Obraz rewolucji we Francji. Streszczenie na temat: Praca francuskiego artysty Eugene'a Delacroix „Wolność prowadząca lud

W swoim dzienniku młody Eugene Delacroix napisał 9 maja 1824 r.: „Odczułem chęć pisania na tematy współczesne”. To nie była przypadkowa fraza, miesiąc wcześniej zapisał podobną frazę: „Chcę pisać o fabułach rewolucji”. Artysta wielokrotnie mówił o swoim pragnieniu pisania na współczesne tematy, ale bardzo rzadko te swoje pragnienia realizował. Stało się tak, ponieważ Delacroix wierzył: „… wszystko należy poświęcić w imię harmonii i prawdziwego przekazu fabuły. Musimy sobie radzić na zdjęciach bez modelek. Żywy model nigdy nie odpowiada dokładnie obrazowi, który chcemy przekazać: model jest albo wulgarny, albo gorszy, albo jego piękno jest tak inne i doskonalsze, że wszystko trzeba zmienić”.

Artysta wolał wątki z powieści od piękna modelu życia. „Co należy zrobić, aby znaleźć spisek? pyta siebie pewnego dnia. „Otwórz książkę, która może zainspirować i zaufać Twojemu nastrojowi!” I święcie przestrzega własnej rady: z roku na rok książka staje się dla niego coraz większym źródłem tematów i wątków.

W ten sposób mur stopniowo rósł i umacniał się, oddzielając Delacroix i jego sztukę od rzeczywistości. Tak zamknięty w samotności zastał go rewolucja 1830 roku. Wszystko, co jeszcze kilka dni temu stanowiło sens życia pokolenia romantyków, zostało natychmiast odrzucone daleko w przeszłość, zaczęło „wydawać się małe” i niepotrzebne w obliczu wielkości wydarzeń, które miały miejsce.

Zdumienie i entuzjazm, jakich doświadczyły te dni, przenikają odosobnione życie Delacroix. Rzeczywistość traci dla niego odrażającą skorupę wulgarności i codzienności, odsłaniając prawdziwą wielkość, której nigdy w niej nie widział, a której wcześniej szukał w wierszach Byrona, kronikach historycznych, starożytnej mitologii i na Wschodzie.

Lipcowe dni odbijały się echem w duszy Eugene'a Delacroix ideą nowego obrazu. Bitwy barykadowe z 27, 28 i 29 lipca w historii Francji zadecydowały o wyniku przewrotu politycznego. W tych dniach obalony został król Karol X, ostatni przedstawiciel znienawidzonej przez lud dynastii Burbonów. Po raz pierwszy dla Delacroix nie była to fabuła historyczna, literacka ani orientalna, ale prawdziwe życie. Jednak zanim ten pomysł został wcielony, musiał przejść długą i trudną drogę zmian.

R. Escollier, biograf artysty, napisał: „Na samym początku, pod pierwszym wrażeniem tego, co zobaczył, Delacroix nie zamierzał przedstawiać Wolności wśród swoich wyznawców… Chciał po prostu odtworzyć jeden z lipcowych odcinków jak śmierć d'Arcola”. Tak, wtedy dokonano wielu wyczynów i dokonano poświęceń. Bohaterska śmierć d'Arcola związana jest ze zdobyciem przez rebeliantów paryskiego ratusza. W dniu, w którym wojska królewskie ostrzeliwały wiszący most Greve, pojawił się młody człowiek, który rzucił się do ratusza. Wykrzyknął: „Jeśli umrę, pamiętaj, że nazywam się d'Arcol”. Naprawdę został zabity, ale udało mu się zniewolić ludzi i ratusz został zdobyty.

Eugene Delacroix wykonał szkic piórem, który być może stał się pierwszym szkicem przyszłego obrazu. O tym, że nie był to zwykły rysunek, świadczy trafny dobór momentu, kompletność kompozycji, przemyślane akcenty poszczególnych postaci, organicznie połączone z akcją tło architektoniczne i inne szczegóły. Ten rysunek mógłby rzeczywiście służyć jako szkic do przyszłego obrazu, ale krytyk sztuki E. Kozhina uważał, że pozostał tylko szkicem, który nie miał nic wspólnego z płótnem, które później namalował Delacroix.

Artysta nie zadowala się już samą postacią d'Arcola, pędzącego naprzód i zniewalającego buntowników swoim heroicznym porywem. Eugene Delacroix przenosi tę centralną rolę na samą Liberty.

