Impresjonizm jest jednym z najbardziej znanych ruchów w malarstwie francuskim, jeśli nie najbardziej znanym. A powstał on na przełomie lat 60. i 70. XIX wieku iw dużej mierze wpłynął na dalszy rozwój sztuki tamtych czasów.

Impresjonizm w malarstwie

Sama nazwa impresjonizm” został wymyślony przez francuskiego krytyka sztuki Louisa Leroya po wizycie na pierwszej wystawie impresjonistów w 1874 roku, gdzie skrytykował obraz Claude'a Moneta „Impresja: wschodzące słońce” („impresja” po francusku brzmi jak „impresja”).

Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, Frederic Bazille to główni przedstawiciele impresjonizmu.

Impresjonizm w malarstwie charakteryzuje się szybkimi, spontanicznymi i swobodnymi pociągnięciami. Zasadą przewodnią był realistyczny obraz środowiska światło-powietrze.

Impresjoniści starali się uchwycić ulotne chwile na płótnie. Jeśli w tym momencie przedmiot pojawia się w nienaturalnym kolorze, z powodu określonego kąta padania światła lub jego odbicia, to artysta przedstawia go w ten sposób: na przykład, jeśli słońce maluje taflę stawu na różowo, to zostanie zapisany na różowo.

Cechy impresjonizmu

Mówiąc o głównych cechach impresjonizmu, należy wymienić:

• natychmiastowy i optycznie wierny obraz ulotnej chwili;
• wykonywanie całej pracy na zewnątrz - koniec z przygotowawczymi szkicami i pracami wykończeniowymi w pracowni;

• użycie czystego koloru na płótnie, bez wstępnego mieszania na palecie;
• użycie plam jasnej farby, pociągnięć o różnej wielkości i stopniu rozciągnięcia, które wizualnie składają się na jeden obraz tylko oglądane z pewnej odległości.

Rosyjski impresjonizm

Portret referencyjny w tym stylu uważany jest za jedno z arcydzieł malarstwa rosyjskiego - „Dziewczyna z brzoskwiniami” Aleksandra Serowa, dla którego impresjonizm stał się jednak tylko okresem pasji. Rosyjski impresjonizm obejmuje również dzieła napisane pod koniec XIX i na początku XX wieku przez Konstantina Korowina, Abrama Arkhipowa, Filipa Malyavina, Igora Grabara i innych artystów.

Ta przynależność jest raczej warunkowa, ponieważ impresjonizm rosyjski i klasyczny francuski mają swoją specyfikę. Rosyjski impresjonizm był bliższy materialności, obiektywności dzieł, ciążył ku artystycznemu znaczeniu, podczas gdy impresjonizm francuski, jak wspomniano powyżej, po prostu starał się przedstawiać momenty życia, bez zbędnej filozofii.

W rzeczywistości rosyjski impresjonizm przejął od Francuzów tylko zewnętrzną stronę stylu, metody jego malowania, ale nie przyswoił sobie bardzo obrazowego myślenia osadzonego w impresjonizmie.

Współczesny impresjonizm kontynuuje tradycje klasycznego impresjonizmu francuskiego. We współczesnym malarstwie XXI wieku wielu artystów pracuje w tym kierunku, na przykład Laurent Parcelier, Karen Tarleton, Diana Leonard i inni.

Arcydzieła w stylu impresjonizmu

„Taras w Sainte-Adresse” (1867), Claude Monet

Ten obraz można nazwać pierwszym arcydziełem Moneta. To wciąż najpopularniejsze malarstwo wczesnego impresjonizmu. Tutaj także pojawia się ulubiony motyw artysty – kwiaty i morze. Płótno przedstawia kilka osób odpoczywających na tarasie w słoneczny dzień. Na krzesłach, plecami do publiczności, przedstawieni są krewni samego Moneta.

Cały obraz jest zalany jasnym światłem słonecznym. Wyraźne granice między ziemią, niebem i morzem są oddzielone, porządkując kompozycję pionowo za pomocą dwóch masztów, jednak kompozycja nie ma wyraźnego środka. Kolorystyka flag łączy się z otaczającą naturą, podkreślając różnorodność i bogactwo barw.

„Bal w Moulin de la Galette” (1876), Pierre-Auguste Renoir

Ten obraz przedstawia typowe niedzielne popołudnie w XIX-wiecznym Paryżu w Moulin de la Galette, kawiarni z parkietem tanecznym na świeżym powietrzu, nazwanym na cześć pobliskiego wiatraka, symbolu Montmartre. Obok tej kawiarni znajdował się dom Renoira; uczęszczał na niedzielne popołudniowe tańce i lubił oglądać szczęśliwe pary.

Renoir wykazuje prawdziwy talent i łączy sztukę portretu grupowego, martwej natury i malarstwa pejzażowego w jednym obrazie. Wykorzystanie światła w tej kompozycji i gładkość pociągnięć najlepiej przedstawiają styl szerokiej publiczności. impresjonizm. Ten obraz stał się jednym z najdroższych obrazów, jakie kiedykolwiek sprzedano na aukcji.

Boulevard Montmartre nocą (1897), Camille Pissarro

Podczas gdy Pissarro słynie ze swoich obrazów przedstawiających życie na wsi, namalował także wiele pięknych XIX-wiecznych scen miejskich w Paryżu. Lubił malować miasto ze względu na grę świateł w ciągu dnia i wieczorem, ze względu na drogi oświetlone zarówno światłem słonecznym, jak i ulicznymi latarniami.

