Zaczęło się w starożytności. Załóżmy, że w tamtych czasach panowało niewolnictwo i nie było edukacji. Ale ludzie wiedzieli, czym jest teatr. Wyrastająca z głębi długich dziejów ludzkości, zakorzeniona jest w tajemnicach najstarszych ludowych obrzędów masowych, zabaw i festynów. Powstające na tej podstawie tradycyjne akty pierwotne o charakterze komicznym i tragicznym (jak saturnalia, misteria) zawierały elementy fabuły dramatycznej (w układzie mitologicznym), obejmowały tańce, dialogi, pieśni chóralne, przebrania, maski. Stopniowo następowało oddzielenie akcji od podstaw rytualnych i kultowych, wyłonienie z tłumu chóru bohaterów, przekształcenie masowego festiwalu w zorganizowane widowisko. Wszystko to stworzyło warunki do powstania tak ukochanego przez wszystkich dramatu literackiego. Wymuszony podział na widzów i aktorów ujawnił ważne funkcje społeczne tego zjawiska
Proces ten został wyraźnie wyrażony w teatrze starożytnej Grecji, który miał ogromny wpływ na aktywny rozwój sztuki europejskiej. W miastach-państwach stał się ważnym szefem życia publicznego. Czym był teatr w starożytnej Grecji? Reprezentacje były wówczas wielkim ogólnopolskim świętem. W ogromnych, gigantycznych amfiteatrach pod gołym niebem zgromadziło się aż kilkadziesiąt tysięcy zaczarowanych widzów. Oprócz dostępnych profesjonalnych aktorów, w spektaklu mogli zagrać sami mieszkańcy – bezpośrednio uczestnicy chóru. Taniec i muzyka pozostały istotne, główne elementy akcji.
Czym był teatr w starożytnym Rzymie? Tutaj bardziej aktywnie rozwijała się strona inscenizacyjna większości przedstawień, zmieniał się nawet rodzaj sceny, rósł profesjonalny sprzęt teatralny, powstawały różnego rodzaju przedstawienia (przedstawienia muzyczne i taneczne o tematyce mitologicznej - pantomimy, które osiągnąwszy swój rozkwit w epoce Imperium, pozostało do V w. popularnym gatunkiem teatralnym).
Europejski teatr średniowiecza praktycznie przestał istnieć. William Shakespeare i kilku innych dramaturgów w XV wieku. ożywił to. Wtedy bez wyjątku role w przedstawieniach odgrywali chłopcy i mężczyźni. Aktorki pojawiły się po raz pierwszy w popularnych zespołach włoskich aktorów wędrownych, którzy odgrywali komedie „cel arte” (małe sztuki komiksowe z obowiązkowym udziałem postaci w maskach).
Kultura humanistyczna okresu renesansu ożywiła tradycje starożytnej sztuki teatralnej, łącząc je z bogatymi tradycjami dziedzictwa narodowego ludu. W sztukach znanych dramaturgów tej epoki historia ujawniała się w najostrzejszych konfliktach politycznych i społecznych.
Powstanie teatru wiąże się z aktywnym rozprzestrzenianiem się klasycyzmu, którego społeczną podstawą jest umacnianie się niektórych reżimów absolutystycznych w niektórych krajach europejskich. Zadaniem aktorów było stworzenie złożonego obrazu bohatera, który w toku wewnętrznych zmagań i ciężkich prób pokonuje własny rozdźwięk między wymogami społeczeństwa a interesem prywatnym. Współczesne problemy tego okresu nabrały zarówno abstrakcyjnego, jak i ogólnie znaczącego charakteru. Tym jest teatr klasycyzmu.
W drugiej połowie XVIII wieku stał się głównym rzecznikiem idei burzliwego mieszczańskiego oświecenia. W sztuce ówczesnych aktorów wysoka świadomość obywatelska doskonale łączyła się z czynną chęcią kreowania nowych, integralnych postaci, wykazujących zainteresowanie prawdą historyczną.
Romantyzm stał się wyrazem aspiracji mas demokratycznych i humanistycznych ideałów. Pod sztandarem tej epoki toczyła się w dramacie poważna walka z takim epigońskim klasycyzmem - o narodowość, historyzm, tożsamość narodową.
Realizm, który przygotował teatr, a potem romantyzm, nabrał godnych samodzielnych form w latach 30. i 40. XX wieku. 19 wiek i osiągnął najwyższą dominującą pozycję w połowie wieku.
We współczesnym teatrze powstaje synteza wielu rodzajów sztuki, problemów społecznych i emocji - analiza psychologiczna, wysokie problemy moralne, bezpośredniość stanu emocjonalnego, autentyczność i groteska, przeżycie i dystans, liryka i satyra. Wszystko to występuje w najbardziej śmiałych i nieoczekiwanych kombinacjach. Czym jest teatr współczesny? Jest to wyraźna tendencja do dążenia do wzmożonej aktywności obrazów, do zachowania ważnych środków artystycznych, jak również do ich treści. Dziś tego rodzaju sztuka jest nie do pomyślenia bez reżysera. Istotna jest teraz także scenografia.
Teatr ma swoje korzenie w starożytnej Grecji ponad dwa tysiące lat temu. Najstarsza sztuka powstała jako spektakularna rozrywka dla publiczności, odświętne sceny aktorów w kostiumach. Przedstawienia miały pierwotnie zbiegać się z Wielkim Dionizjuszem, wielkim świętem religijnym.
Teraz teatr to niewątpliwie coś więcej niż korowód śpiewających mężczyzn w kozich skórach przez miasto. Stało się sztuką wysoką, sposobem na relaks dla wyższych sfer, miejscem kulturowego oświecenia. Historia teatru to fascynujący proces rozwoju, który trwa do dziś. Powiemy czytelnikowi w naszym artykule. W prezentowanym materiale znajdziesz również wiele ciekawostek. Zacznijmy więc.
Początek
Ateny w V wieku pne. mi. przedstawienia teatralne były nieodłączną częścią świąt religijnych. Procesjom z posągiem Dionizosa towarzyszyły wesołe śpiewy i dramatyczne zabawy. Można powiedzieć, że historia teatru ateńskiego rozpoczęła się jako przedstawienie amatorskie dla niewielkiej liczby widzów. Początkowo wystawiano tylko tragedie, później zaczęto pokazywać komedie. Warto zauważyć, że sztuki były z reguły pokazywane tylko raz. Pobudziło to autorów do stworzenia odpowiednich, ciekawych prac. Dramaturg nie tylko napisał sztukę, był pełnoprawnym uczestnikiem spektaklu, wcielając się w role reżysera, kompozytora, choreografa, a nawet aktora. Oczywiście byli to ludzie wyjątkowo utalentowani.
Ale aby zostać choregiem (kierownikiem chóru) nie trzeba było wielkiego talentu. Wszystko, czego potrzebowali, to pieniądze i kontakty z urzędnikami państwowymi. Głównym obowiązkiem chorega było opłacanie rachunków, pełne wsparcie finansowe oraz wspieranie teatru. W tamtych czasach było to miejsce rywalizacji, wygrywał choreg, poeta i główny bohater. Zwycięzców ukoronowano bluszczem i wręczono nagrody. Zwycięstwo zostało im przyznane decyzją jury.
Ciekawostką jest fakt, że starożytni Rzymianie byli prawdziwymi fanami realizmu. Produkcja została uznana za idealną, w której aktor przyzwyczaił się do roli w 100% - w razie potrzeby musiał być gotowy nawet na śmierć.
W czasach, gdy żył Puszkin, teatry w Rosji nie były całkowicie zajęte. Tylne rzędy były zajęte przez ludzi stojących na nogach przez cały występ.
Przełomową sztuką w historii rosyjskiej sztuki teatralnej jest „Podszycie” D. I. Fonvizina, które stało się pierwszą próbą ośmieszenia urzędników, szlachty, typowych postaci XVIII wieku. Starodum (postać pozytywna) jako pierwszy zagrał właśnie wspomnianego Dmitrevsky'ego.
W 1803 roku cesarskie teatry zostały podzielone. W ramach zespołu muzycznego pojawiły się zespoły teatralne i muzyczne, a także zespoły operowe i baletowe. Dominacja francuskiej szkoły gry na scenie rosyjskiej trwała do XIX wieku. Wtedy rosyjski teatr w końcu stanął na nogi i poszedł własną drogą. Przyjęte doświadczenia stały się dobrą bazą, a odkrycie nowych utalentowanych rosyjskich kompozytorów, aktorów, tancerzy podniosło teatr na wysoki poziom.
P. N. Arapow jako pierwszy opisał całą historię teatru rosyjskiego w jednej encyklopedii - „Kroniki teatru rosyjskiego”. Pojawiają się magazyny teatralne i profesjonalni krytycy. Tak więc rozwój teatru dał impuls m.in. literaturze rosyjskiej.
