1 ryc. Tak więc w tej klasie mistrzowskiej całkowicie zmienisz swoje podejście do kolorowych ołówków! Kredki są bardzo wygodnym materiałem w użyciu, ponieważ można mieć do dyspozycji bardzo dużą liczbę odcieni, w tym także tych, które pojawiają się poprzez nakładanie kolorów na siebie. Ale używając ołówków, musisz znać ich cechy, na przykład nie należy naciskać ołówka na początku pracy, w przeciwnym razie nie usuniesz go ani nie pokryjesz innym kolorem. W przypadku tego materiału konieczne jest stosowanie zasady - od jasnego do ciemnego. Ale najpierw zaaranżujmy martwą naturę. Zacznijmy od linii horyzontu. Następnie za pomocą linii kształtów geometrycznych zarysowujemy przybliżony kształt obiektów naszej kompozycji. Zacznijmy od dania.
2 ryc. Jesteś wspaniały! A teraz ważne jest, abyśmy zbudowali naczynie na owoce o odpowiednim kształcie. Znajdujemy oś środkową, powinna być prosta i równa, na niej znajdujemy punkt na poziomie przypuszczalnej szyjki naczynia i przez ten punkt rysujemy poziomą linię, robimy to samo u podstawy nogi naczynia. Bardzo dobrze! Bierzemy linijkę i mierzymy równe części od osi w poziomie. Tworzenie elips i linii łączących. Zobacz rysunek. Usuń linie pomocnicze i zakreśl naczynie.
3 ryc. Znajdź kierunek owocu za pomocą osi ukośnej i dopracuj kształty oraz szczegóły jabłka, gruszki i śliwki. I zacznij rysować winogrona za pomocą pędzla, a następnie w kształcie, dodając owalne winogrona od góry do dołu, niektóre z nich nakładają się na siebie, aby uzyskać realizm. Narysuj kucyki.
4 ryc. Zanim zaczniesz pracować z kolorem, przypominam, że to nie jest kolorowanka i powinieneś nakładać kreskę, a nie malować! Na tym etapie ołówki należy wcisnąć do połowy. Konieczne jest wykluwanie się tylko zgodnie z kształtem obiektu. Bierzemy ołówki i stosujemy główne odcienie przedmiotów, spójrz na zdjęcie.
5 ryc. Na tym etapie musisz nadać obiektom martwej natury gęstość, wprowadzając nowe odcienie. Twoje pociągnięcie ma teraz większe znaczenie, ponieważ ważne jest, aby martwa natura była bardziej realistyczna. Musimy pogłębić cienie za pomocą niebieskiego, fioletowego, zielonego i brązowego. Pokaż cień obiektów i tabeli za pomocą pociągnięć. Pracuj nad szczegółami.
Czy wiesz, że proces rysowania nie tylko zaszczepia w człowieku poczucie piękna, ale także pomaga radzić sobie w sytuacjach stresowych, uspokaja nerwy i rodzi spokój w duszy? W związku z tym zaleca się poświęcić tej lekcji przynajmniej trochę wolnego czasu. Nauczmy się rysować ołówkiem martwą naturę z owocami.
Informacje ogólne
Aby nauczyć się przedstawiać martwą naturę z owocami, musisz najpierw zrozumieć, co oznacza sam termin. Ponadto musisz wiedzieć, jakie atrybuty powinien przygotować przyszły artysta, aby stworzyć własne arcydzieło. Obraz przedstawiający przedmioty nieożywione (nie ma znaczenia, jeden lub więcej) nazywany jest martwą naturą. W tłumaczeniu z francuskiego termin ten brzmi jak „martwa natura”. W zależności od fantazji na obrazach można wykorzystać kwiaty, artykuły gospodarstwa domowego, owoce i warzywa. W martwej naturze często pojawia się taki element jak tkanina (o dowolnym kolorze i fakturze).
Wymagane atrybuty
Aby poradzić sobie z nadchodzącą pracą i opanować wszystkie niuanse, musisz wcześniej przygotować niezbędne narzędzia. Będziesz potrzebować:
Arkusz papieru lub płótna (wszystko zależy od tego, jakiego rozmiaru chcesz stworzyć swoje pierwsze arcydzieło);
Prosty ołówek;
Tkaniny i przedmioty, które wykorzystasz jako naturę;
Dobre oświetlenie.
Jeśli zamierzasz namalować obraz, to przede wszystkim musisz zdecydować, jakiego rodzaju farby użyjesz (akwarela czy olej) i zgodnie z tym wybrać pędzle i paletę. I oczywiście nie zapomnij o wodzie.
Technika graficzna
Aby Twoje zdjęcie okazało się najbardziej podobne do wybranej kompozycji, musisz najpierw opanować technikę. Powinieneś nauczyć się przekazywać światła, cienie i teksturę. Ze szkicu zaczyna powstawać martwa natura z owocami ołówkiem. Jest to pokazane na osobnej kartce. Tutaj po prostu ustalają układ obiektów, nie rysując ich całkowicie. Gdy szkic jest gotowy, możesz zacząć przedstawiać elementy na głównym płótnie. Podczas rysowania nie naciskaj zbyt mocno ołówka. W przeciwnym razie po usunięciu nieprawidłowo narysowanej linii na papierze pozostaną ślady. Podczas tworzenia konturów obiektów nie należy rysować każdej linii, stosować szkic chaotycznymi ruchami. Należy mieć świadomość, że artyści do poszczególnych linii używają ołówków o różnej miękkości. W procesie wizerunkowym zestaw umożliwia tworzenie różnych efektów na papierze. Dlatego jeśli chcesz zrobić wszystko dobrze i przedstawić piękną martwą naturę z owocami, podejdź do wyboru „narzędzia” z wielką odpowiedzialnością.
