Ilustracje artystów, pisarza Lwa Tołstoja. Ł

Bukiet kwiatów, motyli i ptaków. 1820

Artysta Fiodora Tołstoja

"...postanowiłem poświęcić się artystom"
Każdy, kto znał hrabiego Fiodora Pietrowicza Tołstoja, a on znał cały świat - zarówno rodzinę cesarską, jak i wysokie społeczeństwo, i wszystko, co artystyczne, artystyczne w Rosji, zauważył integralność jego natury, szlachetność jego duszy . Każdy, kto oglądał dzieła mistrza, był urzeczony uzdrawiającą harmonią dla duszy i serca oraz pełnym wdzięku pięknem obrazów jego sztuki.

Asceta sztuki i osoba publiczna, człowiek obowiązku i honoru, imponował swoim współczesnym zdumiewającym rozmachem zainteresowań i wiedzy. Szacunek i publiczne uznanie zasług Tołstoja zabrzmiały w dniu obchodów pięćdziesiątej rocznicy jego twórczości: „Hrabia kochał sztukę nie dla zaszczytów, nie dla spędzania czasu, nie dla pieniędzy. Kochał sztukę dla niej samej. Przez pięćdziesiąt lat hrabia był niezmiennym, energicznym, zawsze stanowczym obrońcą praw sztuki rosyjskiej. Przez pięćdziesiąt lat patronował bez mecenatu, nie w sposób pański, ale jako towarzysz i starszy brat.
Fiodor Tołstoj urodził się za panowania Katarzyny II w Petersburgu 10 lutego 1783 r. Rodzice, hrabia Piotr Andriejewicz Tołstoj i jego żona Elizaweta Jegorowna, nie mogli sobie nawet wyobrazić, że ich syn Fiodor, dziesiąty z ich trzynaściorga dzieci, los przeznaczony sławę w dziedzinie artystycznej. Wydawało się, że przyszłość młodego hrabiego została przesądzona przez szlachetność urodzenia. Już podczas chrztu dziecko otrzymało stopień sierżanta Straży Życia Pułku Preobrażeńskiego. Co roku miał otrzymywać przepustki z pułku do czasu, gdy po osiągnięciu pełnoletności będzie mógł rozpocząć służbę.
Początek panowania Pawła I, który zmienił wiele losów, zmienił losy młodego Tołstoja. Dekret cesarza zabraniał rejestrowania drobnej szlachty w pułkach. W 1798 r. Fedor wstąpił do Szlachetnego Korpusu Kadetów Marynarki Wojennej w Petersburgu, jednej z najlepszych instytucji edukacyjnych w Rosji, aw 1802 r. Znakomicie ją ukończył, otrzymując stopień aspiranta.

Oczywiście przez te wszystkie lata Tołstoj malował. Jego siostra, Nadieżda Pietrowna, przechowywała dziecięce rysunki brata: zabawnego człowieczka z beczek, starożytne alegorie, małe akwarele z imitacją spalonych brzegów papieru. W dziennikach podróży midszypmena Tołstoja, który odwiedził Szwecję, Danię i Norwegię podczas rejsów szkoleniowych wzdłuż Morza Bałtyckiego, znajdują się wspomnienia i widoki miast (Widok miasta Bergen, 1801).
Kiedyś, po ukończeniu Korpusu Marynarki Wojennej, „żartobliwie”, jak wspominał Tołstoj, wykonał woskową kopię kamei z portretem Napoleona. Profesor matematyki Fuss, który udzielał lekcji młodemu oficerowi, widząc tę ​​kopię, poradził młodemu człowiekowi, aby zdecydowanie poszedł na studia do Akademii Sztuk Pięknych.
W 1802 roku Tołstoj został niezależnym studentem petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych.
Akademia Sztuk Pięknych witała studentów marmurowymi rzeźbami Herkulesa i Flory, kopie starożytnych greckich posągów wypełniały jej galerie. Klasycyzm, wiodący styl początku XIX wieku, uważał starożytność za wzorzec doskonałości sztuki. Akademia Sztuk Pięknych zapewniała doskonałe wykształcenie malarzom i rzeźbiarzom. „Aby studiować kobiece formy i piękno form starożytnych greckich posągów, poszedłem rysować z nich w antycznych galeriach Akademii… podziwiając pełne wdzięku piękno form i pozycji tych wspaniałych dzieł starożytności, ja nie mógł się powstrzymać, ale dać się im ponieść ... Podziw i podziw dla kultury starożytności pozostawały w duszy Tołstoja przez całe życie.
Zaprojektowany od lat cykl zajęć w Akademii Sztuk Pięknych Tołstoj opanował w kilka miesięcy. Potem poznał Oresta Kiprensky'ego, wspaniałego rysownika, w którego twórczości nuty romantyzmu brzmiały szczególnie jasno. Być może jego rady, pomoc i sprawiedliwa komunikacja pomogły Tołstojowi nie tylko opanować klasyczny rysunek, ale także nasycić ideały romantyzmu: uświadomić sobie znaczenie osoby, niezależnie od jej pozycji klasowej, i wartość indywidualności, osoba kreatywna, której dane jest to, co nie jest dane zwykłemu śmiertelnikowi, zdolność do życia z natchnienia, „boskiego oświecenia”, do swobodnego tworzenia, nieprzestrzegania zasad i norm. Chęć samorealizacji, wyrażenia własnych uczuć i emocji wywołała na początku XIX wieku wzrost zainteresowania rzadkim dotąd gatunkiem - autoportretem.

Najwcześniejszy autoportret Tołstoja pochodzi z 29 maja 1804 roku. Oficer marynarki przedstawiał się jako świecki, pełen wdzięku młodzieniec w cywilnym ubraniu – miał już za sobą pełny kurs na Akademii Sztuk Pięknych, był wspaniałym jeźdźcem, wspaniałym tancerzem, któremu słynny Charles Didelot wróżył błyskotliwą karierę artystyczną ; zapalony myśliwy do walki rapierami, które wymagają nie tylko zwinności, ale większej subtelności i umiejętności odgadywania zamiarów wroga po oczach i mimice.
Wachlarz jego zainteresowań jest szeroki. „Czułem, że wiele mi brakuje” - wspomina Tołstoj. - Doktryna korpusowa mogła wydać tylko porządnego oficera marynarki wojennej, a nie osobę wykształconą, ale mam nadzieję. Alegoria. 1796 i dlatego używałem wszelkich środków, aby poznać ludzi różniących się naukami i uczęszczać na wykłady publiczne. Tołstoj studiował ekonomię polityczną, historię, fizykę, chemię, zoologię i archeologię. Nie tylko z zapałem czytał, ale także studiował literaturę, został członkiem wszystkich towarzystw literackich. Spotkał Iwana Kryłowa, Wasilija Żukowskiego, Nikołaja Gnedicha, Nikołaja Karamzina. W niedzielne wieczory zbierali się u młodego oficera przyjaciele, mądrzy, wykształceni, dążący jak on do bycia użytecznym dla ukochanej ojczyzny. Autoportret zdaje się być świadectwem przełomu w losach – niedługo po jego stworzeniu Tołstoj złożył rezygnację.
Marzył o służbie w pułku gwardii kawalerii, ale cesarz Aleksander I, zapoznawszy się z dziełami Tołstoja, zasugerował, aby młody człowiek wybrał działalność rzeźbiarza, zauważając, że było wielu strażników kawalerii, ale mało talentów. „Propozycja ta zgadzała się przede wszystkim z moim przywiązaniem do sztuki i sztywnymi zasadami, które przyjąłem, aby za otrzymywane nagrody i awanse być zobowiązanym w służbie tylko sobie, a bynajmniej nie przy pomocy mecenatu i patronatem, z którego byłem zbyt dumny” – pisał Tołstoj. Dla szlachcica nawet służba cywilna, z wyjątkiem służby dyplomatycznej, była uważana za niegodne zajęcie. Decyzja hrabiego Tołstoja o poświęceniu się sztuce zszokowała świeckie społeczeństwo i wywołała prawdziwy skandal.
Młody mistrz musiał przezwyciężyć oburzenie społeczeństwa, wrogość i niezrozumienie niektórych kolegów rzeźbiarzy oraz wiele gorzkich chwil. Bez majątku, bez służby, przez dwa lata utrzymywał się z rzeźbienia modeli grzebieni i broszek z wosku, a stara pielęgniarka, jego jedyne wsparcie w tych trudnych latach, sprzedawała te modele na rynku.

W 1806 roku Tołstoj wstąpił do Ermitażu i dalej doskonalił swoje umiejętności. Był pierwszym z rzeźbiarzy, który wyrzeźbił duże płaskorzeźby woskowe na tematy z rosyjskiej i starożytnej historii i mitologii.
Na autoportrecie ołówkowym (1810) najmłodszy honorowy członek Akademii ukazał się z zapałem i pracowitością. Zakochany w sztuce starożytnej Grecji nie miał nic przeciwko przymierzaniu płaszcza romantycznego bohatera, pomysłowo przedstawiając swojego ulubionego Hektora w swoim Autoportrecie z pudlem obok.
Autoportrety Tołstoja są nie tyle wyznaniem jego duszy - nie jest on psychologiem, choć czuje i przeżywa szczerze i namiętnie - ale świadomością zmieniającej się pozycji społecznej, wyrazem artystycznych zainteresowań i serdecznych uczuć.
W 1810 roku Tołstoj poślubił Annę Fiodorowną Dudinę, córkę biednego doradcy handlowego. W swoich wspomnieniach, przedstawiając wybrankę, Tołstoj pisał o szlachetności jej duszy, dobrym wykształceniu i miłości do literatury rosyjskiej. Tego dnia nie było oficjalnej kolacji ani balu. Jedli po prostu to, co Bóg zesłał, a młodzież rozrzucała po ogrodzie, podlewała kwiaty, sprzątała ścieżki, pływała łódką po stawie, a wieczorem wpadała do palenisk na dużej okrągłej łące naprzeciw domu. Jakie proste! I ile tu było prawdziwej czystej, świętej miłości! ”Dzieło Tołstoja organicznie łączyło to, co nadało ton, powstało, przyszło z przetłumaczoną literaturą - wszystkim, co składało się na oryginalność kultury rosyjskiej na początku XIX wieku. Obrazy klasycyzmu współistniały lub były wypełnione romantycznymi intonacjami. Ideały sentymentalizmu - elegancja "naturalnej prostoty" oraz czułe uczucia duszy i serca - nie straciły jeszcze swojego uroku, ale już pojawiła się chęć, a nawet żądanie bezpośredniego zobrazowania świata rzeczywistego.
W Autoportrecie z rodziną (1812), miniaturowym formalnym portrecie odlanym delikatnym różowym woskiem na tabliczce łupkowej, wartości artystyczne nabrały jedności, która określiła indywidualność osobowości twórczej i sztuki Tołstoja. Pojęcie klasowe portretu ceremonialnego z XVIII wieku, które określało znaczenie osoby dla społeczeństwa i państwa poprzez szlachetność, wysoką pozycję społeczną, zamożność, artysta zastąpił romantycznym – afirmacja wartości osoba zdolna do życia w świecie sztuki iw świecie uczuć.
Hrabia Fiodor Tołstoj pojawił się na portrecie jako artysta i rzeźbiarz. Jego zrelaksowany wygląd jest pełen poczucia własnej wartości. Obok niego są ci, którzy są mu bliscy - jego ukochana żona Anna Fiodorowna i „niebiańska radość”, córka Lisa. Plastyczne rozwiązanie płaskorzeźby, elastyczność gładkich linii, które obrysowują postacie, elegancja fałd antycznych ubrań, przez które przebija się doskonałość form, poczucie harmonii rodzą się z innej miłości Tołstoja - kultury antycznej . Majestatyczna powaga płaskorzeźby przeniknięta jest zarówno idyllicznym spokojem, jak
wrażliwości, które łączą światopogląd Tołstoja z sentymentalizmem. Szczerość i pomysłowa spontaniczność (nawet portret ceremonialny, swoisty efekt przeżytych lat, nie umknął ani ukochanemu Hektorowi, ani liściom babki lancetowatej) stały się nieodzownym składnikiem przyszłych artystycznych wizerunków mistrza.

Szesnaście lat później nieoczekiwany, ale szczęśliwy splot okoliczności przyczynił się do powstania kolejnego Portretu rodzinnego (1830), który stał się jednym z najlepszych dzieł zarówno samego mistrza, jak i rosyjskiego portretu XIX wieku. Tołstoj postanowił opanować tajniki malarstwa olejnego. „Potajemnie” i „nie pytając nikogo o radę”, z charakterystyczną dla siebie wytrwałością opanował dla siebie nową technikę w ciągu kilku tygodni. Jeden z zawodowych sporów ówczesnych artystów - czy konieczne jest pisanie dalekosiężnych planów widoków perspektywicznych czy krajobrazów naturalnych z taką samą starannością w rysowaniu wszystkich szczegółów jak bliskich - był również interesujący dla Tołstoja. Aby udowodnić, że możliwe jest niezwykle wyraźne namalowanie dalekich i pierwszoplanowych planów oraz wszystkich przedmiotów i zachowanie integralności całości wrażenia, opanowawszy także „pismo perspektywiczne”, namalował w nowo opanowanej technice malarstwa olejnego amfiladę z trzech frontów pokoje jego domu.
Kiedy obraz był gotowy, artyści zauważyli, że rzeczywiście zarówno pokoje, jak i znajdujące się w nich przedmioty były pomalowane z równą wyrazistością, ale zauważyli też, że pokoje są puste. Tołstoj kazał przyszyć płótno o takich rozmiarach do obrazu po lewej stronie, aby można było pomalować pierwszą salę na całej długości. W pobliżu stołu, pod obrazem Claude'a Verneta, Tołstoj namalował siebie i swoją rodzinę: żonę Annę Fiodorowną i córki - Elżbietę i Marię.
Rzeźbiarz pojawił się na portrecie jako ucieleśnienie woli i energii. Widocznym ucieleśnieniem jego twórczości jest kompozycja rzeźbiarska pomyślana przez Tołstoja jako symbol zwycięstwa siły ludzkiego ducha nad fizyczną siłą bestii.
Tołstoj malował portret przez długi czas, z dokładnością miniaturzysty. Z miłością i uwagą wpatrując się w wygląd swojej żony i córek, uchwyciwszy ich charakterystyczne cechy, przedstawił w nich odwieczne kobiece wizerunki.
Hrabia i hrabina na portrecie to dialog i jedność męskiej siły i uroku kobiecości, samodzielność działania i miękka wytrzymałość, stanowczość i wyrafinowanie. Najstarsza córka Elżbieta z ospałym wdziękiem oglądała coś miniaturowego - kameę lub medal, pomyślała. Młodsza Maria, opierając rękę na boku, patrzy wprost na widza.
Stwórczyni, Muza i córki - Marzycielka i Ryjówka - z kręconymi głowami iw identycznych sukniach.
Rozwiązując problemy zawodowe, Tołstoj nieoczekiwanie stworzył obraz swojego rodzinnego szczęścia oraz atmosfery arystokracji i wygody panującej w jego domu na Wyspie Wasilewskiej.
Proporcje małego empirowego wnętrza tego domu dają wrażenie przestronności i komfortu. Ściany przedpokoju, pokoju dziennego i sypialni oklejane są „papierami francuskimi”, jak nazywano tapetę na początku XIX wieku. Kopie antycznych posągów Apolla i Wenus, żyrandol-lira, który przyćmiewa przestrzeń salonu, przypomina o zamiłowaniu do sztuki mieszkańców tego domu. W sypialni, obok lustra na antycznym postumencie, znajduje się terakotowe popiersie boga snu Morfeusza (1822), najlepsze dzieło rzeźbiarskie Tołstoja. Bóg snu jest przedstawiony z zamkniętymi oczami, z małymi skrzydełkami na głowie jako znak szybkości snów oraz w wieńcu z kwiatów łubinu, którym starożytni Grecy przypisywali właściwości usypiające. W 1852 roku Tołstoj powtórzył marmurowe popiersie Morfeusza.