W 1897 roku wynajął pokój na bulwarze Montmartre i malował go o różnych porach dnia, a praca ta była jedyną pracą z serii uchwyconą po zapadnięciu nocy. Płótno wypełnione jest ciemnoniebieskimi i jasnożółtymi plamami świateł miejskich. We wszystkich obrazach z cyklu „tabloidowego” głównym trzonem kompozycji jest droga, która przechodzi w dal.

Teraz obraz znajduje się w National Gallery w Londynie, ale za życia Pissarro nigdy nie była nigdzie wystawiana.

Tutaj możesz obejrzeć film o historii i warunkach twórczości głównych przedstawicieli impresjonizmu:

Wprowadzenie

Impresjonizm jako zjawisko w sztuce

Impresjonizm w malarstwie

Artyści - impresjoniści

3.1 Claude Monet

3.2 Edgara Degasa

3.3 Alfreda Sisleya

3.4 Camille Pissarro

Wniosek

Spis bibliograficzny

Wprowadzenie

Ten esej poświęcony jest impresjonizmowi w sztuce - malarstwie.

Impresjonizm to jedno z najjaśniejszych i najważniejszych zjawisk w sztuce europejskiej, które w dużej mierze zdeterminowało cały rozwój sztuki współczesnej. Obecnie dzieła impresjonistów, którzy wówczas nie byli uznawani, są wysoko cenione, a ich wartość artystyczna niezaprzeczalna. Trafność wybranego tematu tłumaczy się potrzebą zrozumienia stylów sztuki przez każdego współczesnego człowieka, poznania głównych kamieni milowych jego rozwoju.

Wybrałem ten temat, ponieważ impresjonizm był swego rodzaju rewolucją w sztuce, która zmieniła ideę dzieł sztuki jako integralnych, monumentalnych rzeczy. Impresjonizm wydobył na pierwszy plan indywidualność twórcy, własną wizję świata, zepchnął na dalszy plan tematy polityczne i religijne, prawa akademickie. Co ciekawe, emocje i wrażenia, a nie fabuła i moralność, odgrywały główną rolę w twórczości impresjonistów.

impresjonizm (fr. impresjonizm, od wrażenie- impresja) - nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności, aby przekazać swoje ulotne wrażenia. Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie, chociaż jego idee znalazły również swoje ucieleśnienie w literaturze i muzyce.

Termin „impresjonizm” powstał z lekkiej ręki krytyka magazynu „Le Charivari” Louisa Leroya, który swój felieton o Salonie Les Misérables zatytułował „Wystawa impresjonistów”, biorąc za podstawę nazwę tego obrazu autorstwa Claude'a Moneta.

Augusta Renoira Brodzik dla dzieci, Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

pochodzenie

W okresie renesansu malarze szkoły weneckiej próbowali przekazać żywą rzeczywistość za pomocą jasnych kolorów i pośrednich tonów. Hiszpanie skorzystali z ich doświadczeń, co najwyraźniej wyrażają tacy artyści jak El Greco, Velazquez i Goya, których twórczość wywarła następnie poważny wpływ na Maneta i Renoira.

Jednocześnie Rubens barwi cienie na swoich płótnach za pomocą przezroczystych odcieni pośrednich. Według Delacroix Rubens pokazywał światło o subtelnych, wyrafinowanych tonach, a cienie o cieplejszych i bardziej nasyconych kolorach, oddając efekt światłocienia. Rubens nie używał czerni, która później stała się jedną z głównych zasad malarstwa impresjonistycznego.

Édouard Manet był pod wpływem holenderskiego artysty Fransa Halsa, który malował ostrymi pociągnięciami i uwielbiał kontrast jasnych kolorów i czerni.

Przejście malarstwa do impresjonizmu przygotowali także malarze angielscy. Podczas wojny francusko-pruskiej (1870-1871) Claude Monet, Sisley i Pissarro udali się do Londynu, aby studiować wielkich pejzażystów Constable'a, Boningtona i Turnera. Co do tego ostatniego, to już w późniejszych utworach zauważalne jest zanikanie związku z realnym obrazem świata i wycofanie się w indywidualny przekaz wrażeń.

Silny wpływ miał Eugène Delacroix, rozróżniał już koloryt lokalny i barwę nabytą pod wpływem światła, jego akwarele malowane w Afryce Północnej w 1832 czy w Etretat w 1835, a zwłaszcza obraz „Morze w Dieppe” (1835) pozwalają nam mówić o nim jako o prekursorze impresjonistów.

Ostatnim elementem, który wpłynął na innowatorów była sztuka japońska. Od 1854 roku dzięki wystawom odbywającym się w Paryżu młodzi artyści odkrywają mistrzów grafiki japońskiej, takich jak Utamaro, Hokusai czy Hiroshige. Szczególne, nieznane dotąd w sztuce europejskiej, ułożenie obrazu na kartce papieru – kompozycja przesunięta lub kompozycja z nachyleniem, schematyczne przeniesienie formy, zamiłowanie do artystycznej syntezy, zaskarbiło sobie przychylność impresjonistów i ich naśladowców .

Historia

Edgara Degasa, niebiescy tancerze, 1897, Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa

Początek poszukiwań impresjonistów sięga lat 60. XIX wieku, kiedy to młodzi artyści nie zadowalali się już środkami i celami akademizmu, w wyniku czego każdy z nich samodzielnie szuka innych dróg rozwoju swojego stylu. W 1863 roku Edouard Manet wystawił obraz „Śniadanie na trawie” w „Salonie odrzuconych” i aktywnie przemawiał na spotkaniach poetów i artystów w kawiarni Guerbois, w których uczestniczyli wszyscy przyszli założyciele nowego ruchu, dzięki czemu stał się głównym obrońcą sztuki nowoczesnej.

