Ermitaż posiada dwa dzieła Rafał (Raffaello Santi, 1483-1520), jeden z nich – „Madonna Conestabile” – powstał najprawdopodobniej w 1504 r., drugi – „Święta rodzina” – około 1506 r.
„Madonna Conestabile” (nazwa warunkowa i podobnie jak u Leonarda wywodzi się od nazwiska dawnego właściciela) – obraz małoformatowy (17,5 x 18 cm), nieco mniejszy od kartki szkolnego zeszytu , rozwiązany w postaci tondo. Ciekawe, że Raphael zaczyna od takich niemal miniaturowych rzeczy ("Madonna Conestabile" nie jest wyjątkiem; "Sen Rycerza" - Londyn, Galeria Narodowa są jej zbliżone wielkością; "Trzy Gracje" - Chantilly, Condé Museum, itp. .), ale to właśnie Rafał miał stać się jednym z twórców monumentalnego stylu rzymskiej szkoły malarstwa.
Tradycyjny temat jest traktowany bardzo prosto. Młoda matka trzyma dziecko w ramionach. Poglądy Maryi i Chrystusa skupiają się na księdze. Artysta przybliżył grupę na pierwszy plan, a pejzaż nadał jako szeroką panoramę. Wrażenia Rafaela z jego rodzinnych miejsc wyraźnie wpływają na krajobraz - to Umbria z miękką linią wzgórz, spokojną przestrzenią jezior i odległymi ośnieżonymi szczytami. Cienkie smukłe drzewa ciągną się ku górze, ich gałęzie nie pokryte liśćmi odcinają się w misterny wzór na tle błękitnego nieba. Wiosenna budząca się do życia przyroda postrzegana jest jako akompaniament do wizerunku Madonny, młodej i czystej, jak otaczający ją świat.
Na tym obrazie Raphael wciąż podąża za artystami wczesnego renesansu, wypisując szczegóły - łódź płynąca po jeziorze, ludzie idący wzdłuż brzegu, niektóre budynki w oddali.
Obraz oprawiony w elegancką złoconą ramę. Jego soczysta groteskowa ornamentyka doskonale komponuje się z miniaturowo-starannym malowaniem. Początkowo rama była integralna z drewnianą deską obrazu i oczywiście została wykonana według rysunku samego Rafała.
Według legendy artysta namalował w Perugii „Madonnę z książką” dla Alfaio di Diamante, który zapisał dzieło swoim spadkobiercom. W XVIII wieku rodzina Alfano otrzymała tytuł hrabiów della Staffa. W tym samym stuleciu „Madonna z księgą” przeszła w ręce krewnych della Staffa, którzy stali się znani jako hrabiowie Conestabile della Staffa. Kupiona od tej rodziny w 1871 roku „Madonna z książką” przybyła do Petersburga. Ale podczas podróży z Włoch do Rosji pęknięcia w drewnianej podstawie wzrosły. Zwołali specjalną komisję, aby zdecydować, jak uratować „nowego” Rafaela, i postanowili zastąpić podstawowe drzewo płótnem. W tym celu obraz został wycięty z ramy, pęknięcia zostały sklejone tak, że praktycznie stały się niewidoczne. Z przodu do obrazu naklejono tkaninę i przymocowano do marmurowej deski. Na odwrocie zaczęli usuwać drzewo, a kiedy usunięto jego warstwę po warstwie, od tyłu znaleziono oryginalny rysunek Rafaela: dziecko trzymało w dłoni granat. Następnie warstwę farby wzmocniono na nowym płótnie, a naklejkę zmyto z przedniej strony. W ten sposób obraz został przeniesiony na płótno.
Nie wiadomo, dlaczego w trakcie pracy Rafael odmówił płodu, zastępując go książką. Ale sens pracy się nie zmienił. Podmiot odgrywa u Rafaela jeszcze bardziej formalną rolę niż np. w Madonnie Benois Leonarda da Vinci. Pomimo bliskości kompozycyjnej „Madonny Conestabile” z obrazami z Umbrii, Raphael ma tę genialną „lekkość”, która pozwala mu osiągnąć krystalicznie czysty obraz i kompozycję. Poszukując zgodności koła z zawartą w nim kompozycją, delikatnie powtarza zarys tonda w pochyleniu głowy Marii, w linii płaszcza zakrywającego jej lewe ramię. Ale w przeciwieństwie do późniejszych dzieł mistrza decydująca pozostaje płaszczyzna pierwszego planu.