Światło dzienne wypełnia pokoje. Tołstoj zwraca uwagę na najmniejsze zmiany światła i cienia. Światło pada refleksami na podłogę, przeplatane cieniami ze ścian okien i stopniowo zanika, nie docierając do mroku kryjącego się w rogach i za drzwiami. Liryczne doświadczanie przestrzeni, spokojne życie mebli, rzeźby, przytulność wizerunku kobiety wyhaftowanego przy oknie – wszystko to wyraża intymność i poezję niespiesznego biegu życia.
Niedzielne wieczory, maskarady, przedstawienia amatorskie, które zawsze odbywały się z okazji czyichś imienin, gromadziły młodych pisarzy i poetów, młodych oficerów Sztabu Generalnego i oficerów gwardii. Jesienią 1825 r. odbyła się maskarada, na której trzy pasterki arkadyjskie wykonały trio na klarnetach. Byli to Kondraty Rylejew, Aleksander Bestużew i kompozytor Aleksiej Wierstowski. A w grudniu Rylejew i Bestużew poszli na Plac Senacki. Przed powstaniem dekabrystów Fiodor Glinka, bracia Bestużewowie, Siergiej Trubetskoj, Nikita i Aleksander Murawjow oraz Siergiej Murawow-Apostol byli częstymi gośćmi w domu.
W szerzeniu moralności, oświeceniu, edukacji widział możliwość ulepszenia społeczeństwa i wyzwolenia ludzi z nędzy i pańszczyzny. W młodości aktywnie uczestniczył w działalności lóż masońskich, później był inicjatorem powstania i organizatorem bezpłatnych szkół dla dzieci ubogich. W 1818 roku Tołstoj został członkiem Związku Opieki Społecznej. W tajnym głosowaniu, które zadecydowało o kształcie rządu w Rosji, opowiedział się za republikańską formą rządów w Rosji. Tołstoj był przeciwny wszelkiej przemocy, dlatego jego związki ze Związkiem Opieki Społecznej słabną i nie brał udziału w dalszych działaniach przyszłych dekabrystów. „Mój Boże”, pisał Tołstoj, przeżywając śmierć i wygnanie przyjaciół, „ilu młodych ludzi… bystrych, zdolnych, doskonale wykształconych, którzy naprawdę kochali swoją ojczyznę, gotowi poświęcić dla niej życie, którzy mogliby później, dzięki swoim szlachetnym przymiotom duszy i serca, umysłu i wykształcenia, aby byli gorliwymi pracownikami dla dobra ojczyzny, orędownikami prawdy i obrońcami uciśnionych, niefortunny, bezmyślny, nie do zrealizowania spisek i jawne powstanie zrujnowały się na zawsze i pozbawiły ojczyzna służących mu pożytecznych.
Nie tylko hałaśliwa wesołość i intymność wieczorów przyciągały Tołstoja do domu.

„Gdybym chciał wymienić wszystkich wspaniałych ludzi, którzy się tu zgromadzili, musiałbym wymienić wszystkich naszych wówczas wybitnych pisarzy i artystów oraz bardzo wielu profesorów, muzyków, aktorów i artystów odwiedzających” - napisała córka Tołstoja, Jekaterina, która pozostawiła wspaniałe wspomnienia. Gośćmi i przyjaciółmi Tołstoja byli Żukowski i Gniedicz, Puszkin i Bryulłow, Gogol i Glinka. Swoje nowe utwory czytają poeci Apollon Majkow i Jakow Połoński, pisarze Aleksiej Pisemski, Iwan Turgieniew i kuzyn właściciela Lew Tołstoj. Oczywiście odwiedzali go także artyści, rzeźbiarze, architekci, choć utrzymywano stosunki służbowe z profesorami akademickimi. Prawdziwym świętem był (na prośbę Tołstoja skierowany do cesarza) powrót Tarasa Szewczenki z wygnania. Dom odwiedził Paweł Fiedotow, wspierany przez Tołstoja, i Aleksander Iwanow, który wrócił z Włoch, „artysta z pasją”, jak nazwał go Tołstoj, wysoko oceniając jego obraz „Ukazanie się Chrystusa ludowi”. Tołstoj pomógł utalentowanym braciom Nikanorowi i Grigorijowi Czerniecowowi, później znanym pejzażystom, zdobyć wykształcenie artystyczne. Udzielał pomocy i wsparcia Aleksiejowi Wenecjanowowi i jego studentom, znanym i wschodzącym mistrzom, korzystając z możliwości, jakie miał jako wiceprezes Akademii Sztuk Pięknych i członek Towarzystwa Zachęty Artystów.
Piec kaflowy, obiekt rozmachu w dekoracji ówczesnego domu, kopie antycznych posągów, portret Homera, romantyczny obraz i lirowy żyrandol, który przeniósł się w nowe miejsce zamieszkania, szczególne panowanie, zwiewność i cisza przestrzeni - nowy dom hrabiego Tołstoja, którego powietrze, jak twierdzili współcześni, „było przesiąknięte atrakcyjnością dla sztuki”.
W jednej z sal Galerii Trietiakowskiej wystawiony jest mały obraz W pokojach. Do szycia. Obraz nie jest sygnowany, niedatowany i czeka na swojego badacza. Na blejtramie zachowała się inskrypcja stwierdzająca, że ​​przynależność tego dzieła do pędzla Tołstoja potwierdziła jego córka Ekaterina Junge. Piękno dziewczyny, gracja jej ruchów, wyrazistość konstrukcji przestrzennej i chłód przestrzeni przywodzą na myśl obrazy i intonacje sztuki Tołstoja. Być może rzeczywiście jest to dzieło Tołstoja?

Anna Fiodorowna zmarła w 1835 r. Pięć lat później, w 1840 roku, Tołstoj ożenił się z córką oficera, Anastazją Iwanowną Iwanową. W rodzinie hrabiego pojawiły się jeszcze dwie córki - Ekaterina i Olga.
Córki zachowały w swoich pamiętnikach szczegóły życia rodzinnego. Nie wiadomo jednak, co zachowały liczne listy i wspomnienia samego Tołstoja, który zawsze znajdował się w centrum życia artystycznego i towarzyskiego, który szczerze i dużo pisał o swoich wrażeniach, refleksjach, uczuciach, ocenach, spotkaniach i rozmowach. Można to sądzić z zachowanych notatek sporządzonych przez niego podczas jego pierwszej podróży zagranicznej w 1845 r., a jest to nie mniej niż 12 tomów po 200 stron każdy. Jego żona, nie chcąc ujawnić szczegółów z życia prywatnego rodziny, spaliła listy i większość notatek autobiograficznych.
To, co było najważniejsze w życiu Tołstoja, zostało zachowane - jego rysunki, medale, rzeźby.
Ku pamięci nadchodzących wieków w 1810 r. Tołstoj rozpoczął pracę w mennicy petersburskiej: „... Spędzam czas od siódmej rano do ósmej wieczorem z innymi medalistami w twierdzy, w której znajduje się mennica”. Tak więc młody rzeźbiarz wkroczył na pole medalisty, które będzie uważał za najważniejsze dla siebie przez całe swoje twórcze życie.
Pierwszy medal stworzył Tołstoj w 1809 r., A ostatni stworzył na pamiątkę reformy z 19 lutego 1861 r. - zniesienia pańszczyzny w Rosji.
Przez całe życie Tołstoj tworzył medale tylko według własnych szkiców, tylko według własnoręcznie uformowanych przez siebie modeli, a artystyczny wizerunek jego medali był zawsze determinowany szlachetnością i wielkością rzeźby starożytnej Grecji.
Bitwa pod Borodino była pierwszą z bitew przedstawionych na medalionach stworzonych przez Tołstoja. Tego wieczoru M.I. Kutuzow spędził ze swoimi krewnymi przed wyjazdem do czynnej armii, Tołstoj był jedynym zaproszonym i pamiętał pożegnalne zdanie feldmarszałka: „Nie chciałbym niczego więcej, jak oszukać Napoleona!”
W przebraniu obrońcy ojczyzny organicznie połączyły się zarówno starożytny ideał dzielnego wojownika, jak i stanowczość ducha wojskowego rosyjskich bohaterów. Hełm, lekka zbroja lub kolczuga, koszula do kolan – elementy nieco konwencjonalnego, ale od razu rozpoznawalnego ubioru armii słowiańskiej, nadawały płaskorzeźbionemu rosyjskiemu wojownikowi wygląd bohatera starożytnej Rusi.
Którego miecz nie łamie się na skale zatwardziałości ludu! - motto płaskorzeźby Bitwa pod Małym Jarosławcem (1819). Płonące miasto przechodziło z rąk do rąk osiem razy. Po opuszczeniu Moskwy Francuzi rzucili się na południe, aby wycofać się wzdłuż żyznych ziem, ale wojska napoleońskie musiały się wycofać zdewastowaną już drogą smoleńską.
„... Taka wściekła fala, uderzając w kamienną skałę, oddala się od niej, rozpryskując się na małe plamy”, żarliwa wyobraźnia Tołstoja stworzyła emocjonalny obraz bitwy.
Tołstoj po mistrzowsku opanował możliwości rzeźby. Plastycznością postaci ludzkiej, jej ruchami i gestami rąk, obrotem lub pochyleniem głowy, kompozycją dwóch lub trzech postaci, rozkładem brył, napięciem form, potrafił wyrazić różne i subtelne odcienie uczucia. Zmieniając wysokość płaskorzeźby, rzeźbiarz stworzył obrazy ekspresyjnie malownicze i bezbłędnie radzące sobie z najtrudniejszymi skrótami perspektywicznymi. Miniaturowy rozmiar (średnica koła medalionu to tylko 15 cm!) Pełne wdzięku formy Tołstoj obdarzony majestatem i monumentalnością rzeźby starożytnej Grecji, po opracowaniu konturu każdej figury i ogólnej sylwetki grupy rzeźbiarskiej z biżuterią subtelność.
Uroczysta i podniosła kompozycja wyraża zwycięski ruch wojsk rosyjskich w płaskorzeźbie Pierwszy krok cesarza Aleksandra poza Rosję w 1813 (1820). Rzeźbiarz w skomplikowanym, kapryśnym rysunku połączył postać Aleksandra I, pełnego siły i męstwa, pędzącego na koniu, „deptującego syczące węże zazdrości i złości”, personifikację Mądrości i Prawdy towarzyszącą cesarzowi oraz szybująca skrzydlata bogini Chwały, śpiesząca za cesarzem.
Biały relief na niebieskim tle – połączenie przypominające delikatną porcelanę Wedgwooda sprawiło, że medaliony były niezwykle piękne i okazały się pożądane we wnętrzach szlacheckich dworów, pozostawiając na zawsze pamięć o wielkim zwycięstwie w życiu codziennym rosyjskiego społeczeństwa .
Medaliony upamiętniające Wojnę Ojczyźnianą 1812 roku stały się wydarzeniem nie tylko w medalierstwie rosyjskim. Tołstoj został wybrany honorowym członkiem prawie wszystkich europejskich akademii sztuk pięknych.
Złota tabakierka z brylantami – nagroda dla rzeźbiarza za medaliony od cesarza Mikołaja I – stała się posagiem córki Marii.
W Starożytnych wdzięczne piękno zawsze fascynowało moje oczy w 1814 roku, podczas pracy nad szkicami medalionów upamiętniających Wojnę Ojczyźnianą 1812 roku, Tołstoj zaczyna pracować nad płaskorzeźbami, których fabuła była wydarzeniami z Odyseusza Homera. Wędrówki Odyseusza, jednego z bohaterów wojny trojańskiej, są pełne niesamowitych przygód, ale to nie fantastyczne cuda przyciągnęły Tołstoja. Postawił na wydarzenia ziemskie – powrót Odyseusza do domu, gdzie od dziesięciu lat czeka na niego żona i syn.
Królowie sąsiednich królestw Itaki zmuszają żonę Odyseusza, Penelopę, do wyrażenia zgody na małżeństwo z jednym z nich. Penelope, uosobienie kobiecej miłości i wierności, obiecuje dokonać wyboru, gdy tylko skończy tkać materiał na całun ojca swojego męża, starego Laertesa, a nocą rozwikła wszystko, co utkała za dnia.
Na płaskorzeźbach Święta zalotników Penelopy Telemach odwiedza króla Menelaosa, Odyseusz zabija zalotników Penelopy, Merkury prowadzi cienie zalotników do piekła, Tołstoj porusza odwieczne i bardzo dla niego ważne tematy - kobiecą wierność, synowskie miłość, męskość, sprawiedliwość i nieuchronność zemsty.
W wierszu Homera zalotnicy, naruszając prawa gościnności, oburzają i rujnują dom Odyseusza. Uczta zalotników Penelopy, stworzona przez Tołstoja, jest ucieleśnieniem jego miłości i marzeń - majestatycznej, wyrafinowanej, czarującej starożytnej Hellady.
Rzeźbiarz z wirtuozowskim kunsztem wykonał na małych (12 x 23,5 cm) czarnych deskach łupkowych płaskorzeźbę z różowego wosku, której najwyższy punkt wznosi się ponad płaszczyznę zaledwie o pięć milimetrów.
Rzeźbiarz zamienił prześwitującą, najcieńszą warstwę wosku w lekką draperię i pałac Odyseusza z wysokimi kolumnami, ozdobionymi płaskorzeźbami na ścianach.
Kilka lat później starożytność ponownie zawładnęła wyobraźnią Tołstoja. W 1820 roku Tołstoj rozpoczął cykl rysunków do baśni Ippolita Bogdanowicza: Duszenkę ratuje ogromny szczupak, a zamiast pałaców Ceres i Junony, Duszenka podczas wędrówek trafia do Węża Gorynych i Kościeja Nieśmiertelny.
Czuły sentymentalizm wiersza odbił się echem w duszy Tołstoja, a jego rysunki piórem i tuszem przedstawiały rozwój akcji wiersza Bogdanowicza. Jednak Tołstoj zwrócił wszystkie wydarzenia do swojego ukochanego świata sztuki starożytnej Grecji.
Rysunki do Duszenki, najlepsze dzieło ilustratora Tołstoja, uznawane są za klasyczne dzieło rosyjskiej grafiki szkicowej. Elastyczny rysunek konturowy oddaje rękę medalisty.
Na rysunku Darling podziwia się w lustrze (1825) Darling jest czarujący, kobiecy i majestatyczny. Artystka silnym naciskiem pióra rysowała ornamenty ram, wzory zdobiące ściany i sufit sypialni, kwiaty w wazonach, kafelki podłogowe i oczywiście samą Darling oraz ledwie dostrzegalnymi, lekkimi muśnięciami upiorny lustrzany świat, w którym odbicia mnożą się i odbijają echem.