W 1864 roku Eugene Boudin zaprosił Moneta do Honfleur, gdzie mieszkał przez całą jesień, obserwując, jak jego nauczyciel maluje szkice pastelami i akwarelami, podczas gdy jego przyjaciel Jonkind nakładał farbę na jego prace wibrującymi pociągnięciami. To tutaj nauczyli go pracy na świeżym powietrzu i pisania jasnymi kolorami.

W 1871 roku, w czasie wojny francusko-pruskiej, Monet i Pissarro wyjeżdżają do Londynu, gdzie zapoznają się z twórczością prekursora impresjonizmu, Williama Turnera.

Claude Monet. Wrażenie. Wschód słońca. 1872, Muzeum Marmottana Moneta, Paryż.

Pojawienie się nazwy

Pierwsza ważna wystawa impresjonistów miała miejsce od 15 kwietnia do 15 maja 1874 roku w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowanych zostało 30 artystów, łącznie - 165 prac. Płótno Monet - „Wrażenie. Wschodzące słońce" ( Wrażenie, soleil levant), obecnie w Musée Marmottin w Paryżu, napisany w 1872 roku, dał początek terminowi „impresjonizm”: mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule w czasopiśmie „Le Charivari” nazwał grupę „impresjonistami”, aby wyrazić jego pogarda. Artyści pod wpływem wyzwania przyjęli ten epitet, później zakorzenił się, zatracił swoje pierwotne negatywne znaczenie i wszedł do czynnego użytku.

Nazwa „Impresjonizm” jest raczej pusta, w przeciwieństwie do nazwy „Szkoła Barbizon”, w której przynajmniej jest wskazanie geograficznego położenia grupy artystycznej. Jeszcze mniej wyrazistości jest w przypadku niektórych artystów, którzy formalnie nie zaliczali się do kręgu pierwszych impresjonistów, chociaż ich techniki i środki są całkowicie „impresjonistyczne” (Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin itp.). impresjoniści znani byli na długo przed XIX wiekiem i używali ich (częściowo, w ograniczonym stopniu) Tycjan i Velasquez, nie zrywając z dominującymi ideami swojej epoki.

Był jeszcze jeden artykuł (autorstwa Emile'a Cardona) i inny tytuł - "The Rebel Exhibition", absolutnie dezaprobujący i potępiający. To ona trafnie odtworzyła dezaprobatę burżuazyjnej opinii publicznej i dominującą przez lata krytykę wobec artystów (impresjonistów). Impresjonistów natychmiast oskarżono o niemoralność, buntownicze nastroje, brak szacunku. W tej chwili jest to zaskakujące, ponieważ nie jest jasne, co jest niemoralne w pejzażach Camille Pissarro, Alfreda Sisleya, codziennych scenach Edgara Degasa, martwych naturach Moneta i Renoira.

Minęły dziesięciolecia. A nowe pokolenie artystów dojdzie do prawdziwego upadku form i zubożenia treści. Wtedy zarówno krytycy, jak i publiczność widzieli w potępionych impresjonistach - realistach, a nieco później klasyków sztuki francuskiej.

Impresjonizm jako zjawisko w sztuce

Impresjonizm, jeden z najbardziej uderzających i interesujących nurtów w sztuce francuskiej ostatniej ćwierci XIX wieku, narodził się w bardzo trudnym środowisku, charakteryzującym się różnorodnością i kontrastami, które dały impuls do powstania wielu nowoczesnych nurtów. Impresjonizm, mimo krótkiego trwania, wywarł znaczący wpływ na sztukę nie tylko Francji, ale także innych krajów: USA, Niemiec (M. Lieberman), Belgii, Włoch, Anglii. W Rosji wpływ impresjonizmu doświadczyli K. Balmont, Andrei Bely, Strawiński, K. Korovin (najbliższy w estetyce impresjonistom), wczesny V. Serow, a także I. Grabar. Impresjonizm był ostatnim dużym ruchem artystycznym we Francji w XIX wieku, wyznaczającym granicę między sztuką nowoczesną i nowoczesną.

Według M. Apłatowa „czysty impresjonizm prawdopodobnie nie istniał. Impresjonizm nie jest doktryną, nie mógł mieć kanonizowanych form… Francuscy malarze impresjoniści w różnym stopniu mają jedną lub drugą z jego cech”. Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie, chociaż jego idee znalazły swoje ucieleśnienie w innych formach sztuki, na przykład w muzyce.

Impresjonizm to przede wszystkim sztuka obserwacji rzeczywistości, oddania lub wykreowania wrażenia, która osiągnęła niebywałe wyrafinowanie, sztuka, w której fabuła nie jest ważna. To nowa, subiektywna rzeczywistość artystyczna. Impresjoniści przedstawiali własne zasady postrzegania i pokazywania otaczającego świata. Zatarli granicę między głównymi obiektami godnymi sztuki wysokiej a przedmiotami drugorzędnymi.

Ważną zasadą impresjonizmu było odejście od typowości. Przemijanie, swobodny wygląd wszedł do sztuki, wydaje się, że płótna impresjonistów zostały namalowane przez zwykłego przechodnia spacerującego bulwarami i cieszącego się życiem. To była rewolucja w wizji.