W 1504 roku Rafał przeniósł się z rodzinnych stron do Florencji, gdzie spędził cztery lata. Okres ten stał się bardzo ważny w jego życiu, gdyż we Florencji młody artysta zetknął się z najbardziej zaawansowaną sztuką swoich czasów, a przede wszystkim ze sztuką Leonarda, który wywarł na niego zauważalny wpływ.
Podczas pobytu nad brzegiem Arno Rafael namalował „Świętą rodzinę” lub, jak nazywa się ten obraz, „Madonnę z Józefem bez brody”.
Założenie, że Rafael wykonał obraz dla Guidobaldo de Montefeltro, opiera się na słowach Giorgio Vasariego: „...zrobione dla Guidobaldo Montefeltro, ówczesnego kapitana Florentczyków, dwa obrazy przedstawiające Madonnę, małą i doskonałą, w jego drugim stylu (mówiąc o drugim sposobie, Vasari odnosi się do okresu florenckiego).
Obraz w ciągu swojego życia zmieniał wielu właścicieli, aż trafił do słynnej kolekcji Crozat. W ramach tej kolekcji został zakupiony do Ermitażu w 1772 roku. W 1827 została przeniesiona na płótno.
Teksty rycin z najlepszych rzeczy z kolekcji Crozat o „Świętej Rodzinie” zawierały następującą informację: „Pan Barrois bardzo tanio kupił ten obraz, który należał do domu Angouleme. Przechowywano go w nim bez większej uwagi. Niektóre niezręczny malarz, chcąc go odnowić i nie wiedząc, jak połączyć swoje dzieło z dziełem jego twórcy, przepisał to wszystko od nowa, tak że nie było już w nim widać pędzla Rafaela. Ale kiedy pan Barrois go kupił, Vandin, mając oczyściła go ze zbędnych prac, zwróciła na światło dzienne jej oryginalny list, który zamiast uszkodzić, stał się znacznie świeższy; nałożone na nią farby nieumiejętnego malarza służyły za oponę i chroniły ją przed szkodliwym działaniem powietrza.
Ta historia była powodem powstania wiersza „Odrodzenie” A. S. Puszkina:
Artysta-barbarzyńca zaspanym pędzlem Zaczernia obraz geniusza I rysuje ponad nim bezsensownie jego bezprawny rysunek. Ale farby obce latami Odpadają z rozpadającymi się łuskami; Stworzenie geniusza przed nami Wychodzi z tym samym pięknem.
Najciekawsze wyniki uzyskano podczas badań „Świętej Rodziny” w fizycznym laboratorium rentgenowskim Ermitażu. Zdjęcie zrobione w świetle podczerwonym przedstawiało oryginalny rysunek, wykonany metodą, którą w Rosji nazywano prochem strzelniczym. Artysta przebił igłą kontury rysunku przygotowawczego na arkuszu, a następnie nałożył go na zagruntowane podłoże przyszłej pracy - płótno lub drewno - i przetarł węglem drzewnym lub farbą. Substancja, dostając się do otworów, pozostawiła kontury wzoru na ziemi.
Niewidoczny gołym okiem rysunek „Świętej Rodziny” jest subtelny i wyrazisty. Ponadto wyraźnie widoczne są poprawki autorskie – na przykład zarysy palców św. Joseph, początkowo bardziej wydłużony, jego twarz jest bardziej zindywidualizowana, jest prawie łysy, zmieniono kształt ucha itp.
Znakomity rysunek znaleziony w promieniach podczerwonych jest niepodważalnym dowodem na to, że „Święta Rodzina” została namalowana przez Rafaela, w co czasami wątpiono, ze względu na niezbyt udane stare renowacje.
W porównaniu z Madonną Conestabile Madonna z Józefem bez brody jest monumentalnie rozwiązana. Kompozycja wygląda na prostą lub elementarną, ale prostota jest zwodnicza, za nią kryje się ścisła troska i dokładność każdej części pracy.
Fryzura Madonny – włosy zaplecione w warkocz, – zielonkawa chusta i inne codzienne detale nie umniejszają wrażenia majestatu i powagi sceny.