Utwórz szkic
Jak wszyscy rozumieją, aby rozpocząć pracę, musisz najpierw stworzyć kompozycję. Musisz zdecydować, jakie będzie główne tło Twojego obrazu, a także jakie elementy będą na nim obecne – czy przedstawisz jeden przedmiot, czy zdecydujesz się na kilka. Możesz na przykład namalować martwą naturę owocami i warzywami lub urozmaicić swój obraz bukietem. Jako tło pożądane jest stosowanie gładkich tkanin. Następnie na papierze do rysowania określ środek kompozycji i naszkicuj szkic przyszłego obrazu. Pierwszą rzeczą do narysowania są proste elementy: owal lub okrąg. Na przykład zwykłe jabłko jest przedstawione za pomocą koła; szczegóły w postaci małych kulek służą do szkicowania winogron. Najważniejsze jest, aby upewnić się, że obiekty znajdują się na swoich miejscach, to znaczy przestrzegać proporcjonalności.
Przedstawianie przedmiotów
Kiedy udało ci się poprawnie ustawić wszystkie obiekty na arkuszu, czas przejść do ich rysowania. Aby to zrobić, wprowadź owoce do pokazanych liczb wyraźniejszymi liniami. Wyczyść wszystkie szczegóły, kontury i usuń linie pomocnicze. Aby stworzyć odpowiedni obraz, nie zapomnij o prawidłowym umieszczeniu cieni ołówkiem. Ta czynność jest wykonywana za pomocą kreskowania, początkowo przyciemniając najciemniejsze miejsca ze stopniowym przejściem do jaśniejszych. Cienie są rysowane niezwykle ostrym ołówkiem po nałożeniu warstwa po warstwie. Ostatnim krokiem jest sprawdzenie obrazu wszystkich obiektów, szczególną uwagę należy zwrócić na układ tonalny.
Martwa natura z owocami - krok po kroku
Nauczmy się tworzyć obraz na przykładzie pomarańczy, winogron i kiwi. W tym celu lepiej jest używać prawdziwych przedmiotów, więc kupuj je z wyprzedzeniem. Uwierz mi, dla zdobycia umiejętności i treningu lepiej jest czerpać z natury. Aby ułatwić Ci stworzenie swojego pierwszego arcydzieła, ściśle przestrzegaj naszych instrukcji.
Szczegóły rysunku
Najpierw nakreślamy położenie owocu na papierze. Aby przedstawić połówki kiwi i pomarańczy, należy narysować ukośne linie, a dopiero potem narysować owale. Teraz możesz przejść do bezpośredniego rysowania owoców. Zacznijmy od pomarańczy. Aby to zrobić, dzielimy jego szkic za pomocą linii pomocniczej na dwie części. Następnie w każdej połowie rysujemy plasterki, przedstawiając je jako trójkątne sektory.
Obszar, w którym powinny znajdować się winogrona, jest wypełniony kółkami, aw przypadku kiwi rysujemy tylko rdzeń. Wskazane jest, aby rozpocząć kreskowanie szkicu z winogronami. Aby to zrobić, za pomocą najdelikatniejszego ołówka (8 „M”) narysuj każdy okrąg ruchem okrężnym. Należy pamiętać, że najjaśniejszym miejscem w winogronach powinien być środek, a także krawędzie. Odbywa się to tak, że jagody nie łączą się ze sobą. Przejdźmy teraz do rysowania pomarańczy. Na początek cieniujemy skórkę. Aby to zrobić, za pomocą ołówka „T” nałożymy kreskowanie w kształcie owocu. Następnie nałożymy plamy i kropki. Odbywa się to za pomocą ołówka „TM”. Możesz więc przekazać teksturę pomarańczy.
Narysuj plasterki owoców ołówkiem w kształcie litery „T”. Jednocześnie przesuwamy się od środka do krawędzi. Aby dokładniej oddać obraz owocu, rysujemy „pióra” ołówkiem „TM”. Aby rysunek był bardziej podobny do oryginału, użyj gumki, aby zaokrąglić rogi i wytrzyj małe kółko na środku. Czas przedstawić kiwi. W tym celu ołówkiem „TM” wykonujemy pociągnięcia po jego powierzchni (bez docisku). Aby nadać owocowi więcej realizmu, z silniejszym naciskiem wykonamy małe linie na powierzchni. Teraz narysujmy rdzeń. Na środku kiwi ołówkiem „TM” narysuj promienie (kilka warstw). Przekażemy więc teksturę prawdziwego owocu. Miękkim ołówkiem rysujemy nasiona, a następnie za pomocą gumki rozjaśniamy środek.
liść winogronowy
Jeśli masz wolne miejsce na polu roboczym, możesz dodać do martwej natury element, taki jak liść winogrona. Aby to zrobić, przedstawiamy kształt arkusza w postaci szpatułki. Następnie stworzymy żyły, które koniecznie muszą wychodzić z jednego punktu (jest to charakterystyczna cecha liścia winogron). Wykonujemy dokładniejszy szkic kształtu liścia. Teraz możesz dodać mniejsze gałęzie do żył i stworzyć rogi tego elementu. Zacznijmy cieniować. Ołówkiem „T” od punktu zbieżności żył narysuj przerywane linie do końców elementu. Następnie dodajmy objętość.