Estetyka impresjonizmu ukształtowała się po części jako próba zdecydowanego uwolnienia się od konwencji sztuki klasycznej, a także od uporczywej symboliki i zamyślenia malarstwa późnoromantycznego, które oferowało dostrzeżenie zaszyfrowanych znaczeń we wszystkim, co wymagało starannej interpretacji. Impresjonizm afirmuje nie tylko piękno codzienności, ale także nadaje artystyczne znaczenie postrzeganej zmienności otaczającego świata, naturalności spontanicznego, nieprzewidywalnego, przypadkowego wrażenia. Impresjoniści starają się uchwycić jego barwną atmosferę bez uszczegóławiania i interpretowania jej.

Jako ruch artystyczny impresjonizm, zwłaszcza w malarstwie, szybko wyczerpał swoje możliwości. Klasyczny francuski impresjonizm był zbyt wąski i niewielu pozostało wiernych jego zasadom przez całe życie. W procesie rozwoju metody impresjonistycznej podmiotowość percepcji obrazowej pokonała obiektywność i wzniosła się na coraz wyższy poziom formalny, otwierając drogę wszystkim nurtom postimpresjonizmu, w tym symbolizmowi Gauguina i ekspresjonizmowi Van Gogha. Jednak pomimo wąskich ram czasowych - około dwóch dekad, impresjonizm wyniósł sztukę na zasadniczo inny poziom, wywierając znaczący wpływ na wszystko: współczesne malarstwo, muzykę i literaturę, a także kino.

Impresjonizm wprowadził nowe tematy; prace dojrzałego stylu wyróżniają się jasną i spontaniczną witalnością, odkryciem nowych artystycznych możliwości koloru, estetyzacją nowej techniki malarskiej, samą strukturą dzieła. To właśnie te cechy, które pojawiły się w impresjonizmie, są dalej rozwijane w neoimpresjonizmie i postimpresjonizmie. Wpływ impresjonizmu jako podejścia do rzeczywistości czy też jako systemu technik ekspresyjnych odnajdywany był niemal we wszystkich szkołach artystycznych początku XX wieku i stał się punktem wyjścia dla rozwoju wielu nurtów, aż po abstrakcjonizm. Niektóre zasady impresjonizmu - przekazywanie natychmiastowego ruchu, płynność formy - przejawiały się w różnym stopniu w rzeźbie lat 1910-tych autorstwa E. Degasa, ks. Rodin, M. Golubkina. Impresjonizm artystyczny w dużym stopniu wzbogacił środki wyrazu w literaturze (P. Verlaine), muzyce (C. Debussy) i teatrze.

2. Impresjonizm w malarstwie

Wiosną 1874 roku grupa młodych malarzy, m.in. Miało to miejsce od 15 kwietnia do 15 maja 1874 roku w pracowni fotografa Nadara w Paryżu, na Boulevard des Capucines. Zaprezentowanych zostało 30 artystów, łącznie - 165 prac. Taki akt sam w sobie był rewolucyjny i zrywał z odwiecznymi fundamentami, a obrazy tych artystów na pierwszy rzut oka wydawały się jeszcze bardziej wrogie tradycji. Minęły lata, zanim uznani później klasycy malarstwa zdołali przekonać publiczność nie tylko o swojej szczerości, ale i talencie. Wszystkich tych bardzo różnych artystów połączyła wspólna walka z konserwatyzmem i akademizmem w sztuce. Impresjoniści zorganizowali osiem wystaw, ostatnią w 1886 roku.

To właśnie na pierwszej wystawie w 1874 roku w Paryżu pojawił się obraz Claude'a Moneta przedstawiający wschód słońca. Uwagę wszystkich przyciągnęła przede wszystkim niezwykłym tytułem: „Wrażenie. Wschód słońca". Ale sam obraz był niezwykły, oddawał tę nieuchwytną, zmienną grę kolorów i światła. To właśnie nazwa tego obrazu - "Impresja" - dzięki kpinie jednego z dziennikarzy zapoczątkowała cały nurt w malarstwie, zwany impresjonizmem (od francuskiego słowa "impresja" - wrażenie).

Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, impresjoniści stworzyli nową metodę malowania. Jej istotą było oddanie zewnętrznego wrażenia światła, cienia, refleksów na powierzchni przedmiotów osobnymi pociągnięciami czystych kolorów, które wizualnie rozpuszczały formę w otaczającym środowisku światło-powietrze.

Wiarygodność została poświęcona osobistemu postrzeganiu - impresjoniści, w zależności od swojej wizji, mogli pisać niebo na zielono, a trawa na niebiesko, owoce w ich martwych naturach były nie do poznania, postacie ludzkie były niewyraźne i szkicowe. Ważne było nie to, co zostało przedstawione, ale „jak”. Obiekt stał się okazją do rozwiązywania problemów wizualnych.

Charakterystyczna jest zwięzłość, etiudy twórczej metody impresjonizmu. W końcu tylko krótkie badanie pozwoliło dokładnie zarejestrować poszczególne stany natury. To, co wcześniej było dozwolone tylko w szkicach, stało się teraz główną cechą gotowych płócien. Artyści impresjoniści ze wszystkich sił starali się przezwyciężyć statyczność malarstwa, aby na zawsze uchwycić cały urok ulotnej chwili. Zaczęli stosować asymetryczne kompozycje, aby lepiej uwypuklić interesujące ich postacie i przedmioty. W niektórych metodach impresjonistycznego konstruowania kompozycji i przestrzeni wyczuwalny jest wpływ pasji do własnego wieku - nie starożytności jak wcześniej, japońskiego rytownictwa (autorstwa takich mistrzów jak Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) i częściowo fotografii, jej zbliżeń i nowych punkty widzenia.

