Latem 1895 roku w Papeete, głównym porcie francuskiej kolonii Tahiti, zacumował parowiec „Australian”, który kilka miesięcy wcześniej opuścił Marsylię. Pasażerowie drugiej klasy tłoczyli się na górnym pokładzie. Spektakl, jaki ukazał się ich oczom, nie sprawił wiele radości – powalone molo z grubo ociosanych bali, ciąg bielonych domów pod palmowymi dachami, drewniana katedra, dwupiętrowy pałac gubernatora, chata z napisem „Żandarmeria”. ..

Paul Gauguin ma 47 lat, zrujnowane życie i zawiedzione nadzieje pozostawił za sobą, nic nie czekało - wyśmiewany przez współczesnych artysta, zapomniany przez własne dzieci ojciec, pisarz, który stał się pośmiewiskiem paryskich dziennikarzy. Parowiec zawrócił, uderzył w bok bali molo, marynarze przerzucili trap, a tłum kupców i urzędników rzucił się w dół. Zszedł wysoki, zgarbiony, przedwcześnie postarzały mężczyzna w luźnej bluzie i szerokich spodniach. Gauguin szedł powoli - tak naprawdę nie miał się gdzie spieszyć.

Diabeł, który opiekował się swoją rodziną, wziął swoją - i był czas, kiedy on, teraz artysta wyrzutek, który podzielił los swoich szalonych krewnych, był uważany za najbogatszego z burżuazji.

Podczas rewolucji francuskiej jego prababka Teresa Lehne wyjechała do Hiszpanii. Tam zabrała z rodziny szlachcica, dowódcę pułku smoków i kawalera Orderu św. Jakuba, Don Mariano de Tristan Moscoso. Kiedy umarł, Teresa, nie chcąc błahych i upokorzyć się przed krewnymi swego niezamężnego męża, zażądała praw do całego jego majątku, ale nie otrzymała ani centyma i zmarła w nędzy i szaleństwie.

Jego babcia była dobrze znana w robotniczych dzielnicach Paryża – Flora uciekła przed cichym rytownikiem, po uszy zakochana w jego czarującej furii. Biedak długo próbował zwrócić niewiernego małżonka, zawracał jej głowę listami, błagał o spotkania. To jednak nie pomogło i pewnego pięknego dnia Antoine Chazal, dziadek przyszłej artystki, pojawił się przed nią z naładowanym pistoletem. Rana Flory okazała się niegroźna, ale jej uroda i całkowity brak wyrzutów sumienia męża zrobiły na jury należyte wrażenie – dwór królewski skazał rytownika na dożywotnie ciężkie roboty. A Flora wyjechała do Ameryki Łacińskiej. Brat Don Mariano, który tam osiadł, nie dał zabłąkanej siostrzenicy ani grosza, a potem Flora na zawsze znienawidziła bogatych: zbierała pieniądze dla więźniów politycznych, uderzając uczestników podziemnych zgromadzeń wściekłymi występami i surową hiszpańską urodą.

Jej córka była spokojną i rozsądną kobietą: Alina Gauguin zdołała dogadać się ze swoimi hiszpańskimi krewnymi. Wraz z synem osiedliła się w Peru, w pałacu sędziwego Don Pio de Tristana Moscoso. Osiemdziesięcioletni milioner traktował ją jak królową, mały Paul miał odziedziczyć ćwierć swojej fortuny. Ale demon, który zawładnął tą rodziną, czaił się za kulisami: kiedy Don Pio umarł, a jego bezpośredni spadkobiercy zamiast ogromnej fortuny zaoferowali Alinie tylko niewielką rentę, ta odmówiła i rozpoczęła beznadziejny proces. W rezultacie Alina spędziła resztę życia w skrajnej nędzy. Dziadek Paula Gauguina nosił pasiastą szatę i ciągnął łańcuch, do którego przykuta była kula armatnia, imię jego babci zdobiło policyjne raporty, a ku zaskoczeniu wszystkich bliskich wyrósł na rozsądnego, obowiązkowego człowieka – swojego szefa, maklera giełdowego Paul Bertin nie mógł się nim chwalić.

Powóz ciągnięty przez parę czarnych, przytulna rezydencja wypchana antycznymi meblami i antyczną porcelaną – żona Gauguina, wspaniała blondynka Dane Metta, była zadowolona ze swojego życia i męża. Spokojny, oszczędny, niepijący, pracowity - to tylko dodatkowe słowo z jego strony i nie da się tego wyciągnąć kleszczami. Zimne szaroniebieskie oczy, lekko przysłonięte ciężkimi powiekami, ramiona młota - wygięte podkowy Paula Gauguina. Prawie udusił swojego kolegę, który w ramach żartu strącił mu z głowy cylinder, w hali paryskiej giełdy. Ale jeśli nie został wypędzony z siebie, drzemał w drodze. Zwykł wychodzić do gości swojej żony w koszuli nocnej. Biedna Metta nie podejrzewała jednak, że rezydencja, wyjazd i konto bankowe (i ona sama) były nieporozumieniem, wypadkiem, który nie miał nic wspólnego z prawdziwym Paulem Gauguinem.

W młodości służył w marynarce handlowej - pływał przez Atlantyk na żaglowcach, wspinał się po całunach, wisiał nad wzburzonym oceanem na ogromnym kołyszącym się maszcie. Gauguin wyruszył w morze jako prosty żeglarz i awansował do stopnia porucznika. Potem była korweta bojowa „Jerome Napoleon”, wyprawy badawcze na morzach północnych i wojna z Prusami. Siedem lat później Paul Gauguin został odpisany na brzeg. Dostał pracę na giełdzie i życie potoczyło się jak w zegarku... Dopóki nie wkroczyło w to malarstwo.

Najlepsze w ciągu dnia

Brzeg, na który zszedł Gauguin, mienił się wszystkimi kolorami tęczy: jasnozielone liście palmowe, woda lśniąca jak stopiona stal i kolorowe owoce tropikalne połączyły się w fantastyczną, olśniewającą ekstrawagancję. Potrząsnął głową i zamknął oczy - wydawało mu się, że wszedł na własne płótno, łatwo, bez wysiłku wszedł w świat, który od lat nawiedzał jego wyobraźnię. Ale kolory miejscowego boga były być może jaśniejsze niż te Paula Gauguina - warto byłoby spojrzeć na Papeete wygrzewającego się w wieczornym słońcu dla tych, którzy uważali go za szaleńca.

Pierwsza nazwała to jego żona, kiedy powiedział jej, że odchodzi z giełdy dla malarstwa. Zabrała dzieci i pojechała do domu do Kopenhagi. Wtórowali jej krytycy prasowi, a nawet przyjaciele, którzy często pomagali mu kawałkiem chleba: był czas, kiedy chodził po Paryżu w drewnianych butach, bez grosza w kieszeni, nie wiedząc, jak nakarmić syna, który nie chciał się z nim rozstać. Dziecko często się przeziębiało i chorowało, a ojciec nie miał czym zapłacić lekarzowi ani kupić farb - oszczędności byłego maklera rozleciały się w pół roku, a nikt nie chciał kupować jego obrazów.

Wieczorami na paryskich ulicach zapalano bladożółte lampy gazowe; skórzane dachy taksówek lśniły w deszczu, elegancko ubrani ludzie wychodzili z teatrów i restauracji; przy wejściu do Salonu, gdzie wystawiali się uznani przez publiczność artyści i koneserzy, wisiały jaskrawe plakaty. A on, głodny i przemoczony, pluskał się w kałużach w swoich ogromnych chodakach, ślizgając się po wilgotnym bruku. Był biedny, ale niczego nie żałował - Gauguin wiedział na pewno, że czeka go chwała.

Cała ziemia na Tahiti należała do misji katolickiej, a Gauguin złożył pierwszą wizytę jej szefowi, biskupowi Martinowi. Diecezja nie roztrwoniła swojego dobra: zanim Gauguin namówił ojca świętego, by sprzedał mu działkę pod budowę chaty, artysta musiał znosić wiele mszy i nie raz przystępować do spowiedzi. Lata mijały, a starzejący się, który spędził życie w jednym z prowansalskich klasztorów, ojciec Martin chętnie dzielił się wspomnieniami z odwiedzającymi go wielbicielami Gauguina – jego zdaniem głównym wrogiem artysty był demon ambicji i pychy: „ Aby ocenić, co Paul Gauguin zrobił dla sztuki „Tylko Bóg może, a on nie był dobrym człowiekiem. Spójrz rozsądnie, monsieur, zostawił swoją żonę bez grosza przy duszy, pozwolił jej odebrać sobie pięcioro dzieci, a ja nie słyszałem ani słowa o żałuje od niego! Dorosły człowiek porzucił interes, który dawał pewny kawałek chleba, dla sztuki - a przecież malarstwa trzeba się uczyć od najmłodszych lat! I dobrze by było, gdyby zadowolił się skromnym losem uczciwego sługi muz, sumiennie przenoszącego na płótno cudowne dzieła Boże. Ale nie - sam szaleniec chciał być porównywany z Panem, zastępował Boży świat owocami swojej szalonej wyobraźni Zbuntował się przeciw Bogu jak anioł ciemności, a Pan obalił go, jak Satanail - artysta Gauguin zakończył swoje dni w pijaństwie i rozpuście, cierpiąc haniebny ból eznyu..."

Za życia artysty ksiądz Marcin niejednokrotnie posługiwał się tym tekstem w niedzielnych kazaniach. Miał swoje powody do niezadowolenia z wizytowej mufki: Gauguin zabrał najpiękniejszą ze swoich kochanek, czternastoletnią uczennicę szkoły misyjnej Henriette, a nawet napisał do Paryża o tym, jak podczas uroczystej mszy Henriette chwycił za włosy gospodyni Martina. Jej słowa: „Biskup kupił ci jedwabną sukienkę, bo ty, kurwa, częściej z nim sypiasz!” dzięki Gauguinowi dotarli do samego Rzymu – tylko dzięki nim ksiądz Marcin pozostał w pamięci duchowieństwa.

Gauguin nie chodził już na niedzielne kazania, nie włożył biskupa za grosz, ale mimo to znał swoje demony z widzenia - na starość człowiek staje się mądrzejszy i zaczyna rozumieć, jeśli nie w ludziach, to w sobie. Chata kosztowała go tysiąc franków; kolejne trzysta franków poszło na sto pięćdziesiąt litrów absyntu, sto litrów rumu i dwie butelki whisky. Kilka miesięcy później paryski marszand miał mu przysłać kolejny tysiąc, ale na razie pozostałe pieniądze wystarczały tylko na mydło, tytoń i chusteczki dla odwiedzających go tubylców. Pił, malował, rzeźbił w drewnie, kochał się i czuł, że znika to, co go opętało przez ostatnie lata - człowiek, który uważał się za Pana Boga, przestał istnieć.

Jeszcze kilka lat temu gardził otaczającymi go ludźmi. Był biedny i nierozpoznany, a artyści pracujący w tradycyjny sposób obnosili się w drogich strojach i wystawiali swoje prace na każdym Salonie. Ale Gauguin zachowywał się jak prorok, a młodzież, szukając dla siebie bożków, poszła za nim - emanowało z niego niemal mistyczne uczucie siły. Hałaśliwy, rezolutny, niegrzeczny, znakomity szermierz, znakomity bokser, swoim otoczeniem mówił prosto w twarz, co o nich myśli, a przy tym nie był nieśmiały w wyrazach twarzy. Sztuka była dla niego tym, w co sam wierzył, potrzebował czuć się centrum wszechświata – inaczej poświęcenie, które złożył swojemu demonowi, wyglądało na bezsensowne i potworne. Metta, słomiana wdowa po Paulu Gauguinie, opowiedziała dziennikarzowi, który przypadkowo znalazł się z nią w tym samym przedziale - stało się to na początku XX wieku, kilka lat po pochowaniu jej byłego męża na Tahiti.

Korespondent „Gazette de France” początkowo wziął kobietę leżącą swobodnie na kanapie za dżentelmena. Tęgi jasnowłosy dżentelmen, ubrany w podróżny garnitur, pił koniak z małej płaskiej piersiówki, palił długie hawańskie cygaro i strząsał popiół prosto na pluszowej sofie. Konduktor zwrócił mu uwagę, „pan” oburzył się i poprosił swojego przypadkowego towarzysza o wstawiennictwo za… biedną, bezbronną kobietę. Spotkali się, zaczęli rozmawiać, aw domu początkujący pisarz spisał to, co zapamiętał z monologu wdowy po tajemniczym Paulu Gauguinie, który zaczynał wchodzić w modę.

"Paul był dużym dzieckiem. Tak, młody człowiek, dziecko - złe, samolubne i uparte. Wymyślił całą swoją siłę - może uwierzyły mu tahitańskie dziwki i głupi studenci, ale nigdy nie udało mu się mnie oszukać. Tak jak ty pomyśl po co się ze mną ożenił... to znaczy po co się ze mną ożenił? Myślisz, że potrzebował kobiety? Bzdura - wtedy nie zwracał uwagi na kobiety. Paul Gauguin szukał drugiej matki - potrzebował spokoju, ciepło, ochrona... Dom. Dałam mu to wszystko, ale on mnie zostawił! Zostawił mnie z pięciorgiem dzieci, bez ani jednego franka... Tak, wiem, co o mnie mówią, i nie obchodziło mnie to .