Najbardziej znany teatr w Moskwie
Historia Teatru Bolszoj rozpoczyna się 28 marca 1776 roku. Tego dnia w Moskwie cesarzowa Katarzyna II podpisała „przywilej” dla księcia Piotra Urusowa, pozwalający mu na utrzymanie teatru przez dziesięć lat. Początkowo nazywano go Teatrem Pietrowskim (na cześć ulicy, na którą szło wejście). W 1805 roku budynek doszczętnie spłonął, a nowy projekt stworzył architekt Osip Bove. W 1820 r. rozpoczęto budowę, która trwała 5 lat.
Wybudowany teatr powiększył się, stąd jego nazwa. Ta piękna, harmonijna, bogata budowla cieszyła mieszkańców Moskwy do 1853 roku, kiedy to wybuchł drugi pożar. Tym razem odbudowę powierzono architektowi Albertowi Kavosowi. Teatr odrestaurowano już w 1856 roku. Cesarski Teatr Bolszoj zasłynął nie tylko w Rosji, ale także na świecie: miał doskonałą akustykę. W 1917 r., po rewolucji, zmieniono nazwę na Państwowy Teatr Bolszoj. Dekorację uzupełniono symbolami sowieckimi.
Został poważnie ranny podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, biorąc bombę. Budynek ponownie przebudowano. Do 1987 roku budynek przeszedł jedynie drobne naprawy kosmetyczne. Teraz Teatr Bolszoj to budynek z nową sceną, na której można zastosować nowoczesne efekty. Zachował przy tym ducha architektury klasycznej, swoją „charakterystyczną” akustykę, co daje mu prawo do miana jednego z najlepszych teatrów na świecie. To jest historia Teatru Bolszoj.
I na koniec jeszcze jeden, nie mniej interesujący fakt. Filmy, których akcja toczy się w całości lub w części w kinie: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, Upiór w operze, Burlesque of a Tale, Knockout, Bumping Broadway, Black swan, „The Puppeteer”, „A Terribly Big Adventure” , „Zakochany Szekspir”, „Morderstwo w małym miasteczku”, „Orfevre Quay”.
Historia teatru (dramatu i innych gatunków tej sztuki) będzie się rozwijać, gdyż zainteresowanie nim nie zmienia się od ponad dwóch tysięcy lat.
Słowo „teatr” jest tłumaczone z greckiego jako „spektakl” i jako „miejsce spektakli”.
„Spektakl”, „widz”, „wizja” to słowa pokrewne, mające ten sam rdzeń.
Czyli teatr to:
- co ogląda widz: spektakle, koncerty, spektakle (wymagane na scenie, aby można było obejrzeć spektakl z dowolnego miejsca na widowni);
- gdzie patrzy widz: szczególne miejsce, budynek, w którym odbywa się przedstawienie teatralne.
Dlatego możesz powiedzieć: „Byliśmy w teatrze”. I możesz i „Oglądaliśmy teatr”.
Powstanie teatru
Teatr powstał w starożytności. W starożytnej Grecji zwyczajem było świętowanie ważnych wydarzeń: nadejścia wiosny, zbiorów. Grecy szczególnie ukochali święto boga Dionizosa, który uosabiał siły natury, zasypiając zimą i odradzając się wraz z pierwszymi promieniami słońca.
(Komentarz dla dorosłych: Ta esencja Dionizosa jest również związana z jego drugą hipostazą boga winogron i winiarstwa. Cały proces przetwarzania winogron, fermentacji i przekształcania ich w ekscytującego duchawino można uznać za metaforę śmierci i odrodzenia Dionajest.)
Te wakacje radość i wolność, gdy więźniowie byli zwalniani za kaucją, dłużnicy byli sami i nikt nie był aresztowany, aby każdy mógł wziąć udział w zabawie,dlatego nazwano go „Wielkim Dionizym” i zatriumfował nad całkowitym zwycięstwem wiosny nad zimą.
Ludzie śpiewali piosenki, przebierali się, zakładali maski, robili pluszaki. Początkowo święto odbywało się na placach miejskich, a następnie zaczęto budować specjalne konstrukcje architektoniczne do występów.
Budynek teatru został zbudowany na zboczu wzgórza. U stóp znajdowała się okrągła platforma - orkiestra, na której występowali śpiewacy, recytatorzy, aktorzy. Za orkiestrą znajdowała się skena - namiot do przebierania aktorów i rekwizytów.
Niektóre teatry były naprawdę ogromne i porównywalne pod względem pojemności z nowoczesnymi stadionami.
Starożytny teatr grecki położony w mieście Larisa na południowej stronie góry Furourio
Aktorami w starożytnym greckim teatrze mogli być tylko mężczyźni: grali zarówno role męskie, jak i żeńskie. To był bardzo szanowany zawód. I bardzo złożone. Aktorzy musieli występować w specjalnych maskach (więcej szczegółów tutaj), widzowie nie widzieli ich mimiki, więc trzeba było przekazać wszystkie emocje gestami i głosem.
A jednak aktorzy tragedii wychodzili na scenę w specjalnych sandałach na wysokiej platformie - nazywano ich koturny. Te wysokie sandały sprawiały, że chód był wolniejszy, dostojny, dumny, jak przystało na postać z tragedii.
(Co ciekawe, w starożytnym Rzymie buty cothurni noszono wyłącznieaktorów portretujących bogów i cesarzy, aby odróżnić się od aktorów portretujących zwykłych ludzi.
A pod tym linkiem można przeczytać opracowanie, które dowodzi innego pochodzenia cothurni: „Kiedy grecki tragik otrzymał rolę boga, musiał rozwiązać dylemat:<...>jak poruszać się po scenie? Spuścić bogów z piedestałów na ziemię orkiestry, postawić ich na antycznej scenie „na tym samym poziomie” z człowiekiem? Grecki z VI-V wieku pne. mi. nie uważał, że można to zrobić z wizerunkami bogów. Był z nimi zbyt blisko związany więzami religii. Aktorowi pozostała tylko jedna droga: poruszać się po scenie wraz z cokołem, nie schodząc z niego. Aby to zrobić, cokół został przecięty na dwie połówki i każdą z nich przywiązano do nogi. W ten sposób wynaleziono coturni”.)
Jak widać, teatr dożył naszych czasów, zachowując podstawowe pojęcia. Wizyta w teatrze już za nami święto, a aktor i teraz gra na specjalnej stronie scena- zanim widzowie starając się pokazać całą gamę emocje jego postać.
Odeon Heroda Attyka i Sala Akustyczna Teatru Maryjskiego (Mariinsky-2 )
Starożytni greccy aktorzy i aktorzy spektaklu „Cipollino” („Teatr Taganka”)
Teatr jest wielkim cudem.Jak powiedziała jedna z bohaterek, Tove Jansson, „teatr jest najważniejszą rzeczą na świecie, bo pokazuje, kim każdy powinien być i o czym marzy, by być – jednak wielu nie ma na to odwagi – i czym są w życiu”.
Historia teatru to świat ludzkości
Teatr starożytnej Grecji
Geneza dramatu i teatru starożytnej Grecji.
Pojawienie się dramatu w Grecji poprzedził długi okres, w którym pierwsze miejsce zajmowała epopeja, a następnie liryka. Wszyscy znamy bogate heroiczne poematy epickie Iliady i Odysei, dydaktyczne (pouczające) poematy Hezjoda (VII wpne); Są to dzieła poetów lirycznych z VI wieku. PNE.
Narodziny dramatu i teatru greckiego wiążą się z rytualnymi zabawami, które były poświęcone patronom rolnictwa: Demeter, jej córce Kore i Dionizosowi. Z rytualnych zabaw i pieśni ku czci Dionizosa wyrosły trzy gatunki dramatu starożytnej Grecji: tragedia, komedia i komedia satyrska (nazwa pochodzi od chóru, który składał się z satyrów).
- Tragedia odzwierciedlała poważną stronę kultu dionizyjskiego.
- Komedia - karnawałowo-satyryczna.
- Dramat satyrowy został przedstawiony jako przeciętny gatunek. Wesoły żartobliwy charakter i szczęśliwe zakończenie zadecydowały o jego miejscu na święta ku czci Dionizosa: dramat satyrowy został wystawiony jako zwieńczenie przedstawienia tragedii.
Rola idei tragicznych w edukacji społeczno-politycznej i etycznej była ogromna. Już w drugiej połowie VI wieku pne. tragedia osiągnęła znaczący rozwój. Historia starożytna podaje, że pierwszym ateńskim poetą tragicznym był Tespis (VI wiek p.n.e.). Pierwsza inscenizacja jego tragedii (jej nazwa nie jest znana) miała miejsce wiosną 534 roku pne. w święto Wielkiego Dionizjusza. Ten rok jest uważany za rok narodzin teatru światowego.