Artysta nie był rewolucjonistą i sam to przyznał: „Jestem buntownikiem, ale nie rewolucjonistą”. Polityka mało go interesowała, dlatego chciał przedstawić nie jeden ulotny epizod (nawet jeśli była to bohaterska śmierć d'Arcola), ani jeden fakt historyczny, ale charakter całego wydarzenia. Tak więc miejsce akcji, Paryż, można ocenić jedynie na podstawie fragmentu napisanego w tle obrazu po prawej stronie (w głębi ledwie widoczny sztandar podniesiony na wieży katedry Notre Dame), ale po mieście domy. Skala, poczucie ogromu i rozmachu tego, co się dzieje – oto, co Delacroix opowiada swoim ogromnym płótnem i czego nie dałby obraz prywatnego epizodu, choćby majestatycznego.

Kompozycja obrazu jest bardzo dynamiczna. W centrum obrazu znajduje się grupa uzbrojonych mężczyzn w prostych ubraniach, przesuwa się w kierunku pierwszego planu obrazu iw prawo. Z powodu dymu prochowego kwadrat nie jest widoczny ani nie widać, jak duża jest ta grupa. Nacisk tłumu wypełniający głębię obrazu tworzy narastającą presję wewnętrzną, która nieuchronnie musi się przebić. I tak przed tłumem, z chmury dymu na szczyt zajętej barykady, szeroki krok zrobiła piękna kobieta z trójkolorowym sztandarem republikańskim w prawej ręce i pistoletem z bagnetem w lewej. Na głowie ma czerwoną czapkę frygijską jakobinów, szaty powiewają odsłaniając pierś, profil twarzy przypomina klasyczne rysy Wenus z Milo. To jest Wolność, pełna siły i inspiracji, która zdecydowanym i odważnym ruchem wskazuje drogę wojownikom. Prowadząc ludzi przez barykady, Swoboda nie rozkazuje i nie rozkazuje - zachęca i prowadzi buntowników.

Podczas pracy nad obrazem w światopoglądzie Delacroix zderzyły się dwie przeciwstawne zasady – z jednej strony inspiracja rzeczywistością, a z drugiej zakorzeniona w jego umyśle nieufność do tej rzeczywistości. Nieufność wobec faktu, że życie może być piękne samo w sobie, że ludzkie obrazy i środki czysto obrazowe mogą przekazać ideę obrazu w całości. Ta nieufność podyktowała symboliczną postać Wolności Delacroix i kilka innych alegorycznych udoskonaleń.

Artysta przenosi całe zdarzenie w świat alegorii, my odzwierciedlamy ideę w taki sam sposób, jak Rubens, którego jest idolem (Delacroix powiedział młodemu Edouardowi Manetowi: „Musisz zobaczyć Rubensa, musisz być przepojony Rubensem, ty trzeba naśladować Rubensa, bo Rubens jest bogiem”) w swoich kompozycjach, uosabiając pojęcia abstrakcyjne. Ale Delacroix wciąż nie podąża za swoim idolem we wszystkim: wolność symbolizuje dla niego nie starożytne bóstwo, ale najprostsza kobieta, która jednak staje się królewsko majestatyczna.

Alegoryczna Wolność jest pełna żywotnej prawdy, w szybkim impulsie wyprzedza kolumnę rewolucjonistów, ciągnąc ich za sobą i wyrażając najwyższy sens walki - siłę idei i możliwość zwycięstwa. Gdybyśmy nie wiedzieli, że Nika z Samotraki została wykopana z ziemi po śmierci Delacroix, można by przypuszczać, że artysta inspirował się tym arcydziełem.

Wielu historyków sztuki zauważało i zarzucało Delacroix, że cała wielkość jego malarstwa nie może przesłonić wrażenia, które na pierwszy rzut oka okazuje się ledwie zauważalne. Mowa o zderzeniu w umyśle artysty przeciwstawnych aspiracji, które odcisnęło swoje piętno nawet w ukończonym płótnie, wahaniu Delacroix między szczerą chęcią ukazania rzeczywistości (tak jak ją widział) a mimowolną chęcią podniesienia jej do rangi coturny , pomiędzy pociągnięciem do malarstwa uczuciowym, bezpośrednim a przyzwyczajonym już do tradycji artystycznej. Wielu nie było usatysfakcjonowanych, że najbardziej bezwzględny realizm, który przerażał pełną dobrych intencji publiczność salonów artystycznych, połączył się w tym obrazie z nieskazitelnym, idealnym pięknem. Uznając za cnotę poczucie autentyczności życia, które nigdy wcześniej (i nigdy później) nie przejawiało się w twórczości Delacroix, zarzucano artystce uogólnienie i symbolikę obrazu Wolności. Jednak za uogólnienie innych obrazów, obwinianie artysty za to, że naturalistyczna nagość trupa na pierwszym planie sąsiaduje z nagością Wolności.

