet gdybyś z jakiegoś powodu tego nie zrobiła, powinnaś była to zrobić, jak każda młoda kobieta, aby nie tracić czasu. młodości, bo dla człowieka rozumnego nie ma większego smutku niż świadomość, że stracił czas. A po co nam, u diabła, zestarzeć się, jeśli nie tylko popiół przy ognisku strzec... "
Sam autor bezwarunkowo aprobuje tę filozofię i po opowiedzeniu tej czy innej historii miłosnej, często bardzo nagannej dla ogólnie przyjętego poglądu moralnego, kończy modlitwą do Pana, „aby przez swoje święte miłosierdzie prowadził” do szczęścia właśnie opisanego i jemu, narratorowi, i „wszystkiemu duszom chrześcijańskim, które tego pragną”.
Oczywiście bohaterki Boccaccia czczą Kupidyna „na równi z Bogiem” i za to „oddanie” liczą na szczęście nawet w przyszłym życiu…
A teraz wyobraźcie sobie, że taka „religia” wpadnie w serca i głowy ludzi o nieporównanie potężniejszych temperamentach i obfitszej sile fizycznej niż Włoszki – wpadnie w synów narodu, który przez wieki zrodził ogromną liczbę bohaterskich postaci , uważał w swojej rodzinie Norfolks, Ghents za zwykłe zjawiska. , nawet Richards ...
Kupidyn nieuchronnie przekształci się tutaj w bóstwo o najbardziej szczerej i bynajmniej nie eleganckiej i nie poetyckiej zmysłowości, tęsknota za „latającą godziną” stanie się szaleńczym krzykiem i szaloną, nieposkromioną pogonią za najgrubszymi grzechami śmiertelnego ciała, wszystko to obejmuje i sztuczki znikną - pozostanie tylko buntownicza i często cyniczna pasja... Falstaff jest najbardziej typowym angielskim ucieleśnieniem fizycznego ideału renesansu. Jest szczerze zdeprawowany, cynicznie pozbawiony zasad, pokorny sługa własnego brzucha. I we wszystkich tych wadach jest tylko skrajnością, a jednocześnie, mówiąc po angielsku, integralnym i konsekwentnym wyrazicielem praktyki i moralności renesansu. Nie wystarczą mu naturalne prawa natury ludzkiej do miłości, ziemskie szczęście, nie wystarczy zwykła wolność uczuć – potrzebuje orgii, zamieszek, całej burzy instynktów, tak jak Anglicy średniowiecza potrzebowali powstań, konflikty społeczne – o „ruch krwi i soków życia”, zgodnie z trafną relacją naocznego świadka, biskupa Yorku. Nie wystarczy, by Falstaff zniszczył pedanterię, scholastykę, teorie naukowe wypaczające naturalny bieg życia – generalnie wystąpi przeciwko wszystkiemu, co niematerialne i nie zmysłowe i generalnie odrzuci wszelkie pojęcia i idee: honor, sumienie, prawdę. Nie poprzestanie na uznaniu praw za „ciastkami i winem” – tylko nimi wypełni swoją egzystencję, tak samo jak sprowadzi uczucie miłości do zepsutej rozpusty. Słowem, jest to ten sam fanatyk nowych poglądów, jaki tworzyła scholastyka i asceza. To przeciwny biegun dla Malvolia i jeszcze bardziej „cnotliwych” ludzi, dla tych właśnie purytanów, którzy za Szekspira grzmiali przekleństwami nawet pod adresem poezji i teatru.
Z podstawowego stanowiska Falstaffa, najbardziej bezinteresownego syna renesansu, wynikają wszystkie inne cechy jego psychologii. Falstaff jest tchórzem, bo za bardzo ceni życie tutaj; do siwych włosów uważa się za młodzieńca, bo młodość jest dla takiego „mądrego człowieka” najwyższym dobrem; wreszcie Falstaff jest niezwykle utalentowany i oryginalny. Właściwości te są rozwijane przez poetę z taką samą siłą, jak przygnębiająca moralność bohatera, iw nich tkwi tajemnica dziwnego przyciągania, które otacza osobowość Falstaffa.
Faktem jest, że Falstaff jest nadal wytworem wyzwalającego, progresywnego nurtu. To prawda, że doprowadził całkowicie słuszne i zdrowe aspiracje do punktu absurdu i brzydoty, ale pierwotne ziarno nie mogło zniknąć bez śladu. Falstaff jest przedstawicielem natury i człowieczeństwa w porównaniu z „cnotliwym” Malvolio. Dla Falstaffa życie i światło, po stronie wrogów śmierć moralna i mrok niewolnictwa lub hipokryzji. I niewątpliwie Szekspir, który tak dobrze znał współczesnych „świętych”, mimowolnie musiał mieć pewną sympatię dla swego grzesznika, w każdym razie protekcjonalnie patrzeć na fałsz obok fanatyzmu.
I dał Falstaffowi genialny dar dowcipu, wesołości, dał mu umiejętność zniewalania innych i poważnego wiązania ich ze sobą. Doszedł do punktu, w którym współczujemy wielkiemu grzesznikowi, kiedy zostaje odrzucony i ukarany przez króla, współczujemy prostej, ale szczerej historii jego śmierci i rozumiemy łzy przyjaciół i sług Falstaffa... Ten człowiek, który wchłonął wszystkie szumowiny, które opadły na dno, osiadł, odstając od błotnistej cieczy (Słownik V. Dahla).) swojego czasu, pożyczył także iskrę swojego geniuszu - i podobnie jak złoto nie traci blasku lub wartość do końca.
Poeta pilnie chciał pokazać, że tworzy dokładnie jeden z typów swojej epoki. Już w komedii Koniec jest koroną rzeczy czuć było zbliżający się powiew eposu. Parol zostaje nagrodzony wieloma cechami Falstaffa - chełpliwością, tchórzostwem, a jego stosunek do hrabiego przypomina "przyjaźń" Falstaffa z księciem. Ale Parola można z powodzeniem powiązać z typem chełpliwego wojownika ze starej komedii: jest po prostu bezczelnym i żałosnym fanfaronem, nie ma w nim śladu niezrównanej „filozofii” Jacka, jego niewyczerpanego humoru i pomysłowej zaradności. Hasło jest poza czasem i przestrzenią, Falstaff to angielski rycerz z XVI wieku. Wojny wewnętrzne i zewnętrzne całkowicie zniszczyły wiele najszlachetniejszych rodzin i zrujnowały jeszcze bardziej szlacheckie majątki. Dawne rycerstwo podupadło - moralnie i finansowo - i zmarnowało sobie życie wśród najrozmaitszych nieprzyzwoitych czynów i sztuczek: w szczęśliwych przypadkach korzystne związki małżeńskie z rodami plebejskimi, a potem już tylko udawana gra w kości, nocne rabunki, pijatyki kosztem patronów. Wszystko to jest reprodukowane w kronice, a Falstaff swoją imponującą postacią kontynuuje galerię komiksów znanych nam z epoki Szekspira. Ale poeta z zadziwiającą wprawą potrafił połączyć tak pozornie niejednorodne znaki czasu: schyłek arystokracji i wpływy renesansu. Okazuje się, że skrajności nowego epikurejskiego hobby, moralny brak skrupułów i wszelkiego rodzaju awanturnictwo są najbardziej naturalnie ucieleśnione w osobowości zrujnowanego rycerza, który jesienią zachował arystokratyczne roszczenia do beztroskiego pasożytniczego życia. Duma klasowa dobrodusznego i materialnie bezradnego Falstaffa z natury dodała tylko dodatkowego zabawnego elementu do tej otchłani dowcipu i komedii.
Ale Falstaff miał pojawić się w najbardziej nieoczekiwanym przebraniu, nie charakterystycznym dla jego filozofii i charakteru. Mówią, że Elżbieta była zachwycona Sir Johnem z Kroniki, chciała go widzieć w roli kochanka i zgodnie z wolą królowej Szekspir rozpoczął nową sztukę i skończył ją w dwa tygodnie.
Elżbieta, królowa Anglii w dużym stroju królewskim. Rycina Christine de Passe, według obrazu Isaaca Oliviera. Napisy na rycinie (powyżej): „Bóg jest moim pomocnikiem”. Pod herbem: „Zawsze bez zmian”. Poniżej: „Elizabeth, BM, królowa Anglii, Francji, Szkocji i Wirginii, najbardziej gorliwy obrońca wiary chrześcijańskiej, teraz spoczywa w Bose”
Miało to miejsce najprawdopodobniej wiosną 1600 roku. 8 marca dla królowej wystawiono komedię Sir John Oldcastle . Tak nazywał się wcześniej Falstaff - poeta zmienił nazwisko, dowiedziawszy się, że Oldcastle był w swoim czasie słynnym purytaninem i cierpiał za swoje przekonania. Ale w jakiej relacji chronologicznej Wesołe kumoszki z Windsoru, przerobione z Sir Johna Oldcastle'a, oznaczają Henryka IV, trudno rozstrzygnąć: może powstały po pierwszej części kroniki, a może po drugiej, a nawet po Henryku V. Dla królowej poeta mógł wskrzesić swojego bohatera, ale tak naprawdę dla nas los Falstaffa jako postaci jest ważny.
W komedii jego moralność jest na tym samym poziomie, ale nie można tego samego powiedzieć o jego umyśle. Wcześniej Falstaff nie uważał swojego wyglądu za zniewalający kobiety - teraz jest pełen samooszukiwania się z tego powodu; przedtem raczej nie mógł wpaść w powtarzające się i bardzo przejrzyste oszustwa i narazić swoją osobę na pośmiewisko i zniewagę filistrów i drobnomieszczan; ale co najważniejsze, czy Sir John był w stanie osiągnąć takie tchórzostwo i skruchę, które są przedstawiane w wyniku jego nieszczęść? To prawda, że Falstaff w godzinie śmierci woła do Pana i przeklina sherry, ale to bynajmniej nie dowodzi skłonności takiego grzesznika z natury i rozumu do skruchy i prawd moralnych. Z drugiej strony nie jest rzeczą naturalną, aby nasz poeta komponował sztuki dla ostatecznej nauki. Ale nawet gdyby Falstaff z kroniki dał się złapać na najgłupszej przeróbce, z trudem opowiadałby o swojej podróży w koszu na bieliznę z taką szczerością, jak Falstaff z komedii o wyimaginowanym panu Brooke. Przy wszystkich zagadkach jedno wrażenie jest pewne: komedia została napisana w pośpiechu. To, nawiasem mówiąc, wyjaśnia jego prozaiczną formę. Sceny zostały ustawione w z góry ustalonym celu - zabawić widza ciekawymi zdarzeniami iw szczególnie zabawny sposób przedstawić bohatera, który najmniej pasuje do rycerza miłości. Oczywiście ostatnia kpina z Falstaffa w takich warunkach mogła zakończyć się całkowitym upokorzeniem bohatera, poprowadzeniem go przez wszystkie stopnie starczej głupoty do żałosnej, płaczliwej skruchy. Z punktu widzenia treści samej komedii jest to wynik prawdopodobny, ale tylko samej komedii nie należy postrzegać jako logicznej kontynuacji kroniki, chociaż bohater zachowuje pewne cechy wspólne we wszystkich sztukach. 