W komedii, znacznie bardziej niż w tragedii, motywy światowe mieszały się z motywami mitologicznymi, które stopniowo stawały się dominujące lub wręcz jedyne, choć na ogół komedię nadal uważano za dedykowaną Dionizosowi. Sceny improwizowane były elementarną formą ludowego teatru farsowego i nazywano je mimami (w tłumaczeniu oznacza to „naśladownictwo”, „reprodukcję”; wykonawców tych scen nazywano też mimami). Bohaterami mimów były tradycyjne maski teatru ludowego: niedoszły wojownik, złodziej targowy, szarlatan naukowiec, prostak, który wszystkich oszukuje itp.
Teatr Aten.
Sztuka teatralna starożytnej Grecji osiągnęła swój szczyt w twórczości trzech wielkich tragików V wieku pne – Ajschylosa, Sofoklesa, Eurypidesa i komika Arystofanesa, którego działalność obejmuje początek IV wieku pne. PNE. W tym samym czasie pisali inni dramatopisarze, ale do naszych czasów zachowały się tylko niewielkie fragmenty ich dzieł, a czasem tylko nazwiska i skąpe informacje.
teatr hellenistyczny.
W epoce hellenizmu (VI-I wpne) teatr grecki okresu klasycznego przeszedł istotne zmiany zarówno w zakresie dramaturgii i gry aktorskiej, jak i architektury gmachu teatralnego. Zmiany te wiążą się z nowymi uwarunkowaniami historycznymi. W teatrze epoki hellenistycznej nadal wystawiane są komedie i tragedie. Ale z tragedii IV wieku. PNE. zachowały się tylko niewielkie fragmenty i najwyraźniej wartość artystyczna tragedii hellenistycznej nie była wielka. Do oceny komedii dostępnych jest znacznie więcej danych, ponieważ do naszych czasów dotarła tylko jedna sztuka i kilka fragmentów innych sztuk największego komika tamtych czasów, Menandera.
Komedia epoki hellenistycznej nazywana jest nową komedią na poddaszu (lub neo-poddaszu). Motyw miłości odgrywa w nowej komedii dużą rolę. Twórcy nowej komedii na poddaszu szeroko wykorzystali psychologiczną teorię ucznia Arystotelesa, Teofrasta, zgodnie z którą wszystkie cechy charakteru przejawiają się w wyglądzie człowieka i jego działaniach. Fizjonomiczne opisy Teofrasta niewątpliwie wpłynęły na projekt masek, które pomogły widzom rozpoznać tę lub inną postać. W nowej komedii zauważalny jest wpływ Eurypidesa. Bliskość życia wielu jego bohaterów, ujawnienie ich przeżyć emocjonalnych - oto, co nowa komedia wzięła od Eurypidesa.
Architektura starożytnego teatru greckiego.
Początkowo miejsce występów było zaaranżowane bardzo prosto: chór ze swoimi przyśpiewkami i tańcami wykonywał na okrągłej ubitej platformie-orkiestrze (od czasownika orheomai - „tańczę”), wokół której gromadziła się publiczność. Ale wraz ze wzrostem znaczenia sztuki teatralnej w życiu społecznym i kulturalnym Grecji, a dramat stał się bardziej złożony, pojawiły się ulepszenia. Pagórkowaty krajobraz Grecji skłonił do najbardziej racjonalnego rozmieszczenia sceny i miejsc dla widzów: orkiestrę zaczęto lokalizować u podnóża wzgórza, a widownię na zboczu.
Wszystkie teatry starożytnej Grecji były otwarte i mieściły ogromną liczbę widzów. Na przykład ateński teatr Dionizosa mógł pomieścić do 17 000 osób, teatr w Epidauros - do 10 000. w V wieku PNE. w Grecji rozwinął się stabilny typ struktury teatralnej, charakterystyczny dla całej epoki starożytności. Teatr miał trzy główne części: orkiestrę, theatron (miejsca dla widzów, od czasownika teaomai – „patrzę”) i skene (skene – „namiot”, później konstrukcja drewniana lub kamienna).
O wielkości teatru decydowała średnica orkiestry (od 11 do 30 m) Skene usytuowano stycznie do obwodu orkiestry. Ściana frontowa skene-proskenia, która miała zwykle wygląd kolumnady, przedstawiała fasadę świątyni lub pałacu. Do skene przylegały dwie boczne struktury, które nazwano paraskeniami. Paraskenii służyło jako miejsce przechowywania scenografii i innych teatralnych mienia. Pomiędzy skeną a siedzeniami dla widzów, które zajmowały nieco ponad połowę koła, znajdowały się alejki-parodie, przez które widzowie wchodzili do teatru przed rozpoczęciem przedstawienia, a następnie chór i aktorzy wchodzili do orkiestry. W teatrze epoki klasycznej uwaga widzów skupiała się na rozwoju akcji, na losach bohaterów, a nie na efektach zewnętrznych. Układ teatru greckiego zapewniał dobrą słyszalność. Ponadto w niektórych teatrach między siedzeniami widowni umieszczono naczynia rezonujące, aby wzmocnić dźwięk. W starożytnym teatrze greckim nie było kurtyny, choć możliwe, że w niektórych przedstawieniach niektóre części proscenium były czasowo zamknięte dla widzów.
teatr rzymski
Początki teatru rzymskiego.
Początki rzymskiego teatru i dramatu sięgają, podobnie jak w Grecji, rytualnych zabaw bogatych w elementy karnawałowe. Takie jest na przykład święto Saturnaliów ku czci włoskiego bóstwa Saturna. Osobliwością tego święta było „odwrócenie” zwykłych stosunków społecznych: panowie stali się na chwilę „niewolnikami”, a niewolnicy „panami”.
Jednym z początków rzymskiego teatru i dramatu były wiejskie dożynki. Nawet w odległych czasach, gdy Rzym był małą społecznością Lacjum, na wsiach obchodzono święta związane z końcem żniw. W te święta śpiewano wesołe, niegrzeczne piosenki-fescenniny. Podobnie jak w Grecji, występowały zwykle dwa półchóry, wymieniając dowcipy, czasem o zjadliwej treści.
Fescennini, wywodzący się z systemu plemiennego, istnieli także w kolejnych stuleciach i według Horacego odzwierciedlali w nich walkę społeczną między plebejuszami a patrycjuszami. Tak powstały saturas (w tłumaczeniu oznacza to „mieszaninę”). Saturas były dramatycznymi scenami o charakterze domowym i komicznym, które obejmowały dialog, śpiew, muzykę i taniec.
Innym typem spektakli dramatycznych o charakterze komicznym byli Atellani, zapożyczeni od innych plemion zamieszkujących Półwysep Apeniński, z którymi Rzym toczył nieustanne wojny. Młodzież zainteresowała się tymi zabawami i zaczęła je urządzać na wakacjach. W atellanie były cztery powtarzające się postacie z komiksów: Mack, Bukkon, Papp i Dossen. Atellanowie nie mieli solidnego tekstu, więc ich wykonanie otwierało szerokie pole do improwizacji. Pantomima sięga także do dramatu ludowego. Podobnie jak w Grecji, mim odtwarzał sceny z życia ludowego, a czasem parodiował mity, dedukując bogów i bohaterów w błazeńskiej formie. Tak więc w Rzymie odbywały się w przybliżeniu takie same gry rytualne, jak w starożytnej Grecji. Ale rozwój teatru ludowego nie wyszedł poza słabe początki dramatu. Wynika to z konserwatywnego sposobu życia Rzymian i silnego oporu księży. Dlatego w Rzymie nie rozwinęła się niezależna mitologia, która w Grecji służyła jako „gleba i arsenał” sztuki, w tym dramatu.
Teatr rzymski epoki republikańskiej.
Rzymianie przejęli dramat literacki w gotowej formie od Greków i przetłumaczyli go na łacinę, dostosowując do własnych koncepcji i upodobań. Po zwycięskim zakończeniu pierwszej wojny punickiej, na uroczystych igrzyskach 240 p.n.e. postanowiono urządzić widowisko dramatyczne. Produkcję powierzono Grekowi Liwiuszowi Andronikowi, będącemu w niewoli u senatora rzymskiego, który nadał mu łacińskie imię Liwiusz. Po uwolnieniu pozostał w Rzymie i zaczął uczyć greki i łaciny synów rzymskiej szlachty. Nauczyciel ten inscenizował także tragedię, a prawdopodobnie także komedię, którą przerobił z greckiego wzoru, a może po prostu przetłumaczył z greki na łacinę. Przedstawienie to dało pierwszy impuls do rozwoju teatru rzymskiego.
Od 235 pne dramaturg Gnaeus Neviy zaczyna wystawiać swoje sztuki. Młodszy rówieśnik Neviusa, Titus Maccius Plavt. Jego twórczość odnosi się do okresu, kiedy Rzym ze społeczności rolniczej przekształcił się w najsilniejsze państwo – najpierw Półwyspu Apenińskiego, a następnie całego basenu Morza Śródziemnego. Publiusz Terencjusz Afr, który podobnie jak Plaut uprawiał gatunek palliata, należał do kolejnego pokolenia dramaturgów. Terencjusza można nazwać prekursorem nowego dramatu europejskiego. Europejski teatr wielokrotnie zwracał się do jego twórczości. Wpływ jego komedii „Formion” i „Bracia” jest odczuwalny w twórczości Moliera.