Tak, sprzedałem jego kolekcję dzieł sztuki i nie wysłałem mu ani jednej monety. I zabronił dzieciom pisać do niego. Tak, nie pozwoliłem mu się do siebie zbliżyć, kiedy przyjechał do Danii... Dlaczego tak się na mnie patrzysz, młodzieńcze - po prostu jestem szczery. Na Boga, mężczyźni są gorsi od kobiet. A Paweł, mimo swoich pięści, też był kobietą, dopóki diabeł nie natchnął go, że jest artystą. A on, przeklęty egoista, zaczął tańczyć wokół swojego talentu. A ja - kobieta z dobrej rodziny! - musiał żywić się lekcjami. Teraz ten nieczysty nauczył tego samego wszystkich kretynów, którzy mają obsesję na punkcie malarstwa, a bogaci głupcy płacą dziesiątki tysięcy franków za jego malowanie… Niech ich wszystkich diabli – nie mam ani jednego jego lewego obrazu, Sprzedałem wszystko za grosze! .. ”

Mette Gauguin, z domu Gad, zawsze wyróżniała się bezpośredniością, niegrzecznym humorem i odrobiną męskości; w dojrzałych latach całkowicie zaczęła przypominać smoka. Ale Gauguin ją kochał: na Tahiti czekał na jej listy i strasznie się martwił, że dzieci, które zapomniały zarówno języka francuskiego, jak i na wpół zwariowanego ojca mufki, nie złożyły mu wszystkiego najlepszego z okazji urodzin. Paul Gauguin był człowiekiem obowiązku – wiedział, że ojciec ma obowiązek dbać o swoje potomstwo, fakt, że porzucił rodzinę nie pozwalał mu spać spokojnie. Dawni właściciele zaproponowali mu powrót, został powołany do pracy w firmie ubezpieczeniowej – ośmiogodzinny dzień pracy i bardzo przyzwoite wynagrodzenie. W końcu mógł malować jak wszyscy, sprzedawać obrazy i mieszkać w koniczynie… Ale to było absolutnie wykluczone: Gauguin nie myślał o jutrze, ale o przyszłych biografach.

Sto pięćdziesiąt litrów absyntu wystarczało na długi czas. Pił sam, podawał wodę tubylcom, którzy przychodzili do ogniska, pijany, rozkładał się w hamaku, zamykał oczy i wpatrywał się w unoszące się przed nim twarze. Z ciemności wyłonił się ognistoczerwony, kruchy Van Gogh - szalone oczy, brzytwa zaciśnięta w drżącej dłoni. Było to w Arles, w nocy dwudziestego drugiego grudnia 1888 roku. Obudził się na czas, a szaleniec odszedł, mamrocząc coś niezrozumiale. Następnego ranka Vincent został znaleziony nieprzytomny w zakrwawionym łóżku, z odciętym uchem – prostytutka z pobliskiego burdelu powiedziała, że ​​w nocy wtargnął do jej pokoju, włożył w ręce kawałek swojego zakrwawionego ciała i wybiegł krzycząc : „Weź to na pamiątkę po mnie! ..”

Mieszkali w tym samym domu, razem malowali, chodzili do tych samych dziwek - Paul wyróżniał się upartym zdrowiem i nie mógł się tym mniej przejmować, a wątły, chorowity Van Gogh nie mógł znieść takiego życia. Dziwactwa zaczęły się, gdy Gauguin ogłosił, że zamierza wyjechać na Tahiti - Vincent kochał przyjaciela i bał się zostać sam, załamanie nerwowe wywołało zamieszanie.

Jego nauczyciel, siwobrody Pizarro, błyszczał oczami - nie wybaczył Gauguinowi szaleńczego pragnienia sukcesu: „Prawdziwy artysta powinien być biedny i nierozpoznany, powinien dbać o sztukę, a nie opinię głupich krytyków. I ten człowiek sam nazwał się geniuszem i obrócił sprawę tak, że my, jego przyjaciele, musimy śpiewać razem z nim.Paweł zmusił mnie do pomocy mu przy wystawie, zmusił cię do napisania o tym artykułu... I co do cholery czy podąża do Panamy, Martyniki i Tahiti?Prawdziwy artysta odnajdzie naturę w Paryżu „Nie chodzi o egzotyczne świecidełka, chodzi o to, co masz w duszy”.

Paulowi powiedział o tym jego najlepszy przyjaciel, dziennikarz Charles Maurice. „Australijczyk” wyruszył rano, pili całą noc, a Gauguin nie wyjaśnił, dlaczego Panama i Martynika pojawiły się w jego życiu.

Granatowe płótno oceanu, wiatr śpiewający w całunach, białe domy na brzegu – przyjechał do Panamy z nadzieją, że odnajdzie tam nowe wrażenia i pracę, która da mu kromkę chleba. Ale artyści i sprzedawcy w Ameryce Łacińskiej nie byli potrzebni, a Gauguin musiał pracować jako kopacz - nie było lepszego wakatu. W dzień dzierżył łopatę, wycierając ręce do krwawych odcisków, aw nocy nękały go komary. Potem i tę pracę stracił i przeniósł się kilka tysięcy kilometrów z Panamy na Martynikę: chlebowiec był tam nic nie wart, wodę można było czerpać ze źródła, a Kreolowie nosili tylko przepaski biodrowe. Z piekła, w które Paryż zamienił się dla biednego i nierozpoznanego artysty, trafił do ziemskiego raju, który ożył na jego płótnach. Przywiózł ich do Francji na handlowym brygu - nie było pieniędzy na podróż powrotną, a musiał zostać zatrudniony jako marynarz. Wystawa, którą zorganizował po powrocie do domu, zakończyła się ogłuszającym trzaskiem - zszokowana Angielka trąca palcem w zdjęcie i ze złością piszczy „Rudy pies!” („Rudy pies!”), Wciąż stoi mu przed oczami.

Po raz pierwszy przyjechał na Tahiti na stałe - miał dość Francji. Znowu był szczęśliwy: łatwo mu było pracować, szesnastoletnia Tekhura, dziewczyna o podłużnej śniadej twarzy i falujących włosach, czekała w chacie - jej rodzice wzięli za nią bardzo mało. W nocy w chacie tliło się nocne światło - Tehura bał się duchów czyhających na skrzydłach; rano przyniósł wodę ze studni, podlał ogród i stanął do sztalugi. Takie życie mogłoby trwać wiecznie, ale obrazy pozostawione w Paryżu nie zostały sprzedane, właściciele galerii nie przysłali ani grosza. Minął rok, a przyjaciele musieli go ratować z Tahiti – dopadła go tu bieda, przed którą uciekał.

Za drugim razem Gauguin przyjechał tu umrzeć: pieniędzy powinno wystarczyć na półtora roku, arszenik przygotowywano w skrajnych przypadkach… Dawka okazała się za duża: wymiotował całą noc, leżał w łóżku przez trzy dni, a kiedy wyzdrowiał, czuł tylko zimną obojętność. Nie pragnął niczego więcej, nawet śmierci.

Wiele lat później Charles Maurice wspominał ich pożegnalne przyjęcie. Na wystawie, która odbyła się dzień wcześniej, Gauguin sprzedał wiele prac, Wydział Sztuk Pięknych załatwił mu trzydziestoprocentową zniżkę na bilet do Oceanii. Wszystko szło dobrze, ale nieoczekiwanie nieugięty, niegrzeczny, nie wpuszczający nikogo do swojej duszy, Gauguin ukrył głowę w dłoniach i wybuchnął płaczem.

Z płaczem powiedział, że teraz, kiedy przynajmniej coś mu się udało, jeszcze bardziej odczuł ciężar złożonej ofiary – dzieci zostały w Kopenhadze i już nigdy ich nie zobaczy. Życie przeminęło, przeżył je jak bezpański pies, a cel, któremu wszystko było poświęcone, wciąż się wymyka. Artystę powinno docenić nie tylko kilkunastu znawców, ale także ludzie z ulicy; to, co zrobił, może się nikomu nie przydać - a w imię czego w takim razie poświęcił dzieci i kobietę, którą kochał? ..

Na Tahiti nie wrócił do tego: Gauguin wymazał Mettę z serca i nie myślał już o swojej sztuce. Niewiele pisał i czuł, jak stopniowo zmienia się jego artystyczny talent, ręka i oko - ale sto pięćdziesiąt litrów absyntu dobiegało końca, a rodzime piękności nie opuszczały chaty Gauguina.

Przed wyjazdem z Francji zachorował na syfilis: policjant ostrzegł, że dziewczyna, którą poderwał na tandecie, jest chora, ale Gauguin machnął na to ręką. Teraz jego nogi odmówiły posłuszeństwa i szedł opierając się na dwóch kijach - na rączce jednego artysta wyrzeźbił gigantycznego fallusa, drugi przedstawiał parę połączoną w miłosnej walce (obecnie obie laski znajdują się w nowojorskim muzeum). Obsceniczne rzeźby, którymi Gauguin pokrył belki swojej chaty, trafiły następnie do bostońskiej kolekcji, a japońskie grafiki pornograficzne, które zdobiły jego sypialnię, trafiły do ​​kolekcji prywatnych. Chwała Gauguina zaczęła się już wtedy, dziesiątki tysięcy kilometrów od Tahiti, we Francji. Zaczęto kupować jego obrazy, pisano o nim artykuły, ale on nic o tym nie wiedział i bawił się w sprzeczki z biskupem, wojewodą i miejscowym sierżantem żandarmerii. Namawiał tubylców, aby nie posyłali swoich dzieci do szkół misyjnych i nie płacili podatków – słowa „zapłacimy, gdy zapłaci Gauguin” stały się czymś w rodzaju lokalnego powiedzenia. Gauguin wydawał gazetę w nakładzie 20 egzemplarzy (teraz każdy jest na wagę złota), w której publikował karykatury lokalnych urzędników, pozwał, płacił grzywny, wygłaszał gniewne i głupie przemówienia: prawdziwe życie się skończyło, a teraz oszukiwanie samego siebie – sprzeczki i kłótnie przekonały go, że nadal istnieje.

Zmarł w nocy 9 maja 1903 roku. Wrogowie mówili, że artysta popełnił samobójstwo, przyjaciele byli pewni, że został zabity: ogromna strzykawka ze śladami morfiny, leżąca u wezgłowia łóżka, przemawiała za obiema wersjami. Biskup Martin pochował zmarłego, żandarm sprzedał swój majątek na aukcji (cnotliwy sierżant Sharpillo wysłał najbardziej obsceniczne rysunki do kosza), władze kolonialne pochowały nieszczęśnika i zamknęły sprawę…

Jego obrazy, początkowo szacowane na 200 – 250 franków, teraz kosztują dziesiątki tysięcy, a Metta nie mogła znaleźć dla siebie miejsca – przez jej ręce przepływała fortuna. Minęło dwadzieścia lat, podrożały one setki razy bardziej, a potem dzieci Gauguina, które przez całe życie gardziły ojcem, zaczęły się smucić – gdyby nie matczyna głupota, mogłyby żyć na własnych majątkach i latać dalej prywatne samoloty. Ojciec stał się jednym z najdroższych artystów na świecie.

Potem przyszła kolej na opłakiwanie potomków karczmarzy, którzy osiedlili go w najgorszych szafach. Gauguin płacił swoimi płótnami, które szły na posłanie dla kotów i psów, na naprawę domowych butów, podawane zamiast dywaników – ludzie nie rozumieli kiczu ekscentryka…

Rok po roku ich wnuki i prawnuki grzebią na strychach i w piwnicach, przetrząsają złom piętrzący się w opuszczonych stodołach, w nadziei, że tam, pod starymi kołnierzami i uprzężami, wśród śmierdzących myszami szmat kryją się stosy złota – cenione płótno zubożałego włóczęgi.

Źródło informacji: Jean Perrier, magazyn „KARAWANA HISTORII”, styczeń 2000.

O Gauguinie
przystań 20.12.2006 12:42:48

Po prostu zszokowany, co za człowiek! Z pewnością nie był hipokrytą. Namiętny Gauguin, tyle wycierpiał. Coś w tym jest.

Wyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

• Wprowadzenie
• 1. Krótka biografia Paula Gauguina
• 2. Historia powstania obrazu „Kobieta trzymająca płód”
• 3. Analiza obrazu
• 4. Obraz „Kobieta trzymająca owoc” w Ermitażu
• Wniosek
• Spis wykorzystanej literatury

Wprowadzenie

Artyści uważali, że kolorów nie należy mieszać na palecie, jak to było w malarstwie od czasów Zeuksisa, ale bezpośrednio w oku widza obrazu. Matematycznie zweryfikowane, skorelowane czyste kolory należy nanosić na płótno pociągnięciami kropkowymi (fr. pointiller – pisać kropkami). Jednak pisanie kropkowane w puentylizmie jest techniką prostą. Najważniejsze jest sam podział, który według P. Signaca należy rozumieć jako złożony system harmonii - nie tylko ogólnej, ale także „harmonii duchowej, o którą impresjoniści nie dbali”. Rozumienie harmonii przez dywizjonistów jest jak najbardziej zbliżone do niektórych wschodnich tradycji duchowych, które w tamtym czasie fascynowały wiele europejskich umysłów.

Pod koniec lat 80. XIX wieku. deklaruje się jako taki postimpresjonistyczny nurt, jak szkoła Pont-Aven (P. Gauguin, E. Bernard, L. Anquetin itp.) i jej syntetyczny postimpresjonizm. Artyści z Pont-Avens nakłaniali malarza do podążania „tajemniczymi głębiami myśli”. Głównym celem obrazowego systemu syntetyzmu Gauguina było ujawnienie symboli bytu poprzez kształt i kolor przedstawianego przedmiotu. Uproszczone, uogólnione formy i linie, rytmicznie ułożone duże płaszczyzny barwne, wyraźne kontury charakteryzują malarstwo tego nurtu impresjonizmu.

Artykuł omawia historię obrazu P. Gauguina „Kobieta trzymająca płód”, związanego z okresem tahitańskim w twórczości artysty i wykonanego w manierze postimpresjonizmu.

1. Krótka biografia Paula Gauguina

Paul Gauguin to francuski malarz, grafik, rzeźbiarz, przedstawiciel postimpresjonizmu, bliski symbolizmowi, twórca szkoły estetycznej Pont-Aven, a także malarskiego systemu „syntetyzmu”. W młodości służył jako marynarz, pracował jako makler giełdowy. W wieku 35 lat porzucił pracę i całkowicie poświęcił się malarstwu. Przez około 10 lat mieszkał na Tahiti i na Markizach. Przedstawiając soczyste, pełnokrwiste piękno Oceanii z jej obfitością kwiatów i owoców, Gauguin stworzył na swoich płótnach poczucie pierwotnego raju, nasyconego słońcem i zamieszkałego przez duchowo pełnych ludzi żyjących w harmonii z naturą. Malował także kompozycje religijne i alegoryczne. Zajmował się grafiką, rzeźbą, ceramiką. Brał udział w wystawach impresjonistów, ale za życia nie zdobył uznania. Twórczość Gauguina nosiła wiele cech rodzącej się secesji i wpłynęła na twórcze poszukiwania mistrzów grupy Nabis oraz malarzy początku XX wieku.