Teatr Szekspirowski. Rycina z londyńskiej „Rishgitz Collection”. Przedstawia jeden z teatrów z początku XVII wieku.
Niezależnie od roli Falstaffa, Wesołe kumoszki z Windsoru jaskrawo kontrastują z innymi komediami Szekspira. Tam akcja toczy się w idealnej atmosferze subtelnych uczuć i lirycznej sielanki (jedynym wyjątkiem jest Poskromienie złośnicy), a odgłosy codzienności tylko momentami wybuchają w poetyckiej harmonii, gdy na scenie pojawiają się błazny. W „Wesołych kumoszkach z Windsoru” wręcz przeciwnie, króluje codzienność. Co więcej, codzienność jest prowincjonalna, prostacka, czasem prostacka, mało poetycka, choć nie pozbawiona swego rodzaju humoru. Prawie wszyscy aktorzy są z prostej klasy i nie potrafią wylać swoich uczuć w uprzywilejowanej formie sonetów i kanzonów. Tylko jeden promień zwykłego liryzmu szekspirowskiego zostaje rzucony w tę szarą atmosferę: wśród prozaicznych ojców i matek romans córki i jej kochanka, pełen świeżości pierwszej miłości. Ale większość scen miała zadowolić niewymagający gust Elżbiety: poeta napisał żywą, szczerą farsę i dla rozrywki nawet częściowo poświęcił swojego niezrównanego bohatera. Powstanie takiej sztuki jest tym bardziej oryginalne, że zbiegło się z pracą poety nad utworem o zupełnie innym charakterze. Ten kawałek to Hamlet.
Trudno dziś wyobrazić sobie literaturę światową bez twórczości W. Szekspira i A. S. Puszkina.
Dwóch różnych pisarzy żyjących na różnych kontynentach, w różnych epokach, w różnych czasach, wychowanych na różnych tradycjach literackich. Ale zarówno Szekspir, jak i Puszkin próbują swoich sił w tworzeniu dzieł dramatycznych. Jednocześnie tragedia Szekspira jest głównym gatunkiem literackim, w którym Szekspir stał się „Wielkim Szekspirem”. Miłość i tragiczna śmierć Romea i Julii, wątpliwości i udręki Hamleta, cierpienie Leara - wszystko to głęboko poruszyło wielkiego angielskiego dramatopisarza, a także wszystkich jemu współczesnych, tłumy, które wypełniły średniowieczny teatr na przedmieściach Londynu. Puszkin próbował też swoich sił w różnych gatunkach literackich. Ale przeżył też tragedię.
William Shakespeare (1564-1616) jest największym pisarzem renesansu. Jest jednym z tych tytanów urodzonych w tej epoce, ale w swoim znaczeniu wykracza daleko poza jej granice. Sztuka wielkiego pisarza angielskiego jest sztuką wysokiej prawdy artystycznej. Jego dzieła nie stają się własnością przeszłości, nie pokrywają się kurzem wieków - nie tracą żywego piękna i siły oddziaływania nawet po prawie czterystu latach. Obrazy Szekspira z ich bogatym życiem wewnętrznym, napięciem namiętności, głębią uczuć i myśli znajdują ciepły i żywy odzew u zupełnie różnych odbiorców. Co tłumaczy żywotność i skuteczność dzieł sztuki powstałych w tak odległej przeszłości? Kluczem do tego jest to, że rozumiejąc prawdę życia, prawdę historyczną, Szekspir stawiał w swoich dziełach tak ważne pytania, które przerosły jego czas i przeszły na następne pokolenia. Znając i odzwierciedlając teraźniejszość w artystycznych obrazach, kierował się ku przyszłości. Głębiej niż wszyscy jego poprzednicy i współcześni, Szekspir przeniknął do wewnętrznego świata człowieka. Rozumiał cierpienie, wady i nieszczęścia, które nieuchronnie rodzą się i rosną na gruncie takiego systemu społecznego, w którym tytuły i złoto są miarą wartości człowieka. Dzieło Szekspira możemy uznać za najwyższe osiągnięcie literackie renesansu. Jego dramaty pochłaniały cały wachlarz ówczesnych idei, humanistyczne dążenia do sprawiedliwości i poznania prawdy życia. W jego dziełach z największą siłą odzwierciedlono osobliwości epoki, jej postępowe aspiracje i głębokie sprzeczności, które pojawiły się szczególnie ostro i w szczególny sposób w historii Anglii.
Aleksander Siergiejewicz Puszkin (1799-1837) to największy poeta ludowy, który ucieleśniał dorobek dotychczasowej literatury krajowej i światowej, wyznaczając swoją twórczością wyższy etap jej dalszego rozwoju. Z niepełnych 38 lat przeżył prawie 25 A. S. Puszkin poświęcił się twórczości poetyckiej. Lata te nie tylko wyniosły go na szczyty sławy, ale nadały literaturze rosyjskiej nowe spojrzenie, otworzyły przed nią takie możliwości, które pozwoliły jej stać się powszechnie uznawaną literaturą o światowym znaczeniu, oryginalną i zarazem publiczną treścią. Poeta demaskował postaci negatywne, walczył z indywidualizmem, jednocześnie afirmował obrazy pozytywne. Puszkin jest najbardziej żywym wyrazem uczuć, myśli i aspiracji swoich czasów. Ideałem dla niego jest osoba, która chce posiadać wszystko, co pozytywne i przezwyciężyć wszystko, co negatywne w doświadczeniu ludzkości w całej jej historii. U Puszkina zrozumienie sprzeczności realnego życia równoważone jest świadomością wielkości i szlachetności człowieka – jedynego twórcy historii. Głęboko i organicznie przyjął tradycje oświecenia i renesansu. Jak wszyscy oświeceni, Puszkin wierzył w moc rozumu i jego zwycięstwo nad ciemnością, a jego wiara opiera się na głębokiej analizie swoich czasów. Ale Puszkin, odrzucając oświeceniową opozycję bohatera wobec mas, przeciwnie, szukał źródeł, które wyjaśniałyby konieczność najostrzejszych zwrotów w historii. Puszkin przezwyciężył wpływy klasyczne i sentymentalno-romantyczne, przeszedł przez romantyzm obywatelski i wzorując się na osiągnięciach swoich postępowych poprzedników, stał się twórcą nowej literatury rosyjskiej - literatury rzeczywistości. Zachowanie bohaterów dzieł Puszkina jest zdeterminowane przez ich środowisko społeczne, ale aktywnie starają się oni bronić swoich praw człowieka i przekształcać otaczającą ich rzeczywistość. Doświadczenia, uczucia, nastroje bohaterów ujawniają się w zewnętrznych działaniach, czynach i gestach. Puszkin podkreśla indywidualność i ujawnia społeczne i typowe cechy bohaterów. Dzieło Puszkina stało się przykładem realistycznej metody i stylu.
Wybitny angielski pisarz W. Szekspir i wielki rosyjski poeta A. S. Puszkin często poruszali w swoich utworach temat łajdactwa. Ale ten problem jest najwyraźniej wyrażony w słynnej tragedii Szekspira „Hamlet” iw słynnym cyklu dzieł dramatycznych Puszkina „Małe tragedie”.
Tragedia „Hamlet” (1601-1602) jest jednym z największych dzieł dramatu światowego. Napisany w określonym czasie i odpowiadający nastrojom współczesnych Szekspirowi, przez ponad trzy stulecia przyciągał wiele pokoleń czytelników i widzów znaczeniem treści i kunsztem formy. Kunszt autora przejawiał się w tym, że w stosunkowo niewielkim dziele dał bogaty obraz życia i przedstawił losy kilku osób, starał się zrozumieć psychologię ludzkich działań. „Hamlet” to zbiór życia.
Ta historia została po raz pierwszy nagrana po łacinie przez kronikarza Saxo Grammatika.
Król Danii Rerik powierza zarządzanie Jutlandią dwóm braciom – Horvendilowi i Fengonowi. Nieustraszony i odnoszący sukcesy Horvendil, po trzech latach wojny z Norwegami, przynosi Rerikowi honorowe trofea i daruje mu swoją córkę Gerut. Fengon z zazdrości zabija brata i bierze w posiadanie Geruta. Jednak przebiegły i zdecydowany Amlet (Hamlet w wymowie Jutlandczyków, którzy osiedlili się na wschodzie Brytanii), syn Horvendila i Geruta, w najtrudniejszych warunkach, prawie sam, za pomocą sztuczek, zdołał oszukać liczne potężne wrogów i zabiwszy wielu ludzi, pomścił zabójstwo ojca.
Autor nie wskazuje konkretnego czasu akcji, ale sądząc po tym, że Horvendil wyrusza na wyprawy wikingów, wiadomości pisane są na drzewie, a Duńczycy dyktują swoją wolę królom Wielkiej Brytanii, ma to miejsce około 7-go- IX wiek. W okresie renesansu francuski pisarz Belforet opowiedział historię ze znaczącymi zmianami w swoich Tragicznych historiach (1576). Jeden z poprzedników Szekspira, najwyraźniej Thomas Kyd (1558-1594), korzystając z fabuły Belforta, napisał tragedię „Hamlet”, która była wystawiana na deskach teatru w 1589 i 1594 roku. Tworząc swoją tragedię, Szekspir wykorzystał zabawę dziecięcą. Dla Szekspira historia zawsze służyła jako surowiec do tworzenia pełnych akcji przedstawień. Ale, podobnie jak w innych podobnych przypadkach, nadał tej historii zupełnie nową, oryginalną interpretację.
