Obrazy artystów impresjonistów w wysokiej jakości. Główni przedstawiciele malarstwa francuskiego

Wyrażenie „rosyjski impresjonizm” zaledwie rok temu przecięło ucho przeciętnemu obywatelowi naszego rozległego kraju. Każdy wykształcony człowiek zna lekki, jasny i porywczy francuski impresjonizm, potrafi odróżnić Moneta od Maneta i rozpoznać słoneczniki Van Gogha ze wszystkich martwych natur. Ktoś coś słyszał o amerykańskiej gałęzi rozwoju tego kierunku malarstwa - bardziej miejskiego w porównaniu do francuskich pejzaży Hassama i portretów Chase'a. Ale naukowcy do dziś spierają się o istnienie rosyjskiego impresjonizmu.

Konstanty Korowin

Historia rosyjskiego impresjonizmu rozpoczęła się od obrazu „Portret chórzystki” Konstantina Korowina, a także od niezrozumienia i potępienia opinii publicznej. Kiedy po raz pierwszy zobaczyłem tę pracę, I. E. Repin nie od razu uwierzył, że wykonał ją rosyjski malarz: „Hiszpan! Widzę. Odważnie, soczyście pisze. Wspaniale. Ale to tylko malowanie dla malowania. Hiszpan jednak z temperamentem…”. Sam Konstantin Aleksiejewicz zaczął malować swoje płótna w sposób impresjonistyczny już w latach studenckich, nie znając obrazów Cezanne'a, Moneta i Renoira na długo przed wyjazdem do Francji. Dopiero dzięki doświadczonemu oku Polenova Korovin dowiedział się, że stosuje technikę ówczesnych Francuzów, do której doszedł intuicyjnie. Jednocześnie rosyjskiego artystę zdradzają tematy, których używa do swoich obrazów - uznane arcydzieło „Północna sielanka”, napisane w 1892 roku i przechowywane w Galerii Trietiakowskiej, ukazuje nam miłość Korowina do rosyjskich tradycji i folkloru. Ta miłość została zaszczepiona w artyście przez „Mamut Circle” - społeczność twórczej inteligencji, w skład której wchodzili Repin, Polenov, Vasnetsov, Vrubel i wielu innych przyjaciół słynnego filantropa Savvy Mamontova. W Abramcewie, gdzie znajdowała się posiadłość Mamontowa i gdzie gromadzili się przedstawiciele środowiska artystycznego, Korowin miał szczęście spotkać się i pracować z Walentinem Sierowem. Dzięki tej znajomości dzieło już wybitnego artysty Serowa nabrało cech lekkiego, jasnego i porywczego impresjonizmu, co widzimy w jednym z jego wczesnych dzieł - „Otwarte okno. Liliowy".

Portret chórzystki, 1883

Północna idylla, 1886

Czeremcha, 1912

Gurzuf 2, 1915

Molo w Gurzuf, 1914

Paryż, 1933

Walentyn Serow

Malarstwo Serowa jest przesiąknięte cechą charakterystyczną tylko dla rosyjskiego impresjonizmu - jego obrazy odzwierciedlają nie tylko wrażenie tego, co zobaczył artysta, ale także stan jego duszy w tej chwili. Na przykład na obrazie „Plac św. Marka w Wenecji”, namalowanym we Włoszech, dokąd Sierow udał się w 1887 roku z powodu poważnej choroby, dominują zimne odcienie szarości, co daje nam wyobrażenie o stanie artysty. Ale pomimo dość ponurej palety obraz jest referencyjnym dziełem impresjonistycznym, ponieważ na nim Serowowi udało się uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. W liście do swojej narzeczonej z Wenecji Serow napisał: „W tym wieku wszystko jest napisane, co jest trudne, nic zachęcającego. Chcę, chcę tego, co daje satysfakcję, i napiszę tylko to, co daje satysfakcję”.

Otwórz okno. Liliowy, 1886

Plac Świętego Marka w Wenecji, 1887

Dziewczyna z brzoskwiniami (Portret VS Mamontovej)

Koronacja. Bierzmowanie Mikołaja II w katedrze Wniebowzięcia, 1896

Dziewczyna oświetlona słońcem, 1888 r

Kąpiel konia, 1905

Aleksander Gierasimow

Jednym z uczniów Korowina i Serowa, którzy przejęli ich ekspresyjny styl pisania, jasną paletę i etiudę, był Aleksander Michajłowicz Gierasimow. Rozkwit twórczości artysty przypadł na czas rewolucji, co nie mogło nie znaleźć odzwierciedlenia w fabułach jego obrazów. Mimo że Gierasimow oddał swój pędzel na służbę partii i zasłynął wybitnymi portretami Lenina i Stalina, nadal pracował nad bliskimi jego duszy impresjonistycznymi pejzażami. Dzieło Aleksandra Michajłowicza „Po deszczu” ujawnia nam artystę jako mistrza przenoszenia powietrza i światła na obrazie, co Gierasimow zawdzięcza wpływowi swoich wybitnych mentorów.

Malarze w daczy Stalina, 1951 r

Stalin i Woroszyłow na Kremlu, lata 50

Po deszczu. Mokry taras, 1935

Martwa natura. Bukiet polny, 1952

Igora Grabara

W rozmowie o późnorosyjskim impresjonizmie nie sposób nie zwrócić się do twórczości wielkiego artysty Igora Emmanuiłowicza Grabara, który dzięki licznym podróżom do Europy przejął wiele technik francuskich malarzy drugiej połowy XIX wieku. Korzystając z technik klasycznych impresjonistów, Grabar przedstawia na swoich obrazach absolutnie rosyjskie motywy pejzażowe i sceny z życia codziennego. Podczas gdy Monet maluje kwitnące ogrody Giverny, a Degas piękne baletnice, Grabar przedstawia surową rosyjską zimę i wiejskie życie tymi samymi pastelowymi kolorami. Przede wszystkim Grabar lubił przedstawiać szron na swoich płótnach i poświęcił mu całą kolekcję prac, składającą się z ponad stu małych wielobarwnych szkiców tworzonych o różnych porach dnia i przy różnej pogodzie. Trudność w pracy nad takimi rysunkami polegała na tym, że farba twardniała na mrozie, więc musiałem działać szybko. Ale właśnie to pozwoliło artyście odtworzyć „ten moment” i przekazać jego wrażenie, co jest główną ideą klasycznego impresjonizmu. Często styl malarski Igora Emmanuiłowicza nazywany jest impresjonizmem naukowym, ponieważ przywiązywał dużą wagę do światła i powietrza na płótnach i stworzył wiele opracowań dotyczących reprodukcji kolorów. Ponadto jemu zawdzięczamy chronologiczny układ obrazów w Galerii Trietiakowskiej, której był dyrektorem w latach 1920-1925.