Paul Eugene Henri Gauguin urodził się w 1848 roku w Paryżu w rodzinie redaktora jednej ze stołecznych gazet. W 1849 roku, w związku z niesprzyjającą sytuacją polityczną, rodzina wyjechała do Ameryki Południowej do krewnych Aliny Gauguin, matki Paula. Po drodze ojciec Paula umiera z powodu pękniętego tętniaka. Od pewnego czasu wdowa z dwójką dzieci mieszka z wujem w Peru, jednak przerażona zbliżającą się rewolucją rodzina wraca do Orleanu, gdzie w 1855 roku Paul trafia do szkoły z internatem.

Po ukończeniu studiów Paul zostaje mianowany praktykantem nawigatora na statku handlowym, a następnie służy jako marynarz do służby wojskowej. Po demobilizacji Gauguin pracuje jako makler giełdowy, w wolnym czasie malując. W 1873 roku Gauguin ożenił się z młodą guwernantką z Danii, Mete Sofią Gad, która w ciągu następnych dziesięciu lat urodziła mu pięcioro dzieci.

Poważnie pochłonięty malarstwem Paul odwiedza Akademię Colorossi. W 1876 roku jego pejzaż „Las w Vilofor” został przyjęty do Salonu. Na wystawie impresjonistów w 1881 roku Gauguin wystawia „Studium aktów”, co wywołało przychylną reakcję krytyków.

W 1883 roku Paweł porzucił pracę i całkowicie poświęcił się malarstwu. Prowadzi to artystę do zerwania z rodziną, ubóstwa i tułaczki. W 1886 mieszka w Pont-Aven, w 1887 - w Panamie i na Martynice, w 1888 - pracuje w Arles z Van Goghiem. W tym okresie powstały „Cafe in Arles”, „Wizja po kazaniu”, „Żółty Chrystus”.

Zbliżając się do symbolistów, Gauguin, a także artyści, którzy pracowali pod jego wpływem (tzw. i linie. System ten został rozwinięty w obrazach namalowanych przez Gauguina na wyspach Oceanii Perryusho, A. Life of Gauguin. - Rostów nad Donem: Phoenix, M.: Zeus, 2007. - P.89.

Odrzucenie współczesnego społeczeństwa wzbudziło zainteresowanie Gauguina tradycyjnym sposobem życia, sztuką starożytnej Grecji, krajami starożytnego Wschodu i kulturami prymitywnymi.

W 1891 roku, porwany marzeniem o idealnym społeczeństwie, artysta udaje się na Tahiti. Chociaż w rzeczywistości rzeczywistość kolonialna okazała się bardzo daleka od utopijnego snu Gauguina, to jednak na swoich płótnach stwarza wrażenie pierwotnego raju, który jest nasycony słońcem i zamieszkany przez duchowo pełnych ludzi żyjących w jedności z naturą ( „Krajobraz z pawiami”, „Kobiety z Tahiti” („Na plaży”), „Czy jesteś zazdrosny?”, „Kobieta trzymająca owoc”, „Blisko morza”). Artysta żyje tu w biedzie i aby jakoś poprawić swoje życie, pozyskuje sobie żonę, trzynastoletnią Tahitankę Tekhura. Podczas szczęśliwego miesiąca miodowego Gauguin maluje swój słynny obraz Przebudzenie ducha umarłych. W tym samym czasie powstało „Tajemnicze źródło” – cykl obrazów opartych na starożytnej religii i mitach tahitańskich.

Jesienią 1893 roku Gauguin wrócił do Paryża i od razu zabrał się do organizowania wystawy, ale tutaj groziła mu kompletna porażka: ekspozycja wywołała powszechne zdumienie i pogardę. Od nieuniknionej nędzy i upokorzenia Gauguina uratowała spuścizna po zmarłym wuju. Artysta powrócił do świeckiego życia i zaczął pisać książkę o „niezepsutych dzieciach natury” („Noa-Noa” - „Pachnąca wyspa”). Podczas tego krótkiego pobytu we Francji Gauguin namalował serię obrazów przedstawiających bretońskich chłopów i pejzaże (Krajobraz w Bretanii. Moulin-David, 1894, Orsay, Paryż, Bretońskie wieśniaczki, 1894, Orsay, Paryż), kilka portretów.

We wrześniu 1895 Gauguin powrócił na Tahiti. Dowiedziawszy się, że Tehura jest żonaty, bierze nową żonę, Pakhurę. Gauguin w tym czasie cierpi na wiele chorób. W okresach poprawy maluje obrazy („Żona króla”, „Skąd jesteśmy? Kim jesteśmy? Dokąd idziemy?”, „Nigdy więcej”).

W 1897 r. przyszła wiadomość z Danii o śmierci córki Aliny. Cierpienia duchowe i fizyczne popchnęły artystę do samobójstwa. W wyniku nieudanego samobójstwa Gauguin przez cały rok leżał przykuty do łóżka. Po wyzdrowieniu z choroby kontynuuje pracę („Biały koń”, „Kobiety nad morzem” („Macierzyństwo”), „<Две таитянки», «Месяц Марии», 1899, Эрмитаж, СПб).

W 1901 roku artysta przeniósł się na Markizy, gdzie zbudował swoje ostatnie schronienie – „Wesoły Dom”, którego kochanką była czternastoletnia Vaejo. W ostatnich latach życia Gauguin stworzył obrazy „Opowieści barbarzyńskie”, „I złoto ich ciał”, „Jeźdźcy na brzegu”, „Dziewczyna z wachlarzem”; w pośpiechu zapełnia pamiętnik wspomnieniami i refleksjami („Przed i po”).

Gauguin stworzył szereg dzieł rzeźbiarskich („Tehura”). Zajmował się grafiką (Trzy postacie, 1898, Biblioteka Narodowa, Paryż).

2. Historia powstania obrazu „Kobieta trzymająca płód”

Gauguin malarz kobieta postimpresjonizm

Granica XIX-XX wiek to okres nowych odkryć technicznych; pojawienie się nowych środków transportu i przyspieszenie rytmu życia; urbanizacja, postęp przemysłowy i rewolucja przemysłowa, a w związku z tym czas przemyśleń na temat orientacji na wartości, narastający niepokój, duchowy dysonans i oczekiwanie na katastrofę. Zmienia się światopogląd człowieka, jego życie staje się niestabilne i pozbawione harmonii, w poszukiwaniu której pomogła mu wówczas sztuka.

Nawet we Francji poszukiwanie uogólnionych obrazów, tajemniczego znaczenia zjawisk zbliżyło Gauguina do symbolizmu i doprowadziło go oraz grupę młodych artystów, którzy pracowali pod jego wpływem, do stworzenia swego rodzaju systemu obrazowego – syntetyzmu, w którym modelowanie światłocienia objętości, światło-powietrze i perspektywy linearne zostają zastąpione rytmicznym zestawieniem poszczególnych płaszczyzn czystego koloru. , który całkowicie wypełniał formy przedmiotów i odgrywa wiodącą rolę w tworzeniu emocjonalnej i psychologicznej struktury obrazu. System ten został rozwinięty w obrazach namalowanych przez Gauguina na wyspach Oceanii. Przedstawiając soczyste, pełnokrwiste piękno tropikalnej przyrody, naturalnych ludzi nieskażonych cywilizacją, artysta dążył do urzeczywistnienia utopijnego marzenia o ziemskim raju, o życiu człowieka w zgodzie z naturą.

Twórczość Paula Gauguina oferuje własny model idealnego świata, odnajdującego harmonię, wychodzącego poza granice zamkniętej egzystencji jako jednego z „trybików” społeczeństwa. Różne punkty widzenia, z których Gauguin miał okazję poznać i poczuć życie, pozwoliły mu stworzyć wszechstronną ideę europejskiego społeczeństwa Sheveleva, N. The Charm of the Exotic / N. Sheveleva // Art. - 2006. - Nr 20. .

Cywilizacja w światopoglądzie Gauguina była antypodem natury, „anty-naturą”. W swojej książce Noa Noa Gauguin napisał: „Cywilizacja stopniowo się ode mnie oddala… Tak, stara cywilizowana osoba jest teraz naprawdę zniszczona, martwa! Odrodziłem się, a raczej znów powstał we mnie silny i czysty człowiek! Według Gauguina w czasach nowożytnych istnieją dwa przeciwstawne światy: ponury świat cywilizacji, w którym człowiek zagubiony jest w oczekiwaniu na zbliżającą się katastrofę społeczną, oraz żywy żywioł natury, źródło radości i światła Perrusho, A. życie Gauguina. - Rostów nad Donem: Phoenix, M.: Zeus, 2007. - P.166.

Oceaniczna natura fascynowała artystę jasnymi kolorami, ale przyzwyczajony do innych zestawień kolorystycznych przez długi czas nie odważył się przekazać na płótnie tego, co widział na własne oczy. Gauguin początkowo obserwował więcej, robił szkice, szkicując charakterystyczne postawy Tahitańczyków, ich sylwetki i twarze. Dopiero kilka miesięcy później, gdy artysta wreszcie zrozumiał naturę Majorian, opanował nową formę i nową plastyczność, przystąpił do poważnej pracy. Nigdy wcześniej Gauguin nie doświadczył takiego twórczego przypływu. Tworzy jedno arcydzieło po drugim. W ciągu pierwszego roku artysta wykonał 44 prace - portrety, akty, pejzaże, snycerki, kilka rzeźb. A w przeddzień wyjazdu, wiosną 1893 roku, miał już 66 płócien.

Wkrótce po przybyciu do Oceanii Gauguina ogarnęło pragnienie namalowania z bliska postaci tahitańskiej kobiety, Ewy rodzimego raju. Gauguin tworzy kilka prac na ten temat: „Piękna kraina”, „Dokąd idziesz?” i „Kobieta trzymająca owoc”. Ostatni obraz z kolekcji Ermitażu należy do głównych dzieł pierwszego pobytu artysty na Tahiti.

Na obrazie kobiety z płodem w dłoniach badacze rozpoznają cechy Tehamany, tahitańskiej żony Gauguina. Rodzice dziewczynki chętnie oddali ją za Europejczyka, uważając go za dochodowy mecz. Tehamana miała zaledwie 13 lat, ale według tahitańskich koncepcji była już dojrzała do małżeństwa. Nawet jak na standardy europejskie była piękna: niezwykle delikatna skóra, duże wyraziste oczy, kruczoczarne włosy do pasa. Gauguin był nią zafascynowany. Oddana, kochająca i jednocześnie mało rozmowna, nie tylko nie przeszkadzała artyście w pracy, ale pomagała mu na wszelkie możliwe sposoby.

„...Znowu zabrałem się do pracy iw moim domu zagościło szczęście... Złota twarz Tehamany zalała radością i światłem wnętrze mieszkania i cały otaczający krajobraz. Jak dobrze było iść razem rano, aby ochłodzić się w pobliskim strumieniu, więc w raju bez wątpienia pierwszy mężczyzna i pierwsza kobieta to zrobili.

Tehamana staje się bohaterką wielu dzieł Gauguina. Przedstawiając ją na obrazie „Kobieta trzymająca owoc” bardziej dojrzałą, artysta być może chciał przedstawić ją taką, jaką miała się stać z czasem. Smagłe ciało kobiety z Tahitanki jest celowo spłaszczone. Pojedyncza ciągła linia, obejmująca całą figurę, czyni ją ciężką i obszerną. Żółty ornament na czerwonej spódnicy przypomina wzór liści drzew nad głową kobiety, a ona sama wydaje się być integralną częścią tej wiecznej natury. Bez względu na to, jak owocna była praca na Tahiti, choroba i potrzeby zmusiły artystę do powrotu do Francji. Z ciężkim sercem opuszcza Tehamanę i ten jasny świat, który tutaj na krótko się przed nim otworzył. Na wyspę powróci za dwa lata – tym razem na zawsze, by na zawsze stopić się z pachnącą ziemią.

3. Analiza obrazu

Portret jako gatunek u Gauguina jest często łączony z gatunkiem pejzażu, ponieważ połączenie jednego gatunku malarstwa z innym rozwinęło główny temat sztuki Gauguina - „współbrzmienie życia ludzkiego ze światem zwierząt i roślin w kompozycjach, w których wielki głos ziemi odgrywa dużą rolę”. Bohaterką większości obrazów mistrza jest piękna, dzika i tajemnicza tahitańska kobieta. To poprzez jej majestatyczny i elastyczny obraz Gauguin przekazuje swoją panteistyczną wizję świata. Tak więc na płótnie „Kobieta trzymająca owoc” artysta zamienił zupełnie zwyczajny motyw domowy w wysublimowaną estetykę. Na pierwszym planie młoda dziewczyna, Tahitanka w wieku panny młodej, w jaskrawoczerwonym pareo, trzymająca ostrożnie, jak dziecko, owoc tropikalnej rośliny. W pewnej odległości od niej, na tle chat, siedzą jej przyjaciele, uważnie przyglądając się widzowi. Styl tej pracy jest znacznie bardziej miękki i naturalny niż poprzednie płótna mistrza. Rysunek prawie stracił dawną ostrość, a kreska nabrała elastyczności i żywotności. Poprzez kompozycję Gauguin dyskretnie łączył płaskie motywy rytmiczne, zmiękczając granice kontrastujących kolorów. Kolorystyka obrazu jest znakomita; dzięki różnorodności ciepłych różowych odcieni wydaje się być pokryty duszną mgiełką.

Sylwetka kobiety jest zarysowana prostymi i wyraźnymi konturami. Artystka podziwia jej spokojną śniadą twarz, naturalny wdzięk jej postawy. Wzór spódnicy przypomina kształtem gałęzie i liście nad głową kobiety.

Obraz Ermitażu ma tahitańską nazwę nadaną mu przez Gauguina. To tłumaczy się jako „Dokąd idziesz?” Wyspiarze zadają to pytanie tym, których spotykają. Odpowiedzi musi udzielić główny bohater obrazka. Owocem w jej rękach jest tykwa używana jako naczynie na wodę. Jeśli przyjrzysz się uważnie, możesz nawet odróżnić linę, za pomocą której trzyma się naczynie. Tak więc tahitańska kobieta chodzi po wodzie. Ale przecież woda u wielu ludów jest symbolem życia, a dynia np. u Chińczyków służyła jako znak połączenia dwóch światów, ziemskiego i niebiańskiego. Tehamana, przedstawiona przez Gauguina, była w ciąży, a to łączy w sobie obecność naczynia i wody, a także tahitańską kobietę z dzieckiem – motyw macierzyństwa Paul Gauguin // art. - 2007. - Nr 6. .