Choć akcja przeniesiona jest w odległą przeszłość i rozgrywa się w średniowiecznej Danii, Szekspir kreśli tu typowe obrazy swoich współczesnych. Hamlet to tragedia o tym, jak człowiek odkrywa istnienie zła w życiu. Szekspir przedstawił wyjątkową nikczemność - brat zabił brata. Ale znaczenie historii Hamleta wykracza poza ten przypadek. Sam Hamlet postrzega ten fakt nie jako zjawisko prywatne, ale jako jeden z przejawów wszechobecności zła i głębokiego zakorzenienia się w społeczeństwie. Mówiąc o „zgniłym państwie duńskim”, potępiając „zepsuty wiek”, ma na myśli ówczesną Anglię.
Puszkin wyraził swoje zrozumienie psychologii łajdactwa w cyklu dzieł literackich zatytułowanych „Małe tragedie”.
Cykl krótkich utworów poetyckich do czytania, na który składają się utwory: „Rycerz skąpy”, „Mozart i Salieri”, „Kamienny gość”, „Uczta w czasie zarazy”, nie został opublikowany w całości za życia Puszkina. Tytuł - "Małe tragedie" - nadał redaktor podczas publikacji pośmiertnej. Sam autor długo wahał się nad wyborem tytułu cyklu („dramatyczne sceny doświadczeń poznawczych”). Naprawiono „małe tragedie”, które miały stać się wielkie. Niewielka forma zapewniała większą koncentrację myśli. Rozżarzony dramat niepokojących przeżyć, chęć ich artystycznej i filozoficznej analizy z góry zdeterminowały główny temat cyklu - tragiczne losy jednostki.
Choć bohaterowie „Małych tragedii” nie tracą osobistej woli i działają zgodnie ze swoimi pasjami, to same ich pasje rodzą się z warunków życia, w jakich się znajdują. I bez względu na to, jak różnorodne są duchowe poruszenia scenicznych twarzy - żądza władzy i skąpstwo, ambicja i zazdrość, miłość i nieustraszoność - wracają do jednego. Tak powszechną ideą-pasją bohaterów „Małych tragedii” jest pragnienie autoafirmacji. Obdarzeni pragnieniem szczęścia bohaterowie Puszkina nie potrafią go zrozumieć inaczej niż radość życia. Aby osiągnąć szczęście, chcą udowodnić swoją wyższość, ekskluzywność, zdobyć dla siebie specjalne prawa. W tym widzą sens życia. Bohaterowie tragedii są wyjątkowi, same prace są refleksjami o człowieku, o jego możliwościach, o problemie łajdactwa. Co to jest nikczemność?
Zwracając się do Słownika języka rosyjskiego pod redakcją S.I. Ozhigova, czytamy: „Okrucieństwo to to samo, co okrucieństwo.
Przestępstwo to poważne przestępstwo”.
Wróćmy do Szekspira. Przed nami starożytny zamek królów duńskich - ponury Elsinore. Zamek, który wyraża całe społeczeństwo. Cała ludzkość w obliczu Elsinore.
Mieszkańcy zamku dzielą się na dwie przeciwstawne grupy. Z jednej strony ponura, samotna postać księcia Hamleta, odziana w żałobę, ogarnięta żalem. Z drugiej strony zadowoleni z siebie i na pierwszy rzut oka zadowoleni z siebie władcy Danii – król Klaudiusz, królowa Gertruda i ich świta. Hamlet, uczeń
Uniwersytet w Wittenberdze, centrum średniowiecznej nauki, jest daleki od tego dworskiego świata i wrogo do niego nastawiony.
Głównym wrogiem Hamleta w Elsinorze jest jego ojczym, król Klaudiusz, „błazen na tronie”, „król kolorowych łachmanów”, jak charakteryzuje go sam Hamlet. Jest przeciwieństwem ideału „mędrca na tronie”, o jakim marzyli humaniści. To prawdziwy obraz wrogiego ludowi „krwawego monarchy”. Klaudiusz jest tchórzliwy, dwulicowy i przez to szczególnie odrażający. Nie jest zdolny do bezpośredniej walki, zbrodnie popełnia potajemnie, ukrywając się pod płaszczykiem cnoty i pobożności. I to bynajmniej nie ambicja pociąga go do zbrodni, ale małostkowe namiętności - chęć życia „do syta”, zabawy „do syta”. Zdając sobie sprawę, że jego sumienie jest nieczyste, żałuje przed Panem Bogiem w swojej kaplicy, rozważając nowe morderstwa w tym czasie. Wizerunek tego „krwawego króla” ucieleśnia cechy, których Szekspir szczególnie nienawidził.
Królowa matka, Gertruda, jest kobietą słabą i ograniczoną, porwaną przez nieistotną i złośliwą osobę. Pozbawiona jest wierności i stałości uczuć, cnót, które Szekspir szczególnie cenił. Królowa troszczy się o syna, ale wewnętrznie jest od niego daleka, obca jego zainteresowaniom.
Poparciem krwawych monarchów, ich adwokatów i doradców byli pochlebni i przebiegli dworzanie jak Poloniusz. Ograniczenie i samozadowolenie to główne cechy tego „męża stanu”. Wyobraża sobie, że jest najmądrzejszym politykiem, a to tylko polityk nadworny, pusty gaduła, który w najmniejszym stopniu nie dba o interesy państwa, a myśli tylko o tym, jak przypodobać się królowi i osiągnąć pomyślność dla siebie i swoich dzieci. Jest godnym pomocnikiem swojego pana. Cele obu są równie nieistotne, podstawą ich życiowej aktywności jest małostkowy egoizm.
Z własnego doświadczenia Poloniusz był przekonany, że najpewniejszą drogą do sukcesu w świecie dworskich intryg jest przebiegłość, ostrożność, hipokryzja. Ulubione sztuczki starego dworzanina to podsłuchiwanie, informowanie i podglądanie. Szekspir daje mu doskonałą charakterystykę mowy. Mowa Poloniusza jest mieszanką pospolitych prawd „światowej mądrości”, filozofii „złotego środka” z niespójną i gadatliwą gadaniną starca, „splataniem słów” charakterystycznym dla dworzanina XVII wieku. Oto przykład „rozumowania” Poloniusza na temat rzekomego szaleństwa Hamleta:
Tu nie ma sztuki, pani.
To, że jest szalony, to fakt. I fakt, że szkoda.
A przepraszam, to fakt. Głupi obrót.
Ale nadal. Będę bez sztuki.
Powiedzmy, że jest szalony. należny
Znajdź przyczynę tego efektu,
Albo wada, dla samego efektu
Uszkodzony z powodu.
Tą samą drogą kroczą energiczni młodzi dworzanie, rozpoczynający swoje „polityczne” kariery. Są jeszcze mniej ważni niż Poloniusz, który wciąż ma ludzkie uczucia - miłość do swoich dzieci. Rosencrantz, Guildenstern, Osric i im podobni są ucieleśnieniem duchowej pustki. Szekspir celowo podkreśla ich beztwarzowość, rysując Rosencrantza i Guildensterna jako rodzaj „obrazu pary”. Są posłusznymi narzędziami w rękach ukoronowanych zabójców, nie mają własnej woli i poglądów, są pozbawieni honoru i sumienia, nie rozumieją, czym jest przyjaźń i lojalność. Ich kłamstwa i zdrady przykryte są świeckim połyskiem i maską życzliwości. Hamlet nazywa Osrica „muszką” i porównuje ludzi takich jak on do baniek. Pretensjonalna i pusta mowa Osrica jest typowa dla ówczesnych dandysów towarzyskich.
Król Klaudiusz i jego dwór ucieleśniają wszystkie wady, które buntują uczciwą duszę Hamleta: despotyzm, pochlebstwa, pijaństwo, oszustwo i hipokryzję.
W całym systemie obrazów tragedii znalazł wyraz kryzys, jakiego doświadczyła myśl humanistyczna Anglii na początku XVII wieku. Średniowiecze się skończyło. Era feudalna, w której wierność zwierzchnikowi i sprawność wojskowa były uważane za główne cnoty człowieka, została zastąpiona nowym okresem historii. Nadszedł czas na nowe idee, wartości, początki. Teraz na pierwszym miejscu była przedsiębiorczość, umiejętność dostosowania się do każdych warunków, prowadzenie dochodowego biznesu.
Nieco inny czas opisuje jedna z „Małych tragedii” Puszkina – „Rycerz skąpy”.
Społeczeństwo średniowieczne to świat turniejów rycerskich, wzruszającego patriarchatu, kultu damy serca. Rycerze obdarzeni byli poczuciem honoru, szlachetności, niezależności, stawali w obronie słabych i znieważonych. Taka idea rycerskiego kodeksu honorowego jest opisana w tragedii.
Skąpiec Rycerz przedstawia ten historyczny moment, w którym feudalny porządek już się załamał, a życie wkroczyło na nowe brzegi. Prawo do wolności zapewniało rycerzom szlacheckie pochodzenie, feudalne przywileje, władza nad ziemiami, zamkami i chłopami. Ale świat już się bardzo zmienił. Aby zachować wolność, rycerze byli zmuszeni sprzedawać swoje mienie i zachować godność za pomocą pieniędzy. Pogoń za złotem stała się esencją czasu. To przebudowało cały świat stosunków rycerskich, psychologię rycerską.
Już w pierwszej scenie blask i przepych dworu książęcego jest tylko zewnętrznym romansem rycerskim. Wcześniej turniej był sprawdzianem siły, zręczności, odwagi, a teraz cieszy oczy znamienitych szlachciców. Albert nie jest zbyt zadowolony ze zwycięstwa – myśl o przebitym hełmie ciąży na młodym mężczyźnie, który nie ma za co kupić nowej zbroi.
O ubóstwo, ubóstwo!
Jak to upokarza nasze serca!
Ostro narzeka. I przyznaje:
Jaka była wina bohaterstwa? - skąpstwo.
Albert posłusznie poddaje się nurtowi życia, który niesie go do pałacu książęcego. Spragniony rozrywki młody człowiek chce zająć godne miejsce w otoczeniu zwierzchnika i
stanąć na równi z dworzanami. Niezależność to dla niego zachowanie godności wśród równych.
