Jeśli zapytasz historyków sztuki, krytyków i kulturoznawców „kto jest najlepszym artystą?”, można znaleźć dziesiątki różnych odpowiedzi. Wynika to z faktu, że nie ma jednej normy, według której można zmierzyć wartość artysty lub rzeźby. Sztuka jest zbyt subiektywna na takie oceny. Ponadto reputacja i postawa malarza mogą się różnić w zależności od aktualnej mody. Czasami wnoszą wkład krytycy. Na przykład recenzja Johna Ruskina o Annibal Carracci wywarła ogromny wpływ na reputację szkoły bolońskiej. Dlatego nie można z całą pewnością powiedzieć, kto nadal jest najlepszym artystą na świecie. Jednakże..
Drogie niekoniecznie jest najlepsze
Ceny na słynnych aukcjach dają pewne wyobrażenie o najcenniejszych dziełach sztuki i stylach, ale zdecydowana większość arcydzieł znajduje się w muzeach i galeriach publicznych. Na przykład Mona Lisa, autorstwa genialnego Leonarda, jest częścią stałej kolekcji Luwru (Paryż). Jego wartość szacowana jest na 1 miliard dolarów, ale nigdy nie zostanie sprzedany na aukcji. To samo dotyczy innych arcydzieł dawnych mistrzów, takich jak Jan van Eyck, Tycjan, Rubens, Velasquez, El Greco, Rembrandt, Jan Vermeer, Goya, a także malarzy późniejszych, jak William Turner, Monet, Renoir, Van Gogha, Pollocka, Dali i innych.
Obraz Gauguina sprzedany za rekordową kwotę 300 milionów dolarów
Arcydzieła, których muzea nie są w stanie wystawić, często znajdują się w budynkach użyteczności publicznej. Najbardziej uderzającym przykładem są freski florenckiego geniusza Michała Anioła w Kaplicy Sykstyńskiej. Zwrotki Rafaela również doskonale ilustrują to stwierdzenie.
Wniosek: ceny rynkowe na międzynarodowych parkietach nie są sprawiedliwym wskaźnikiem oceny obrazów.
Kryteria dla najlepszego artysty
Teoretycznie można by sporządzić listę kryteriów, aby spróbować stworzyć konkretną listę najlepszych malarzy czy rzeźbiarzy. Na przykład możesz użyć następujących czynników jako podstawowej wytycznej.
- Cena £. Powyżej obalone jest znaczenie ceny sztuki.
- Wytrzymałość i trwałość. Stopień jakości i solidności powstałego dzieła ma miejsce przy porównaniu prac, ale to nie pomoże odpowiedzieć na główne pytanie, ponieważ w tym przypadku większość współczesnych artystów nie będzie mogła wziąć udziału w swoistym konkursie o godz. wszystko.
- Wpływ na współczesnych. Wydaje się, że współcześni powinni umieć ocenić znaczenie artysty czy rzeźbiarza, ale tak nie jest. Niestety wielu wielkich mistrzów zmarło niezrozumiale i biednie.
- aktualna opinia. Niewątpliwie najbardziej demokratyczne kryterium identyfikacji wielkiego mistrza. Chociaż takie podejście nie wyklucza opinii nacjonalistycznych. Na przykład Hiszpanie woleli Velasqueza i Rubensa, Francuzi polubią Moneta i Renoira, Niemcy za najlepszych uznają Durera i Holbeina i tak dalej. To samo można powiedzieć o opiniach wystawianych przez czołowe światowe muzea sztuki.
- Techniki i technika artystyczna. Trudno zgodzić się z tym kryterium oceny, gdyż ani absolwenci najlepszych uczelni artystycznych, ani najwięksi mistrzowie malarstwa olejnego nie mogą zostać w tym przypadku najlepszymi twórcami. Wielka sztuka wymaga czegoś więcej niż umiejętności technicznych czy umiejętności posługiwania się niezwykłą techniką.
Istnieje wiele autorytatywnych (i nie tak) książek o sztuce, artykułów w Internecie i różnych materiałów w mediach, które próbują uszeregować najlepszych mistrzów. Ich problemem jest subiektywność kryteriów i substytucja pojęć. Takie źródła mogą służyć jako ogólny przewodnik. Oczywiście opinia eksperta ma znaczenie, ale to tylko opinia.
Najlepszy artysta wszech czasów? Osobista decyzja!
Ostatecznie wybór należy do osoby zadającej pytanie. Spróbuj przekonać zagorzałego wielbiciela impresjonizmu, że największym artystą w historii jest Rafał. Nic nie dostaniesz. Każdy z nas ma inne preferencje estetyczne i stylistyczne, czy to renesans, manieryzm, barok, neoklasycyzm, realizm, ekspresjonizm, kubizm, surrealizm czy pop-art. Niektórzy lubią abstrakcyjne obrazy, inni podziwiają dokładność i realizm. Brak jednej interpretacji „piękna” tworzy wiele uwielbianych i znienawidzonych trendów. Aby jednak dokonać wyważonego wyboru i wyeliminować błędy w wyborze najlepszego artysty, należy zapoznać się z pewną liczbą dzieł sztuki światowej. Po tym wybór jest sprawą osobistą.
Różne kultury w historii sztuki
Najprawdopodobniej większość zachodnich krytyków sztuki zna kilka dzieł mistrzów z Chin i Japonii i na odwrót. Nawet jeśli badacze i specjaliści będą badać dzieła sztuki obcych krajów i kultur, najprawdopodobniej nie wzrośnie uwaga, szacunek i zrozumienie dla dzieł. Innymi słowy, opinia o najlepszych rzeźbach i obrazach kształtuje się pod wpływem kultury i mentalności.
Lista 10 najlepszych malarzy i rzeźbiarzy. Wersja artystyczna.
W związku z powyższym lista ta została stworzona w oparciu o następujące zasady:
- Reputacja na przestrzeni lat;
- Wybitne kompozycje i piękno estetyczne (w rozumieniu redaktorów);
- Wpływ na kulturę.
Peter Paul Rubens (1577-1640)
Wpływowa postać w stylu barokowym, Rubens parał się niemal każdym gatunkiem, w tym historią i portretami. Ponadto projektował gobeliny, ilustracje książkowe, biżuterię, kreskówki, projekty rzeźb i inne. W znacznym stopniu na styl artysty mieli wpływ flamandzcy mistrzowie.
Auguste Rodin (1840-1917)
Nieśmiały pracoholik Rodin był jednym z najbardziej wpływowych rzeźbiarzy epoki nowożytnej i godnym spadkobiercą tradycji Donatella, Michała Anioła, Berniniego i Giambologny. Constantin Brancusi opisał ją jako „punkt wyjścia nowoczesnej rzeźby”.
Myśliciel
Claude Monet (1840-1926)
Lider i zwolennik francuskiego impresjonizmu i malarstwa plenerowego, Monet pasjonował się przedstawianiem różnych wcieleń światła. Wśród zwolenników są Berthe Morisot, Edgar Degas, Edouard Vuillard i inni.
William Turner (1775-1851)
Majestatyczny malarz krajobrazów w historii sztuki po raz pierwszy wystawiony w Royal Academy w Londynie w wieku 15 lat. Jego obrazy olejne i akwarele miały rewolucyjny wpływ. Szanowany przez współczesnych, sam Turner darzył nieskończoną czcią dawnych mistrzów.