Gauguin nie dąży do optycznej wierności w przekazywaniu otaczającego świata. Pisze nie tyle o tym, co widzi, ile o tym, co chce zobaczyć wokół siebie. Obrazy Gauguina swoją płaskością, ornamentyką i jaskrawością barw przypominają tkaniny dekoracyjne iw pewnym stopniu sztukę ludów orientalnych. Poza tym Gauguin swoją twórczością wzbudził duże zainteresowanie kulturą ludów pozaeuropejskich i to jest jego niewątpliwa zasługa.

Gauguina uderzył posągowy bezruch ludzi na Tahiti, który wywoływał poczucie niezmienności bytu i w pełni zgadzał się z wyobrażeniami artysty o pierwotnym świecie. Dlatego na obrazach Gauguina pozy Tahitańczyków są zawsze spokojne, stabilne, harmonijne. Kobieta trzymająca płód może wydawać się stać bez ruchu przez wieki. Daje to szczególny akcent tahitańskiemu tytułowi obrazu „Eu haere ia oe” („Idź!”).

Natura jako tło jest przedstawiona w swojej pierwotnej postaci i stale rozwija się zgodnie z naturalnymi prawami wszechświata. Ucieleśnia idealną przestrzeń naturalną, działając jako pośrednik między człowiekiem a Absolutem, w którym obecne jest bóstwo. Osoba, która jest w stanie w pełni połączyć się z kosmicznym rytmem natury, powrócić do pierwotnego stanu, otrzymuje szczególną łaskę, zdolność do przemiany i przemiany.

Właściwy aspekt historyczny idei artystycznej tej pracy tkwi w specyficznym modelu wyspy Tahiti, przedstawionej jako rajska wyspa, której mieszkańcy otrzymali już łaski. Tahitańskie kobiety harmonijnie egzystują w swojej rodzimej naturze, od urodzenia integrując się z pewnym kosmicznym rytmem istnienia.

Odrzucając przypadkowość, artysta stara się ujawnić na płótnach ten duchowy świat, ten nastrój zawarty w otaczającej naturze. Sztuka to uogólnienie, które trzeba umieć wydobyć z natury – to główna teza Gauguina. I znajduje formy i obrazy, które najpełniej oddają charakterystyczne cechy wyglądu, sposobu zachowania Tahitańczyków. Stąd częste powtarzanie się na wielu obrazach podobnych póz, gestów, twarzy, stąd kilka wariantów jednej kompozycji. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów Gauguina jest prosta, nic się w nich nie dzieje – ludzie siedzą, stoją, leżą. Ale żadne nie jest powtórzeniem natury, chociaż wszystko jest zbudowane na prawdziwych obserwacjach.

4. Obraz „Kobieta trzymająca owoc” w Ermitażu

Pokój 316 Ermitażu jest w całości poświęcony obrazom Gauguina, namalowanym podczas jego pobytu na Tahiti. Są tam m.in. „Święto wiosny” (napisane w Paryżu) i „Kobieta trzymająca owoc”. Uważa się, że ostatnie płótno przedstawia jego żonę z Tahiti.

Niewiele wiadomo o pojawieniu się w Rosji Kobiety Trzymającej Owoc. W 1908 r. I.A. Morozow kupił go od słynnego handlarza dziełami sztuki Vollarda za 8 tysięcy franków - bardzo wysoką cenę jak na tamte czasy.

Po podpisaniu Dekretu o nacjonalizacji Zgromadzenia Morozowa 19 grudnia 1918 r. stał się ogólnodostępny. Historia malarstwa obcego, rosyjskiego i radzieckiego M.: 2006 - s.127. Ale kolekcja nie została od razu przekształcona w muzeum, nie było personelu, aw niedzielne poranki, z pomocą krewnych i służby, sam były właściciel okazywał kolekcję, udzielając wyjaśnień.

11 kwietnia 1919 r. odbyło się spotkanie I.A. Morozowa zostało przekształcone w Drugie Muzeum Nowego Malarstwa Zachodniego i otwarte dla publiczności 1 maja. Wczesnym latem dawny właściciel domu na Prechistence zniknął bez śladu. Przeszukano dom na Preczystence. Plomby na stalowej spiżarni i sejfach ognioodpornych były nienaruszone, obrazy i rzeźby również nienaruszone. Cała kolekcja (wartość ubezpieczeniowa tylko stu najcenniejszych francuskich obrazów przekroczyła pół miliona) pozostała na swoim miejscu w całkowitej integralności i bezpieczeństwie. Były właściciel, jak stwierdzono w protokole moskiewskiej Czeka, „wraz z rodziną odnotowano, że wyjechał w czerwcu 1919 r. do Piotrogrodu”.

Pozbawiony kolosalnej fortuny - fabryki, ziemi, kolekcji zamienionej w Drugie Muzeum Nowego Malarstwa Zachodniego, Iwan Abramowicz, pod wpływem żony, postanowił przenieść się do Szwajcarii. Dwa lata później, 22 czerwca 1921 r., I.A. Morozow zmarł nagle w wieku pięćdziesięciu lat w Karlsbadzie.

W 1928 roku kolekcja S.I. Schukin. A w katalogu GMNZI z 1929 r. z nazwisk byłych właścicieli pozostały tylko inicjały: „Sch” i „M”. Zbiory skupione w Państwowym Muzeum Nowej Sztuki Zachodniej istniały w tym budynku do czasu ich rozwiązania w 1948 r., kiedy to u szczytu walki z kosmopolityzmem GMNZI zostało zlikwidowane dekretem rządowym. Skazane na zniszczenie zbiory, szczęśliwym trafem, udało się uratować i zostały podzielone między sobą przez Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin i Ermitaż Państwowy.

Zbiory Morozowa były przechowywane w magazynach, ponieważ współczesna sztuka francuska w ZSRR została uznana za nieodpowiednią dla rozwoju smaku osoby radzieckiej Matveeva E. Ronshin V. Historia malarstwa. W 12 tomach. Tom 10. (sekcja o kolekcjonerach) Petersburg: Labirynt, 2007. Dopiero w połowie lat pięćdziesiątych zbiory zaczęły odzyskiwać zasłużone zainteresowanie. W szczególności prace Paula Gauguina z okresu tahitańskiego zostały wystawione w Ermitażu dopiero w 1963 roku.

Wniosek

Twórczość Paula Gauguina przedstawia szczególne wyjście z kryzysu światopoglądowego, osiągnięcie pewnej równowagi poprzez radykalną zmianę życia, zwrócenie się ku naturalnemu porządkowi. Inni mistrzowie sztuki proponują również własne metody przezwyciężania niestabilności granicznego światopoglądu, a studiowanie sztuki staje się tym samym również poszukiwaniem najwłaściwszej opcji powrotu do harmonijnej egzystencji człowieka w dobie globalnych przemian społecznych. , która jest nadal aktualna w chwili obecnej.

Obraz „Kobieta trzymająca płód” nawiązuje do tahitańskiego okresu twórczości Gauguina. Wykonywany był w Polinezji, gdzie artystę przywiodło romantyczne marzenie o naturalnej harmonii życia. Egzotyczny, pełen tajemnic świat, nie taki jak Europa. Wrażenia z jaskrawych kolorów i bujnej roślinności Oceanii, z wyglądu i życia Tahitańczyków stały się dla malarza źródłem inspiracji.

W zwykłym epizodzie z życia wyspiarzy artysta widzi ucieleśnienie odwiecznego rytmu życia, harmonii człowieka i natury. Tahitańska kobieta stojąca na pierwszym planie z płodem w dłoni to Ewa tego rodzimego raju.

Porzucając zasady tradycyjnego malarstwa, a następnie impresjonizmu, mistrz stworzył własny styl. Spłaszczenie przestrzeni, rytmiczne powtórzenia linii, kształtów i plam barwnych, czyste barwy ułożone w duże tablice tworzą spotęgowany efekt dekoracyjny.

Płótna Gauguina, pod względem dekoracyjnej kolorystyki, płaskości i monumentalności kompozycji, uogólnienia stylizowanego rysunku, nosiły wiele cech rozwijającej się w tym okresie secesji, wpływały na poszukiwania twórcze mistrzów grupy Nabis i innych malarzy początek XX wieku. Gauguin zajmował się także rzeźbą i grafiką.

Spis wykorzystanej literatury

1. Vasilyeva-Shlyapina G. L. Sztuki wizualne. Historia malarstwa obcego, rosyjskiego i radzieckiego M.: 2006 - 280 s.

2. Matveeva E. Ronshin V. W 12 tomach. Tom 10. (sekcja o kolekcjonerach) Petersburg: Labirynt, 2007

3. Perrusho, A. Życie Gauguina / Henri Perrusho. - Rostów nad Donem: Phoenix, M.: Zeus, 2007. - 400 s.

4. Paul Gauguin // art. - 2007. - Nr 6.

5. Sheveleva, N. Urok egzotyki / N. Sheveleva // Art. - 2006. - Nr 20.

Hostowane na Allbest.ru

...

Podobne dokumenty

Szczęście osobiste, sukces zawodowy i ciężka choroba Pierre'a Auguste'a Renoira - francuskiego malarza, grafika i rzeźbiarza, jednego z głównych przedstawicieli impresjonizmu. Stosunek współczesnych do twórczości artysty, jego pięknych obrazów.

prezentacja, dodano 03.04.2013


dzieło Cezanne'a. Vincent van Gogh to klasyk postimpresjonizmu. Obrazy Paula Gauguina. O artyście i jego twórczości w kontekście jego wkładu w kulturę światową. Od XX wieku Cezanne stał się liderem nowej generacji.

streszczenie, dodano 21.05.2003


Historia powstania obrazu „Amazonka”, przedstawione na nim postacie. Ścieżka życia i twórczość K. Bryulłowa, cechy jego portretów. Analiza artystyczna obrazu: schemat kompozycyjny, rozwiązanie kolorystyczne, treść emocjonalna, kunszt malarza.

praca semestralna, dodano 18.02.2013


Gauguin Paul jako francuski malarz, rzeźbiarz i grafik. Wystawy impresjonistów, udział w nich Gauguina. Krótka nota biograficzna z życia malarza. Pobyt na Tahiti, dzieło Paula. „Martwa natura z mandoliną” 1885 „Alicans w Arles” 1888

prezentacja, dodano 19.10.2014


Krótka biografia Paula Delaroche'a - słynnego francuskiego malarza historycznego. Przesłanki kształtowania autorskiego stylu artysty. Lista głównych dzieł Paula Delaroche'a. Analiza cech twórczości artysty, jego naśladowców i uczniów.

streszczenie, dodano 15.02.2012


Seria obrazów przedstawiających słoneczniki jako najsłynniejsze dzieła holenderskiego artysty Vincenta van Gogha. Główne kamienie milowe biografii malarza. Historia powstania obrazu „Wazon z dwunastoma słonecznikami”. Opis obrazu, hipotezy dotyczące autentyczności.

test, dodano 28.05.2012


Cechy kompozycyjne, stylistyczne i kolorystyczne wielkoformatowego obrazu „Tratwa Meduzy” francuskiego artysty Theodore'a Géricaulta. Połączenie fabuły płótna z powieścią J. Barnesa, która opowiada o wraku fregaty i cierpieniach ludzi na tratwie.

praca twórcza, dodano 01.11.2012


Zapoznanie się z historią życia i twórczości Edvarda Muncha. Rozważenie możliwych źródeł inspiracji dla norweskiego artysty. Temat samotności w twórczości młodego ekspresjonisty. Historia powstania i opis obrazu „Krzyk”; swoją rolę w kulturze światowej.

streszczenie, dodano 04.07.2014


Studium drogi życiowej i twórczości wielkiego Hiszpana Salvadora Dali. Wycieczka z przewodnikiem po Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Analiza fabuły obrazu „Trwałość pamięci”. Historia powstania dzieła. Odkrywanie ukrytego znaczenia obrazu.

test, dodano 28.07.2015


Biografia V.I. Surikow - malarz historyczny i malarz rodzajowy. Malarstwo artysty w moskiewskiej katedrze Zbawiciela. Kompozycja i fabuła obrazu „Boyarynya Morozova”. Psychologizm płótna „Poranek egzekucji Streltsy”. Temat Syberii w obrazie „Podbój Syberii przez Yermaka”.

W szczególności arcydzieła sztuki są odbiciem drogi człowieka, ucieleśnieniem uczucia, którego nie można opisać słowami. Być może mają głębsze, bardziej fundamentalne znaczenie. Paul Gauguin, łowca tajemnic i, jak go nazywano, słynny „twórca mitów”, próbował go odnaleźć.

Paul Gauguin był tą kreatywną osobą, która w locie pojmuje nowe rzeczy, nieustannie angażując się w samokształcenie. Ale to, co zobaczył, postrzegał na swój sposób, podświadomie wprowadzało go w jego artystyczny świat i łączył go z innymi częściami. Stworzył świat własnych fantazji i myśli, stworzył własną mitologię. Zaczynając jako samouk, Gauguin był pod wpływem szkoły Barbizon, impresjonistów, symbolistów i indywidualnych artystów, z którymi spotkał go los. Ale po opanowaniu niezbędnych umiejętności technicznych poczuł nieodpartą potrzebę znalezienia własnej drogi w sztuce, która pozwoliłaby mu wyrazić swoje myśli i idee.

Eugene Henri Paul Gauguin 7 czerwca 1848 w Paryżu, zm. Tym razem przypadły na lata rewolucji francuskiej. W 1851 roku, po zamachu stanu, rodzina przeniosła się do Peru, gdzie chłopiec był zafascynowany jasnym, niepowtarzalnym pięknem nieznanego kraju. Jego ojciec, liberalny dziennikarz, zmarł w Panamie, a rodzina osiedliła się w Limie.