Aby to zrobić, nałóż dodatkową warstwę ołówkiem „TM”. Ale musisz to zrobić tylko na krawędziach i na górze arkusza. Ostatni etap rysowania obejmuje nakładanie cieni i wyraźniejszy obraz żył liścia. Twój obraz jest gotowy. Wiele osób uważa, że rysowanie martwej natury z owocami jest znacznie łatwiejsze niż rysowanie na przykład martwej natury z bukietem. Zasadniczo nie ma dużej różnicy między tymi obrazami. Podczas tworzenia obu tych rysunków konieczne jest zobrazowanie każdego szczegółu. Jedyna różnica polega na tym, że martwe natury z owocami i kwiatami mają więcej elementów.
Opis:
Wstęp jest długi, nudny i nieciekawy, więc przejdę od razu do sedna. 1. Narzędzia. Przede wszystkim potrzebujemy referencji. W tym przypadku jest to zdjęcie znalezione w Internecie. Możesz sam ustawić naturę - o wiele bardziej przydatne jest rysowanie. Spróbuj poszukać takiego nawiązania, gdzie można by powłóczyć się i malować (draperie, jabłka) i...
Wstęp jest długi, nudny i nieciekawy, więc przejdę od razu do sedna.
1. Narzędzia.
Przede wszystkim potrzebujemy odniesienie. W tym przypadku jest to zdjęcie znalezione w Internecie. Możesz sam ustawić naturę - o wiele bardziej przydatne jest rysowanie.
Spróbuj znaleźć odniesienie, w którym możesz powłóczyć się zarówno z obrazami (draperie, jabłka), jak i smakowitymi detalami (liście). Niektóre szczegóły, wiesz, nie zawsze są dobre, zwłaszcza na wczesnych etapach nauki - sam obraz ginie za ich rysunkiem. Chcesz realistyczny rysunek? Weź aparat i rób zdjęcia. Naszym zadaniem jest przedstawienie natury (lub odniesienia) tak, jak my ją widzimy, a nie tak, jak widzi ją kamera.
(ref ma raczej słabą kolorystykę, więc zdecydowałem się na zobrazowanie najbliższego jabłka na żółto)
Oczywiście potrzebujemy też różnych przybory do sztuki, Jak na przykład:
- akwarela (w szelkach, w tubach - wedle uznania);
- papier akwarelowy przygotowany do pracy (czyli rozciągnięty na tablecie), rozmiar - większy niż A3, jakość - znowu, według twojego gustu, nie mamy dużego wyboru w mieście, więc tutaj nie mogę nic doradzić;
- płyn maskujący (niekoniecznie w tym przypadku);
- sztalugę (osobiście nie lubię rysować na stole, bardziej przywykłem do pracy na płaszczyźnie pionowej);
- artykuły papiernicze - pędzle (najlepiej wiewiórka nr 2, nr 3 i nr 4 do tła), słoiczek z wodą (który należy zmieniać jak najczęściej), paleta (jakiej palety użyć kwestia twojego przyzwyczajenia), kawałki papieru do korekty, czysta szmatka i linijka, długopis (jeśli używasz płynu maskującego).
2. Szkic ołówkiem. Początek pracy.
W tworzeniu ołówkowego szkicu martwej natury ta lekcja może ci pomóc: Liniowo-konstruktywny rysunek martwej natury.
Najpierw określamy granice naszej martwej natury: dolna granica to miejsce, w którym leży żółte jabłko; góra, prawo i lewo - tam, gdzie liście osiągają maksimum. Za pomocą ołówka (linijki, ale lepiej wytrenuj oko) możesz od razu określić na podstawie zdjęcia, o ile większy będzie ten prostokąt na szerokość niż na wysokość. Zmierz odległości w porównaniu z określoną wartością. 
Następnie zaznacz miejsca (ślady stóp), na których stoi każdy z przedmiotów na stole - oceń, jak daleko jest szklanka od czerwonego jabłka, niż czerwone jabłko od żółtego. Następnie ponownie za pomocą ołówka i okulisty określ granice każdego obiektu (ponieważ szkło jest obiektem symetrycznym, zarysowujemy dla niego również linię środkową - dokładnie na środku prostokąta). Radzę w ogóle nie używać linijki na tych etapach. 
Nakreśl schematycznie główne gałęzie jesiennego bukietu, na których znajdują się liście. Jeśli wyjdziesz trochę poza zamierzoną granicę - to nie jest straszne. Najważniejsze jest trochę. 