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Mona Lisa
Pablo Picasso (1881-1973)
Oprócz arcydzieł w stylu kubizmu analitycznego i syntetycznego Picasso miał również doświadczenie w rzeźbie i projektowaniu. Rewolucyjne obrazy Pabla faktycznie rozpoczęły nową erę sztuki pięknej, a jego wpływ na mistrzów XX wieku trudno przecenić.
Panienki z Awinionu
Rembrandt Van Rijn (1606-1669)
Holenderski geniusz realizmu stworzył ogromną liczbę oszałamiających arcydzieł, w tym dzieła historyczne, portrety zbiorowe i indywidualne, obrazy rodzajowe, martwe natury i autoportrety. Rembrandt wywarł również wpływ na współczesnych artystów poprzez swoje ryciny.
Autoportret z beretem
Michał Anioł Buonarroti (1475-1564)
Vermeer
Jeden z najbardziej wyrazistych przedstawicieli malarstwa rodzajowego. Oprócz obrazów znany jest ze swoich wnętrz.
„Gracze w karty”
Autor
Paweł Cezanne
Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm
Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale zaczął malować w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po indywidualnej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise Vollarda. W 1886 roku, 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na przedmieścia rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wyjazdy do niego „pielgrzymką do Aix”.
130x97 cm
1895
Cena £
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej
Praca Cezanne'a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie tematu lub fabuły na płótno, dzięki czemu jego obrazy nie wywołują dezorientacji widza. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowej faktury nadał formie przedmiotom niesamowitą plastyczność.
Seria pięciu obrazów „Gracze w karty” powstała w latach 1890-1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób entuzjastycznie gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.
Cztery obrazy są przechowywane w muzeach w Europie i Ameryce (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Fundacja Barnes i Courtauld Institute of Art), a piąty, do niedawna, był ozdobą prywatnej kolekcji Grecki miliarder armator George Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, postanowił wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowej” pracy Cezanne'a byli handlarz dziełami sztuki William Aquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, który zaoferował za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Kataru za 250 mln. Największa transakcja artystyczna w historii malarstwa została zamknięta w lutym 2012 roku. Zostało to zgłoszone do Vanity Fair przez dziennikarkę Alexandrę Pierce. Dowiedziała się o kosztach obrazu i nazwisku nowego właściciela, a potem informacja przeniknęła do mediów na całym świecie.
W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich kolekcje się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję The Card Players.
Najbardziejdrogie zdjęciena świecie
Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani
Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne rezerwy ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten niewielki kraj odnotował największy PKB per capita. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani przejął władzę w 1995 roku, podczas gdy jego ojciec przebywał w Szwajcarii przy wsparciu członków rodziny. Zasługą obecnego władcy, zdaniem ekspertów, jest jasna strategia rozwoju kraju, tworząca udany wizerunek państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety zyskały prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al Jazeera. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.
2
"Numer 5"
Autor
Jackson Pollock
Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Jack the Sprinkler - taki przydomek nadał Pollockowi amerykańska publiczność za jego specjalną technikę malarską. Artysta zrezygnował z pędzla i sztalugi, a farbę wylał na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej podczas ciągłego poruszania się wokół nich i wewnątrz nich. Od najmłodszych lat lubił filozofię Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.
122x244 cm
1948
Cena £
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's
Wartość pracy Pollocka nie tkwi w wyniku, ale w procesie. Autor nie przypadkowo nazwał swoją sztukę „malarstwem akcji”. Z jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock mieszał farbę z piaskiem, potłuczonym szkłem i pisał kawałkiem kartonu, szpachlą, nożem, łopatą. Artysta był tak popularny, że w latach 50. w ZSRR byli nawet naśladowcy. Obraz „Numer 5” jest uznawany za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, aw 2006 roku sprzedał go w Sotheby`s za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak kancelaria wkrótce wydała komunikat prasowy w imieniu swojego klienta, w którym stwierdził, że David Martinez nie był właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście niedawno zebrał dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, by przegapił tak „wielką rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.
3
„Kobieta III”
Autor
Willem de Kooning
Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Pochodzący z Holandii wyemigrował do Stanów Zjednoczonych w 1926 roku. W 1948 odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe, czarno-białe kompozycje, dostrzegając w ich autorze wielkiego modernistycznego artystę. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość z tworzenia nowej sztuki odczuwalna jest w każdej pracy. De Kooning wyróżnia żywiołowość malarstwa, szerokie pociągnięcia, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.
121x171 cm
1953
Cena £
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej
W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiają się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach. „Kobieta III” była ostatnim dziełem z tej serii biorącym udział w aukcji.
Od lat 70. obraz był przechowywany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, ale po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych starano się go pozbyć. W 1994 roku obraz został wywieziony z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stephenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Ciekawe, że w ciągu jednego roku Geffen zaczął sprzedawać swoją kolekcję obrazów. Zrodziło to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się na zakup Los Angeles Times.
Na jednym z forów artystycznych wyrażono opinię o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu Leonarda da Vinci „Dama z gronostajem”. Za ząbkowanym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki znawca malarstwa dostrzegł wdzięk osoby z królewskiej krwi. Świadczy o tym również słabo wyrysowana korona wieńcząca głowę kobiety.
4
„Portret AdeleBlocha-Bauera I"
Autor
Gustav Klimt
Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny
Gustav Klimt urodził się w rodzinie grawera i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami i tylko Gustav stał się sławny na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca był odpowiedzialny za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Przed jego obrazami każdy widz zastyga: pod cienkimi pociągnięciami złota wyraźnie widać szczery erotyzm.
138x136 cm
1907
Cena £
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's
Losy obrazu, który nosi tytuł „Austriacka Mona Lisa”, mogą z łatwością stać się podstawą bestsellera. Dzieło artysty stało się przyczyną konfliktu całego państwa i jednej starszej pani.
Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratkę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnią wolą było przeniesienie obrazu do austriackiej Galerii Państwowej. Jednak Bloch w swoim testamencie anulował darowiznę, a naziści wywłaszczyli obraz. Później galeria prawie nie wykupiła Złotej Adele, ale potem pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.
W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Maria Altman przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego obraz „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe środki: negocjowano pożyczki, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie zwyciężyło zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W czasie procesu miała 79 lat i do historii przeszła jako osoba, która zmieniła wolę Bloch-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz został zakupiony przez Ronalda Laudera, właściciela New Gallery w Nowym Jorku, gdzie pozostaje do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.
5
"Krzyk"
Autor
Edvard Munch
Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm
Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Choroba” (istnieje w pięciu egzemplarzach) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo przygnębiających wątków, jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weź przynajmniej „Krzyk”.
73,5x91 cm
1895
Cena £
119,992 mln USD
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's
Pełna nazwa obrazu to Der Schrei der Natur (przetłumaczona z niemieckiego jako „krzyk natury”). Twarz osoby lub kosmity wyraża rozpacz i panikę - widz przeżywa te same emocje, patrząc na obraz. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które nabrały ostrości w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.
Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Lekko uszkodzony po kradzieży, Krzyk został odrestaurowany i był gotowy do ponownego wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury praca stała się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jej odbitek-kopii, a maska z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.
Dla jednej fabuły Munch napisał cztery wersje dzieła: ta w prywatnej kolekcji wykonana jest w pastelu. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcji 2 maja 2012 roku. Nabywcą był Leon Black, który na „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. oraz Lion Advisors, L.P. znany z miłości do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów współczesnych artystów i mistrzów klasycznych minionych wieków.