Do siódmego roku życia Paweł mieszkał z matką w Peru. Dziecięce „kontakty” z egzotyczną przyrodą, z jaskrawymi strojami ludowymi głęboko zapadły mu w pamięć i wpłynęły na nieustanną chęć zmiany miejsca. Po powrocie do ojczyzny w 1855 roku nieustannie powtarzał, że wróci do „raju utraconego”.

Lata dzieciństwa spędzone w Limie i Orleanie zdeterminowały losy artysty. Po ukończeniu szkoły średniej w 1865 roku Gauguin jako młody człowiek wstępuje do francuskiej floty handlowej i przez sześć lat podróżuje po świecie. W latach 1870 - 1871 przyszły artysta bierze udział w wojnie francusko-pruskiej, w bitwach na Morzu Śródziemnym i Północnym.

Po powrocie do Paryża w 1871 roku Gauguin objawia się jako makler giełdowy pod okiem swojego bogatego opiekuna Gustave'a Arosy. Arosa był wówczas wybitnym kolekcjonerem malarstwa francuskiego, w tym współczesnego impresjonizmu. To właśnie Arosa rozbudził w Gauguinie zainteresowanie sztuką i je wspierał.

Zarobki Gauguina były bardzo przyzwoite, aw 1873 roku Paul ożenił się z Duńczykiem Mette Sophie Gad, która służyła jako guwernantka w Paryżu. Dom, w którym osiedlili się nowożeńcy, Gauguin zaczął dekorować kupionymi przez siebie obrazami i kolekcjonowaniem, którymi poważnie się zainteresował. Paul znał wielu malarzy, ale Camille Pissarro, który uważał, że „można zrezygnować ze wszystkiego! dla sztuki” to artysta, który pozostawił w swoim umyśle największy emocjonalny ślad.

Paul zaczął malować i oczywiście próbował sprzedawać swoje dzieła. Idąc za jego przykładem Arosa, Gauguin kupuje impresjonistyczne płótna. W 1876 wystawił w Salonie swój własny obraz. Żona uznała to za dziecinne, a kupowanie obrazów było stratą pieniędzy.

W styczniu 1882 r. załamała się francuska giełda i bank Gauguina pękać. Gauguin ostatecznie rozstał się z myślą o znalezieniu pracy i po bolesnych namysłach, w 1883 roku dokonał wyboru, mówiąc żonie, że malowanie to jedyny sposób, w jaki może zarobić na życie. Oszołomiona i przerażona nieoczekiwaną wiadomością Mette przypomniała Paulowi, że mają pięcioro dzieci i nikt nie kupuje jego obrazów – wszystko na próżno! Ostateczne zerwanie z żoną pozbawiło go domu. Żyjąc z dnia na dzień za pożyczone pieniądze na przyszłe opłaty, Gauguin nie wycofuje się. Paweł uparcie szuka własnej drogi w sztuce.

We wczesnych obrazach Gauguina XIX wieku, wykonany na poziomie malarstwa impresjonistycznego, nie ma w nim nic niezwykłego, dla czego warto byłoby porzucić nawet średnio płatną pracę, okoliczności zmusiły go do przekształcenia hobby w rzemiosło, które zapewniłoby jemu i jego rodzinie środki do życia.

Czy Gauguin uważał się wówczas za malarza? Kopenhaska „”, napisana zimą 1884 - 1885, wyznacza ważny punkt zwrotny w życiu Gauguina i jest punktem wyjścia do kształtowania wizerunku artysty, który będzie tworzył przez całą swoją karierę.

Gauguin odnotował ważny punkt zwrotny w swoim życiu: rok temu porzucił pracę, kończąc na zawsze karierę maklera giełdowego i egzystencję szanowanego mieszczanina, stawiając sobie za zadanie zostać wielkim artystą.

W czerwcu 1886 r Gauguina wyjeżdża do Pont - Aven, miasteczka na południowym wybrzeżu Bretanii, gdzie do dziś zachowały się oryginalne zwyczaje, zwyczaje i dawne stroje. Gauguin napisał, że Paryż jest „pustynią dla biednych”. […] Pojadę do Panamy i będę tam żył jako dzikus. [...] Wezmę ze sobą pędzle i farby i odnajdę nowe siły z dala od społeczeństwa ludzi”.

Nie tylko bieda odciągnęła Gauguina od cywilizacji. Poszukiwacz przygód o niespokojnej duszy, zawsze starał się dowiedzieć, co kryje się za horyzontem. Dlatego tak lubił eksperymenty w sztuce. Podczas podróży pociągały go egzotyczne kultury i chciał się w nich zanurzyć w poszukiwaniu nowych sposobów wizualnej ekspresji.

Tutaj zbliża się do M. Denisa, E. Bernarda, C. Lavala, P. Serusiera i C. Filizhe. Artyści entuzjastycznie badali naturę, która wydawała im się tajemniczym mistycznym działaniem. Dwa lata później grupa malarzy – wyznawców Gauguina, skupionych wokół Serusiera, otrzyma nazwę „Nabis”, co po hebrajsku oznacza „prorocy”. W Pont - Aven Gauguin maluje obrazy z życia chłopów, w których stosuje uproszczone kontury i ścisłą kompozycję. Nowy obrazowy język Gauguina wywołał ożywioną debatę wśród artystów.

W 1887 udał się na Martynikę, która urzekła go na wpół zapomnianą egzotyką tropików. Ale gorączka bagienna zmusiła artystę do powrotu do ojczyzny, gdzie pracował i zakończył leczenie w Arles. W tym samym czasie mieszkał tam jego przyjaciel Van Gogh.

Tutaj zaczyna próbować z uproszczonym „dziecinnym” rysunkiem - bez cieni, ale z bardzo chwytliwymi kolorami. Gauguin zaczął uciekać się do bardziej kolorowego koloru, nakładać grubsze masy, komponować z większym rygorem. Było to decydujące doświadczenie, które zwiastowało nowe podboje. Prace z tego okresu obejmują prace „” (1887), „” (1887).

Obrazy z Martyniki zostały wystawione w Paryżu w styczniu 1888 roku. Krytyk Felix Feneon znalazł w twórczości Gauguina „cierpliwość i barbarzyński charakter”, chociaż uznaje się, że „te dumne obrazy” już dają zrozumienie twórczej natury artysty. Jednak bez względu na to, jak owocny był okres Martyniki, nie był to punkt zwrotny w twórczości Gauguina.

Charakterystyczna cecha wszystkich rodzajów twórczości Paul Gauguin jest chęć wyjścia poza mentalność, na podstawie której zdeterminowana była jego „europejska” sztuka, chęć wzbogacenia europejskiej tradycji artystycznej o nowe środki malarskie, w inny sposób pozwalające spojrzeć na otaczający go świat, który przenika wszystkie twórczych poszukiwań artysty.

W jego słynnym obrazie „” (1888) obraz wyraźnie rozłożony na płaszczyźnie jest podzielony pionowo na strefy warunkowe położone, jak w średniowiecznych „prymitywach” czy japońskim kakemono, naprzeciwko siebie. Na martwej naturze, rozciągniętej w pionie, obraz rozwija się od góry do dołu. Podobieństwo średniowiecznego zwoju zostało zbudowane wbrew ogólnie przyjętym metodom budowania kompozycji. Na lśniącej białej płaszczyźnie - tle - jak palisada, łańcuszek okularów oddziela górną kondygnację od szczeniąt. Jest to rodzaj pojedynczej struktury elementów starego japońskiego drzeworytu autorstwa japońskiego artysty Utagawa Kuniyoshi „” i „ Martwa natura z kokardą» Paweł Cezanne.

Obraz „”, rodzaj manifestacji tego samego pomysłu porównania „odległych i różnych”, aby udowodnić ich związek, jak w „ Martwa natura z głową konia". Ale ta idea jest wyrażona w innym języku plastycznym - z całkowitym odrzuceniem wszelkiej naturalnej iluzoryczności i wiarygodności, podkreślonym przez niekonsekwencje na dużą skalę i tę samą ozdobną i dekoracyjną interpretację materiału. Tutaj można zobaczyć porównanie „różnych epok” kultury obrazkowej – wyraźnie zgrubna i uproszczona górna część obrazu, przypominająca wczesne formy sztuki „prymitywnej”, oraz dolna część, wskazująca na końcowy etap jego nowożytnej ewolucji.

Czując wpływ japońskiego rytownictwa, Gauguin zrezygnował z modelowania form, czyniąc rysunek i kolorystykę bardziej wyrazistymi. Artysta zaczął w swoich obrazach podkreślać płaski charakter płaszczyzny obrazu, nawiązując jedynie do relacji przestrzennych i zdecydowanie odrzucając perspektywę powietrzną, budując swoje kompozycje jako sekwencję płaskich planów.

Doprowadziło to do powstania symboliki syntetycznej. Nowy styl opracowany przez jego współczesnego i artystę Emile'a Bernarda wywarł na Gauguinie silne wrażenie. postrzegane Gauguina Cloisonism, którego podstawą był system jasnych kolorowych plam na płótnie, podzielony na kilka płaszczyzn o różnych kolorach z ostrymi i dziwacznymi liniami konturowymi, zastosował w swoim malarstwie kompozycyjnym „” (1888). Przestrzeń i perspektywa całkowicie zniknęły z obrazu, ustępując miejsca kolorystycznej konstrukcji powierzchni. Kolor Gauguina stał się odważniejszy, bardziej dekoracyjny i nasycony.

W liście do Van Gogha z 1888 roku Gauguin napisał, że na jego obrazie zarówno krajobraz, jak i walka Jakuba z aniołem żyją tylko w domysłach tych, którzy modlą się po kazaniu. Stąd bierze się kontrast między prawdziwymi ludźmi a bijącymi postaciami na tle pejzażu, które są nieproporcjonalne i nierealne. Niewątpliwie pod walczącym Jakubem Gauguin miał na myśli siebie, nieustannie walczącego z niesprzyjającymi okolicznościami życiowymi. Obojętnymi na jego los świadkami są modlące się bretońskie kobiety – statystki. Epizod zmagań ukazany jest jako wyimaginowana, senna scena, co odpowiada skłonnościom samego Jakuba, który we śnie przedstawił się schodom z aniołami.

Stworzył swoje płótno po pracy Bernarda „”, ale to jeszcze nie oznacza wpływu obrazu na niego, ponieważ zarówno ogólny trend twórczej ewolucji Gauguina, jak i niektóre z jego wcześniejszych dzieł świadczą o nowej wizji i ucieleśnieniu ta wizja w malarstwie.

Bretońskie kobiety Gauguina wcale nie wyglądają na świętych, postacie i typy są przenoszone, całkiem konkretnie. Ale budzi się w nich stan skupienia na sobie. Białe czapki ze skrzydlatymi trenami przyrównują je do aniołów. Artysta zrezygnował z przeniesienia objętości, z perspektywy linearnej, i zupełnie inaczej buduje kompozycję. Wszystko podporządkowane jest jednemu celowi – przekazaniu określonej myśli.

Dwa tytuły obrazu odnoszą się do dwóch różnych światów przedstawionych na płótnie. Gauguin wytyczył te światy, dzieląc je kompozycyjnie potężnym, grubym pniem drzewa, przecinającym ukośnie całe płótno. Wprowadzane są różne punkty widzenia: artysta patrzy na bliskie postacie nieco z dołu, na krajobraz - ostro z góry. Z tego powodu powierzchnia ziemi jest prawie pionowa, horyzont znajduje się gdzieś poza płótnem. Nie pozostaje pamięć o perspektywie liniowej. Istnieje rodzaj „nurkowania”, skierowanego z góry na dół „perspektywy”.

Zimą 1888 roku Gauguin podróżuje do Arles i współpracuje z Van Goghiem, który marzył o stworzeniu bractwa artystów. Wspólne dzieło Gauguina z Van Goghiem osiągnęło punkt kulminacyjny, kończąc się kłótnią obu artystów. Po ataku Van Gogha na artystę Gauguinowi objawił się egzystencjalny sens malarstwa, co całkowicie zburzyło zbudowany przez niego zamknięty system klonisizmu.

Po tym, jak został zmuszony do ucieczki przed Van Goghiem do hotelu, Gauguin lubił pracować z prawdziwym ogniem w paryskiej ceramice Chaplina i stworzył najbardziej przejmujący dialog w życiu Vincenta Van Gogha - garnek z twarzą Van Gogha i odciętym uchem zamiast rączki, nad którym rozlewają się strumienie czerwonej wody. Gauguin przedstawił się jako artysta przeklęty, jako ofiara twórczej męki.

Po Arles, gdzie Gauguin wbrew woli Van Gogha nie chciał zostać, udał się z Pont - Aven do Le Pouldu, gdzie kolejno pojawiają się jego słynne płótna z bretońskim krucyfiksem, a potem szuka siebie w Paryżu, rzucając się która kończy się wyjazdem do Oceanii z - na bezpośredni konflikt z Europą.

W wiosce Le Pouldu Paul Gauguin namalował swój obraz „” (1889). Gauguina Chciałem doświadczyć, jego słowami, „dzikiej, prymitywnej jakości” chłopskiego życia, w miarę możliwości w odosobnieniu. Gauguin nie kopiował natury, ale używał jej do rysowania wyimaginowanych obrazów.

” jest wyraźnym przykładem jego metody: odrzuca się zarówno perspektywę, jak i naturalistyczną modulację kolorów, co sprawia, że ​​obraz wygląda jak witraże lub japońskie grafiki, które inspirowały Gauguina przez całe życie.

Różnica między Gauguinem przed przybyciem do Arles a Gauguinem po jest oczywista na przykładzie interpretacji bezpretensjonalnej i dość jasnej fabuły „”. „” (1888) wciąż przesiąknięty jest duchem epitafium, a starożytny taniec bretoński, z jego podkreślonym archaizmem, nieudolnymi i powściągliwymi ruchami dziewcząt, doskonale komponuje się z absolutnym bezruchem u podstawy stylizowanej kompozycji figur geometrycznych. Mali Bretończycy - to dwa małe cuda, zamrożone jak dwa posągi na brzegu morza. Gauguin namalował je już w następnym roku, 1889. Wręcz przeciwnie, zadziwiają kompozycyjną zasadą otwartości, nierównowagi, która napełnia te wyrzeźbione z materii nieożywionej figurki szczególną witalnością. Dwa idole, w postaci małych Bretonów, zacierają granicę między światem realnym a tamtym, który zamieszkiwał kolejne płótna Gauguina.