A kiedy artysta dodał do rysunku wspaniały czerwony kolor, wygląd Duszenki stał się po królewsku piękny.
W przeciwieństwie do tego rysunku, malowniczy i przestrzenny, rysunek Duszenki, zasiewając lampę, rozpoznaje żonę pięknego Kupidyna (1827), stworzoną przez Tołstoja jakby na medal. Linie kolumn i draperii są wygładzone, unoszą się w kruchych fałdach nad kryształowym łożem, a następnie opadają pionowo. Nawet elastyczne linie wydają się być ścigane, tworząc zniewalającą kobiecość nagiej Darling i młodzieńczą męskość sylwetki Kupidyna.
Wśród pejzażowych rysunków tego cyklu najbardziej poetyckim, pełnym niemal antycznej harmonii natury, ludzi i bogów, jest rysunek Konarów dębu opuszczających na ziemię kochanie, na próżno próbujące umrzeć (1829). Naturalny i pozornie ożywiony dąb, którego sztywna gałąź z trudem się ugina, oraz pulchne amorki, pilnie przyginające ją do ziemi. Jeden z amorków zabawnie wspina się po tej gałęzi, drugi na niej wisi, trzeci miał pecha - gałąź się złamała i upadł na ziemię. Kochanie, zsuwając się z drzewa, schodzi na ziemię i („Och, co za przejście!” - wykrzyknęliby na początku XIX wieku, tylko po francusku) brzeg jej tuniki zahaczył o supeł drzewo. Amorki, które były świadkami tej pikantnej chwili, złożyły ręce, a zakłopotana Kochana nieśmiało poprawia ubranie. Oddzielony od Kochanego Kupidyna smutno opłakuje w chmurach.
Na podstawie rysunków dla Duszenki Tołstoj stworzył ryciny. Seria rycin, świadcząca o wysokich umiejętnościach Tołstoja jako rytownika, została opublikowana jako osobne wydanie w formie albumu. Rektor Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych, książę Leuchtenberg, nakazał wysłanie egzemplarza tej publikacji do królów Prus, Szwecji, Bawarii, Saksonii, cesarza Austrii i do wielu europejskich akademii sztuk pięknych. Akademie przyznały Tołstojowi złote medale pierwszego nominału, którym towarzyszyły pochlebne recenzje. Szwedzki król wyraził swój podziw, odznaczając artystę Krzyżem Komandorskim Gwiazdy Bieguna Północnego. Do złotego medalu król pruski dołączył własnoręcznie napisany list.
Jako jeden z najszczęśliwszych dni Tołstoj wspominał 5 grudnia 1845 r. Tego dnia w Rzymie emerytowani artyści Akademii Sztuk Pięknych wydali uroczystą kolację na cześć Tołstoja. Artysta napisał w swoim dzienniku: „Żadne bogactwo, żadne zaszczyty nie wywołałyby w mojej duszy tak czystej i wzniosłej radości, jak serdeczne uczucie tej mądrej, wykształconej i żarliwej młodzieży, która tworzy tutaj krąg rosyjskich artystów”.
„Czy niewyrażalne podlega ekspresji?”
Chwała subtelnego i eleganckiego rysownika towarzyszyła Tołstojowi przez całe jego długie życie.
Na początku XIX wieku rysunek przestał być postrzegany jedynie jako etap przygotowawczy pracy; ponadto stała się samodzielną dziedziną sztuki. Tołstoj, jeden z pierwszych mistrzów początku XIX wieku, zainteresował się kameralną formą sztuki - rysunkiem.
„... Och, jak godny pozazdroszczenia los poety! wykrzyknął Tołstoj. „Szczęśliwie, potrafi przekazywać innym swoje uczucia, radość serca, rozkosze duszy, rozrywkę bezkresnej fantazji w przyjemnych dla ucha harmonijnych melodiach, w zachwycających formach dla umysłu!” Pędzel, pióro, ołówek stały się dla Tołstoja wyrazem jego uczuć, fantazji, zachwytów. Ponad tysiąc jego rysunków znajduje się w muzeach i kolekcjach prywatnych.
Przejrzyjmy album rysunków mistrza, wyimaginowany album życia artysty. Istnieje wiele szkiców, w których Tołstoj nie miał sobie równych. Znakomicie operował linią, doskonale zdawał sobie sprawę z możliwości wyrazu innych technik graficznych i subtelności wrażenia, jakie one wywierają. Wybór tej lub innej techniki i środków artystycznych podyktowany był pomysłem i eleganckim gustem Tołstoja.
Pastorały tworzone są z delikatnymi akwarelowymi przelewami: pogodna miłość pasterzy i pasterek, rozmarzonego młodzieńca z lirą w dłoniach, mały kapryśny wzór listowia drzew, pasące się owce i krowy, rzeka - oczywiście cicha, strumienie - oczywiście szemrzący, urzekający słodki świat sielanki.
Fabuła obrazu Pociąg bachiczny Silen (1808) - bachanalia - symbol radości istnienia, wyraz potęgi żywiołowych sił natury. Jasny rysunek ołówkiem z plamami sepii nałożonymi miękkim pędzlem, pomiędzy którymi olśniewa niepomalowany papier, daje poczucie ruchu. Gwałtowna, cielesna, nie zawsze przyzwoita furia towarzyszy Backhailenów, satyrów, nimf i menad, bogów i bogiń związanych z ziemią, z jej niewyczerpaną siłą życiową, jawi się bez wulgarnej zmysłowości.
Tłumaczenia Żukowskiego wprowadziły rosyjskich czytelników w angielską i niemiecką poezję romantyczną, w nowy obraz poezji romantycznej XIX wieku - człowieka o czarnych myślach, którego dosięga straszliwa kara. W 1819 roku Tołstoj stworzył scenę fantastycznej wizji opartej na balladzie Warwick szkockiego poety Roberta Southeya w przekładzie Żukowskiego. To jedyna w twórczości Tołstoja próba stworzenia dzieła przepełnionego złowieszczym, mistycznym poczuciem grozy.
Dwadzieścia lat później Tołstoj namalował akwarelę przedstawiającą Rycerza Łabędzia poświęcającego swoje pierwsze dziecko (1841). Ale w tej pracy tragedia uczuć i wydarzeń została rozwiązana
w delikatności księżycowego blasku, blasku igrającej wody, wykwintnej urodzie białego łabędzia, różowego żagla i harmonii błękitu i turkusu.
W przeciwieństwie do młodych rosyjskich romantyków, których ujarzmiła buntowniczość ducha, Tołstojowi bliższe jest poczucie duchowego oświecenia i nadziei, stany snu, smutku i oczekiwania.
Na gwaszowym obrazie W oknie w księżycową noc (1822) upiorne światło księżyca przekształca wnętrze, sprawiając, że przedmioty nieożywione wydają się ożywać. Dziewczyna w białej sukni na weneckim oknie to Aleksandra, młodsza siostra pierwszej żony artysty. A za oknem tajemniczego i przytulnego pokoju - urzekająca nieskończoność nieba i zamarznięte, uroczyste miasto. Artysta uwidocznił uczucie rozleniwienia romantycznej duszy, zawierzając jej tajemne sny dźwiękom i magicznemu pięknu nocy.
Tołstoja – i stąd też jego bliskość do romantyzmu – zawsze fascynowało to, co nowe. Pragnienie romantyków, by uchwycić piękno nie tylko w starożytności, ale w różnych czasach, kulturach i wśród różnych ludów, jest bliskie Tołstojowi, wrażliwemu na wszystko, co pojawiło się w życiu literackim i artystycznym, na nowe trendy i gusta, „... wszystko, co jest oświecone na miarę moich możliwości, artysta musi wiedzieć, podziwiam w duszy dzieła naprawdę wielkich talentów, jednak szedłem i szedłem, nie przestrzegając ani nie naśladując żadnego z nich na swój sposób ... "przyznał.
Sceny z czasów rycerskich mogłyby być ilustracjami do powieści rycerskich. Tołstoj był wprawdzie wrażliwy na osobliwości różnych epok, ale odwołując się do nich, za każdym razem odtwarzał na swój sposób świat Grecji, gotyku i renesansu.
W pracach dojrzałych lat mistrza pojawiają się nowe obrazy.
Czas jest wszechmocny, czasami kilka lat zmienia nazwę i wygląd rzeczy, ich naturę
i przeznaczenie” – zauważył filozof i poeta Platon.
Na rysunkach Tołstoja Saturn kosi starożytny świat (1843), Saturn, skosząc wspaniałe czyny starożytnych ludów, umieszcza je w stogu siana i nadal kosi nasze stulecie (1844), symbol nieubłaganego przejścia pojawił się czas.
Ale młodość i piękno nie znikają również z późniejszych rysunków Tołstoja. „Do zabawy Kupidyna Młodość oddaje się zabawie, a Czas zasypia” – niespieszny rytm drzew, łagodne pagórki, stawy z całującymi się łabędziami, wieczne kwitnienie i cisza. Piękny tańczący chłopak i dziewczyna. Smukłe, o zgrabnych ruchach dłoni, Z GILANDĄ Z KWIATÓW, Z MALUJĄCYM SIĘ Lekkim szalem, lekko dotykającym ziemi, WYDAJĄ SIĘ BYĆ unoszące się w powietrzu.
Fałdy najlżejszych ubrań, naturalnie podążające za ruchami postaci, artystka zamienia w czarującą grę linii. Tołstoj wybrał do rysunku złotobrązowy papier, którego lekko luźna powierzchnia sprawia wrażenie miękko połyskującego aksamitu. Wzór na tym papierze nabiera klejnotu wytłaczanego aksamitu.
Przewróćmy kolejną stronę wyimaginowanego albumu.
Zaglądasz w Pejzaż architektoniczny pod przezroczystym papierem (1837), dziwisz się - jakie to proste! Ale nie możesz oderwać wzroku od podziwiania.
Półprzezroczysty arkusz jest pognieciony. Niezdarne lub niecierpliwe palce przesuwały papier, a ślady tych ruchów – fałdy, fałdy – nadawały mu jeszcze większej wizualnej realności. Czyjeś palce uniosły prześcieradło i nie mogły poradzić sobie z jego kruchą cienkością. Arkusz okazał się lekko podarty, a oderwany róg arkusza, który niestety zniknął, pozwolił dostrzec krawędź ukrytego rysunku, część podpisu autora elegancką kreską oraz datę.
Stworzone magicznym wapnem i tuszem na białej kartce niewyraźne zarysy drzew, antyczne budowle, czyjeś postacie ubrane na biało, kuszą swoją tajemniczością, budząc chęć uniesienia zakrywającej je kartki papieru. Ale nie jest dane zobaczyć, co kryje liść. Co było dla artysty ważniejsze: iluzja rzeczywistości płachty, przez którą ledwie widać pejzaż z wieżami, czy sam pejzaż architektoniczny, który jest tylko nieznacznie odgadywany i powinien pozostać tajemnicą?
Zasłona, która skrywa tajemnice życia i odsłania je w rzadkich chwilach wglądu artysty lub poety, jest ulubionym obrazem romantyków. Kurtyna świetlna stworzona talentem Tołstoja nigdy się nie otworzy, na zawsze pozostawiając uczucie podziwu dla kunsztu artysty, który w tak naturalny sposób połączył iluzoryczną trafność i wyrazistość obrazu z romantycznym niedopowiedzeniem, porywając w świat wcielenia.
W albumach Tołstoja pozostały szkice fontann parku Peterhof - nagie nimfy z lokami luksusowych włosów unoszących się w górę, których kontynuacją stały się strumienie wody. Rzeźby do fontann wykonano według dwóch szkiców. Niestety, wszystkie monumentalne dzieła rzeźbiarskie Tołstoja, z wyjątkiem jednego z nagrobków na cmentarzu Ławry Aleksandra Newskiego w Petersburgu, nie zachowały się. Podczas eksplozji katedry Chrystusa Zbawiciela w Moskwie zginęła ostatnia rzeźba Tołstoja. W latach 1846-1852 pracował nad rzeźbami do dwunastu bram Katedry Chrystusa Zbawiciela. Ten zespół rzeźbiarski - 52 figury apostołów, ewangelistów, świętych i sztukaterie - przyniósł Tołstojowi w 1849 roku tytuł profesora rzeźby. W albumach zachowały się rysunki przygotowawcze do tego zespołu.
Junge opowiadała o metodzie pracy swojego ojca: „Po zrobieniu szkicu rysunku i zabrudzeniu go milionami przecinających się linii, które tylko on mógł rozgryźć, przenosił go na inną kartkę i od nowa zabierał się do poprawiania; wiele razy ten sam rysunek był tłumaczony, rysowany czystym piórem, ponownie poprawiany. Mieliśmy całe stosy takich przerysowywanych i ponownie zmienianych szkiców do medali Wojny Ojczyźnianej i Tureckiej oraz do drzwi Zbawiciela, które zwykle trafiały w ręce naszych dzieci i były bezlitośnie malowane i wycinane.
W 1838 roku Tołstoj, wielki miłośnik muzyki i teatru, wpadł na nowy pomysł - wystawić przedstawienie baletowe. Opierając się na skandynawskich legendach, Tołstoj ułożył tragiczną historię miłosną córki pana zamku Malwiny i poety Arminiusza, a balet nazwał harfą eolską. Znanych jest ponad sześćdziesiąt rysunków piórem i tuszem, w których przedstawiono nie tylko szkice scenografii i kostiumów. Tołstoj opracował także choreografię baletu. Komponowane przez niego pozy i ruchy solistów miały oddawać charakter postaci i wyrażać ich uczucia. Opracował sceny młodych mężczyzn rywalizujących w siłach, zapasach, łucznictwie, sztuce władania włócznią i mieczem, a także sceny pojedynków i bitew, ogólnych tańców grupowych i zabaw plemiennych. Czytelny rysunek wyznaczał pozy tancerzy, a lekkie kreski - powiewające ubrania, unoszące się szale, nadawały obrazowi wrażenie lekkości, zwiewności, jakie taniec miał tworzyć. Tołstoj wciąż był zachwycony romantycznym tańcem Didlo.
W 1842 roku Tołstoj skomponował libretto i choreografię do innego przedstawienia baletowego Echo. Czterdzieści osiem rysunków - krajobrazy, tańce nimf, amorków, bogów i bogiń - ucieleśniało mit starożytnej Grecji. Bogini Nemezis ukarała pięknego młodzieńca Narcyza, który nie odpowiedział na miłość nimfy Echo. Musiał pokochać pierwszą rzecz, którą ujrzał, a widząc swoje odbicie w wodzie, Narcyz nie mógł oderwać wzroku od kontemplacji własnego piękna i umarł z miłości.
Rodzinie królewskiej spodobało się libretto baletów i skeczy. Cesarz zezwolił na wystawianie baletów na scenie Petersburskiego Teatru Bolszoj. Ale dyrekcja teatru, powołując się na wysokie koszty przedstawienia i fakt, że petersburska publiczność nie lubi poważnych baletów, w których pantomima
a całe dramaty rozgrywane są za pomocą mimiki, przełożyła produkcję.
W 1856 roku Tołstoj przypomniał sobie obietnicę wystawienia baletów.
„…Po dokładnym przestudiowaniu choreografii chętnie podjąłbym się, jako autor, obserwacji wykonania baletu z artystycznego punktu widzenia…” – zasugerował. Ale na ten i kolejne listy nie było odpowiedzi. Marzenia o balecie, niezrealizowane na scenie, pozostały w rysunkach.
Przerzucając strony wyimaginowanego albumu, znajdujemy na jego kartach rysunki do mozaik, szkice orientalnych strojów do maskarady; niestety szkice medali ku czci architektów Aleksandra Kokorinowa, Francesca Bartolomeo Rastrelliego, Giacomo Quarenghiego, Iwana Starowa pozostały tylko na rysunkach; projekty daczy, szkice wazonów rocznicowych, kielichów, misek. Według rysunków Tołstoja wykonano złote naczynia i solniczki, na których chleb i sól ofiarowywano członkom rodziny królewskiej po koronacji lub z okazji zaślubin. Szef kupców w Petersburgu I.V. Kusow poskarżył się Annie Fiodorowna, że ​​​​jej mąż ponownie odmówił zapłaty za pracę.
Martwe natury Tołstoja z kwiatami i jagodami nazywane są „sztuczkami”. Stworzenie absolutnej iluzji podobieństwa, tak aby widz wziął obraz za prawdziwy przedmiot, oszukać oko - to właśnie implikuje „oszustwo”. Aby oszustwo się powiodło, za szklanymi drzwiami regału umieszczano płótno, na przykład z malowanymi grzbietami książek. Granice między „oszustwami”, modnymi na początku XIX wieku rysunkami botanicznymi, zakładającymi także dokładność odwzorowania budowy łodygi rośliny, wzoru jej liści, płatków, dzieła sztuki niestabilność. Dla artysty konkretna dokładność obrazu zawiera w sobie szczególne poczucie wizualnej ekspresji.
Czy można nazwać Smorodinę „sztuczką”, która w równym stopniu urzeka zarówno niedoświadczonego widza, jak i specjalistę. Dwie gałązki porzeczki leżą na nieistniejącej powierzchni. Jagody są jak drogocenne kamienie, okrągłe, o gęstej, gładkiej skórce, błyszczące, półprzezroczyste, o delikatnym miąższu, z maleńkimi czarnymi „ogonkami”, tak ciężkimi obok maleńkich giętkich gałązek naturalnie rozchodzących się wokół przeciętnej twardej gałązki. Wokół gałęzi porzeczki Tołstoj pozostawia czysty arkusz papieru, zamyka płaszczyznę arkusza w eleganckiej ramie, podkreślając, że Porzeczka jest obrazem stworzonym przez artystę. Ołówkowe linie kadru są równe, cienkie, wyraźne i nagle… krople rosy, wypukłe, przezroczyste, w jednej z nich, jak przez szkło powiększające, widać rozmytą i rosnącą literę „O”.
Podpisując martwe natury, Tołstoj za każdym razem wskazywał, że maluje z natury. Artysta przypomniał sobie swoją pierwszą martwą naturę - gałązkę z jasnofioletowymi kwiatami, którą zrywając w ogrodzie na daczy w Carskim Siole, uchwycił na papierze.
Wybierając kwiat, jagodę, gałązkę lub robaka do martwej natury, Tołstoj znajduje najdoskonalszy przykład i odtwarza jego piękno na kartce papieru. Tak pojawiają się na jego rysunkach giętkie, długie liście i delikatny atlas białych płatków, otaczający rzeźbiony wzór kruchej korony narcyza, soczystą uwodzicielską miąższ truskawki, nieważkość skrzydeł ważek i much, wiosenną przezroczystość lśniące krople rosy, metaliczne odbicie ptasich piór...
Kiść winogron w martwej naturze na blacie lipy - sprężysta łodyga liścia i zachwycający wdzięk cienkiego, giętkiego - w jakże złożonej perspektywie! - prostopadłe do płaszczyzny zapisanej kartki, zakrzywione, bawiące się konturami i odcieniami koloru, cienkimi, kędzierzawymi wiciami i jagodami - małe gęste i jeszcze zielone, większe i duże, zalane sokiem o opalizującym blasku. A obok kwiaty w szklanym naczyniu i ulubione gałązki porzeczki.
Jedno z arcydzieł Tołstoja, Gałąź agrestu (1821), to silna gałąź o rzadkiej urodzie z różowo-bordowymi odcieniami i kłującymi aksamitnymi jagodami agrestu na tle jasnego wzoru liści.
Artysta lubił malować martwe natury na kolorowym papierze farbami, które sam przygotowywał, niezwykle dokładnie rozcierając dokładnie oczyszczone farby mineralne. Jego ruchy pędzla są często nie do odróżnienia, umiejętnie malował połączonymi pociągnięciami, tworząc gładką powierzchnię. Czasami kreski jego kolorów są jak małe ściegi, ale nie nici jedwabne, ale emaliowane, wypukłe - tak artysta malował czasem pióra na ptakach. Pewnego razu, rysując motyla, który mienił się i zmieniał kolor (z góry wyglądał na brązowy, z jednej strony niebieski, a z drugiej zielony), Tołstoj wymyślił specjalny sposób rysowania. Aby zachować efekt zmienności, on, pracując ze szkłem powiększającym, nałożył wypukłą kropkę brązowej farby, a gdy wyschła, dodał z jednej krawędzi niebieską kropkę, a z drugiej zieloną i tak mozolnie stworzył cudowny motyl.
Tołstoj wykonał serię rysunków ważek dla cesarzowej Marii Fiodorowna, serię rysunków motyli dla cesarzowej Elżbiety Aleksiejewnej. Tworzył duże, eleganckie martwe natury, łącząc kwiaty, owoce, ptaki, motyle - wszystko to, co jest tak piękne i tak miłe dla oka, zarówno na osobnych kartkach, jak iw albumach.
Artysta malował także na zamówienie, wspominając, jak Smorodina pomagał mu w trudnych czasach. Tołstoj nie miał ani spadku, ani majątku z poddanymi. Cesarzowej Elżbiecie Aleksiejewnie spodobały się namalowane przez niego gałązki czerwonych i białych porzeczek, a swój podziw wyraziła wręczając artyście pierścionek z brylantem. Pierścień ten umożliwił rodzinie Tołstojów przeprowadzkę z domu w pobliżu smoleńskiego cmentarza, przed którego oknami codziennie odbywały się żałobne procesje pogrzebowe, do domu od strony Petersburga. Następnie, ilekroć cesarzowa chciała dać coś szczególnie eleganckiego swoim najwyższym krewnym, poprosiła Tołstoja, aby narysował jej dokładnie tę samą porzeczkę. Sam artysta bardzo lubił rysunek z gałązkami porzeczki, który z przyjemnością i kunsztem powtarzał wielokrotnie, otrzymując w nagrodę pierścionek z brylantem.
Tołstoj przypomniał sobie, że zaproponowano mu próbę narysowania kwiatów
Cesarzowa Elżbieta Aleksiejewna. Cesarzowa otrzymała w prezencie album przedstawiający kwiaty autorstwa słynnego paryskiego artysty i chciała poznać opinię Tołstoja na temat jego twórczości. Zwracając uwagę na kunszt i „francuski szyk” pracy malarza, Tołstoj zauważył, że „chęć popisywania się efektem” sprawiła, że ​​​​kwiaty były takie same.
Niemniej jednak właśnie w tych martwych naturach Tołstoj udowodnił, że jest prawdziwym mistrzem klasycyzmu. Artysta w zaskakujący sposób wyczuł strukturę natury. Wszystkie formy jego martwych natur są zarysowane i wyszlifowane, ukazując się na arkuszu niemal jak płaskorzeźba, zachowując pewien, lokalny koloryt.
Tołstoj cenił wieczność i piękno. Pisał kiedyś: „… beztrosko podziwiam piękno przyrody i to w jej najdrobniejszych dziełach…” Klasyczne idee charakteryzują się przeciwstawieniem natury wysokiej, szlachetnej i prostej, niskiej. Ale „nieistotne” stworzenie natury – kwiatek, listek, kropla rosy, robak czy mucha – artysta z żywego, ale zmieniającego się świata natury przetrwał i pozostawił na zawsze w świecie sztuki, odciskając się na kartce papieru ich doskonałość, która nie zna blaknięcia. Dzięki martwym naturom z kwiatów i jagód Tołstoj rozszerzył zakres idealnie pięknego dla klasycyzmu.
Ale czasami odbicie błękitu nieba i zieleni drzew na szybie lub odbicie światła przez ramy okienne na błyszczącej powierzchni jagód powracają do świata wieczności, tego żywego, naturalnego i nieskończonego, do którego Tołstoj był tak samo wrażliwa.
Najwcześniejsze podpisane martwe natury Tołstoja pochodzą z 1817 roku. Jeden z nich, przechowywany w Muzeum Rosyjskim w Petersburgu - krucha gałązka z białymi kwiatami, motyl z żółtymi skrzydłami, muchy i krople rosy - to jedyny rysunek, pod którym artysta nazywa siebie rzeźbiarzem. Pracując nad martwymi naturami, Tołstoj czuł się artystą, czuł magiczną zdolność malarstwa do przekazywania odurzającego piękna tego, co ziemskie.
„W Rosji mamy kilka razy lepiej…”
W 1845 roku Tołstoj wyjechał za granicę. Lekarze zdecydowanie nalegali na leczenie leczniczym błotem i wodami słynnych kurortów Francesbad. Akademia Sztuk Pięknych poleciła wiceprezydentowi Tołstojowi zbadanie sytuacji rosyjskich artystów na emeryturze w Rzymie i zapoznanie się z pracą warsztatów mozaikowych, aby po powrocie mógł kierować organizacją produkcji mozaiki w Rosji. Zobaczyć Włochy i ich zabytki zawsze było marzeniem artysty. Wrażenia, refleksje Tołstoja, który odbył podróż do Estonii, Litwy, Niemiec, Francji, Włoch, pozostały na kartach jego dzienników podróży.
Tołstoj oceniał życie polityczne krajów i przyglądając się z bliska życiu różnych warstw społecznych, był wstrząśnięty społecznymi kontrastami. Zauważył ignorancję i ograniczoność środowiska arystokratycznego, obrażała go ignorancja Rosji, która wielu wydawała się krajem niemal barbarzyńskim. W Rzymie Tołstoj odwiedzał warsztaty rosyjskich artystów, zapoznawał się z ich twórczością, służył radą. Próbując zmienić los emerytów Akademii, Tołstoj pisze do prezesa Akademii Sztuk Pięknych o potrzebie wsparcia materialnego dla artystów, stara się usunąć szefa emerytów, którzy nie wypełnili swojego obowiązku pomocy rosyjskim artystom , rozsiewania złych plotek i oszczerstw na temat ich zachowania i moralności.
Tołstoj odwiedził wykopaliska w Pompejach i wspiął się na Wezuwiusz, uważnie studiował galerie sztuki Florencji, Wenecji, Genui, zabytki starożytnego Rzymu, spotkał się z rosyjskimi i zagranicznymi artystami, podróżnikami. Tołstoj opisał spotkania z Gogolem, Aleksandrem Iwanowem, Nikołajem Ge. Na kartach jego pamiętników znajdują się komentarze i oceny oglądanych prac i szkiców - konie, osły, wozy, niezwykłe kostiumy, różne sceny jak hałaśliwe towarzystwo wdrapujące się do tarantasu, budowle, kościoły, fragmenty architektury. Oprócz szkiców ołówkiem czy akwarelą – nazywano je wówczas „krokadami” – pojawiały się na kartach albumów oraz na osobnych kartach widoków miast.
„Podziwiasz włoskie widoki z poczuciem czegoś majestatycznego, ale ziemskiego, w których antyczne zabytki odgrywają główną rolę, a przyroda odgrywa rolę drugorzędną. Pamięć wyobraża sobie działania starożytnych ludzi i osłabia wrażenie natury” – zastanawiał się Tołstoj na kartach swojego dziennika.
Jednak włoskie rysunki mistrza obalają te twierdzenia, co więcej, pojawia się w nich nowe poczucie natury. Poezja rysunek Neapol. Widok z Villa Reale (1845) Tołstoj znalazł w rzeczywistości, czując i przekazując integralność przestrzeni nieba i ziemi, nieskończoność, uderzając nie wielkością, ale niesamowitą harmonią z ziemskim życiem. Przytulna zatoka, miasto położone nad morzem i chronione górami, beztroska swoboda spacerów promenadą zalaną oślepiającym słońcem – to poezja krainy Włoch.
A natura ojczyzny, życie ludzi w ukochanej ojczyźnie - czy zauważył je hrabia Tołstoj? To pytanie mogłoby pozostać bez odpowiedzi, gdyby nie jeszcze jedno z jego hobby.
Współcześni uważali Tołstoja za najlepszego mistrza sylwetki pierwszej połowy XIX wieku, podobnie jak współcześni eksperci.
W XVIII wieku w Europie i Rosji pojawiła się nowa technika graficzna - sylwetka, konturowy obraz postaci i przedmiotów, zwykle wypełniony czernią. Urok sylwetki tkwi nie tylko w wyrazistości linii konturu i kontraście czerni i bieli, ale także w zwięzłości i tajemniczości jej wizerunku, insynuacjach, a co za tym idzie niejednoznaczności.
Sylwetka jest okazją do stworzenia świata wspomnień.
To nie przypadek, że wiele lat później wydarzenia Wojny Ojczyźnianej z 1812 roku odżyły w dziele Tołstoja jako cienie przeszłości w czarnych sylwetkach. Po raz pierwszy w sylwetce pojawia się charakterystyczny profil i zarys postaci, niskiej i imponującej, tego, który był idolem młodości, a później stał się ucieleśnieniem tyrana i łotra. Napoleon obserwuje ruch swoich wojsk lub siedzi w ponurych zamyśleniach przy ognisku. Powolność rytmów, intonacja obrazów sprawiają wrażenie, jakby od tamtych wydarzeń minęło wiele lat. To mądre i smutne spojrzenie w przeszłość. Tołstoj jako pierwszy stworzył sceny wielopostaciowe techniką sylwetki. Szczegóły są pominięte, najważniejsze pozostaje. Tołstoj uchwycił zarysy maleńkich postaci marszałków, oficerów sztabowych, konnych sanitariuszy, wartowników, ich gesty w ruchu, tak jak mogłoby to uchwycić zdjęcie.
Muzea przechowują około dwustu sylwetek Tołstoja. Nie są sygnowane, nie są zaznaczone daty ich powstania. Tołstoj dużo eksperymentował, używając papieru o różnych kolorach zarówno do obrazu, jak i tła, czasami uzupełniając obraz kolorem.
Najwcześniejsza znana sylwetka została wykonana przez artystę w wieku czternastu lat i jest przechowywana w Galerii Trietiakowskiej - wycięta z cienkiego białego papieru żaglówka z wysokimi masztami i schowanymi żaglami. Być może, wspominając swoją młodość jako aspiranta, Tołstoj lubił wycinać szalejące fale morskie, łodzie rybackie, statki z żaglami dmuchanymi wiatrem i „pyroscaphes” - parowce kołowe z wysokimi rurami.
Oprócz wspomnień z przeszłości Tołstoj miał kilka innych ulubionych tematów. Wielokrotnie wycinał z papieru sceny manewrów wojskowych, biwaków, przeglądów, parad korpusu kadetów, które oglądał latem w Peterhofie.
Moc obserwacji Tołstoja uchwyciła w scenach myśliwskich zarówno zachowanie myśliwych, jak i zwyczaje zwierząt. Bieg pędzącego jelenia, ścigających go psów i jeźdźców jest szybki. Po mistrzowsku oddane są ruchy konia przeskakującego przez rzekę lub wspinającego się po zboczu, niedźwiedzia stającego na tylnych łapach i broniącego się przed atakującymi go ogłuszająco szczekającymi psami, lisa odjeżdżającego po rzuconym drzewie.
Artysta, przedstawiając polowanie na kaczki, wybiera punkt widzenia nieco z góry - można zobaczyć spokojną przestrzeń jezior, pojedyncze drzewa lub wyspy z bujnymi koronami drzew wystającymi z wody. Myśliwi strzelają, a przestraszone kaczki rozchodzą się. Artysta tworzy blask wody za pomocą nacięć, a listowia za pomocą nakłuć, co nadaje kępom drzew dekoracyjnego wyrafinowania.
Sylwetki zachowały to, co przyciągało uwagę Tołstoja na ulicach prowincjonalnych rosyjskich miast. Ekspresyjne pozy, charakterystyczne gesty mieszkańców, ich ubiór – mundur, płaszcz, szalik, czapka – a przed nami stróż z halabardą w dłoni wskazujący drogę jeźdźcowi, latarnik w rzuconym palcie odpędza goni go pies, rozmawiają dwie ploteczki, machnięcie batem woźnicy i odskocznia.spieszący się, a może ostrożnie na śliskiej drodze koń.
Nagie gałęzie drzew, jodły, wystające wiklinowe słupy, zniszczone mosty, wolno błąkający się koń ciągnący sanie z sianem, trzy konie pędzące po zimowych drogach - taki jest zimowy obraz rosyjskiej przyrody uchwycony przez Tołstoja.
A latem na sylwetkach Tołstoja mężczyźni i kobiety pracowicie zbierają siano, pasą krowy, zbierają jabłka, wspinają się po drabinach na wysokie jabłonie. Dziewczyna czerpie wodę ze studni, rybacy ciągną sieć. Rybacy siedzą nieruchomo na brzegach rzeki z wędkami, podczas gdy ich żony i dzieci cierpliwie ich obserwują, stojąc w pewnej odległości na brzegu. Pasterz gra na fajce, chłopak i dziewczyna wesoło tańczą na łące lub w chacie na zebraniach.
„Chłop nie był w jego oczach chłopem pańszczyźnianym, którym można pogardzać”, wspominała córka Tołstoja, „ani ideałem, któremu należy się kłaniać, nawet młodszym bratem, ale po prostu osobą, taką jak on sam”. Chłopi pańszczyźniani pojawiają się w sylwetkach artysty jako niezależni, zręcznie zarządzający swoimi sprawami, czy to podczas zbierania jabłek, wyciągania sieci czy bezinteresownego tańca.
Rzeki i mosty, pagórki, wiatraki, domy z dwoma lub trzema oknami, ukryte w gęstym listowiu drzew, chwiejne płoty z plecionki, chaty, wysoki żuraw studni, przelewające się jeziora - oto, co Tołstoj zauważył jako charakterystyczne w wyglądzie wsie i przyroda pasa środkoworuskiego.
Wymieniając wszystko, co stworzył w ciągu swojego życia, Tołstoj nawet nie wspomniał o swojej pasji do sztuki sylwetki. Mimo to sylwetki Tołstoja zwracają uwagę nie tylko zabawną fabułą czy nienagannym wykonaniem. Tołstoj w sztuce sylwetki znalazł formę wyrazu zainteresowania życiem ludu i przyrodą Rosji. Narodowe intonacje zabrzmiały w sylwetkach Tołstoja. W konturach maleńkich postaci ludzkich nic nie przypomina trójwymiarowego klasycznego rysunku z płynną linią konturu. Rytmy i kontury nabrały pewnej niezdarności pod wpływem obrotów nożyczek, stały się nieco „wycięte jak siekiera”, zachowując przy tym elegancką dekoracyjność, zawsze charakterystyczną dla prac artysty. Kultura rosyjska początku XIX wieku, postrzegająca i oceniająca świat przez pryzmat doskonałości starożytności, zaczęła odkrywać poezję swojej rodzimej natury.
... tak dobrze znany, jak utalentowany”