6
„Akt na tle biustu i zielonych liści”
Autor
Pablo Picasso
Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm
Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie wyjechał do Paryża i tam spędził większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku jest podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu opinii, że obiekt przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.
130x162 cm
1932
Cena £
106,482 mln USD
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie
Podczas pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlova, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu, przeniósł się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu uznanie znalazło bohatera, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów na świecie powstał niemal przypadkiem - z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 zainteresował się młodą Marie-Therese Walter (miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał ze swoją kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obraz Daphne. Obraz został zakupiony przez nowojorskiego dealera Paula Rosenberga i sprzedany w 1951 roku Sidneyowi F. Brody'emu. Brodys pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta miał 80 lat. Po śmierci męża pani Brody wystawiła dzieło na aukcję w Christie's w marcu 2010 roku. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie po raz drugi ujrzała światło, ale nazwisko właściciela wciąż nie jest znane.
7
„Osiem elfów”
Autor
Andy Warhole
Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art
„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których musisz pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop, reżyser i jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla I.Millera. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.
358x208 cm
1963
Cena £
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej
Lata 60. Warhola - tak zwana era pop-artu w Ameryce. W 1962 pracował na Manhattanie w Factory Studio, gdzie zebrała się cała bohema Nowego Jorku. Jej najzdolniejsi przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości świata. W tym samym czasie Warhol wypróbował technikę sitodruku – wielokrotne powtórzenia jednego obrazu. Wykorzystał tę metodę również podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz zdaje się widzieć kadry z filmu, w którym gwiazda budzi się do życia. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają wszyscy, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.
Obecnie jest dwóch handlarzy dziełami sztuki promującymi prace Warhola na rynku światowym: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Pierwszy w 2008 roku wydał 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tylko droższe. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalo, który pomógł rzymskiemu znawcy sztuki Annibale Berlinghieri, sprzedać Osiem Elvisów nieznanemu kupcowi za 100 milionów dolarów z rekordu Warhola.
8
"Pomarańczowy,Czerwony żółty"
Autor
Marek Rothko
Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dwińsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie), w wielodzietnej rodzinie żydowskiego aptekarza. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale, otrzymał stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki ubóstwiali artystę, a muzea ścigały go przez całe życie.
206x236 cm
1961
Cena £
86,882 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Christie
Pierwsze artystyczne eksperymenty Rothko miały orientację surrealistyczną, ale z czasem uprościł fabułę do plam barwnych, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, a w latach 60. wypełniły się brązem, fioletem, gęstniejąc do czerni w chwili śmierci artysty. Mark Rothko przestrzegał przed szukaniem jakiegokolwiek znaczenia w swoich obrazach. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor, który rozpuszcza się w powietrzu i nic więcej. Polecił patrzeć na prace z odległości 45 cm, aby widz został „wciągnięty” w kolor, jak w lejek. Uwaga: oglądanie zgodnie z wszelkimi zasadami może prowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowo pojawia się świadomość nieskończoności, całkowite zanurzenie w sobie, odprężenie, oczyszczenie. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silne oddziaływanie emocjonalne (czasami mówi się, że uzdrawia). Artysta powiedział: "Widz powinien płakać patrząc na nich" - i rzeczywiście były takie przypadki. Zgodnie z teorią Rothko, w tej chwili ludzie przeżywają to samo doświadczenie duchowe, które on miał podczas pracy nad obrazem. Jeśli udało ci się to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, to nie zdziw się, że te dzieła abstrakcjonizmu są często porównywane przez krytyków z ikonami.
Praca „Pomarańczowy, czerwony, żółty” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowy koszt na aukcji Christie's w Nowym Jorku to 35-45 milionów dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Nazwisko szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostało ujawnione.
9
"Tryptyk"
Autor
Franciszek Bacon
Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm
Przygody Francisa Bacona, pełnego imiennika, a ponadto dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy ojciec się go wyrzekł, nie mogąc pogodzić się z homoseksualnymi skłonnościami syna. Bacon pojechał najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego ślady są mylone w całej Europie. Nawet za jego życia jego prace były wystawiane w wiodących ośrodkach kulturalnych świata, w tym w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.
147,5x198 cm (każdy)
1976
Cena £
86,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywna angielska publiczność nie spieszyła się z taką sztuką. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.
Sam artysta za początkowy okres swojej twórczości uważał okres powojenny. Wracając ze służby ponownie zajął się malarstwem i stworzył główne arcydzieła. Przed udziałem w aukcji „Tryptyku 1976” najdroższym dziełem Bacona był „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku, 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a furie są jego mękami. Obraz przez ponad 30 lat znajdował się w zbiorach prywatnych i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale co to jest kilka milionów dla konesera sztuki, a nawet hojny po rosyjsku? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, pod wpływem swojej dziewczyny Dasha Zhukova, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, kupionych za kwoty przekraczające 100 mln dolarów. W 2008 roku został właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku nabyto kolejne cenne dzieło Bacona - „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że nabywcą ponownie został Roman Arkadjewicz.
10
„Staw z liliami wodnymi”
Autor
Claude Monet
Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm
Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę na swoich płótnach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Śniadanie na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwe malarstwo zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża iw plenerze. W Paryżu prowadził bohemy styl życia i nie opuszczał go nawet po odbyciu służby wojskowej.
210x100 cm
1919
Cena £
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie
Oprócz tego, że Monet był świetnym artystą, entuzjastycznie zajmował się ogrodnictwem, uwielbiał dziką przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, przedmioty wydają się zamazane ruchem powietrza. Wrażenie potęgują duże pociągnięcia, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i zlewają się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W malarstwie zmarłego Moneta szczególne miejsce zajmuje temat wody i życia w nim. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne ze specjalnie przywiezionych przez niego z Japonii nasion. Kiedy ich kwiaty zakwitły, zaczął malować. Cykl Lilie wodne składa się z 60 prac, które artysta malował przez prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Jego wzrok pogarszał się z wiekiem, ale nie zatrzymał się. W zależności od wiatru, pory roku i pogody widok na staw ciągle się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki starannej pracy dotarło do niego zrozumienie istoty natury. Niektóre obrazy z cyklu znajdują się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.
11
Fałszywa gwiazda t
Autor
Jaspera Johnsa
Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art
W 1949 roku Jones wstąpił do szkoły projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Presidential Medal of Freedom, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.
137,2x170,8 cm
1959
Cena £
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej
Podobnie jak Marcel Duchamp, Jones pracował z prawdziwymi przedmiotami, przedstawiając je na płótnie i rzeźbie w pełnej zgodzie z oryginałem. W swoich pracach wykorzystywał proste i zrozumiałe dla każdego przedmioty: butelkę piwa, flagę czy mapy. Na obrazie False Start nie ma wyraźnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” podpisując kolory na zdjęciu, wywracając samą koncepcję koloru do góry nogami: „Chciałem znaleźć sposób na przedstawienie koloru tak, aby mógł być określony przez kogoś innego metoda." Jego najbardziej wybuchowy i „niepewny”, zdaniem krytyków, obraz został nabyty przez nieznanego nabywcę.
12
„Siedzącynagina sofie"
Autor
Amedeo Modigliani
Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm
Modigliani często chorował od dzieciństwa, w gorączkowym delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, aw 1906 wyjechał do Paryża, gdzie rozkwitała jego sztuka.