Madonna jest typowym obrazem Rafaela. Następnie artysta napisze w liście do słynnego humanisty hrabiego Castiglione: „…żeby napisać piękność, muszę zobaczyć wiele piękności… Ale z powodu braku pięknych kobiet używam niektórych pomysł." Te słowa dość wyraźnie określają jedną z charakterystycznych cech sztuki mistrzów Wysokiego Renesansu – nie tylko ślepe kopiowanie natury, ale uogólnienie i typizację tego, co widzieli.
„Święta rodzina” to obraz serdeczny i niezwykle smutny. Postacie ukazane są na tle stepu, ale po prawej stronie, w otworze półkolistego łuku, widoczny jest spokojny krajobraz, tworzący niesamowite wrażenie głębi przestrzeni. Jeśli w innych, zbliżonych stylem i czasie powstania, obrazach Rafaela, niemowlę pokazane jest w żywym i rozbrykanym ruchu („Madonna Orleańska” – Chantilly, Condé Museum; „Madonna z Bridgewater” i „Madonna z palmą”, oba - Edynburg, National Gallery of Scotland ), następnie w pracy Ermitażu delikatnie przylgnął do piersi matki, w zamyśleniu przyciskając go do niej, podnosząc oczy do św. Józefa, odpowiadając mu spokojnym, życzliwym spojrzeniem. Ręka Mary albo już miała dotknąć dziecka, albo tylko go dotknęła. Jest jednak mało prawdopodobne, aby artysta myślał o wielkiej ekspresji emocjonalnej gestu. Miękki zarys dłoni jest kontynuowany w zaokrąglonych liniach ciała dziecka, w skrzyżowanych ramionach Józefa. Raphael unika ostrych narożników, ostrego przecięcia linii: „w wyniku gładkich konturów, echa barwnych plam, układu postaci na tle stepu, nieco ożywionego pilastrami, wrażenie harmonii, wielkości, prostoty tkwiącej w dziełach Rafaela się rodzi.W nich zdaje się skupiać najlepsze cechy ludzkie, tworzy nową koncepcję piękna, typowy ideał renesansu, mistrz oczyszcza swoje obrazy ze wszystkiego, co codzienne, prozaiczne, wynosząc je na piedestał doskonałości.
Rafał jest artystą złożonym. Przez wiele wieków jego autorytet był niepodważalny, jego malarstwo uchodziło za niemal najwyższe osiągnięcie sztuki europejskiej. W XX wieku, który przetrwał dwie wojny światowe, Raphael wydaje się wielu zbyt zimny i spokojny. Ale pragnienie harmonii, której nikt nie wyraził z taką wprawą jak Rafael, dążenie do człowieczeństwa i doskonałości, budzi niesłabnące zainteresowanie twórczością artysty do dziś.
W Ermitażu nie zachowały się oryginały rzymskiego okresu twórczości Rafaela – najwyższego etapu twórczości mistrza, który rozpoczął się w 1508 r., kiedy to przeniósł się z Florencji do Rzymu i trwał aż do śmierci.
W Rzymie mistrz stworzył takie dzieła programowe, jak malowidła ścienne w ceremonialnych salach Pałacu Watykańskiego, Madonny Sykstyńskiej i innych.
Po części wyobrażenie o działalności Rafaela w Wiecznym Mieście może dać kopia z galerii watykańskiej, tzw. loggie Rafaela*, namalowane według planu wielkiego Urbino przez jego uczniów w 1518 roku -1519.
* (Loggie - galerię otwartą z jednej strony łukowymi otworami - odtworzył w latach 80. XVIII wieku architekt Quarenghi, który zbudował Teatr Ermitaż. Grupa artystów pod kierunkiem X. Unterbergera skopiowała freski na płótnie w Rzymie w galerii Pałacu Watykańskiego, następnie zamontowała je na ścianach w Petersburgu. Dostępne w Watykanie płaskorzeźby odwzorowywane są techniką malarską.)
Kopia w żaden sposób nie zastępuje oryginału, a mimo to ma ogromne znaczenie jako jedyna reprodukcja renesansowego wnętrza w murach Ermitażu.
Rozwiązanie galerii, zbudowanej przez architekta Bramantego w Rzymie, determinuje rytmiczną przemianę łuków dzielących galerię na trzynaście części; każdy z nich zakończony jest sklepieniem krzyżowo-kopułowym, w którym z kolei znajdują się cztery kompozycje fabularne. Oprawione są w ozdobną ramę. Malowidła na suficie nazywane są „Bibliami Rafaela”. Artysta zatrzymał się na pięćdziesięciu dwóch najważniejszych scenach biblijnych, poczynając od momentu oddzielenia przez Boga światła od ciemności, kończąc na Ostatniej Wieczerzy.