Życie Fiodora Tołstoja to służba sztuce i Ojczyźnie. Zarówno w młodości, jak iw latach dojrzałych niepokoił się o losy Rosji. Nie tylko marzył o jej wielkości i pomyślności, ale był głęboko przekonany, że „każdy według swoich sił i zdolności powinien przyczyniać się do poprawy życia ludzkiego zarówno przez swoją pracę, jak i przez swoje uczciwe i prawdziwe słowo; gorący z natury, był wzburzony, oburzony na wszystko, co opóźnia bieg ludzkiej doskonałości.
Pięćdziesiąt lat, które upłynęły od czasu, gdy podchorąży Tołstoj zdecydowanie zmienił swoje życie, z wrodzoną pasją i obsesją poświęcił się swojej ukochanej sztuce. Jego dzieła, pełne szczerości i elegancji, obywatelstwa i patriotyzmu, wielkości i harmonii, rozsławiły imię Tołstoja zarówno w Rosji, jak iw Europie. Tworzone przez niego rysunki, płaskorzeźby, akwarele, sylwetki, ryciny, a także rysunki ołówkiem Oresta Kipreńskiego czy akwarele Piotra Sokołowa, zawieszane na ścianach dworów, przechowywane były w szkatułkach, były ozdobą albumów, tworząc artystyczną środowisko życia codziennego ówczesnej szlachty. To nie przypadek, że Puszkin w powieści Eugeniusz Oniegin, tej „encyklopedii rosyjskiego życia”, wymienia imię Tołstoja wśród wielu wielkich nazwisk jemu współczesnych.
W maju 1859 roku minęło 50 lat od wyboru hrabiego na członka honorowego Akademii Sztuk Pięknych. Kontynuując służbę w Ermitażu, pracując w Mennicy, Tołstoj uczył medalierstwa, realizując program, który sam stworzył w młodości. Własnymi staraniami i kształcąc w swoich uczniach medalierów przekształcił medalierstwo z rzemiosła w sztukę, zasłużenie otrzymując honorowy tytuł „ojca sztuki medalierskiej w Rosji”. Od 1828 roku, będąc wiceprezesem Akademii Sztuk Pięknych, Tołstoj kierował pracami Akademii przez 31 lat. „To była honorowa emerytura, ale jednak emerytura” – napisała jego córka. - Ciężko było mojemu ojcu to znieść, trudno było porzucić swoje ulubione zajęcie, opuścić Akademię, z którą nierozerwalnie związane było jego życie; nawet mieszkanie, w którym mieszkał, otoczony ulubionymi przedmiotami przez prawie pół wieku. Ta rocznica niosła ze sobą wyczuwalne poczucie goryczy. Oficjalnych obchodów nie było, ale pięćdziesiąta rocznica służby hrabiego Tołstoja w Akademii Sztuk Pięknych była obchodzona w życiu artystycznym i towarzyskim. W gazecie Sankt-Petersburgskie Wiedomosti napisano: „Niewielu tak uczciwie dożywa 50. rocznicy, zachowując dobrą wolę opinii publicznej. Pracą, sumiennością, talentem zdobył prawo do tej opinii publicznej, aby nic nie mogło jej odebrać. Przyjaciele artysty i jego uczniowie zorganizowali przyjacielską uroczystość z przemówieniami, brawami, występem, improwizacją.
Los sprzyjał Fiodorowi Pietrowiczowi. Hojnie obdarzywszy go talentami, energią, determinacją, siłą charakteru, wytrwałością, zręcznością, smakiem życia, dała mu dziewięćdziesiąt lat życia.
Z biegiem lat zdrowie się pogarszało, siły osłabły, ale hrabia nie stracił zainteresowania życiem społecznym i sztuką. Był nieskończenie szczęśliwy, że spełniło się marzenie jego młodości – chłopi otrzymali wolność, zniesiono pańszczyznę. Podczas buntu młodych artystów kończących Akademię Sztuk Pięknych w 1863 roku Tołstoj zgodził się z żądaniem „rebeliantów” – by sami wybrali fabułę do obrazu konkursowego, a nie realizowali zadany program, bo „wybierając z fabułą swojego obrazu artysta może z większą swobodą i miłością lepiej pracować i wyrażać swoje myśli.
Wieloletnia żmudna praca, często z lupą, przyniosła efekt, szybko stracił wzrok, w ostatnich latach życia był prawie ślepy i słabo słyszał. Ale piękno duszy nie podlega czasowi. „Tak jak u mojego ojca nie było dumy i zarozumiałości, tak też nie było kulenia się” — zauważyła córka.
Tołstoj nawet w podeszłym wieku zachował jasny umysł, zainteresowanie życiem, szczerą wiarę w cudowną przyszłość Rosji i całej ludzkości: „Wszystko na świecie rośnie zarówno w świecie fizycznym, jak i moralnym. W ten sposób ludzkość również dorośnie do swojej właściwej pozycji - do szczęścia.