Na początku 1889 roku w Paryżu w kawiarni „Voltaire” podczas XX Wystawy Światowej w Brukseli Paul Gauguin pokazuje siedemnaście swoich obrazów. Ekspozycja prac Gauguina i artystów jego szkoły, nazywana przez krytyków „Wystawą impresjonistów i syntetyków”, nie powiodła się, ale dała początek terminowi „syntetyzm”, który łączył technikę klausonizmu i symbolizmu, rozwijając w kierunku przeciwnym do puentylizmu.

Paul Gauguin był głęboko zaniepokojony obrazem samotnego, niezrozumianego i cierpiącego za swoje ideały Chrystusa. W rozumieniu mistrza jego los jest ściśle związany z losem osoby twórczej. Za pomocą Gauguina, artysta jest ascetą, świętym męczennikiem, a twórczość jest drogą krzyżową. Jednocześnie obraz mistrza wyrzutka jest dla Gauguina autobiograficzny, ponieważ sam artysta często nie był rozumiany: publiczność – jego twórczość, rodzina – droga, którą wybrał.

Artysta podjął temat ofiary i Drogi Krzyżowej w obrazach przedstawiających ukrzyżowanie Chrystusa i zdjęcie Go z krzyża – „” (1889) i „” (1889). Płótno "" przedstawia drewnianą polichromię "Ukrzyżowanie" autorstwa średniowiecznego mistrza. U jego stóp trzy bretońskie kobiety skłoniły się i zamarły w modlitewnych pozach.

Jednocześnie bezruch i majestat póz przywodzą na myśl monumentalne kamienne rzeźby, a zraniona postać ukrzyżowanego Chrystusa o twarzy pełnej smutku wręcz przeciwnie, wygląda „żywo”. Dominującą treść emocjonalną dzieła można określić jako tragicznie beznadziejną.

Obraz „” rozwija motyw poświęcenia. Opiera się na ikonografii piety. Na wąskim, wysokim cokole ustawiono drewnianą grupę rzeźbiarską ze sceną „Opłakiwanie Chrystusa” – fragment starego, okresowo zieleniejącego, średniowiecznego pomnika w Nizonie. U stóp smutna Bretonka, pogrążona w ponurych myślach, trzymająca w dłoni czarną owcę: symbol śmierci.

Ponownie stosowana jest metoda „rewitalizacji” pomnika i przekształcenia żywej osoby w pomnik. Surowe, ustawione frontalnie drewniane posągi kobiet niosących mirrę, opłakujących Zbawiciela, tragiczny wizerunek bretońskiej kobiety nadają płótnu iście średniowiecznego ducha.

Gauguin wykonał szereg autoportretów - obrazów, w których identyfikował się z Mesjaszem. Jednym z takich dzieł jest „” (1889). W nim mistrz przedstawia się niejako w trzech formach. W centrum znajduje się autoportret, na którym artysta wygląda ponuro i przygnębiony. Za drugim razem jego rysy są odgadywane w groteskowej ceramicznej masce dzikusa w tle.

W trzecim przypadku Gauguin zostaje schwytany na obraz ukrzyżowanego Chrystusa. Dzieło wyróżnia się symboliczną uniwersalnością – artysta tworzy złożony, wielowartościowy obraz własnej osobowości. Działa jednocześnie jako grzesznik – dzikus, zwierzęca zasada i święty – zbawiciel.

W autoportrecie „” (1889) - jednym z jego najtragiczniejszych dzieł - Gauguin ponownie porównuje się z Chrystusem, pogrążonym w bolesnych myślach. Zgięta postać, opadająca głowa i bezradnie opuszczone ręce wyrażają ból i beznadzieję. Gauguina wywyższa się do poziomu Zbawiciela i przedstawia Chrystusa jako osobę niepozbawioną męki moralnej i wątpliwości.

Jeszcze śmielej wygląda „” (1889), gdzie mistrz przedstawia się w postaci „syntetycznego świętego”. To autoportret - karykatura, groteskowa maska. Jednak w tej pracy nie wszystko jest tak jasne. Rzeczywiście, dla grupy artystów, którzy skupili się wokół Gauguina w Le Pouldu, był swego rodzaju nowym Mesjaszem kroczącym ciernistą drogą ku ideałom prawdziwej sztuki i wolnej twórczości. Gorycz i ból skrywają się za martwą maską i symulowaną zabawą, dlatego „” odbierany jest jako obraz wyśmianego artysty lub świętego.

W 1891 roku Gauguin maluje duże symboliczne płótno „” i z pomocą przyjaciół przygotowuje swoją pierwszą podróż na Tahiti. Pomyślna sprzedaż jego obrazów w lutym 1891 roku pozwoliła mu wyruszyć w drogę już na początku kwietnia.

9 czerwca 1891 roku Gauguin przybył do Papeete i pogrążył się w rodzimej kulturze. Na Tahiti po raz pierwszy od wielu lat poczuł się szczęśliwy. Z czasem stał się orędownikiem praw miejscowej ludności i tym samym awanturnikiem w oczach władz kolonialnych. Co ważniejsze, wykształcił nowy styl zwany prymitywizmem - płaski, pasterski, często nazbyt barwny, prosty i spontaniczny, całkowicie oryginalny.

Teraz posługuje się swoistym obrotem ciał, charakterystycznym dla egipskich malowideł: połączeniem bezpośredniego obrotu ramion twarzą ze skrętem nóg w jednym kierunku i głową w przeciwnym kierunku, połączeniem tworzącym pewien muzyczny rytm : “ Rynek"(1892); pełne wdzięku pozy tahitańskich kobiet, pogrążonych w marzeniach, przechodzą z jednej strefy kolorystycznej do drugiej, bogactwo kolorowych niuansów tworzy wrażenie snu rozlanego w naturze: „” (1892), „” (1894).

Swoim życiem i pracą zrealizował projekt ziemskiego raju. Na obrazie „” (1892) przedstawił Ewę Tahitańską w pozie płaskorzeźb świątyń Borobudur. Obok niej na gałęzi zamiast węża siedzi fantastyczna czarna jaszczurka z czerwonymi skrzydłami. Postać biblijna pojawiła się w ekstrawaganckim pogańskim przebraniu.

Na mieniących się kolorami płótnach, opiewających urok niesamowitej harmonii ze złocistym odcieniem ludzkiej skóry i egzotyką pierwotnej przyrody, niezmiennie obecna jest trzynastoletnia partnerka życiowa Tekhury, według lokalnych wyobrażeń jej żona. Gauguina uwiecznił ją na wielu płótnach, m.in. Ta mate" (Rynek), "", "".

Młodą, kruchą postać Tehury, nad którą unoszą się duchy przodków, budząc strach u Tahitańczyków, namalował na obrazie „” (1892). Praca została oparta na prawdziwych wydarzeniach. Artysta udał się do Papeete i pozostał tam do wieczora. Tehura, młoda tahitańska żona Gauguina, była zaniepokojona, podejrzewając, że jej mąż znów przebywa ze skorumpowanymi kobietami. Skończył się olej w lampie i Tehura leżał w ciemności.

Na zdjęciu dziewczyna leżąca na brzuchu jest odpisana od leżącej Tekhury, a zły duch strzegący zmarłych - tupapau, jest przedstawiony jako kobieta siedząca w tle. Ciemnofioletowe tło obrazu nadaje tajemniczy klimat.

Tekhura był wzorem dla kilku innych obrazów. Tak więc na obrazie „” (1891) pojawia się w postaci Madonny z dzieckiem w ramionach, a na płótnie „” (1893) jest przedstawiona w postaci Ewy Tahitańskiej, w której rękach owoc mango zastąpił jabłko. Elastyczna linia artystki zarysowuje mocny tułów i ramiona dziewczyny, jej oczy uniesione do skroni, szerokie skrzydła nosa i pełne usta. Tahitian Eve uosabia pragnienie „prymitywnego”. Jej piękno kojarzy się z wolnością i bliskością natury, ze wszystkimi tajemnicami prymitywnego świata.

Latem 1893 roku sam Gauguin zniszczył swoje szczęście. Tehura, zasmucony, pozwolił Pawłowi pojechać do Paryża, aby pokazać swoje nowe prace i otrzymać swój mały spadek. Gauguin rozpoczął pracę w wynajętym warsztacie. Wystawa, na której artysta wystawiał swoje nowe obrazy, zakończyła się fiaskiem - publiczność i krytycy znów go nie zrozumieli.

W 1894 roku Gauguin wrócił do Pont-Aven, ale w kłótni z żeglarzami złamał nogę, w wyniku czego przez pewien czas nie mógł pracować. Jego młody towarzysz, tancerz kabaretu Montmartre, zostawia artystę w Bretanii w szpitalnym łóżku i ucieka do Paryża, zabierając majątek warsztatu. Aby choć trochę zarobić na wyjazd, kilkoro przyjaciół Gauguina organizuje aukcję na sprzedaż jego obrazów. Sprzedaż nie powiodła się. Ale w tak krótkim czasie udaje mu się stworzyć wspaniałą serię drzeworytów w kontrastowym stylu, które przedstawiają tajemnicze, przerażające tahitańskie obrzędy. w 1895 r Gauguina opuszcza Francję, już na zawsze, i udaje się na Tahiti w Punaauia.

Ale kiedy wrócił na Tahiti, nikt na niego nie czekał. Były kochanek ożenił się z innym, Paul próbował zastąpić ją trzynastoletnią Pakhurą, która urodziła mu dwoje dzieci. Pozbawiony miłości, szukał pocieszenia w cudownych modelach.

Przygnębiony śmiercią swojej córki Aline, która zmarła we Francji na zapalenie płuc, Gauguin popada w ciężką depresję. Idea sensu życia, ludzkiego losu przenika dzieła religijne i mistyczne tego czasu, których cechą charakterystyczną jest plastyczność klasycznych rytmów. Artystce z miesiąca na miesiąc coraz trudniej jest pracować. Bóle nóg, napady gorączki, zawroty głowy, stopniowa utrata wzroku pozbawiają Gauguina wiary w siebie, w powodzenie osobistej twórczości. W całkowitej rozpaczy i beznadziejności Gauguin pod koniec lat 90. XIX wieku napisał kilka ze swoich najlepszych dzieł” żona króla», « Macierzyństwo», « królowa piękna», « Nigdy przenigdy„”, „”. Umieszczając niemal statyczne postacie na płaskim, kolorowym tle, artysta tworzy dekoracyjne kolorowe panele, w których odbijają się legendy i wierzenia Maorysów. W nich żebrak i głodny artysta ucieleśnia swoje marzenie o idealnym idealnym świecie.

Królowa piękna. 1896. Akwarela na papierze

Pod koniec 1897 roku w Punaauia, około dwóch kilometrów od tahitańskiego portu Papeete, Gauguin przystąpił do tworzenia swojego największego i najważniejszego obrazu. Portfel miał prawie pusty, był osłabiony syfilisem i wyniszczającymi atakami serca.

Duże epickie płótno „” można nazwać zwięzłym traktatem filozoficznym, a jednocześnie testamentem Gauguina. " Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?” - te niezwykle proste pytania, napisane Paul Gauguin w kącie jego genialnego tahitańskiego płótna, są w rzeczywistości centralnymi kwestiami religii i filozofii.

To niezwykle mocny obraz pod względem oddziaływania na widza. W alegorycznych obrazach Gauguin przedstawił na nim kłopoty czekające człowieka, pragnienie odkrycia tajemnic porządku świata, pragnienie zmysłowej przyjemności, mądry spokój, spokój i oczywiście nieuchronność godziny śmierć. Ścieżka każdej indywidualnej osoby i ścieżka cywilizacji jako całości starały się uosabiać słynnego postimpresjonistę.

Gauguin wiedział, że jego czas dobiega końca. Wierzył, że ten obraz będzie jego ostatnim dziełem. Po jej ukończeniu udał się w góry za Papeete, aby popełnić samobójstwo. Zabrał ze sobą butelkę arszeniku, który był wcześniej przechowywany, prawdopodobnie nie wiedząc, jak bolesna jest śmierć od tej trucizny. Spodziewał się zgubić w górach przed zażyciem trucizny, aby jego zwłoki nie zostały znalezione, ale stały się pokarmem dla mrówek.

Jednak próba otrucia, która przyniosła artystce straszne cierpienie, na szczęście zakończyła się niepowodzeniem. Gauguin wrócił do Punaauii. I choć jego siły witalne były na wyczerpaniu, postanowił się nie poddawać. Aby przeżyć, podjął pracę jako urzędnik w Urzędzie Robót Publicznych i Badań w Papeete, gdzie zarabiał sześć franków dziennie.

W 1901 roku w poszukiwaniu jeszcze większej samotności przeniósł się na małą malowniczą wyspę Chiwa – Oa na odległych Markizach. Tam zbudował chatę. Na drzwiach drewniana belka chaty Gauguina wyrzeźbił napis „Maison de juire” („Dom rozkoszy” lub „Mieszkaniec zabawy”) i mieszkał z czternastoletnią Marie-Rose, bawiąc się z innymi egzotycznymi pięknościami.

Gauguin jest zadowolony ze swojego „Domu rozkoszy” i swojej niezależności. „Miałbym tylko dwa lata zdrowia i niezbyt wiele zmartwień finansowych, które zawsze mnie dręczą…” - napisał artysta.

Ale skromne marzenie Gauguina nie chciało się spełnić. Nieprzyzwoity tryb życia dodatkowo nadszarpnął jego osłabione zdrowie. Trwają zawały serca, pogarsza się wzrok, a w nodze nieustanny ból, który nie pozwala zasnąć. Aby zapomnieć i uśmierzyć ból, Gauguin spożywa alkohol i morfinę i rozważa powrót do Francji na leczenie.

Kurtyna jest gotowa do opadnięcia. Prześladuje w ostatnich miesiącach Gauguinażandarm policji, oskarżając mieszkającego w dolinie Murzyna o zabicie kobiety. Artysta staje w obronie Murzyna i opiera się oskarżeniom, zarzucając żandarmowi nadużycie władzy. Tahitański sędzia skazuje Gauguina na trzy miesiące więzienia za obrazę żandarma i grzywnę w wysokości tysiąca franków. Od wyroku można odwołać się tylko w Papeete, ale Gauguin nie ma pieniędzy na podróż.