Główne wrażenie, jakie odbiera widz z loggii, to harmonijna przejrzystość całej konstrukcji; projekt galerii można prześledzić w stosunku części nośnych i nośnych. Malarstwo jest ściśle skoordynowane z projektem architektonicznym.
W wystroju Rafał stworzył swobodną wariację na temat antycznych malowideł, tzw. groteski. Podobny ornament rozpowszechnił się po odkryciu pod koniec XV wieku w Rzymie ruin Złotego Domu, budowli z czasów cesarza Nerona, który spłonął w 64 roku. Odkryte ruiny „Złotego Domu” zaczęto nazywać ze względu na podobieństwo do jaskiń – grotami, a co za tym idzie zdobiącym je ornamentem – groteskami.
Vasari nadał grotesce następującą definicję: „Groteski to rodzaj malarstwa, swobodnego i zabawnego, którym starożytni dekorowali ściany, gdzie w niektórych miejscach nic innego się nie nadawało poza przedmiotami unoszącymi się w powietrzu, dlatego przedstawiali wszystkie rodzaje śmiesznych potworów powstałych z kaprysów natury i fantazji oraz kaprysów artystów, którzy nie przestrzegają w tych rzeczach żadnych reguł: zawiesili ciężar na najcieńszej nici, której nie wytrzyma, przyczepili nogi do konia w postaci liści , i nogi żurawia do człowieka, i bez końca różne inne śmieszne pomysły, i ten, który wymyślił coś wspanialszego, tego uważał za godnego. Później były w porządku i zaczęto je bardzo pięknie eksponować na fryzach i panele, ze stiukiem na przemian z malowniczymi. ”
Groteskowy ornament był bardzo rozpowszechniony we Włoszech, zwłaszcza po pracy Rafaela w Watykanie.
Z niezwykłą gracją, z prawdziwą renesansową swobodą, z najbogatszą wyobraźnią Rafael łączy antycznych bogów, satyrów, nimfy z motywami zaczerpniętymi z dzikiej przyrody, wprowadza całe pejzaże, tworzy girlandy z warzyw, owoców, kwiatów, instrumentów muzycznych. Malowidła rozciągają się wzdłuż płaszczyzny pilastrów, posłusznie naśladując łatwo zaokrąglony sufit, czasem otwierając się jak balustrada na błękitne (malownicze) niebo, innym razem przypominając elegancką mozaikę.
Tu wśród liści - fantastycznych i prawdziwych - skaczą wiewiórki, ślizgają się jaszczurki, torują sobie drogę myszy, pełzają chrząszcze i za każdym razem artysta unika symetrii, nadając zwierzętom inny ruch, układając inną liczbę liści na gałęziach, zastępując jeden formować z innym. Żaden z motywów nie powtarza się dokładnie, można niestrudzenie przyglądać się jednemu szczegółowi po drugim, cały czas odkrywając coś nowego.
Na obrazach Loggii świat jest pojmowany filozoficznie na swój sposób, jego piękno i różnorodność są przekazywane w zwięzłej i skoncentrowanej formie. Wymiary galerii są doskonale skorelowane z sylwetką człowieka. Elegancka, przestronna, wypełniona powietrzem i światłem galeria jest prawdziwym dziełem renesansowej architektury i malarstwa. Człowiek, według artysty, powinien być świadomy siebie jako centrum świata, jasnego i jasnego, a jego umysł powinien z łatwością pojmować prawa wszechświata.
Działalność Rafaela i jego uczniów w Rzymie można również ocenić na podstawie dziewięciu fresków w Ermitażu.
Większość z nich pochodzi z Villa Palatina, która według legendy należała do samego Rafaela. Następnie willa była w rękach różnych właścicieli, aż stała się własnością sióstr salezjanek, które zaadaptowały ją na klasztor. Jednak świecki charakter malowideł – są one poświęcone historii bogini miłości Wenus – zupełnie nie nadawał się do nowego przeznaczenia budynku, a zakonnice, zdaniem ówczesnego dyrektora Ermitażu Giedeonowa, „oburzone dzięki swobodzie działek w 1856 roku raczej podarował niż sprzedał freski markizowi Campana, który pospieszył z przeniesieniem obrazu na płótno.