65x100 cm
1917
Cena £
68,962 mln USD
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Sotheby's
W 1917 Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a później jego żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, ostatni rekord przed sprzedażą Seated Nude on a Sofa w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego kupca za maksymalną cenę Modiglianiego w tej chwili. Aktywna sprzedaż prac rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie na gruźlicę, a następnego dnia samobójstwo popełniła również Jeanne Hebuterne, która była w dziewiątym miesiącu ciąży.
13
„Orzeł na sośnie”
Autor
Qi Baishi
Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl guohua
Zainteresowanie kaligrafią skłoniło Qi Baishi do malowania. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Ministerstwo Kultury Chin przyznało mu tytuł „Wielkiego Artysty Ludu Chińskiego”, w 1956 otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.
10x26 cm
1946
Cena £
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Chiński Strażnik
Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi i to jest jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia stał się profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do twojego kraju, ponieważ w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za którą zakupiono produkt, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Tylko zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.
14
„1949-A-#1”
Autor
Clifford wciąż
Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
W wieku 20 lat odwiedził Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i był rozczarowany. Później zapisał się na kurs studenckiej ligi artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć – okazało się, że to „nie jego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta znalazł siebie, a wraz z nią uznanie
79x93 cm
1949
Cena £
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's
Wszystkie jego prace, które są ponad 800 płótnami i 1600 pracami na papierze, nadal przeszły do amerykańskiego miasta, gdzie zostanie otwarte muzeum jego imienia. Denver stało się takim miastem, ale tylko budowa była dla władz kosztowna, a na jej ukończenie wystawiono na licytację cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią na licytację, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-No.1” sprzedano za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż maksymalnie 25-35 milionów dolarów.
15
„Kompozycja suprematystyczna”
Autor
Kazimierz Malewicz
Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm
Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, a następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łacińskiego „dominacja”).
71x88,5 cm
1916
Cena £
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
Obraz był przechowywany w muzeum miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, ale po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował tę pracę w tym samym roku co Manifest suprematyzmu, więc Sotheby`s jeszcze przed aukcją ogłosiło, że nie trafi do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli kolejną „kompozycję suprematystyczną” z Muzeum MoMA, aby sprzedać ją u Phillipsa za 17 milionów dolarów.
16
„Kąpiący się”
Autor
Paul Gauguin
Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm
Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, potem wrócił z rodziną do Francji, ale wspomnienia z dzieciństwa nieustannie pchały go do podróży. We Francji zaczął malować, przyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, dopóki Van Gogh nie odciął mu ucha podczas kłótni.
93,4x60,4 cm
1902
Cena £
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's
W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby wykorzystać dochody na wyprawę w głąb wyspy Tahiti. Tam stworzył prace, w których wyczuwa się subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w krytej strzechą chacie, a na jego płótnach rozkwitł tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitian Tehura, co nie przeszkodziło artyście w angażowaniu się w rozwiązłość. Zarażony syfilisem wyjechał do Francji. Jednak Gauguin był tam ciasny i wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitańczykiem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.
17
„Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”
Autor
Henri Matisse
Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm
W 1889 Henri Matisse miał atak zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wyzdrowiał po operacji, matka kupiła mu farby. Najpierw z nudów Matisse kopiował kolorowe pocztówki, potem - dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, a na początku XX wieku wymyślił styl - fowizm.
65,2x81 cm
1911
Cena £
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie
Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas należał do Yves Saint Laurent. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja sztuki przeszła w ręce przyjaciela i kochanka Pierre'a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie's. Perłą sprzedawanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład Fowizmu jest przepełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze znanej serii obrazów obrusowych, dziś ta praca jest jedyną, która znajduje się w prywatnej kolekcji.
18
„Śpiąca dziewczyna”
Autor
RoyZawietrzny
chtenstein
Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art
Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Liechtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność ironii uczyniły z niego kultowego artystę ubiegłego wieku.
91x91 cm
1964
Cena £
44,882 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's
Kiedyś guma do żucia wpadła w ręce Liechtensteinu. Przerysował obraz z wkładki na płótnie i stał się sławny. Ta fabuła z jego biografii zawiera całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie nie ma mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i kreskówki: Lichtenstein po prostu powiększał gotowy obraz, rysował raster, używał sitodruku i sitodruku. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gersh, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.
19
"Zwycięstwo. Boogie Woogie"
Autor
Piet Mondrian
Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm
Jego prawdziwe nazwisko – Cornelis – artysta zmienił na Mondrian, kiedy przeniósł się do Paryża w 1912 roku. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet pochodzi od Mondriana.
27x127 cm
1944
Cena £
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's
Najbardziej „muzyczny” z artystów XX wieku utrzymywał się z martwych natur akwarelowych, choć zasłynął jako artysta neoplastyczny. W latach czterdziestych przeniósł się do USA i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork - to go najbardziej zainspirowało! Obraz „Zwycięstwo. Najlepszym tego przykładem jest Boogie Woogie. "Markowe" zgrabne kwadraty uzyskano dzięki zastosowaniu taśmy klejącej - ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wyprodukował znane na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużym nadrukiem w kolorową kratkę.
20
„Kompozycja nr 5”
Autor
BazyliaKandinski
Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda
Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z władzami sowieckimi, ale wkrótce zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie zostały dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.
275x190 cm
1911
Cena £
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's
Kandinsky był jednym z pierwszych, którzy całkowicie porzucili malarstwo obiektowe, za co otrzymał tytuł geniusza. Podczas nazizmu w Niemczech jego obrazy były klasyfikowane jako „sztuka zdegenerowana” i nigdzie nie były wystawiane. W 1939 Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwszy powstał w 1910 roku, ostatni w 1939 roku). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” brzmiało dla mnie jak modlitwa” – powiedział artysta. W przeciwieństwie do wielu naśladowców planował to, co przedstawi na wielkim płótnie, jakby pisał notatki.
21
„Studium kobiety w kolorze niebieskim”
Autor
Fernand Leger
Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm
Leger otrzymał wykształcenie architektoniczne, a następnie był uczniem Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu. Artysta uważał się za wyznawcę Cezanne'a, był apologetą kubizmu, w XX wieku odnosił również sukcesy jako rzeźbiarz.
96,5x129,5 cm
1912-1913
Cena £
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
David Normann, prezes Sotheby's International Impressionism and Modernism, uważa, że ogromna suma zapłacona za Błękitną Damę jest całkowicie uzasadniona. Obraz należy do słynnej kolekcji Legera (artysta namalował trzy obrazy na jednej działce, ostatni z nich jest dziś w rękach prywatnych - red.), a powierzchnia płótna zachowała się w swojej pierwotnej formie. Sam autor przekazał tę pracę galerii Der Sturm, następnie trafiła do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.
22
„Scena uliczna. Berlin"
Autor
Ernst LudwigKirchner
Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm
Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią przełomową. Jednak lokalne władze oskarżyły go o przywiązanie do „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który popełnił samobójstwo w 1938 roku.
95x121 cm
1913
Cena £
38 096 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie
Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspirował go zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku niepokój artysty jest szczególnie dotkliwy: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki - pełne wdzięku i groźne. Była to ostatnia praca ze słynnej serii, sprzedana na aukcji, pozostałe są przechowywane w muzeach. W 1937 r. naziści brutalnie potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł skonfiskowano z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.
23
"Spoczynkowytancerz"
Autor
Edgar Degas
Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm
Historia Degasa jako artysty zaczęła się od tego, że pracował jako kopista w Luwrze. Marzył o tym, by stać się „sławnym i nieznanym”, iw końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal brał udział w wystawach i aukcjach.