Pieniądze nawiedzają wyobraźnię Alberta, gdziekolwiek się pojawi. Szalone poszukiwanie pieniędzy stało się podstawą dramatycznej akcji Rycerza Skąpca. Apel Alberta do lichwiarza, a następnie do księcia to dwa akty, które decydują o przebiegu tragedii. I to nie przypadek, że to Albert, dla którego pieniądze stały się ideą-pasją, doprowadza do tragedii.
Albert ma trzy możliwości: albo zdobyć pieniądze od lombardu, albo czekać na śmierć ojca (albo sam ją przyspieszyć) i odziedziczyć majątek, albo zmusić ojca do odpowiedniego utrzymania syna. Albert próbuje wszystkich dróg prowadzących do pieniędzy, ale kończą się one całkowitym fiaskiem.
Dzieje się tak dlatego, że Albert nie jest w konflikcie z jednostkami, ale z całym stuleciem. Rycerskie idee honoru i szlachetności są w nim wciąż żywe, ale już rozumie względną wartość praw i przywilejów szlacheckich. Naiwność łączy się u Alberta z wnikliwością, cnoty rycerskie - z trzeźwą rozwagą.
Tym samym wszystkie drogi do złota, a co za tym idzie do osobistej wolności, prowadzą Alberta w ślepy zaułek. Walka okazuje się bezsilna i daremna: żądza pieniędzy jest nie do pogodzenia z honorem i szlachetnością. Dlatego rodzi się nienawiść do ojca, który dobrowolnie mógłby wybawić syna z biedy. Stopniowo potajemna myśl o śmierci ojca przeradza się w otwarte pragnienie.
Ale jeśli Albert wolał pieniądze od feudalnych przywilejów, to baron ma obsesję na punkcie idei władzy. Podziwiając swoje złote „wzgórze”, Baron czuje się jak władca:
króluję! Co za magiczny blask!
Posłuszni mi, moja moc jest silna;
W nim jest szczęście, w nim mój honor i chwała!
Baron dobrze wie, że pieniądze bez władzy nie dają niezależności. Z jego punktu widzenia bogactwo, które nie opiera się na mieczu, jest „trwonione” z katastrofalną szybkością.
Albert jest takim „rozrzutnikiem” dla Barona. Dlatego syn, który może tylko roztrwonić majątek, jest dla barona żywą hańbą i bezpośrednim zagrożeniem dla bronionej przez barona idei. Widać z tego, jak wielka była nienawiść barona do następcy tronu – rozrzutnika, jak wielkie było jego cierpienie na samą myśl, że Albert przejmie władzę „nad swoim państwem”.
Jednak baron rozumie też coś innego: władza bez pieniędzy też jest nieistotna. Miecz został złożony u stóp posiadającego Barona, ale nie zaspokoił jego marzeń o nieograniczonej władzy. Czego miecz nie dopełnił, musi dokonać złoto. Pieniądz staje się więc zarówno środkiem ochrony niezależności, jak i drogą do nieograniczonej władzy.
Idea nieograniczonej władzy przerodziła się w fanatyczną pasję i nadała postaci Barona potęgę i wielkość. Odosobnienie barona, który odszedł z dworu i celowo zamknął się w zamku, można rozumieć jako rodzaj ochrony jego godności, szlacheckich przywilejów, odwiecznych zasad życiowych. Ale trzymając się starych fundamentów i próbując ich bronić, Baron idzie pod prąd. Spór z wiekiem nie może nie zakończyć się druzgocącą porażką Barona.
Przyczyny tragedii Barona leżą także w sprzeczności z jego namiętnościami.
Baron jest jednak rycerzem. Rycerzem pozostaje nawet wtedy, gdy rozmawia z księciem, kiedy jest gotów dobyć dla niego miecza, kiedy wyzywa syna na pojedynek i kiedy jest sam. Męstwo rycerskie jest mu drogie, jego poczucie honoru nie znika.
Żądza władzy Barona działa zarówno jako szlachetna właściwość natury (pragnienie niepodległości), jak i miażdżąca namiętność dla ofiarowanych jej ludzi - o tym marzy Baron. Aby wszystko było mu posłuszne:
Co nie jest pod moją kontrolą? jak jakiś demon
Od teraz mogę rządzić światem;
Jeśli tylko zechcę, zostaną wzniesione hale;
Do moich wspaniałych ogrodów
Nimfy będą biegać w rozbrykanym tłumie;
A muzy przyniosą mi hołd,
A wolny geniusz mnie zniewoli,
I cnota i bezsenna praca
Będą pokornie oczekiwać mojej nagrody.
Gwiżdżę, a do mnie posłusznie, nieśmiało
Zakrwawiona nikczemność wkradnie się,
I będzie lizał moją rękę i do moich oczu
Spójrz, są znakiem mojej woli czytania.
Wszystko jest mi posłuszne, ale ja jestem niczym
Opętany tymi marzeniami baron nie może znaleźć wolności. Jego żądza władzy odradza się w inną, znacznie bardziej nikczemną pasję do pieniędzy. Baron myśli, że jest królem, któremu wszystko jest „posłuszne”, ale nieograniczona władza nie należy do niego, ale do stosu złota, który leży przed nim.
Jednak przed śmiercią barona obudziły się rycerskie uczucia. Od dawna przekonał się, że złoto reprezentuje zarówno honor, jak i chwałę. Jednak w rzeczywistości honor barona jest jego własnością. Ta prawda przeszyła barona w chwili, gdy Albert go obraził. Wszystko natychmiast zawaliło się w umyśle barona. Wszystkie ofiary, wszystkie zgromadzone skarby nagle stały się bez znaczenia. Nadeszła godzina niemocy złota, a w Baronie obudził się rycerz:
Powstań więc i osądź nas mieczem!
Okazuje się, że siła złota jest względna, a są takie ludzkie wartości, których się nie sprzedaje ani nie kupuje. Ta myśl obala drogę i przekonania barona.
Indywidualistyczna świadomość i „straszne serca” bohaterów Puszkina są charakterystyczne dla „strasznego wieku”.
Ale jeśli w Skąpym rycerzu „straszne serca” są charakterystyczne dla wszystkich postaci, to w tragedii Szekspira jest bohater, który postanawia walczyć i to nie z jednostką, ale z całym „strasznym wiekiem”, z całą jego nikczemnością i okrucieństwo. .
Książę Hamlet – nowy człowiek, nagle świadomy swojej obcości w dziwnym, nierzeczywistym świecie pałacu królewskiego, początek tej realizacji padł przed murami Pałacu Elsinore, gdzie pojawił się cień jego zmarłego ojca-króla Mała wioska.
Po raz pierwszy książę poczuł powiew losu, po raz pierwszy wdał się w rozmowę z mieszkańcem świata umarłych. Pierwsza scena tragedii uderza swoją wielkością. Duch wzywa ze sobą Hamleta, by wyjawił księciu straszliwą prawdę o śmierci jego ojca, byłego króla Danii, na skraju urwiska. Być może gdyby Galet nie spotkał ducha swojego ojca, to historia zamku Elsinore nie zakończyłaby się tak tragicznie. Ale Hamlet spotkał tego ducha - tego czarnego mężczyznę i Hamlet poznał całą prawdę o śmierci swojego ojca.
Obraz czarnego mężczyzny, który informuje lub ostrzega przed czymś, o strasznych wydarzeniach z przyszłości lub przeszłości, znajduje się również w twórczości A. S. Puszkina.
Niemal wszystkie wiersze, dramaty, sceny, bajki, opowieści poety łączy jeden znak: inwazja nadprzyrodzonych sił nieziemskich w ludzkie życie. Ale nigdzie ta myśl nie stała się tak straszną plamą, jak w cichym kroku czarnego mężczyzny bez twarzy w tragedii Mozarta i Salieriego.
Nic nie wiemy o czarnym mężczyźnie, nie możemy sobie wyobrazić rysów i wyrazu jego twarzy. Ten dziwny klient dla Mozarta to tylko „ktoś” lub „ten sam”, ubrany na czarno, coś niemal nieziemskiego, bezcielesnego. I nie ma nic dziwnego w samym jego pojawieniu się w domu Mozarta, bo kompozytorzy, zwłaszcza biedni, często pisali muzykę na zamówienie.
Ale Mozart martwi się, że ten Murzyn nie przychodzi na jego zamówienie - na requiem. W dziwnym gościu, ubranym na czarno, dusza Mozarta poczuła zwiastuna śmierci. I okazuje się, że skomponował tę żałobną muzykę dla siebie, bo sam przyznaje, że „szkoda byłoby rozstawać się z moim dziełem, mimo że Requiem jest już w całości gotowe”.
Murzyn nie jest wytworem wyobraźni Mozarta, bo nie tylko sam Mozart go widział, inni trzykrotnie donosili mu o wizytach murzyna. A teraz, wyczerpany bezsennością, zaciemniony podejrzliwością, Mozart idzie do Salieriego i mówi: „Wstyd mi się przyznać”. Ale dlaczego jest to rozsądne? W końcu zwykle wstydzą się czegoś złego. Być może mówi się to „wstydliwie”, bo nie jest to mgliste przeczucie, ale podejrzenie, które ma dokładny adres – Mozart łączy czarnego i Salieriego:
Tu i teraz
Wydaje mi się, że jest trzeci z nami
O jakim pogodnym, lekkim Mozarcie można mówić w pierwszej scenie! Co za „bezczynny biesiadnik” tu jest. Mozart skarży się na ciągłą bezsenność: „Moja bezsenność mnie dręczyła”. „Moje” – tak mówią o czymś trwałym, znajomym, ustalonym. Nie ma czasu na świętowanie przez te trzy tygodnie. I Mozart idzie do przyjaciela, postanawiając wyznać swoje podejrzenia, wyznać, oczyścić duszę.
Ale Salieri zachowuje się dziwnie. W tej chwili zadaje niecierpliwe pytania, przerywając mówiącemu Mozartowi. Do tego momentu Salieri spokojnie wysłuchał Mozarta do końca. Salieri jest oszołomiony wiadomością o Requiem. Zanim zapyta, jak długo Mozart komponował Requiem, może tylko wykrzyknąć: „Ach!”. To jest!" przeszywający, bo Salieri skazał Mozarta na śmierć, a on, nic o tym nie wiedząc, sam niejako zapowiada jego śmierć. Salieriego uderza przenikliwość geniusza. I żeby Mozart niczego nie odgadł, zachowuje się jak świadomy sojusznik bezimiennego gościa, rozprasza Mozarta żartem i usypia jego uwagę. Obaj, każdy na swój sposób, czują oddech zbliżającej się śmierci Mozarta. Wydaje się, że bohaterowie czytają sobie nawzajem w myślach. Rzeczywiście, to właśnie dzisiaj Antonio Salieri umocnił się w decyzji o otruciu Mozarta, a on, jakby przewidując swój los, pyta:
Och, czy to prawda, Salieri,
Że Beaumarchais kogoś otruł?