Teatr rzymski epoki cesarskiej.
W I wieku pne upadła republika w Rzymie. Po zabójstwie Cezara i zwycięstwie nad Antoniuszem w 31 r. p.n.e. Cesarzem w Rzymie został Oktawian, który otrzymał później honorowy przydomek Augustus („Święty”). August doskonale zdawał sobie sprawę ze społecznego znaczenia teatru i w każdy możliwy sposób przyczyniał się do jego rozwoju. Przede wszystkim August chciał wskrzesić tragedię typu greckiego na scenie rzymskiej, widząc w niej środek do poprawy i wychowania moralnego swoich obywateli. Te aspiracje Augusta zostały poparte przez jednego z najwybitniejszych poetów rzymskich, Horacego, i znalazły odzwierciedlenie w jego Nauki o poezji. Jednak wszystkie wysiłki Augusta, by ożywić poważny gatunek na scenie rzymskiej, zakończyły się niepowodzeniem.
Z tragedii ery imperialnej nic do nas nie dotarło, z wyjątkiem tragedii filozofa Seneki. Lucjusz Annei Seneka był wychowawcą cesarza Nerona, swego czasu piastował pod nim najwyższe stanowiska w państwie, ale potem został oskarżony o spiskowanie przeciwko cesarzowi i na rozkaz Nerona popełnił samobójstwo otwierając sobie żyły. Seneka zaczął pisać tragedie w ostatnich latach życia, kiedy zmienił się stosunek Nerona do niego i został on zmuszony do ostrożniejszego wyrażania swoich poglądów na temat istniejącego porządku.
Organizacja spektakli teatralnych.
Przedstawienia odbywały się w Rzymie podczas różnych świąt państwowych. Przedstawienia grano na święcie patrycjuszy, igrzyskach rzymskich, odbywających się we wrześniu ku czci Jowisza, Junony i Minerwy; na Igrzyskach Apollo w lipcu. Do połowy I wieku w Rzymie nie było stałego budynku teatralnego. PNE.; jego budowie sprzeciwił się konserwatywny Senat. Na potrzeby przedstawienia na forum zwykle ustawiano drewniany podest o wysokości połowy człowieka. Na platformę sceniczną prowadziła wąska drabinka o 4-5 stopniach, po której aktorzy wspinali się na scenę.
W tragedii akcja rozgrywała się przed pałacem. W komediach scenografia prawie zawsze przedstawiała miejską ulicę z górującymi nad nią fasadami dwóch lub trzech domów, a akcja rozgrywała się przed domem. Publiczność siedziała na ławkach przed sceną. Ale czasami Senat zakazywał ustawiania miejsc w tych tymczasowych teatrach: zasiadanie na przedstawieniach było według Senatu oznaką zniewieściałości. Cała konstrukcja zbudowana na potrzeby gier teatralnych zawaliła się natychmiast po ich ukończeniu.
Wydarzeniem dla Rzymu było pojawienie się pierwszego stałego teatru zbudowanego z kamienia. Ten teatr został zbudowany w 55 pne. Gneema Pompejusza Wielkiego i pomieściło do 40 tysięcy osób. Pod koniec I wieku PNE. w Rzymie powstały jeszcze dwa kamienne teatry: teatr Balby i teatr Marcellusa. Z tego ostatniego do dziś zachowały się pozostałości muru zewnętrznego podzielonego na trzy kondygnacje, co odpowiada trzem kondygnacjom wewnętrznym.
Teatr średniowiecza
Dramat liturgiczny i półliturgiczny.
Dramat kościelny stał się jedną z form sztuki teatralnej wczesnego średniowiecza. Walcząc z pozostałościami antycznego teatru, z wiejskimi zabawami, Kościół starał się wykorzystać skuteczność propagandy teatralnej do własnych celów.
Już w IX wieku dokonano teatralizacji mszy, rozwinął się rytuał czytania epizodów z legend o życiu Chrystusa, o Jego pogrzebie i zmartwychwstaniu. Z tych dialogów rodzi się wczesny dramat liturgiczny. Były dwa cykle takiego dramatu – bożonarodzeniowy, opowiadający o narodzinach Chrystusa i wielkanocny, opowiadający o Jego zmartwychwstaniu. W bożonarodzeniowym dramacie liturgicznym krzyż umieszczano na środku świątyni, następnie owijano go czarnym suknem, co oznaczało pochówek ciała Pańskiego.
Z biegiem czasu dramat liturgiczny staje się bardziej złożony, kostiumy „aktorów” są zróżnicowane, powstają „instrukcje reżyserskie” z dokładnym wskazaniem próby i ruchów. Wszystko to dokonali sami księża. Organizatorzy przedstawień liturgicznych zgromadzili doświadczenie sceniczne i zaczęli umiejętnie pokazywać ludziom wniebowstąpienie Chrystusa i inne ewangeliczne cuda. Zbliżając się do życia i stosując efekty inscenizacyjne, dramat liturgiczny już nie przyciągał, ale odwracał uwagę parafian od nabożeństwa. Rozwój gatunku obfitował w samozniszczenie. Nie chcąc odmawiać usług teatru i nie mogąc sobie z tym poradzić, władze kościelne wyprowadzają dramat liturgiczny spod sklepień świątyń na kruchtę. Rodzi się dramat na wpół liturgiczny. A potem teatr kościelny, formalnie będący we władzy duchowieństwa, znalazł się pod wpływem miejskiego tłumu. Teraz już dyktuje mu swoje upodobania, zmuszając go do występów w dni jarmarków, a nie świąt kościelnych, do całkowitego przejścia na swój język ojczysty, zrozumiały dla tłumu. W trosce o powodzenie duchowni zaczęli wybierać tematy bardziej codzienne, a tematy biblijne podlegające codziennej interpretacji stały się materiałem na półliturgiczny dramat. Legendy biblijne z czasem poddawane są poetyckiej obróbce. Wprowadzane są również nowinki techniczne: ostatecznie ustala się zasadę jednoczesnej scenerii, gdy kilka scen akcji jest pokazywanych jednocześnie; liczba sztuczek wzrasta. Jednak pomimo tego dramat kościelny nadal utrzymywał ścisły związek z kościołem. Dramat wystawiany był na kruchcie, przy kościelnych funduszach, jego repertuar opracowywali duchowni (choć uczestnicy przedstawień wraz z księżmi i świeckimi). Tak więc, kapryśnie łącząc wzajemnie wykluczające się elementy, dramat kościelny istniał przez długi czas.
świecka dramaturgia.
Początek kierunku realistycznego
Pierwsze kiełki nowego nurtu realistycznego wiążą się z nazwiskiem trouveura (trubadura) Adama de La Halle (ok. 1238-1287) z francuskiego miasta Arras. De La Alle pasjonował się poezją, muzyką i teatrem. Mieszkał w Paryżu i we Włoszech (na dworze Karola Andegaweńskiego) i dał się dość powszechnie poznać jako poeta, muzyk i dramaturg.
W XIII wieku nurt komediowy został już zagłuszony przez teatr cudów, którego tematem były także wydarzenia życiowe, ale zwrócił się ku religii.
Cud.
Sama nazwa Miracle pochodzi od łacińskiego słowa oznaczającego „cud”. I rzeczywiście, wszystkie konflikty, czasami bardzo ostro odzwierciedlające życiowe sprzeczności, zostały rozwiązane w tym gatunku dzięki interwencji sił boskich - św. Mikołaja, Marii Panny itp. Sam czas - XIV wiek, pełen wojen, niepokojów ludowych i nieludzkich masakr - wyjaśnia rozwój tak kontrowersyjnego gatunku jak cud. To nie przypadek, że cud, który zwykle zaczynał się od donosicielskiego przedstawienia rzeczywistości, kończył się zawsze kompromisem, aktem skruchy i przebaczenia, co w praktyce oznaczało pogodzenie się z ukazanymi właśnie okrucieństwami, zakładał bowiem w każdym złoczyńcy możliwego sprawiedliwego człowiek. Odpowiadało to zarówno świadomości mieszczańskiej, jak i Kościołowi.
Tajemnica.
Okres rozkwitu teatru misterium to wiek XV-XVI, czas gwałtownego rozkwitu miast i zaostrzenia się społecznych sprzeczności. Miasto w dużej mierze przezwyciężyło feudalną zależność, ale nie znalazło się jeszcze pod rządami monarchy absolutnego. Tajemnica była wyrazem rozkwitu średniowiecznego miasta i jego kultury. Wyrosła ona z tzw. „tajemnic mimicznych” – miejskich procesji na cześć świąt religijnych, na cześć uroczystych odjazdów królów. Z tych uroczystości stopniowo powstawało misterium, wykorzystujące wczesne doświadczenia teatru średniowiecznego. Występy misteriów były organizowane nie przez kościół, ale przez warsztaty miejskie i gminy. Autorami były postacie nowego typu – naukowcy, teologowie, prawnicy, lekarze. Pomimo faktu, że spektakle były reżyserowane przez wyższą burżuazję miasta, misteria były masową amatorską sztuką plenerową. W przedstawieniach wzięło udział kilkaset osób.