64x59 cm
1879
Cena £
37,043 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedział Degas. Sceny z życia tancerek wydają się podglądane: dziewczyny nie pozują artystce, ale po prostu stają się częścią atmosfery uchwyconej wzrokiem Degasa. Resting Dancer sprzedano za 28 milionów dolarów w 1999 roku, a niespełna 10 lat później kupiono go za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższa praca artysty, jaką kiedykolwiek wystawiono na aukcję. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je projektował i zabronił ich wymiany. Ciekawe jaka ramka jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?
24
"Obraz"
Autor
Juan Miro
Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna
Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta był po stronie republikanów. W 1937 uciekł przed faszystowskimi władzami do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro maluje obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.
89x115 cm
1927
Cena £
36,824 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's
Drugie imię obrazu to „Niebieska Gwiazda”. Artysta napisał go w tym samym roku, gdy ogłosił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie kpił z płótna, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując dzieło śmieciami. Jego celem było obalenie mitów o tajemnicy malarstwa, ale poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit - surrealistyczną abstrakcję. Jego „Malarstwo” nawiązuje do cyklu „obrazów-snów”. Czterech kupujących walczyło o niego na aukcji, ale jeden telefon incognito rozstrzygnął spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.
25
"Niebieska róża"
Autor
Yves Klein
Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malowanie monochromatyczne
Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło pozłacania ram, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.
153x199x16 cm
1960
Cena £
36,779 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Christie
Pierwsza wystawa prac w jednolitym kolorze żółtym, pomarańczowym, różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein obraził się i następnym razem zaprezentował 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Opatentował nawet tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „International Klein Blue”. Artysta sprzedawał też pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na deszcz, podpalając karton, wykonując na płótnie odbitki ludzkiego ciała. Jednym słowem eksperymentowałem najlepiej jak potrafiłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyków i naturalnej gąbki.
26
„Szukam Mojżesza”
Autor
Sir Lawrence Alma-Tadema
Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm
Sam Sir Lawrence dodał przedrostek „alma” do swojego nazwiska, aby pojawiać się na pierwszym miejscu w katalogach sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy były tak poszukiwane, że artysta otrzymał tytuł rycerski.
213,4x136,7 cm
1902
Cena £
35,922 mln USD
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's
Głównym tematem twórczości Alma-Tademy był antyk. Na obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu zajmował się nawet wykopaliskami archeologicznymi na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrze z tamtych lat. Historie mitologiczne stały się dla niego kolejnym źródłem inspiracji. Artysta był bardzo poszukiwany za życia, ale po śmierci szybko został zapomniany. Teraz zainteresowanie odżywa, o czym świadczy koszt obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, siedmiokrotnie wyższy niż kosztorys przedsprzedażowy.
27
„Portret śpiącego nagiego urzędnika”
Autor
Lucian Freud
Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne
Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po wprowadzeniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.
219,1x151,4 cm
1995
Cena £
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie
Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytam płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że to wszystko jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i skutecznie sprzedawane, że eksperci mieli wątpliwości: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret śpiącego nagiego urzędnika”, według Słońca, został nabyty przez konesera piękna i miliardera Romana Abramowicza.
28
„Skrzypce i gitara”
Autor
Xjeden gris
Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm
Urodził się w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła Artystycznego. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł w krąg najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Legera, współpracował także z Siergiejem Diagilewem i jego zespołem.
5x100 cm
1913
Cena £
28,642 mln USD
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie
Gris, jak sam mówi, zajmował się „planarną, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednego przypadkowego kreski, co sprawia, że kreatywność związana jest z geometrią. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem ojca założyciela ruchu, Pabla Picassa. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze kubistyczne dzieło, Tribute to Picasso. Obraz „Skrzypce i gitara” jest uznawany za wybitny w twórczości artysty. Za życia Gris był znany, lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace są wystawiane w największych muzeach świata i przechowywane w prywatnych kolekcjach.
29
"PortretPola Eluarda»
Autor
Salvador Dali
Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm
„Surrealizm to ja”, powiedział Dali, gdy został wyrzucony z grupy surrealistów. Z czasem stał się najsłynniejszym artystą surrealistą. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. Na przykład to on wymyślił opakowanie dla Chupa-Chups.
25x33 cm
1929
Cena £
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's
W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali odwiedzić wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Obraz „Portret Paula Eluarda” został namalowany właśnie podczas tej historycznej wizyty. „Czułem, że powierzono mi obowiązek uchwycenia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.
30
"Rocznica"
Autor
Marc Chagall
Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda
Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych epoki. W latach 30., kiedy władzę przejęli naziści, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji wrócił dopiero w 1948 roku.
80x103 cm
1923
Cena £
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990
na aukcji Sotheby
Obraz „Jubileusz” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Ma wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, baśniowy klimat zostaje zachowany w scenerii życia drobnomieszczańskiego, a w centrum akcji znajduje się miłość. Chagall nie czerpał ludzi z natury, a jedynie z pamięci lub fantazji. Obraz „Jubileusz” przedstawia samego artystę z żoną Belą. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej MoMA zachowuje dokładnie to samo, tylko pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.
projekt przygotowany
Tatiana Palasowa
ocena skompilowana
zgodnie z listą www.art-spb.ru
magazyn tmn №13
(maj-czerwiec 2013)
Malarstwo to sztuka, którą można nazwać wieczną. Przez cały czas obrazy wykonane przez geniuszy pędzla są sprzedawane na aukcjach za bajeczne pieniądze, podziwiają talent autora, stają się ozdobą domów, a także stanowią historyczny skarb jako element konstrukcji architektonicznych (freski w Sykstynie Kaplica lub strofy zdobiące watykański kompleks pałacowy). A najsłynniejsi artyści zasługują na to, by mówić i znać, niezależnie od tego, w jakim kierunku się poruszali: impresjonizm, barok, surrealizm, renesans i tak dalej.
12 najlepszych artystów wszech czasów
Pracował trochę jako makler, ale cały swój wolny czas poświęcał malarstwu. Swoje najlepsze kreacje stworzył podczas pobytu na Tahiti, gdzie udał się po światową wyprzedaż swoich obrazów.
Obraz Paula Gauguina „Kąpiący się” Artysta cierpiał na straszne choroby, m.in. syfilis i trąd, ale w tak trudnych czasach udało mu się stworzyć swoje najlepsze prace. Jego Bathers (1902) sprzedano za 55 milionów dolarów w 2005 roku.
. Lata życia: 1878–1935. Został założycielem suprematyzmu.
Najbardziej znanym dziełem rosyjskiego geniusza jest Czarny Kwadrat.
Obraz Kazimierza Malewicza „Czarny kwadrat” A „kompozycja suprematystyczna”, stworzona przez Malewicza w 1916 roku, została sprzedana za 60 milionów dolarów w 2008 roku.
. Lata życia: 1840–1926. Francuski geniusz nazywany jest twórcą impresjonizmu. Kochał przyrodę, zajmował się ogrodnictwem.
Szczególną miłością darzył lilie wodne, którym poświęcił całą serię prac – 60 płócien. Na obrazach Monet starał się pokazać, jak piękny jest pewien moment w naturze.
To on próbował uchwycić w każdym ze swoich dzieł. Water Lily Pond, napisany w 1919 roku, został sprzedany za 80,5 miliona dolarów w 2008 roku.