Przeniesienie na płótno i kolejne, niezbyt udane renowacje, doprowadziły do tego, że już w momencie wejścia do Ermitażu w 1861 roku freski były w bardzo złym stanie.
W wyniku przeprowadzonej w muzeum w ostatnich latach renowacji obraz został wzmocniony, ale nie ma już możliwości przywrócenia mu pierwotnej świeżości.
Pięć fresków powtarza w powiększeniu piękne malowidła ścienne wykonane przez Rafaela i jego uczniów w 1516 roku w łazience kardynała Bibieny w Watykanie.
Dla epoki, która dążyła do pogodzenia pogaństwa z chrześcijaństwem, znamienne jest to, że duchowni zlecają artyście namalowanie obrazów przedstawiających bogów Olimpu.
W willi Palatina powtórzenia kompozycji nadziewanych nabrały nowego znaczenia, nie tylko ze względu na ich duże rozmiary, ale także dlatego, że w willi zdobiły one portyk, a nie zamkniętą przestrzeń, a tym samym kojarzyły się z otwartą otaczająca przestrzeń.
Starożytność jest postrzegana przez artystę jako złoty wiek ludzkości. Świat, który pojawia się na obrazach, jest majestatycznie piękny i harmonijny, a jego kochający i cierpiący mieszkańcy nie tracą fizycznej i duchowej doskonałości.
Fabuła wielu scen inspirowana była bardzo znanymi wówczas „Metamorfozami” rzymskiego poety z I wieku Owidiusza. Jeden z odcinków odtwarza moment, w którym Kupidyn, całując swoją matkę Wenus, przypadkowo ranił ją w pierś grotem strzały, co rozbudziło w niej miłość do Adonisa.
Matkę pocałował kiedyś mały chłopiec przepasany ciałem, I wystającą strzałą niechcący podrapał jej pierś. Zraniona bogini usunęła syna ręką ...
Naga bogini siedzi pod drzewem, dotykając zranionej klatki piersiowej, obok niej stoi Kupidyn. Piękno ludzkiego ciała dla Rafaela, podobnie jak dla starożytnych, jest w pełni zgodne z pięknem wnętrza. Każdy czas ma swój własny ideał. Jeśli pod tym względem porównamy przedstawienia Quattrocento i Cinquecento, to możemy posłużyć się porównaniem pąka z rozkwitającym kwiatem. Rafael, który w sztuce w pełni wyrażał normy estetyczne epoki, preferował formy ciała, które osiągnęły swój pełny rozkwit i nie miały nic wspólnego z kanciastą, czasem delikatną nagością postaci w malarstwie XV wieku.
W „Wenus zakładająca sandał” motywem przewodnim fresku jest płynny gest bogini, pełen wdzięku i siły zarazem. Ruch nie traci swojej miękkości nawet wtedy, gdy ma być szybki, jak na przykład w scenie „Wenus z Kupidynem na delfinach”, gdzie bogini i jej syn pędzą przez morze na delfinach. Potem znowu przychodzi spokój: na innym fresku „Wenus i Adonis” bogini, zmęczona polowaniem, odpoczywa ze swoim kochankiem, „opierając się o niego, opierając głowę na piersi”.
To nie przypadek, że jedno z pism XIX wieku mówi o freskach palatyńskich: „Piękne, jak malarstwo pompejańskie”.
Rzeczywiście, w wymyślonych przez Rafaela i wykonanych przez jego uczniów malowidłach ściennych uchwycone jest charakterystyczne dla starożytności upojenie życiem i zachwyt nad pięknem człowieka.
Pomimo słabego zachowania freski poszerzają naszą wiedzę na temat monumentalnej i dekoracyjnej sztuki Wielkiego Renesansu.
Obraz „Święta rodzina” został przedstawiony mieszkańcom Primorsky Marina Agejewa, dyrektor Muzeum Sztuk Pięknych w Niżnym Tagile. Dokładniej mówiąc, nie sam obraz, ale rodzaj wideorelacji z tego, jak dzieło zostało odrestaurowane Rafał Santi.