Oskarżając cały wszechświat o niesprawiedliwość, Salieri dochodzi do idei potrzeby uwolnienia ludzkości od Mozarta:
zostałem wybrany do
Stop - inaczej wszyscy zginiemy
Fenomen Mozarta jest dla Salieriego nie do przyjęcia – nie zazdrości on Mozartowi geniuszu, uważa, że Mozart jest „bezczynnym biesiadnikiem”, że nie zasłużył na swoje niebiańskie pieśni, dostali go za darmo. Dlatego woła:
nie ma prawdy na ziemi.
Ale nie ma prawdy - i ponad.
Tak, bierze na siebie prawo sądzenia zarówno nieba, jak i ziemi. Salieri potwierdza swoją własną prawdę jako jedyną. Salieri popełnia grzech Judasza. A scena w tawernie pod Złotym Lwem jest jak symbol Ostatniej Wieczerzy.
Jednak Mozarta pociąga Salieri. Mozart czuje emanujące z niego zgubne promieniowanie i po części świadomie, po części intuicyjnie walczy nie tylko ze swoją, ale i ze swoją ciemnością, z każdym cieniem zła. Czujemy, że Murzyn to nie tylko prawdziwa osoba, czujemy, że to także czarne sumienie samego Salieriego.
Wybór szekspirowskiego bohatera, Hamleta, również jest trudny. Wybór księcia jest nie tylko etyczny, ale i mistyczny. Uwierzył duchowi, a raczej potwierdził podejrzenia księcia. Zeznania duchów, duchów i innych mieszkańców zaświatów nigdy nie były uważane za dowód ani dowód prawny czyjejś winy lub niewinności. Klaudiusz zostałby uniewinniony, gdyby sąd zajął się jego sprawą. Ale osąd Hamleta nie jest taki. Książę sądzi nie według praw pisanych, ale według zasady - krew za krew. Jest gotów zrobić wszystko, by ukarać Klaudiusza, mordercę jego ojca. Straszna jest ta zbrodnia, ale jeszcze straszniejsza jest przykrywka kłamstw i hipokryzji, pod którą się czai.
Możesz się uśmiechać, uśmiechać
I być złoczyńcą. Jeśli nie wszędzie
To na pewno w Danii.
Hamlet wyciąga takie gorzkie wnioski.
Smutek księcia i jego pragnienie wypełnienia obowiązku – ukarania zła – przerastają jego osobiste ramy: czuje się wezwany nie tylko do pomszczenia Klaudiusza za śmierć ojca, ale także do stawania w obronie oburzonej sprawiedliwości, przeciwko bezwstydnej dominacji kłamstwa i występek, stanąć w pojedynku ze złem panującym w Danii, z jej „zepsutym wiekiem”.
Jak układają się relacje między osobą, na której spoczywa ciężar „splotu czasów”, a społeczeństwem pełnym zakłamania, zdrady, zdrady? Jak się trzymać? jak nie upaść? Hamlet postanawia odciąć się od ludzi, od społeczeństwa, zamknąć duszę na kłódkę i założyć maskę, maskę szaleństwa. Musi „łączyć czasy” i czuje, że brakuje mu sił. Jest zły na własną niemoc i bezsilność, jest sam, otoczony setkami ludzi, nie ma przyjaciół, ale wielu wrogów.
Ponadto Hamlet jest zakochany, ale musi ukrywać swoje uczucia przed Ofelią, ponieważ może ona być bronią w rękach wrogów. Jej ojciec – Poloniusz i brat – Laertes przekonują dziewczynę, by nie wierzyła miłosnym przysiągom Hamleta, nie spotykała się z nim, była roztropna i ostrożna. A nieśmiała Ofelia zgadza się być posłuszna ojcu we wszystkim.
W poetyckim obrazie Ofelii, przedstawiającym jej smutny los, Szekspir ukazuje wrogość świata, takiego jak Klaudiusz i Poloniusz, wobec prostych i pięknych ludzkich uczuć. Ofelia jest ofiarą świata zbrodni i kłamstw, intryg i oszustw. Bardzo kocha Hamleta, ale jednocześnie jest bardzo przywiązana do ojca i wierzy we wszystko. Ofelia mówi, że Hamlet jest bystry, czarujący, szlachetny, ale sama jest zmuszona przyznać, że dla niej to już przeszłość:
Jakim urokiem umarł umysł!
Połączenie wiedzy, elokwencji
I męstwo, nasze święto, kolor nadziei,
Ustawodawca gustów i przyzwoitości,
Ich lustro jest całe rozbite. Wszystko wszystko
Jeśli osoby, które powinny być najbliżej, łamią prawo, czego można oczekiwać od innych? Z tego powodu Hamlet radykalnie zmienia swój stosunek do niej. Jego miłość do Ofelii była szczera, ale przykład matki każe mu wyciągnąć smutny wniosek: kobiety są zbyt słabe, by wytrzymać ciężkie próby życia. Aby złagodzić zerwanie z Ofelią, Hamlet kpi z niej. Chce pokazać Ofelii, że jest bezmyślny i okrutny - dlatego Ofelia go opuści. Hamlet potępia nie tylko Ofelię, ale wszystkie kobiety. A Ofelia szczerze radzi, aby wydostać się z tego błędnego koła dworskiego życia, w którym się znajduje - „pójść do klasztoru”. Hamlet odmawia Ofelii także dlatego, że ta miłość może odwrócić jego uwagę od zemsty, która jest dla niego ważniejsza niż żarliwe uczucia.
Ofelia znajduje się pomiędzy dwoma walczącymi obozami. Nie ma już tyle siły, by oderwać się od ojca i brata, od zwykłego rodzinnego gniazda i otwarcie być blisko Hamleta. Jest uległą i posłuszną córką Poloniusza, która całkowicie zawierza mu swój los i swoje tajemnice.
Ofelia, niewinna i łagodna, nie może zrozumieć sensu i znaczenia walki toczącej się w Elsynorze, wierzy w szaleństwo Hamleta i beztrosko zgadza się zostać „narzędziem doświadczalnym” w rękach Poloniusza i Klaudiusza. Nie jest w stanie znieść spadających na nią ciężkich ciosów losu i ginie jak kwiat zgnieciony przez burzę.
Hamlet jest pośrednio winny śmierci Ofelii, ale usprawiedliwia go fakt, że walczył ze złem w imię świętej zemsty.
Jeśli szaleństwo Hamleta jest tylko maską, to szaleństwo Ofelii budzi u czytelników litość i ból. Niewinna Ofelia stała się ofiarą zazdrości, okrucieństwa i złośliwości społeczeństwa.
Temat miłości i śmierci, nieszczęśliwej miłości poruszany jest także w tragedii „Kamienny gość” z cyklu utworów dramatycznych „Małe tragedie” A. S. Puszkina.
Dla Kamiennego gościa Puszkin wybrał fabułę starożytnych hiszpańskich legend i ich słynnego bohatera. Don Juan pod piórem Puszkina pojawił się jako „poeta” miłości.
Ponure średniowiecze odchodzi w przeszłość, ustępując miejsca nowej epoce – wczesnemu renesansowi.
Szczególne napięcie, blask miłości wyzwala bliskie sąsiedztwo śmierci, które nadaje intymnym uczuciom czysto hiszpański charakter. W miłości bohaterów wyczuwa się zwiastun katastrofalnego końca. Romanse Don Juana są nierozerwalnie związane ze śmiercią jego rywali. Randka Don Juana z Laurą kończy się śmiercią Carlosa. Cavaliers Laura Carlos przepowiada śmierć. Don Juan spotyka Donę Annę na cmentarzu, a jego ostatnie spotkanie z nią kończy się śmiercią bohatera. Życie i śmierć idą ramię w ramię.
Poczucie przełomu w średniowieczu w tragedii Puszkina potwierdza fakt, że nadszedł czas emancypacji ludzkich uczuć. Wybuchają wolne namiętności. Średniowiecze wciąż żyje w obrazie Carlosa, mnicha, Dony Anny, która codziennie odwiedza grób męża, ukrywa twarz i wraca do domu. Leporello ze swoim lękiem przed siłami wyższymi. W Don Juanie jest też wiele starych zwyczajów: jest on nadal lojalnym rycerzem króla i dobrze wie, że sprzeciwia się tradycjom, zabiegając o miłość Dony Anny. Ale generalnie Don Juan, podobnie jak Laura, to ludzie renesansu. Obudziły się w nich wolne namiętności, radośnie przyjmują życie, gloryfikują jego przyjemności, oddają się im lekkomyślnie, nie znają zakazów moralnych, instytucji kościelnych i państwowych.
Przejście z jednej wielkiej epoki do drugiej przechodzi przez serca ludzi. Don Juan jest wrogiem Don Alvara, a zatem wdowy po nim, Dony Anny.
Miłość do żony zamordowanego dona Alvara i potrzeba miłości wskrzeszona w Don Annie - oto psychologiczne zderzenie, które nabiera szczególnej ostrości, także dlatego, że Don Anna, nieświadoma tego, zakochała się w zabójcy męża. Przed Doną Anna nie znała miłości: poślubiła Don Alvara pod naciskiem matki. Siłę namiętności, która ją ogarnęła, powstrzymują zwyczaje, ale porwana miłością Dona Anna odpowiada na wezwanie.
Jednak prawdziwy triumf wolnych uczuć uchwycił Puszkin na obrazach Laury i Don Juana.
Don Juan jest pociągający pogodą ducha, pełen miłości, spragniony zmysłowych przyjemności. Zakochawszy się, „raduje się, że może objąć cały świat”. Laura jest szczerze i pogodnie otwarta na miłość. Ją i Don Juana łączy duchowa bliskość. Laura niczego się nie boi. Kolacja u Laury to uczta pokrewnych dusz, wśród których Carlos wygląda jak obcy. Don Juan nie zna też ani niebiańskiego, ani ziemskiego strachu. Bawiąc się, gra zarówno własnym, jak i cudzym życiem, zawsze gotowy do usprawiedliwienia się i zrzucenia winy na wroga.