. Lata życia: 1881–1973. Jego twórczość związana jest z kubizmem. Według źródeł Picasso zaczął działać w tym kierunku po otrzymaniu listu z odpowiedzią od utalentowanego artysty Paula Cezanne'a.
W nim Francuz poradził Pablo, aby rozważył naturę z punktu widzenia figur geometrycznych: jako zestaw stożków, kulek, cylindrów. I chociaż Cezanne zalecał rysowanie w ten sposób podstawowych prototypów przyszłych arcydzieł, Picasso wziął to zbyt dosłownie i zaczął tworzyć w nowym stylu.
Obraz Pabla Picassa „Pejzaż nad Morzem Śródziemnym” Ale nazwę tego kierunku nadał Henri Matisse, kiedy zobaczył jedno z dzieł kolegi Picassa J. Braque'a i zapytał: „Co to za kostki?”
Lata życia: 1912–1956. Długo szukał siebie, aż stworzył zupełnie nową technikę tworzenia obrazów - natryskiwanie farby na płótno na podłodze.
To wtedy otrzymał prawdziwe uznanie, prezentując abstrakcyjny ekspresjonizm w nowej perspektywie. Artystka długo mieszkała z mniej rozpoznawaną artystką Lee Krasner, która poświęciła się mężowi.
Pomogła mu, znalazła nabywców i przeżyła z nim trudne chwile jego życia. Najsłynniejszy obraz Pollocka, Numer 5 (1948), sprzedany na aukcji za 140 milionów dolarów w 2006 roku.
Lata życia: 1839-1906. Francuski geniusz stworzony w duchu impresjonizmu. Jego obrazy są prawdziwe i zrozumiałe, nasycone duchem romantyzmu i klasycyzmu.
Po prostu oddają życie, bez upiększeń i symbolicznych akcentów, które można znaleźć w innych stylach.
Obraz Paula Cezanne'a „Gracze w karty” Obraz „Gracze w karty”, który został sprzedany w 2012 roku na aukcji za ćwierć miliarda dolarów, został namalowany przez Cezanne'a w 1895 roku.
Lata życia: 1452–1519. Nawet ci, którzy są zupełnie daleko od sztuki, znają tego geniusza.
Jego najwybitniejszy obraz – „Mona Lisa”, czyli „La Gioconda”, znajduje się w Luwrze i nie jest wystawiony na aukcję.
Obraz Leonarda da Vinci „Mona Lisa” Niektóre źródła twierdzą, że w każdym stworzeniu da Vinci kryje się zaszyfrowana wiadomość. Na przykład na płótnie „Ostatnia Wieczerza” melodia jest wyraźnie odgadnięta, jeśli narysujesz pięciolinię w miejscu rąk apostołów.
Lata życia: 1475–1564.
Najlepszym dziełem geniusza są słynne freski na suficie Kaplicy Sykstyńskiej.
Warto zauważyć, że Michał Anioł był pierwszym spośród tych, którzy pracowali w sztuce zachodnioeuropejskiej, którego biografia została napisana za jego życia.
. Lata życia: 1606-1669. Umiejętnie pracował z grą cieni i światła.
W szczególny sposób przekazywał świat ludzkich uczuć i przeżyć.
Obraz Rembrandta „Straż nocna” Lubił malarstwo portretowe. Na jego koncie - około 600 genialnych obrazów.
. Lata życia: 1483–1520. Pracował w okresie renesansu.
Genialnie stawia go na równi z Michałem Aniołem i da Vinci. Znane na całym świecie strofy Rafaela znajdują się w Watykanie, w Pałacu Apostolskim.
Najlepsze dzieło artysty, Szkoła Ateńska, również znalazło tutaj swój dom.
Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule poznasz najbardziej znanych i utalentowanych artystów naszych czasów. I wierzcie mi, ich dzieła zapadną w waszej pamięci nie mniej niż dzieła mistrza z minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z nią. Ostatnio maluje głównie kobiety. Koncentruje się na manifestowaniu emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często używa odcieni czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warren Chang
Warren Chang to współczesny amerykański artysta. Urodzony w 1957 i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 roku z tytułem Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta.
Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarskim jest zakorzenione w twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, pracownie, pomieszczenia szkolne i domowe. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang stał się sławny po przejściu do tradycyjnych sztuk wizualnych. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters Association of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 jest uhonorowana możliwością otrzymania tej nagrody. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, wykłada również (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni to włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955. Ukończył scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, bo samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie szkoły. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne malarstwo Bruni ma korzenie w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyrafinowanym wyrafinowaniem i czystością jego postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione zyskują jednakową godność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję własnej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony przepychem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.
Jako dziecko uczył się sztuki pod kierunkiem ojca Jana, artysty samouka i rzeźbiarza, więc od najmłodszych lat działalność artystyczna otrzymywała pełne wsparcie ze strony obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka na pół etatu Cathy Gaggliardi zachęciła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Balos otrzymał wtedy pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w School of Fine Arts, której metody opierają się na pracach Jacques-Louis Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do podkreślenia cech i mankamentów ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Kompozycje fabularne jego obrazów są przeznaczone do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się poszerzył i obecnie obejmuje swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.
Alyssa mnisi
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w New Jersey. Malarstwem zainteresowała się jeszcze jako dziecko. Uczęszczała do New School w Nowym Jorku i na Montclair State University, a w 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach programu magisterskiego na nowojorskiej Akademii Sztuki na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Krótko wykładała na uniwersytetach i instytucjach edukacyjnych w całym kraju, uczyła malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.
„Za pomocą filtrów, takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te pozwalają tworzyć duże obszary abstrakcyjnego projektu, przez które prześwitują kolorowe wyspy — części ludzkiego ciała.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utarte już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Mogli wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca i tak dalej. Moje postacie są przyciśnięte do szyby okna kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska widać niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zaczęłam malować ludzkie ciało, od razu byłam nim zafascynowana, a nawet miała obsesję i poczułam, że muszę malować swoje obrazy tak realistycznie, jak to tylko możliwe. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się rozplątywać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to.”
Antonio Finelli
włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 r. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem ” Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż przez wewnętrzny świat ludzkiej doczesności i związaną z nią rygorystyczną analizę tego świata, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady, jakie pozostawia na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta ma nadzieję znaleźć dowody na bezwzględność czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkowych nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować rzeczywiste skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa powstała już w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, bo uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobnej techniki nauczyła się w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi nurtami sztuki: street artem, chińskim realizmem, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany artysta ukraiński, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowie Art College w 1998 roku przebywał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.
Regularnie uczestniczy w wystawach sztuki, w tej chwili jest ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w prywatnych kolekcjach na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysunek ołówkiem to jedna z jego ulubionych metod malarskich, lista tematów jego rysunków ołówkowych jest również bardzo zróżnicowana, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.
Wśród wszystkich najsłynniejszych artystów chciałbym wyróżnić twórczość artysty Miftyakhov Marat Khaidarovich.
Krajobrazy Maratu są niesamowite i niepowtarzalne.
Obrazy są różne realistyczne i nierealistyczne, zrozumiałe i niezrozumiałe.