Impresjoniści zaktualizowali także kolorystykę, porzucili ciemne, ziemiste farby i werniksy, a na płótna nałożyli czyste, spektralne kolory, prawie nie mieszając ich najpierw na palecie. Warunkowa, „muzealna” czerń na ich płótnach ustępuje miejsca grze kolorowych cieni.

Dzięki wynalezieniu gotowych metalowych tub na farby, które zastąpiły stare, ręcznie robione farby z oleju i sproszkowanych pigmentów, artyści mogli wyjść z pracowni i pracować w plenerze. Działały bardzo szybko, ponieważ ruch słońca zmieniał oświetlenie i kolorystykę krajobrazu. Czasami wyciskali farbę na płótno bezpośrednio z tuby i uzyskiwali czyste, mieniące się kolory z efektem pociągnięcia pędzla. Umieszczając kroplę jednej farby obok drugiej, często pozostawiali chropowatą powierzchnię obrazów. Aby zachować świeżość i różnorodność kolorów natury na obrazie, impresjoniści stworzyli system obrazkowy, który wyróżnia się rozkładem złożonych tonów na czyste kolory i przenikaniem się oddzielnych pociągnięć czystego koloru, jakby mieszały się w oku widza, z kolorowymi cieniami i postrzegane przez widza zgodnie z prawem kolorów dopełniających się.

Dążąc do maksymalnej bezpośredniości w przekazywaniu otaczającego świata, po raz pierwszy w historii sztuki impresjoniści zaczęli malować głównie w plenerze i podnosili znaczenie studium z natury, które niemal wyparło tradycyjny typ malarstwa , starannie i powoli tworzone w studio. Ze względu na samą metodę pracy w plenerze krajobraz, w tym odkryty przez nich krajobraz miejski, zajmował bardzo ważne miejsce w sztuce impresjonistów. Tematem przewodnim było dla nich drżące światło, powietrze, w którym niejako zanurzeni są ludzie i przedmioty. Na ich obrazach czuć było wiatr, wilgotną, nagrzaną słońcem ziemię. Starali się pokazać niesamowite bogactwo kolorów w przyrodzie.

Impresjonizm wprowadził do sztuki nowe wątki – życie codzienne miasta, uliczne pejzaże i rozrywkę. Jego zakres tematyczny i fabularny był bardzo szeroki. Artyści w swoich pejzażach, portretach i kompozycjach wielopostaciowych starają się zachować bezstronność, siłę i świeżość „pierwszego wrażenia”, bez wchodzenia w poszczególne szczegóły, gdzie świat jest ciągle zmieniającym się fenomenem.

Impresjonizm wyróżnia się jasną i natychmiastową witalnością. Charakteryzuje się indywidualnością i walorami estetycznymi płócien, ich celową przypadkowością i niekompletnością. Ogólnie rzecz biorąc, dzieła impresjonistów wyróżniają się radością, pasją do zmysłowego piękna świata.

Impresjonizm(francuski impresjonizm, od impresja - impresja) - nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienność, aby przekazać swoje ulotne wrażenia.

1. Wyzwolenie z tradycji realizmu (żadnych obrazów mitologicznych, biblijnych i historycznych, tylko współczesne życie).

2. Obserwacja i badanie otaczającej rzeczywistości. Nie to, co widzi, ale jak widzi z pozycji postrzeganej „wizualnej istoty rzeczy”

3. Życie codzienne współczesnego miasta. Psychologia mieszkańca miasta. Dynamika życia. Tempo, rytm życia.

4. „Efekt rozciągniętej chwili”

5. Szukaj nowych formularzy. Małe formaty prac (etiudy, oprawy). Nie typowe, ale losowe.

6. Serializacja obrazów ("Hacki" Moneta)

7. Nowość systemu malowania. Otwórz czysty kolor. Relief, najbogatszy zbiór odruchów, drżenie.

8. Mieszanie gatunków.

Eduarda Maneta - nowator. Od głuchych, gęstych tonów po jasne malowanie. Fragmentacja kompozycji.

„Olimpia” – opiera się na Tycjanie, Giorgione, Goi. Postawione przez Victorię Muran. Wenus jest przedstawiana jako współczesna kokota. U stóp czarnego kota. Murzynka przedstawia bukiet. Tłem jest ciemna, ciepła tonacja kobiecego ciała niczym perła na błękitnej pościeli. Głośność jest zepsuta. Nie ma czarno-białego modelowania.

„Śniadanie na trawie”- model i dwóch artystów + pejzaż + martwa natura. Czarne surduty kontrastują z nagim ciałem.

"Flecista"- wrażenie muzyki.

"Bar Folies-Bergere" - dziewczyna jest barmanką. Dreszczyk zajrzanej chwili. Samotność tętniącego życiem miasta. Iluzja szczęścia. Umieściłem to w całym płótnie (niedostępnym w moich myślach, ale dostępnym dla klientów baru). Pełna sala zwiedzających to obraz świata.

Claude Monet - zrezygnowano z tradycyjnej kolejności (podkład, glazura itp.) - ale prima

"Wrażenie. Wschodzące słońce" - Ognista żółć, pomarańcz, zieleń. Łódka jest wizualnym akcentem. Nieuchwytny, niedokończony krajobraz, bez konturów. Zmienność środowiska światło-powietrze. Promienie światła zmieniają widzenie.