Budujemy jabłko. Po raz pierwszy w życiu postanowiłem spróbować rysować; fasetowany; owoc. Wyszło ciekawie, choć wielu moim znajomym (w tym tacie) się to nie podobało. Chyba nie jestem w stanie zdradzić algorytmu budowy jabłka w ten sposób – trzeba po prostu poczuć jego kształt, wszystkie wybrzuszenia i wgniecenia. Apple mieści się w granicach nakreślonych wcześniej. Określ również szerokość dna szklanki (nawet jeśli dno nie jest tak naprawdę widoczne - gołym okiem) i symetrycznie narysuj dwie nachylone linie - przyszłe ściany naczynia. 
Drugie jabłko jest takie samo: 
Tutaj od razu zarysowałem fałd materiału, który lekko zakrywa spód owocu.
Oceń lokalizację wszystkich liści i staraj się nie rysować ich osobno, ale dopasować do ogólnego obrazu. Zaznacz swoje wyimaginowane granice tego bukietu. Oczywiście wiele rzeczy nie będzie zbieżnych z referencją, ale to nie ma znaczenia. 
Na tym etapie możesz już wymazać ogólne granice martwej natury, które nakreśliliśmy na samym początku.
Najbardziej czasochłonnym krokiem jest rysowanie liści. Wystarczy przyjrzeć się bliżej wzornictwu, obfitości rozmiarów, kształtów i nachyleń każdego liścia. Nie przejmuj się zbytnio kompozycją - na zdjęciu jest już dobrze osadzona. Nie przywiązuj się do jednej gałązki - narysuj od razu cały bukiet, najpierw schematycznie, w szkicach, później - rysując detale. Radzę zacząć rysowanie liścia od dwóch linii - głównej żyły, która biegnie wzdłuż całej długości liścia, oraz teoretycznie równoległej żyły linii środkowej, która charakteryzuje najszerszą część liścia. Ale ponieważ liście są w większości nachylone do nas pod kątem, te dwie linie nie przecinają się pod kątem prostym. 
Obrysowujemy również ogony jabłek.
A ostatni etap szkicu ołówkiem to mała stylizacja. Wystarczy wstawka w postaci prostej wstążki z elementami czerwonych i czerwonawych liści. 
Rozjaśnij trochę gumką takie momenty jak na przykład brzegi jabłek, czy samą stylizowaną wstawką, aby nie raziły w oczy i nie wystawały mocno pod warstwami akwareli.
3. Zacznijmy od akwareli.
Aby rozpocząć, „kup” przyszłą pracę w czystej wodzie - wystarczy równomiernie zwilżyć całą powierzchnię papieru. Wskazane jest, aby zrobić to na wszystkich akwarelach przed rozpoczęciem malowania: podczas rysowania ołówkiem papier jest pokryty cienką warstwą tłuszczu z palców, który czasami może kolidować z wodą i samą akwarelą na powierzchni. 
(pracę zwilżyłem dwa razy - wieczorem po szkicu i rano do malowania na mokrym tle; spokojnie można to zrobić raz)
Jako tła używamy TYLKO palety i TYLKO rozcieńczonych akwareli, aby zapobiec pojawianiu się jasnych plam, których nie można zmyć ani zgasić bez zabrudzenia. Na palecie ingerujemy kolorami, które widzicie/chciałybyście zobaczyć na zdjęciu. Na przykład postanowiłem, że tło nie będzie niebieskie, ale bardziej niebieskawe, a szmatkę za stylizowaną wstawką pozostawię całkowicie białą. Tło nie zadziałało dla mnie, ale jestem pewien, że poradzisz sobie znacznie lepiej.
Wziąłem takie kolory - niebieskawo-niebieski, szaro-turkusowy, pomarańczowy (z dodatkiem niewielkiej ilości fioletu dla zmniejszenia jasności), mocno rozcieńczoną cytrynę, trochę fioletu.
Pionowymi pociągnięciami zaczynamy malować tło. Widziałem tam fałdy dość abstrakcyjnie, zwłaszcza biorąc pod uwagę, że tło powinno być minimalnie kontrastowe i jasne (bo liście i jabłka są ciemne). Piszemy na mokro. Upewnij się, że farba nie spływa tam, gdzie nie jest to konieczne - I; to tylko na niektórych liściach. Jeśli zauważysz, że pod spodem zbiera się kropla, która ma zamiar spłynąć – szybko nasącz pędzelek szmatką/ustą i zbierz tę kroplę nie dotykając papieru. Jeśli trzeba coś rozjaśnić – będąc mokrym, można też zmoczyć pędzel i wysuszyć, aby zebrać wilgoć z papieru – farba rozjaśni się, ale nie uda się jej całkowicie usunąć.
Na pierwszej warstwie farby nie radziłbym mocno rozróżniać tonów i niczego nie rozmazywać. Pierwsza warstwa to rodzaj podszewki pod główną: nadaje kierunek kolorowi i kształtowi. 
Po prawej stronie zostawiłem postrzępione krawędzie - nawyk nie malowania do końca. Wykonuje się je półsuchym pędzlem z farbą, bokiem, na suchej lub lekko wilgotnej powierzchni.
Przypominam: pierwsza warstwa jest rysowana bardzo rozcieńczoną farbą, a na końcu wychodzi bardzo jasna. 