Jeśli widzisz, że na obrazku jest narysowana szklanka, to jest to dość oczywiste i o czym należy myśleć? Spojrzałeś na zdjęcie i zorientowałeś się, że to szkło, jutro patrzyłeś raz po raz i zdałeś sobie sprawę, że to szklanka ... Najprawdopodobniej, po obejrzeniu podobnego zdjęcia raz, nie chcesz już na niego patrzeć, ponieważ jest to oczywiste i nie wymaga wyjaśnienia. Obrazy Marata są całkowitym przeciwieństwem takich obrazów. Przyciągają i fascynują tym, że przedstawiają zupełnie nieznane i niezrozumiałe przedmioty i krajobrazy, tworząc ze sobą fantastyczne widoki.
Obrazy zawierają wiele różnych drobnych szczegółów.
Bardzo trudno jest od razu zobaczyć cały obraz w szczegółach, takie zdjęcia trzeba oglądać wielokrotnie. I za każdym razem, zbliżając się do obrazu, widz może odkryć coś nowego, coś, czego wcześniej nie zauważył. Ta jakość jest nieodłączna we wszystkich obrazach Marata i jeszcze bardziej przyciąga ich oglądanie. Zdjęcia mają charakter informacyjny i mają głębokie znaczenie filozoficzne.
„Uważam Renato Guttuso za najważniejszego artystę współczesnej Europy Zachodniej” – pisał J. Berger.
A oto słowa Carlo Levi „Guttuso to wielki artysta: i to nie tylko na Sycylii i we Włoszech. Teraz jest jednym z największych artystów na świecie. Jestem o tym głęboko przekonany i cieszę się, że mogę to stwierdzić bez ograniczeń i zastrzeżeń, z pełną odpowiedzialnością.”
Renato Guttuso urodził się na Sycylii w Bagheria koło Palermo 26 grudnia 1911 r. (według innych źródeł - 2 stycznia 1912 r.) w rodzinie geodety. Pierwsze umiejętności zawodowe otrzymał od mistrza ludowego Emilio Murdolo, który malował powozy. Studiując w Liceum Guttuso zajmuje się również malarstwem: zapoznaje się z książkami o sztuce, odwiedza warsztaty artystów. Pod koniec lat dwudziestych pojawiają się jego pierwsze obrazy.
Na pierwszym Quadriennale (czteroletnia wystawa artystów włoskich) odniósł niewielki sukces – dwa jego obrazy zwróciły uwagę krytyków.
Już za jego życia imię Dali było otoczone aureolą światowej sławy. Nikt, z wyjątkiem Pabla Picassa, nie mógł się z nim równać w sławie.
Słynny reżyser filmowy Alfred Hitchcock napisał: „Doceniałem Dalego za cięcie konturów jego obrazów – oczywiście pod wieloma względami podobne do obrazów de Chirico – za jego długie cienie, niekończące się wyobcowanie, nieuchwytną linię, która biegnie w nieskończoność, za twarze bez formy. Oczywiście wymyślił wiele innych bardzo dziwnych rzeczy, których nie można było zrealizować.
Dali powiedział o swoim malarstwie: „Jak chcesz zrozumieć moje obrazy, skoro ja sam, który je stworzyłem, też ich nie rozumiem. To, że nie rozumiem swoich obrazów w momencie malowania, nie oznacza, że te obrazy nie mają żadnego znaczenia, przeciwnie, ich znaczenie jest tak głębokie, złożone, powiązane, mimowolne, że wymyka się prostej logicznej analizie.
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dali y Domenech urodził się 11 maja 1904 r. w małym miasteczku Figueres (prowincja Girona), w rodzinie prawnika. Został ochrzczony tym samym imieniem co jego brat, który zmarł w wieku siedmiu lat na zapalenie opon mózgowych. W swojej autobiografii artysta pisze: „Od urodzenia zająłem miejsce uwielbianych zmarłych, których przeze mnie nadal kochali… Wszystkie moje kolejne ekscentryczne działania, wszystkie moje niekonsekwentne wybryki były tragiczną stałą mojego życia: Musiałem sobie udowodnić, że nie jestem moim, martwym bratem, ale żywym. Tak zetknąłem się z mitem Kastora i Polluksa: zabijając we mnie własnego brata, zdobyłem własną nieśmiertelność”.
„Realizm nie jest formułą ustaloną raz na zawsze, nie jest dogmatem, nie jest niezmiennym prawem. Realizm jako forma odbicia rzeczywistości musi być w ciągłym ruchu” – mówi Siqueiros. I jeszcze jedno z jego stwierdzeń: „Odbiorca nie jest posągiem, który mieści się w linearnej perspektywie obrazu… to ten, który porusza się po całej jego powierzchni… człowiek, przyglądając się obrazowi, dopełnia pracuj z jego ruchem”.
29 grudnia 1896 roku w meksykańskim mieście Chihuahua Don Cipriano Alfaro i Teresa Siqueiros mieli syna, Jose Davida Alfaro Siqueiros. W wieku jedenastu lat pokazał talent malarza, więc w 1907 roku chłopiec został wysłany na studia do Narodowej Szkoły Przygotowawczej w Mexico City. Wkrótce potem Alfaro rozpoczyna naukę w klasach Akademii Sztuki San Carlos.
Tutaj Siqueiros staje się jednym z liderów studenckich i podnosi akademię do protestów i strajków. Artysta wspomina: „Jakie były cele naszego strajku? Czego wymagaliśmy? Nasze żądania dotyczyły zarówno kwestii edukacyjnych, jak i politycznych. Chcieliśmy pozbyć się zatęchłej rutyny akademickiej, która królowała w naszej szkole. Jednocześnie wysunęliśmy postulaty natury ekonomicznej... Domagaliśmy się nacjonalizacji kolei. Cały Meksyk się z nas śmiał… Szczerze mówiąc jestem głęboko przekonany, że właśnie tego dnia w duszy każdego z nas narodził się artysta-obywatel, artysta żyjący w interesie publicznym…”
Płótna Plastova są pełne afirmującej życie mocy. Poprzez kolor i dzięki kolorowi wypełnia swoje obrazy żywym, drgającym uczuciem. Artysta mówi: „Kocham to życie. A kiedy widzisz ją rok po roku… myślisz, że trzeba ludziom o tym opowiadać… Nasze życie jest pełne i bogate, jest w nim tyle niesamowicie interesujących rzeczy, że nawet zwykłe codzienne sprawy naszych ludzi przyciągają uwaga, potrząśnij duszą. Musisz być w stanie to zobaczyć, zauważyć to.”
Arkady Aleksandrowicz Plastov urodził się 31 stycznia 1893 r. we wsi Prislonikha w prowincji Simbirsk w rodzinie wiejskiego malarza ikon. Jego rodzice marzyli, aby ich syn został księdzem. Po ukończeniu trzech klas szkoły wiejskiej, w 1903 r. Arkady został skierowany do Simbirskiej Szkoły Teologicznej. Pięć lat później wstąpił do Simbirskiego Seminarium Teologicznego.
Wiosną tego samego roku 1908 zetknął się z twórczością artela malarzy ikon, którzy remontowali kościół w Prisłoniczce. „Kiedy zaczęli stawiać rusztowania – pisze artysta w swojej autobiografii – wcierając farby, gotując suszący olej na stromym brzegu rzeki, sam nie byłem sobą i szedłem jak zaczarowany w pobliżu przybywających cudotwórców. ” Obserwując, jak na ścianach starego, pokrytego sadzą kościoła rodzi się nowy, niespotykany dotąd świat obrazów, chłopiec stanowczo postanowił: „Być tylko malarzem i niczym więcej”.