„Śniadanie na trawie” - skraj lasu, przeżycie piknikowe , ciemnozielona gamma przeplatana brązem i czernią. Liście są mokre. Ubranie kobiety i obrus są oświetlone, wypełnione powietrzem, prześwitują przez listowie.

Boulevard des Capucines w Paryżu fragmentaryczny. Odcina dwie osoby, które patrzą na bulwar z balkonu. Tłum ludzi to życie miasta. W połowie w świetle zachodzącego słońca, a w połowie w cieniu budynku. Brak centrum wizualnego, natychmiastowe wrażenie.

„Skały w Belle-Ile"- dominuje poruszająca się masa wody (grube kreski). Mocno nałożone opalizujące odcienie. Skały odbijają się w wodzie, a woda odbija się w skałach. Czując moc żywiołów, gotującą się zielononiebieską wodę. Kompozycja wysokiego horyzontu.

"Gare Saint-Lazare" - pokazane jest wnętrze stacji, ale ciekawszy jest parowóz i unosząca się wszędzie para (fascynacja mgłą, liliową mgiełką).

Pierre'a Augusta Renoira– artysta radości, znany przede wszystkim jako mistrz świeckiego portretu, nie pozbawiony sentymentalizmu.

"Huśtać się"- nasycony ciepłymi kolorami, pokazana jest młodość, dziewczyna jest pod wrażeniem.

„Bal w Moulin de la Gallette” - scena rodzajowa. Dzień. Młodzi ludzie, studenci, sprzedawcy itp. Przy stolikach pod akacjami parkiet taneczny. Lekkie przelewy (słoneczne króliczki na plecach).

„Portret Joanny Samary” - kwiatowe kobiety. Urocza, kobieca, pełna wdzięku, wzruszająca, bezpośrednia aktorka. Głębokie oczy, lekki słoneczny uśmiech.

„Portret Madame Charpentier z dziećmi”- elegancka świecka kobieta w czarnej sukni z trenem i dwie dziewczyny w kolorze niebieskim. Stół z gobelinem, pies, parkiet - wszystko mówi o zamożności rodziny.

Edgara Degasa- nie pisał pod gołym niebem, kult kreski i rysunku. Kompozycje po przekątnej (od dołu do góry)); Spiralne kształty w kształcie litery S + okno z którego oświetlenie + oświetlenie z reflektorów. Olej, potem łóżko.

„Baletki”, „Tancerki”- wdziera się w życie baletnic. Pociągnięcia łączą rysunek i malarstwo. Stałe tempo treningu.

„Niebiescy Tancerze”- brak indywidualności - pojedynczy wieniec ciał. W jednym rogu jest jeszcze światło z ramp, aw drugim cień skrzydeł. Chwila to wciąż aktorki i zwykli ludzie. Wyraziste sylwetki, chabrowe sukienki. Fragmentacja - postacie nie patrzą na widza.

"Nieobecny" - mężczyzna i kobieta siedzą w kawiarni. gamma popiołu. Mężczyzna z fajką patrzy w jednym kierunku, a pijana kobieta o zdystansowanym spojrzeniu – bolesna samotność.

Camille Pissarro- lubiący pejzaże, w tym ludzi, wozy w nich. Motyw drogi z chodzeniem. Ukochana wiosna i jesień.

„Wejście do wsi Voisin» - niewyraźny, miękki krajobraz, drzewa wzdłuż drogi - obramiają wejście, ich gałęzie mieszają się, rozpływają się na niebie. Powoli, spokojnie koń idzie. Domy to nie tylko obiekty architektoniczne, ale mieszkania dla ludzi (ciepłe gniazda).

„Pasaż operowy w Paryżu”(seria) - szary pochmurny dzień. Dachy są lekko przysypane śniegiem, chodnik mokry, budynki toną w welonie śniegu, przechodnie z parasolami zamieniają się w cienie. Kolor wilgotnego powietrza otula. Liliowo-niebieskie, oliwkowe odcienie. Małe uderzenia.

Alfreda Sisleya- starał się dostrzec piękno przyrody, epicki spokój tkwiący w wiejskim krajobrazie.

„Mróz w Louveciennes” - poranek, stan świeży, przedmioty skąpane w świetle (fuzja). Brak cieni (drobne niuanse), kolory żółto-pomarańczowe. Cichy zakątek, nie spieszące się miasto. Poczucie czystości, kruchości, miłości do tego miejsca

Impresjonizm w Rosji. rozwija się później iw szybszym tempie niż we Francji

WASierow - obojętny na akademicki rysunek chce pokazać piękno natury w kolorze.

„Dziewczyna z brzoskwiniami”- portret Verochki Mamontovej. Wszystko jest naturalne i nieskrępowane, każdy szczegół jest ze sobą połączony. Urok dziewczęcej twarzy, poezja obrazu życia, nasycony światłem kolorowy obraz. Urok i świeżość studium organicznie połączyły dwa nurty, dwie siły, które utworzyły jedną formę malarskiej wizji. Wszystko wydaje się takie proste i naturalne, ale w tej prostocie jest tyle głębi i całości!! Z najwyższą ekspresją V. Serov oddał światło wlewające się srebrzystym strumieniem z okna i wypełniające pomieszczenie. Dziewczyna siedzi przy stole i nie jest niczym zajęta, jakby naprawdę usiadła na chwilę, automatycznie podniosła brzoskwinię i trzyma ją, patrząc na ciebie prosto i szczerze. Ale ten spokój jest tylko chwilowy i przebija się przez niego zamiłowanie do rozbrykanego ruchu.