Tajemnice przedstawiały stworzenie świata, bunt Lucyfera przeciwko Bogu, cuda biblijne. Misterium poszerzyło zakres tematyczny teatru średniowiecznego, zgromadziło ogromne doświadczenie sceniczne, które wykorzystywały kolejne gatunki średniowiecza. Wykonawcą misterium była ludność miejska. Poszczególne odcinki wielkiego spektaklu teatralnego wykonali przedstawiciele różnych warsztatów miejskich. Jednocześnie tajemnica pozwalała każdej profesji na jak najpełniejsze wyrażenie siebie. Misteria rozwinęły technikę teatralną, potwierdziły zamiłowanie do teatru wśród ludzi i przygotowały niektóre cechy dramatu renesansowego. Ale do 1548 roku towarzystwom misteryjnym, szczególnie rozpowszechnionym we Francji, zakazano pokazywania tajemnic: krytyczna linia komediowa teatru tajemnic stała się zbyt namacalna. Przyczyną śmierci jest również to, że nie otrzymała wsparcia od nowych, postępowych sił społecznych.
ruch reformatorski
Charakter antyfeudalny
Reformacja rozwinęła się w Europie w XVI wieku. Miała ona charakter antyfeudalny i przybrała formę walki z ideowym filarem feudalizmu, Kościołem katolickim.
Ruch reformatorski potwierdza zasadę „osobistej komunii z Bogiem”, zasadę cnót osobistych. W rękach bogatych mieszczan moralność staje się narzędziem walki zarówno z panami feudalnymi, jak i z biednymi masami miejskimi. Pragnienie uświęcenia burżuazyjnego światopoglądu rodzi teatr moralności.
Moralność.
Moralność uwolniła moralizatorstwo zarówno od wątków religijnych, jak i od codziennych rozrywek, a wyizolowawszy się, uzyskała jedność stylistyczną i większą orientację dydaktyczną.
Farsa.
Kwadratowa farsa stała się niezależnym gatunkiem teatralnym od drugiej połowy XV wieku. Jednak wcześniej przeszedł długą drogę w ukrytym rozwoju. Sama nazwa pochodzi od łacińskiego farta („nadzienie”). Rzeczywiście, organizatorzy misteriów często pisali: „Wstaw tu farsę”. Wesołe przedstawienia karnawałowe i występy ludowe rodzą „głupie korporacje” - stowarzyszenie drobnych urzędników sądowych, różnych bohemy miejskiej, uczniów, kleryków. W XV wieku społeczeństwa klaunów rozprzestrzeniły się po całej Europie. W Paryżu istniały cztery duże organizacje i regularnie odbywały się parady ich farsowych przedstawień. W tych paradach wyśmiewano przemówienia biskupów, słowne dysputy sędziów i wjazdy królów do miasta. W odpowiedzi na to władze świeckie i duchowe prześladowały farsów, wypędzały ich z miasta, wtrącały do więzień. Farsa z całą swoją treścią i plastyczną strukturą zostaje zwrócona ku rzeczywistości. Wyśmiewa grasujących żołnierzy, przebaczających mnichów, dumnych szlachciców, skąpych kupców. Wyraźnie zauważone i zarysowane cechy charakteru niosą ze sobą satyrycznie nakreślony materiał życiowy. Głównymi zasadami sztuki aktorskiej farsów była charakteryzacja, doprowadzona do karykatury parodii oraz dynamizm, wyrażający aktywność i radość samych wykonawców. Władza monarchiczna i kościelna coraz częściej atakowała wolnomyślicielstwo miejskie i jedną z jego form – teatr farsowy.
Farsa miała ogromny wpływ na dalszy rozwój teatru w Europie Zachodniej. We Włoszech commedia dell'arte narodziła się z farsy; w Hiszpanii – twórczość „ojca teatru hiszpańskiego” Lope de Rueda; w Anglii, zgodnie z typem farsy, przerywniki pisał John Heywood, w Niemczech Hans Sachs; we Francji tradycje farsowe karmiły sztukę genialnego Moliera i wielkiego Szekspira.
To farsa stała się ogniwem łączącym stary i nowy teatr.
Nowy teatr
Teatr (z greckiego theatron - miejsca na widowisko, widowisko). Ogólna koncepcja teatru dzieli się na rodzaje sztuki teatralnej: teatr dramatyczny, opera, balet, teatr pantomimy itp. Geneza tego terminu związana jest ze starożytnym greckim teatrem antycznym, gdzie tak nazywano miejsca na widowni. Jednak dziś znaczenie tego terminu jest niezwykle zróżnicowane.
Oświecenie oznaczało koniec przejścia do kultury nowoczesnej. Kształtował się nowy sposób życia i myślenia, co oznacza, że zmieniała się także samoświadomość artystyczna nowego typu kultury. Nazwa „Oświecenie” dobrze charakteryzuje ogólnego ducha tego nurtu w dziedzinie życia kulturalnego i duchowego, który zmierza do zastąpienia poglądów opartych na autorytetach religijnych czy politycznych na takie, które wynikają z wymagań ludzkiego umysłu.
18 wiek dała światowej kulturze tak wybitnych artystów i teoretyków sztuki teatralnej, jak Sheridan w Anglii, Voltaire, Diderot, Beaumarchais we Francji, Lessing, Goethe, Schiller w Niemczech, Goldoni we Włoszech. Dominacja rozumu doprowadziła do tego, że sztuka Oświecenia cierpiała na racjonalności, racjonalna analiza życia wymagała uporządkowanych form.
Jednak oświeceni, którzy ideał człowieka widzieli w harmonijnej osobowości, nie mogli lekceważyć wymagań uczuć, jeśli chodzi o sztukę. Teatr oświecenia znakomicie wyrażał zarówno treścią, jak i metodą nowy, adekwatny do epoki światopogląd.
Teatr w epoce oświecenia w Anglii.
Publiczność teatrów XVIII wieku stała się znacznie bardziej demokratyczna. W parterach ustawiono proste ławki dla mieszczan. Raek był pełen służących, studentów i drobnych rzemieślników. Podczas występów publiczność była bardzo aktywna, żywiołowo reagując na to, co pokazywano na scenie.
Tak więc w Anglii teatr oświecenia krytykował wady rodzącego się systemu burżuazyjnego. Pojawiła się nowa ideologiczna doktryna teatru: publiczna i moralna edukacja widzów. Doktryna ta doskonale wpisywała się w purytańskie tradycje Anglii – w przyszłości purytanie złagodzili swoje stanowisko w stosunku do sztuki teatralnej i walczyli już nie z teatrem jako takim, ale o jego reformę: wykorzenienie niemoralności i przekształcenie teatr w instytucję społecznie użyteczną.
Programowym dokumentem reformacji teatru stał się traktat purytańskiego teologa Jeremy'ego Colliera przeciwko teatrowi arystokratycznemu A Brief Review of the Immorality and Immorality of the English Stage (1698). Traktat ten zdeterminował akcentowany moralizatorstwo i dydaktyzm teatru angielskiego przez prawie cały wiek XVIII. W tym duchu dzieła takich dramaturgów jak Joseph Addison (Cato, perkusista), Richard Steele (Kłamca, czyli przyjaźń kobiety; Beztroski mąż), Samuel Johnson (Irene), Collie Cibber (Beztroski mąż; Ostatnia stawka Żona; Zirytowany mąż) rozwinęła się w tym duchu. ).
W 1731 roku dramaturg George Lillo w przedmowie do swojej sztuki The Merchant of London, czyli The History of George Barnwell opublikował manifest nowego programu estetycznego, realistycznej teorii dramatu burżuazyjnego. Sprzeciwia się klasowym ograniczeniom tragedii, która wprowadziła w swoich bohaterów tylko wysokiej rangi osobistości. Nie ukrywając swojej niechęci do arystokracji, domaga się, aby tragedia stała się dyrygentem idei moralnych burżuazji. Dziesięć lat wcześniej, w 1721 roku, ukazała się w Anglii anonimowa sztuka Fatal Madness, napisana na jeden z ulubionych tematów drobnomieszczańskiego dramatu — katastrofalne skutki hazardu. Wtedy sztuka pozostała praktycznie niezauważona - czas na nowy gatunek jeszcze nie nadszedł. Ale teraz burżuazyjne problemy stały się bardzo pożądane wśród publiczności.