Wyczerpany cierpieniem fizycznym, doprowadzony do rozpaczy brakiem pieniędzy, Gauguin nie może skoncentrować się na kontynuowaniu pracy. Tylko dwie osoby są mu bliskie i wierne: protestancki ksiądz Vernier i sąsiadka Thioka.

Świadomość Gauguina jest coraz bardziej tracona. Już z trudem znajduje właściwe słowa, myli dzień z nocą. Wczesnym rankiem 8 maja 1903 r. Vernier odwiedził artystę. Trudny stan artysty tego ranka nie trwał długo. Czekając, aż przyjaciel poczuje się lepiej, Vernier wyszedł, ao jedenastej Gauguin zmarł leżąc na łóżku. Eugene Henri Paul Gauguin został pochowany na katolickim cmentarzu Chiva - Oa. Po śmierci z powodu niewydolności serca praca Gauguina niemal natychmiast wybuchła w Europie w szalony sposób. Ceny obrazów poszybowały w górę...

Gauguin wywalczył sobie miejsce na Olimpie sztuki kosztem swojego zdrowia i życia. Artysta pozostał obcy dla własnej rodziny, dla paryskiego społeczeństwa, obcy dla swojej epoki.

Gauguin miał ciężki, powolny, ale potężny temperament i kolosalną energię. Tylko dzięki nim mógł w nieludzko trudnych warunkach toczyć zaciekłą walkę z życiem o życie aż do śmierci. Całe życie spędził na nieustannych wysiłkach, by przetrwać i zachować siebie jako osobę. Przyszedł za późno i za wcześnie, to była tragedia uniwersalizmu Gauguina geniusz.

1848-1903: między tymi postaciami - całe życie największego, wielkiego, genialnego malarza Paula Gauguina.

„Jedynym sposobem, aby stać się Bogiem, jest robienie tego, co On: tworzenie”.

Paul Gauguin

na zdjęciu: fragment zdjęcia Paul Gauguin„Autoportret z paletą”, 1894

Szczegóły życia Paul Gauguin stworzył jedną z najbardziej niezwykłych biografii w historii sztuki. Jego życie naprawdę dało różnym ludziom powody do mówienia o nim, podziwiania, śmiechu, urazy i klękania.

Paul Gauguin: Wczesne lata

Paul Eugeniusz Henri Gauguin Urodził się w Paryżu 7 czerwca 1848 roku w rodzinie dziennikarza Clovisa Gauguina, zagorzałego radykała. Po klęsce powstania czerwcowego rodzina Gauguina ze względów bezpieczeństwa była zmuszona przenieść się do krewnych w Peru, gdzie Clovis zamierzał wydawać własne czasopismo. Ale w drodze do Ameryki Południowej dziennikarz zmarł na atak serca, pozostawiając żonę z dwójką małych dzieci. Musimy oddać hołd wytrzymałości psychicznej matki artysty, która sama, bez skarg, wychowywała dzieci.

Świecący przykład odwagi w środowisku rodzinnym pola była jego babka Flora Tristan, jedna z pierwszych socjalistek i feministek w kraju, która opublikowała w 1838 r. autobiograficzną książkę „Wędrówki pariasa”. Od niej Paul Gauguin odziedziczyła nie tylko podobieństwo zewnętrzne, ale także charakter, temperament, obojętność na opinię publiczną i zamiłowanie do podróży.

Wspomnienia z życia z krewnymi w Peru były tak drogie Gauguinaże później nazwał siebie „peruwiańskim dzikusem”. Początkowo nic nie wróżyło mu losu wielkiego artysty. Po 6 latach mieszkania w Peru rodzina wróciła do Francji. Ale szare prowincjonalne życie w Orleanie i nauka w paryskiej szkole z internatem zmęczyły Gauguina, aw wieku 17 lat, wbrew woli matki, wstąpił do służby francuskiej floty handlowej i udał się do Brazylii, Chile, Peru, a następnie u wybrzeży Danii i Norwegii. Był to pierwszy, według ogólnie przyjętych standardów, wstyd, jaki Paweł sprowadzony do swojej rodziny. Matka, która zginęła w czasie jego podróży, nie wybaczyła synowi i za karę pozbawiła go jakiegokolwiek spadku. Po powrocie do Paryża w 1871 r. Gauguina z pomocą swojego opiekuna Gustawa Arosy, przyjaciela matki, dostał posadę maklera w jednej z najbardziej renomowanych firm giełdowych w stolicy. pole miał 23 lata, a przed nim otworzył błyskotliwą karierę. Dość wcześnie założył rodzinę i stał się wzorowym ojcem rodziny (miał 5 dzieci).

„Rodzina w ogrodzie” Paul Gauguin, 1881, olej na płótnie, New Carlsberg Glyptothek, Kopenhaga

Malarstwo jako hobby

Ale ich stabilne samopoczucie Gauguina bez wahania poświęcił swoją pasję do malarstwa. farba Gauguina rozpoczął się w 1870 roku. Na początku było to niedzielne hobby i Paweł skromnie oceniał jego możliwości, a rodzina uważała jego pasję do malowania za słodką ekscentryczność. Dzięki Gustave'owi Arosie, który kochał sztukę i kolekcjonował obrazy, Paul Gauguin spotkał kilku impresjonistów, entuzjastycznie przyjmując ich pomysły.

Po udziale w 5 wystawach impresjonistów nazwa Gauguina zabrzmiało w kręgach artystycznych: artysta prześwitywał już przez paryskiego maklera. I Gauguina postanowił całkowicie poświęcić się malarstwu i nie być, jak sam mówi, „niedzielnym artystą”. Kryzys giełdowy z 1882 r., który sparaliżował sytuację finansową, również przyczynił się do wyboru na rzecz sztuki. Gauguina. Ale kryzys finansowy dotknął także malarstwo: obrazy słabo się sprzedawały i życie rodzinne Gauguina zamienił się w walkę o przetrwanie. Przeprowadzka do Rouen, a później do Kopenhagi, gdzie artysta sprzedawał wyroby z płótna, a jego żona udzielała lekcji francuskiego, nie uchroniła go przed biedą, a małżeństwo Gauguina zerwać. Gauguin wrócił do Paryża ze swoim najmłodszym synem, gdzie nie zaznał ani spokoju ducha, ani dobrego samopoczucia. Aby nakarmić syna, wielki artysta był zmuszony zarabiać, publikując plakaty. „Znałem prawdziwą biedę” — napisał Gauguina w „Zeszycie dla Aliny”, jego ukochanej córki. - To prawda, że ​​mimo wszystko cierpienie wyostrza talent. Jednak nie powinno to być zbyt dużo, w przeciwnym razie cię zabije”.

„Kwiaty i japońska książka”, Paul Gauguin, 1882, olej na drewnie, New Carlsberg Glyptothek, Kopenhaga

Kształtowanie własnego stylu

do malowania Gauguina był to punkt zwrotny. Szkołą artysty był impresjonizm, który w tym czasie osiągnął swój szczyt, a nauczyciel był Kamila Pissarro, jeden z twórców impresjonizmu. Imię patriarchy impresjonizmu Kamila Pissarro dozwolony Gauguina wziąć udział w pięciu z ośmiu wystaw impresjonistów w latach 1874-1886.

„Wodopoj”, Paul Gauguin, 1885, olej na płótnie, własność prywatna

W połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku rozpoczął się kryzys impresjonizmu Paul Gauguin zaczął odnajdywać się w sztuce. Wycieczka do malowniczej Bretanii, która zachowała swoje starożytne tradycje, zapoczątkowała zmiany w twórczości artysty: odejście od impresjonizmu i wypracowanie własnego stylu, łączącego elementy kultury bretońskiej z radykalnie uproszczonym stylem pisarskim – syntetyzmem. Styl ten charakteryzuje się uproszczeniem obrazu, przekazywanym przez jasną, niezwykle jaskrawą kolorystykę i celowo nadmierną dekoracyjność.

Syntetyzm pojawił się i objawił około 1888 roku w twórczości innych artystów ze szkoły Pont-Aven: Émile Bernard, Louis Anquetin, Paul Serusier i inne Cechą stylu syntetycznego było dążenie artystów do „syntezy” światów widzialnych i wyimaginowanych, a często to, co powstawało na płótnie, było wspomnieniem tego, co kiedyś widzieli. Jako nowy nurt w sztuce syntetyzm zyskał na znaczeniu po zorganizowaniu Gauguina wystawy w paryskiej kawiarni Volpini w 1889 r. Nowe pomysły Gauguina stała się koncepcją estetyczną znanej grupy Nabis, z której wyrósł nowy ruch artystyczny, Art Nouveau.

„Wizja po kazaniu (Walka Jakuba z aniołem)”, Paul Gauguin, 1888, olej na płótnie, 74,4 x 93,1 cm, National Gallery of Scotland, Edynburg

Sztuka starożytnych ludów jako źródło inspiracji dla malarstwa europejskiego

Kryzys impresjonizmu postawił artystów, którzy porzucili ślepe „naśladowanie natury” z koniecznością poszukiwania nowych źródeł inspiracji. Sztuka starożytnych ludów stała się niewyczerpanym źródłem inspiracji dla malarstwa europejskiego i wywarła silny wpływ na jego rozwój.

Styl Paula Gauguina

Fraza z listu Gauguina„W prymitywach zawsze można znaleźć ukojenie” świadczy o jego wzmożonym zainteresowaniu sztuką prymitywną. Styl Gauguina, harmonijnie łącząc impresjonizm, symbolizm, grafikę japońską i ilustrację dziecięcą, idealnie nadawał się do przedstawiania ludów „niecywilizowanych”. Jeśli impresjoniści, każdy na swój sposób, starali się analizować kolorowy świat, przekazując rzeczywistość bez specjalnej podstawy psychologicznej i filozoficznej, to Gauguina nie tylko oferował technikę wirtuozerską, ale odzwierciedlał się w sztuce:

„Dla mnie wielki artysta jest receptą na największy umysł”.

Jego obrazy to pełne harmonii metafory o złożonych znaczeniach, często przesiąknięte pogańskim mistycyzmem. Postacie ludzi, które malował z natury, nabrały symbolicznego, filozoficznego znaczenia. Relacjami kolorystycznymi artysta przekazał nastrój, stan umysłu, myśli: na przykład różowy kolor ziemi na obrazach jest symbolem radości i obfitości.

„Dzień Bóstwa (Mahana no Natua)”, Paul Gauguin, 1894, olej na płótnie, Art Institute of Chicago, USA

Z natury marzycielka Paul Gauguin przez całe życie szukał ziemskiego raju, aby uchwycić go w swoich dziełach. Szukałem go w Bretanii, na Martynice, na Tahiti, na Markizach. Trzy wyprawy na Tahiti (w 1891, 1893 i 1895), gdzie artysta namalował szereg swoich słynnych dzieł, przyniosły rozczarowanie: prymitywność wyspy została utracona. Choroby wprowadzone przez Europejczyków zmniejszyły populację wyspy z 70 do 7 tysięcy, a wraz z wyspiarzami wymarły ich obrzędy, sztuka i lokalne rzemiosło. na obrazie Gauguina W „Dziewczynie z kwiatkiem” można wyczuć dwoistość struktury kulturowej na wyspie w tym czasie: wymownie świadczy o tym europejski strój dziewczyny.

„Dziewczyna z kwiatkiem” Paul Gauguin

W poszukiwaniu nowego, niepowtarzalnego języka artystycznego Gauguina nie był sam: pragnienie zmiany w sztuce zjednoczyło odmiennych i oryginalnych artystów ( Seurata, Signaca, Van Gogha, Cezanne'a, Toulouse-Lautreca, Bonnarda i inni), dając początek nowemu nurtowi – postimpresjonizmowi. Pomimo zasadniczej odmienności stylów i pisma, w twórczości postimpresjonistów można odnaleźć nie tylko jedność ideową, ale także wspólnotę codzienności – z reguły samotność i tragizm życiowych sytuacji. Opinia publiczna ich nie rozumiała i nie zawsze rozumieli się nawzajem. W recenzjach wystawy malarstwa Gauguina przywiezionego z Tahiti można było przeczytać:

„Aby zabawić swoje dzieci, wyślij je na wystawę Gauguina. Będą bawić się przed kolorowymi obrazkami przedstawiającymi czwororękie stworzenia kobiece rozciągnięte na stole bilardowym…”.

Po tak uwłaczającej krytyce Paul Gauguin nie został w domu iw 1895 ponownie i po raz ostatni wyjechał na Tahiti. W 1901 roku artysta przeniósł się na wyspę Domenique (Markizy), gdzie zmarł na atak serca 8 maja 1903 roku. Paul Gauguin Został pochowany na miejscowym cmentarzu katolickim na Wyspie Dominika (Hiva Oa).

„Jeźdźcy na Wybrzeżu” Paul Gauguin, 1902

Nawet po śmierci artysty władze francuskie na Tahiti, które prześladowały go za życia, bezlitośnie rozprawiły się z jego artystycznym dziedzictwem. Nieświadomi urzędnicy sprzedawali jego obrazy, rzeźby, drewniane płaskorzeźby pod młotkiem za grosze. Prowadzący licytację żandarm złamał na oczach zgromadzonych rzeźbioną laskę. Gauguina, ale ukrył swoje obrazy i po powrocie do Europy otworzył muzeum artysty. Uznanie przyszło Gauguina 3 lata po jego śmierci, kiedy w Paryżu wystawiono 227 jego prac. Prasa francuska, która za życia złośliwie wyśmiewała artystę z każdej z jego nielicznych wystaw, zaczęła drukować pochwalne ody do jego sztuki. Pisano o nim artykuły, książki i wspomnienia.

„Kiedy ślub?”, Paul Gauguin, 1892, olej na płótnie, Bazylea, Szwajcaria (do 2015)

Kiedyś w liście do Paula Serusiera Gauguina Desperacko zasugerował: „... moje obrazy mnie przerażają. Społeczeństwo nigdy ich nie zaakceptuje”. Jednak zdjęcia Gauguina społeczeństwo akceptuje i kupuje za duże pieniądze. Na przykład w 2015 roku bezimienny nabywca z Kataru (według MFW – najbogatszego kraju na świecie od 2010 roku) kupił obraz Gauguina„Kiedy jest ślub?” za 300 milionów dolarów. Obraz Gauguina otrzymał honorowy status najdroższego obrazu świata.