„Obraz został znaleziony w Niżnym Tagile na strychu dworu, do którego należał Demidow powiedziała. - W 1924 r. Budynek ten został przekazany trustowi Tagilstroy, a podczas sprzątania nowi właściciele odkryli obraz i nie od razu zrozumieli, co trzymają w rękach. Była w złym stanie. Deska była pęknięta na pół, warstwa farby zniknęła i było na niej dużo odprysków. Igora Grabara konserwator opisał, że znaleziono na nim nawet ślady kutych butów. Być może upadła, a oni po prostu po niej chodzili, nie podejrzewając nawet, że to nie jest zwykła deska.
Inna wersja „Świętej Rodziny (Madonna z Józefem bez brody)”, przypisywana Raphaelowi Santi. Zdjęcie: commons.wikimedia.org
Minęło wiele lat, zanim po renowacji wróciła do galerii. Nie mogę nawet uwierzyć, że ten obraz ma ponad 500 lat. Ma historię detektywistyczną. Krytycy sztuki i historycy ustalili, że początkowo była w kościele Santa Maria del Popolo, więc ma też drugie imię - Madonna del Popolo. Było popularne, więc w latach 40. XVI wieku zostało skradzione, ale wkrótce płótno zostało zwrócone. W XVII wieku został przejęty przez kardynałaSfondrati. A po jego śmierci obraz nie został znaleziony. Zniknęła, a następnie pojawiła się w kościele Santa Casa (przetłumaczonym jako święta chata) w małym miasteczku Loreto (Włochy). Według legendy tam się urodziłaMaria- matka Jezus Chrystus. Mistrzowie tamtego stulecia mówili, że zamiast obrazu była kopia. Być może został wyjęty lub ukryty.
To zdjęcie zostało zgłoszone przez niego samego Napoleon. W 1797 zażądał odszkodowania - stu obrazów i innych dzieł sztuki. Świętą Rodzinę nabył w drodze prywatnej transakcji. Konwój udał się do Francji. Szedł przez trzy miesiące i przez cały miesiąc przebywał w zamku książąt Orlean.
Osoby towarzyszące zostały nakarmione, napojone i obdarzone wszelkimi oznakami uwagi. W ten sposób na obrazie pojawił się mały napis - herb księcia Orlean- z trzema liliami. Kiedy konwój dotarł do Francji i pudła zostały otwarte, zamiast oryginału została nędzna kopia, na której nawet farba nie wyschła.
Najsłynniejsza „Święta Rodzina Falconieri”, Rafael Santi, 1507. Fragment. Zdjęcie: Domena publiczna
Wiadomo, że w zbiorach znajdowała się „Święta Rodzina”.Nikołaj Demidow. Obraz nabył incognito. Kilka lat temu w archiwum znaleziono notatkęNikołaj Demidoww którym to powiedziałRafałpoprosił o 6000 gwinei. Być może on lub jego dzieci przywieźli obraz do Rosji, do Niżnego Tagila. Naoczni świadkowie powiedzieli, że w rodzinnej krypcie znajdowały się niektóre włoskie ikonyDemidow.
Unikalne dzieło w mieście otrzymało przydomek „Tagil Madonna”. Półtora roku temu podpisano porozumienie z Jużno-Sachalińskiem w sprawie pokazu obrazu na Sachalinie. Primorye wyraził również chęć pokazania płótna mieszkańcom regionu.
domena publiczna
„Wyprowadza się ją raz w roku na specjalne zaproszenie, ale ponieważ pojechaliśmy tak daleko na Wschód, zgodziliśmy się, że odwiedzi Władywostok, ale nie na miesiąc, ale na całe dwa, ciąg dalszyMarina Władimirowna. - Pracowałem w muzeum jako główny kustosz. Dla mnie wszystko było rodzime. Martwiliśmy się o nich, jak o dzieci: jakie tu jest bezpieczeństwo, czy klimat im odpowiada, jak im się tu będzie żyło. Rzeczywiście, w samym muzeum Madonna znajduje się w osobnym pomieszczeniu, w którym znajdują się krzesła, aby można było usiąść i pomyśleć o sztuce.
W w samym muzeum nie było zamachów na jej życie. Boże ocal! Czytałem detektywa autora Markowa. Dwa małe szkice zostały skradzione z naszej ekspozycji w 1993 roku Lewitan, wynikiem był detektyw. Czytam to i nagle znajduję wersety, które mówią: „co tam jest Lewitan, mają tam Rafał wiszące." Z tym detektywem trafiłem do administracji miasta. Domagała się zorganizowania ochrony dziedzictwa kraju. Więc dziękuję Markowa wymieniliśmy całe wyposażenie techniczne galerii.”