Aleja brzozowa, 1940 r

Pejzaż zimowy, 1954

Szron, 1905

Gruszki na niebieskim obrusie, 1915 r

Narożnik osiedla (Promień słońca), 1901 r

Jurij Pimenow

Całkowicie nieklasyczny, ale wciąż impresjonizm rozwinął się w czasach sowieckich, którego wybitnym przedstawicielem jest Jurij Iwanowicz Pimenow, który doszedł do obrazu „ulotnego wrażenia w pastelowych kolorach” po pracy w stylu ekspresjonizmu. Jednym z najbardziej znanych dzieł Pimenowa jest obraz „Nowa Moskwa” z lat 30. XX wieku - lekki, ciepły, jakby namalowany zwiewnymi pociągnięciami Renoira. Ale jednocześnie fabuła tej pracy jest całkowicie niezgodna z jedną z głównych idei impresjonizmu - odrzuceniem wykorzystania tematów społecznych i politycznych. „Nowa Moskwa” Pimenow po prostu doskonale odzwierciedla zmiany społeczne w życiu miasta, które zawsze inspirowały artystę. „Pimenov kocha Moskwę, jej nową, jej mieszkańców. Malarz hojnie daje to uczucie widzowi” – ​​pisał artysta i badacz Igor Dolgopołow w 1973 roku. I rzeczywiście, patrząc na obrazy Jurija Iwanowicza, jesteśmy przesiąknięci miłością do sowieckiego życia, nowych dzielnic, lirycznej parapetówki i urbanistyki uchwyconej w technice impresjonizmu.

Dzieło Pimenova po raz kolejny dowodzi, że wszystko, co „rosyjskie”, przywiezione z innych krajów, ma swoją własną, wyjątkową i niepowtarzalną ścieżkę rozwoju. Tak więc francuski impresjonizm w Imperium Rosyjskim i Związku Radzieckim wchłonął cechy rosyjskiego światopoglądu, charakteru narodowego i sposobu życia. Impresjonizm, jako sposób przekazywania jedynie percepcji rzeczywistości w czystej postaci, pozostawał obcy sztuce rosyjskiej, ponieważ każdy obraz rosyjskich artystów jest wypełniony znaczeniem, świadomością, stanem zmiennej rosyjskiej duszy, a nie tylko ulotnym wrażeniem . Dlatego w najbliższy weekend, kiedy Muzeum Rosyjskiego Impresjonizmu ponownie zaprezentuje Moskalom i gościom stolicy główną ekspozycję, każdy znajdzie coś dla siebie wśród zmysłowych portretów Serowa, urbanistyki Pimenowa i nietypowych dla Kustodiewa pejzaży.

Nowa Moskwa

Liryczna parapetówka, 1965

Garderoba Teatru Bolszoj, 1972

Wczesny poranek w Moskwie, 1961 r

Paryż. Rue Saint-Dominique. 1958

Stewardessa, 1964

Być może dla większości ludzi nazwiska Korowina, Serowa, Gierasimowa i Pimenowa nadal nie są kojarzone z określonym stylem sztuki, ale Muzeum Rosyjskiego Impresjonizmu, które zostało otwarte w maju 2016 roku w Moskwie, mimo to zgromadziło prace tych artystów pod jeden dach.

Szczegóły Kategoria: Różnorodność stylów i nurtów w sztuce oraz ich cechy Zamieszczono 01.04.2015 14:11 Wyświetleń: 10587

Impresjonizm to nurt w sztuce, który powstał w drugiej połowie XIX wieku. Jego głównym celem było przekazanie ulotnych, zmiennych wrażeń.

Pojawienie się impresjonizmu wiąże się z nauką: z najnowszymi odkryciami optyki i teorii kolorów.

Kierunek ten dotyczył niemal wszystkich dziedzin sztuki, ale najdobitniej przejawiał się w malarstwie, gdzie przeniesienie koloru i światła było podstawą twórczości impresjonistów.

Znaczenie terminu

Impresjonizm(fr. Impressionnisme) od wrażenia - wrażenie). Ten styl malarstwa pojawił się we Francji pod koniec lat 60. XIX wieku. Reprezentowali go Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Ale sam termin pojawił się w 1874 roku, kiedy obraz Moneta „Impresja. Wschodzące słońce (1872). W tytule obrazu Monet miał na myśli, że przekazuje jedynie ulotne wrażenie pejzażu.

C. Moneta „Wrażenie. Wschód słońca” (1872). Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu
Później termin „impresjonizm” w malarstwie zaczęto rozumieć szerzej: uważne studium natury pod kątem koloru i oświetlenia. Celem impresjonistów było przedstawienie chwilowych, jakby „przypadkowych” sytuacji i ruchów. Aby to zrobić, zastosowali różne techniki: złożone kąty, asymetrię, fragmentację kompozycji. Obraz artystów impresjonistów staje się jakby zamrożonym momentem nieustannie zmieniającego się świata.

Metoda artystyczna impresjonistów

Najpopularniejszymi gatunkami impresjonistów są pejzaże i sceny z życia miejskiego. Pisano je zawsze „pod gołym niebem”, tj. bezpośrednio z natury, w naturze, bez szkiców i wstępnych szkiców. Impresjoniści dostrzegali i potrafili oddać na płótnie barwy i odcienie, zwykle niewidoczne gołym okiem i nieuważnego widza. Na przykład renderowanie niebieskiego w cieniach lub różowego o zachodzie słońca. Rozłożyli złożone tony na ich składowe czyste kolory widma. Z tego powodu ich obraz okazał się lekki i drżący. Malarze impresjoniści nakładali farbę osobnymi pociągnięciami, w sposób swobodny, a nawet niedbały, dlatego ich obrazy najlepiej oglądać z daleka – to właśnie przy takim spojrzeniu powstaje efekt żywego migotania kolorów.
Impresjoniści porzucili kontur, zastępując go małymi osobnymi i kontrastowymi pociągnięciami.
K. Pissarro, A. Sisley i C. Monet preferowali pejzaże i sceny miejskie. O. Renoir lubił przedstawiać ludzi na łonie natury lub we wnętrzu. Francuski impresjonizm nie poruszał kwestii filozoficznych i społecznych. Nie zwrócili się ku tematom biblijnym, literackim, mitologicznym, historycznym, które były nieodłącznym elementem oficjalnego akademizmu. Zamiast tego na malowniczych płótnach pojawił się obraz codzienności i współczesności; obraz ludzi w ruchu, podczas relaksu lub zabawy. Ich głównymi tematami są flirty, taniec, ludzie w kawiarniach i teatrach, wycieczki statkiem, plaże i ogrody.
Impresjoniści starali się uchwycić ulotne wrażenie, najmniejsze zmiany w każdym temacie, w zależności od oświetlenia i pory dnia. Pod tym względem cykle obrazów Moneta „Stogi siana”, „Katedra w Rouen” i „Parlament Londynu” można uznać za najwyższe osiągnięcie.