Kronika życia Fiodora Tołstoja
1811 Małżeństwo z AF Dudina.
1814-1816 Pracował nad płaskorzeźbami opartymi na wątkach Odyseusza Homera.
1815 Wstąpił do loży masońskiej Michała Wybranego.
1818-1820 Udział w tworzeniu szkół Lancaster w Rosji.
1818-1820 Udział w „Unii Opieki Społecznej”.
1820 Udział w powstaniu Towarzystwa Zachęty Artystów.
1820 Członek honorowy Wolnego Towarzystwa Miłośników Literatury Rosyjskiej.
1822 Pełnoprawny członek Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Berlinie.
1825 Członek honorowy Kurlandzkiego Towarzystwa Literatury i Sztuki.
1835 Śmierć żony.
1836-1839 Prace nad serią medali poświęconych zwycięstwom w wojnach z Persami i Turcją w latach 1826-1829. Członek honorowy Austriackiej Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych.
Odznaczony złotym medalem przez króla Bawarii.
1838 Stworzenie rysunków do baletowej harfy eolskiej.
1840 Małżeństwo z AI Iwanowa.
1842 Stworzenie rysunków do baletu Echo.
1842 Nadany tytuł profesora medalierstwa.
1845-1846 Pierwsza podróż zagraniczna.
1846-1852 Wykonanie modeli rzeźb i płaskorzeźb dla Soboru Chrystusa Zbawiciela w Moskwie.
1849 Nadany tytuł profesora rzeźby.
1851 wybrany honorowym członkiem Moskiewskiego Towarzystwa Artystycznego.
Nagrodzony złotym medalem na I Wystawie Światowej w Londynie.
Powołany na kierownika działu artystycznego Zakładu Mozaiki Akademii Sztuk Pięknych.
1852-1853 Malarstwo Var in i k.
1853-1854 Wykonanie posągów do fontann Peterhof.
1855 Obraz Widok w ogrodzie domku letniskowego Markovil w Finlandii.
1859 Mianowany towarzyszem rektora Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych.
1861 Udział w Salonie Paryskim.
1861-1862 Drugi wyjazd za granicę.
1873 1 3 kwietnia zmarł w Petersburgu; pochowany na Cmentarzu Łazarewskim Ławry Aleksandra Newskiego.