Tendencje satyryczne w dramaturgii z powodzeniem rozwinął Henry Fielding („Don Kichot w Anglii”; „Opera Grubstreeta, czyli w bucie żony”; „Kalendarz historyczny na rok 1736”). Ostrość satyrycznego donosu doprowadziła w 1737 r. do ogłoszenia rządowej ustawy o cenzurze teatralnej, która położyła kres satyrze politycznej. Uwaga dramaturgów-pedagogów skupiła się na komedii obyczajowej, która umożliwiła przynajmniej satyrę społeczną. Najciekawsze dzieła komedii obyczajowej tego okresu należą do pióra Olivera Goldsmitha (Dobry równy; Noc błędów) i Richarda Sheridana (Rywale; Szkoła skandalu).
Najlepszym przedstawicielem angielskiej sztuki artystycznej był słynny David Garrick (1717-1779), humanista i pedagog na scenie. Z powodzeniem promował dramaturgię Szekspira, grając role Hamleta, Leara i innych.
Koniec XVIII wieku naznaczony w Anglii pojawieniem się nowego gatunku – tragedii „koszmarów i okropności”, która była prekursorem nowego nurtu estetycznego – romantyzmu. Twórcą tego gatunku był Horace Walpole. Chociaż ma tylko jedną sztukę - „Tajemniczą matkę” (1768), która przedstawia historię kazirodczej namiętności, pisarz wywarł wielki wpływ na dramaturgię przedromantyczną i romantyczną.
Teatr francuski XVIII wieku.
Proces demokratyzacji społeczeństwa w epoce oświecenia dał początek nowemu gatunkowi dramatycznemu – dramatowi drobnomieszczańskiemu, którego twórcami we Francji byli D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier.
Wady drobnomieszczańskiego dramatu i „łzawej komedii” zostały przezwyciężone w komediach P. O. Beaumarchais „Cyrulik sewilski” (1775) i „Wesele Figara” (1784), w których tradycje Moliera ożyły wraz z odnowiony wigor i najlepsze cechy estetyki oświecenia zostały ucieleśnione.
Heroiczne i obywatelskie aspiracje dramaturgii wychowawczej ujawniły się z największą siłą w okresie francuskiej rewolucji burżuazyjnej końca XVIII wieku. Tragedie M. J. Cheniera, nasycone antyfeudalnym patosem („Karol IX”, 1789, „Henryk VIII”, 1791, „Jean Calas”, 1791, „Kai Gracchus”, 1792), były przykładami dramaturgii rewolucyjnego klasycyzmu .
We Francji filozof-edukator Voltaire, podejmując w swojej dramaturgii palące problemy społeczne i potępiając despotyzm, kontynuował rozwój gatunku tragedii.
Jednocześnie na scenie francuskiej utrzymana została tradycja komediowo-satyryczna. Tak więc Lesage (1668-1747) w komedii „Turcare” skrytykował nie tylko rozkładającą się szlachtę, ale także lichwiarską burżuazję. Dążył do tworzenia komedii dla masowego teatru ludowego.
Inny pedagog i dramaturg, Denis Diderot (1713-1784), bronił na scenie prawdy i naturalności. Oprócz wielu sztuk („Zły syn”, „Ojciec rodziny” itp.) Diderot napisał traktat „Paradoks aktora”, w którym rozwinął teorię aktorstwa.
W inscenizacjach pouczających tragedii Woltera do głosu doszli aktorzy nowego typu, zdolni do oddania obywatelskiego patosu o tematyce heroicznej i oskarżycielskiej.
Duże miejsce w rozwoju teatru oświecenia we Francji zajmowały teatry jarmarczne i bulwarowe. Gatunkiem teatru jarmarkowego była pantomima, farsy, moralitet, fastachtshpils, których przedstawienia opierały się na sztuce improwizacji. Były to często przedstawienia satyryczne, z elementami groteski i błazenady, przepełnione niegrzecznym humorem. Na jarmarkach występowali także linoskoczkowie, żonglerzy i tresowane zwierzęta, pierwowzory cyrkowych aktorów. Szeroko wykorzystywali parodię i satyrę. Demokratyczny charakter tej sztuki prowokował ataki na nią teatrów uprzywilejowanych.
Powstanie teatru niemieckiego.
Najwybitniejszy niemiecki pisarz-pedagog Gotthold-Ephraim Lessing (1729-1781) był prawdziwym twórcą niemieckiego teatru narodowego. Stworzył pierwszą niemiecką komedię narodową „Minna von Barnholm”, antyfeudalną tragedię „Emilia Galotti” i szereg innych dzieł dramatycznych. W tragedii edukacyjnej Natan Mądry autor wypowiadał się przeciwko fanatyzmowi religijnemu.
W słynnej książce „Hamburska dramaturgia” Lessing przedstawił swoje poglądy na temat estetyki i teorii dramatu. G. E. Lessing to twórca dramatu społecznego, komedii narodowej i tragedii edukacyjnej, teoretyk teatru, twórca nurtu realistycznego w teatrze niemieckim XVIII wieku.
Idee oświeceniowe wywarły ogromny wpływ na niemieckie aktorstwo, zbliżając je do realizmu. Najwybitniejszym aktorem w Niemczech w tych latach był Friedrich Ludwig Schroeder (1744-1816), kojarzony z ideami „burzy i stresu”. w latach 70. 18 wiek w sztuce niemieckiej powstał nowy nurt pod nazwą „burze i nawałnice”.
Odzwierciedlał ruch najbardziej postępowych, rewolucyjnie nastawionych kręgów burżuazji, które walczyły z feudalizmem i absolutyzmem. W nurcie tym uczestniczyli najwięksi niemieccy poeci i dramatopisarze Goethe i Schiller. W 1777 roku otwarto Teatr Narodowy w Mannheim, który stał się jednym z największych niemieckich teatrów lat 80. i 90. XX wieku. W XVIII wieku rozwijała się w nim działalność aktora, reżysera i dramatopisarza A. V. Ifflanda. Zasadził na mannheimskiej scenie dramat mieszczańsko-filistyński (sztuki własne, a także dramaty A. Kotzebuego), który zdeterminował twórcze oblicze teatru.
Pod koniec XVIIIw. rozwój teatru niemieckiego związany jest z działalnością wielkich dramaturgów niemieckich J. W. Goethego i F. Schillera w teatrze weimarskim. Tutaj, po raz pierwszy w Niemczech, wystawiono największe dzieła światowego dramatu klasycznego (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire i inni), położono podwaliny sztuki reżyserskiej, zasadę zespołu aktorskiego podporządkowanego jednemu artystycznemu koncepcja została zrealizowana.
Goethe w swoim programie teoretycznym i praktyce artystycznej afirmował zasady tworzenia teatru monumentalnego, spełniającego surowe normy sztuki antycznej. „Weimarska szkoła” aktorska była przeciwieństwem szkoły mannheimskiej i zbliżała się do klasycystycznej.
teatr włoski.
Mimo zacofania gospodarczego i politycznego Włochy wyróżniały się bogactwem i różnorodnością życia teatralnego. Do XVIII wieku Włochy posiadały najlepszy teatr muzyczny na świecie, w którym wyróżniano dwa typy - poważną operę i operę komiczną (opera buff). Był teatr lalek, wszędzie wystawiano komedie dell'arte.
Reforma teatru dramatycznego szykuje się jednak od dawna. W epoce oświecenia improwizowana komedia nie spełniała już wymagań czasu. Potrzebny był nowy, poważny, literacki teatr. Komedia masek nie mogła istnieć w dawnej formie, ale jej dorobek musiał zostać zachowany i starannie przeniesiony do nowego teatru.
Przenikaniu idei Oświecenia do teatru włoskiego towarzyszyła długa walka z formalizmem i brakiem idei na scenie teatralnej. Innowatorem we Włoszech był wybitny dramaturg Carlo Goldoni (1707-1793). Stworzył nową komedię postaci. Zamiast improwizacji spektakl oparto na tekście literackim.
Druga połowa XVIII wieku zapisała się w historii Włoch jako czas wojen teatralnych. Przeciwstawił mu się ksiądz Chiari, dramaturg mierny i przez to niegroźny, ale jego głównym przeciwnikiem, równym mu talentem, był Carlo Gozzi. Gozzi stanął w obronie teatru masek, stawiając sobie za zadanie wskrzeszenie tradycji improwizowanej komedii. I w pewnym momencie wydawało się, że mu się to udało. I choć Goldoni zostawiał w swoich komediach miejsce na improwizację, a sam Gozzi ostatecznie nagrał prawie wszystkie swoje dramaty, to ich spór był okrutny i bezkompromisowy. Ponieważ głównym nerwem konfrontacji dwóch wielkich Wenecjan jest niezgodność ich pozycji społecznych, odmiennych poglądów na świat i człowieka.
Carlo Gozzi (1720-1806) był utalentowanym dramaturgiem. Starając się własnym repertuarem przeciwstawić komediom Goldoniego, Gozzi rozwinął gatunek baśni teatralnej. Są to jego sztuki „Miłość do trzech pomarańczy”, „Król jeleni”, słynna „Księżniczka Turandot”, „Kobieta węża” i inne. Dzięki bogatej ironii i soczystemu humorowi utalentowane sceniczne opowieści Gozziego do dziś cieszą się powodzeniem.