Aby być sprawiedliwym, należy to zauważyć Gauguina w ogóle nie przejmował się brakiem zainteresowania opinii publicznej jego twórczością. Był przekonany: „Każdy powinien podążać za swoją pasją. Wiem, że ludzie będą mnie coraz mniej rozumieć. Ale czy to naprawdę może mieć znaczenie?” Całe życie Paul Gauguin była walką z filisterstwem i uprzedzeniami. Zawsze przegrywał, ale dzięki swojej obsesji nigdy się nie poddał. Miłość do sztuki, która mieszkała w jego niezłomnym sercu, stała się gwiazdą przewodnią dla artystów, którzy poszli w jego ślady.

Paulowi Gauguinowi można zarzucić wiele rzeczy - zdradę oficjalnej żony, nieodpowiedzialne podejście do dzieci, współżycie z nieletnimi, bluźnierstwo, skrajny egoizm.

Ale co to znaczy w porównaniu z największym talentem, jakim obdarzył go los?

Gauguin opowiada o sprzecznościach, nierozwiązywalnym konflikcie i życiu, jak w dramacie przygodowym. A Gauguin to cała warstwa światowej sztuki i setki obrazów. I zupełnie nowa estetyka, która wciąż zaskakuje i zachwyca.

Życie jest zwyczajne

Paul Gauguin urodził się 7 czerwca 1848 roku w bardzo dystyngowanej rodzinie. Matka przyszłego artysty była córką słynnego pisarza. Ojciec jest dziennikarzem politycznym.

W wieku 23 lat Gauguin znajduje dobrą pracę. Zostaje odnoszącym sukcesy maklerem giełdowym. Ale wieczorami iw weekendy maluje.

W wieku 25 lat poślubia Holenderkę Mette Sophie Gad. Ale ich związek nie jest opowieścią o wielkiej miłości i honorowym miejscu muzy wielkiego mistrza. Bo Gauguin czuł szczerą miłość tylko do sztuki. Której żona nie podzielała.

Jeśli Gauguin portretował swoją żonę, było to rzadkie i raczej specyficzne. Na przykład na tle szaro-brązowej ściany odwróconej od widza.

Paul Gauguin. Mette śpi na kanapie. 1875 Kolekcja prywatna. The-athenaeum.com

Jednak małżonkowie urodzą pięcioro dzieci i być może poza nimi nic ich wkrótce nie połączy. Mette uważała lekcje malarstwa swojego męża za stratę czasu. Wyszła za bogatego maklera. A ja chciałem wieść wygodne życie.

Dlatego decyzja podjęta kiedyś przez jej męża, by rzucić pracę i zająć się wyłącznie malarstwem, była dla Mette ciężkim ciosem. Ich związek oczywiście nie wytrzyma takiej próby.

Początek sztuki

Pierwsze 10 lat małżeństwa Paula i Mette minęło spokojnie i bezpiecznie. Gauguin był tylko amatorem w malarstwie. I malował tylko w wolnym czasie z giełdy.

Przede wszystkim Gauguin dał się uwieść. Oto jedno z dzieł Gauguina, namalowane z typowymi impresjonistycznymi refleksami światła i ładnym zakątkiem wsi.

Paul Gauguin. Woliera. 1884 Kolekcja prywatna. The-athenaeum.com

Gauguin aktywnie komunikuje się z tak wybitnymi malarzami swoich czasów, jak Cezanne.

Ich wpływ jest odczuwalny we wczesnych pracach Gauguina. Na przykład w obrazie „Suzanne Szycie”.

Paul Gauguin. Szycie Zuzanny. 1880 Nowy Carlsberg Glyptothek, Kopenhaga, Dania. The-athenaeum.com

Dziewczyna jest zajęta pracą i wygląda na to, że ją szpiegujemy. Całkiem w duchu Degasa.

Gauguin nie stara się go upiększać. Zgarbiła się, przez co jej postawa i brzuch były nieatrakcyjne. Skóra jest „bezlitośnie” przenoszona nie tylko w beżach i różach, ale także w błękitach i zieleniach. I to jest całkiem w duchu Cezanne'a.

Pissarro wyraźnie zaczerpnął trochę pogody ducha i spokoju.

Rok 1883, kiedy Gauguin kończy 35 lat, staje się punktem zwrotnym w jego biografii. Zrezygnował z pracy na giełdzie, przekonany, że szybko stanie się sławny jako malarz.

Ale nadzieje nie były uzasadnione. Zgromadzone pieniądze szybko się skończyły. Żona Mette, nie chcąc żyć w biedzie, wyjeżdża do rodziców, zabierając dzieci. Oznaczało to upadek ich związku rodzinnego.

Gauguina w Bretanii

Lato 1886 Gauguin spędza w Bretanii w północnej Francji.

To tutaj Gauguin wypracował swój indywidualny styl. Co niewiele zmieni. I dzięki temu jest tak rozpoznawalny.

Prostota rysunku, granicząca z karykaturą. Duże obszary tego samego koloru. Jasne kolory, zwłaszcza dużo żółtego, niebieskiego, czerwonego. Nierealistyczne schematy kolorów, kiedy ziemia mogłaby być czerwona, a drzewa niebieskie. A także tajemniczość i mistycyzm.

Wszystko to widzimy w jednym z głównych arcydzieł Gauguina okresu bretońskiego – „Wizji po kazaniu, czyli walce Jakuba z Aniołem”.

Paul Gauguin. Wizja po kazaniu (Walka Jakuba z Aniołem). 1888 Narodowa Galeria Szkocji, Edynburg

Rzeczywistość spotyka się z fantastyką. Bretonki w charakterystycznych białych czepkach widzą scenę z Księgi Rodzaju. Jak Jakub walczy z aniołem.

Ktoś patrzy (w tym krowa), ktoś się modli. A wszystko to na tle czerwonej ziemi. Jakby działo się to w tropikach, przesyconych jaskrawymi kolorami. Pewnego dnia Gauguin wyruszy w prawdziwe tropiki. Czy dlatego, że jego kolory są tam bardziej odpowiednie?

W Bretanii powstało kolejne arcydzieło - „Żółty Chrystus”. To właśnie ten obraz jest tłem jego autoportretu (na początku artykułu).

Paul Gauguin. Żółty Chrystus. 1889 Galeria sztuki Albright-Knox, Buffalo. Muzei-Mira.com

Już z tych obrazów, powstałych w Bretanii, widać znaczącą różnicę między Gauguinem a impresjonistami. Impresjoniści przedstawiali swoje doznania wizualne bez wprowadzania ukrytych znaczeń.

Ale dla Gauguina alegoria była ważna. Nic dziwnego, że uważany jest za twórcę symbolizmu w malarstwie.

Zobaczcie, jak spokojni, a nawet obojętni są Bretończycy siedzący wokół ukrzyżowanego Chrystusa. Tak więc Gauguin pokazuje, że ofiara Chrystusa została dawno zapomniana. A religia dla wielu stała się tylko zbiorem obowiązkowych rytuałów.

Dlaczego artysta przedstawił siebie na tle własnego obrazu z żółtym Chrystusem? Z tego powodu wielu wierzących go nie lubiło. Uznanie takich „gestów” za bluźnierstwo. Gauguin uważał się za ofiarę gustów opinii publicznej, która nie akceptuje jego pracy. Szczerze porównując swoje cierpienie z męczeństwem Chrystusa.

Publiczności naprawdę trudno było go zrozumieć. W Bretanii burmistrz małego miasteczka zamówił portret swojej żony. Tak narodziła się „Piękna Angela”.

Paul Gauguin. Wspaniała Angelika. 1889 Musée d'Orsay, Paryż. Vangogen.ru

Prawdziwa Angela była w szoku. Nie mogła sobie nawet wyobrazić, że będzie tak „piękna”. Wąskie świńskie oczy. Opuchnięty nos. Ogromne kościste dłonie.

A obok jest egzotyczna figurka. Co dziewczyna uznała za parodię męża. W końcu był niższy od jej wzrostu. Zaskakujące jest to, że klienci nie podarli płótna w przypływie złości.

Gauguina w Arles

Oczywiste jest, że sprawa z „Piękną Angelą” nie dodała Gauguinowi klientów. Bieda zmusza go do wyrażenia zgody na propozycję o wspólnej pracy. Udał się do niego do Arles na południu Francji. Mając nadzieję, że wspólne życie będzie łatwiejsze.

Tutaj piszą ci sami ludzie, te same miejsca. Jak na przykład Madame Gidoux, właścicielka lokalnej kawiarni. Chociaż styl jest inny. Myślę, że łatwo się domyślić (jeśli wcześniej nie widzieliście tych obrazów), gdzie jest ręka Gauguina, a gdzie Van Gogha.

Informacje o obrazach na końcu artykułu*

Ale władczy, pewny siebie Paul i nerwowy, porywczy Vincent nie mogli się dogadać pod jednym dachem. I raz, w ogniu kłótni, Van Gogh prawie zabił Gauguina.

Przyjaźń się skończyła. A Van Gogh, dręczony wyrzutami sumienia, odciął sobie płatek ucha.

Gauguina w tropikach

Na początku lat 90. XIX wieku artystę ogarnął nowy pomysł - zorganizowania warsztatu w tropikach. Postanowił osiedlić się na Tahiti.

Życie na wyspach nie było tak różowe, jak początkowo wydawało się Gauguinowi. Tubylcy przyjęli go chłodno, a „nietkniętej kultury” pozostało niewiele – koloniści od dawna sprowadzili cywilizację w te dzikie miejsca.

Miejscowi rzadko zgadzali się pozować dla Gauguina. A jeśli przychodzili do jego chaty, pysznili się po europejsku.

Paul Gauguin. Kobieta z kwiatem. 1891 Nowy Carlsberg Glyptothek, Kopenhaga, Dania. Wikiart.org

Przez całe życie w Polinezji Francuskiej Gauguin szukał „czystej” rodzimej kultury, osiedlając się jak najdalej od miast i wsi wyposażonych przez Francuzów.

obca sztuka

Niewątpliwie Gauguin otworzył nową estetykę w malarstwie dla Europejczyków. Z każdym statkiem wysyłał swoje obrazy na „kontynent”.

Płótna przedstawiające nagie ciemnoskóre piękności w prymitywnym orszaku wzbudziły duże zainteresowanie europejskiej publiczności.

Paul Gauguin. Czy jesteś zazdrosny? 1892, Moskwa

Gauguin skrupulatnie studiował lokalną kulturę, rytuały, mitologię. Tak więc na obrazie „Utrata dziewictwa” Gauguin alegorycznie ilustruje przedślubny zwyczaj Tahitańczyków.

Paul Gauguin. Utrata dziewictwa. 1891 Muzeum Sztuki Chryslera, Norfolk, USA. Wikiart.org

Panna młoda w przeddzień ślubu została skradziona przez przyjaciół pana młodego. „Pomogli” mu uczynić dziewczynę kobietą. Oznacza to, że w rzeczywistości pierwsza noc poślubna należała do nich.

To prawda, że ​​​​zwyczaj ten został już wykorzeniony przez misjonarzy do czasu przybycia Gauguina. Artysta dowiedział się o nim z opowieści okolicznych mieszkańców.

Gauguin lubił też filozofować. Tak powstał jego słynny obraz „Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?".

Paul Gauguin. Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? 1897 Muzeum Sztuk Pięknych, Boston, USA. Vangogen.ru

Życie prywatne Gauguina w tropikach

Istnieje wiele legend o życiu osobistym Gauguina na wyspie.

Mówi się, że artysta był bardzo rozwiązły w stosunkach z miejscowymi mulatami. Cierpiał na liczne choroby weneryczne. Ale historia zachowała imiona niektórych ukochanych.

Najbardziej znanym przywiązaniem była 13-letnia Tehura. Młodą dziewczynę można zobaczyć na obrazie „Duch zmarłych nie śpi”.

Paul Gauguin. Duch zmarłych nie śpi. 1892 Albright-Knox Gallery of Art, Buffalo, Nowy Jork. wikipedia.org

Gauguin zostawił ją w ciąży, wyjeżdżając do Francji. Z tego połączenia narodził się chłopiec Emil. Wychowywał go miejscowy mężczyzna, którego poślubił Tehura. Wiadomo, że Emil dożył 80 lat i zmarł w biedzie.

Uznanie zaraz po śmierci

Gauguin nigdy nie miał czasu na cieszenie się sukcesem.

Liczne choroby, trudne relacje z misjonarzami, brak pieniędzy – wszystko to osłabiło siły malarza. Gauguin zmarł 8 maja 1903 roku.

Oto jeden z jego najnowszych obrazów, Zaklęcie. W którym szczególnie zauważalna jest mieszanka rodzimego i kolonialnego. Zaklęcie i krzyż. Nagi i ubrany w głuche ubrania.

I cienką warstwę farby. Gauguin musiał oszczędzać pieniądze. Jeśli widziałeś dzieło Gauguina na żywo, prawdopodobnie zwróciłeś na to uwagę.

Jako kpina z biednego malarza, wydarzenia rozwijają się po jego śmierci. Dealer Vollard organizuje wspaniałą wystawę Gauguina. Salon** poświęca mu cały pokój...

Ale Gauguin nie jest przeznaczony do kąpieli w tej wspaniałej chwale. Nie dorównał jej tylko trochę ...

Sztuka malarza okazała się jednak nieśmiertelna - jego obrazy do dziś zachwycają upartą kreską, egzotyczną kolorystyką i niepowtarzalnym stylem.

Paul Gauguin. Kolekcja artysty 2015

W Rosji jest wiele dzieł Gauguina. Wszystko za sprawą przedrewolucyjnych kolekcjonerów Iwana Morozowa i Siergieja Szczukina. Przywieźli do domu wiele obrazów mistrza.

Jedno z głównych arcydzieł Gauguina, „Dziewczyna trzymająca owoc”, jest przechowywane w Petersburgu.

Paul Gauguin. Kobieta trzymająca płód. 1893 Państwowy Ermitaż w Petersburgu. Artchive.ru