Chagalla można zrozumieć poprzez „uczucie”, a nie „rozumienie”. "Niebo, lot - główny stan pędzla Chagalla" - zauważył Andrey Voznesensky.
„Chodziłem po Księżycu”, powiedział artysta, „kiedy nie było jeszcze astronautów. Na moich obrazach postacie były na niebie i w powietrzu ... ”
Mark Zacharowicz Chagall urodził się 7 lipca 1887 r. W Witebsku. Był najstarszym z dziesięciorga dzieci małego kupca. Jego ojciec pracował jako robotnik u handlarza śledziami, a jego matka, Feiga, prowadziła sklepik z drobiazgami. W 1905 roku Mark ukończył czteroletnią miejską szkołę handlową.
Pierwszym nauczycielem Marka był w 1906 roku Yu.M. Peng. W swojej autobiografii zatytułowanej „Moje życie” Chagall dedykuje Jurijowi Moiseevichowi następujące wersy: „Peng jest mi drogi. Tak więc jego drżąca postać stoi przed jego oczami. W mojej pamięci mieszka obok swojego ojca. Często przechadzając się w myślach opustoszałymi ulicami mojego miasta, co jakiś czas natrafiam na nie. Ile razy byłem gotów go błagać, stojąc na progu szkoły: nie potrzebuję sławy, gdybym tylko mógł stać się jak ty, skromnym mistrzem lub powiesić zamiast twoich obrazów, na twojej ulicy, w twój dom obok ciebie. Pozwól mi!"
Słynny krytyk Paul Husson napisał w 1922 roku o Modiglianiego:
„Po Gauguinie bez wątpienia najlepiej potrafił wyrazić poczucie tragizmu w swojej pracy, ale u niego to uczucie było bardziej intymne i zwykle pozbawione jakiejkolwiek ekskluzywności.
... Ten artysta nosi w sobie wszelkie niewypowiedziane dążenia do nowej wyrazistości, charakterystyczne dla epoki, która tęskni za absolutem i nie zna do niego dróg.
Amedeo Clemente Modigliani urodził się 12 lipca 1884 roku w rodzinie włoskich Żydów. Jego ojciec, Flaminio Modigliani, po bankructwie jego biura „Drewno, Węgiel”, kierował biurem pośrednika. Matka, Evgenia Garsen, pochodziła z rodziny kupieckiej.
Picasso powiedział: „Sztuka to kłamstwo, które pomaga nam zrozumieć prawdę”.
Pablo Ruiz Picasso urodził się 25 października 1881 roku w Maladze w Hiszpanii jako syn artysty Don Jose Ruiza i Marii Picasso y Lopez. Z czasem artysta przyjął imię swojej matki. Mój ojciec był skromnym nauczycielem plastyki, czasami przyjmował zlecenia na malowanie wnętrz. Chłopiec bardzo wcześnie zaczął rysować. Już pierwsze szkice zachwycają kunsztem, profesjonalizmem. Pierwsze zdjęcie młodego artysty nazywało się „Picador”.
Kiedy Pablo kończy dziesięć lat, przeprowadza się z rodziną do A Coruña. W 1892 wstąpił do miejscowej Szkoły Artystycznej, gdzie jego ojciec prowadził klasę rysunku i zdobnictwa.
G.S. Oganov pisze: „... Artysta starał się ukazać życie obrazu poprzez wyrazistość formy, stąd poszukiwanie dynamicznego napięcia, rytmu i koloru. Oczywiście widza nie uderzają same te poszukiwania, ale przede wszystkim wynik. I ten wynik u Pietrowa-Wodkina wciąż zawsze wykracza poza granice czysto kompozycyjno-dekoracyjnych, obrazowych poszukiwań - zawsze jest życie ducha w konkretno-psychologicznym i zarazem filozoficzno-uogólnionym wyrazie. Nadaje to skalę jego pracom i sprawia, że mimo wszelkich zewnętrznych, formalnych paraleli ze starożytną sztuką rosyjską czy współczesną zachodnioeuropejską są dziełami oryginalnymi, oryginalnymi, głęboko niezależnymi.
Kuzma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin urodził się nad Wołgą w małym miasteczku Chwalyńsk 5 listopada 1878 r. Był pierworodnym w rodzinie szewca Siergieja Fiodorowicza Vodkina i jego żony Anny Panteleevny z domu Petrova. Kiedy chłopiec był na trzecim roku, jego ojciec został zabrany do wojska i wysłany do służby w Petersburgu na Ochcie. Wkrótce przeprowadziła się tam również Anna Panteleevna ze swoim małym synkiem. Dwa i pół roku później nastąpił powrót do Chwalyńska, gdzie matka wstąpiła do służby w domu miejscowego bogacza. Kuzma mieszkał z nią w skrzydle.
TJ. Repin nazwał Kustodiewa „bohaterem malarstwa rosyjskiego”. „Wielki rosyjski artysta - iz rosyjską duszą”, powiedział o nim inny znany malarz, M.V. Niestierow. A oto, co N.A. Sautin: „Kustodiev jest artystą o wszechstronnym talencie. Wspaniały malarz, wszedł do sztuki rosyjskiej jako autor znaczących dzieł gatunku codziennego, oryginalnych pejzaży i głębokich w treści portretów. Znakomity rysownik i grafik, Kustodiew pracował w linorycie i drzeworytach, wykonywał ilustracje książkowe i szkice teatralne. Opracował własny, oryginalny system artystyczny, potrafił wyczuć i ucieleśnić oryginalne cechy rosyjskiego życia.
Boris Mikhailovich Kustodiev urodził się 7 marca 1878 r. W Astrachaniu. Jego ojciec, Michaił Lukich Kustodiev, który uczył języka rosyjskiego, literatury, logiki w astrachańskim gimnazjum i seminarium dla kobiet, zmarł, gdy chłopiec nie miał nawet dwóch lat. Wszystkie obawy o wychowanie czworga dzieci spadły na barki matki Jekateryny Prochorownej. Matka wynajmowała małą oficynę w domu zamożnego kupca. Jak wspomina Boris Michajłowicz: „Cały sposób bogatego i obfitego życia kupieckiego był widoczny… To były żywe typy Ostrowskiego…” Kilkadziesiąt lat później te wrażenia materializują się na obrazach Kustodiewa.
Twórca własnego abstrakcyjnego stylu - suprematyzmu - Kazimierz Siewierinowicz Malewicz urodził się 23 lutego 1878 r. (według innych źródeł - 1879 r.) w Kijowie. Rodzice Severin Antonovich i Ludwig Alexandrovna byli z pochodzenia Polakami. Artysta wspominał później: „Okoliczności, w jakich przebiegało moje dzieciństwo, były następujące: mój ojciec pracował w fabrykach cukru buraczanego, które zwykle budowane są w głębokiej dziczy, z dala od miast i miasteczek”.
Około 1890 r. ojciec został przeniesiony do fabryki, która znajdowała się we wsi Parkhomovka koło Belopolye. Tutaj Kazimierz ukończył pięcioletnią szkołę rolniczą: „Wieś… zajmowała się sztuką (nie znałem wtedy takiego słowa)… Z wielkim podnieceniem obserwowałem, jak chłopi robili obrazy i pomagali im posmarować gliną podłogi chaty i zrobić wzory na piecu... Całe życie chłopów mocno mnie zafascynowało... Na tym tle rozwinęły się we mnie uczucia do sztuki, do sztuki. Cztery lata później rodzina przeniosła się do fabryki w Volchce, a następnie przeniosła się do Konotop.
