Kultura muzyczna starożytnej Rosji, począwszy od okresu kijowskiego i przez całe średniowiecze, miała dwojaki charakter.
bufony
Współistniały w nim jednocześnie dwie kultury o różnym pochodzeniu: ludowa i kościelna. Opanowując kulturę chrześcijańską wywodzącą się z Bizancjum, rosyjscy śpiewacy nieuchronnie musieli korzystać ze starych zasobów pogańskiej pieśni. Pomimo tego, że byli w stanie antagonizmu z powodu walki dwóch niekompatybilnych ideologii - pogańskiej i chrześcijańskiej - mieli ze sobą wiele wspólnego. Ich wspólne istnienie sprawiło, że byli związani i wzajemnie wzbogaceni.
Ale życie muzyki ludowej i kościelnej miało inny charakter. Przyswajanie muzyki kościelnej było książkowe, wymagało specjalnych szkół, a pieśni ludowe nagrywano dopiero w XVIII wieku. Starożytne rękopisy haczykowe, zachowane z przełomu XI-XIII w., żywo świadczą o pierwszym stadium rosyjskiej muzyki profesjonalnej i choć nie da się ich dokładnie rozszyfrować, w dużej mierze odzwierciedlają starożytną kulturę śpiewu.
Zabytki literatury i sztuki - kroniki, freski, ikony - opowiadają o muzyce starożytnej Rosji (IX-XII wiek). Życie biskupa nowogrodzkiego Nifonta (XIII wiek), nauki mnicha Jerzego (XIII wiek) oraz szereg innych dokumentów zawierają informacje, że muzycy występowali na ulicach i placach miast. Muzyka była obowiązkowym elementem świąt rytualnych – zapusty (odpędzanie zimy i powitanie wiosny), Iwana Kupały (przesilenie letnie) itp. Odbywały się one zwykle z dużym zgromadzeniem ludzi i obejmowały gry, tańce, zapasy, zawody jeździeckie, występy bufonów. Bufony grały na harfie, trąbkach, smarkach, tamburynach, rogach.
Muzyka grana była podczas uroczystych uroczystości na dworze książęcym. Tak więc zmianie potraw na biesiadach towarzyszyła muzyka instrumentalna lub epos. Na średniowiecznej miniaturze przedstawiającej scenę zawarcia pokoju między książętami Jaropolkiem i Wsiewołodem obok nich gra na trąbce muzyk. W czasie wojny za pomocą piszczałek, rogów, rogów, bębnów, tamburynów dawali sygnały i wytwarzali hałas, który miał przestraszyć wroga
Najpopularniejszym instrumentem była harfa. Historyk bizantyjski z VII wieku. Teofilakt pisze o miłości Słowian północnych (Wenedów) do muzyki, wspominając wymyślone przez nich cytary, czyli harfę. Harfa jako nieodzowny dodatek do bufonów jest wymieniana w starych rosyjskich pieśniach i eposach z cyklu Włodzimierza. To nie przypadek, że Bayan, epicki narrator-gusliar, jest śpiewany w Opowieści o kampanii Igora (XII wiek). Jednak stosunek do harfy był ambiwalentny. Szanowano ich za podobieństwo do instrumentu muzycznego biblijnego psalmisty króla Dawida. Ale ta sama harfa w rękach zabawnych bufonów została potępiona przez kościół. Bufony i ich artykuły gospodarstwa domowego, w tym instrumenty muzyczne, zniknęły w XVII wieku.
Bufony to rosyjscy średniowieczni aktorzy, jednocześnie śpiewacy, tancerze, trenerzy, dowcipni muzycy, wykonawcy skeczy, akrobaci i autorzy większości wykonywanych przez nich utworów słownych, muzycznych i dramatycznych.
Na repertuar bufonów składały się pieśni komiksowe, sztuki teatralne, satyry społeczne ("ponury"), wykonywane w maskach i "sukienka bufonowa" przy akompaniamencie beep, gusel, litości, domry, dud, tamburynu. Każdej postaci przypisano określoną postać i maskę, która nie zmieniała się przez lata. Występujące na ulicach i placach bufony, stale komunikujące się z publicznością, angażowały ją w swój występ.
Występy błaznów łączyły różne rodzaje sztuki - zarówno dramatycznej, jak i cyrkowej. Wiadomo, że już w 1571 r. werbowali „wesołych ludzi” do zabawy państwowej, a na początku XVII wieku. trupa znajdowała się w izbie rozrywki, zbudowanej w Moskwie przez cara Michaiła Fiodorowicza. W tym samym czasie, na początku XVII wieku, trupy bufonów miały książęta Iwan Szujski, Dmitrij Pożarski i inni.Bufony księcia Pożarskiego często chodziły po wsiach „dla swojego handlu”. Ponieważ żonglerzy średniowieczni dzielili się na żonglerów feudalnych i żonglerów ludowych, różnicowano także bufonów rosyjskich. Ale krąg „dwornych” błaznów w Rosji pozostał ograniczony, ostatecznie ich funkcje zostały zredukowane do roli domowych błaznów.
błazen
Około połowy XVII wieku. Wędrujące gangi stopniowo schodzą ze sceny, a siedzący tryb życia bufony przekwalifikowują się na muzyków i postaci scenicznych w zachodnioeuropejski sposób. Od tego czasu błazen staje się postacią przestarzałą, chociaż pewne rodzaje jego twórczej działalności przez bardzo długi czas żyły wśród ludzi. Tak więc śpiewak-bufon, wykonawca poezji ludowej, ustępuje miejsca przedstawicielom rodzących się od końca XVI wieku. poezja; żywa pamięć o nim zachowała się wśród ludzi - w osobie opowiadaczy eposów na Północy, w postaci piosenkarza lub bandurystki na Południu. Bufon-gudeci (gęsi, domrachi, dudziarz, surnachi), tancerz, który zmienił się w muzyka instrumentalnego. Wśród ludzi jego następcami są muzycy ludowi, bez których nie może się obejść żaden folklorystyczny festiwal.