C. Monet „Katedra w Rouen w słońcu” (1894). Musee d'Orsay, Paryż, Francja
„Katedra w Rouen” to cykl 30 obrazów Claude'a Moneta, które przedstawiają widoki katedry w zależności od pory dnia, roku i oświetlenia. Cykl ten został napisany przez artystę w latach 90. XIX wieku. Katedra pozwoliła mu pokazać związek między stałą, solidną strukturą budynku a zmiennym, łatwym do zabawy światłem, które zmienia naszą percepcję. Monet skupia się na poszczególnych fragmentach gotyckiej katedry, wybierając portal, wieżę św. Marcina i wieżę Albane. Interesuje go tylko gra światła na kamieniu.

C. Monet „Katedra w Rouen, zachodni portal, mglista pogoda” (1892). Musee d'Orsay w Paryżu

C. Monet „Katedra w Rouen, portal i wieża, efekt poranny; biała harmonia” (1892-1893). Musee d'Orsay w Paryżu

C. Monet „Katedra w Rouen, portal i wieża w słońcu, harmonia błękitu i złota” (1892-1893). Musee d'Orsay w Paryżu
Po Francji impresjoniści pojawili się w Anglii i USA (James Whistler), w Niemczech (Max Lieberman, Lovis Corinth), w Hiszpanii (Joaquin Sorolla), w Rosji (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).

O twórczości niektórych impresjonistów

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet, fotografia 1899
Malarz francuski, jeden z twórców impresjonizmu. Urodzony w Paryżu. Od dzieciństwa lubił rysować, już w wieku 15 lat dał się poznać jako utalentowany rysownik. W pejzaż wprowadził go Eugene Boudin, francuski artysta, prekursor impresjonizmu. Monet wstąpił później na uniwersytet na Wydziale Artystycznym, ale rozczarował się i opuścił go, zapisując się do pracowni malarstwa Charlesa Gleyre'a. W pracowni poznał artystów Auguste'a Renoira, Alfreda Sisleya i Frédérica Bazille'a. Byli praktycznie rówieśnikami, mieli podobne poglądy na sztukę i wkrótce utworzyli trzon grupy impresjonistów.
Sławę Moneta przyniósł portret Camille Donsier, napisany w 1866 roku („Camille, czyli portret damy w zielonej sukience”). Camilla w 1870 roku została żoną artysty.

C. Monet „Camilla” („Dama w zieleni”) (1866). Kunsthalle w Bremie

C. Monet „Spacer: Camille Monet z synem Jeanem (Kobieta z parasolem)” (1875). Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie
W 1912 roku lekarze zdiagnozowali u K. Moneta podwójną zaćmę, musiał przejść dwie operacje. Po utracie soczewki w lewym oku Monet odzyskał wzrok, ale światło ultrafioletowe zaczął postrzegać jako niebieskie lub fioletowe, dlatego jego obrazy nabrały nowych kolorów. Na przykład, malując słynne „Lilie wodne”, Monet widział lilie niebieskawe w zakresie ultrafioletu, dla innych ludzi były one po prostu białe.

C. Monet „Lilie wodne”
Artysta zmarł 5 grudnia 1926 roku w Giverny i został pochowany na miejscowym cmentarzu przykościelnym.

Camille Pissarro (1830-1903)

C. Pissarro „Autoportret” (1873)

Malarz francuski, jeden z pierwszych i najbardziej konsekwentnych przedstawicieli impresjonizmu.
Urodzony na wyspie St. Thomas (Indie Zachodnie), w mieszczańskiej rodzinie sefardyjskiego Żyda, pochodzącego z Dominikany. Do 12 roku życia mieszkał w Indiach Zachodnich, w wieku 25 lat przeniósł się z całą rodziną do Paryża. Tutaj studiował w Szkole Sztuk Pięknych iw Akademii Suisse. Jego nauczycielami byli Camille Corot, Gustave Courbet i Charles-Francois Daubigny. Zaczął od wiejskich krajobrazów i widoków Paryża. Pissarro wywarł silny wpływ na impresjonistów, niezależnie rozwijając wiele zasad, które stanowiły podstawę ich stylu malarstwa. Przyjaźnił się z artystami Degasem, Cezannem i Gauguinem. Pizarro był jedynym uczestnikiem wszystkich 8 impresjonistycznych wystaw.
Zmarł w 1903 roku w Paryżu. Został pochowany na cmentarzu Pere-Lachaise.
Już we wczesnych pracach artysta zwracał szczególną uwagę na sposób przedstawiania oświetlonych obiektów w powietrzu. Od tego czasu światło i powietrze stały się wiodącym tematem w twórczości Pissarro.

C. Pissarro „Bulwar Montmartre. Słoneczne popołudnie” (1897)
w 1890 roku Pizarro zainteresował się techniką puentylizmu (osobne nakładanie kresek). Ale po chwili wrócił do swojego zwykłego zachowania.
W ostatnich latach życia wzrok Camille Pissarro wyraźnie się pogorszył. Ale kontynuował pracę i stworzył serię widoków Paryża, przepełnionych artystycznymi emocjami.

K. Pissarro „Ulica w Rouen”
Niezwykły kąt niektórych jego obrazów tłumaczy fakt, że artysta malował je z pokoi hotelowych. Seria ta była jednym z najwyższych osiągnięć impresjonizmu w przekazywaniu efektów świetlnych i atmosferycznych.
Pissarro malował także akwarelą i stworzył serię akwafort i litografii.
Oto kilka jego ciekawych wypowiedzi na temat sztuki impresjonizmu: „Impresjoniści są na dobrej drodze, ich sztuka jest zdrowa, oparta na doznaniach i jest uczciwa”.
„Szczęśliwy ten, kto potrafi dostrzec piękno w zwykłych rzeczach, tam gdzie inni nic nie widzą!”

C. Pissarro „Pierwszy mróz” (1873)

Rosyjski impresjonizm

Rosyjski impresjonizm rozwijał się od końca XIX do początku XX wieku. Wpływ na to miała twórczość francuskich impresjonistów. Ale rosyjski impresjonizm ma wyraźną specyfikę narodową i pod wieloma względami nie pokrywa się z podręcznikowymi ideami klasycznego francuskiego impresjonizmu. W malarstwie impresjonistów rosyjskich dominują obiektywizm i materialność. Ma większy ładunek znaczeń i mniej dynamizacji. Rosyjski impresjonizm jest bliższy realizmowi niż impresjonizm francuski. Francuscy impresjoniści kładli nacisk na wrażenie tego, co zobaczyli, podczas gdy Rosjanie dodali także odzwierciedlenie stanu wewnętrznego artysty. Prace miały być wykonane w ciągu jednej sesji.
Pewna niekompletność rosyjskiego impresjonizmu tworzy charakterystyczny dla nich „podziw dla życia”.
Impresjonizm obejmuje twórczość rosyjskich artystów: A. Arkhipova, I. Grabara, K. Korowina, F. Malyavina, N. Meshcherina, A. Murashko, V. Serova, A. Rylova i innych.