Największym autorem tragedii był Vittorio Alfieri. Z jego nazwiskiem wiąże się narodziny włoskiej tragedii repertuarowej. Niemal w pojedynkę stworzył tragedię o treści cywilnej. Zapalony patriota, który marzył o wyzwoleniu ojczyzny, Alfieri sprzeciwiał się tyranii. Wszystkie jego tragedie przesiąknięte są heroicznym patosem walki o wolność.
Alfieri przekonywał, że lud powinien otrzymać wolność z rąk arystokracji, głosił wolność osoby ludzkiej, której wola podlega jedynie rozumowi i poczuciu obowiązku. W traktacie „O władcy i literaturze” (1778-86) Alfieri określił zadanie poezji dramatycznej jako rozbudzenie poczucia cnoty i miłości do wolności. Tragedie Alfieriego „Saul”, „Filip”, „Virginia”, „Brutus I” i „Brutus II” przyczyniły się do rozwoju teatru włoskiego.
Duński teatr oświecenia.
Teatr zawodowy w Danii powstał w XVIII wieku, jego powstanie spowodowane było rozwojem gospodarczym i kulturalnym kraju. 23 września 1722 r. Teatr „Duńska scena” został otwarty w Kopenhadze sztuką „Skąpiec”, wkrótce miała miejsce premiera pierwszej komedii L. Holberga „Blaszany drwal-polityk”.
W 1728 r. przedstawiciele środowisk dworskich doprowadzili do zamknięcia Sceny Duńskiej. Teatr wznowił działalność dopiero w 1748 r. (w sali na Placu Królewskim). W 1770 otrzymał tytuł królewski i przeszedł pod jurysdykcję Ministerstwa Dworu. W drugiej połowie XVIIIw. teatr wystawiał singspiel, komedie J. Ewalda, tragedie Woltera i jego duńskich epigonów, ale dramaturgia Holberga nadal stanowiła podstawę repertuaru teatru.
Wybitną rolę w propagowaniu idei oświecenia w Danii odegrała twórczość J. X. Wessela, autora tragedii parodii Miłość bez pończoch (1772), kontynuującego tradycje Holberga.
Teatr Oświecenia jest jednym z najbardziej uderzających i znaczących zjawisk w dziejach całej kultury światowej; jest potężnym źródłem europejskiej sztuki teatralnej – na zawsze. Nowy teatr zrodził się z potrzeby wlania młodej energii w działanie. A jeśli zadasz sobie pytanie, w jakiej dziedzinie sztuki ta akcja powinna się wylać, to jest morze zabawy, to odpowiedź jest jasna: oczywiście w sferze teatru.
W XVIII wieku teatr europejski żył długim i złożonym życiem. Normy estetyczne, które uważano za absolutne, straciły w tym czasie swoje dawne znaczenie. Od wieku ścierają się opinie i gusta, a audytoria niejednokrotnie zamieniały się w arenę społecznych starć. Autorzy wcielili się w rolę przeciwników politycznych, którzy po raz pierwszy przekonali się, że zacięta walka może istnieć także w ich sztuce.
Teatr jako forma sztuki nie zachował się w takich materialnych zabytkach jak malarstwo i rzeźba, jak dzieła literackie i muzyczne. Ale historia teatru mówi o wielkich aktorach z przeszłości, o tym, jak grali, jakie aspiracje współczesnych sobie ucieleśniali w swoim występie, na jakie wymagania czasu odpowiadali.
Życie teatralne Rosji w XIX wieku.
Na początku XIX wieku rozwinęła się sieć rosyjskich teatrów cesarskich, którymi kierowali m.in
„Ministerstwo Dworu Jego Cesarskiej Mości” . Dwór miał trzy teatry w Petersburgu - Aleksandryński, Maryjski i Michajłowski - oraz dwa w Moskwie - Bolszoj i Mały.
Wraz z pojawieniem się sztuk A.N. Ostrowski, I.S. Turgieniew, proza F.M. Poezja Dostojewskiego realizmu Niekrasowa przybyła do kultury rosyjskiej.
Aktorstwo zmieniało się wraz z dramaturgią, przełamując stare wyobrażenia o tym, czym jest prawda na scenie. 16 listopada 1859 r. Był dniem premiery w Teatrze Małym sztuki „Burza” Ostrowskiego. Wokół spektaklu rozpętała się burza. Pierwszym wykonawcą roli Kateriny była piękna aktorka L.P. Nikulina - Kosickaja. Ze sztukami Ostrowskiego na scenę wdarł się element rosyjskiego życia, nowy, soczysty i nowoczesny język. W sztukach Ostrowskiego aktorzy Maly świecili przez wszystkie kolejne dziesięciolecia. GN Fiedotowa, M.N. Yermolova to wspaniałe aktorki Teatru Małego.
Artyści rosyjscy pierwszej połowy XIX wieku M.S. Szczepkin, P.S. Mochałow, V.A. Karatygin pozostał w pamięci potomnych jako postacie z legendy. Shchepkin zagrał prawie 600 ról w sztukach Szekspira, Moliera, Gogola, Ostrowskiego i Turgieniewa. Jako jeden z pierwszych ustanowił realizm w rosyjskim teatrze, na rosyjskiej scenie stworzył prawdę.
Mochalov jest dokładnym przeciwieństwem Shchepkina. Zagrał główne role w sztukach dramatu rosyjskiego i zachodniego - Hamlet Szekspira, Karl Moor w dramacie Schillera Zbójcy, Chatsky w Woe from Wit.
W produkcjach teatralnych rosyjscy aktorzy tworzyli obrazy, które przeszły do historii sztuki teatralnej. Publiczność podziwiała Ekaterinę Siemionową, Aleksieja Jakowlewa. Ci aktorzy całkowicie zreinkarnowali się w reprezentowanej osobie. Stopniowo Teatr Mały zaczął specjalizować się w produkcjach dramatycznych, a Bolszoj w operze i balecie.
Teatr Bolszoj Pietrowski 1825-1853
Otwarcie Teatru Bolszoj Pietrowski 6 stycznia 1825 r. Było bardzo uroczyście zaaranżowane. Widzowie, którzy tego wieczoru odwiedzili nowy teatr, byli zszokowani szlachetnością projektu architektonicznego i jego ucieleśnieniem, niespotykaną dotąd skalą budynku i pięknem dekoracji widowni.
Pisarz Siergiej Aksakow wspominał: „Teatr Bolszoj Pietrowski, który powstał ze starych, spalonych ruin… zadziwił mnie i zachwycił… Wspaniały ogromny budynek, poświęcony wyłącznie mojej ulubionej sztuce, już sam jego wygląd doprowadził mnie do radosnego podniecenia ... "
Przed rozpoczęciem spektaklu publiczność wezwała na scenę budowniczego teatru Osip Bove i nagrodziła go brawami.
W pochmurny, mroźny poranek 11 marca 1853 roku z nieznanej przyczyny wybuchł pożar w teatrze. Płomień natychmiast objął cały budynek, ale z największą siłą ogień szalał na scenie i na widowni. „To było straszne patrzeć na tego olbrzyma w ogniu” - opisał ogień naoczny świadek. „Kiedy płonął, wydawało nam się, że na naszych oczach umiera bliska nam osoba, obdarzając nas najpiękniejszymi myślami i uczuciami. ..”
Moskale walczyli z płomieniami przez dwa dni, a trzeciego dnia budynek teatru przypominał ruiny rzymskiego Koloseum. Pozostałości budynku tliły się przez około tydzień. W pożarze bezpowrotnie zginęły gromadzone od końca XVIII wieku kostiumy teatralne, znakomita scenografia, archiwum trupy, część biblioteki muzycznej oraz rzadkie instrumenty muzyczne.
Projekt nowego gmachu teatru, sporządzony przez profesora A. Michajłowa, został zatwierdzony przez cesarza Aleksandra I w 1821 r., a jego budowę powierzono architektowi Osipowi Bove.
Jeden z największych teatrów w Europie powstał na miejscu spalonego gmachu teatralnego, ale fasadą zwrócono się w stronę Placu Teatralnego...
Teatr Bolszoj (1856-1917)
20 sierpnia 1856 roku odrestaurowany Teatr Bolszoj został otwarty w obecności rodziny królewskiej i przedstawicieli wszystkich państw operą V. Belliniego „Puritani” w wykonaniu włoskiej trupy. Balet moskiewski tego okresu zawdzięcza swój sukces talentowi osiadłego w Petersburgu Francuza Mariusa Petipy. Choreograf wielokrotnie przyjeżdżał do Moskwy, aby wystawiać przedstawienia. Najważniejszym z jego moskiewskich dzieł był „Don Kichot” L. Minkusa, pokazany po raz pierwszy w 1869 roku. Następnie Petipa przeniósł moskiewską edycję tego baletu na scenę w Petersburgu.