„Święta rodzina Falconieri”, Raphael Santi, 1507. Fragment. Zdjęcie: Domena publiczna
Primorsky Art Gallery przygotowała już salę, w której pokazana zostanie wystawa jednego obrazu. płótnoRafał Santibędzie prezentem w Roku Kultury dla mieszkańców Primorye.
19 lutego 2013 r
Młodszy rówieśnik Leonarda, jeden z największych mistrzów renesansu, Raphael Santi (1483–1520), nazywany był często „mistrzem madonn”. W wielu pracach, w których artysta przedstawiał Madonnę z Dzieciątkiem, na różne sposoby urzeczywistniał marzenie humanistów o pięknej osobie żyjącej w rozsądnym i harmonijnym świecie.
Madonna Conestabile autorstwa Rafaela
Madonna Conestabile (Ermitaż, sala 229) została wykonana przez Rafaela, twórcę jednego z najwybitniejszych dzieł ludzkiego geniuszu, Madonny Sykstyńskiej (Drezno, Galeria Sztuki), na początku swojej drogi twórczej. Wykorzystując kompozycję swojego nauczyciela Perugino, młody Rafael zarysowuje postać Madonny, spokojnie stojącej na tle krajobrazu. Podczas przenoszenia obrazu z deski na płótno, przeprowadzonego w Ermitażu w 1881 r. dla lepszego zachowania dzieła, okazało się, że Rafael w dłoni Marii pierwotnie przedstawiał granat, podobnie jak Perugino. Później jednak artysta napisał (na wierzchu owocu) książkę. Nastrój Madonny jest zgodny ze spokojem wiosennego krajobrazu. Zespolenie człowieka z naturą, spokój i równowagę na obrazie podkreśla również kształt tondo (koła). Gładkie kontury postaci odzwierciedlają krąg eleganckiej ramy. Złocona rama, ozdobiona reliefowym ornamentem ze skrzydlatymi gryfami, wykonana została prawdopodobnie według rysunku samego Rafaela. Ta niewielka praca wprowadza nas w podniosły i poetycki świat subtelnych i szczerych uczuć.
Świętej Rodziny Rafała
Nieco później, w 1506 r., kiedy Rafał pracował już we Florencji, stworzył „Świętą Rodzinę” (Ermitaż, sala 229). Przedstawiając Maryję, Dzieciątko Chrystus i Świętego Józefa, artysta unika codzienności, odrzucając wszelkie przypadkowe rysy i codzienne detale. Figurowana grupa umieszczona jest na tle gładkiej ściany z dwoma wyraźnymi pionowymi pilastrami. W pracy dominują gładkie, zaokrąglone linie, które wzmacniają poczucie harmonii. Twarze są wyidealizowane, choć nie pozbawione specyficznych rysów (np. Józef ukazany jest bez brody: nie było to wówczas w modzie we Florencji; stąd drugie imię obrazu to „Madonna z Józefem bez brody”). Kompozycyjną jedność osiąga nie tylko ogólny nastrój, ale także fuzja sylwetek, jednocząca rola koloru (zielony, złocisty żółty). Tutaj, podobnie jak na innych obrazach, Rafael potwierdza duchowe piękno i wielkość człowieka.