V. Sierow „Dziewczyna z brzoskwiniami” (1887)

Ten obraz jest uważany za standard rosyjskiego impresjonizmu w portrecie.

Valentin Serov „Dziewczyna z brzoskwiniami” (1887). Płótno, olej. 91×85 cm Państwowa Galeria Trietiakowska
Obraz został namalowany w majątku Sawy Iwanowicza Mamontowa w Abramcewie, który nabył od córki pisarza Siergieja Aksakowa w 1870 roku. Portret przedstawia 12-letnią Wierę Mamontową. Dziewczyna jest narysowana siedząc przy stole; ma na sobie różową bluzkę z granatową kokardką; na stole jest nóż, brzoskwinie i liście.
„Wszystko, czego chciałem, to świeżość, ta wyjątkowa świeżość, którą zawsze czujesz w naturze, a której nie widać na zdjęciach. Pisałem przez ponad miesiąc i wyczerpałem ją, biedactwo, na śmierć, naprawdę chciałem zachować świeżość malarstwa z całkowitą kompletnością - tak robili starzy mistrzowie ”(V. Serov).

Impresjonizm w innych formach sztuki

W literaturze

W literaturze impresjonizm jako odrębny nurt nie ukształtował się, ale jego cechy znalazły odzwierciedlenie w naturalizm oraz symbolizm .

Edmonda i Julesa Goncourtów. Zdjęcie
Zasady naturalizm można prześledzić w powieściach braci Goncourtów i George'a Eliota. Ale Emile Zola jako pierwszy użył terminu „naturalizm” w odniesieniu do własnej twórczości. Pisarze Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans i Paul Alexis skupili się wokół Zoli. Po opublikowaniu zbioru Wieczory Medan (1880) ze szczerymi opowieściami o katastrofach wojny francusko-pruskiej (m.in. opowiadanie Maupassanta Kluski) nadano im nazwę grupy Medan.

Emil Zola
Zasada naturalizmu w literaturze była często krytykowana za brak artyzmu. Na przykład IS Turgieniew napisał o jednej z powieści Zoli, że „dużo jest kopania w nocnikach”. Gustave Flaubert był również krytyczny wobec naturalizmu.
Zola utrzymywał przyjazne stosunki z wieloma malarzami impresjonistycznymi.
Symboliści użyte symbole, niedopowiedzenia, aluzje, tajemnica, tajemnica. Głównym nastrojem uchwyconym przez symbolistów był pesymizm, popadający w rozpacz. Wszystko, co „naturalne”, wydawało się być tylko „pozorem”, który nie miał samodzielnej wartości artystycznej.
Tak więc impresjonizm w literaturze wyrażał się w prywatnym wrażeniu autora, odrzuceniu obiektywnego obrazu rzeczywistości, obrazu każdej chwili. W rzeczywistości doprowadziło to do braku fabuły i historii, zastąpienia myśli percepcją i rozumu instynktem.

G. Courbet „Portret P. Verlaine” (ok. 1866)
Uderzającym przykładem poetyckiego impresjonizmu jest kolekcja Paula Verlaine'a Romances Without Words (1874). W Rosji wpływ impresjonizmu doświadczyli Konstantin Balmont i Innokenty Annensky.

V. Sierow „Portret K. Balmonta” (1905)

Innokientij Anneński. Zdjęcie
Te nastroje wpłynęły także na dramaturgię. W sztukach występuje bierne postrzeganie świata, analiza nastrojów, stanów psychicznych. Dialogi skupiają ulotne, odmienne wrażenia. Te cechy są charakterystyczne dla twórczości Arthura Schnitzlera.

W muzyce

Muzyczny impresjonizm rozwinął się we Francji w ostatniej ćwierci XIX wieku. - początek XX wieku. Najdobitniej wyrażał się w twórczości Erica Satie, Claude'a Debussy'ego i Maurice'a Ravela.

Eryk Satie
Muzyczny impresjonizm jest bliski impresjonizmowi w malarstwie francuskim. Mają nie tylko wspólne korzenie, ale także związki przyczynowo-skutkowe. Kompozytorzy impresjoniści szukali i znajdowali nie tylko analogie, ale i środki wyrazu w twórczości Claude'a Moneta, Paula Cezanne'a, Puvisa de Chavannesa czy Henri de Toulouse-Lautreca. Oczywiście środki malarstwa i środki sztuki muzycznej można łączyć ze sobą tylko za pomocą specjalnych, subtelnych podobieństw asocjacyjnych, które istnieją tylko w umyśle. Jeśli spojrzysz na niejasny obraz Paryża „w jesiennym deszczu” i te same dźwięki „stłumione szumem spadających kropel”, to tutaj możesz mówić tylko o właściwości obrazu artystycznego, ale nie o prawdziwym obrazie.

Claude'a Debussy'ego
Debussy pisze „Chmury”, „Grafiki” (z których najbardziej figuratywny, akwarelowy szkic dźwiękowy – „Ogrody w deszczu”), „Obrazy”, „Odbicia na wodzie”, które przywołują bezpośrednie skojarzenia ze słynnym obrazem Claude'a Moneta „Impresja: wschód słońca”. Według Mallarmégo kompozytorzy impresjoniści nauczyli się „słyszeć światło”, przekazywać dźwiękami ruch wody, wibrację liści, powiew wiatru i załamywanie światła słonecznego w wieczornym powietrzu.

Maurycego Ravela
Bezpośrednie związki malarstwa z muzyką M. Ravel wykazuje w swoim dźwiękowo-obrazowym „Gra w wodę”, cyklu utworów „Refleksje”, kolekcji fortepianowej „Szelest nocy”.
Impresjoniści tworzyli dzieła sztuki wyrafinowanej, a jednocześnie wyrazistej w środkach wyrazu, powściągliwej emocjonalnie, bezkonfliktowej i surowej stylistycznie.

w rzeźbie

O. Rodin „Pocałunek”

Impresjonizm w rzeźbie wyrażał się w swobodnej plastyczności miękkich form, co tworzy złożoną grę światła na powierzchni materiału i poczucie niekompletności. W pozach rzeźbiarskich postaci uchwycony jest moment ruchu i rozwoju.

O Rodin. Fotografia 1891
Ten kierunek obejmuje dzieła rzeźbiarskie O. Rodina (Francja), Medardo Rosso (Włochy), P.P. Trubetskoj (Rosja).

V. Serov „Portret Paolo Trubetskoy”

Paweł (Paolo) Trubieckoj(1866-1938) - rzeźbiarz i artysta, pracował we Włoszech, USA, Anglii, Rosji i Francji. Urodzony we Włoszech. Nieślubny syn rosyjskiego emigranta, księcia Piotra Pietrowicza Trubieckiego.
Od dzieciństwa rzeźbię i maluję samodzielnie. Nie miał wykształcenia. W początkowym okresie twórczości tworzył popiersia portretowe, dzieła małej plastyki, brał udział w konkursach na wykonanie rzeźby wielkoformatowej.