"Dzieci"- ukazuje świat duchowy dzieci (synów). Starszy patrzy na zachód słońca, a młodszy twarzą do widza. Inne spojrzenie na życie.

„Mika Morozow”- siada na krześle, ale stacza się na widza. Dziecięca ekscytacja jest przekazywana.

"Tancerka rewiowa"- etiuda. Maluje soczystymi pociągnięciami pędzla, szerokimi pociągnięciami w listowiu, pociągnięciami pionowymi lub poziomymi, różniącymi się fakturą ⇒ dynamiką, powietrzem i światłem. Połączenie natury i dziewczyn, świeżość, bezpośredniość.

"Paryż. Boulevard des Capucines" - kolorowy kalejdoskop kolorów. Sztuczne oświetlenie - rozrywka, dekoracyjna teatralność.

IE Grabar - dobrowolny, emocjonalny początek.

« Lutowy lazur »- Widziałem brzozę z poziomu gruntu i byłem w szoku. Kuranty tęczy są połączone lazurem nieba. Brzoza jest monumentalna (w całym płótnie).

„Marcowy śnieg”- dziewczyna niesie wiadra na jarzmie, cień drzewa na roztopionym śniegu.

Impresjonizm otworzył nową sztukę – ważne jest, jak widzi artysta, nowe formy i sposoby przedstawiania. Oni mają chwilę, my mamy rozciągnięcie w czasie; mamy mniej dynamiki, więcej romantyzmu.

Mane Śniadanie na trawie Mane Olympia

Manet „Bar Folies-Bergere” Manet Flecista"

monet "Wrażenie. Wschodzące słońce Monet „Śniadanie na trawie” - „Boulevard des Capucines w Paryżu”

Monet „Skały w Belle-Ile”" Monet Gare Saint-Lazare

Monet Boulevard des Capucines w ParyżuRenoira"Huśtać się"

Renoira „Bal w Moulin de la Gallette” Renoir „Portret Jeanne Samary”

Renoir „Portret Madame Charpentier z dziećmi”

Odgazować „Niebiescy Tancerze” Odgazować „Nieobecny”

Pissarro -„Pasaż operowy w Paryżu”(seria) Pissarro „Wejście do wsi Voisin»

Sisley „Mróz w Louveciennes” Serow „Dziewczyna z brzoskwiniami”

Serow „Dzieci” Serow „Mika Morozow”

Korovin „Chorus Girl” Korovin „Paryż. Bulwar Kapucynów»

Grabar „Lutowy lazur” Grabar „Marcowy śnieg”

Wszystko ma swoje korzenie gdzieś w przeszłości, także obrazy, które zmieniały się z biegiem czasu, a obecne trendy nie są dla wszystkich jasne. Ale wszystko, co nowe, jest zapomnianym starym, a żeby zrozumieć malarstwo współczesne, nie trzeba znać historii sztuki od czasów starożytnych, wystarczy przypomnieć sobie malarstwo XIX i XX wieku.

Połowa XIX wieku to czas przemian nie tylko w historii, ale także w sztuce. Wszystko, co było wcześniej: klasycyzm, romantyzm, a tym bardziej akademizm – nurty ograniczone pewnymi granicami. We Francji w latach 50. i 60. trendy w malarstwie wyznaczał oficjalny Salon, ale typowo „salonowa” sztuka nie wszystkim odpowiadała i to tłumaczyło pojawiające się nowe trendy. W malarstwie tego czasu nastąpił rewolucyjny wybuch, który zerwał z wielowiekowymi tradycjami i założeniami. A jednym z epicentrów był Paryż, gdzie wiosną 1874 roku młodzi malarze, wśród których byli Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir i Cezanne, zorganizowali własną wystawę. Prezentowane tam prace były zupełnie inne niż te salonowe. Artyści zastosowali inną metodę - refleksy, cienie i światło oddane zostały czystymi kolorami, osobnymi pociągnięciami, kształt każdego obiektu zdawał się rozpuszczać w powietrzu-świetlnym otoczeniu. Żaden inny kierunek w malarstwie nie znał takich metod. Efekty te pomogły wyrazić jak najwięcej ich wrażeń na temat ciągle zmieniających się rzeczy, natury, ludzi. Jeden z dziennikarzy nazwał grupę „Impresjonistami”, w ten sposób chciał pokazać swoją pogardę dla młodych artystów. Ale zaakceptowali ten termin, który ostatecznie zakorzenił się i wszedł do aktywnego użytku, tracąc swoje negatywne znaczenie. Tak pojawił się impresjonizm, w przeciwieństwie do wszystkich innych nurtów w malarstwie XIX wieku.

Początkowo reakcja na innowację była więcej niż wroga. Nikt nie chciał kupować zbyt odważnego i nowego obrazu, a bali się, bo wszyscy krytycy nie traktowali impresjonistów poważnie, śmiali się z nich. Wielu twierdziło, że artyści impresjoniści chcieli osiągnąć szybką sławę, nie zadowalało ich ostre zerwanie z konserwatyzmem i akademizmem, a także niedokończony i „niechlujny” wygląd dzieła. Ale nawet głód i bieda nie były w stanie zmusić artystów do porzucenia swoich przekonań i wytrwali, dopóki ich obraz nie został ostatecznie rozpoznany. Ale zbyt długo trzeba było czekać na uznanie, niektórzy impresjoniści już wtedy nie żyli.