Portret przedstawia żonę jednego z wybitnych dostojników miasta. Spokojna postawa, surowa
Interpretując starożytną legendę z pewną naiwnością i szczerością, Jordans przedstawia ją jako scenę
"Ostatnia Wieczerza" - szkic do obrazu przechowywanego w Galerii Brera w Mediolanie. Szkice
„Krajobraz” Jana Brueghela Aksamitnego, datowany na 1603 r., jest jednym z nich
Poczucie współbrzmienia natury z ludzkim życiem przyciąga w obrazie „Madonna z Dzieciątkiem”
Krajobraz sprawia wrażenie realnego środowiska przestrzennego, w którym
Bohaterowie religijnej legendy na obrazie weneckiego mistrza obdarzeni są ziemskim pełnokrwistym
Rzeźbę zamówił dla mistrza książę Cosimo de' Medici w 1545 roku, a dziewięć lat później
„Ścięcie Jana Chrzciciela” Sano di Pietro było częścią poliptyku – dużej
Ogólny przebieg ewolucji sztuki w Cesarstwie Rzymskim prowadził
Ponadto potomkowie pisarza kategorycznie sprzeciwiali się muzeum poświęconemu jego fikcyjnej postaci, odmówili
Odkrycie to odegrało kluczową rolę w badaniu historii starożytnego Egiptu. Na znalezionym kamieniu
Kolekcja Galerii Narodowej jest uważana za jedną z najlepszych na świecie. Co ciekawe, budynek
Sala została pomyślana jako pomnik i poświęcona pamięci Piotra I. Znalazło to bezpośrednie odzwierciedlenie w
Cechą charakterystyczną tego muzeum jest to, że wśród jego eksponatów nie ma ani dzieł rzeźby, ani grafiki,
Rozpoczynając realizację postawionego przed nim zadania, Trietiakow miał jasność
Zbroja zakrywała prawie całe ciało rycerza ruchomo przymocowanymi płytami, hełm był całkowicie chroniony
Dzieła - „Śniadanie na trawie” (1863) i „Olimpia” (1863) – wywołały kiedyś wrzawę opinii publicznej
Karmazynowe płomienie, nieprzenikniona ciemność podziemi, fantastyczne postacie brzydkich diabłów - wszystko
Pomimo obecności podpisu nie jest jasne, kto był autorem sztandaru Ermitażu. Było ich kilka
Ta intymna, codzienna fabuła, nie pretendująca do żadnego znaczenia filozoficznego ani psychologicznego,
Jego potężny realizm, obcy tu efektom zewnętrznym, porywa nas z przenikliwością
Młody, bez brody Sebastian, z gęstymi, kręconymi włosami, nagi, zakryty jedynie lędźwiami, związany
Żywiołowy temperament wielkiego mistrza flamandzkiego uczynił go bardzo swobodnym w użyciu
Prawdziwa sława „Wenus z lustrem” zaczęła się od wystawy malarstwa hiszpańskiego, której gospodarzem była Akademia Królewska
Różnorodność form i kolorów, żywy rytm, specjalny ton durowy i jasna dekoracyjność są nieodłączną częścią każdego z tych obrazów,
Jednak mistrz kobiecych półfigur wypracował sobie własną indywidualność.
Drewno, olej. 131 x 107 cm Stara Pinakoteka, Monachium
„Święta rodzina z Kanijani” odnosi się do tego samego okresu twórczości Rafaela, co „ Pozycja w trumnie". Nazwa obrazu pochodzi od florenckiego rodu Canigiani, który był właścicielem tego dzieła Rafaela, zanim przeszło ono do kolekcji Medyceuszy, a następnie do Niemiec po ślubie Anny Marii Lodovicy Medici z elektorem Palatynatu.
Rafał. Madonna z Kanijani (Święta Rodzina z Kanijani). Stara, zniekształcona wersja przed restauracją von Sonnenburga
Madonna i Sprawiedliwa Elżbieta (matka Jana Chrzciciela) siedzą na trawie ze swoimi dziećmi. Józef Oblubieniec stoi nad nimi, ukazując znaczenie przybranego ojca Jezusa i odzwierciedlając wzrost czci Józefa po 1500 roku.
Rafał. Madonna Kanijani. Szczegół. 1507
W Canigiani Madonna Raphael syntetyzuje elementy, które przejął od Leonarda da Vinci i Michała Anioła i łączy je z wyraźnie północnym krajobrazem i delikatnymi przejściami kolorystycznymi zdominowanymi przez opalizujące odcienie.
Rafał. Madonna Kanijani. Sceneria
Piramida, w którą idealnie wpasowują się postacie, jest zapożyczona od Leonarda, jednak wzajemne uczucia między uczestnikami sceny, wyrażone wymienianymi spojrzeniami i ich ogólny pogodny nastrój, nadają kompozycji spokojny, opisowy charakter. Ogólny ton Canigiani Madonna jest więc zupełnie inny od napiętej i wzburzonej sztuki Leonarda. Rafał tworzy tu fabułę pełną ludzkiego udziału i przejrzystego spokoju.
Rafał. Madonna Kanijani. Wersja po renowacji Huberta von Sonnenburga
W 1982 roku niemiecki konserwator Hubert von Sonnenburg podjął się skrupulatnej renowacji Madonny Canigiani i usunął zniekształcającą niebieską warstwę farby nałożonej w XVIII wieku na niebo. Oryginalną koncepcję Rafaela można teraz ponownie zobaczyć, z puttami (aniołami) po lewej i prawej stronie u góry.