P. Trubetskoy „Pomnik Aleksandra III”, Petersburg
Pierwsza wystawa prac Paolo Trubetskoya odbyła się w USA w 1886 roku. W 1899 roku rzeźbiarz przybył do Rosji. Bierze udział w konkursie na stworzenie pomnika Aleksandra III i nieoczekiwanie dla wszystkich otrzymuje pierwszą nagrodę. Ten pomnik powodował i nadal powoduje sprzeczne oceny. Trudno wyobrazić sobie bardziej statyczny i ciężki pomnik. I tylko pozytywna ocena rodziny cesarskiej pozwoliła pomnikowi zająć odpowiednie miejsce - w rzeźbiarskim wizerunku znaleźli podobieństwa z oryginałem.
Krytycy uważali, że Trubetskoy pracował w duchu „przestarzałego impresjonizmu”.

Obraz genialnego rosyjskiego pisarza Trubetskoya okazał się bardziej „impresjonistyczny”: jest tu wyraźny ruch - w fałdach koszuli, powiewającej brodzie, obrocie głowy jest nawet wrażenie, że rzeźbiarzowi udało się uchwycić napięcie myśli L. Tołstoja.

P. Trubieckoj „Popiersie Lwa Tołstoja” (brąz). Państwowa Galeria Trietiakowska

Sztuka europejska końca XIX wieku wzbogaciła się o pojawienie się sztuki modernistycznej, później jej wpływ rozszerzył się na muzykę i literaturę. Nazywano go „impresjonizmem”, ponieważ opierał się na najsubtelniejszych wrażeniach artysty, obrazach i nastrojach.

Geneza i historia występowania

Kilku młodych artystów utworzyło grupę w drugiej połowie XIX wieku. Mieli wspólny cel i zbieżne interesy. Najważniejsze dla tej firmy była praca w naturze, bez ścian warsztatu i różnych czynników ograniczających. W swoich obrazach starali się przekazać całą zmysłowość, wrażenie gry światła i cienia. Pejzaże i portrety odzwierciedlały jedność duszy z wszechświatem, z otaczającym światem. Ich obrazy to prawdziwa poezja kolorów.

W 1874 r. miała miejsce wystawa tej grupy artystów. Krajobraz – Claude Monet „Impresja. Sunrise” przykuł uwagę krytyka, który w swojej recenzji po raz pierwszy nazwał tych twórców impresjonistami (od francuskiego impresja – „impresja”).

Warunkiem narodzin stylu impresjonizmu, którego obrazy przedstawicieli wkrótce odniosą niesamowity sukces, były dzieła renesansu. Dzieło Hiszpanów Velazqueza, El Greco, angielskiego Turnera, Constable bezwarunkowo wpłynęło na Francuzów, którzy byli założycielami impresjonizmu.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir i inni stali się wybitnymi przedstawicielami stylu we Francji.

Filozofia impresjonizmu w malarstwie

Artyści malujący w tym stylu nie postawili sobie za zadanie zwrócenia uwagi opinii publicznej na kłopoty. W ich utworach nie można znaleźć wątków na temat dnia, nie można odbierać moralizatorstwa ani dostrzegać ludzkich sprzeczności.

Obrazy w stylu impresjonizmu mają na celu przekazanie chwilowego nastroju, rozwijając kolorystykę o tajemniczym charakterze. W pracach jest tylko miejsce na pozytywny początek, mrok ominął impresjonistów.

W rzeczywistości impresjoniści nie zadali sobie trudu, aby przemyśleć fabułę i szczegóły. Głównym czynnikiem nie było to, co narysować, ale jak przedstawić i przekazać swój nastrój.

Technika malarska

Istnieje kolosalna różnica między akademickim stylem rysowania a techniką impresjonistów. Po prostu porzucili wiele metod, niektóre zostały zmienione nie do poznania. Oto wprowadzone przez nich innowacje:

1. Opuszczony kontur. Został zastąpiony kreskami - małymi i kontrastowymi.
2. Przestaliśmy używać palet na rzecz Wybraliśmy kolory, które wzajemnie się uzupełniają i nie wymagają łączenia dla uzyskania określonego efektu. Na przykład żółty jest fioletowy.
3. Przestań malować na czarno.
4. Całkowicie porzucona praca w warsztatach. Pisali wyłącznie o naturze, żeby łatwiej było uchwycić chwilę, obraz, uczucie.
5. Stosowano tylko farby o dobrej zdolności krycia.
6. Nie czekaj, aż wyschnie kolejna warstwa. Natychmiast nałożono świeże rozmazy.
7. Tworzyli cykle prac śledzące zmiany światła i cienia. Na przykład „Stogi siana” Claude'a Moneta.

Oczywiście nie wszyscy artyści wykonywali dokładnie cechy stylu impresjonistycznego. Na przykład obrazy Edouarda Maneta nigdy nie brały udziału we wspólnych wystawach, a on sam pozycjonował się jako odrębny artysta. Edgar Degas pracował tylko w warsztatach, ale nie zaszkodziło to jakości jego prac.

Przedstawiciele francuskiego impresjonizmu

Pierwsza wystawa prac impresjonistów datowana jest na 1874 rok. Po 12 latach odbyła się ich ostatnia ekspozycja. Pierwszą pracę w tym stylu można nazwać „Śniadaniem na trawie” E. Maneta. To zdjęcie było prezentowane w Salonie Odrzuconych. Spotkało się to z niechęcią, bo bardzo odbiegało od akademickich kanonów. Dlatego Manet staje się postacią, wokół której gromadzi się grono zwolenników tego kierunku stylistycznego.

Niestety współcześni nie docenili takiego stylu jak impresjonizm. Obrazy i artyści istnieli w niezgodzie z oficjalną sztuką.

Stopniowo Claude Monet wysuwa się na pierwszy plan w zespole malarzy, który później zostaje ich liderem i głównym ideologiem impresjonizmu.

Claude Monet (1840-1926)

Twórczość tego artysty można określić jako hymn impresjonizmu. To on jako pierwszy odmówił użycia czerni w swoich obrazach, argumentując, że nawet cienie i noc mają inne odcienie.

Świat na obrazach Moneta to niewyraźne kontury, obszerne kreski, patrząc na które można poczuć całe spektrum gry kolorów dnia i nocy, pór roku, harmonii podksiężycowego świata. Tylko moment, który został wyrwany z biegu życia, w rozumieniu Moneta, to impresjonizm. Jego obrazy wydają się pozbawione materialności, wszystkie nasycone są promieniami światła i prądami powietrza.

Claude Monet stworzył niesamowite dzieła: „Stacja Saint-Lazare”, „Katedra w Rouen”, cykl „Most Charing Cross” i wiele innych.

August Renoir (1841-1919)

Kreacje Renoira sprawiają wrażenie niezwykłej lekkości, zwiewności, zwiewności. Fabuła narodziła się jakby przypadkiem, ale wiadomo, że artysta dokładnie przemyślał wszystkie etapy swojej pracy i pracował od rana do wieczora.