(Nie przerabiałem specjalnie tego zdjęcia w Photoshopie - nie zwiększałem kontrastu, aby było jasne, jak jasne jest naprawdę tło)
Drugą warstwę rysujemy już na sucho (czekamy, aż pierwsza wyschnie) i malujemy daleko od wszystkiego, co zostało zamalowane jako pierwsze. Tutaj dodałem cienie i „pofałdowanie” na prawo od liści, na prawo od szyby zacząłem rysować fałdę (swoją drogą tu i ówdzie dodajemy malinowe odcienie - tak jak będą na liściach - tak że obraz współgra kolorystycznie, a bukiet później nie wygląda na wyciętą), dodałem cień z jabłek i z liści po lewej stronie (jest też czerwony kolor na fałdzie po lewej stronie jabłka - wtedy ja " trochę „przytłumiłem” - wypłukałem wodą podczas wysychania). Zaczęłam też rysować draperię pod jabłkami - jest biała, co oznacza, że refleksy są na niej bardzo dobrze widoczne. W tym przypadku celowo przejaskrawiłem te refleksy dodając takie pseudoodbicia z jabłek, aby szmata nie wyróżniała się mocno swoją „czystością”, że tak powiem. 
Następnie trzecią warstwą dodałam cień na tkaninę z prawego liścia (dużego), wzmocniłam cień fałdy nad nim i wyciszyłam miejsce, które chciałam pozostawić niepomalowane (gdzie są poszarpane krawędzie). Nie bądź leniwy, aby od czasu do czasu cofnąć się, umieścić swoją pracę i ocenić ją. Robię to prawdopodobnie po każdych dwóch, trzech pociągnięciach, zwłaszcza w tle. 
Potem dostrzegłem w tej pracy epicką porażkę i pomyślałem, żeby ją całkowicie porzucić. Czy tło jest okropne? Nadal tak. Ale tak naprawdę tło nie odgrywa tutaj praktycznie żadnej roli - po to jest tło. Ponadto konieczna jest ocena już wykonanej pracy, ale na razie to dopiero początek.
Postanowiłam na razie zostawić draperie i przejść do samych obiektów i liści.
Jak już powiedziałem, zostawiam tło, ponieważ zawsze będę miał czas, aby je sfinalizować, ale w żadnym wypadku nie powinienem niczego zepsuć. Ogólnie rzecz biorąc, jeśli coś ci się nie podoba w swojej pracy, zostaw to, narysuj coś innego, ale nie próbuj tego poprawiać kilka razy z rzędu. Praca straci przezroczystość i akwarelę.
Trochę o planowaniu. Tłem jest draperia, środkowa jest szklanka z liśćmi, a pierwszym planem są same jabłka. Jak zgłosić plany? Jest wiele sposobów.
Jednym z nich są warstwy farby akwarelowej. Im mniej warstw, tym dalej znajduje się obiekt. Aby zmniejszyć liczbę warstw, musisz natychmiast narysować mniej lub bardziej skoncentrowaną farbą, spróbuj za pierwszym razem przekazać wszystkie kolory, kształty, odcienie obiektu. Aby dodać liczbę warstw, używamy mocno rozcieńczonej farby, uzyskując jasność i nasycenie kolorów poprzez nakładanie tych warstw.
Kolejnym jest kontrast i szczegółowość. Spójrz na gotową wersję tej pracy. Zwróć uwagę, jak luźna jest draperia, szczególnie za liśćmi i po lewej stronie. Dosłownie jedna warstwa farby i prawie zero kontrastu. Teraz przejdź do liści. Czy są jakieś szczegóły? Wiele. Warstwy? Trzy lub cztery na najbliższych liściach, a na odległym lewym i poniżej - dwa lub trzy. Czy to duży minus - zbyt jasne smugi, które powinny być jeszcze bardziej stłumione. Same jabłka są bardzo skąpe w szczegółach (akwarelą nie oddam nakrapianej faktury ich skórki, to na pewno), ale ich segmentacja, wyrazistość i mocny kontrast (zwłaszcza w żółtym jabłku - biały refleks, bardzo ciemny cień ) przesunąć je do przodu.
I jeszcze jedno – kolor. Pamiętaj, że czerwony przybliża, a niebieski oddala. Dlatego spodobało mi się to zdjęcie - wiedziałem, że zdjęcie okaże się obszerne, ponieważ draperia jest niebieska, a główne obiekty czerwone. Ale nadal malowałem liście, często dodając niebieski, aby nie wspinały się na pierwszy plan.
Zacznę od szklanki. Podobało mi się w nim również odblaski po prawej stronie zdjęcia i sposób, w jaki liście są widoczne przez szybę. To właśnie staramy się przekazać. Najpierw napełniamy szklankę wodą (brzmi nieźle, to znaczy – zwilżamy powierzchnię papieru w granicach szklanki) i rysujemy kolorową podszewkę, pozostawiając po prawej stronie prawie białe miejsca na płyn maskujący, po lewej - niebieski refleks od tkaniny, a na dole, bliżej jabłka, również nasycenie kolorów i tonacja ustępują - aby wizualnie odsunąć szkło.