Jednak miłość bohaterów Puszkina, zwłaszcza Laury i Don Juana, jest nie tylko wolna i bezinteresowna, ale także samowolna. W przypadku Laury nie podlega żadnym normom moralnym, podczas gdy w przypadku Don Juana wypiera wszystkie inne ruchy duchowe. Ta dwoistość samej epoki – ekstaza doczesnego życia, poleganie na własnych siłach, pragnienie przyjemności i jednocześnie zuchwała samowola, pogarda dla wszelkich norm moralnych, lekceważenie wolności, a nawet życia drugiego człowieka, decyduje o oryginalności bohatera Puszkina. Don Juan jest żarliwy i zimny, szczery i kłamliwy, namiętny i cyniczny, odważny i rozważny. Nie zna granicy między dobrem a złem. Unosząc Donę Annę, mówi, że zakochał się w niej w cnocie. „Wydaje mu się”, że pod wpływem nowego uczucia miłosnego „całkowicie się odrodził”. A jednocześnie bohater pozostaje tym samym Don Juanem, „improwizatorem miłosnej piosenki”. Don Juana niszczy nie ateizm i przygody miłosne, ale „okrutny wiek” i wrodzona samowola bohatera.
Już w scenie z Laurą, całującą swoją dziewczynę, gdy Carlos nie żyje, oczywiście bluźni. Nawet Laura, pędząca do Don Juana, łapie się.
Zapraszając pomnik dowódcy na miłosną randkę, jest wyzywająco bezczelny. Etyka ludzka, szlachetność wymaga pozostawienia zmarłego w spokoju. Don Juan natomiast najpierw szydzi ze zmarłego, a potem, niezadowolony z polecenia służącego, sam udaje się pod pomnik Komendanta i ponawia jego fantastyczne zaproszenie.
Miłosne spotkanie w ostatniej, czwartej scenie, podobnie jak w scenie z Laurą, odbywa się ze zmarłymi. Po nieoczekiwanej zgodzie posągu Don Juan po raz pierwszy jest zdezorientowany, po raz pierwszy czuje potęgę zgubnych sił i mimowolnie wydaje z siebie okrzyk: „O Boże!”
Zaproszenie statuy nie może być jednoznacznie interpretowane. Don Alvar stał się niemym cieniem strażnika uczuć Dony Anny. Upominał się o nią najpierw za życia – pieniędzmi, a po śmierci – uświęconymi przez religię zwyczajami. Don Juan chce uwolnić Donę Annę ze straszliwych kajdan, sprzeciwiając się religijnemu fanatyzmowi i hipokryzji, które uosabia Don Alvar. Ale zapraszając zabitego dowódcę, by pilnował miłosnego spotkania z wdową, Don Juan odkrywa także swoją niższość moralną. Szlachetna, rycerska zasada, która żyje w Don Juanie, jest nierozerwalnie związana z nieludzkością.
Don Juan jest rycerzem, gotowym stanąć w obronie własnej godności, honoru, wolności, uczuć.
Jednak Don Juan traktuje swoją ukochaną jako sposób na zaspokojenie spragnionej duszy. Jej cel – potwierdzenie siebie poprzez przyjemności zmysłowe – pozbawiony jest zasady etycznej.
Don Juan nie wypada z ręki Don Alvara, ale z prawicy samego losu, który karze tych, którzy przekroczyli ludzkie prawa. Pomnik wodza reprezentuje nie tylko stary świat, ale także najwyższą sprawiedliwość.
W tragedii Szekspira Hamlet najwyższą sprawiedliwość wymierza sam bohater. W całej sztuce dramaturg skupia się na centralnej uwadze Hamleta. Hamlet odzwierciedla próby wniknięcia wrogów w jego plany, zdziera maski z przeciwników. Odsłonięte są nikczemne słuchawki króla: Rosencrantz i Guildenstern. Za ich zapewnieniami o przyjaźni książę odkrywa kłamstwa i hipokryzję. Jest coraz bardziej przekonany o panującej wokół deprawacji:
Tak jest. Szczerze mówiąc - w naszych czasach znaczy być jedynym z dziesięciu tysięcy.
Te słowa wymawia Hamlet w rozmowie z Poloniuszem.
W słynnym monologu „Być albo nie być” (w pierwszej scenie aktu trzeciego) ze szczególną siłą ujawniają się wszystkie pogłębiające się wątpliwości i refleksje Hamleta, a jednocześnie jego stosunek do „wieku” jest wyrażony. Widzi potworną niesprawiedliwość i zło panujące w społeczeństwie:
kto by zniósł upokorzenie stulecia,
Kłamstwo ciemiężcy, szlachty
Arogancja, odrzucone uczucie,
Powolny osąd i więcej niż cokolwiek innego
Kpina z niegodnych nad godnymi
Ale jednocześnie książę czuje, że jego piękna determinacja, by stawić czoła złu świata, „zawodzi pod dotknięciem bladej myśli”. I te nierozwiązane fundamentalne kwestie bytu i niemożność rozwiązania ich samotną walką doprowadzają go do bolesnego rozłamu. Najbliższe zadanie – zabicie Klaudiusza – wydaje się blednąć, odsuwać na bok ważniejsze i szersze sprawy życiowe, a Hamlet waha się przed zemstą.
Jednym z najbardziej intensywnych momentów tragedii jest scena rozmowy Hamleta z matką. Myśląc, że król podsłuchuje za dywanem, Hamlet przebija mieczem ukrywającego się tam Poloniusza.
Atmosfera w zamku staje się coraz bardziej napięta, akcja posuwa się coraz szybciej ku rozwiązaniu. Śmierć Poloniusza z rąk Hamleta pociąga za sobą szaleństwo i śmierć Ofelii.
Ostatni (piąty) akt tragedii otwiera scena na cmentarzu. Znów kontrasty wzniosłości i podłości, tragiczności i śmieszności, tak charakterystyczne dla Szekspira: żarty i wesołe pieśni grabarzy, przyzwyczajonych do swego rzemiosła, obojętnie wyrzucających czaszki z ziemi, a potem – ponure myśli Hamleta.
Te same kontrasty tragedii i ironii widać w jednej z Małych tragedii Puszkina.
Problematyka sensu życia, godności i honoru osoby, odpowiedzialności człowieka w obliczu strasznej i tragicznej konieczności została postawiona w tragedii „Uczta w czasach zarazy”.
Sytuacja w nim jest celowo warunkowa. Dżuma to klęska żywiołowa, która zagraża życiu ludzi. Ludzie nie mogą ani z tym walczyć, ani się przed tym uchronić. Nie walczą i nie ratują. Są zgubieni i wiedzą, że umrą.
W tragedii przykłady społeczno-historyczne schodzą na dalszy plan. Rzecz nie w nich, ale w tym, jak ludzie zachowują się w tragicznych okolicznościach, co przeciwstawiają lękowi przed śmiercią. Czy pojawią się nikczemne, okrutne instynkty, czy wpadną w panikę, czy pokornie pochylą głowy, czy odważnie i prosto wyjdą na „wysoką godzinę samotności”?
Bohaterowie tragedii, z wyjątkiem Księdza, urządzają ucztę w czasie zarazy. Bliscy umierają, przejeżdża wóz z trupami, a oni ucztują.
Tragiczna sytuacja rozgrywa się od samego początku, ale jej wynik nie jest przesądzony.
W przeciwieństwie do innych tragedii, w Uczcie w czasach zarazy jeszcze bardziej osłabiona jest zewnętrzna akcja dramatyczna. Bohaterowie wypowiadają monologi, śpiewają piosenki, prowadzą dialog, ale nie wykonują żadnych czynności mogących zmienić sytuację. Dramat przenosi się na motywy ich zachowań.
I tu okazuje się, że powody, które sprowadziły uczestników na ucztę, są zgoła odmienne. Uczta dla Młodego Człowieka to sposób na zapomnienie. Ludwika przyszła na ucztę ze strachu przed samotnością. Tylko Mary i Valsingam znajdują siłę, by stawić czoła szalejącym żywiołom.
Tylko Walsingam zdaje sobie sprawę z powagi sytuacji i śmiało przeciwstawia się śmierci. W uroczystym, tragicznym hymnie Przewodniczącego człowiek swoją wolą przeciwstawia się śmierci i niebezpieczeństwu. Im groźniejsze są ciosy losu, tym gwałtowniejszy jest opór wobec niego. Nie śmierć gloryfikuje Puszkina pod postacią Zimy i Zarazy, ale zdolność i gotowość osoby do konfrontacji. Wezwanie do ślepych elementów przynosi człowiekowi radość z jego mocy i stawia go na równi z nimi.
Człowiek niejako pokonuje swoją ziemską egzystencję i cieszy się swoją mocą:
W bitwie panuje zachwyt
I ciemna otchłań na krawędzi,
I we wściekłym oceanie
Wśród burzliwych fal i burzliwej ciemności,
I w arabskim huraganie
I w oddechu Zarazy.
„Serce śmiertelnika” w śmiertelnych chwilach zagrożenia zyskuje „nieśmiertelność, być może zastaw”. Pieśń Walsingamy jest hymnem osoby nieustraszonej, gloryfikacją heroizmu osoby samotnej.
W tym samym czasie Puszkin włożył hymn w usta „upadłego ducha”. Podobnie jak Maria, Przewodniczący żałuje, że urządził bluźnierczą ucztę („O, gdyby tylko można było ukryć to widowisko przed oczami nieśmiertelnych!”). Walsingam jest daleki od zwycięzcy, ponieważ pojawił się w hymnie. Jego umysł jest pokonany. Nic dziwnego, że śpiewa: „Zatopmy wesoło nasze umysły”, po czym powraca do tej samej myśli w odpowiedzi na Księdza:
Jestem tu przetrzymywany
Rozpacz, okropne wspomnienie,
Świadomość mojej niegodziwości,
I przerażenie tej martwej pustki,
Które spotykam w moim domu -
A wieści o tych szalonych zabawach,
I błogosławiona trucizna tego kielicha,
I pieszczoty (przebacz mi, Panie) -
Zmarłe, ale słodkie stworzenie
Ksiądz pochyla głowę przed żalem przewodniczącego, ale odwołuje się do sumienia. W jego słowach jest prosta i mądra prawda. Uczta przerywa żałobę po zmarłych, „miesza” „milczenie trumien”. Jest to sprzeczne ze zwyczajem. Kapłan, domagając się uszanowania pamięci zmarłych, stara się wprowadzić ucztujących na drogę religijnej pokory, częściowo powtarzając pieśń Maryi:
Zatrzymaj potworną ucztę, kiedy
Chcesz się spotkać w niebie
Zagubione ukochane dusze.