Charakterystyczną cechą twórczości O. Renoira jest użycie przeszklenia, które jest możliwe tylko wtedy, gdy pisanie impresjonizmu w pracach artysty przejawia się w każdym pociągnięciu. Postrzega człowieka jako cząstkę samej natury, dlatego tak wiele jest obrazów z aktami.

Ulubioną rozrywką Renoira był wizerunek kobiety w całej jej atrakcyjnej i atrakcyjnej urodzie. Portrety zajmują szczególne miejsce w życiu twórczym artysty. „Parasole”, „Dziewczyna z wachlarzem”, „Śniadanie wioślarzy” to tylko niewielka część niesamowitej kolekcji obrazów Auguste'a Renoira.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat wiązał proces tworzenia obrazów z naukowym uzasadnieniem teorii koloru. Środowisko światło-powietrze zostało narysowane na podstawie zależności tonów głównych i dodatkowych.

Pomimo tego, że J. Seurat jest przedstawicielem schyłkowej fazy impresjonizmu, a jego technika pod wieloma względami różni się od twórców, to w ten sam sposób tworzy iluzoryczne przedstawienie formy obiektywnej za pomocą kresek, które mogą oglądać i widzieć tylko z daleka.

Arcydzieła kreatywności można nazwać obrazem „Niedziela”, „Kankan”, „Modele”.

Przedstawiciele rosyjskiego impresjonizmu

Rosyjski impresjonizm powstał niemal spontanicznie, mieszając wiele zjawisk i metod. Jednak podstawą, podobnie jak Francuzi, była pełna wizja procesu.

W rosyjskim impresjonizmie, chociaż cechy francuskie zostały zachowane, cechy narodowej natury i stanu ducha dokonały znaczących zmian. Na przykład wizja śniegu czy północnych krajobrazów została wyrażona za pomocą niezwykłej techniki.

W Rosji niewielu artystów pracowało w stylu impresjonizmu, ich obrazy do dziś przyciągają wzrok.

Okres impresjonistyczny można wyróżnić w twórczości Valentina Serova. Jego „Dziewczyna z brzoskwiniami” jest najwyraźniejszym przykładem i standardem tego stylu w Rosji.

Obrazy podbijają świeżością i współbrzmieniem czystych barw. Głównym tematem prac tego artysty jest wizerunek człowieka w przyrodzie. „Northern Idyll”, „In the Boat”, „Fiodor Chaliapin” to jasne kamienie milowe w działalności K. Korovina.

Impresjonizm w czasach nowożytnych

Obecnie ten kierunek w sztuce zyskał nowe życie. W tym stylu kilku artystów maluje swoje obrazy. Współczesny impresjonizm istnieje w Rosji (André Cohn), we Francji (Laurent Parcelier), w Ameryce (Diana Leonard).

Andre Kohn jest najwybitniejszym przedstawicielem nowego impresjonizmu. Jego obrazy olejne uderzają prostotą. Artysta dostrzega piękno w zwykłych rzeczach. Twórca interpretuje wiele obiektów przez pryzmat ruchu.

Akwarele Laurenta Parceliera znane są na całym świecie. Jego cykl prac „Dziwny świat” został wydany w formie pocztówek. Wspaniałe, żywe i zmysłowe, zapierają dech w piersiach.

Podobnie jak w XIX wieku, malarstwo plenerowe pozostaje w tej chwili dla artystów. Dzięki niej impresjonizm będzie żył wiecznie. artyści nadal inspirują, imponują i inspirują.

„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”

Henryka Kahnweilera

19 wiek. Francja. W malarstwie stało się coś nie do pomyślenia. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnią tradycją. Zamiast wyraźnego rysunku zastosowali szerokie „niechlujne” pociągnięcie pędzla.

I całkowicie porzucili zwykłe obrazy. Przedstawienie wszystkich. I damy łatwych cnót i dżentelmenów o wątpliwej reputacji.

Publiczność nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Byli wyśmiewani i besztani. A co najważniejsze, nic od nich nie kupowali.

Ale opór został złamany. A część impresjonistów dożyła ich triumfu. To prawda, mieli już ponad 40 lat. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Niektórzy czekali na uznanie dopiero pod koniec życia, jak Camille Pissarro. Ktoś tego nie sprostał, jak Alfred Sisley.

Co za rewolucjonista zrobił każdy z nich? Dlaczego społeczeństwo tak długo ich nie akceptowało? Oto 7 najbardziej znanych francuskich impresjonistów. Kto zna cały świat.

1.Edouard Manet (1832-1883)

Edwarda Mane'a. Autoportret z paletą. 1878 Kolekcja prywatna

Manet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją do zmian.

Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem światowym. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.

Ale bardzo długo czekał na uznanie. Publiczność chciała zobaczyć greckie boginie. Albo martwe natury w najgorszym przypadku. Aby pięknie wyglądać w jadalni. Manet chciał malować współczesność. Na przykład kurtyzany.

Rezultatem było „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie pań łatwych cnót. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.

Edwarda Mane'a. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż

Porównaj jego „Śniadanie na trawie” z „Rzymianami u schyłku” Thomasa Couture’a. Obraz Couture zrobił furorę. Artysta natychmiast stał się sławny.

„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgaryzmy. Kobietom w ciąży z całą powagą nie zalecano patrzenia na nią.

Tomasz Couture. Rzymianie w upadku. 1847 Musée d'Orsay w Paryżu. artchive.ru

W malarstwie Couture'a widzimy wszystkie atrybuty akademizmu (malarstwo tradycyjne XVI-XIX wieku). Kolumny i posągi. Lud apolliński. Tradycyjne stonowane kolory. Manieryzm postaw i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innych ludzi.

„Śniadanie na trawie” Maneta to inny format. Przed nim nikt nie przedstawiał tak łatwo kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu ówczesnych mężczyzn spędzało w ten sposób wolny czas. Prawdziwe życie prawdziwych ludzi.

Kiedyś pisałem do szanownej pani. Brzydki. Nie mógł schlebiać jej pędzlem. Pani była rozczarowana. Zostawiła go we łzach.

Edwarda Mane'a. Angelina. 1860 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org

Kontynuował więc eksperymenty. Na przykład z kolorem. Nie starał się przedstawiać tak zwanego naturalnego koloru. Jeśli widział szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, przedstawiał ją jako jasnoniebieską.

To oczywiście zirytowało opinię publiczną. W końcu nawet Morze Śródziemne nie może się pochwalić takim błękitem jak woda w Manet, żartowali.

Edwarda Mane'a. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych, Tournai, Belgia. wikipedia.org

Ale fakt pozostaje. Manet zasadniczo zmienił cel malarstwa. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty. Kto pisze, jak mu się podoba. Zapomnij o wzorcach i tradycjach.

Wszystkie innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie czekało dopiero pod koniec życia. Kiedy już go nie potrzebował. Umierał w męczarniach na nieuleczalną chorobę.