Używamy niebieskiego, pozostałego z draperii, pomarańczowo-brązowego „Mars Brown”, dla ciemnych odcieni nieodzowną mieszankę fioletu i pomarańczy, trochę maliny i po prostu pomarańczy. 
Bierzemy również pod uwagę rysunek na szkle. To prawda, przez nieuwagę wygiąłem go w drugą stronę, ale nikt jeszcze nie zauważył tego drobiazgu
Nakładamy płyn maskujący - z prawej strony, gdzie występuje odblask - obficie, trochę na zdjęciu, tylko trochę z lewej i na górze, wzdłuż krawędzi szyby. UWAGA; Czekamy, aż papier CAŁKOWICIE wyschnie przed nałożeniem na niego maskowania - w przeciwnym razie folia odklei się wraz z papierem (wiele osób miało ten problem, w tym ja). 
Lepiej jest aplikować żelaznym pisakiem - jak tylko go zanurzysz, potrząśnij lekko pisakiem na kartce papieru (lekko go postukaj), aby strząsnąć nadmiar. Po wyschnięciu płynu na długopisie bardzo, bardzo łatwo jest go zerwać jednym filmem, w przeciwieństwie do pędzla. Ponadto piórem można rysować bardzo cienkie i zgrabne linie.
Przy bardziej nasyconych tonach dodamy kontrast i cienie wewnątrz szkła, ale nie zapomnij zostawić niektórych miejsc (na przykład pomarańczowego - tam, gdzie liść wewnątrz szkła uderza w światło). Poza tym po drodze dopracowałam trochę białą draperię pod jabłkami - dodałam kolory po prawej stronie, sfinalizowałam fałdy. 
Warstwę płynu można usunąć tam, gdzie okazała się zbyt lekka - stłumić.
Liście.
Rysujemy je według jednej ogólnej zasady: mokre z wodą -> mokra podszewka koloru -> nakładamy żyłki płynem maskującym -> jeszcze dwie lub trzy warstwy wykończenia na sucho.
Najważniejszą rzeczą do zapamiętania jest to, że podczas finalizacji nie należy zbytnio zmieniać koloru, który był na podszewce. Tutaj na przykład zaczęliśmy od dużych liści po prawej stronie (i kilku małych z tyłu). Jak widać, podszewka zawiera kolory niebieski, żółty, malinowy i pomarańczowy, z wyjątkiem tego, że nie ma zielonego. Po pierwsze nie zapomnij o całkowitej objętości bukietu liści - światło pada z prawej strony i z góry oraz z przodu, a nie z boku - czyli liście (zwłaszcza środkowe) będą jasne i kontrastujące zarówno pod względem koloru, jak i tonu. Po drugie, malując drugą warstwę, nie powinieneś żółknąć lub pomarańczowo na np. niebieskiej podszewce - powstaje brud. Spróbuj po prostu zwiększyć jasność kolorów, dostosowując ją tu i tam. To jest akwarela - w tej technice wszystko od pierwszej warstwy będzie widoczne przez kolejne warstwy. Po trzecie - nie spiesz się i nie zadzieraj z liśćmi. Lepiej, jeśli się nie uda, zostaw to na później - zawsze będziesz miał czas, aby to sfinalizować. Po czwarte – w kolejnych warstwach zostawiaj z tą warstwą coraz więcej „niepomalowanej” przestrzeni.
Mokra podszewka: 
Żyły z maską (nie wszystkie żyły są widoczne na wszystkich liściach): 
Druga warstwa (pomarańczowo-żółta na żółtej podszewce, niebieska na niebieskim): 
Trzecia warstwa - pozostaw miejsca, przez które patrzy druga: 
Czwarta warstwa uwydatnia niektóre cienie. 
Następnie ostrożnie zdejmij folię (tylko gdy farba wyschnie!). Widzimy, że żyły wyszły za jasne. Wtedy wyciszę je na pewnym etapie.
Kolejna wskazówka - następną warstwę farby należy nakładać dopiero po CAŁKOWITYM wyschnięciu poprzedniej, aby uniknąć zabrudzeń i zabrudzeń.
I tak kawałek po kawałku pracujemy nad całym bukietem. Bardziej poprawne byłoby napisanie wszystkich kartek na raz, ale nie jestem jeszcze na takim poziomie - nerwy by tego nie wytrzymały.
Po drodze dodajemy urozmaicenia: kolory zielony i niebieski, zmieniamy tonację każdego liścia. 
Teraz są od nas bardziej odległe liście. Dla nich nie użyjemy płynu maskującego. Żyły uzyskałam, bo starałam się obejść z podszewką i jedną (maksymalnie - dwiema) warstwą, w której miejsca "ręcznie" omijałam. 
Dodałem również cień z prawych dużych liści na draperii, po prawej stronie kielicha. Po drodze pracowałem tu i tam na tle, gdzie mi to nie odpowiadało.
W przybliżeniu w taki sam sposób, jak liście, rysujemy stylizowaną wstawkę (bez maskowania). 
Nic nie zostało.
Jabłka.
Na jabłkach będzie wiele warstw, zwłaszcza na żółtym. Nie bój się. Po prostu używaj mniej nasyconych kolorów.