W rezultacie nurt zapoczątkowany w Paryżu w latach 60. miał ogromne znaczenie dla rozwoju sztuki światowej w XIX i XX wieku. W końcu przyszłe trendy w malarstwie zostały odparte właśnie od impresjonizmu. Każdy kolejny styl pojawiał się w poszukiwaniu nowego. Postimpresjonizm zrodzili ci sami impresjoniści, którzy uznali, że ich metoda jest ograniczona: głęboka i niejednoznaczna symbolika była odpowiedzią na malarstwo, które „straciło sens”, a Art Nouveau, nawet swoją nazwą, woła o nowe. Oczywiście od 1874 roku w sztuce zaszło wiele zmian, ale wszystkie współczesne trendy w malarstwie są jakoś odpychane przez ulotne paryskie wrażenie.

Impresjonizm (francuski impresjonizm, od wrażenia - wrażenie), nurt w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, którego mistrzowie, utrwalając swoje ulotne wrażenia, starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienność. Impresjonizm narodził się w malarstwie francuskim pod koniec lat 60. XIX wieku. Edouard Manet (który formalnie nie był członkiem grupy impresjonistów), Degas, Renoir, Monet wnieśli świeżość i bezpośredniość do postrzegania życia w sztuce.

Artyści francuscy zwrócili się ku obrazowi chwilowych sytuacji, wyrwanych ze strumienia rzeczywistości, życia duchowego człowieka, obrazu silnych namiętności, uduchowienia natury, zainteresowania przeszłością narodową, pragnienia syntetycznych form sztuki. z motywami światowego smutku, pragnieniem zgłębienia i odtworzenia „cieniowej”, „nocnej” strony ludzkiej duszy, ze słynną „romantyczną ironią”, która pozwoliła romantykom śmiało porównywać i zrównywać to, co wysokie z tym, co niskie, tragiczne i komiczne, prawdziwe i fantastyczne. Artyści impresjoniści wykorzystywali fragmentaryczne realia sytuacji, stosowali pozornie niezrównoważone konstrukcje kompozycyjne, nieoczekiwane kąty, punkty widzenia, cięcia postaci.

W latach 70.-80. XIX w. kształtował się pejzaż francuskiego impresjonizmu: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley wypracowali spójny system plenerów, stworzyli w swoich obrazach wrażenie mieniącego się światła słonecznego, bogactwa barw natury, rozpuszczenia form w wibracji światła i powietrza. Nazwa kierunku pochodzi od tytułu obrazu Claude'a Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” („Impresja. Soleil levant”; wystawiony w 1874 r., obecnie w Musée Marmottan w Paryżu). Rozkład złożonych barw na czyste składowe, które nakładane były na płótno osobnymi kreskami, barwnymi cieniami, refleksami i walerianą, dał początek niespotykanie lekkiemu, rozedrganemu malarstwu impresjonistycznemu.

Pewne aspekty i techniki tego nurtu w malarstwie stosowali malarze z Niemiec (M. Lieberman, L. Corinth), USA (J. Whistler), Szwecji (A.L. Zorn), Rosji (K.A. Korovin, I.E. Grabar) i wielu innych narodowe szkoły artystyczne. Pojęcie impresjonizmu stosuje się również do rzeźby z lat 1880-1910, która ma pewne cechy impresjonistyczne - chęć przekazania natychmiastowego ruchu, płynności i miękkości formy, plastyczną szkicowość (dzieła O. Rodina, brązowe statuetki Degasa itp. .). Impresjonizm w sztukach wizualnych wpłynął na rozwój środków wyrazu współczesnej literatury, muzyki i teatru. W interakcji i kontrowersjach z malarskim systemem tego stylu neoimpresjonizm i postimpresjonizm pojawiły się w kulturze artystycznej Francji na przełomie XIX i XX wieku.

neoimpresjonizm(francuski neoimpresjonizm) – nurt w malarstwie, który powstał we Francji około 1885 roku, kiedy to jego główni mistrzowie, J. Seurat i P. Signac, opracowali nową technikę malarską dywizjonizmu. Francuscy neoimpresjoniści i ich następcy (T. van Reiselberg w Belgii, G. Segantini we Włoszech i inni), rozwijając tendencje późnego impresjonizmu, starali się zastosować w sztuce nowożytne odkrycia z dziedziny optyki, nadając jej metodyczny charakter metody rozkładu tonów na czyste barwy; jednocześnie przełamywali przypadkowość, fragmentaryczność impresjonistycznej kompozycji, uciekali się do płaskich rozwiązań dekoracyjnych w swoich pejzażach i wielopostaciowych paneli malarskich.

postimpresjonizm(od łac. post - po i impresjonizm) - zbiorcza nazwa głównych nurtów malarstwa francuskiego przełomu XIX i XX wieku. Od połowy lat 80. XIX wieku postimpresjonistyczni mistrzowie poszukiwali nowych środków wyrazu, które pozwoliłyby przezwyciężyć empiryzm myślenia artystycznego i pozwolić im przejść od impresjonistycznego utrwalania poszczególnych momentów życia do ucieleśnienia jego długotrwałych stanów, materialnego i duchowych stałych. Okres postimpresjonizmu charakteryzuje się aktywnym oddziaływaniem poszczególnych nurtów i indywidualnych systemów twórczych. Postimpresjonizm zwykle zalicza się do dzieł mistrzów neoimpresjonizmu, grupy Nabis, a także V. van Gogha, P. Cezanne'a, P. Gauguina.

Dane referencyjne i biograficzne Galerii Sztuki Small Bay Planet są przygotowywane na podstawie materiałów z Historii Sztuki Zagranicznej (red. M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), Artistic Encyclopedia of Foreign Classical Art i Great Russian Encyclopedia.