2. Claude Monet (1840 - 1926)

Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Kolekcja prywatna

Claude'a Moneta można nazwać Christopherem impresjonistą. Temu kierunkowi był bowiem wierny przez całe swoje długie życie.

Nie malował przedmiotów i ludzi, lecz jednobarwną konstrukcję świateł i plam. Oddzielne uderzenia. Drżenie powietrza.

Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Metmuseum.org

Monet malował nie tylko naturę. Był również dobry w krajobrazach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .

Na tym obrazie jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany za pomocą rozmytego obrazu.

Zwróć uwagę, odległe drzewa i postacie wydają się być zamglone.

Claude Monet. Boulevard des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX wieku), Moskwa

Przed nami zatrzymany moment tętniącego życiem Paryża. Bez inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór kresek. Taki brak fabuły i efekt „zatrzymania klatki” to główna cecha impresjonizmu.

W połowie lat 80. artyści byli rozczarowani impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale bezczynność wielu uciśnionych.

Tylko Monet nadal się upierał. Hipertrofia impresjonizmu. Co przekształciło się w serię obrazów.

Przedstawiał ten sam krajobraz dziesiątki razy. O różnych porach dnia. W różnych porach roku. Pokazać, jak bardzo temperatura i światło mogą zmienić ten sam widok nie do poznania.

W ten sposób pojawiły się niezliczone stogi siana.

Obrazy Claude'a Moneta w Museum of Fine Arts w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891 Po prawej: Stóg siana (efekt śniegu), 1891

Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. I nie szary lub czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejna ich cecha.

Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po czterdziestce zapomniał już o biedzie. Dostał dom i piękny ogród. I robił to dla swojej przyjemności przez wiele lat.

Przeczytaj o najbardziej kultowym obrazie mistrza w artykule

3. August Renoir (1841 - 1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling and Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest

Impresjonizm jest najbardziej pozytywnym malarstwem. A najbardziej pozytywnym spośród impresjonistów był Renoir.

W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nie użył nawet czarnej farby. Tylko radość bycia. Nawet najbardziej banalny Renoir wygląda pięknie.

W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Pejzaże miały dla niego mniejsze znaczenie. Na jego obrazach przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.

Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Phillips Collection, Waszyngton, USA. wikimedia.commons.org

Nie znajdziesz w Renoirze i zamyśleniu. Był bardzo zadowolony, że dołączył do impresjonistów. Które sondaże odrzuciły działki.

Jak sam powiedział, w końcu ma możliwość pisania kwiatów i nazywania ich po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj o nich żadnych historii.

Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolem w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis, Madryt. arteuam.com

Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im bardziej głupia i naiwna była ta piosenka, tym lepiej dla niego. Męska paplanina go męczyła. Nic dziwnego, że Renoir jest znany ze swoich aktów.

Modelka na obrazie „Akt w słońcu” zdaje się pojawiać na kolorowym, abstrakcyjnym tle. Bo dla Renoira nie ma nic drugorzędnego. Oko modelki lub obszar tła są równoważne.

Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 ​​Musée d’Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org

Renoir żył długo. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet kiedy jego ręce były całkowicie spętane reumatyzmem, przywiązał sznurkiem szczotkę do ramienia. I malował.

Podobnie jak Monet, na uznanie czekał po 40 latach. A moje obrazy widziałam w Luwrze, obok dzieł znanych mistrzów.

Przeczytaj o jednym z najbardziej uroczych portretów Renoira w artykule

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana, Lizbona, Portugalia. kultura.com

Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu (pod gołym niebem). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.

Wręcz przeciwnie, kochał wyraźną linię. Ma dużo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.

Ale nadal jest zawsze stawiany na równi z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.

Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu przedmiotów. Postacie zaskoczone. To wszystko są główne atrybuty jego obrazów.

Zatrzymał moment życia, nie pozwalając mu dojść do siebie. Spójrz choćby na jego „Orkiestrę Operową”.

Edgara Degasa. Orkiestra Operowa. 1870 Musée d'Orsay w Paryżu. commons.wikimedia.org

Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk jest odwrócony do nas plecami. A w tle baletnice na scenie nie mieściły się w „ramce”. Ich głowy są bezlitośnie „obcinane” przez krawędź obrazu.

Dlatego tak ukochani przez niego tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu się rozciągają.

Ale taka improwizacja jest wyimaginowana. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To tylko efekt stop-klatki, a nie prawdziwy stop-klatka.

Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne, Wermouth, USA

Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Ale choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy się nie ożenił. Nikt nigdy nie widział go z kobietą.

Brak prawdziwych wątków w jego życiu osobistym dodał subtelnego i intensywnego erotyzmu do jego obrazów.

Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org

Zwróć uwagę, że na zdjęciu „Gwiazda baletu” narysowana jest tylko sama baletnica. Jej koledzy za kulisami są ledwo rozpoznawalni. Tylko kilka nóg.

Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. Taki jest odbiór. Skoncentruj się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, nieczytelna.

Przeczytaj o innych obrazach mistrza w artykule.

5. Berthe Morisot (1841 - 1895)

Edwarda Mane'a. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu.

Bertha Morisot rzadko bywa stawiana w pierwszym rzędzie z wielkimi impresjonistami. Jestem pewien, że to nie zasłużone. Właśnie w niej znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli lubisz impresjonizm, pokochasz jej twórczość całym sercem.

Morisot pracował szybko i porywczo. Przeniesienie wrażenia na płótno. Postacie wydają się zaraz rozpływać w przestrzeni.

Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabre, Montpellier, Francja.

Podobnie jak Degas często nie uzupełniała niektórych szczegółów. A nawet części ciała modelki. Nie możemy rozróżnić rąk dziewczyny na obrazie „Lato”.

Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „niechlujnym” malarstwem. Nadal była kobietą. W tamtych czasach kobieta miała marzyć o ślubie. Potem zapomniano o jakichkolwiek hobby.

Dlatego Berta przez długi czas odmawiała małżeństwa. Aż znalazła mężczyznę, który z szacunkiem traktował jej zawód. Eugene Manet był bratem malarza Edouarda Maneta. Posłusznie tęsknił za sztalugą i farbami swojej żony.

Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu.

Ale to było jeszcze w XIX wieku. Nie, Morisot nie nosił spodni. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchów.

Nie mogła sama iść do parku do pracy. Bez bliskiej osoby. Nie mogłem siedzieć sam w kawiarni. Dlatego jej obrazy to ludzie z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, krewni.

Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Muzeum Narodowe Walii, Cardiff.

Morisot nie czekał na uznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc. Nie sprzedał prawie żadnej swojej pracy za życia. W akcie zgonu w rubryce „zawód” była kreska. Nie do pomyślenia było, aby kobieta nazywała się artystką. Nawet jeśli naprawdę nią była.

Przeczytaj o obrazach mistrza w artykule

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Kamila Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu. wikipedia.org

Kamila Pissarro. Niekonfrontacyjny, rozsądny. Wielu uważało go za nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie mówili źle o Pissarro.