Ogromne znaczenie dla rozwoju kultury scenicznej miała twórczość P. Czajkowskiego. Debiuty kompozytora w muzyce operowej – „Wojewoda” (1869) i balecie – „Jezioro łabędzie” (1877) miały miejsce na deskach Teatru Bolszoj. Tu naprawdę narodziła się opera Eugeniusz Oniegin (1881), pierwsza próba na dużej scenie po inscenizacji Konserwatorium w 1879; opera Mazepa (1884), jedno ze szczytów opery kompozytora, po raz pierwszy ujrzała światło dzienne; ostateczna wersja opery The Blacksmith Vakula, która w wykonaniu 1887 otrzymała nową nazwę Cherevichki.
Pamiętnym przedstawieniem w annałach teatru było prawykonanie 16 grudnia 1888 r. Ludowego dramatu I. Musorgskiego „Borys Godunow”. Pierwszą operą N. Rimskiego-Korsakowa była Snow Maiden (1893), a następnie Noc przed Bożym Narodzeniem (1898). W tym samym 1898 roku teatr po raz pierwszy pokazał publiczności operę „Książę Igor” A. Borodina, a dwa lata później miłośnicy sztuki choreograficznej zapoznali się z baletem „Raymonda” A. Głazunowa.
Zespół operowy teatru przełomu XIX i XX wieku obejmuje wielu wybitnych śpiewaków. Wśród chwalebnych nazwisk minionych lat są Evlalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadieżda Salina, Iwan Gryzunow, Margarita Gunova, Wasilij Pietrow i inni.W tych latach na scenie teatralnej pojawili się śpiewacy, których nazwiska wkrótce stały się szeroko znane nie tylko w Rosja, ale i za granicą - Leonid Sobinov, Fedor Chaliapin, Antonina Nezhdanova.
Działalność w teatrze Siergieja Rachmaninowa była owocna, za pulpitem dyrygenta deklarował się jako genialny muzyk. Rachmaninow poprawił jakość dźwięku rosyjskiej klasyki operowej w teatrze. Nawiasem mówiąc, nazwisko Rachmaninowa wiąże się z przeniesieniem konsoli dyrygenta w miejsce, w którym jest teraz, zanim dyrygent stał za orkiestrą, twarzą do sceny.
W 1899 roku w Teatrze Bolszoj odbyła się premiera Śpiącej królewny. Wystawienie tego baletu, które ustanowiło wspólnotę muzyki i tańca w rosyjskim teatrze baletowym, było początkiem długiej i szczęśliwej pracy w Moskwie choreografa, librecisty i nauczyciela Aleksandra Gorskiego. Współpracowała z nim duża grupa utalentowanych artystów - Ekaterina Geltser, Vera Karalli, Sofya Fedorova, Alexandra Balashova, Wasilij Tichomirow, Michaił Mordkin, dyrygent i kompozytor Andrei Arende i inni. Za zaprojektowanie nowej produkcji baletu Don Kichot ( 1900), Gorsky po raz pierwszy zaprosił młodych artystów Konstantina Korowina i Aleksandra Golovina, przyszłych wielkich mistrzów malarstwa teatralnego.
1911 W konkursie na projekt renowacji gmachu teatru zwyciężył projekt Alberta Kavosa.
Kavos, zachowując układ i kubaturę budynku Beauvais, zwiększył wysokość, zmienił proporcje i przeprojektował wystrój architektoniczny. W szczególności po bokach budynku zbudowano smukłe żeliwne empory z lampami. Współcześni zwracali uwagę na wygląd tej kolumnady, szczególnie pięknej wieczorami, gdy patrzy się na nią z daleka, a rząd płonących lamp zdaje się być diamentową nitką biegnącą wzdłuż teatru.
W pożarze spłonęła alabastrowa grupa Apolla, która zdobiła Teatr Beauvais. Do stworzenia nowego Cavosa zaprosił słynnego rosyjskiego rzeźbiarza Piotra Klodta (1805-1867), autora słynnych czterech grup jeździeckich na moście Aniczkowa na rzece Fontance w Petersburgu.
Klodt wraz z Apollo stworzył słynną obecnie na całym świecie grupę rzeźbiarską. Został odlany w fabrykach księcia Lichtenbergu ze stopu metali, pokryty galwanicznie czerwoną miedzią.
Podczas przebudowy widowni Kavos zmienił kształt sali, zwężając ją do sceny, pogłębiając fosę orkiestrową. Za siedziskami parteru, gdzie kiedyś znajdowała się galeria, urządził amfiteatr. Wymiary widowni stały się: prawie równa głębokość i szerokość - około 30 metrów, wysokość - około 20 metrów. Widownia zaczęła pomieścić ponad 2000 widzów.
W tej formie Teatr Bolszoj przetrwał do dziś, z wyjątkiem drobnych przebudów wewnętrznych i zewnętrznych.
Teatr jest cudem ludzkiego świata.
Dla każdego współczesnego człowieka teatry stały się integralną częścią planowanego kulturalnego wypoczynku. A wielu interesuje historia powstania teatru, bo był okres, kiedy teatrów nie było? Trudno sobie przypomnieć, kiedy to było, ponieważ pierwsze teatry pojawiały się w prymitywnych społecznościach.
W tamtych odległych czasach ludzie wciąż nie rozumieli, dlaczego padał deszcz, dlaczego nagle zrobiło się zimniej i jak byli winni przed Wszechmogącym, że zesłał śnieg lub ulewny deszcz. Aby nic im nie groziło, przed każdym ważnym wydarzeniem starali się urządzić teatralną ceremonię. Informacje o takich wydarzeniach dały nam możliwość zrozumienia, jak powstał teatr i dlaczego poświęcono mu tyle uwagi.
Od prymitywnego do nowoczesnego
Prymitywny teatr oczywiście nie przypominał współczesnych przedstawień. Nie było tu mowy o profesjonalizmie czy talencie – ludzie starali się uatrakcyjnić wydarzenia tak, jak im się podobało, wkładając w każde wydarzenie całą swoją duszę i wszystkie swoje doświadczenia. Szczerze wierzyli, że im bardziej emocjonalnie okażą swoje oddanie, tym lepsze będą np. żniwa. Temu wszystkiemu towarzyszyła improwizowana muzyka i piosenki.
Później, gdzieś w trzecim tysiącleciu pne. w Egipcie odbywały się już bardziej zorganizowane skecze teatralne o mecenasach rzemieślników i rolników. Grecja stała się kolebką przedstawień karnawałowych, które organizowano głównie pod gołym niebem. Popularne były tu teatry ludowe. Aktorzy prawie zawsze musieli nosić maski.
Renesans - w tym okresie wystawiano głównie przedstawienia komediowe. Odbywały się one na placach miejskich, a na widowisko gromadziło się wielu ludzi.
Gdzieś pod koniec XVI w. - na początku XVII wieku świat rozpoznał operę, a dopiero później, do połowy XVIII wieku pojawił się balet, pierwsze operetki pojawiły się dopiero w połowie XIX wieku.
Produkcje minionych lat dzisiaj
Mówiąc o teatrze XVIII i XIX wieku, mówimy już o przedstawieniach i przedstawieniach, w których brali udział utalentowani aktorzy. Były inscenizowane, a same teatry radykalnie różniły się od prymitywnych i renesansowych. Tak więc od końca XIX wieku przybyła do nas wspaniała produkcja baletu Dziadek do orzechów. A w tamtych czasach i teraz nie były dostępne dla wszystkich. Wynika to oczywiście z dużej i stale rosnącej popularności produkcji. O ile wcześniej tylko elity, szlachetnie urodzone damy i dżentelmeni mogli sobie pozwolić na taki luksus jak teatr, to dziś są one dostępne dla każdego. Pomimo szumu wokół biletów, ludzie nadal znajdują alternatywne sposoby zakupu biletów. Możesz więc na przykład zamówić je na naszej stronie internetowej. Uchroni Cię to przed kolejkami i nieprzewidzianymi nieprzyjemnymi sytuacjami.
Dziś teatr przybrał inny wygląd. Stał się symbolem i dumą każdego kraju. Zespoły architektoniczne, dekoracyjne projekty i przestronne sale, portrety znanych poetów, reżyserów i twórców teatralnych z reguły zawsze zdobią salę. Na współczesnej scenie często oglądamy spektakle, które po raz pierwszy wystawiano za czasów carskich. Tak, przeszły pewne poprawki, być może do niektórych wprowadzono bardziej realne wydarzenia, a gdzieś dyrektorzy artystyczni postanowili dodać akompaniament muzyczny, łącząc operę z baletem. Niemniej jednak to wciąż potwierdza, że \u200b\u200bteatr istniał zawsze w przeszłości, aw przyszłości przyciągnie uwagę publiczności, nawet jeśli na scenie zostanie zaprezentowany spektakl z ubiegłego wieku - to nasza historia i dla wielu jest ważnym elementem kształtowania się kultury i tradycji.