Nalega na przestrzeganie tradycyjnych norm moralnych:
Idźcie do swoich domów!
I chociaż Kapłan nie odnosi sukcesów swoimi kazaniami i zaklęciami, Valsingam mimo to uznaje jego „bezprawie”. W samym zachowaniu Księdza jest coś, co skłania Przewodniczącego do myślenia.
Wyśpiewując bohaterstwo samotności, pogardę śmierci, godną śmierć, Przewodniczący wraz z innymi uczestnikami uczty odgradzał się od nieszczęścia zwykłych ludzi, a Ksiądz, nie troszcząc się o siebie, wzmacnia ducha konających. On jest wśród nich.
Jednak pozycja Kapłana nie neguje wysokiego osobistego bohaterstwa Valsingama. Kapłan udaje się do ludzi w imię ratowania ich dusz, uspokojenia sumienia, aby złagodzić cierpienia w niebie. Walsingam natomiast gloryfikuje duchową odwagę ziemskiego człowieka, który nie chce pokornie stawić czoła śmierci i nie potrzebuje z zewnątrz zachęty, znajdując siłę w sobie. Osobisty heroizm Przewodniczącego skierowany jest więc do niego i do ucztujących, a Kapłan rozumie wyczyn i sens ludzkiego życia jako niewytłumaczalną służbę ludziom w dniach klęski. Walsingam broni wewnętrznych możliwości człowieka. Ksiądz stawia na wierność zwyczajom. Tragedia polega na tym, że heroizm Przewodniczącego jest pozbawiony poświęcenia dla dobra ludzi, a ludzka bezinteresowność Kapłana odbiera osobistą duchową odwagę zwykłym śmiertelnikom i zastępuje ją głoszeniem pokory i autorytetu religia.
Puszkin rozumiał, że przezwyciężenie tej sprzeczności było niemożliwe w jego ówczesnych warunkach, ale że takie zadanie postawił sam bieg historii. Puszkin nie wiedział, kiedy iw jakiej formie ludzkość osiągnie jedność osobistych aspiracji i wspólnych interesów, ale ufał przepływowi życia i pozostawił tę sprzeczność nierozwiązaną. Opierał się także na potędze ludzkiego umysłu, dlatego, jak wiele dzieł lat 30., „Uczta w czasach zarazy” zwrócona jest ku przyszłości.
Końcowa uwaga „Uczty w czasach zarazy” – „Przewodniczący pogrążony jest w głębokim zamyśleniu” – wyjaśnia sens tragedii Puszkina. Głęboka refleksja Valsingama to zarówno świadomość duchowej niestabilności i straty, jak i refleksja nad własnym zachowaniem oraz refleksja nad tym, jak przezwyciężyć przepaść między zamkniętym w sobie heroizmem a odważnym oddaniem się ludzkości.
Przewodniczący nie uczestniczy już w uczcie, ale jego umysł się budzi.
W otwartym zakończeniu ostatniej sztuki, która zamyka cykl, Puszkin odwołuje się do jasnej świadomości, do jej triumfu, do moralnej odpowiedzialności ludzi za siebie i świat.
„Małe tragedie” Puszkina uchwyciły głębokie zmiany moralne, psychologiczne, filozoficzne i społeczno-historyczne na trudnej ścieżce ludzkości. Bohaterowie „Małych tragedii”, z wyjątkiem genialnego Mozarta, zostają pokonani, stając się ofiarami pokus, pokus epoki i swoich namiętności. Jako pomnik życiodajnej mocy sztuki wznosi się wśród nich natchniony Mozart, którego życiodajna duchowość jest bliska jego wielkiemu rzeźbiarzowi.
W tragedii W. Szekspira „Hamlet”, w całym systemie wizerunków bohaterów, a zwłaszcza w obrazie samego Hamleta, znalazł wyraz kryzys, jakiego doświadczyła postępowa myśl humanistyczna Anglii na początku XVII wieku. Szekspir włożył w usta Hamleta wiele swoich ukochanych myśli i uczuć, ale jednocześnie autora nie można utożsamiać ze swoim bohaterem. Pokazując rozczarowanie i rozpacz Hamleta, sam Szekspir jest daleki od beznadziejnego pesymizmu. Rozumie trudności walki ze złem w teraźniejszości, a jednak wierzy w przyszłość, że kiedyś nadejdzie wyzwolenie z okowów kłamstwa i ucisku człowieka przez człowieka. Niech za cenę krwawych ofiar, ale prawda i sprawiedliwość muszą zwyciężyć - taki jest sens rozwiązania tragedii.
Na obrazie bohatera Hamleta widzimy humanistę renesansu, nosiciela zaawansowanych ideałów swoich czasów. Ale jego wiara w życie i człowieka, jego najlepsze marzenia giną, gdy zbliża się do świata-więzienia, gdzie szaleją „błazny na tronie”, gdzie rozkwitają kłamcy, podli czciciele i mordercy przywdziewający maski samozadowolenia. Tragedia śmierci wzniosłych złudzeń, wewnętrzna niezgoda spowodowana poczuciem beznadziejności samotnej walki o naprawę społeczeństwa, a jednocześnie pogłębiające się obnażanie kłamstwa i niesprawiedliwości, narastający protest – wszystko to składa się na patos tragedii Hamleta, jej ideowy rdzeń.
Śmiało można powiedzieć, że ten człowiek zmienił świat, mentalność, postrzeganie, stosunek do sztuki jako takiej. William Shakespeare, którego dzieła są przedmiotem szkolnego programu nauczania, był prawdziwym geniuszem. Jego dramaty i wiersze można nazwać prawdziwą encyklopedią relacji międzyludzkich, swoistym zwierciadłem życia, zwierciadłem wad i mocnych stron człowieka.
wielki geniusz
Dzieła Szekspira stanowią imponujący wkład w literaturę światową. W ciągu swojego życia wielki Brytyjczyk stworzył siedemnaście komedii, jedenaście tragedii, tuzin kronik, pięć wierszy i sto pięćdziesiąt cztery sonety. Co ciekawe, ich tematyka, problemy w nich opisane, są aktualne do dziś. Nawet wielu badaczy twórczości dramatopisarza nie potrafi odpowiedzieć, jak w XVI wieku człowiek mógł tworzyć dzieła, które poruszają wszystkie pokolenia. Postawiono nawet hipotezę, że prace zostały napisane nie przez jedną osobę, ale przez pewną grupę autorów, ale pod jednym pseudonimem. Ale prawda nie została jeszcze ustalona.
krótki życiorys
Szekspir, którego dzieła są tak kochane przez wielu, pozostawił po sobie wiele tajemnic i bardzo niewiele faktów historycznych. Uważa się, że urodził się niedaleko Birmingham, w mieście Stratford-upon-Avon, w 1564 roku. Jego ojciec zajmował się handlem i był zamożnym obywatelem. Ale o sprawach literatury i kultury nie rozmawiano z małym Williamem: w tym czasie w mieście nie było środowiska, które sprzyjałoby rozwojowi talentów.
Chłopiec poszedł do bezpłatnej szkoły, w wieku osiemnastu lat ożenił się (pod przymusem) z bogatą dziewczyną, starszą od niego o osiem lat. Podobno Szekspir nie lubił życia rodzinnego, więc dołączył do wędrującej grupy artystów i wyjechał do Londynu. Ale nie miał szczęścia zostać aktorem, więc pisał wiersze na cześć wpływowych ludzi, obsługiwał konie zamożnych bywalców teatrów, pracował jako sufler i skończył pisać sztuki. Pierwsze dzieła Szekspira pojawiły się, gdy miał 25 lat. Potem pisał coraz więcej. Zostały dostarczone i odniosły sukces. W 1599 roku kosztem artystów grupy, w tym Szekspira, powstał słynny Teatr Globe. W nim dramaturg pracował niestrudzenie.
Cechy prac
Twórczość Szekspira już wtedy różniła się od tradycyjnych dramatów i komedii. Ich znakiem rozpoznawczym była głęboka treść, obecność intrygi, która zmienia ludzi. Wilhelm pokazał, jak nisko nawet szlachetny człowiek może upaść pod wpływem okoliczności i odwrotnie, jak wielkie czyny dokonują osławieni złoczyńcy. Dramaturg zmuszał swoich bohaterów do stopniowego ujawniania się w miarę rozwoju akcji, a widza do wczucia się w bohaterów, do podążania za sceną. Dzieła Szekspira charakteryzują się także wysokim patosem moralnym.
Nic dziwnego, że geniusz dramaturgii już za życia pozbawił dochodów wielu autorów, ponieważ publiczność domagała się właśnie jego twórczości. I spełniał wymagania popytu - pisał nowe sztuki, odtwarzał starożytne historie, korzystał z kronik historycznych. Sukces zapewnił Wilhelmowi pomyślność, a nawet herb szlachty. Zmarł, jak się powszechnie uważa, po wesołej uczcie z okazji jego urodzin w przyjacielskim gronie.
Dzieła Szekspira ( lista )
Nie jesteśmy w stanie wymienić w tym artykule wszystkich dzieł największego angielskiego dramatopisarza. Ale zwróćmy uwagę na najsłynniejsze dzieła Szekspira. Lista jest następująca:
- "Romeo i Julia".
- "Mała wioska".
- „Makbet”.
- „Sen w letnią noc”.
- „Otello”.
- "Król Lear".
- "Kupiec wenecki".
- "Wiele hałasu o nic".
- "Burza".
- „Dwie Werony”.
Te sztuki można znaleźć w repertuarze każdego szanującego się teatru. I oczywiście, parafrazując słynne powiedzenie, można powiedzieć, że aktor, który nie marzy o zagraniu Hamleta, jest zły, aktorka, która nie chce zagrać Julii, jest zła.
Być albo nie być?