Był wiernym wyznawcą impresjonizmu. W skrajnej potrzebie, mając pięcioro dzieci i żonę, nadal ciężko pracował w tym samym stylu. I nigdy nie przeszedłem na malowanie salonowe. Stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo, skąd wziął siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.

Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze. które chętnie sprzedawano. A prawdziwe uznanie przyszło mu dopiero po 60 latach! Kiedy w końcu mógł zapomnieć o potrzebie.

Kamila Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay w Paryżu

Powietrze na obrazach Pissarro jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.

Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk natury. Który pojawi się na chwilę i zniknie. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.

Kamila Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu

Jego najbardziej znanymi dziełami są widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami, próżnym i pstrokatym tłumem. W nocy, w ciągu dnia, przy różnej pogodzie. Coś wspólnego z serią obrazów Claude'a Moneta.

Wystawa impresjonistów

Przede wszystkim po raz trzeci odwiedziłam wystawę we wspaniałym Art Mall w Kijowie. O cudownych technologiach wyświetlania ekspozycji pisałem już na tej stronie. Nie będę się powtarzać, powiem tylko, że tym razem wszystko było na najwyższym poziomie, nie było rozczarowania :). Na tej ostatniej wystawie można było zobaczyć obrazy wszystkich czołowych mistrzów tego nurtu artystycznego. Jeśli ktoś nie wie, na wszelki wypadek podam listę tych bardzo impresjonistycznych mistrzów:

• Edwarda Mane'a. Choć sam artysta nieustannie zabiegał o oficjalne uznanie, to właśnie jego niesławny obraz „Śniadanie na trawie” stał się prawdziwym symbolem Salonu Wygnańców.
• Berthe Morisot. Jedna z nielicznych (boję się zapewnić, że jedyna) impresjonistka. W 2013 roku obraz „Po obiedzie” został sprzedany w Sotheby's za 10,9 miliona dolarów. To wydarzenie uczyniło Morisot najdroższą artystką.
• Kamila Pissarro. Uwielbiam jego obrazy paryskich bulwarów. Seria Boulevard Montmartre jest uważana za jeden z ogólnie przyjętych symboli impresjonizmu.
• Claude Monet. Chyba najsłynniejszy przedstawiciel nurtu. W każdym razie był to jego obraz „Impresja. Sunrise ”w pewnym momencie nadał nazwę całemu kierunkowi artystycznemu.
• Edgara Degasa. Tutaj chcę wyrazić nieco zabawne i przesadzone powiedzenie o nowoczesnej imprezie bohemy: jeśli jest dużo małych ludzi, to jest Bosch, jeśli grube baletnice to Degas :)
• Pierre'a Renoira. Mój ulubiony impresjonista. I nie ma więcej komentarzy.
• Tuluza de Lautrec. Wokalistka rozrywki i życia paryskiej bohemy i „dolu”. Kabarety, burdele - jego temat.
• Henryk Krzyż. Ze zdziwieniem stwierdziłam, że po raz pierwszy usłyszałam tę nazwę na wystawie!
• Paweł Signak. Jego urocze pejzaże o jasnych, czystych kolorach ożywiły nowy kierunek neoimpresjonizmu - puentylizm.
• Paweł Cezanne. Mam z nim główne skojarzenie: martwe natury i niechęć do ludzkich modeli, a to wiąże się z moją ulubioną dziwaczną sytuacją.
• Paul Gauguin. Jeden z tytanów postimpresjonizmu. Prawie całkowite nierozpoznanie za życia i zapisy dotyczące sprzedaży obrazów po śmierci.
• Vincent van Gogh. Kolejna gwiazda o niesamowicie trudnym twórczym i życiowym przeznaczeniu. I ogłuszająca chwała po śmierci...

To wszystko tytani. Ich obrazy (reprodukcje) można oglądać godzinami, co zrobiłem na wystawie w Kijowie. Moje zdjęcia nie przedstawiają żadnej wartości artystycznej, można znaleźć o wiele lepsze próbki. Ale i tak wrzucę kilka fragmentów z wystawy:

Muzea impresjonistów

Jak powiedziałem, impresjonizm towarzyszy całemu mojemu świadomemu życiu. Nawet przy niektórych zasobach bezczelnie przypisuję sobie przydomek impresjonizm, wskazując nie na moje zaangażowanie, ale na moją szczególną postawę szacunku. Dlatego zainteresowało mnie: gdzie można zobaczyć niereprodukcje. co z oryginałami? Moje osobiste doświadczenie jest dość małe: jako student odwiedziłem wspaniałe miasto Petersburg i Ermitaż. W Ermitażu nawet nie próbowałem ogarnąć ogromu, ale od razu znalazłem, w których pokojach można oglądać obrazy impresjonistów. Spotkanie jest duże! Oto tylko kilka moich ulubionych obrazów:

Kamila Pissarro. „Boulevard Montmartre w Paryżu” 1897

Paul Signac „Port w Marsylii”. 1906-1907

Obraz Claude'a Moneta „Most Waterloo. (Efekt mgły)"

Paul Gauguin. „Kobieta trzymająca płód” 1893

Augusta Renoira. „Dziewczyna z fanem” 1881

Augusta Renoira. „Portret aktorki Jeanne Samary”. 1878

Ale oprócz własnych informacji mam też wrażenia moich znajomych. Oni, zarażeni uczuciami do impresjonistów nie mniej niż ja, dwukrotnie odwiedzili Paryż. Dwukrotna obowiązkowa liczba ich programu obejmowała wizyty w muzeach, które mają kolekcje obrazów tego kierunku. Najważniejsze atrakcje tej paryskiej wyprawy kulturalnej to:

• Muzeum Oranżeria- najbogatszy zbiór impresjonistów i postimpresjonistów. Najbardziej znanym obrazem jest „Wody” C. Moneta. Dopiero od znajomych dowiedziałem się, że ten obraz, jak się okazuje, został namalowany przez artystę bezpośrednio na ścianie muzeum i całkowicie zajmuje osobną salę galerii.
• Muzeum d'Orsay nie jest uważana za specjalizującą się wyłącznie w twórczości impresjonistów, prezentuje różne dziedziny europejskiego malarstwa i rzeźby. Ale prawie wszyscy z tych mistrzów, którzy są uwzględnieni na liście, którą zamieściłem powyżej, są wystawiani w Orsay. Ile jest warta przynajmniej jedna słynna „Olimpia” Edouarda Maneta!
• Muzeum Marmottana Moneta posiada w swoich zbiorach ponad 300 obrazów impresjonistów. Zest: kultowy obraz Claude'a Moneta „Impresja. Wschód słońca". Tak, tak, to jest to. Przyjaciele mówią, że zobaczenie jej na żywo to czarujące uczucie. Naprawdę im zazdroszczę...

Claude Monet. Wrażenie. Wschodzące słońce