Zacznę od żółtego. Na początek, podobnie jak w przypadku liści, zwilż jabłko i narysuj podszewkę. 
A potem ja - w kawałkach-sektorach, a ty - próbujemy w pełni opracować jabłko z drugą, trzecią, czwartą, piątą, a nawet szóstą warstwą. Nie przesadź. Pamiętaj, że używasz stosunkowo rozcieńczonych farb.
Aby owoc błyszczał, trzeba się liczyć z dużą ilością refleksów i refleksów (ja nałożyłam go na sam koniec białym gwaszem).
Schemat, skąd, skąd i jakiego koloru powinny być odruchy: 
Podobnie jest z czerwonym jabłkiem. Przy ostatnich warstwach, a także na liściach, które malowaliśmy bez maski, staraj się nie zakrywać całego jabłka, ale zostaw gdzieś warstwę „poniżej”, aby można było przez nią przejrzeć. 
Martwa natura to gatunek sztuki, w którym artysta uchwycił przedmioty natury nieożywionej. W tłumaczeniu z francuskiego brzmi to tak: „martwa natura”. Dokładniejsze jest jednak angielskie wyrażenie martwa natura, które tłumaczy się jako „martwa natura”.
Piękno gatunku
Martwa natura jako gatunek powstała w XVII wieku w Holandii. Przedstawiając zwykłe przedmioty, artyści starali się wyrazić swoją plastyczność, a nawet poezję. W całej historii malarstwa mistrzowie swobodnie eksperymentowali z formą, kolorem, fakturą rzeczy, rozwiązaniami kompozycyjnymi w wykonaniu rysunku.
Występuj etapami - dla początkujących artystów zadanie nie jest takie trudne. Najważniejsze jest, aby wybrać odpowiednią kompozycję i zobaczyć ją w perspektywie przestrzennej. Ta mała lekcja pomoże zrealizować wskazaną próbę.
Jak narysować martwą naturę ołówkiem
Przyjrzyjmy się krok po kroku, od czego zacząć pracę, jak nie pomylić się z rozmieszczeniem obiektów w przestrzeni obrazu i poprawnie zobrazować światło i cień. Pierwszą rzeczą do zrobienia jest wybranie obiektów do martwej natury. Nie powinieneś zaczynać rysować zbyt skomplikowanych obiektów, lepiej jest wziąć do rysowania najzwyklejsze rzeczy o geometrycznie zrozumiałych kształtach: filiżankę, owoc, pudełko. Możesz korzystać ze zdjęć, ale lepiej jest zwracać uwagę na naturę, ponieważ tylko dzięki niej będziesz miał więcej okazji do szczegółowego zbadania obiektów i wyjaśnienia szczegółów. Gdy opanujesz sztukę martwej natury, będziesz w stanie komplikować formy i kompozycje.
Zadbajmy o oświetlenie
Zanim narysujemy martwą naturę ołówkiem, będziemy stopniowo ustawiać obiekty obok siebie, nie zapominając o źródle światła. Obiekty mogą znajdować się w pewnej odległości, ale będzie ciekawiej, jeśli będą lekko zachodzić na siebie krawędziami. Strumień światła z lampy pozwoli bardziej wyraziście zaakcentować kontrast odcieni i refleksów. Lepiej, jeśli spada na boki. Opierając się nie na sztucznym, ale na świetle słonecznym, należy pamiętać, że oprawa nie stoi w miejscu, więc zmienią się kąty światła i cienia.
Zacznijmy rysować
Zanim narysujemy martwą naturę, będziemy stopniowo zaznaczać ołówkiem położenie obiektów, jak ich krawędzie i linie przecinają się ze sobą. Doprecyzujmy płaszczyznę, na której leżą przedmioty, za pomocą poziomej linii za kompozycją, która wyznacza granicę między stołem a ścianą. Nakreślmy perspektywę: aby przedstawić obiekty w przestrzeni trójwymiarowej, pamiętajmy, że nie można ich narysować na tej samej linii. Rozmiary obiektów, które są bliżej nas, będą przedstawiane jako większe niż te, które są dalej.
Wykonujemy szkic z lekkimi przesuwanymi liniami. Aby nie pomylić się z proporcjami obiektów, wyobraź sobie w myślach środkową oś dla każdego z nich. Możesz to zobrazować na kartce, na której rysujemy martwą naturę ołówkiem. Krok po kroku naszkicujemy kształt geometryczny leżący u podstaw każdego obiektu iz niego stworzymy sam obiekt. Jabłko i filiżanka będą oparte na kołach, pudełka z równoległościanów, cukiernica na podstawie kwadratu, a jej wieczko jest owalne.
Po zdefiniowaniu kształtów zaczniemy udoskonalać obiekty za pomocą schludnych i pewnych linii. Za pomocą gumki pozbądź się początkowych pociągnięć.
Ostatnie kroki
Jak narysować martwą naturę ołówkiem, stopniowo tworząc objętość przedmiotów? Tutaj główną rolę odgrywają cienie i światła. Skopiujmy je z natury, gęstiej cieniując ciemniejsze partie obiektów. Ważne jest również zwrócenie uwagi na to, gdzie w kompozycji ciemnienie jest bardziej skoncentrowane, jak i gdzie przedmioty rzucają cienie na inny obiekt i na płaszczyznę.