Obraz Nikołaja Ge „Portret Lwa Tołstoja” jest jednym z najlepszych dzieł portretowych artysty. Portret został namalowany w 1884 roku, dwa lata po spotkaniu Ge z pisarzem. W ostatniej dekadzie życia artysta wielokrotnie zwracał się do wizerunku Tołstoja, stając się wyznawcą jego nauk religijnych i moralnych. Na portrecie Tołstoja najlepiej ucieleśniono wiarę Nikołaja Ge w człowieka, w jego nieograniczone możliwości duchowe i twórcze.

Na portrecie starał się ujawnić najlepsze cechy osoby, nigdy się nie powtarzał, nigdy nie interpretował psychologicznie i artystycznie tej czy innej osoby w standardowy sposób.

Portret Lwa Tołstoja bardziej przypomina udaną fotografię pisarza przy pracy, więc realistycznie w najdrobniejszych szczegółach Ge udało się odtworzyć nie tylko wygląd pisarza, ale także utrwalić bogactwo wewnętrznego świata jego bohatera, siła jego myśli zainspirowała zapał do pisania.

„Portret Lwa Tołstoja” z powodzeniem uzupełni wnętrze gabinetu literatury szkolnej lub Twojego gabinetu, wypełniając je energią ruchu twórczej myśli

Reprodukcję tego obrazu można kupić w naszym sklepie internetowym.

KORZYSTNA oferta sklepu internetowego BigArtShop: kup obraz Portret L. N. Tołstoja artysty Nikołaja Ge na naturalnym płótnie w wysokiej rozdzielczości, oprawiony w stylową bagietkę, w ATRAKCYJNEJ cenie.

Obraz Nikołaja Ge Portret Lwa Tołstoja: opis, biografia artysty, recenzje klientów, inne prace autora. Duży katalog obrazów Nikolai Ge na stronie sklepu internetowego BigArtShop.

Sklep internetowy BigArtShop prezentuje duży katalog obrazów artysty Nikolai Ge. Możesz wybrać i kupić swoje ulubione reprodukcje obrazów Nikolai Ge na naturalnym płótnie.

Nikołaj Nikołajewicz Ge urodził się w 1831 r. W Woroneżu w rodzinie ziemiańskiej. Niezwykłe nazwisko dla środkowej Rosji tłumaczy fakt, że jego dziadek wyemigrował z Francji do Rosji pod koniec XVIII wieku, a po francusku nazwisko brzmi wesoły.

Wychowywała go niania, służąca, gdyż jego matka zmarła na cholerę, gdy chłopiec miał trzy miesiące. W wieku 10 lat został przewieziony do Kijowa, gdzie wstąpił do I Gimnazjum Kijowskiego. Pomimo tego, że nauczyciele przewidzieli dla niego przyszłość artysty, zauważając jego umiejętność rysowania, po ukończeniu gimnazjum, za radą ojca, wstąpił na Uniwersytet Kijowski na Wydziale Fizyki i Matematyki. Wkrótce przeniósł się na wydział matematyczny uniwersytetu w Petersburgu i zamieszkał ze starszym bratem. Odwiedzając Ermitaż, kontynuuje samodzielną naukę rysunku.

W 1850 opuścił uniwersytet i wstąpił do Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych w klasie Piotra Basina.

W 1855 roku za obraz „Achilles opłakuje Patroklosa” otrzymał Mały Złoty Medal Akademii. Za obraz „Saul u czarownicy z Endor” w 1857 roku został odznaczony Wielkim Złotym Medalem, co dawało mu prawo do wyjazdów zagranicznych na koszt Akademii.

Ge odwiedził Niemcy, Szwajcarię, Francję, Włochy.

W 1863 roku, po powrocie do Petersburga, wystawił obraz „Ostatnia wieczerza” na jesiennej wystawie w Akademii Sztuk Pięknych. Ten obraz został zakupiony przez rosyjskiego cesarza do jego osobistej kolekcji.

Za Ostatnią wieczerzę Akademia nadała Nikołajowi Ge tytuł profesora. I omijając tytuł akademika, został również wybrany pełnoprawnym członkiem Cesarskiej Akademii Sztuk.

Po krótkim pobycie w Rosji, na początku 1864 Ge wrócił do Florencji, gdzie napisał wiele szkiców do opowiadań ewangelicznych. Podczas pobytu we Florencji Ge poznaje i zbliża się do Hercena. Według krytyków portret Hercena jest najlepszy w twórczym dziedzictwie Nikołaja Ge.

Pod koniec 1869 r. Nikołaj Ge wrócił do Rosji, gdzie brał udział w organizacji Stowarzyszenia Objazdowych Wystaw Artystycznych.

Od 1869 do 1875 Nikolai Ge mieszka i pracuje w Petersburgu. Tutaj namalował genialne portrety najsłynniejszych rosyjskich intelektualistów: pisarza Iwana Turgieniewa, poety Nikołaja Niekrasowa, pisarza satyryka Michaiła Saltykowa-Szczedrina, historyka Nikołaja Kostomarowa, rzeźbiarza Michaiła Antokolskiego i innych.

W „okresie petersburskim” twórczości Ge malował także obrazy o tematyce historycznej.

Ale niezadowolenie z własnej pracy i trudności materialne zmusiły Nikołaja Ge do opuszczenia Petersburga w 1875 r. I przeniesienia się na Ukrainę. W guberni czernihowskiej udało mu się kupić małą farmę.

Do 1879 roku artysta prawie nie pracował. Podjął kwestie religii i moralności, dochodząc do wniosku, że trzeba żyć z pracy na wsi, że sztuka nie może służyć jako środek do życia, że ​​nie można nią handlować.

Skrajna potrzeba zmusiła jednak artystę do namalowania wielu „szytych na miarę” portretów miejscowych bogaczy w celu zdobycia środków do życia i spłacenia zaciągniętych długów.

W 1882 Ge spotkał Lwa Tołstoja w Moskwie, aw 1884 namalował jego portret.

Potem pojawiła się nowa seria obrazów o tematyce religijnej „Wyjście z Ostatniej Wieczerzy”, „Czym jest prawda?”, „Judasz”, „Sąd Sanhedrynu”, „Winny śmierci”, „Ukrzyżowanie”. W nich, „odnalazł” siebie, wypracowując samodzielne spojrzenie na otaczającą go rzeczywistość, a także własnego wirtuoza wyrazistości i wewnętrznego wyrazu maniery pisma obrazkowego.

Na rok przed śmiercią artysta pisze „Autoportret”

Według krytyków Ge jako pierwszy wśród rosyjskich artystów uchwycił nowy realistyczny trend w tematyce biblijnej.

Faktura płótna, wysokiej jakości farby i druk wielkoformatowy sprawiają, że nasze reprodukcje Nikolai Ge dorównują oryginałowi. Płótno zostanie naciągnięte na specjalny blejtram, po czym obraz można oprawić w wybraną bagietkę.

Pod koniec XIX - na początku XX wieku L.N. Tołstoj stał się dla Rosji swego rodzaju „sumieniem narodu”: słuchano go, konsultowano z nim, naśladowano. Jego poglądy na życie, wyrażane nie tylko w dziełach sztuki, ale także w pracach publicystycznych, wywoływały gorące dyskusje w społeczeństwie. Nie bez powodu pisarz stał się jednym z najpopularniejszych obiektów w sztukach wizualnych nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Należy podkreślić, że artyści często malowali nie tylko portrety, ale obrazy przedstawiające Tołstoja na wakacjach lub podczas wykonywania ulubionych zajęć.
W. Kramskoj, I.E. Repin, LO Pasternak, NN Ge, M.V. Niestierow, V.N. Meshkov, Aina Leon, Jan Styka i wielu innych artystów rosyjskich i zagranicznych. W niektórych przypadkach mistrzowie malarstwa stworzyli nawet całe serie prac o Tołstoju. Na przykład wiele obrazów I.E. Repin. Najbardziej znane z nich to: „Portret pisarza L.N. Tołstoj” (1887), „Oracz. Lew Nikołajewicz Tołstoj na gruntach ornych „(1887)”, „L.N. Boso Tołstoj” (1901), „Lew Tołstoj w pokoju pod łukami” (1891), „Lew Nikołajewicz Tołstoj na wakacjach w lesie” (1891), „L.N. Tołstoj przy pracy przy okrągłym stole ”(1891),„ Lew Nikołajewicz Tołstoj czyta ”(1891). Galeria sztuki Tołstoja jest również zróżnicowana w L.O. Pasternak: „Czytanie rękopisu” (1893), „L.N. Tołstoj na wystawie objazdowej” (1893), „L.N. Tołstoj czyta przy lampie” (1901), „Lew Tołstoj” (1901), „Tołstoj na tle burzliwego nieba” (1901), „L.N. Tołstoj z rodziną” (1902), „Portret L.N. Tołstoja” (1906), „Portret L.N. Tołstoja” (1908).

Dwa uznane arcydzieła w ikonografii L.N. Tołstoj - portrety I.N. Kramskoj i I.E. Repin. Oferujemy bardziej szczegółowy komentarz do nich.

Iwan Kramskoj. Portret pisarza Lwa Tołstoja. (1873). Płótno, olej. 98x79. Galeria Trietiakowska, Moskwa, Rosja

Komentarz 1.
Napisz Tołstoja, którego portret Tretiakow tak bardzo chciał dostać w swojej galerii, I.N. Kramskoy zostaje zabrany w 1873 roku, kiedy latem znajduje się z rodziną w Kozlovka-Zaseka, pięć mil od Jasnej Polany. Nie było jednak łatwo przekonać pisarza do pozowania, a Kramskoj musiał zainteresować swoją osobowością osobę, która w tamtych latach była bardzo daleka od chrześcijańskiej pokory - twarda, dominująca, a nawet twarda: „Nie opiszę ci mojej randka z nim jest za długa: moja rozmowa trwała ponad 2 godziny, 4 razy wracałem do portretu i wszystko bezskutecznie; żadne prośby i argumenty nie miały na niego wpływu”. Mimo to Tołstoj zgodził się pozować, a artyście postawił warunek: miał namalować dwa portrety - jeden dla Trietiakowa, a drugi dla rodziny pisarza. Podczas sesji pozowania Tołstoj i Kramskoj dużo rozmawiali, poznając się.
Za pomocą światłocienia, z pociągnięciem w formie, Kramskoy rzeźbi twarz, nie wygładzając szorstkości form, „nierówności” szerokiego nosa, nie próbując ukryć dużego odstającego ucha. To tak, jakby ufnie podążał za naturą, która włożyła potężny i subtelny intelekt w prymitywną muszkę. A swoją uwagę skupia na oczach rozświetlających twarz: starannie, ale nie małostkowo zaznacza budowę oka, lekko muska czerwono-białą łzę, z trudem pisze tęczówkę, podkreślając kreską przestrzeń między ciemną źrenicą ostre odblaski i niebieska obwódka. Sprawia wrażenie przenikliwego, przenikliwego spojrzenia. Kramskoj bardzo dokładnie pokazuje słynne orle oczy Tołstoja, w których łączy się wnikliwość i spontaniczność.
W kreatywnym spalaniu N.I. Kramskoj połączył intuicję i umiejętności zawodowe, świadomość i nieświadome poruszenia duszy, uczucia i rozum. W rezultacie na płótnie pojawił się obraz o ogromnej sile oddziaływania emocjonalnego, obraz wglądu, pierwszy obraz osoby, która za życia została uznana za geniusza nie tylko rosyjskiej ziemi, ale całej ludzkość. Z portretu wiszącego w holu Galerii Trietiakowskiej pozostaje wrażenie ogromnej, jakby wyrzeźbionej z monolitu bryły o nudnych, przenikliwych oczach. Kramskoj monumentalizował krótkiego Tołstoja, a widzowie, którzy znali pisarza z tego portretu (w tym Repin), byli często zdumieni, jak mało obraz pisarza, który rozwinął się w ich umyśle, odpowiadał pierwszemu wrażeniu życiowemu.
Kramskoy już na początku lat siedemdziesiątych XIX wieku, po zakończeniu pracy nad portretem i podsumowaniu swoich wrażeń, które przybrały malowniczą formę, napisał do Repina: „A hrabia Tołstoj, którego namalowałem, jest osobą interesującą, a nawet niesamowitą. Spędziłem z nim kilka dni i, przyznaję, cały czas byłem nawet w stanie podniecenia. Wygląda jak geniusz”.
Portret został uznany za bardzo podobny zarówno przez artystów (I.E. Repin: „Portret jest strasznie podobny”), jak i osoby bliskie Tołstojowi (według jego żony: „Nawet przerażające jest patrzenie na to”).