W 1648 i 1657 Arcybiskup Nikon uzyskał dekrety zakazujące bufonady.
Jedną z najjaśniejszych stron rosyjskiej kultury duchowej i artystycznej jest starożytna rosyjska muzyka kościelna. Monumentalność i wielkość dawnej muzyki rosyjskiej wiąże się całkowicie ze skromnymi środkami wyrazu - śpiewem unisono, lakoniczną, surową kolorystyką brzmienia. P. A. Florensky w swoim „Dyskursie o nabożeństwach” mówi o szczególnej właściwości starożytnej rosyjskiej monodii: „Starożytny śpiew unisono lub oktawowy… to niesamowite, jak budzi się dotyk Wieczności. Wieczność postrzega się w pewnym ubóstwie ziemskich skarbów, a gdy jest bogactwo dźwięków, głosów, szat itp., to przychodzi ziemska, a Wieczność zostawia gdzieś duszę ubogim w duchu i ubogim bogactwom.
Starożytna Rosja postrzegała bizantyjską kulturę muzyczną i nową estetykę muzyczną wraz z chrztem jako bezpośrednie źródło, z którego rozwinął się nowy nurt muzyki, przeciwstawiający się pierwotnym gatunkom ludowym. Muzyka kościelna pojawiła się w Rosji po jej nawróceniu na chrześcijaństwo (988). Wraz z chrztem kraj otrzymał także kulturę muzyczną z Bizancjum. Wśród najważniejszych postanowień teorii i estetyki bizantyjskiej i starożytnej rosyjskiej sztuki muzycznej znajduje się idea jej oddania przez Boga, inspiracji.
Twórcy dawnej muzyki rosyjskiej unikali efektów zewnętrznych, upiększeń, by nie zakłócić głębi uczuć i myśli. Najważniejszą cechą średniowiecznej sztuki rosyjskiej był jej syntetyczny charakter. Te same obrazy zostały ucieleśnione różnymi środkami w różnych rodzajach sztuki, ale słowo to służyło jako prawdziwy rdzeń syntezy starożytnej rosyjskiej sztuki kościelnej. Słowo, jego znaczenie stanowiło podstawę śpiewów, melodie przyczyniły się do ich percepcji, doprecyzowania tekstu, odsadziły go, czasem ilustrowały. Kontemplacja ikon, słuchanie bliskich im w treści pieśni stworzyło taką jedność, która wywoływała wzniosłe myśli i uczucia. Ikona i rozbrzmiewający przed nią śpiew, modlitwa stanowiły puls kultury duchowej starożytnej Rosji, dlatego malowanie ikon i twórczość hymnograficzna zawsze była na wysokim poziomie.
Synteza sztuk, do której dążyli w swojej twórczości kompozytorzy XX wieku. w szczególności A. Skriabin był w istocie ucieleśniony w sztuce średniowiecznej. Starożytny rosyjski kult miał charakter misterium, podczas którego człowiek mógł otrzymać duchowe oczyszczenie, uwolnić się od ciążących na nim trosk i zamieszania i moralnie wznieść się.
Szereg informacji o muzyce pochodzi z XVI wieku. W szczególności zachowały się śpiewy, których autorem był Iwan Groźny. Według danych zawartych w źródłach można ocenić jego talent muzyczny.
Sztandarem literackim tamtych czasów było następujące wyrażenie: car udał się do klasztoru Trójcy Sergiusz „posłuchać śpiewu modlitewnego”. O tym, że wyrażenie to nie jest przypadkowe, przekonuje pewna „wariacja” we wzmiance o zainteresowaniu Iwana IV muzyczną stroną nabożeństwa: „A car i wielki książę słuchali owego współczesnego śpiewu, do którego do tej pory odbywał się chrzest ”. To jego zachowanie jest tym bardziej ciekawe, że zaobserwowano je podczas chrztu nowo narzeczonej żony Marii. Lub inne miejsce ze źródła: „Władca był sam ze swoimi duchowymi ojcami Andriejem arcykapłanami i zaczął się uzbroić, włożył na siebie yumshan i słyszy wiele wezwań i mówi do swoich sąsiadów: „Dzwony są słyszalne, jakby dzwony klasztoru Szymona” *. Jeśli weźmiemy pod uwagę, że każdy klasztor miał swój własny dzwonek, to należy uznać, że Iwan IV miał dobrą pamięć muzyczną.
Wraz z chrześcijaństwem Rosjanie zapożyczyli z Bizancjum bardzo rozbudowany i wyrafinowany system śpiewu świątynnego - osmoglas i system jego rejestracji - chorągwie, haczyki. Ponieważ najstarsze formy tego zapisu nie są dokładnie rozszyfrowane, pytanie pozostaje otwarte: czy Rosja przejęła śpiew kościelny bezpośrednio z Bizancjum, czy przez kraje południowosłowiańskie, ale jest oczywiste, że w XV-XVI wieku. Rosyjski śpiew Znamenny był całkowicie oryginalnym zjawiskiem artystycznym. Przyjęty z Bizancjum i stabilnych zasad pozostał ściśle wokalny charakter twórczości kościelnej – kanon prawosławny wyklucza stosowanie jakichkolwiek instrumentów; najbliższy związek między słowem a dźwiękiem; płynny ruch melodyczny; struktura liniowa całości (tj. forma muzyczna działała jako pochodna mowy, poetycka). Ogólnie rzecz biorąc, zasady te są w dużej mierze aktualne dla starożytnych gatunków epickich folkloru (rytuał kalendarzowy - pieśń pogańska miała swoje własne prawa).
W XVI wieku. w Moskwie powstały wzorcowe chóry – chórzyści suwerenni i patriarchalni. W tym samym czasie pojawiły się warianty pieśni głównego znamienia, pieśni podróżnych i demiestvenny, każdy z własnym systemem nagrywania, a także indywidualne wersje poszczególnych pieśni, które należały do danego mistrza, miejscowości, klasztoru itp. W XVI wieku . istnieje również całkowicie oryginalna rosyjska polifonia cerkiewna. Nieco później, w XVII wieku. Popularny stał się śpiew kijowski, grecki, bułgarski, częściowo związany ze śpiewem południowych i południowo-zachodnich cerkwi prawosławnych, ale nabierający w Rosji samodzielnych form.
Pierwszymi rosyjskimi nauczycielami byli śpiewacy greccy i bułgarscy.
16 wiek był to czas rozpowszechniania się wielu nowych lokalnych pieśni. Były śpiewy Kijowa, Włodzimierza, Jarosławia (według nazw miast), kosze łykowe, chrześcijan (według imion śpiewaków, ich autorów). Dzieła sztuki śpiewu kościelnego (troparia, kanoniki itp.) pozostawały z reguły, podobnie jak malowanie ikon, anonimowe. Niemniej jednak nazwiska wybitnych mistrzów XVI-XVII wieku znane są ze źródeł pisanych; wśród nich - Wasilij Szaidur, Nowogrodzcy (według innych źródeł - Karelianie) bracia Wasilij (klasztorny Varlaam) i Savva Rogovs; Iwan (klasztor Izajasz) Łukoszko i Stefan Gołysz z Uralu; Iwan Nos i Fedor Chłop (tj. Chrześcijanin), który pracował na dworze Iwana Groźnego.
Kolejne imię należące do szeregu bardzo znaczących w historii rosyjskiej sztuki śpiewu: Arcykapłana, a później Metropolity Andrieja. Wzmianki o nim w annałach przedstawiają go jako osobę muzycznie wykształconą.
Ogólnie XVI wiek. był w pewnym stopniu punktem zwrotnym w historii starożytnej muzyki rosyjskiej, i to bynajmniej nie tylko w sztuce wykonawczej śpiewu. Od tego czasu można mówić o pojawieniu się w Rosji „muzykologii teoretycznej”, której pierwszymi rezultatami były liczne alfabety śpiewu. A wiek XVII to okres swego rodzaju rozkwitu rodzimej muzykologii. Wystarczy tu wymienić nazwiska takich autorów, jak Nikołaj Diletsky, Aleksander Mezenets, Tichon Makarievsky. A kolejna epoka w historii muzyki rosyjskiej - epoka śpiewu partes - kojarzy się już z czysto profesjonalnymi muzyczno-teoretycznymi zabytkami kultury rosyjskiej.
Od połowy XVII wieku. w rosyjskiej sztuce śpiewu kościelnego następuje punkt zwrotny: powstaje nowy styl polifonii chóralnej - partes, rozpowszechniany w Moskwie przez śpiewaków pochodzenia ukraińskiego, białoruskiego i polskiego, oparty na normach zachodnioeuropejskiego pisarstwa harmonicznego. Jednocześnie zaczyna dominować notacja pięciowierszowa, choć pismo przechwytujące zachowało się dość długo (staroobrzędowcy używają go do dziś). Bardzo popularny staje się psalm duchowy (kant), następnie pojawiają się świeckie śpiewy chóralne – historyczne, militarne, miłosne, komiczne.
Nie ma jednolitej periodyzacji historii muzyki rosyjskiej. Zwykle dla średniowiecza wyróżnia się trzy okresy: przed najazdem mongolsko-tatarskim (XI-XIII wiek), okres moskiewski (XIV - początek XVII wieku), epoka przełomu (od przystąpienia Dynastia Romanowów w 1613 do panowania Piotra I, początek XVIII w.).
Następny XVIII wiek. często dzielony na dwa okresy - post-Petrynowy, naznaczony najsilniejszymi wpływami zagranicznymi, i Katarzyny (ostatnia trzecia część wieku), kiedy zaczynają pojawiać się oznaki narodowej szkoły muzycznej.
Pierwsza ćwierć XIX wieku zwykle uważany za epokę wczesnego romantyzmu, często ten czas nazywany jest również epoką „przed Glinką” lub „przedklasyczną”. Wraz z pojawieniem się oper M. I. Glinki (koniec lat 30. - 40. XIX w.) rozpoczyna się rozkwit muzyki rosyjskiej, którego apogeum przypada na lata 60.-1880. Od połowy lat 90. XIX wieku. a do 1917 r. (słuszniej byłoby przenieść drugą datę nieco dalej, na połowę lub nawet drugą połowę lat 20.), stopniowo rozwija się nowy etap, naznaczony najpierw rozwojem - na tle tradycji klasycznych - stylu secesji, a następnie inne nowe kierunki, które można podsumować terminami „futuryzm”, „konstruktywizm” itp. W historii muzyki rosyjskiej okresu sowieckiego okres przedwojenny i powojenny wyróżniają się, aw drugim wyznaczają początek lat 60. jako kamień milowy. Od końca lat 80. rozpoczyna się nowy, nowoczesny okres rosyjskiej sztuki muzycznej.
Oto, co mogę dodać. Kiedyś, będąc jeszcze studentem, napisałem esej o historii rosyjskich instrumentów ludowych, w szczególności domry... Oto czego się dowiedziałem: artykuł mówi, że arcybiskup Nikon w połowie XVII wieku uzyskał dekret zakazujący bufonady . I to nie był tylko zakaz. Skomorokhov został stracony. Wszystkie instrumenty, wszelkiego rodzaju nagrania muzyczne odebrano ludziom, wrzucono do wielkich wozów, wywieziono nad rzekę i spalono. Trzymanie instrumentu w domu było jak podpisanie własnego wyroku śmierci. Muzykę ludową uważano za „demoniczną”, a wykonujących ją za „opętanych przez demonizm”. Z rozkazu Kościoła wielkie dziedzictwo kulturowe Słowian i Rusinów zostało zniszczone i zastąpione zachodnią muzyką kościelną. To, co przyszło nam od tego czasu, to wciąż sto litrów wody w oceanie...
Muzyka tamtych czasów znana jest z różnych źródeł, a wiele danych jest wiarygodnych. Freski, różne kroniki, a nawet ikony służą jako źródła informacji, aby stworzyć pełny obraz typowego życia w czasach starożytnej Rosji. Dzieła nowogrodzkiego biskupa i mnicha Georgy zawierają jasne informacje, że muzycy występowali na ulicach i różnych placach miast. Oczywiście muzyka była ważnym elementem wszystkich świąt rytualnych, zwłaszcza tak popularnych i czczonych jak zapusty czy na przykład Iwan Kupała.
Wszystkim dużym zgromadzeniom ludzi, w tym różnego rodzaju jarmarkom, często towarzyszyły numery muzyczne. Podczas wesołej zabawy i celebracji rytuałów, zabawom i tańcom towarzyszyły typowe czynności rytualne. Zawody jeździeckie, występy błaznów i aktorów były tak samo popularne jak występy muzyków, więc już wtedy istniały objazdowe, czyli objazdowe grupy.
Oczywiście uroczystym wydarzeniom na dworze książęcym iw domach zamożnych mieszkańców towarzyszyła muzyka. U księcia rozbrzmiewały piękne melodie instrumentalne podczas zmiany potraw, a gdy goście zbierali się po posiłku, często w ogrodzie odbywały się koncerty.
szeregi muzyczne i wojskowe nie ominęły. Aby wzmocnić ducha walki i podnieść nastrój, a także utrzymać rytm podczas długich i męczących przepraw, zabrzmiała prosta, ale przyjemna muzyka. Przy pomocy trąb, rogów i rogów w czasie wojny dawali znaki i sygnalizowali zbiórkę. Tamburyny i bębny wydawały głośny dźwięk, co pomogło zastraszyć wroga i dodatkowo pokazało poważne zamiary.
Muzyka starożytnej Rosji nie różniła się różnorodnością, ale w tym czasie istniało już wiele różnych instrumentów. Wśród najczęstszych i przeszłych w historii, jako punkt orientacyjny i oryginalny rosyjski instrument, były gusli. Guslary bawiły się dla rozrywki i mogły opowiadać do muzyki różne eposy. Rytuał i autorzy byli zwykle magami, ale muzykę ludową reprezentowali bufony. Jako pierwsi osobiści wykonawcy w Rosji, bufony często używały różnych instrumentów, a oprócz gusli grali na piszczałkach, piszczałkach i piszczałkach.
Sztuka bicia dzwonów, jako wyjątkowy rodzaj muzyki i sztuki właściwy tylko w starożytnej Rosji, aktywnie rozwijała się po schwytaniu przez Tatarów-Mongołów. Trzy rodzaje dzwonienia, które istnieją do dziś, powstały właśnie wtedy. Te jednolite uderzenia w dzwon nazywają się blagovest, dzwonkiem opartym na numeracji i samym dzwonieniu, które stało się prawdziwym, niepowtarzalnym graniem w dzwon.
Muzyka kościelna, która pojawiła się po nawróceniu się ludności na chrześcijaństwo, rozwijała się stopniowo i opierała się na śpiewie. Jako najdoskonalszy instrument muzyczny za najważniejszy uznano głos ludzki, dlatego też podczas wszystkich nabożeństw zaczęto używać śpiewu. Powszechnie przyjmuje się, że pierwszymi nauczycielami w tym kierunku byli śpiewacy bułgarscy i greccy. Dzieła większości kościelnej sztuki śpiewu pozostały anonimowe, więc historia zachowała tylko kilka nazwisk wybitnych mistrzów. Wiadomo na pewno, że pieśni zostały nagrane i to przy pomocy notacji muzycznej. W podręcznikach alfabetycznych znajdowały się listy głównych banerów (symboli), ale nie były wyświetlane metody ich wykonania. Biorąc pod uwagę, że tradycja ustna zaginęła w procesie rozwoju innych kierunków muzycznych, nie jest możliwe odtworzenie śpiewów świątynnych z tamtych lat. Wiadomo jednak, że typowe pieśni były surowe, monofoniczne i zawsze powściągliwe. Aby nadać szczególny dźwięk, używali prostych melodii i częstego powtarzania pewnych dźwięków. Wraz z opisanymi pieśniami znamieninymi występowały równoległe pieśni kondakar, skomplikowane modlitwy pochwalne. Próbki takiego śpiewu zachowały się w najstarszych księgach śpiewu. Niestety nie da się rozszyfrować dostępnych danych z tego samego powodu, ponieważ specjalny system rejestrujący prawdopodobnie miał własne ustne prawa deszyfrowania.
Jako wyjątkowe i bardzo ciekawe, niezwykłe zjawisko, muzyka starożytnej Rosji zachwycała wszystkich, którzy ją słyszeli, ponieważ istnieją liczne zapisy naocznych świadków. Jednocześnie specjalne, oryginalne gatunki, które powstały na tym terytorium, nie rozprzestrzeniły się na cały świat, dlatego były znane daleko poza granicami Rosji. Eposy, bicie dzwonów, liryczne pieśni, gra na harfie i dyszy oraz wojskowe bębny poszerzały i wzbogacały dotychczasowe kierunki muzyczne. Nawiasem mówiąc, powszechnie przyjmuje się, że cerkiewno-słowiańska muzyka stała się pierwowzorem nowoczesnej, profesjonalnej muzyki akademickiej i stała się ważnym etapem rozwoju sztuki na skalę światową.
Biorąc pod uwagę ilość instrumentów muzycznych znanych i rozpowszechnionych w tamtych czasach, a także zaangażowanie muzyków w różne imprezy, można stwierdzić, że muzyka zawsze towarzyszyła człowiekowi. Właściwie i jako integralna część dziedzictwa kulturowego historii świata, muzyka starożytnej Rosji jest bardzo ważna.
Rozwijał się przede wszystkim jako muzyka wokalna. Jego początki sięgają rosyjskiej pieśni ludowej. Całe życie ludu (praca, życie, wiara itp.) znalazło odzwierciedlenie w pieśni ludowej. Z najstarszych pieśni znane są kołysanki i pieśni kalendarzowe (pieśni pogańskie związane z porami roku - pieśni wiosenne itp.). Mają wąski zakres.
Rozwijał się przede wszystkim jako muzyka wokalna. Jego początki sięgają rosyjskiej pieśni ludowej. Całe życie ludu (praca, życie, wiara itp.) znalazło odzwierciedlenie w pieśni ludowej. Z najstarszych pieśni znane są kołysanki i pieśni kalendarzowe (pieśni pogańskie związane z porami roku - pieśni wiosenne itp.). Mają wąski zakres.9-12 wieków - czasy Rusi Kijowskiej. W 988 Rosja przyjęła chrześcijaństwo. Pochodził z Bizancjum. Powstały 3 główne ośrodki kultury muzycznej:
1) Pieśń ludowa. W pieśni ludowej istnieje związek z pogaństwem. Utalentowani ludzie wyróżniali się spośród ludzi - błazny. Bawili ludzi wykonując nie tylko numery muzyczne, ale także cyrkowe. Byli prześladowani przez Kościół. Kościół nie aprobował muzyki instrumentalnej. Rozpoznawała tylko muzykę wokalno-duchową.
2) Dwór książęcy. Tutaj centralną postacią był piosenkarz-gawędziarz, który komponował i śpiewał pieśni i eposy o militarnych wyczynach księcia i jego oddziału. Akompaniował sobie na harfie. Na dworze używano również innych instrumentów - domry, rogów, beep (instrument smyczkowy z 3 strunami i smyczkiem).
3) Kościół. To jest najważniejszy cel. Rozwinięte pisarstwo, ikonografia. Pojawił się „znamenny śpiew” (XI-XVII w.). Są to śpiewy modlitewne, które wspólnie wykonywał chór męski. Z natury - ostre melodie o płynnej melodii i wąskim zakresie. Pieśni te zostały nagrane z transparentami (znakami), z których część to haczyki. Nie wskazywały dokładnej wysokości dźwięku, a jedynie kierunek melodii (w górę lub w dół). Pieśni te zostały skomponowane przez śpiewających mnichów. Najbardziej znanym z nich jest Fedor Krestyanin (jedno z najbardziej znanych dzieł to „Stikhira”), Savva Rogov. Teksty zostały najpierw przetłumaczone z bizantyjskiego. W XVI wieku sam Iwan IV (Groźny) napisał pieśni Znamenny. W przyszłości śpiew Znamenny stał się jednym ze źródeł rosyjskich klasyków muzycznych (Rachmaninow, Musorgski i inni).
W XII-XV wieku wyróżniało się księstwo nowogrodzkie. Tutaj sztuka muzyczna była nieco inna. Ludzie żyli dobrze. Kwitła bufoniera (tutaj nie była prześladowana przez Kościół). Eposy zostały skomponowane, ale gloryfikowały nie wyczyny księcia, ale zręczność, pomysłowość.
Późny XIV - XVI wiek - czasy Moskwy Rosji. W tym czasie rządzili Iwan Kalita, Dmitrij Donskoj, Iwan Groźny (XVI w.), który zjednoczył Rosję i odebrał Tatarom Kazań. O zdobyciu Kazania skomponowano piosenki i eposy. Na dworze Iwana IV bardzo rozwinęła się muzyka. Z zagranicy przywiózł organy, klawikordy i stworzył „Chór Śpiewaków Państwowych”. To rozkwit śpiewu Znamennego. Nabożeństwa były pompatyczne. W tym samym czasie pojawiła się pierwsza rosyjska polifonia (chant znamenny - monofonia). Zaczął się pojawiać śpiew liniowy - głos główny i głosy coraz niższe od głosu głównego. Urzędnik Ivan Shaydurov wprowadził nową notację - "znaki cynobru", w której wysokość dźwięku była już ustalona. Nagranie stało się doskonalsze.
Pieśni Znamenny zanikły w XVII wieku. 1613 - początek dynastii Romanowów (Michaił). Naród rosyjski nabiera kształtów. Są popularne zamieszki. Całe to życie znalazło odzwierciedlenie w pieśniach ludowych - pieśniach wolnych, piosenkach satyrycznych. Powstał nowy gatunek - liryczna pieśń ludowa (liryczne utrzymywanie się). To przede wszystkim piosenki o trudnym losie kobiecym (powolnym, ekspresyjnym, cierpiącym). Jednym z najjaśniejszych przykładów tego gatunku jest piosenka „Luchinushka”.
Rozwinęła się rosyjska polifonia. Wynika to w dużej mierze z przyłączenia Ukrainy do Rosji, na którą wpływ miała polska muzyka katolicka (śpiew chóralny). Rozwinął się „śpiew partesowy” – śpiew partiami. Najwyższym gatunkiem śpiewu partes jest duchowy koncert chóralny. Jest to wspaniały utwór chóralny na wiele głosów (myślenie akordowe). Musiało być żadnych narzędzi. Koncerty Partesnye napisał Wasilij Titow (napisał koncert na cześć zwycięstwa w Połtawie - 12 głosów), Nikołaj Bavykin.
W XVII wieku powstały nowe gatunki świeckie - kanty i psalmy (jedyna różnica polegała na tekście). W kantach jest tekst świecki, a w psalmach tekst duchowy. Gatunki te mają swoją własną charakterystykę – 3 głosy, w których 2 wyższe głosy są równoległe, a bas stanowi podstawę harmoniczną. Kanty były bardzo powszechne w XVIII wieku - w epoce Piotra I. Wtedy pojawiły się panegiryczne kanty (pochwała) na cześć zwycięstw Piotra I. Miały intonacje czwartej kwinty i były energiczne. Forma w nich jest dwuwierszowa. Późniejsze przeboje wpłynęły na muzykę rosyjską: Glinka - ostatni chór Iwana Zuzanina ("Chwała") - 3 głosy, skład pieśni (ma cechy hymnu i marsza); przejawia się to także w finale symfonii Głazunowa.
Notacja muzyczna na pięciu linijkach w nutach kwadratowych przybyła z Ukrainy do Rosji. Szczytem rozwoju stylu partes są duchowe koncerty chóralne Bieriezowskiego i Bortniańskiego. Bieriezowski jest muzykiem pańszczyźnianym. Był bardzo utalentowany. Za swój wielki talent został wysłany do Włoch. Tam uczył się u Padre Martiniego (nauczyciela Mozarta). Jego życie było tragiczne. Kiedy we Włoszech był już u szczytu sławy, jego książę nagle przypomniał sobie, że ma we Włoszech niewolnika i zażądał odesłania go do Rosji. Bieriezowski nie mógł znieść takiego żalu i popełnił samobójstwo. Koncerty chóralne Bieriezowskiego są na bardzo wysokim poziomie technicznym, porównywalnym do Mozarta. Posiadał ogromne umiejętności harmoniczne i polifoniczne. Jego koncerty składają się z różnych kontrastujących części (wśród nich są fugi). Szczególnie popularnym koncertem jest „Nie otwieraj mnie na starość” (przemówienie do Boga).
Dmitrij Bortniański żył do pierwszej połowy XIX wieku. Pisał nie tylko muzykę dętą, ale także instrumentalną - sonaty itp. Jest kompozytorem bardziej lirycznym niż Bieriezowski (Bierezowski ma więcej dramatyzmu).
XVIII wiek. Jasny czas. Wiek Piotra I i Katarzyny II. Rosja przechodziła wówczas gwałtowne przewroty i reformy. Otwarto pierwszą Rosyjską Akademię Nauk. Rozkwit różnych rodzajów sztuki: nauka - Łomonosow, rozkwit literatury - Trediakowski, Radishchev, Lotonovsky. Rozkwit malarstwa - portrety. Zaczęło się od reform Piotra. Piotr zakładał zgromadzenia, na których wykonywano modne wówczas w Europie tańce i muzykę instrumentalną. Każdy pułk miał własną orkiestrę dętą. Spośród gatunków muzycznych, cantes (panegiryk) na cześć zwycięstw wojskowych, koncertów duchowych, rozprzestrzeniał się Vedel (kompozytor). Pieśń ludowa była szeroko rozpowszechniona. Zainteresowała się miastem. Pojawiają się pierwsze zbiory pieśni ludowych (pod koniec XVIII wieku):
Kolekcja Trutowskiego
Lwów i Prach - Zbiór pieśni ludowych.
Kirsha Danilov - Zbiór pieśni ludowych.
i inne Pieśni ludowe w nich przetwarzane były w sposób zachodni – były zharmonizowane z basami albertyjskimi, wciskały muzykę w określony metrum (w muzyce ludowej występowała częsta zmiana metrum) – do domowego muzykowania. Pierwsze opery rosyjskie (koniec XVIII w.) skomponowano z rosyjskich pieśni ludowych. Składały się one (opery) z osobnych numerów z potocznymi dialogami. Pierwszą rosyjską operą bez dialogu mówionego jest Iwan Susanin Glinki.
W 1779 roku od razu ukazały się 3 opery rosyjskie. Pierwsze opery były komiczne.
1. „Młynarz jest czarownikiem, oszustem i swatem”. Tekst Ablesimova. Muzykę skomponował Sokołowski (aranżowane motywy ludowe).
2. „Petersburg Gostiny Dvor”. Tekst i muzyka Maatinsky'ego. Wydanie II z Paszkiewiczem.
Evstigney Fomin wyróżniał się wśród kompozytorów teatralnych. Napisał melodramat „Orfeusz” (gatunek francuski). To jest odczytanie tragedii do muzyki z muzycznymi wstawkami. Muzyka zaszokowała słuchacza dramaturgią. Jest uwertura. Napisany w duchu wiedeńskiej klasyki. Wewnątrz jest podobieństwo do Glucka i Haendla - wysublimowana muzyka.
W XVIII wieku pieśń ludowa rozprzestrzeniła się także na muzykę instrumentalną. Kompozytorzy pisali wariacje na tematy ludowe, ale materiał muzyczny często nie odpowiadał charakterowi wariacji, gdyż wariacja była wykonana na sposób zachodni - klasyczne wariacje ornamentalne. Tylko Glinka rozwiązała ten problem.
Drugim ważnym gatunkiem twórczości instrumentalnej są uwertury, w których narodził się rosyjski symfonizm, ale uwertury nie były samodzielne, lecz jako uwertura do opery lub melodramatu. Zaczął do nich również przenikać rosyjski materiał, ale nie zawsze.
Muzyka rosyjska początku XIX wieku przed Glinką
Na początku wieku otwarto pierwszą rosyjską organizację koncertową – Towarzystwo Filharmoniczne. Ale główne życie koncertowe koncentrowało się w świeckich salonach. Było też wiele orkiestr fortecznych i teatrów. Salon Delviga (poety) był bardzo popularny. Odwiedzili ją Puszkin, Glinka, Gribojedow i inni.
W XIX wieku istniały różne nurty artystyczne: sentymentalizm, romantyzm (zwłaszcza w poezji Żukowskiego), klasycyzm. Wszystkie te tendencje połączyły się w twórczość Puszkina, który wywarł wielki wpływ na całe życie artystyczne pierwszej połowy XIX wieku.
Dwoma głównymi gatunkami początku XIX wieku były opera i romans.
Opery stały się bardziej zróżnicowane gatunkowo – nie tylko komiksowe, ale także z elementem powagi. Kompozytor włoskiego pochodzenia Caterino Cavos jako pierwszy napisał operę „Ivan Susanin”. Ta opera była z dialogami mówionymi. Susanin w nim ma charakter domowy. W operze szczęśliwe zakończenie (Happy End).
Pojawił się nowy gatunek – opera baśniowo-fantastyczna. Pierwszym z nich jest „Lesta – Syrenka Dniepru”. Autorami są Kavos i Davydov. Muzyka oparta jest na rosyjskim materiale ludowym. Stąd można prześledzić drogę do „Syrenki” Dargomyzhsky'ego (w sensie gatunkowym).
W latach 30. - gatunek „opery romantycznej”. Wielkim mistrzem tego gatunku był Wierstowski – „Pan Twardowski”, „Wadim” (według Żukowskiego) i szczególnie popularny „Grób Askolda” (spisek ze starożytnej Rosji). Ta opera była wystawiana jeszcze po pojawieniu się Glinki. Wystawiono go na rok przed "Iwanem Susaninem" Glinki - w 1835 r. ("Iwan Susanin" - 1836).
Drugim popularnym gatunkiem pierwszej tercji XIX wieku był romans. Był to ulubiony gatunek zarówno profesjonalistów, jak i po prostu melomanów. W tych romansach nagromadziła się żywa emocjonalność i ekspresja. Romanse pisali zarówno profesjonaliści, jak i amatorzy do wierszy współczesnych poetów.
Rosyjski codzienny romans ma stabilne cechy. Mogły być pisane w gatunku elegii z rozszerzonym akompaniamentem. Ten romans jest refleksją filozoficzną.
Inną odmianą jest „rosyjska piosenka”. Powstała najpierw w poezji i miała pewne słownictwo, bliskie mowie ludowej. Ten gatunek pojawił się również w romansie (z podobnym słownictwem). Takie romanse wyróżniały się większą prostotą w muzyce niż inne romanse.
Kompozytorzy romansów szeroko stosowali rytm walca, mazura, bolera, poloneza. Romanse rosyjskie charakteryzowały się melodyjnymi melodiami, często z użyciem seksty (od V do III wieku). Drobny dominował z obowiązkowym odstępstwem od równoległego majora. W kadencjach często używano D7 z sekstą. Najpopularniejszymi autorami romansów byli: Zhilin, Titov, Gurilev, Varlamov, Alyabyev. Formy romansów są proste - dwuwiersz. Alyabyev - "Słowik", Varlamov - "Samotny żagiel staje się biały" (w rytmie poloneza), Gurilev - "Tiny House".
Może się mylę, ale moim zdaniem bufony, jakby z dzwoneczkami ...
W Rosji wędrowni muzycy i aktorzy nazywani byli mumerami, bufonami. Ich występy łączyły przedstawienia teatralne, grę na ludowych instrumentach muzycznych, tańce, parodie czynności rytualnych, gry, umiejętności magików, występy z wytresowanym niedźwiedziem, teatr lalek…
Bufonizm na zawsze zniknął z terenów Rosji w drugiej połowie XVII wieku. Dekretami patriarchy Nikona z połowy XVII wieku bufon został zabroniony i poddany surowym prześladowaniom.
Życie i twórczość wędrownych aktorów i muzyków dobrze opisują słowa piosenki:
„Jesteśmy wędrownymi artystami, dzień po dniu jesteśmy w drodze, a furgonetka na czystym polu jest naszym zwykłym domem.
Wędrujemy po całej ziemi, nie patrzymy na pogodę, gdzie będziemy musieli przenocować, co będziemy musieli zjeść.
Jesteśmy wielkimi talentami, ale zrozumiałymi i prostymi, jesteśmy śpiewakami i muzykami, akrobatami i błaznami”.
Gdybyśmy za pomocą wehikułu czasu byli na terytorium Rosji w okresie XII-XVII wieku, zobaczylibyśmy, jak artele i bandy wędrownych aktorów i muzyków przechodzą od wsi do wsi wiejskimi drogami do miast i wsie,
którzy zostali wezwani bufony.
Przybycie bufonów do wsi lub osady było dla mieszkańców prawdziwym świętem.
Przejściu na wiejski plac, gdzie zaplanowano przedstawienie, towarzyszyła gra na instrumentach muzycznych, śpiew i taniec. Wszyscy porzucili interes i pospieszyli za artystami.
Zarówno starzy, jak i młodzi zebrali się na występie na placu.
Dla zwykłych ludzi była to jedyna forma rozrywki i zabawy, która odpowiadała ich gustom i
potrzeby, ponieważ nie było wówczas fikcji i teatru.
Występy błaznów łączyły różne rodzaje sztuki ludowej. Używając masek, kostiumów, charakteryzacji, różnych rekwizytów, bufony pokazywały sceny lalkowe, śpiewały humorystyczne, komiczne, satyryczne, a czasem nieprzyzwoite piosenki, tańczyły do melodii granych na różnych instrumentach muzycznych.
Ludzie mówili: „Piosenki bufonów – zabawne, zabawne, zabawne”;
Po lalkach, pieśniach i tańcach bufony wykonywały cyferki akrobatyczne, sztuczki, pantomimę,
odgrywali humorystyczne sceny towarzyskie i codzienne, bezpośrednio komunikując się z publicznością i angażując ją w grę i przedstawienie.
Na szczególną uwagę zasługuje satyra społeczna - oszczerstwo, które było wykonywane w maskach i kostiumach błazna pod
akompaniament instrumentów muzycznych. W mroku wyśmiewano bogatych, duchownych, z sympatią pokazywano zwykłym ludziom - skecze o bojarze i petentach, o chciwym kupcu, komedię o Pietruszce.
Same bufony tworzyły skrypty, często improwizowane, były zaradne i ogólnie -
"śmieszni ludzie";.
Występ doradcy z „nauczonym niedźwiedziem” cieszył się ciągłym sukcesem. Niedźwiedź został poczęstowany butelką „wódki”; (woda miodowa), tańczył niezręcznie na tylnych łapach, stawał na przednich nogach, naśladował grę na instrumencie muzycznym i wykonywał inne rymowanki.
W gangu zawsze był kozioł w postaci „kozy”, zaczerpniętej z bożonarodzeniowej komedii o kozie i niedźwiedziu.
Po przedstawieniu wszyscy próbowali zaprosić bufony do swojego domu. Jako pierwszy wszedł „koza”, wychwalał właścicieli, życzył obfitych zbiorów i potomstwa zwierząt domowych. Następnie zaprosili resztę członków gangu do nakrytego stołu.
Po obiedzie przedstawienie trwało dalej, jeśli pogoda na to pozwalała - na podwórku, a jeśli nie - to w chacie. Żarty ciągnęły się dalej – dowcipy, bajki i opowieści, ballady i eposy, humor i bufonady, opowieści o innych krainach.