Dzieło Szekspira „Hamlet” jest jednym z najjaśniejszych, najbardziej przenikliwych. Obraz duńskiego księcia porusza do głębi duszy, a jego odwieczne pytanie skłania do zastanowienia się nad swoim życiem. Tym, którzy jeszcze nie czytali tragedii w pełnej wersji, opowiemy streszczenie. Spektakl zaczyna się od pojawienia się ducha w królach. Spotyka się z Hamletem i mówi mu, że król nie umarł śmiercią naturalną. Okazuje się, że dusza ojca domaga się zemsty – morderca Klaudiusz nie tylko zabrał żonę zmarłego króla, ale także tron. Chcąc zweryfikować prawdziwość słów noktowizora, książę udaje szaleńca i zaprasza do pałacu wędrownych artystów, aby zainscenizowali tragedię. Reakcja Klaudiusza go zdradziła, a Hamlet postanawia się zemścić. Pałacowe intrygi, zdrada ukochanej i byłych przyjaciół czynią z mściciela księcia bez serca. Zabija kilku z nich w obronie siebie, ale zostaje zabity mieczem brata zmarłej Ofelii. W końcu giną wszyscy: zarówno Klaudiusz, który nieprawdziwie objął tron, jak i matka, która wypiła zatrute przez męża wino, przygotowane dla Hamleta, oraz sam książę i jego przeciwnik Laertes. Szekspir, którego dzieła wzruszają do łez, opisał problem nie tylko w Danii. Ale cały świat, w szczególności monarchia dziedziczna.
Tragedia dwojga kochanków
„Romeo i Julia” Szekspira to wzruszająca opowieść o dwójce młodych ludzi, którzy są gotowi poświęcić się, by być z wybranką. To opowieść o skłóconych rodzinach, które nie pozwoliły swoim dzieciom być razem, być szczęśliwymi. Ale dzieci walczących szlachciców nie przejmują się ustalonymi zasadami, postanawiają być razem. Ich spotkania są pełne czułości i głębokich uczuć. Ale pan młody został znaleziony dla dziewczyny, a jej rodzice każą jej przygotować się do ślubu. Brat Julii ginie w ulicznej bójce między przedstawicielami dwóch zwaśnionych rodów, a za zabójcę uznaje się Romea. Władca chce wypędzić przestępcę z miasta. Młodym pomaga mnich i pielęgniarka, ale nie omówili do końca wszystkich szczegółów ucieczki. W rezultacie Julia wypija eliksir, z którego wpada w Romea, ale uważa swojego ukochanego za zmarłego i pije truciznę w swojej krypcie. Po przebudzeniu dziewczyna zabija się sztyletem faceta. Montekowie i Kapuleci godzą się, opłakując swoje dzieci.
Inne prace
Ale William Shakespeare pisał dzieła i inne. To zabawne komedie, które są podnoszące na duchu, lekkie i żywe. Opowiadają o ludziach, choć sławnych, ale takich, którym nie jest obca miłość, pasja, dążenie do życia. Gry słowne, nieporozumienia, szczęśliwe wypadki prowadzą bohaterów do szczęśliwego zakończenia. Jeśli w spektaklach obecny jest smutek, to jest on ulotny, na przykład dla podkreślenia radosnego zamieszania na scenie.
Oryginalne, pełne głębokich przemyśleń, uczuć, przeżyć są także sonety wielkiego geniusza. W wierszu autor zwraca się do przyjaciela, ukochanego, opłakuje rozłąkę i raduje się na spotkaniu, jest rozczarowany. Specjalny język melodyczny, symbole i obrazy tworzą nieuchwytny obraz. Co ciekawe, w większości sonetów Szekspir odnosi się do mężczyzny, być może Henry'ego Risleya, hrabiego Southampton, patrona dramatopisarza. I dopiero wtedy, w późniejszych utworach, pojawia się śniada dama, okrutna kokietka.
Zamiast posłowia
Każdy jest po prostu zobowiązany przeczytać przynajmniej w tłumaczeniu, ale pełną treść najsłynniejszych dzieł Szekspira, aby upewnić się, że największy geniusz miał zdolność proroka, bo potrafił zidentyfikować problemy nawet współczesnego społeczeństwa . Był badaczem dusz ludzkich, dostrzegał ich wady i zalety, nawoływał do zmian. A czy nie taki jest cel sztuki i wielkiego mistrza?
Kompozycja
Rozkwit angielskiego dramatu rozpoczął się pod koniec lat 80. XVI wieku, kiedy pojawiła się plejada pisarzy, zwanych obecnie „umysłami uniwersyteckimi”: Christopher Marlowe (1564-1593), Thomas Kyd (1558-1594), Robert Greene (ok. 1560-1592) , John Lily (ok. 1554-1606) i kilku innych. Kamieniami milowymi wyznaczającymi początek tego rozkwitu były dwie tragedie - „Tamerlan Wielki” (1587) K. Marlo i „Tragedia hiszpańska” T. Kddy (ok. 1587). Pierwszy zapoczątkował krwawy dramat, drugi - gatunek tragedii zemsty.
Istnieją wszelkie powody, by sądzić, że Szekspir rozpoczął swoją dramatyczną pracę ok. 1590. W pierwszym okresie swojej twórczości stworzył szereg krwawych dramatów historycznych - trylogię "Henryk VI" i "Ryszard III" oraz tragedię zemsty "Tytus Andronikus". Pierwsze komedie Szekspira, Komedia omyłek i Poskromienie złośnicy, wyróżniały się dość prymitywną komedią, bliską farsom.
W latach 1593-1594 nastąpił przełom. Chociaż Szekspir nigdy nie porzucił farsy i błazenady, generalnie jego nowe komedie Dwie Werony, Sen nocy letniej, Kupiec wenecki, Wiele hałasu o nic, Jak wam się podoba, Wieczór Trzech Króli, „Wesołe kumoszki z Windsoru” wyróżniają się subtelny humor. Dominują w nich motywy awanturnicze i awanturnicze oraz motyw miłości.
Większość dramatów historycznych tego okresu zabarwiona jest wiarą w triumf najlepszych początków życia publicznego, co jest szczególnie widoczne w trzech sztukach kronikarskich – „Henryk IV” (dwie części) i „Henryk V”. Choć dramatyczna walka panów feudalnych jest w nich nieodzownym elementem akcji, na uwagę zasługuje spora doza humoru. To właśnie w „Henryku IV” pojawia się wizerunek Falstaffa – arcydzieła szekspirowskiej komedii.
Jedyną tragedią tego okresu, która trwa do końca XVI wieku, jest Romeo i Julia (1595). Jej akcja przesiąknięta jest głębokim liryzmem i nawet śmierć młodych bohaterów nie czyni tej tragedii beznadziejną. Choć Romeo i Julia umierają, po ich trupach dochodzi do pojednania zwaśnionych rodów Montekich i Kapuletów, miłość odnosi moralne zwycięstwo nad światem zła.
Tragedia „Romeo i Julia” ucieleśnia optymistyczny nastrój Szekspira w drugim okresie. W komediach i jedynej tragedii tych lat ludzkość triumfuje nad złymi początkami życia.
Na przełomie XVI i XVII wieku nastąpił nowy przełom w sposobie myślenia Szekspira. Pierwsze oznaki tego są odczuwalne w tragedii historycznej „Juliusz Cezar” (1599). Jej prawdziwym bohaterem nie jest jednak wielki dowódca, lecz kolejna rzymska postać – Brutus, zaprzysięgły wróg tyranii. Przystępuje do spisku przeciwko Cezarowi, dążąc do zdobycia wyłącznej władzy despotycznej i uczestniczy w jego zamachu. Zwolennicy Cezara, a przede wszystkim Marek Antoniusz, oszukują lud demagogicznymi przemówieniami, Rzymianie wypędzają Brutusa. Szlachetny bohater zostaje pokonany i popełnia samobójstwo. Zwycięstwo przypada zwolennikom tyranii. Tragedia polega na tym, że ludzie (a mianowicie odgrywają decydującą rolę w tej tragedii) nie dojrzeli do zrozumienia, kto jest ich prawdziwym, a kto wyimaginowanym przyjacielem. Warunki historyczne rozwinęły się niekorzystnie dla tych, którzy chcieli ustanowić w życiu szlachetne ideały, co zostało wyrażone w Juliuszu Cezarze.
Podobnie jak inni przedstawiciele nowego światopoglądu, Szekspir uważał, że najlepsze początki powinny zatriumfować nad złem. Jednak on i jego pokolenie musieli zadbać o to, by życie potoczyło się inaczej. Przez trzy stulecia rozwijał się humanizm europejski, głoszący potrzebę reorganizacji życia na nowych, bardziej ludzkich zasadach. Nadszedł czas, aby zobaczyć konsekwencje tego. Zamiast tego negatywne cechy rozwoju burżuazyjnego stawały się coraz bardziej widoczne we wszystkich aspektach życia. Niszcząca wszystko moc złota została dodana do pozostałości poprzednich feudalno-monarchicznych niesprawiedliwości.
Szekspir całym sercem czuł, że humanistycznych ideałów nie da się zrealizować w życiu. Wyraża się to w Sonecie 66. Chociaż bardziej znane są jego przekłady S. Marshaka i V. Pasternaka, podaję inną wersję:
* Wzywam śmierć, już nie mogę patrzeć,
* Jak godny mąż umiera w ubóstwie,
* A złoczyńca żyje w pięknie i sali;
* Jak ufność dusz czystych depcze,
* Ponieważ czystość jest zagrożona hańbą,
* Jak honoruje się łajdaków,
* Jak słabnie siła przed zuchwałym spojrzeniem,
* Jak wszędzie w życiu łotrzyk triumfuje,
* Jak dowolność drwi ze sztuki,
* Jak bezmyślność rządzi umysłem,
* Jak boleśnie marnieje w szponach zła
* Wszystko, co nazywamy dobrem.
* Gdyby nie ty, kochanie, już dawno bym to zrobił
* Szukałem odpoczynku w cieniu trumny.
* Tłumaczenie O. Rumera
Sonet powstał prawdopodobnie pod koniec lat 90. XVI wieku, kiedy rozpoczął się przełom w mentalności Szekspira, prowadzący do powstania tragedii Hamlet. Powstał najwyraźniej w latach 1600-1601. Już w 1603 roku ukazało się pierwsze wydanie tragedii. Został wydany bez zgody autora i teatru, w którym grano sztukę, i został nazwany quarto z 1603 roku.