Komentarz 2.
Portret L.N. Tołstoja został napisany przez N.I. Kramskoya w 1873 roku i jest uważany za najlepszy portret wielkiego pisarza.
Ani jednemu artyście nie udało się uchwycić obrazu Tołstoja - wielkiego humanisty, myśliciela, nosiciela ideałów moralnych, rzecznika popularnych interesów - głębszego niż Kramskoj. Każdy, kto widział portret, doświadczył ogromnej siły jego oddziaływania.
Portret wykonany jest w odcieniach szaro-brązowych. Z wielkimi umiejętnościami jako malarz i psycholog przekazał Kramskojowi złożoność i wszechstronność natury jednego z największych rosyjskich geniuszy. Tołstoj na portrecie przedstawiony jest siedząc w fotelu w naturalnej pozie z rękami złożonymi swobodnie na kolanach.
Bezczelna twarz, duży szeroki nos, bujna broda - wszystko to sprawia, że ​​Tołstoj wygląda jak zwykły rosyjski wieśniak. Nie jest to jednak mężczyzna – nawet niebieska koszula, przypominająca zwykłą chłopską bluzkę, leży na nim jakoś bardzo elegancko. Majestatyczna sylwetka, pięknie opadające fałdy koszuli nadają portretowanej osobie szczególnej szlachetności.
Jednak najważniejsze w portrecie jest twarz pisarza. Jest napisany zaskakująco wyraziście - ściśle, a jednocześnie plastycznie, obszernie. Bezpośrednio w duszę widza kierowane jest spojrzenie przenikliwych szarych oczu Tołstoja - żywe, przenikające rozmówcę i silnie go przyciągające, pełne ogromnego napięcia. Osoba o takim poglądzie ma oczywiście trudny charakter. Ale najważniejsze, co czyta się w tym spojrzeniu, to czysty umysł, nieskończona szczerość, hart ducha, celowość.
Zarówno prostota pisarza, jak i jego mądrość są bardzo uduchowione na portrecie. I to właśnie cechy pisarza przybliżają ludziom jego wizerunek.

TJ. Repin. „Portret L.N. Tołstoja” (1887). Płótno, olej. 124x88

Komentarz 1.
Portret Tołstoja został namalowany przez Repina w Jasnej Polanie w sierpniu 1887 roku. Kłaniając się geniuszowi wielkiego pisarza, I.E. Repin jednocześnie nie zgadzał się z nim w wielu przekonaniach.
Mimo to pisarza i artystę łączyła ciepła przyjaźń na wiele lat. Portret namalowany w 1887 roku jest jednym z całej serii portretów L.N. Tołstoj stworzony przez Repina.
Niezwykle prosty w wybranej pozie i kolorystyce obraz wyróżnia się prawdziwością i wielkim talentem artysty. Ten portret może naprawdę powiedzieć więcej niż długie słowne opisy. Repin mógł więc przedstawiać tylko osobę, którą głęboko rozumiał, szanował, doceniał. Repin w pełni zdołał pokazać wielkość pisarza. Pisarz jest przedstawiony siedząc na nieco nietypowym krześle. W jednej ręce trzyma małą książeczkę, drugą wygodnie leży na oparciu krzesła. Ciemna bluzka ściągana jest paskiem w talii i przypomina nieco sutannę.
Pisarz ukazany jest w chwili niespokojnego zamyślenia - prawdopodobnie podnosząc wzrok znad tego, co przeczytał, zastanawia się nad jakąś myślą. Lekko przechylając głowę ze zwisającymi brwiami i bujną siwą brodą, Tołstoj patrzy na widza. Jakby pytanie, które go teraz dręczy, zwraca się do niego. W głęboko osadzonych oczach pisarza - mądrości i wnikliwości, wydaje się, że dociekliwie patrzą prosto w duszę.
Repin namalował portret Tołstoja, nieco „podnosząc” postać portretowanej osoby i nadając jej monumentalne znaczenie. Powściągliwa, ciemna tonacja, gama kolorystyczna, „niespieszny” sposób malowania – wszystko w portrecie podkreśla skalę osobowości portretowanej osoby. Siedząc w fotelu sprawia wrażenie osoby niezwykłej, naprawdę błyskotliwej - niewiele osób może się z nim równać dobrocią serca, siłą umysłu, talentem i nieugiętą wolą.

Komentarz 2.
Portret został namalowany w Jasnej Polanie, jak zwykle szybko, w trzech sesjach (13-15 sierpnia). Trietiakow, dowiedziawszy się o stworzeniu portretu, ale jeszcze go nie widząc, w liście do V.V. Stasow wyraził nadzieję, że Repin przedstawił Tołstoja w pełnej wysokości, a już na pewno na tle pejzażu - tylko taka kompozycja wydawała się Trietiakowowi godna wielkiego pisarza.
Repinowi udało się jednak przekazać wielkość Tołstoja w inny sposób. Wybrany przez artystę punkt widzenia, z niskim horyzontem, „podnoszącym” postać, nadaje jej monumentalnego znaczenia. Charakterystyczne jest, że Repin nigdy później nie zbudował w ten sposób kompozycji portretowej, potwierdzając w ten sposób wyjątkowość, wyjątkowość portretu Tołstoja.
Powściągliwa, szlachetna gama kolorystyczna, wyraźny zarys sylwetki z doskonałym modelowaniem wolumetryczno-przestrzennym, płynny, szeroki, „niespieszny” ruch pędzla - wszystko na portrecie podporządkowane jest atmosferze majestatycznego znaczenia, która otaczała Tołstoja.
Tołstoj ukazany jest w chwili pełnej niepokoju zamyślenia – to jest właśnie ta minuta, ten szczególny moment, w którym pisarz, odrywając się od książki, próbuje odpowiedzieć na pytanie, które się pojawiło w związku z tym, co przeczytał. Skoncentrowana, ostrożna zamyślenie, dociekliwe, przenikliwe spojrzenie, zmuszające widza mimowolnie do zainteresowania się treścią tego numeru, to cechy, które składają się na program portretowy.
Wysokie czoło, gęsta broda, grube rysy. Rosyjski bojar, pewnie siedzi na starym krześle. Spojrzenie jest oderwane, neutralne, skierowane w dal, jakby przebijało widza, przechodziło przez niego. Oczy są jasne i miłe. Proste czarne ubrania, łączące się z tym samym czarnym krzesłem, optycznie podnoszą sylwetkę bohatera.
Jasne i czyste tło potęguje wrażenie. Książka jest w ręku, detal jest symboliczny, nieprzypadkowy. Przed nami pisarz w chwili zastanowienia się nad tym, co przeczytał, w chwili narodzin nowej, genialnej idei. Patrząc na portret, każdy może poczuć wielkość i duchową monumentalność Tołstoja.
Repin bardzo cenił portret Tołstoja Kramskoja. Ale jeśli Kramskoj Tołstoj jest pełen epickiego spokoju i jasności, a jego spojrzenie jest surowe i bezpośrednie, to Repinsky Tołstoj jest osobą poszukującą, wątpiącą. Dopiero pod koniec lat 80. XIX w. pisarz wkroczył na drogę kaznodziejską; to nie przypadek, że zasugerowano, że w portrecie Repina na kolanach Tołstoja - Ewangelia.

Inne portrety L.N. Tołstoj

Ge NN Portret L.N. Tołstoj (1884). Płótno, olej. Galeria Trietiakowska, Moskwa, Rosja Zbliżenie z L.N. Tołstoj NN Ge uważał za najważniejszy kamień milowy w swoim życiu. Artystę i pisarza połączyło zainteresowanie stawianiem w swojej twórczości globalnych problemów moralnych. Ge maluje portret Tołstoja w swoim domu w Chamownikach, kiedy pracował nad rękopisem traktatu „Jaka jest moja wiara?”. Portret pisarza przy pracy, w znajomym otoczeniu, wykonany jest w duchu tradycji Wędrowców. Najważniejsze, do czego dążył artysta, było pokazanie pracy genialnego umysłu, toku jego myśli. Ge interpretuje Tołstoja jako nauczyciela życia, który wykonuje swoją pracę. W rodzinie pisarza obraz ten uznano za najlepszy „ze względu na podobieństwo i siłę wyrazu twarzy, pomimo spuszczonych oczu”. W liście do V.P. Gaevsky'ego z dnia 6 lutego 1884 r. do N.N. Ge relacjonował: „… pojechałem do Moskwy, gdzie mieszkałem przez 3 tygodnie, pojechałem zobaczyć się z moim dobrym Lwem Nikołajewiczem Tołstojem i namalować jego portret, który planowałem od dawna, ale nie mogłem się spełnić. Cieszę się, że w końcu to zrobiłem. W tym portrecie przekazałem wszystko, co w tej niesamowitej osobie najcenniejsze.

Michaił Niestierow. Portret L.N. Tołstoj (1907). Płótno, olej. 113x102. Muzeum L.N. Tołstoj, Moskwa, Rosja Jako tło artysta wybrał staw w Jasnej Polanie, świerki posadzone na jego brzegu przez samego Tołstoja, aw oddali wieś. Wybierając nie posiadłość, ale wiejski charakter krajobrazu, M.V. Niestierow podkreślił popularny początek światopoglądu Tołstoja.

L.N. Tołstoj w percepcji artystów przełomu XX i XXI wieku

W I. Płotnikow. Portret Lwa Tołstoja (1978). Płótno. Olej

VV Szulżenko. Lew Tołstoj na poziomym pasku (2006)

(Gatunek: malarstwo figuratywne w stylu realizmu groteskowego).

Zdjęcia autorstwa L.N. Tołstoj

L.N. Tołstoja na Krymie

L.N. Tołstoj z wnukami Sonią i Ilją w Krekszyno

L.N. Tołstoj z żoną Sofią Andriejewną

L.N. Tołstoj

L.N. Tołstoja z M. Gorkim i A. Czechowem

L.N. Tołstoj przy pracy w Jasnej Polanie

L.N. Tołstoj gra w szachy z M.S. Sukhotin

Wspomnienia L.N. Tołstoj

1. W 1897 roku słynny niemiecki dramaturg, felietonista i reżyser teatralny dr. Oskara Blumenthala wykorzystał pobyt w Moskwie (gdzie w okresie Wielkiego Postu koncertowała część jego berlińskiej trupy Teatru Lessinga), aby zobaczyć hrabiego L.N. Tołstoj.
„Po przejściu całej serii długich korytarzy w końcu znalazłem się twarzą w twarz z tą cudowną osobą. Tołstoj jest dokładnie taki sam, jak pokazał go europejskiemu czytelnikowi słynny portret: w szerokiej chłopskiej koszuli przewiązanej jednokolorowym paskiem, z długą białą brodą, z melancholijnymi niebieskimi oczami i siwymi kępkami włosów, z czołem podziurawiony głębokimi zmarszczkami – robotnik myślący i niegrzeczny, przyzwyczajony do ciężkiej pracy rąk, które w rozmowie chętnie wkłada za pasek. Głęboka, chwytająca za duszę powaga, jakby wypływająca z jego twarzy, sprawia wrażenie spotkania z postacią biblijną. Hrabia Tołstoj zdaje się nagle ożywać jako apostoł Leonarda da Vinci, ale temu wrażeniu towarzyszy rozkosz cywilizowanego gustu, który w postaci wielkiego poety nie ma najmniejszego śladu celowej oryginalności. Wyobcowanie ze społeczeństwa i jego uprzedzeń jest w tak doskonałej harmonii z postacią pustelnika Tołstoja, że ​​nawet jego dziwactwa wydają się całkiem naturalne. Klasztorna prostota pomieszczenia odpowiada spokojnej wielkości jego mieszkańca. Białe ściany bez
dekoracje, czarne skórzane krzesła, półka z kilkoma książkami i brzozowy stół zawalony świeżo zapisanymi ćwiartkami białego papieru - taka jest świecka cela tego mnicha z przekonania.

2. „Gazeta petersburska”. Nieznany korespondent. Uwaga „Hrabia L.N. Tołstoja w Petersburgu”:
„Nasi czytelnicy już wiedzą, że słynny autor Wojny i pokoju oraz Anny Kareniny, hrabia Lew Nikołajewicz Tołstoj, niedawno przybył do Petersburga. Autor tych wersów miał okazję poznać go podczas wizyty w Petersburgu naszego światowej sławy pisarza. To spotkanie odbyło się na ul. Wczesnym rankiem 9 lutego szedłem wzdłuż nabrzeża Fontanki, między mostami Aniczkowa i Symeonowskiego. Widzę, że w moją stronę idzie mój znajomy, przedstawiciel jednego z dużych wydawnictw książkowych w Moskwie, pan B., a obok niego szybko szedł jakiś zacny staruszek. Jego duża siwa broda, gęste, siwe brwi opadające na oczy, szary filcowy kapelusz, spod którego widać dość długie, siwe włosy, wreszcie dość krótki surdut z baranim kołnierzem, jaki zwykle noszą drobni kupcy lub prasole, sprawiały, że ten czcigodny starzec zaskakująco podobny do hrabiego Lwa Nikołajewicza Tołstoja, jako artysta I.E. Repin. „Z kim ten – myślę sobie – jedzie B.? Czy to z Tołstojem? Właśnie zastanawiałem się, kto jest autorem, a kto oryginałem tego niezwykłego portretu, kiedy w skrzydle zajmowanym przez hrabiego Lwa Lwowicza Tołstoja głośno trzasnęły drzwi, a jego pukanie odbiło się echem w mroźnym powietrzu...
- Wyszedł Lew Nikołajewicz! – oznajmił mój ciceron.
Minutę później, na końcu długiej lipowej alei łączącej oba kamienne budynki gospodarcze, pojawiła się wysoka, bardzo wysoka postać słynnego pustelnika Jasnej Polany.
Szedł szybko, przeżuwając resztki ostatniego dania, w szarym okrągłym filcowym kapeluszu i owijając się jak szlafrok w długi czarny płaszcz, albo wojskowy, albo surdut bez guzików... Wziąłem kilka kroków w kierunku hrabiego ... Hrabia zdjął kalosze, zdjął kapelusz, zawiesił swój płaszcz wojskowy na haku żelaznego wieszaka grosza przybitego do ściany, pozostawiając mnie z tym samym, a przede mną pojawił się Lew Tołstoj w pełnym rozmiarze w postaci, w jakiej jest przedstawiany na wszystkich portretach ostatnich czasów! Hrabia Tołstoj w swoim płaszczu wojskowym lub płaszczu wygląda jak niewątpliwy dżentelmen: w garniturze, w którym się teraz znajduje, znajomy obraz „mistrza, który odchrząknął” wyrósł na wszystkich. Ciemnoniebieska pstrokata bluzka lub chuika, przepasana czarnym paskiem, osławione wołowe buty, o których opowiadali mi we wsi Tołstojanie.