Gotowy szkic doprowadzimy do perfekcji, poprawiając szczegóły rysunku, uszczelniając cienie i fakturę obiektów pociągnięciami.
Jak narysować martwą naturę - zacznijmy od prostego, powiedzmy, etapu przygotowawczego i stopniowo podchodź do rysowania samej martwej natury. Na tym etapie, dla lepszego zrozumienia tego, co robimy, proponuję kilka poniższych ćwiczeń. Nie malujesz tylko martwej natury, a zwłaszcza nie do szybkości? W końcu potrzebna jest dobra wiedza, która może stanowić dobrą bazę praktyczną, prawda? Następnie rozważ temat - jak narysować martwą naturę za pomocą tych ćwiczeń.
Rozwój proporcjonalnych zdolności widzenia poprzez analizę porównawczą objętości:
Znajdź butelki lub puszki - bez względu na wszystko, po prostu niezbyt skomplikowane. Ustawiasz je w szeregu, ledwie cztery lub sześć, i ćwiczysz oko. Spróbuj przeanalizować wysokość i szerokość każdego elementu oraz ich wzajemne relacje. Na początku możesz rysować tylko kontury. Wszystkie obiekty są rysowane na płaszczyźnie obiektu. Lubię to:
Kolejne zadanie:
Wykonujesz rysunek zmiętej kartki papieru, tektury, z analizą płaszczyzn pęknięć. Zauważ, że każda ściana przypomina ścianę sześcianu. Kiedy to zrozumiesz, zadanie nie wydaje się trudne. To ćwiczenie jest bardzo przydatne dla rozwoju oka. Lubię to:
Zadanie jest trudniejsze:
Jak narysować martwą naturę
Więc płynnie przeszliśmy do rysowania samej martwej natury. Ale teraz jesteś bardziej przygotowany do dobrego postrzegania materiału. Rysujemy martwą naturę, biorąc pod uwagę umieszczenie kompozycji na arkuszu (patrz kompozycja na rysunku). Łapiemy naturę martwej natury - czy jest wydłużona na długość, czy na szerokość. Pamiętaj, aby wziąć pod uwagę płaszczyznę obiektu, ponieważ wszystkie przedmioty leżą na niej i nie wiszą w powietrzu. Granice martwej natury znajdujemy w arkuszu, cofając się od góry arkusza o 10 centymetrów, po bokach o 7 centymetrów, od dołu - 3 cm. Nie spiesz się, najważniejsze jest, aby zacząć poprawnie, aby później nie „spieprzyć” całej pracy. Nie spiesz się, ponieważ teraz znajdujemy główne proporcje martwej natury:
Kiedy biorąc pod uwagę proporcje, ustaliłeś granice martwej natury na arkuszu, nadszedł czas, aby znaleźć granice i proporcjonalne proporcje każdego elementu z osobna. Proporcje ustalamy w trzech punktach. W żadnym wypadku nie zaczynaj rysować szczegółów martwej natury, układaj kreskowanie. Jeśli później zauważysz, że gdzieś nie złapałeś proporcji, będziesz musiał wymazać wszystko, co tam namalowałeś. W efekcie praca na samym początku zostanie nadpisana i nie wiadomo, jak będzie wyglądała na końcu:
Jeśli wszystko zrobiłeś dobrze, zrób sobie przerwę, napij się herbaty, jednym słowem zrób coś, żeby nie patrzeć na pracę i dać odpocząć oczom. Uwierz mi, za 20-30 minut zobaczysz coś, czego wcześniej nie widziałeś. Jeśli znajdziesz gdzieś błąd, popraw go, nie jest za późno. Jeśli wszystko jest w porządku, ruszamy dalej.
Kiedy znajdziesz miejsce na arkuszu dla każdego elementu martwej natury, spójrz na kompozycję: każdy element ma kształty geometryczne lub ich kombinację. Narysuj wyraźniej każdy obiekt, rozumiejąc, że każdy obiekt ma podstawę jakiegoś geometrycznego kształtu. Rysuj z perspektywą. Nie ma co przesadzać z naciskiem ołówka. Rysuj ołówkiem grafitowym T, TM, aby rysunek był przejrzysty i czysty.
Układamy wylęg:
Następnie zacznijmy cieniować. Ustalmy, gdzie mamy światło i cień w martwej naturze. Teraz nie potrzebujemy półtonów. Nie dotykamy światła, ale cieniujemy cień wszystkimi półtonami ołówkiem. Nie czerniej, bo nie będziesz miał mocy ołówka na ostatnie najciemniejsze cienie.
Po zdefiniowaniu światła i cienia nadszedł czas, aby przypomnieć sobie wszystkie ćwiczenia, których nauczyliśmy się w części dotyczącej podstaw rysunku. Kładziemy kreskowanie na obiekcie, gdzie światłocień zostanie rozłożony zgodnie z kształtem obiektu. Obiekty cofające się do perspektywy będą rysowane bardziej miękko. Pierwszy plan jest podświetlony. Jeśli jest to trudne, wróć do strony podstawy rysunku i powtórz wszystko jeszcze raz. Zasadniczo powinieneś skończyć tak:
