Jakie style muzyczne wyrosły z jazzu. Muzyka jazzowa: cechy i charakterystyka

16 kwietnia 2013 r

„Autentyczny jazz kontra tłoczone rzemiosło muzyczne”.

Siergiej Słonimski

Główne prądy

Jazz jest wielopłaszczyznowy i wszechstronny. Ma wiele form i stylów ze względu na skupienie na improwizacji. Są takie nurty jak jazz tradycyjny czy nowoorleański, swing, bebop, big bandy, stride, jazz progresywny, cool i wiele, wiele innych dziedzin.

Jazz to muzyka, która nas wzbogaca, wypełnia i rozwija. To historia, ludzie, nazwiska, wielkie osobistości, które ją tworzyły i wykonywały, które poświęciły jej całe życie…

Muzyk jazzowy to nie tylko wykonawca. To prawdziwy twórca, tworzący na oczach publiczności swoją sztukę impulsywną – natychmiastową, kruchą, niemal nieuchwytną.

Dzisiaj porozmawiamy o tak niezwykłym gatunku muzycznym jak jazz, o jego stylach i trendach oraz oczywiście o ludziach, dzięki którym możemy cieszyć się tą niesamowitą muzyką...

„Nie graj w to, co już jest! Graj w to, czego jeszcze nie ma!

Te słowa wielkiego amerykańskiego trębacza jazzowego Milesa Davisa doskonale oddają istotę jazzu, jego specyfikę.

Jazz, jako forma sztuki muzycznej, ukształtował się na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych Ameryki. Gatunek ten jest oryginalnym wstrząsem kultury europejskiej i afrykańskiej.

Jazzu nie da się pomylić z innymi stylami, bo ma niepowtarzalny charakter - magiczny polirytm, niewyczerpana improwizacja oparta na gorącym rytmie.

Na przestrzeni dziejów swojego istnienia jazz często się zmieniał, przekształcał, otwierał na wykonawców i słuchaczy z nieznanych wcześniej stron, w związku z rozwojem nowych modeli harmonicznych i technik muzycznych przez kompozytorów i muzyków jazzowych.

„Pierwsza Dama Jazzu”

Jak powiedzieliśmy wcześniej, mówiąc o muzyce jazzowej, nie sposób pozostawić jej twórców i wykonawców w cieniu. Jedna z najbardziej ikonicznych postaci w historii jazzu – to Ella Jane Fitzgerald – właścicielka wspaniałego głosu o rozpiętości trzech oktaw, mistrzyni scatu i niepowtarzalnej improwizacji wokalnej. Jest legendą i „pierwszą damą jazzu”.

„Jeśli jazz ma kobiecą twarz, to jest to twarz Elli” – powiedział kiedyś jeden z najbardziej szanowanych krytyków w świecie muzyki akademickiej. I rzeczywiście tak jest!

Ella Fitzgerald miała najmilsze i najbardziej współczujące serce. Pomagała potrzebującym w City of Hope National Medical Center i American Heart Association. A w 1993 roku wielki wokalista założył Fundację Charytatywną Elli Fitzgerald, która pomaga młodym muzykom i zaopatruje ich we wszystko, czego potrzebują.

Ta najwspanialsza wokalistka w historii muzyki jazzowej jest 13-krotną zdobywczynią nagrody Grammy, National Medal of Arts, Presidential Medal of Freedom, MLA i wielu innych nagród.

Jazz w Rosji

Wraz z rozwojem sceny jazzowej w Stanach Zjednoczonych około lat 20. zaczął się rozwijać jazz w ZSRR.

1 października 1922 można nazwać początkiem rosyjskiego jazzu. Tego dnia odbył się I koncert orkiestry jazzowej pod dyrekcją Valentina Parnakha, wielkiej postaci teatralnej, tancerza i poety.

Radzieckie zespoły jazzowe specjalizowały się głównie w wykonywaniu kompozycji do tak modnych wówczas tańców jak Charleston i Foxtrot. Tak więc jazz zaczął zyskiwać na popularności.

Kompozytor i muzyk Eddie Rosner wniósł wielki wkład w rozwój rosyjskiego jazzu. Rozpoczynając karierę w krajach europejskich, takich jak Polska i Niemcy, przeniósł się później do ZSRR, stając się pionierem swingu w tym kraju.

Eddie Rozner, Iosif Weinstein, Vadim Ludvikovsky i inni wybitni rodzimi jazzmani wychowali całą plejadę nieskończenie utalentowanych solistów, improwizatorów i aranżerów, których twórczość zbliżyła następnie jazz w ZSRR do światowych standardów i wyniosła go na jakościowo nowy poziom. Na przykład Alexey Kozlov, będąc założycielem legendarnej grupy jazzowej Arsenal i kompozytorem, wykonawcą wielu wirtuozowskich kompozycji jazzowych, stał się autorem muzyki do wielu spektakli teatralnych i filmów.

Narodziny Jazzu

Jazz przybył do nas z krajów afrykańskich. A jak wiadomo, tradycyjna muzyka afrykańska charakteryzuje się bardzo złożonym rytmem muzycznym. Na bazie tego spontanicznego i na pierwszy rzut oka chaotycznego brzmienia narodził się pod koniec XIX wieku ciekawy i niezwykły kierunek muzyczny – ragtime. Styl ten rozwinął się, przeplatając elementy klasycznego bluesa, wchłaniając je w siebie, w wyniku czego stał się „rodzicem” tak znanego kierunku muzycznego, jakim jest jazz.

Wśród wielu wspaniałych muzyków jazzowych można również wyróżnić twórczość Igora Butmana - Artysty Ludowego Rosji, wielkiego saksofonisty i jazzmana. Ukończył słynny Berklee College of Music w Bostonie na dwóch kierunkach: kompozytor i saksofonista koncertowy. Na początku lat 90. przeniósł się do Nowego Jorku i został członkiem legendarnej Lionel Hampton Orchestra.

Od 1996 roku Igor Butman mieszka w Rosji. Do tej pory ten muzyk jazzowy otrzymał wiele nagród. A od 2009 roku jest właścicielem własnej wytwórni płytowej Butman Music. Rok temu kierował Moskiewską Orkiestrą Jazzową. Jego utwory muzyczne pobudzają wyobraźnię żywiołowością i wszechstronnością brzmienia. Niezwykłe jazzowe nuty słychać niemal w każdym jego utworze. On czyni prawdziwe cuda!

Niewyczerpane źródło inspiracji

Jazz to muzyka, która sprawia przyjemność. Zawsze inspiruje, pomaga odnaleźć sens, uczy czegoś ważnego i znaczącego. O tym gatunku muzycznym napisano wiele książek, nakręcono wiele filmów i powiedziano wiele słów…

„Jazz to my sami w najlepszych chwilach… kiedy mamy duchowe uniesienie, szczerość i nieustraszoność…” – te słowa Alexandra Genisa, znanego krytyka literackiego i pisarza, naszym zdaniem najlepiej oddają istotę muzyki jazzowej, jej specyfikę i piękno.

Prawdziwej miłości do jazzu nie da się zmierzyć, można ją tylko poczuć. To złożona i jednocześnie niesamowicie piękna muzyka, głęboka i emocjonalna. Jazz to sztuka, na którą reaguje nasze serce.

Powiedz swoim przyjaciołom:

Jazz jako forma sztuki muzycznej pojawił się w Stanach Zjednoczonych na przełomie XIX i XX wieku, łącząc tradycje muzyczne europejskich osadników i afrykańskie folklorystyczne wzorce melodyczne.

Charakterystyczna improwizacja, polirytmia melodyczna i ekspresyjność wykonania stały się znakiem rozpoznawczym pierwszych nowoorleańskich zespołów jazzowych (jazz-band) w pierwszych dekadach ubiegłego wieku.

Z biegiem czasu jazz przechodził okresy swojego rozwoju i formowania się, zmieniając schemat rytmiczny i orientację stylistyczną: od improwizowanego stylu ragtime (ragtime), przez taneczny swing orkiestrowy (swing) i niespieszny soft blues (blues).

Okres od początku lat 20. do lat 40. XX wieku związany jest z rozkwitem orkiestr jazzowych (big bandów), które składały się z kilku sekcji orkiestrowych saksofonów, puzonów, trąbek i sekcji rytmicznej. Szczyt popularności big bandów przypadł na połowę lat 30. ubiegłego wieku. Na parkietach iw radiu zabrzmiała muzyka w wykonaniu zespołów jazzowych Duke'a Ellingtona (Duke Ellington), Counta Basiego (Count Basie), Benny'ego Goodmana (Benny Goodman).

Bogate brzmienie orkiestry, jasne intonacje i improwizacje znakomitych solistów Colemana Hawkinsa, Teddy'ego Wilsona, Benny'ego Cartera i innych stworzyły rozpoznawalne i niepowtarzalne brzmienie big bandu, będącego klasyką muzyki jazzowej.

Za 40-50 lat. ubiegłego stulecia nastał czas nowoczesnego jazzu; taki style jazzowe jak wściekły bebop, liryczny cool jazz, soft west coast jazz, rytmiczny hard bop, serdeczny soul jazz podbił serca miłośników muzyki jazzowej.

W połowie lat 60. pojawił się nowy kierunek jazzowy - jazz-rock (jazz-rock), swoiste połączenie energii tkwiącej w muzyce rockowej i jazzowej improwizacji. założyciele stylu jazzowym- Rock to Miles Davis, Larry Coryell, Billy Cobham. W latach 70-tych jazz-rock stał się niezwykle popularny. Wykorzystanie schematu rytmicznego i harmonii muzyki rockowej, odcieni tradycyjnej melodii orientalnej i harmonii bluesowej, wykorzystanie instrumentów elektrycznych i syntezatorów doprowadziło ostatecznie do powstania terminu jazz fusion (jazz fusion), podkreślającego swoją nazwą połączenie z kilku muzycznych tradycji i wpływów.

W latach 70. i 80. muzyka jazzowa, zachowując nacisk na melodię i improwizację, nabrała cech muzyki pop, funku (funk), rytmu i bluesa (R&B) oraz crossover jazzu, znacznie poszerzając grono słuchaczy i odnosząc komercyjny sukces .

Nowoczesna muzyka jazzowa, która podkreśla klarowność, melodię i piękno brzmienia, jest zwykle określana jako smooth jazz lub współczesny jazz. Rytmiczne i melodyczne linie gitary i gitary basowej, saksofonu i trąbki, instrumentów klawiszowych, w dźwiękowej oprawie syntezatorów i samplerów tworzą luksusowe, łatwo rozpoznawalne kolorowe smooth jazzowe brzmienie.

Pomimo tego, że smooth jazz i jazz współczesny mają podobny styl muzyczny, wciąż są różne. style jazzowe. Powszechnie uważa się, że smooth jazz jest muzyką „w tle”, podczas gdy współczesny jazz jest bardziej indywidualny. stylu jazzowym i wymaga uwagi słuchacza. Dalszy rozwój smooth jazzu doprowadził do powstania liryki trendy współczesnego jazzu- dorosły współczesny i bardziej rytmiczny miejski jazz z nutami R&B, funku, hip-hopu.

Ponadto pojawiający się trend łączenia smooth jazzu z brzmieniem elektronicznym doprowadził do powstania tak popularnych dziedzin muzyki współczesnej, jak nu jazz, a także lounge, chill i lo-fi.

Zrozumienie, kto jest kim w jazzie, nie jest takie proste. Kierunek odnosi sukcesy komercyjne, dlatego często o „jedynym koncercie legendarnego Vasyi Pupkina” krzyczą ze wszystkich szczelin, a naprawdę ważne postacie schodzą w cień. Pod presją zdobywców Grammy i reklam radia Jazz łatwo stracić koncentrację i pozostać obojętnym na styl. Jeśli chcesz nauczyć się rozumieć taką muzykę, a może nawet ją pokochać, naucz się najważniejszej zasady: nikomu nie ufaj.

Trzeba ostrożnie oceniać nowe zjawiska, albo jak Hugues Panasier – słynny muzykolog, który wytyczył granicę i piętnował cały jazz po latach 50., nazywając go „fałszywym”. Ostatecznie okazało się, że się mylił, ale nie wpłynęło to na popularność jego książki The History of Genuine Jazz.

Lepiej traktować nowe zjawisko z cichą podejrzliwością, więc na pewno ujdziesz za własne: snobizm i przywiązanie do starego to jedna z najjaśniejszych cech subkultury.

W rozmowach o jazzie często wymienia się Louisa Armstronga i Ellę Fitzgerald – wydawałoby się, że nie można się tu pomylić. Ale takie uwagi zdradzają neofitę. Są to postacie emblematyczne i jeśli nadal można mówić o Fitzgeraldzie w odpowiednim kontekście, to Armstrong jest Charliem Chaplinem jazzu. Nie porozmawiasz z maniakiem kina studyjnego o Charliem Chaplinie, prawda? A jeśli tak, to przynajmniej nie w pierwszej kolejności. Wymienienie obu słynnych nazwisk jest możliwe w niektórych przypadkach, ale jeśli nie masz nic w kieszeni poza tymi dwoma asami, trzymaj je i czekaj na odpowiednią sytuację.

W wielu kierunkach pojawiają się zjawiska modne i niezbyt modne, ale w największym stopniu jest to charakterystyczne dla jazzu. Dojrzały hipster, przyzwyczajony do szukania rzadkich i dziwnych rzeczy, nie zrozumie, dlaczego czeski jazz lat 40. nie jest interesujący. Nie będzie można znaleźć tutaj czegoś warunkowo „niezwykłego” i przebić się swoją „głęboką erudycją”. Aby ogólnie wyobrazić sobie styl, należy wymienić jego główne kierunki od końca XIX wieku.

Ragtime i blues są czasami nazywane proto-jazzem, a jeśli ten pierwszy, nie będąc formą kompletną z dzisiejszego punktu widzenia, jest interesujący po prostu jako fakt z historii muzyki, to blues jest nadal aktualny.

Ragtime Scotta Joplina

I choć przyczyną takiego przypływu miłości do bluesa w latach 90. badacze nazywają stan psychiczny Rosjan i totalne poczucie beznadziejności, to w rzeczywistości wszystko może być znacznie prostsze.

Wybór 100 popularnych piosenek bluesowych

Klasyczne boogie-woogie

Podobnie jak w kulturze europejskiej, Afroamerykanie dzielili muzykę na świecką i duchową, a jeśli blues należał do pierwszej grupy, to duchowa i gospel do drugiej.

Utwory spirytualistyczne są bardziej surowe niż ewangelie i są wykonywane przez chór wiernych, często przy akompaniamencie parzystych oklasków – ważna cecha wszystkich stylów jazzowych i problem wielu europejskich słuchaczy, którzy klaszczą nie na miejscu. Muzyka Starego Świata najczęściej sprawia, że ​​kiwamy głową w rytm dziwnych bitów. W jazzie jest odwrotnie. Dlatego jeśli nie jesteś pewien, czy czujesz te drugie i czwarte uderzenie, które są niezwykłe dla Europejczyka, lepiej powstrzymać się od klaskania. Lub zobacz, jak robią to sami wykonawcy, a następnie spróbuj ponownie.

Scena z filmu „12 Years a Slave” z wykonaniem klasycznej duchowości

Współczesna duchowość autorstwa Take 6

Piosenki gospel były częściej wykonywane przez jednego śpiewaka, mają większą swobodę niż spirytualizacje, dlatego stały się popularne jako gatunek koncertowy.

Klasyczna muzyka gospel w wykonaniu Mahalii Jackson

Współczesna muzyka gospel z filmu Joyful Noise

W latach 1910-tych ukształtował się jazz tradycyjny lub nowoorleański. Muzykę, z której się wywodziła, wykonywały wówczas bardzo popularne orkiestry uliczne. Dramatycznie wzrasta znaczenie instrumentów, ważnym wydarzeniem epoki jest pojawienie się zespołów jazzowych, małych orkiestr liczących 9–15 osób. Sukces zespołów murzyńskich zmotywował białych Amerykanów do stworzenia tzw. Dixielands.

Tradycyjny jazz kojarzy się z filmami o amerykańskich gangsterach. Wynika to z faktu, że jego rozkwit przypadł na czasy prohibicji i Wielkiego Kryzysu. Jednym z najjaśniejszych przedstawicieli tego stylu jest wspomniany już Louis Armstrong.

Charakterystycznymi cechami tradycyjnego zespołu jazzowego są stabilna pozycja banjo, wiodąca pozycja trąbki i pełny udział klarnetu. Dwa ostatnie instrumenty z czasem zastąpią saksofon, który stanie się stałym liderem takiej orkiestry. Z natury muzyki jazz tradycyjny jest bardziej statyczny.

Zespół jazzowy Jelly Roll Morton

Dixieland Jazz Band współczesnego Dixieland Marshalla

Co jest nie tak z jazzem i dlaczego zwykło się mówić, że tej muzyki nikt nie umie grać?

Chodzi o jej afrykańskie pochodzenie. Pomimo faktu, że do połowy XX wieku biali bronili swojego prawa do tego stylu, nadal powszechnie uważa się, że Afroamerykanie mają szczególne poczucie rytmu, które pozwala im stworzyć wrażenie kołysania, które nazywa się „swingiem”. (z angielskiego na huśtawkę - „huśtać się”). Dyskusja z tym jest ryzykowna: większość wielkich białych pianistów od lat 50. do naszych czasów stała się sławna dzięki reżyserii lub intelektualnym improwizacjom zdradzającym głęboką muzyczną erudycję.

Dlatego jeśli w rozmowie wspomniałeś o białym jazzie, nie powinieneś mówić czegoś w stylu „jak on świetnie swinguje” – w końcu swinguje albo normalnie, albo wcale, to jest odwrotny rasizm.

A samo słowo „huśtawka” jest zbyt zużyte, lepiej wymawiać je na ostatnim miejscu, kiedy prawdopodobnie jest to właściwe.

Każdy jazzman musi umieć wykonać „standardy jazzowe” (główne melodie, czyli inaczej evergreeny), które jednak dzielą się na orkiestrowe i zespołowe. Na przykład In the Mood jest raczej jednym z pierwszych.

W nastroju. Wykonywane przez Glenn Miller Orchestra

W tym samym czasie pojawiają się słynne dzieła George'a Gershwina, które uważane są jednocześnie za jazzowe i akademickie. Są to Blues Rhapsody (lub Blue Rhapsody), napisana w 1924 roku, oraz opera Porgy and Bess (1935), słynąca z arii Summertime. Przed Gershwinem jazzowe harmonie wykorzystywali tacy kompozytorzy jak Charles Ives i Antonin Dvorak (symfonia „Z Nowego Świata”).

George’a Gershwina. Porgy i Bess. Aria Summertime. Akademickie wykonanie Marii Callas

George’a Gershwina. Porgy i Bess. Aria Summertime. Jazzed autorstwa Franka Sinatry

George’a Gershwina. Porgy i Bess. Aria Summertime. Wersja rockowa. Wykonywane przez Janis Joplin

George’a Gershwina. Rapsodia bluesowa. Wykonywane przez Leonarda Bernsteina i jego orkiestrę

Jednym z najbardziej znanych kompozytorów rosyjskich, podobnie jak Gershwin, piszących w stylu jazzowym, jest Nikołaj Kapustin. .

Oba obozy patrzą z ukosa na takie eksperymenty: muzycy jazzowi są przekonani, że utwór pisany bez improwizacji nie jest już jazzem „z definicji”, a kompozytorzy akademiccy uważają jazzowe środki wyrazu za zbyt trywialne, by traktować je poważnie.

Jednak klasyczni wykonawcy z przyjemnością grają Kapustina, a nawet próbują improwizować, podczas gdy ich odpowiednicy działają mądrzej, nie wkraczając na cudze terytorium. Akademiccy pianiści, którzy wystawiają publicznie swoje improwizacje, od dawna są memem w kręgach jazzowych.

Od lat 20. XX wieku liczba kultowych i ikonicznych postaci w historii kierunku rośnie i coraz trudniej poukładać sobie w głowie te liczne nazwiska. Jednak niektóre można rozpoznać po charakterystycznej barwie lub sposobie wykonania. Jedną z tych pamiętnych piosenkarek była Billie Holiday.

Cały ja. Wykonywane przez Billie Holiday

W latach 50. rozpoczyna się nowa era, zwana „modern jazzem”. Wspomniany wyżej muzykolog Yug Panasier zaprzeczył jej. Kierunek ten otwiera styl bebop: jego cechą charakterystyczną jest duża szybkość i częste zmiany harmonii, a co za tym idzie wymaga wyjątkowych umiejętności wykonawczych, które posiadały tak wybitne osobowości jak Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk czy John Coltrane.

Bebop powstał jako gatunek elitarny. Na jam session – wieczór improwizacji mógł przyjść każdy muzyk z ulicy, więc pionierzy bebopu wprowadzili szybkie tempa, żeby pozbyć się amatorów i słabych profesjonalistów. Ten snobizm jest po części nieodłączny od fanów takiej muzyki, którzy swój ulubiony kierunek uważają za szczyt rozwoju jazzu. Zwyczajem jest traktowanie bebopu z szacunkiem, nawet jeśli nic z niego nie rozumiesz.

Gigantyczne kroki. Wykonywane przez Johna Coltrane'a

Szczególnym szykiem jest podziwianie oburzającej, celowo niegrzecznej maniery Theloniousa Monka, który według plotek doskonale grał złożone utwory akademickie, ale starannie to ukrywał.

Okrągła północ. Wykonywane przez Theloniousa Monka

Nawiasem mówiąc, dyskusja o plotkach na temat wykonawców jazzowych nie jest haniebna - wręcz przeciwnie, wskazuje na głębokie zaangażowanie i wskazuje na wspaniałe wrażenia odsłuchowe. Dlatego warto wiedzieć, że uzależnienie od narkotyków Milesa Davisa wpłynęło na jego zachowanie sceniczne, Frank Sinatra miał powiązania z mafią, aw San Francisco znajduje się kościół nazwany imieniem Johna Coltrane'a.

Mural „Tańczący święci” z kościoła w San Francisco.

Wraz z bebopem narodził się inny styl w ramach tego samego kierunku - fajny jazzik(cool jazz), który wyróżnia się „zimnym” brzmieniem, umiarkowanym charakterem i niespiesznym tempem. Jednym z jej założycieli był Lestera Younga, ale w tej niszy jest też wielu białych muzyków: Dave'a Brubecka , Billa Evansa(nie mylić z Gila Evansa), Stana Getza itd.

Weź pięć. Wykonywane przez Dave Brubeck Ensemble

Jeśli lata 50., wbrew zarzutom konserwatystów, otworzyły drogę do eksperymentów, to w latach 60. stały się one normą. W tym czasie Bill Evans nagrywa dwa albumy z aranżacjami dzieł klasycznych z orkiestrą symfoniczną, Stanem Kentonem, przedstawicielem jazzu progresywnego, tworzy bogate orkiestracje, których harmonię porównuje się z Rachmaninowem, aw Brazylii istnieje własna wersja jazzu, zupełnie odmienna od innych stylów - bossanowa .

granaty. Jazzowa aranżacja utworu „Maja i słowik” hiszpańskiego kompozytora Granadosa. Wykonywane przez Billa Evansa z orkiestrą symfoniczną

Malaguena. Wykonywana przez Orkiestrę Stana Kentona

Dziewczyna z Ipanemy. Wykonywane przez Astrud Gilberto i Stana Getza

Kochać bossanova jest tak proste, jak kochanie minimalizm we współczesnej muzyce akademickiej.

Dzięki dyskretnemu i „neutralnemu” brzmieniu brazylijski jazz znalazł się w windach i hotelowych lobby jako podkład muzyczny, choć nie umniejsza to znaczenia tego stylu jako takiego. Twierdzenie, że kochasz bossa novę, jest tego warte tylko wtedy, gdy naprawdę dobrze znasz jej przedstawicieli.

Ważny zwrot został zarysowany w popularnym stylu orkiestrowym - symphojazz. W latach 40. jazz, przypudrowany akademickim brzmieniem symfonicznym, stał się modnym zjawiskiem i standardem złotego środka między dwoma stylami o zupełnie odmiennym podłożu.

Szczęście Bądź damą. Wykonywane przez Franka Sinatrę z Jazz Symphony Orchestra

W latach 60. brzmienie orkiestry symfo-jazzowej straciło na nowości, co doprowadziło Stana Kentona do eksperymentów z harmonią, aranżacji Billa Evansa i albumów tematycznych Gila Evansa, takich jak Sketches of Spain i Miles Ahead.

Szkice Hiszpanii. Wykonywane przez Milesa Davisa z Gil Evans Orchestra

Eksperymenty w dziedzinie jazzu symfonicznego są nadal aktualne, najciekawszymi projektami ostatnich lat w tej niszy są Metropole Orkest, The Сinematic Orchestra i Snarky Puppy.

Oddychać. Wykonywana przez The Cinematic Orchestra

Gretel. Wykonywane przez Snarky Puppy i Metropole Orkest (nagroda Grammy, 2014)

Tradycje bebopu i fajnego jazzu połączyły się w hard bop, ulepszoną wersję bebopu, chociaż odróżnienie jednego od drugiego na słuch może być trudne. Wybitnymi wykonawcami tego stylu są The Jazz Messengers, Sonny Rollins, Art Blakey i kilku innych muzyków, którzy pierwotnie grali bebop.

twardy bop. Wykonywane przez The Jazz Messengers Orchestra

Jęczenie. Wykonywane przez Arta Blakeya i The Jazz Messengers

Bogate improwizacje w szybkim tempie wymagały pomysłowości, co skłoniło do poszukiwań w terenie denerwować. Tak urodzony jazz modalny. Często jest wyróżniany jako styl niezależny, chociaż podobne improwizacje można znaleźć także w innych gatunkach. Najpopularniejszym utworem modalnym był „So What?” Milesa Davisa.

Więc co? Wykonywane przez Milesa Davisa

Podczas gdy znakomici jazzmani zastanawiali się, jak jeszcze bardziej skomplikować i tak już złożoną muzykę, niewidomi autorzy i wykonawcy Ray Charles i kroczyli ścieżką serca, łącząc w swojej twórczości jazz, soul, gospel oraz rytm i blues.

koniuszki palców. Wykonywane przez Steviego Wondera

Co powiedziałem. Wykonywane przez Raya Charlesa

W tym samym czasie organiści jazzowi głośno się deklarują, grając muzykę na organach elektrycznych Hammonda.

Jimmy'ego Smitha

W połowie lat 60. pojawił się soul jazz, który łączył demokratyzm soulu z intelektualizmem bebopu, ale historycznie utożsamiany jest zazwyczaj z tym drugim, przemilczając znaczenie pierwszego. Najpopularniejszą postacią soul jazzu był Ramsey Lewis.

W tłumie. Wykonywane przez Ramsey Lewis Trio

O ile od początku lat 50. tylko odczuwano podział jazzu na dwie gałęzie, o tyle już w latach 70. można było mówić o tym jako o niepodważalnym fakcie. Szczytem elitarnego kierunku był

Następnie ragtime'owe rytmy połączone z elementami bluesa dały początek nowemu nurtowi muzycznemu - jazzowi.

Początki jazzu wiążą się z bluesem. Powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, ale jego korzeni należy szukać od momentu sprowadzenia niewolników z Afryki na tereny Nowego Świata. Sprowadzeni niewolnicy nie pochodzili z tego samego klanu i zwykle nawet się nie rozumieli. Potrzeba konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur, aw efekcie do powstania jednej kultury (w tym muzycznej) Afroamerykanów. Procesy mieszania się afrykańskiej kultury muzycznej i europejskiej (która również uległa poważnym zmianom w Nowym Świecie) miały miejsce począwszy od XVIII wieku, a w wieku XIX doprowadziły do ​​powstania „proto-jazzu”, a następnie jazzu w powszechnym przyjęty sens.

nowoorleański jazz

Termin Nowy Orlean lub jazz tradycyjny jest powszechnie używany w odniesieniu do stylu muzyków grających jazz w Nowym Orleanie w latach 1900-1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali w Chicago i nagrywali płyty od około 1917 do 1920 roku. . Ten okres w historii jazzu jest również znany jako Wiek Jazzu. Termin ten jest również używany do opisania muzyki granej w różnych okresach historycznych przez odrodzonych z Nowego Orleanu, którzy starali się grać jazz w tym samym stylu, co muzycy ze szkoły w Nowym Orleanie.

Rozwój jazzu w Stanach Zjednoczonych w pierwszej ćwierci XX wieku

Po zamknięciu Storyville jazz zaczął przekształcać się z regionalnego gatunku folkowego w ogólnokrajowy trend muzyczny, rozprzestrzeniając się na północne i północno-wschodnie prowincje Stanów Zjednoczonych. Ale jego szerokiej dystrybucji nie można było oczywiście ułatwić tylko przez zamknięcie jednej dzielnicy rozrywkowej. Obok Nowego Orleanu, St. Louis, Kansas City i Memphis od samego początku odgrywały ważną rolę w rozwoju jazzu. Ragtime narodził się w Memphis w XIX wieku, skąd następnie rozprzestrzenił się na cały kontynent północnoamerykański w okresie -1903. Z drugiej strony występy minstreli, z ich kolorową mozaiką wszelkiego rodzaju afroamerykańskiego folkloru, od jig po ragtime, szybko rozprzestrzeniły się wszędzie i przygotowały grunt pod nadejście jazzu. Wiele przyszłych gwiazd jazzu zaczynało swoją przygodę z minstrelem. Na długo przed zamknięciem Storyville muzycy z Nowego Orleanu koncertowali z tak zwanymi zespołami „wodewilowymi”. Jelly Roll Morton regularnie koncertował w Alabamie na Florydzie w Teksasie od 1904 roku. Od 1914 miał kontrakt na występy w Chicago. W 1915 przeniósł się do Chicago i dołączył do White Dixieland Orchestra Toma Browna. Główne trasy wodewilowe w Chicago odbyły również słynny Creole Band, prowadzony przez nowoorleańskiego kornecistę Freddiego Kepparda. Po pewnym czasie oddzieleni od Olympia Band, artyści Freddiego Kepparda już w 1914 roku z powodzeniem występowali w najlepszym teatrze w Chicago i otrzymali propozycję nagrania dźwiękowego swoich występów jeszcze przed Original Dixieland Jazz Band, który jednak Freddie Keppard krótkowzrocznie odrzucony.

Znacząco rozszerzył terytorium objęte wpływami jazzu, orkiestry grające na parowcach rekreacyjnych pływających po Mississippi. Od końca XIX wieku popularne stały się wycieczki rzeczne z Nowego Orleanu do St. Paul, najpierw na weekend, a później na cały tydzień. Od 1900 roku na tych rzecznych statkach występują nowoorleańskie orkiestry, których muzyka stała się najatrakcyjniejszą rozrywką dla pasażerów podczas rejsów po rzece. W jednej z tych orkiestr rozpoczęła się Suger Johnny, przyszła żona Louisa Armstronga, pierwszy pianista jazzowy Lil Hardin.

Wiele przyszłych gwiazd jazzu z Nowego Orleanu wystąpiło w orkiestrze rzecznej innego pianisty, Faiths Marable. Parowce, które pływały po rzece, często zatrzymywały się na mijanych stacjach, gdzie orkiestry urządzały koncerty dla miejscowej publiczności. To właśnie te koncerty stały się twórczymi debiutami Bixa Beiderbecka, Jessa Stacy'ego i wielu innych. Inna słynna trasa biegła wzdłuż Missouri do Kansas City. W tym mieście, gdzie dzięki silnym korzeniom folkloru afroamerykańskiego rozwijał się i ostatecznie ukształtował blues, wirtuozowska gra nowoorleańskich jazzmanów znalazła wyjątkowo żyzne środowisko. Głównym ośrodkiem rozwoju muzyki jazzowej stało się Chicago na początku lat 90., w którym staraniem wielu muzyków skupionych z różnych części Stanów Zjednoczonych powstał styl, który otrzymał przydomek Chicago jazz.

Huśtać się

Termin ma dwa znaczenia. Po pierwsze, jest środkiem wyrazu w jazzie. Charakterystyczny rodzaj pulsacji polegający na stałych odchyleniach rytmu od udziałów referencyjnych. Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi. Po drugie, styl jazzu orkiestrowego, który ukształtował się na przełomie lat 20. i 30. w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich form stylistycznych muzyki jazzowej.

Artyści: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli.

Bop

Styl jazzowy, który rozwinął się na początku - połowy lat 40. XX wieku i otworzył erę nowoczesnego jazzu. Charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami opartymi na zmianach harmonii, a nie melodii. Superszybkie tempo występu zostało wprowadzone przez Parkera i Gillespiego, aby powstrzymać nieprofesjonalistów od ich nowych improwizacji. Znakiem rozpoznawczym wszystkich beboperów stała się między innymi szokująca postawa i wygląd: zakrzywiona fajka „Dizzy” Gillespie, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monka itp. Powstały jako reakcja na wszechobecność swingu bebop nadal rozwijał swoje zasady w użyciu środków wyrazu, ale jednocześnie znalazł szereg przeciwnych tendencji.

W przeciwieństwie do swingu, który jest głównie muzyką dużych komercyjnych zespołów tanecznych, bebop jest eksperymentalnym kierunkiem twórczym w jazzie, kojarzonym głównie z praktyką małych składów (combos) i antykomercyjnym w jego kierunku. Faza bebopowa była znaczącym przesunięciem punktu ciężkości w jazzie z popularnej muzyki tanecznej na bardziej artystyczną, intelektualną, ale mniej mainstreamową „muzykę dla muzyków”. Muzycy bopowi woleli złożone improwizacje oparte na brzdąkaniu akordów zamiast melodii.

Głównymi inicjatorami narodzin byli: saksofonista Charlie Parker, trębacz Dizzy Gillespie, pianiści Bud Powell i Thelonious Monk, perkusista Max Roach. Posłuchaj też Chicka Corei, Michela Legranda, Joshua Redmana Elastic Band, Jana Garbarka, Charlesa Mingusa, Modern Jazz Quartet.

Wielkie zespoły

Klasyczna, ugruntowana forma big bandów znana jest w jazzie od początku lat 90. Forma ta zachowała swoją aktualność do końca lat 90. Muzycy, którzy wchodzili do większości big-bandów, z reguły prawie jako nastolatkowie, grali dość pewne partie, których uczyli się na próbach lub z notatek. Ostrożne orkiestracje, wraz z masywnymi sekcjami instrumentów dętych blaszanych i drewnianych, dały bogate jazzowe harmonie i rewelacyjnie głośne brzmienie, które stało się znane jako „brzmienie big bandu”.

Big band stał się muzyką popularną swoich czasów, osiągając szczyt sławy w połowie lat dwudziestych XX wieku. Ta muzyka stała się źródłem szaleństwa tańca swingowego. Liderzy słynnych orkiestr jazzowych Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet skomponowali lub zaaranżowali i nagrali na płytach prawdziwą paradę przebojów, które brzmiały nie tylko w radiu, ale także wszędzie w salach tanecznych. Wiele big bandów pokazało swoich solowych improwizatorów, którzy podczas głośnych „bitew orkiestr” wprowadzali publiczność w stan bliski histerii.

Chociaż popularność big bandów spadła po drugiej wojnie światowej, orkiestry prowadzone przez Basiego, Ellingtona, Woody'ego Hermana, Stana Kentona, Harry'ego Jamesa i wielu innych często koncertowały i nagrywały przez kilka następnych dziesięcioleci. Ich muzyka ulegała stopniowym przemianom pod wpływem nowych trendów. Grupy takie jak zespoły prowadzone przez Boyda Ryburna, Sun Ra, Olivera Nelsona, Charlesa Mingusa, Thada Jonesa-Mala Lewisa badały nowe koncepcje harmonii, instrumentacji i swobody improwizacji. Dziś big bandy są standardem w edukacji jazzowej. Orkiestry repertuarowe, takie jak Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra i Chicago Jazz Ensemble, regularnie grają oryginalne aranżacje kompozycji big-bandowych.

W 2008 roku po rosyjsku ukazała się kanoniczna książka George'a Simona Big Orchestras of the Swing Age, która jest w zasadzie niemal kompletną encyklopedią wszystkich big bandów złotego wieku od wczesnych lat 20. do 60. XX wieku.

Główny nurt

pianista Duke Ellington

Po zakończeniu mainstreamowej mody na big bandy w epoce big bandów, kiedy to muzyka big bandów zaczęła być wypierana na scenie przez małe składy jazzowe, nadal zabrzmiała muzyka swingowa. Wielu słynnych swingowych solistów, po graniu na salach balowych, lubiło grać dla zabawy na spontanicznych jamach w małych klubach na 52nd Street w Nowym Jorku. I to nie tylko ci, którzy pracowali jako „sideman” w dużych orkiestrach, tacy jak Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton i inni. Liderzy samych big bandów – Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa, będąc początkowo solistami, a nie tylko dyrygentami, również szukali możliwości grania w oderwaniu od swojego licznego zespołu, w niewielkim kompozycja. Nie akceptując nowatorskich technik nadchodzącego bebopu, muzycy ci trzymali się tradycyjnej swingowej maniery, wykazując jednocześnie niewyczerpaną wyobraźnię podczas wykonywania improwizowanych partii. Główne gwiazdy swingu nieustannie występowały i nagrywały w małych kompozycjach, zwanych „combosami”, w ramach których było znacznie więcej miejsca na improwizację. Styl tego kierunku klubowego jazzu końca lat 20. XX wieku otrzymał nazwę mainstream, czyli nurt główny, wraz z początkiem rozkwitu bebopu. Niektórych z najlepszych wykonawców tej epoki można było usłyszeć w świetnej formie na jamach, kiedy improwizacja akordów miała już pierwszeństwo przed melodyjnym kolorytem ery swingu. Powracający jako styl freestyle w późnych latach, mainstream wchłonął elementy fajnego jazzu, bebopu i hard bopu. Termin „współczesny mainstream” lub post-bop jest dziś używany w odniesieniu do prawie każdego stylu, który nie ma ścisłego związku z historycznymi stylami muzyki jazzowej.

Jazz północno-wschodni. Krok

Louis Armstrong, trębacz i śpiewak

Choć historia jazzu zaczęła się w Nowym Orleanie wraz z nadejściem XX wieku, prawdziwy rozkwit tej muzyki nastąpił na początku lat 90., kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, by tworzyć nową, rewolucyjną muzykę w Chicago. Migracja mistrzów jazzu z Nowego Orleanu do Nowego Jorku, która rozpoczęła się wkrótce potem, wyznaczyła trend ciągłego przemieszczania się muzyków jazzowych z południa na północ. Chicago przyjęło muzykę Nowego Orleanu i uczyniło ją gorącą, podnosząc temperaturę nie tylko dzięki wysiłkom słynnych zespołów Armstronga Hot Five i Hot Seven, ale także innych, w tym takich mistrzów jak Eddie Condon i Jimmy McPartland, których ekipa z Austin High School pomogła ożywić szkół Nowego Orleanu. Inni znani mieszkańcy Chicago, którzy przesunęli granice klasycznego nowoorleańskiego stylu jazzowego, to pianista Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman. Armstrong i Goodman, którzy ostatecznie przenieśli się do Nowego Jorku, stworzyli tam swoistą masę krytyczną, która pomogła temu miastu zamienić się w prawdziwą światową stolicę jazzu. Podczas gdy Chicago pozostawało przede wszystkim centrum nagrań dźwiękowych w pierwszej ćwierci XX wieku, Nowy Jork stał się również czołowym klubem jazzowym, goszcząc takie legendarne kluby jak Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy i Village Vengeward, a także arenach, takich jak Carnegie Hall.

Styl Kansas City

W czasach Wielkiego Kryzysu i Prohibicji scena jazzowa Kansas City stała się swego rodzaju mekką dla nowomodnych brzmień późnych lat. Styl, który rozkwitł w Kansas City, charakteryzuje się uduchowionymi utworami z nutą bluesa, wykonywanymi zarówno przez duże zespoły, jak i małe zespoły swingowe, demonstrując bardzo energetyczne solówki, wykonywane dla bywalców tawern z nielegalnie sprzedawanym alkoholem. To właśnie w tych pubach krystalizował się styl wielkiego Counta Basiego, zaczynając w Kansas City z orkiestrą Waltera Page'a, a później z Bennym Motenem. Obie te orkiestry były typowymi przedstawicielami stylu Kansas City, który opierał się na swoistej formie bluesa, zwanej „city blues” i ukształtował się w grze powyższych orkiestr. Scena jazzowa Kansas City wyróżniała się także całą plejadą wybitnych mistrzów wokalnego bluesa, wśród których za „króla” uznano wieloletniego solistę Count Basie Orchestra, słynnego wokalistę bluesowego Jimmy’ego Rushinga. Słynny saksofonista altowy Charlie Parker, urodzony w Kansas City, po przybyciu do Nowego Jorku szeroko stosował charakterystyczne techniki bluesowe, których nauczył się w orkiestrach Kansas City, a później stał się jednym z punktów wyjścia w eksperymentach bopperów w - mi.

Jazz z Zachodniego Wybrzeża

Artyści uchwyceni przez ruch cool jazz w latach 50. intensywnie pracowali w studiach nagraniowych w Los Angeles. Znajdujący się pod dużym wpływem noneta Milesa Davisa ci artyści z Los Angeles stworzyli to, co jest obecnie znane jako „West Coast Jazz”, czyli jazz z zachodniego wybrzeża. Jako studia nagraniowe, kluby takie jak The Lighthouse na Hermosa Beach i The Haig w Los Angeles często prezentowały jego najlepszych artystów, w tym trębacza Shorty'ego Rogersa, saksofonistów Arta Peppera i Buda Shenka, perkusistę Shelley Mann i klarnecistę Jimmy'ego Giuffreya.

Fajny (fajny jazz)

Wysoka temperatura i presja bebopu zaczęły słabnąć wraz z rozwojem fajnego jazzu. Począwszy od późnych lat 1900 i wczesnych 1900, muzycy zaczęli rozwijać mniej gwałtowne, płynniejsze podejście do improwizacji, wzorowane na lekkiej, suchej grze saksofonisty tenorowego Lestera Younga w okresie jego swingu. Rezultatem jest zdystansowany i jednolicie płaski dźwięk oparty na emocjonalnym „chłodzie”. Trębacz Miles Davis, jeden z pierwszych graczy bebopowych, którzy ochłonęli, stał się największym innowatorem tego gatunku. Jego nonet, który nagrał album „Birth of the Cool” w latach 50., był uosobieniem liryzmu i powściągliwości cool jazzu. Inni wybitni muzycy szkoły fajnego jazzu to trębacz Chet Baker, pianiści George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck i Lenny Tristano, wibrafonista Milt Jackson oraz saksofoniści Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims i Paul Desmond. Aranżatorzy wnieśli również znaczący wkład w ruch cool jazz, zwłaszcza Thad Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans i saksofonista barytonowy Gerry Mulligan. Ich kompozycje skupiały się na instrumentalnej kolorystyce i powolności ruchu, na zamrożonej harmonii, która tworzyła iluzję przestrzeni. Dysonans również odegrał rolę w ich muzyce, ale o łagodniejszym, wyciszonym charakterze. Format fajnego jazzu pozostawił miejsce dla nieco większych zespołów, takich jak nonety i tentety, które stały się bardziej powszechne w tym okresie niż we wczesnym okresie bebop. Niektórzy aranżerzy eksperymentowali ze zmodyfikowaną instrumentacją, w tym instrumentami dętymi blaszanymi w kształcie stożka, takimi jak róg i tuba.

jazzu progresywnego

Równolegle z pojawieniem się bebopu w środowisku jazzowym rozwija się nowy gatunek – jazz progresywny, czy po prostu progresywny. Główną różnicą tego gatunku jest chęć odejścia od zamrożonej kliszy big bandów i przestarzałych, wysłużonych technik tzw. symphojazz, wprowadzony w -e przez Paula Whitemana. W przeciwieństwie do bopperów, twórcy progressive nie dążyli do radykalnego porzucenia rozwijających się wówczas tradycji jazzowych. Starali się raczej zaktualizować i udoskonalić wzorce fraz swingowych, wprowadzając do praktyki kompozytorskiej najnowsze osiągnięcia europejskiego symfonizmu w zakresie tonacji i harmonii.

Największy wkład w rozwój koncepcji „progresywnej” wniósł pianista i dyrygent Stan Kenton. Jazz progresywny początku lat 90. wywodzi się właściwie z jego pierwszych utworów. Pod względem brzmieniowym muzyka wykonywana przez jego pierwszą orkiestrę była bliska Rachmaninowowi, a kompozycje nosiły cechy późnego romantyzmu. Jednak gatunkowo najbliżej mu do symphojazzu. Później, w latach powstawania słynnej serii jego albumów „Artistry”, elementy jazzu nie pełniły już roli kreowania koloru, ale były już organicznie wplecione w materiał muzyczny. Wraz z Kentonem zasługa w tym zasługa jego najlepszego aranżera, Pete'a Rugolo, ucznia Dariusa Milhauda. Nowoczesne (jak na tamte lata) symfoniczne brzmienie, specyficzna technika staccato w grze na saksofonie, odważne harmonie, częste sekundy i bloki, a także politonalność i jazzowa pulsacja rytmiczna – to cechy wyróżniające tę muzykę, z którą Stan Kenton wszedł do historii jazzu przez wiele lat jako jeden z jego innowatorów, który znalazł wspólną płaszczyznę dla europejskiej kultury symfonicznej i elementów bebopu, szczególnie widocznych w utworach, w których instrumentaliści solowi zdawali się przeciwstawiać dźwiękom reszty orkiestry. Należy również zauważyć, że Kenton przywiązywał dużą wagę do improwizowanych partii solistów w swoich kompozycjach, w tym światowej sławy perkusisty Shelley Maine, kontrabasisty Eda Safransky'ego, puzonisty Kay Winding, June Christie, jednej z najlepszych wokalistek jazzowych tamtych lat . Stan Kenton przez całą swoją karierę był wierny wybranemu gatunkowi.

Oprócz Stana Kentona do rozwoju gatunku przyczynili się także interesujący aranżerzy i instrumentaliści Boyd Ryburn i Gil Evans. Za swoistą apoteozę progresywnego rozwoju, obok wspomnianej już serii „Artistry”, uznać można także serie albumów nagranych przez big band Gila Evansa wraz z zespołem Milesa Davisa w latach – np. „Miles Ahead ”, „Porgy and Bess” oraz „Rysunki hiszpańskie”. Krótko przed śmiercią Miles Davis ponownie zwrócił się ku temu gatunkowi, nagrywając stare aranżacje Gila Evansa z zespołem Quincy Jones Big Band.

twardy bop

Hard bop (angielski - hard, hard bop) to rodzaj jazzu, który powstał w latach 50. XX wiek z bopa. Różni się wyrazistą, okrutną rytmiką, polegając na bluesie. Nawiązuje do stylów modern jazzu. Mniej więcej w tym samym czasie, gdy na Zachodnim Wybrzeżu zakorzeniał się fajny jazz, muzycy jazzowi z Detroit, Filadelfii i Nowego Jorku zaczęli opracowywać ostrzejsze, cięższe wariacje na temat starej formuły bebopu, nazwanej Hard bop lub hard bebop. Bardzo przypominający tradycyjny bebop w swojej agresywności i wymaganiach technicznych, hard bop z lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych w mniejszym stopniu polegał na standardowych formach piosenek i zaczął kłaść większy nacisk na elementy bluesa i rytmikę. Zapalające solówki czy mistrzostwo w improwizacji, wraz z silnym poczuciem harmonii, były cechami nadrzędnymi dla dętych, udział perkusji i fortepianu stał się bardziej zauważalny w sekcji rytmicznej, a bas nabrał bardziej płynnego, funkowego charakteru. zaczerpnięte ze źródła „Literatura muzyczna” Kołomiec Maria)

Jazz modalny (modalny).

soulowy jazz

Rowek

Odgałęzienie soul jazzu, styl groove kreśli melodie z bluesowymi nutami i wyróżnia się wyjątkowym skupieniem rytmicznym. Czasami nazywany także „funk”, groove koncentruje się na utrzymaniu ciągłego charakterystycznego wzoru rytmicznego, doprawiając go lekkimi instrumentalnymi, a czasem lirycznymi ozdobami.

Utwory utrzymane w stylu groove są pełne radosnych emocji, zapraszając słuchaczy do tańca, zarówno w wolnej, bluesowej odsłonie, jak iw szybkim tempie. Improwizacje solowe zachowują ścisłe podporządkowanie beatowi i zbiorowemu brzmieniu. Najbardziej znanymi przedstawicielami tego stylu są organiści Richard „Groove” Holmes i Shirley Scott, tenorsaksofonista Jean Emmons oraz flecista/altosaksofonista Leo Wright.

wolny jazz

saksofonista Ornette Coleman

Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z nadejściem free jazzu, czyli „New Thing”, jak go później nazwano. Chociaż elementy free jazzu istniały w muzycznej strukturze jazzu na długo przed powstaniem samego terminu, najbardziej oryginalne w „eksperymentach” takich innowatorów jak Coleman Hawkins, Pee Wee Russell i Lenny Tristano, ale dopiero pod koniec lat 90. dzięki wysiłkom takich pionierów, jak saksofonista Ornette Coleman i pianista Cecil Taylor, kierunek ten ukształtował się jako niezależny styl.

To, czego dokonali ci dwaj muzycy, wraz z innymi, w tym Johnem Coltrane'em, Albertem Aylerem i społecznościami takimi jak Sun Ra Arkestra i grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble, to różnorodne zmiany strukturalne i wyczucie muzyki. Wśród innowacji, które zostały wprowadzone z wyobraźnią i wielką muzykalnością, była rezygnacja z progresji akordów, co pozwoliło muzyce poruszać się w dowolnym kierunku. Kolejna fundamentalna zmiana została znaleziona w obszarze rytmu, gdzie „swing” został albo przedefiniowany, albo całkowicie zignorowany. Innymi słowy, pulsacja, metrum i groove nie były już istotnym elementem takiego odczytania jazzu. Inny kluczowy składnik został powiązany z atonalnością. Teraz powiedzenie muzyczne nie było już zbudowane na zwykłym systemie tonalnym. Przenikliwe, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat.

Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już tak kontrowersyjnym stylem, jak u zarania jego powstania.

twórczy

Pojawienie się kierunku „Kreatywnego” naznaczone było przenikaniem do jazzu elementów eksperymentalizmu i awangardy. Początek tego procesu częściowo zbiegł się z powstaniem free jazzu. Elementy awangardowego jazzu, rozumiane jako zmiany i innowacje wprowadzane do muzyki, zawsze miały charakter „eksperymentalny”. Tak więc nowe formy eksperymentalizmu oferowane przez jazz w latach 50., 60. i 70. były najbardziej radykalnym odejściem od tradycji, wprowadzając do praktyki nowe elementy rytmu, tonacji i struktury.W istocie muzyka awangardowa stała się synonimem form otwartych, bardziej trudny do scharakteryzowania nawet free jazz. Z góry zaplanowana struktura powiedzeń została zmieszana z bardziej swobodnymi frazami solowymi, przypominającymi częściowo free jazz. Elementy kompozycyjne tak zlały się z improwizacją, że trudno było już określić, gdzie kończy się pierwsza, a zaczyna druga. W rzeczywistości struktura muzyczna utworów została zaprojektowana w taki sposób, aby solo było produktem aranżacji, logicznie wprowadzając proces muzyczny w coś, co normalnie byłoby postrzegane jako forma abstrakcji, a nawet chaosu. wokalista Lenny Tristano, saksofonista Jimmy Joffrey i kompozytor/aranżer/dyrygent Günter Schuller. Do nowszych mistrzów należą pianiści Paul Blay i Andrew Hill, saksofoniści Anthony Braxton i Sam Rivers, perkusiści Sunny Murray i Andrew Cyrill oraz członkowie społeczności AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians), na przykład Art Ensemble of Chicago.

Połączenie

Wychodząc nie tylko z fuzji jazzu z popem i rockiem, ale także z muzyką wywodzącą się z takich dziedzin, jak soul, funk czy Rhythm and Blues, fusion (lub dosłownie fusion), jako gatunek muzyczny, pojawił się na końcu – x, pierwotnie zwany jazz-rockiem. Osoby i zespoły, takie jak Eleventh House gitarzysty Larry’ego Coryella, perkusista Tony Williams’ Lifetime i Miles Davis, poszły na czele tego trendu, wprowadzając elementy takie jak elektronika, rockowe rytmy i rozbudowane utwory, unieważniając wiele z tego, czym jazz był od czasów swojego powstania, czyli rytmu swingowego, a opierała się przede wszystkim na muzyce bluesowej, której repertuar obejmował zarówno materiał bluesowy, jak i popularne standardy. Termin fusion wszedł do użytku wkrótce po pojawieniu się różnych orkiestr, takich jak Mahavishnu Orchestra, Weather Report i Return To Forever Ensemble Chicka Corei. W całej muzyce tych zespołów kładziono stały nacisk na improwizację i melodię, co mocno łączyło ich praktykę z historią jazzu, pomimo krytyków, którzy twierdzili, że „sprzedali się” kupcom muzycznym. W rzeczywistości, kiedy dziś słucha się tych wczesnych eksperymentów, nie wydają się one komercyjne, oferując słuchaczowi udział w czymś, co było muzyką o wysoce rozwiniętej konwersacyjnej naturze. W połowie lat fusion przekształciło się w wariant łatwego słuchania i / lub muzyki rytmicznej i bluesowej. Kompozycyjnie czy też z punktu widzenia wykonawczego stracił znaczną część swojej ostrości, jeśli nie całkowicie. W -e muzycy jazzowi przekształcili muzyczną formę fusion w prawdziwie ekspresyjne medium. Artyści tacy jak perkusista Ronald Shannon Jackson, gitarzyści Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie i James „Blood” Ulmer, a także doświadczony saksofonista/trębacz Ornette Coleman twórczo opanowali tę muzykę w różnych wymiarach.

Postbop

Perkusista Art Blakey

Okres post-bop obejmuje muzykę graną przez muzyków jazzowych, którzy kontynuowali pracę w dziedzinie bebop, unikając eksperymentów z free jazzem, które rozwinęły się w tym samym okresie lat 60. Podobnie jak wspomniany już hard bop, forma ta opierała się na rytmach, strukturze zespołowej i energii bebopu, na tych samych kombinacjach instrumentów dętych blaszanych i na tym samym repertuarze muzycznym, w tym na wykorzystaniu elementów latynoskich. Tym, co wyróżniało muzykę post-bop, było wykorzystanie elementów funku, groove'u czy soulu, przekształconych w duchu new age, naznaczonego dominacją muzyki pop, często eksperymentującej z blues rockiem. Tacy mistrzowie, jak saksofonista Hank Mobley, pianista Horace Silver, perkusista Art Blakey i trębacz Lee Morgan zapoczątkowali tę muzykę w połowie XX wieku i zapowiedzieli to, co obecnie stało się dominującą formą jazzu. Oprócz prostszych melodii i bardziej serdecznych bitów, słuchacz mógł usłyszeć zmieszane razem ślady gospel i rytmu i bluesa. Styl ten, który ulegał pewnym zmianom w latach '', był w pewnym stopniu wykorzystywany do tworzenia nowych struktur jako element kompozycyjny. Saksofonista Joe Henderson, pianista McCoy Tyner, a nawet tak wybitny bopper jak Dizzy Gillespie, tworzyli muzykę w tym gatunku, która była zarówno ludzka, jak i interesująca harmonicznie. Jednym z najbardziej znaczących kompozytorów, którzy pojawili się w tym okresie, był saksofonista Wayne Shorter. Shorter, który ukończył szkołę w Art Blakey Ensemble, nagrał kilka mocnych albumów pod własnym nazwiskiem. Wraz z klawiszowcem Herbiem Hancockiem Shorter pomógł Milesowi Davisowi założyć kwintet (najbardziej eksperymentalną i wpływową grupą post-bopową był Davis Quintet z udziałem Johna Coltrane'a), który stał się jedną z najważniejszych grup w historii jazzu.

kwasowy jazz

Jazzmanush

Rozprzestrzenianie się jazzu

Jazz zawsze budził zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy'ego Gillespiego i jego syntezę tradycji jazzowych z muzyką czarnych Kubańczyków w czy późniejszym połączeniu jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią, znaną w twórczości pianisty Dave'a Brubecka, a także genialnego kompozytora i lidera jazzowej orkiestry Duke'a Ellingtona, która łączyła muzyczne dziedzictwo Afryki, Ameryki Łacińskiej i Dalekiego Wschodu. Jazz nieustannie wchłaniał i to nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Na przykład, kiedy różni artyści zaczęli próbować pracować z muzycznymi elementami Indii. Przykład tego wysiłku można usłyszeć w nagraniach flecisty Paula Horna w Taj Mahal, czy w nurcie „world music” reprezentowanym chociażby przez zespół Oregon czy projekt Shakti Johna McLaughlina. Muzyka McLaughlina, dawniej w dużej mierze oparta na jazzie, zaczęła wykorzystywać nowe instrumenty pochodzenia indyjskiego, takie jak khatam czy tabla, podczas jego pracy z Shakti zabrzmiały zawiłe rytmy, a forma indyjskiej ragi była szeroko stosowana. The Art Ensemble of Chicago był wczesnym pionierem fuzji form afrykańskich i jazzowych. Później świat poznał saksofonistę/kompozytora Johna Zorna i jego eksplorację żydowskiej kultury muzycznej, zarówno w Orkiestrze Masady, jak i poza nią. Prace te zainspirowały całe grupy innych muzyków jazzowych, takich jak klawiszowiec John Medeski, który nagrywał z afrykańskim muzykiem Salifem Keitą, gitarzysta Marc Ribot i basista Anthony Coleman. Trębacz Dave Douglas czerpie inspiracje z Bałkanów do swojej muzyki, podczas gdy Asian-American Jazz Orchestra stała się czołowym orędownikiem konwergencji jazzu i azjatyckich form muzycznych. W miarę postępującej globalizacji świata, na jazz nieustannie wpływają inne tradycje muzyczne, dostarczając dojrzałego pożywienia dla przyszłych badań i udowadniając, że jazz jest naprawdę muzyką świata.

Jazz w ZSRR i Rosji

Pierwszy w RSFSR
ekscentryczna orkiestra
jazzowy zespół Valentina Parnakh

W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać dużą popularność w latach 30., w dużej mierze dzięki leningradzkiemu zespołowi kierowanemu przez aktora i piosenkarza Leonida Utiosowa oraz trębacza Jakuba B. Skomorowskiego. Popularna komedia filmowa z jego udziałem „Merry Fellows” (1934, pierwotnie zatytułowana „Jazz Comedy”) była poświęcona historii muzyka jazzowego i miała odpowiednią ścieżkę dźwiękową (autorstwa Isaaka Dunaevsky'ego). Utyosow i Skomorowski stworzyli oryginalny styl „tea-jazz” (jazz teatralny), oparty na mieszance muzyki z teatrem, operetką, numerami wokalnymi, a dużą rolę odegrał w nim element performansu.

Znaczący wkład w rozwój radzieckiego jazzu wniósł Eddie Rosner, kompozytor, muzyk i lider orkiestr. Po rozpoczęciu kariery w Niemczech, Polsce i innych krajach europejskich Rozner przeniósł się do ZSRR i stał się jednym z pionierów swingu w ZSRR i inicjatorem białoruskiego jazzu. Ważną rolę w popularyzacji i rozwoju stylu swingowego odegrały również moskiewskie zespoły lat 30. i 40., na czele z Aleksandrem Tsfasmanem i Aleksandrem Warlamowem. Jazzowa Orkiestra Radia Wszechzwiązkowego pod dyrekcją A. Varlamova wzięła udział w pierwszym sowieckim programie telewizyjnym. Jedyną zachowaną kompozycją z tamtych czasów okazała się orkiestra Olega Lundstrema. Ten znany obecnie big band należał do nielicznych i najlepszych zespołów jazzowych diaspory rosyjskiej, występował w latach 1935-1947. w Chinach.

Stosunek władz sowieckich do jazzu był niejednoznaczny: rodzimych wykonawców jazzowych z reguły nie zakazywano, ale ostra krytyka jazzu jako takiego była szeroko rozpowszechniona w kontekście kontrowania kultury Zachodu w ogóle. Pod koniec lat 40., podczas walki z kosmopolityzmem, jazz w ZSRR przeżywał szczególnie trudny okres, kiedy prześladowano zespoły wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z nadejściem „odwilży” prześladowania muzyków ustały, ale krytyka trwała nadal.

Według badań profesor historii i kultury amerykańskiej Penny Van Eschen Departament Stanu USA próbował użyć jazzu jako ideologicznej broni przeciwko ZSRR i ekspansji sowieckich wpływów w Trzecim Świecie.

Pierwsza książka o jazzie w ZSRR została opublikowana przez Leningradzkie wydawnictwo Academia w 1926 roku. Został opracowany przez muzykologa Siemiona Ginzburga na podstawie tłumaczeń artykułów zachodnich kompozytorów i krytyków muzycznych, a także jego własnych materiałów i nosił tytuł „ Zespół jazzowy i muzyka współczesna» .
Następna książka o jazzie ukazała się w ZSRR dopiero na początku lat 60. Został napisany przez Valery Mysovsky i Vladimir Feyertag, zatytułowany „ Jazz” i był zasadniczo kompilacją informacji, które można było uzyskać z różnych źródeł w tamtym czasie. Od tego czasu rozpoczęto prace nad pierwszą encyklopedią jazzu w języku rosyjskim, która została opublikowana dopiero w 2001 roku przez petersburskie wydawnictwo „Skifia”. Encyklopedia " Jazz. XX wiek. Odniesienie encyklopedyczne” została przygotowana przez jednego z najbardziej autorytatywnych krytyków jazzowych Vladimira Feiertaga, liczyła ponad tysiąc nazwisk jazzowych osobistości i została jednogłośnie uznana za główną rosyjskojęzyczną książkę o jazzie. W 2008 roku ukazało się drugie wydanie encyklopedii „ Jazz. Odniesienie encyklopedyczne”, gdzie historia jazzu toczy się aż do XXI wieku, dodano setki najrzadszych fotografii, a listę jazzowych nazwisk powiększono o prawie jedną czwartą.

Jazz latynoamerykański

Połączenie latynoskich elementów rytmicznych było obecne w jazzie niemal od początków kulturowej fuzji zapoczątkowanej w Nowym Orleanie. Jelly Roll Morton mówił o „hiszpańskich podtekstach” w swoich nagraniach od połowy do końca lat 90. Duke Ellington i inni liderzy zespołów jazzowych również używali form łacińskich. Główny (choć mało rozpoznawalny) prekursor latynoskiego jazzu, trębacz/aranżer Mario Bausa, sprowadził w latach 90. Orkiestry Hendersona i Caba Callowaya. Pracując z trębaczem Dizzy Gillespie w Calloway Orchestra od końca XX wieku, Bausa wprowadził kierunek, z którego istniał już bezpośredni związek z big bandami Gillespiego z połowy XX wieku. Ten „romans” Gillespiego z latynoskimi formami muzycznymi trwał do końca jego długiej kariery. Bausa kontynuował karierę, zostając dyrektorem muzycznym Afro-Cuban Machito Orchestra, na czele której stał jego szwagier, perkusista Frank Grillo, nazywany Machito. Lata 50. i 60. to długi flirt jazzu z latynoskimi rytmami, głównie w kierunku bossa novy, wzbogacający tę syntezę o elementy brazylijskiej samby. Łącząc styl cool jazzu wypracowany przez muzyków z Zachodniego Wybrzeża, europejskie proporcje klasyki i uwodzicielskie brazylijskie rytmy, bossa nova, a właściwie „brazylijski jazz”, zyskała dużą popularność w Stanach Zjednoczonych ok. Subtelne, ale hipnotyzujące rytmy gitary akustycznej przerywane były prostymi melodiami śpiewanymi zarówno po portugalsku, jak i po angielsku. Wprowadzony przez Brazylijczyków Joao Gilberto i Antonio Carlosa Jobina, styl ten stał się taneczną alternatywą dla hard bop i free jazzu w latach pięćdziesiątych XX wieku, znacznie zwiększając jego popularność dzięki nagraniom i występom muzyków z zachodniego wybrzeża, w szczególności gitarzysty Charliego Byrda i saksofonisty Stana Getza . Muzyczna mieszanka wpływów latynoskich rozprzestrzeniła się w jazzie i poza nim, w latach i XX wieku, obejmując nie tylko orkiestry i grupy z pierwszorzędnymi improwizatorami z Ameryki Łacińskiej, ale także łącząc lokalnych i latynoskich wykonawców, tworząc przykłady najbardziej ekscytującej muzyki scenicznej . Ten nowy renesans latynoskiego jazzu był napędzany przez ciągły napływ zagranicznych wykonawców spośród kubańskich uciekinierów, takich jak trębacz Arturo Sandoval, saksofonista i klarnecista Paquito D'Rivera i inni. którzy uciekli przed reżimem Fidela Castro w poszukiwaniu większych możliwości, jakie spodziewali się znaleźć w Nowym Jorku i na Florydzie. Istnieje również opinia, że ​​​​bardziej intensywne, bardziej taneczne cechy polirytmicznej muzyki latynoskiego jazzu znacznie poszerzyły jazzową publiczność. To prawda, zachowując jedynie minimum intuicyjności, dla percepcji intelektualnej.

Jazz we współczesnym świecie

Blues

(melancholia, smutek) - pierwotnie - solowy utwór liryczny Murzynów amerykańskich, później - kierunek w muzyce.

W latach 20. XX wieku ukształtował się klasyczny blues, który opierał się na 12-taktowym okresie, odpowiadającym 3-liniowej formie poetyckiej. Blues był pierwotnie muzyką graną przez czarnych dla czarnych. Po pojawieniu się bluesa na południu Stanów Zjednoczonych, zaczyna rozprzestrzeniać się po całym kraju.

Melodia bluesowa charakteryzuje się strukturą pytanie-odpowiedź i wykorzystaniem bluesowego progu.

Blues wywarł ogromny wpływ na kształtowanie się muzyki jazzowej i rozrywkowej, elementy bluesa wykorzystywali kompozytorzy XX wieku.

archaiczny jazz

Archaiczny (wczesny) jazz- Określenie najstarszych, tradycyjnych rodzajów jazzu, które istniały od połowy ubiegłego wieku w wielu południowych stanach USA.

Archaiczny jazz reprezentowała zwłaszcza muzyka murzyńskich i kreolskich orkiestr marszowych XIX wieku.

Okres archaicznego jazzu poprzedził pojawienie się stylu nowoorleańskiego (klasycznego).

Nowy Orlean

Amerykańska ojczyzna, z której narodził się sam jazz, uważana jest za miasto pieśni i muzyki - Nowy Orlean.
Chociaż twierdzi się, że jazz narodził się w całej Ameryce, a nie tylko w tym mieście, to właśnie tutaj rozwinął się najmocniej. Ponadto wszyscy dawni muzycy jazzowi wskazywali na centrum, które uważali za Nowy Orlean. W Nowym Orleanie rozwinęło się najkorzystniejsze środowisko dla rozwoju tego kierunku muzycznego: istniała liczna społeczność murzyńska, a duży procent ludności stanowili Kreole; aktywnie rozwijało się tu wiele kierunków i gatunków muzycznych, których elementy zostały wówczas włączone do twórczości znanych jazzmanów. Różne grupy wypracowały własne kierunki muzyczne, a Afroamerykanie stworzyli nową sztukę, która nie ma odpowiedników z połączenia bluesowych melodii, ragtime'u i własnych tradycji. Pierwsze płyty jazzowe potwierdzają prerogatywy Nowego Orleanu w powstaniu i rozwoju sztuki jazzowej.

Dixieland

(Country Dixie) – potoczne określenie południowych stanów USA, jedna z odmian jazzu tradycyjnego.

Większość wokalistów bluesowych, pianistów boogie-woogie, muzyków ragtime i zespołów jazzowych przybyła z południa do Chicago, przywożąc ze sobą muzykę, która wkrótce zyskała przydomek Dixieland.

Dixieland– najszersze określenie stylu muzycznego najwcześniejszych muzyków jazzowych z Nowego Orleanu i Chicago, którzy nagrywali płyty w latach 1917 – 1923.

Niektórzy historycy określają Dixieland tylko jako muzykę białych zespołów w stylu Nowego Orleanu.

Muzycy Dixieland szukali odrodzenia klasycznego nowoorleańskiego jazzu.

Próby te zakończyły się sukcesem.

Boogie Woogie

Styl fortepianowego bluesa, jedna z najwcześniejszych odmian murzyńskiej muzyki instrumentalnej.

Styl, który okazał się bardzo przystępny dla szerokiego grona odbiorców.

w pełni brzmiący stylu boogie-woogie pojawił się z powodu zaistniałej na początku XX wieku potrzeby zatrudniania pianistów zamiast orkiestr w niedrogich kawiarniach typu „honky-tonk”. Aby zastąpić całą orkiestrę, pianiści wymyślali różne sposoby gry rytmicznej.

Cechy charakterystyczne: improwizacja, wirtuozeria techniczna, specyficzny rodzaj akompaniamentu - motoryczna figuracja ostinato w partii lewej ręki, przerwa (do 2-3 oktaw) między basem a melodią, ciągłość ruchu rytmicznego, odmowa użycia pedału.

Przedstawiciele klasycznego boogie-woogie: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mid Lux ​​Lewis, Jimmy Yankee.

bluesa ludowego

Archaiczny blues akustyczny oparty na wiejskim folklorze czarnej populacji Stanów Zjednoczonych, w przeciwieństwie do klasycznego bluesa, który był głównie miejski.

bluesa ludowego- To rodzaj bluesa, wykonywany z reguły nie na elektrycznych instrumentach muzycznych. Obejmuje szeroki zakres stylów gry i muzycznych i może obejmować nieskomplikowaną, prostą muzykę graną na mandolinie, banjo, harmonijce ustnej i innych nieelektrycznych zespołach dzbanów (np. ręcznie robionych). Folk blues sprawia wrażenie nieokrzesanej, nieco nieformalnej muzyki . Jednym słowem to prawdziwy folk grany przez ludzi i dla ludzi.

W folkowym bluesie byli bardziej wpływowi piosenkarze niż Blind Lemon Jefferson, Charlie Patton, Alger Alexander.

Dusza

(dosłownie - dusza); najpopularniejszy styl muzyczny w latach 60. XX wieku, który rozwinął się z kultowej muzyki amerykańskich murzynów i zapożyczył wiele elementów rytmu i bluesa.

Istnieje kilka kierunków w muzyce soul, z których najważniejsze to tak zwana dusza „Memphis” i „Detroit”, a także „biała” dusza, która jest charakterystyczna głównie dla muzyków z Europy.

Boj

Termin narodził się w jazzie w latach 50. XX wieku. Styl „funk” jest bezpośrednią kontynuacją muzyki „soul”. Forma rytmu i bluesa.

Pierwszymi wykonawcami tego, co później nazwano „funkem”, byli jazzmani grający bardziej energetyczny, specyficzny rodzaj jazzu na przełomie lat 50. i 60. XX wieku.

Funk to przede wszystkim muzyka taneczna, która określa jej cechy muzyczne: ostateczną synkopę partii wszystkich instrumentów.

Funk charakteryzuje się wysuniętą na pierwszy plan sekcją rytmiczną, ostro synkopowaną partią gitary basowej, riffami ostinato jako melodyczno-tematyczną podstawą kompozycji, elektronicznym brzmieniem, podekscytowanym wokalem i szybkim tempem muzyki.

James Brown i George Clinton wraz z PARLAMENT/FUNKDEIC stworzyli eksperymentalną szkołę funku.

Klasyczne nagrania funkowe sięgają przełomu lat 60. i 70. XX wieku.

darmowy funk

darmowy funk- mieszanka awangardowego jazzu z funkowymi rytmami.

Kiedy Ornette Coleman założył Prime Time, w rezultacie powstał „podwójny kwartet” (składający się z dwóch gitarzystów, dwóch basistów i dwóch perkusistów oraz jego altówka) grający muzykę w swobodnej tonacji, ale z ekscentrycznymi funkowymi rytmami. Trzej członkowie zespołu Colemana (gitarzysta James Blood Ulmer, basista Jamaaladin Takuma i perkusista Ronald Shannon Jackson) zorganizowali później własne projekty free-funkowe, a free-funk był głównym wpływem basistów m-basowych, w tym altowiolistów Steve'a Colemana i Grega Osby.
Huśtać się

Bop- styl jazzowy, który rozwinął się do połowy lat 40. XX wieku i charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami opartymi na grze harmonii, a nie melodii. Bebop zrewolucjonizował jazz; boper stworzył nowe pomysły na to, czym jest muzyka.

Faza bebopowa polegała na znaczącym przesunięciu akcentu w jazzie z muzyki tanecznej opartej na melodii na bardziej rytmiczną, mniej popularną „muzykę muzyczną”. Muzycy bopowi woleli złożone improwizacje oparte na brzdąkaniu akordów zamiast melodii.

Bebop był szybki, nerwowy, był „twardy dla słuchacza”.

jazzowy progresywny

Równolegle z pojawieniem się bebopu w środowisku jazzowym rozwija się nowy gatunek – jazz progresywny. Główną różnicą tego gatunku jest chęć odejścia od zamrożonej kliszy big bandów i przestarzałych technik tzw. jazz symfoniczny.

Progresywni muzycy jazzowi dążyli do aktualizacji i udoskonalania swingowych wzorców fraz, wprowadzając do praktyki kompozytorskiej najnowsze osiągnięcia europejskiej symfonii w zakresie tonalności i harmonii. Największy wkład w rozwój „postępu” wniósł Stan Kenton. Brzmienie muzyki wykonywanej przez jego pierwszą orkiestrę było bliskie stylistyce Siergieja Rachmaninowa, a kompozycje nosiły znamiona romantyzmu.

Serię nagranych albumów „Artistry”, „Miles forward”, „Rysunki hiszpańskie” można uznać za swego rodzaju apoteozę rozwoju sztuki progresywnej.

(fajny jazzik), jeden ze stylów modern jazzu, ukształtowany na przełomie lat 40-50 XX wieku na bazie rozwoju dorobku swingu i bopu.

Trębacz Miles Davis, który był jednym z pierwszych wykonawców bebopu, stał się innowatorem tego gatunku.

Cool jazz charakteryzuje się takimi cechami jak lekka, „sucha” barwa dźwięku, powolność ruchu, zamrożona harmonia, która stwarza iluzję przestrzeni. Pewną rolę odegrał także dysonans, ale jednocześnie różniący się złagodzonym, stłumionym charakterem.

Saksofonista Lester Young po raz pierwszy ukuł termin „cool”.

Najbardziej znani muzycy kula to Dave Brubeck, Stan Getz, George Shearing, Milt Jackson, „Shorty” Rogers .
Główny nurt

(dosłownie - główny nurt); określenie odnoszące się do pewnego okresu swingu, w którym wykonawcom udało się uniknąć utartych w tym stylu klisz i kontynuować tradycje murzyńskiego jazzu, wprowadzając elementy improwizacji.

Mainstream charakteryzuje się prostą, ale wyrazistą linią melodyczną, tradycyjną harmonią i wyraźnym rytmem z wyraźnym drivem.

Wiodący artyści: Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins, a także liderzy big bandów Duke Ellington i Benny Goodman.

(twardo, twardo), styl współczesnego jazzu.

Jest kontynuacją tradycji klasycznego rytmu i bluesa oraz bebopu.

Powstał w latach pięćdziesiątych jako reakcja na akademizm i europejską orientację chłodnego i zachodniego wybrzeża jazzu, który osiągnął wówczas swój szczyt.

Cechami charakterystycznymi wczesnego hard bopu są dominacja silnie akcentowanego akompaniamentu rytmicznego, wzmocnienie elementów bluesowych w intonacji i harmonii, tendencja do ujawniania zasady wokalnej w improwizacji oraz pewne uproszczenie języka muzycznego.

Głównymi przedstawicielami hard bopu są głównie czarni muzycy.

Kwintet Arta Blakeya JAZZ MESSENGERS (1954) był pierwszym zespołem tego stylu, który nagrywał na płytach.

Inni czołowi muzycy: John Coltrane, Sonia Rollins, Henk Mobley, Max Roach…

(dosłownie - fuzja, fuzja), nowoczesny kierunek stylistyczny, który powstał na bazie jazz-rocka, syntezy elementów europejskiej muzyki akademickiej i pozaeuropejskiego folkloru. Wychodząc nie tylko z fuzji jazzu z muzyką pop i rockiem, fusion jako gatunek muzyczny pojawił się pod koniec lat 60. pod nazwą jazz-rock.

Larry Coryell, Tony Williams, Miles Davis wprowadzili elementy takie jak elektronika, rockowe rytmy i rozbudowane utwory, odwracając wiele z tego, co reprezentował jazz – swingowy beat.

Kolejna zmiana dotyczy obszaru rytmu, gdzie swing został albo przedefiniowany, albo całkowicie zignorowany. Pulsacja, metrum przestały być istotnym elementem w czytaniu jazzu.

Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już tak kontrowersyjnym stylem, jak postrzegano go u zarania jego powstania.

Połączenie łacińskich elementów rytmicznych było obecne niemal od początku w wywodzącej się z Nowego Orleanu mieszance kultur. Muzyczne wpływy latynoskie w jazzie rozszerzyły się nie tylko na orkiestry i zespoły z najwyższej klasy improwizatorami pochodzenia latynoamerykańskiego, ale także na łączenie muzyków lokalnych i latynoskich, tworząc przykłady najbardziej ekscytującej muzyki scenicznej.

A jednak dziś jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby światowych kultur, nieustannie przybliżających nas do tego, co w istocie już staje się „muzyką świata” (muzyką świata).

Dzisiejszy jazz nie może nie ulegać wpływom przenikających się do niego dźwięków z niemal każdego zakątka globu.

Potencjał dalszego rozwoju jazzu jest obecnie dość duży, ponieważ drogi rozwijania talentów i środki ich wyrażania są nieprzewidywalne, mnożące się przez połączone wysiłki różnych, promowanych dziś gatunków jazzowych.