3. W Tule lokalna społeczność arystokratyczna postanowiła wystawić komedię hrabiego „Owoce oświecenia” w teatrze miejskim… Było lato, a specjalne honorowe zaproszenie zostało wysłane do Lwa Nikołajewicza w Jasnej Polanie… Mniej więcej na godzinę przed rozpoczęciem występu krępy starzec średniego wzrostu, ubrany w ciemnoszarą bluzę z sukna, te same spodnie i szorstkie, najwyraźniej domowej roboty buty… Pierś starca była do połowy zakryta długą szarą brodę, na głowie miał prostą czapkę ze skórzanym daszkiem. Opierając się na grubym, sękatym kiju, starzec otworzył drzwi i powoli ruszył w stronę wejścia do teatralnych sal. Tu go zatrzymano... - Hej, staruszku, dokąd idziesz - powiedział mu jeden z odźwiernych - dzisiaj wszyscy panowie tu grają, ty tu nie masz co robić... Wejdź, bracie, chodź w ... Starzec zaczął protestować, ale wzięli go za ramiona i wyprowadzili z teatru ... Jednak okazał się uparty: usiadł przy wejściu do „świątyni Melpomeny” na ławce i pozostał tu do czasu, aż jeden z najwyższych przedstawicieli tamtejszej administracji wojewódzkiej podjechał do teatru… ty tu robisz? „Siedzę” - odpowiedział Lew Nikołajewicz z uśmiechem - „Chciałem zobaczyć swoją sztukę, ale nie chcą mnie wpuścić ... Nieporozumienie oczywiście zostało natychmiast rozwiązane.

4. Z książki Igora Volgina „Odejdź od wszystkich. Lew Tołstoj jako rosyjski wędrowiec. - M., 2010. -

• IA Bunin, 1894: „szybki, lekki, przerażający, bystrooki, ze zmarszczonymi brwiami”. „… I widzę”, kontynuuje Bunin, że te małe szaroniebieskie oczy wcale nie są przerażające i nie są ostre, ale tylko czujne w zwierzęcy sposób. Inny współczesny wyjaśnia, że ​​w ostatniej dekadzie życia Tołstoja jego oczy, „pozostając przenikliwe, coraz bardziej traciły wyraz surowości, a jego zamyślona twarz nabrała niesamowitej urody, jakby promieniała życzliwością i życzliwością…”
• „Portreciści przedstawiają go niepoprawnie” — mówi ankieter, który odwiedził Tołstoja w 1904 roku. - Patrząc na niego, nie zauważa się ani brody, którą artyści tak starannie wypisują, ani wypukłego, specjalnego czoła, ani surowego wyrazu twarzy ... Widzi się przede wszystkim tylko oczy: małe, okrągłe i - na tym polega ich specyfika - całkowicie płaska i jednokolorowa - błyszcząca; jakbyś patrzył na silne źródło światła: widzisz stały blask i nie możesz rozróżnić, skąd i jak pochodzi… z nich… Najpierw oczy, a potem wszystko inne… ”
• „Czy to możliwe”, woła K.S. Stanisławski, - przekazać na papierze lub płótnie oczy L.N. Tołstoja, który przeszył duszę i dokładnie ją zbadał!” Jednak sam wspominający, z czysto aktorską bezpośredniością, właśnie próbuje to zrobić, zapewniając czcigodną publiczność, że w oczach autora „Wojny i pokoju” „błysnęły iskry genialnego artysty”.
• W I. Niemirowicz-Danczenko, wspominając pierwsze spotkanie z Tołstojem, pisze: „Cóż, oczywiście, przed tymi wszystkimi słynnymi oczami orła - oczami mądrego i życzliwego drapieżnika. Najbardziej niesamowity jest jego wygląd. Oczy, które inspirują wszystkich myślą, że bez względu na to, jak bardzo jesteś wirtuozem w kłamstwie, nadal nie możesz niczego przed nimi ukryć. Wnikają w głąb duszy. Jednocześnie w samej ich aspiracji i ostrości kryje się niepohamowana spontaniczność. Nie jest to czujność sprytnej kalkulacji, ale wręcz przeciwnie, niewinność w najpiękniejszym tego słowa znaczeniu.
• Ręce Tołstoja pamiętało wielu: duże, z długimi „arystokratycznymi” palcami, białe (lub nawet, jak piszą inni, blade) - bez plam starczych powszechnych w tym wieku. IA Bunin nazywa te ręce „rustykalnymi szlachcicami”; AB Goldenweiser pisze o mocnych, dobrze wyprofilowanych paznokciach. AV Żyrkiewicz wygląda wyzywająco („kciuki są bardzo duże i grube, z szerokimi paznokciami”). Ale potem Tołstoj siada przy karcianym stoliku i według Maksyma Gorkiego gra „poważnie, ekscytując się. A jego ręce stają się takie nerwowe, gdy bierze karty, jakby trzymał w palcach żywe ptaki, a nie martwe kawałki tektury…
• Ubrany po domu zawsze tak samo – w białą lub szarą bluzę, przepasaną szerokim paskiem, z reguły w wygodnych, podniszczonych butach – przy pierwszym zetknięciu nie okazywał najmniejszych oznak wyniosłości. Szybko podszedł do gościa, wziął rękę w swoją dużą dłoń („sucha”, „gorąca”, „ciepła” - wielu zauważyło ten dotykowy szczegół), uważnie spojrzał w twarz i nieoczekiwanie uśmiechnął się „czuły i jakoś smutny, nawet razem z tym żałosnym uśmiechem.
• Pamiętając spotkanie z Tołstojem wiosną 1905 r., A.I. Kuprin napisał: „Pamiętam zaskoczenie, które mnie uderzyło: zamiast wielkiego, czcigodnego starca, takiego jak Mojżesz Michała Anioła, zobaczyłem starca średniego wzrostu, ostrożnego i precyzyjnego w swoich ruchach”.

Portret Lwa Tołstoja

Portret został zamówiony przez P. Trietiakowa. Lew Nikołajewicz Tołstoj, który uważał malowanie za „zabawę dla bogatych”, zgodził się pozować dla Kramskoja dopiero po tym, jak obiecał zniszczyć portret, jeśli pisarzowi się to nie spodoba. Żona Tołstoja wspominała, że ​​sesjom towarzyszyły ożywione rozmowy i spory o sztukę. Kramskoj przedstawił Tołstoja w aureoli swoich kaznodziejskich idei: w luźnej niebieskiej bluzce, z inteligentnymi, przenikliwymi oczami, których wygląd, według wspomnień współczesnych, był tak trudny do zniesienia - wydają się przewiercać widza i poprzez. Kramskoy napisał do Repina: „L Hrabia Lew Tołstoj, o którym pisałem, jest interesującą osobą, a nawet niesamowitą. Spędziłem z nim kilka dni i, przyznaję, cały czas byłem nawet w stanie podniecenia. Wygląda jak geniusz”.

Portret Lwa Tołstoja.1873. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Z książki Podejście Zeltsmana do tradycyjnego portretu klasycznego. portret strukturalny autor Zeltsman Joe

Z książki O sztuce [tom 2. Rosyjska sztuka radziecka] autor Łunaczarski Anatolij Wasiljewicz

Z książki Kolory czasu autor Lipatow Wiktor Siergiejewicz

PORTRET OSTATNI Uciekając skądś z głębi gór, zderzył się z surową, surową, surową rosyjską rzeczywistością, rozbił się i rozpadł na drogocenne fragmenty. A. N. Benois Michaił Aleksandrowicz Vrubel (1856 - 1910) ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Petersburgu. Jego

Z książki, którą chcę ci powiedzieć... autor Andronikow Irakli Luarsabowicz

Z książki O doświadczonych. 1862-1917 Wspomnienia autor Niestierow Michaił Wasiljewicz

Z książki Artyści w zwierciadle medycyny autor Neumayr Anton

Portret Lwa Tołstoja W lipcu przybył do Ufy, udał się do Złatoust do Miass. W drodze powrotnej otrzymałem odpowiedź z Jasnej Polany na zapytanie o godzinę przyjazdu. Odpowiedź brzmiała: „Zawsze cieszymy się, że cię widzimy”.

Z książki Poetycki świat prerafaelitów autora Morrisa Williama

Z książki Nauka fotografowania autorstwa Ertona Daniego

X PORTRET Dobra miłość, skarbnica życzliwości! Modlę się: niech obraz mojej kochanki W blasku ubierze pędzel, niech esencja na płótnie mocniej przebije się, a Ty otwórz się na adeptkę najwyższego piękna Oprócz spojrzenia pełnego świateł, I tego uśmiechu że fale są szybsze, Jej niebiańskie dusze

Z książki 100 arcydzieł rosyjskich artystów autor Evstratowa Jelena Nikołajewna

Z książki Północny renesans autor Wasilenko Natalia Władimirowna

Portret F. M. Dostojewskiego Portret został namalowany na zamówienie P. Trietiakowa, który chciał, aby jego galeria przedstawiała portrety życiowe wszystkich wybitnych postaci kultury rosyjskiej. Perov stworzył prawdziwą biografię portretową wielkiego pisarza. Dokładnie mu się to udało

Z książki autora

Portret Lwa Tołstoja Portret został zamówiony przez P. Trietiakowa. Lew Nikołajewicz Tołstoj, który uważał malowanie za „zabawę dla bogatych”, zgodził się pozować dla Kramskoja dopiero po tym, jak obiecał zniszczyć portret, jeśli pisarzowi się to nie spodoba. wspomina żona Tołstoja

Z książki autora

Portret posła Musorgskiego Repin był wielkim wielbicielem talentu Modesta Pietrowicza Musorgskiego (1839-1881). Dowiedziawszy się o swojej nieuleczalnej chorobie, pospieszył do kompozytora w Petersburgu do szpitala wojskowego Mikołajewskiego, gdzie namalował ten portret w 4 dni - od 2 marca do 5 marca,

Z książki autora

Portret Z. N. Yusupova Serov był najlepszym malarzem portretowym wśród swoich współczesnych, posiadał, według słów Borysa Asafiewa, „magiczną moc ujawniania czyjejś duszy”. Pokonuje prostotę i bezpośredniość swoich kreacji, niezwykły talent do muzycznych rytmów wersów,

Z książki autora

Portret T. S. Lyubatovicha Korowina poznała śpiewaczkę operową Tatianę Spiridonovną Lyubatovich (1859–1932) podczas pracy nad przedstawieniami Prywatnej Opery S. I. Mamontowa, gdzie wykonywała główne role. Korovin komponuje hymn na cześć piękna młodości i czarującego uroku

Z książki autora

Portret F. I. Chaliapina Wiele wiedziałem o życiu ciekawych, utalentowanych i dobrych ludzi, wspominał Chaliapin. - Ale jeśli kiedykolwiek widziałem w człowieku naprawdę wysokiego ducha, to było to w Kustodiewie ... Nie można myśleć bez podniecenia o wielkości siły moralnej, która żyła

Z książki autora

Portret, kolejny portret... Najwyższe umiejętności Cranacha jako malarza zachowały się w dziełach z gatunku portretu. Tworzy całą galerię wizerunków współczesnych, maluje różnorodne portrety – od małych, kameralnych, po ceremonialne, jak np. parowane portrety księcia Henryka

Wybitny rosyjski artysta Ilya Efimovich Repin urodził się w 1844 r. w Czuguew w obwodzie charkowskim w rodzinie emerytowanego żołnierza. Początkowe umiejętności malarskie otrzymał od malarzy ikon Czuguewa. W 1863 wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, którą ukończył w 1871. Regularnie uczestniczył w wystawach Wędrowców. Malował portrety, obrazy rodzajowe i historyczne. Mieszkał w Moskwie i Petersburgu; ostatnie lata życia - w Kuokkala, na Przesmyku Karelskim (obecnie Repino, obwód leningradzki). Tam zmarł w 1930 r. O Repinie napisano dziesiątki monografii, setki artykułów, wspomnień i publikacji, ale temat życia i twórczości artysty jest daleki od wyczerpania ... ”

O rysunkach graficznych Repina

Przez swoją długą karierę Repin malował niestrudzenie. Ołówek jest jego nieodłącznym towarzyszem i towarzyszem. Według tych, którzy go bliżej znają, wykorzystuje każdą okazję do rysowania: czy siedzi na jakimś spotkaniu, rozmawia z przyjacielem czy znajomym na ulicy, szkicuje wszędzie w albumie lub na kartce papieru. Pracując nad obrazem czy portretem, po drodze znów maluje; szuka najdoskonalszego wyrażenia swojego pomysłu na papierze ołówkiem ... ”

Wspomnienia współczesnych Repina

Rozpoznałem Ilję Efimowicza Repina, kiedy byłem jeszcze dzieckiem, prawdopodobnie w wieku siedmiu lat, kiedy malował portret mojej matki, Polikseny Stiepanowna Stasowa. Ten portret wisiał w naszym mieszkaniu w Petersburgu, najpierw na Malaya Morskaya, a potem na Furshtadskaya, w gabinecie mojego ojca nad kanapą. Na prawo od niego, pod kątem, wisiał portret jego wuja, Włodzimierza Wasiljewicza Stasowa, namalowany przez I. E. Repina w 1883 r., podczas trzech dni w Dreźnie. Oprócz tych prac Repina, moi rodzice mieli jeszcze jeden z oryginalnych szkiców do Burlaki...