Wdzięczni mieszkańcy zebrali niewielką sumę pieniędzy "od społeczeństwa" , dawali jedzenie " na drodze " ; a następnego ranka banda wyruszyła do następnej osady.
Bufoniera w Rosji trwała do połowy XVII wieku. W 1657 arcybiskup Nikon uzyskał dekret królewski zakazujący bufonady.
Duchowni i rządzący nie lubili bufonów za ich związek ze starożytnym pogaństwem, niezależność od Kościoła, za zabawę i psoty, za krótkie kaftany, maski, za hipokryzję i krytykę duchownych, którzy werbalnie głosili ascezę.
Skomorochowa w Rosji nazywano: „Bogowie rosyjskiej sceny”; Nie tylko śpiewali piosenki, ale także pokazywali całe spektakle w formie (nowoczesnego) wesołego tańca z cyrkiem i pieśniami na zatłoczonych placach. Bufony, jak Cyganie, prowadziły niedźwiedzia. Ludzie przyjęli ich z radością.
Do innej kategorii muzyków w Rosji należały, jak ich nazywano „przechodni kaliks. Śpiewali duchowe pieśni, myśli i wędrowali po świecie jak bufony. Ale nie byli zaliczani do wędrownych aktorów.
Twórcy piosenek-gawędziarzy mieszkali kiedyś w Wielkiej Rosji. Komponowali, śpiewali i opowiadali eposy o rosyjskich bohaterach io życiu ludu: o księciu Włodzimierzu kijowskim Krasno Solnyszko i księżniczce Apraksji, ich potężnym oddziale, o bitwach z zaciekłymi wrogami, o obcych królestwach-państwach. Śpiewali o niewidzialnych cudach: Wąż-Gorynchishche, król morza Vodyanik z królową Vodyanitsa, Giant Idolische ... I powstała niezliczona liczba tych eposów, a nieskończona ich liczba chodziła po Rosji. I często pierwsze informacje o ich ojczyźnie, o jej bohaterach i wrogach, dzieci otrzymywały z ust piosenkarzy-gawędziarzy.
Najsłynniejszy piosenkarz rosyjskiej ziemi jest pamiętany przez ludzi do dziś - ma na imię Bayan.
Bayan, bracia,
nie dziesięć sokołów wypuszczonych na stado łabędzi,
ale ich prorocze palce
położył na żywych strunach;
Oni sami grzmieli do książąt.
Tak opowiada o Bayanie słynna opowieść o kampanii Igora. Opowiadacz był zręczny, a struny na jego cudownym instrumencie były „żywe” - sami śpiewali chwałę Wielkich Władców.
A ten instrument był bardzo stary - jego historia liczy ponad 14 wieków. Jej nazwa pochodzi od starożytnego słowiańskiego słowa „gruby” - brzęczeć, aw nim brzęczała struna, którą nazywano „gusła”. Tak więc brzęczące, gadające struny otrzymały swoją nazwę - "harfa".
Sznurki naciągnięto na specjalnym pudełku, podobnym do małego koryta. Aby struny brzmiały głośniej, głośniej, „gwałtownie”, pudełko przykryto specjalną pokrywą ze skóry lub drewna.
„Wezmę dźwięczną, yarovchaty harfę i ustawię harfę po staremu, zacznę dawne czasy, starą opowieść o czynach słowiańskiego rosyjskiego bohatera Dobrynyi Nikiticha. Cisza do błękitnego morza i posłuszeństwo ludziom ”- tak zaczyna się słynny epos o Dobrym Nikitichu. I śpiewali i opowiadali tę epopeję przy akompaniamencie dźwięcznej harfy.
Dźwiękowa harfa jest podobna do skrzydła ptaka lub figury geometrycznej - trapezu. Śpiewacy kładą harfę na kolanach, przechylając je w lewo. Struny szarpano albo obiema rękami, albo tylko prawą ręką, podczas gdy lewa w tym momencie delikatnie tłumiła struny. Później dźwięk zaczęto wydobywać za pomocą plektronu, czyli kostki, co rozjaśniło dźwięk. Na dźwięcznej harfie grano zarówno z grzechotaniem, jak na bałałajce, jak i „falami”, jak na harfie. Kilka harf grających razem wspaniałą muzykę nigdy nie nazywano zespołem, ale mówiono o nich jako o ludziach, którzy śpiewają w chórze, tak mówiono - o chórze harfowym.
Powoli epos o Dobrym Nikitichu przechodzi: „I przez dwanaście lat grał na harfie. Grał na harfie, komponował piosenki „...
Dźwięczna harfa ma wspaniałych potomków - harfy szarpane i klawiszowe. Szarpana harfa łączy w sobie elementy harfy, antycznej harfy słowiańskiej i cymbałów. Od tego ostatniego przyjęli ciało na czterech nogach, podobne do stołu. Metalowe struny o różnej długości i grubości dają muzykowi ogromne możliwości twórcze: wszelkie dźwięki - od najniższych do najwyższych - łatwo wychodzą spod magicznych palców harfmana, który szarpie struny obiema rękami.
Harfa klawiszowa jest podobna do fortepianu, a pojawiły się całkiem niedawno - mniej niż sto lat temu. Z wyglądu i struktury przypominają szarpane harfy, ale struny są ściśle poziome, a po lewej stronie znajduje się klawiatura fortepianu o zaledwie jednej oktawie. Najczęściej na tych harfach gra się akordami: klawisze naciska się lewą ręką, a otwarte struny są sortowane prawą ręką za pomocą plektronu.
Gusli jest uważany za główną ozdobę orkiestry rosyjskich instrumentów ludowych. Dzięki harfie muzyka ludowa brzmi równie głośno i donośnie, jak wiele wieków temu. A harfiści zawsze siedzą pośrodku, jakby prowadzili orkiestrę, okazując szacunek tak starożytnemu i tak szanowanemu instrumentowi w Rosji.