Ta dwoistość nie umknęła zarówno współczesnym Delacroix, jak i późniejszym koneserom i krytykom. Nawet 25 lat później, kiedy publiczność przyzwyczaiła się już do naturalizmu Gustave'a Courbeta i Jean-Francois Milleta, Maxime Ducan wciąż szalał przed „Wolnością na barykadach”, zapominając o jakiejkolwiek powściągliwości wypowiedzi: „Och, jeśli taka jest Wolność , jeśli ta dziewczyna z bosymi stopami i z odkrytymi piersiami, która biegnie, krzycząc i wymachując bronią, to nie jest nam potrzebna. Nie mamy nic wspólnego z tą haniebną lisicą!”

Ale, zarzucając Delacroix, cóż mogłoby przeciwstawić się jego obrazowi? Rewolucja 1830 roku znalazła odzwierciedlenie w twórczości innych artystów. Po tych wydarzeniach tron ​​królewski objął Ludwik Filip, który swoje dojście do władzy starał się przedstawić jako niemal jedyną treść rewolucji. Wielu artystów, którzy przyjęli takie podejście do tematu, pospieszyło po linii najmniejszego oporu. Rewolucja, jak spontaniczna fala ludu, jak wielki impuls ludu, dla tych mistrzów wydaje się, że w ogóle nie istnieje. Wydają się spieszyć, by zapomnieć o wszystkim, co widzieli na paryskich ulicach w lipcu 1830 roku, a „trzy wspaniałe dni” jawią się w ich przedstawieniu jako całkiem dobre poczynania paryżanów, którym zależało tylko na tym, jak szybko zdobyć nowego króla w miejsce wygnanego. Dzieła te to m.in. obraz Fontaine'a „Gwardia ogłaszająca króla Ludwika Filipa” czy obraz O. Berne'a „Książę Orleanu opuszczający Palais-Royal”.

Wskazując jednak na alegoryczny charakter głównego obrazu, niektórzy badacze zapominają zauważyć, że alegoryczny charakter Wolności wcale nie dysonansuje z resztą postaci na obrazie, nie wygląda na obrazie tak obco i wyjątkowo, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. W końcu reszta aktorskich postaci jest również alegoryczna w swojej istocie i swojej roli. W ich osobie Delacroix niejako wysuwa na pierwszy plan te siły, które dokonały rewolucji: robotników, inteligencję i plebs Paryża. Robotnik w bluzie i student (albo artysta) z pistoletem to przedstawiciele dość określonych warstw społecznych. Są to niewątpliwie jasne i wiarygodne obrazy, ale Delacroix przenosi to uogólnienie ich na symbole. I ta alegoryczność, która już jest w nich wyraźnie wyczuwalna, osiąga swoje najwyższe rozwinięcie w figurze Wolności. To potężna i piękna bogini, a jednocześnie odważna paryżanka. A obok niego, skaczący po kamieniach, krzyczący z zachwytu i wymachujący pistoletami (jakby aranżował wydarzenia), zwinny, rozczochrany chłopak to mały geniusz paryskich barykad, którego za 25 lat Victor Hugo nazwie Gavroche.

Obraz „Wolność na barykadach” kończy romantyczny okres w twórczości Delacroix. Sam artysta bardzo lubił ten swój obraz i dołożył wielu starań, aby trafił do Luwru. Jednak po przejęciu władzy przez „monarchię burżuazyjną” ekspozycja tego płótna została zakazana. Dopiero w 1848 roku Delacroix mógł ponownie wystawiać swoje malarstwo, i to nawet dość długo, ale po klęsce rewolucji na długo trafiło do magazynu. Prawdziwe znaczenie tego dzieła Delacroix określa jego drugie imię, nieoficjalne: wielu od dawna jest przyzwyczajonych do oglądania na tym obrazie „Marsylianki malarstwa francuskiego”.

Eugène Delacroix - Wolny przewodnik ludzi (1830)

Opis obrazu Eugene Delacroix „Wolność prowadząca lud”

Obraz został namalowany przez artystę w 1830 roku, a jego fabuła opowiada o dniach Rewolucji Francuskiej, a konkretnie o ulicznych potyczkach w Paryżu. To oni doprowadzili do obalenia znienawidzonego reżimu restauracyjnego Karola X.

W młodości Delacroix, upojony atmosferą wolności, przyjął postawę buntownika, zainspirowała go idea malowania płócien sławiących wydarzenia tamtych dni. W liście do brata napisał: „Niech nie będę walczył za Ojczyznę, ale będę dla niej pisał”. Praca nad nim trwała 90 dni, po czym została zaprezentowana publiczności. Płótno nosiło tytuł „Wolność wiodąca lud”.

Fabuła jest dość prosta. Barykady uliczne, według źródeł historycznych wiadomo, że zostały zbudowane z mebli i kostki brukowej. Centralną postacią jest kobieta, która bosymi stopami pokonuje barierę z kamieni i prowadzi ludzi do zamierzonego celu. W dolnej części pierwszego planu widoczne są postacie zabitych, po lewej stronie zabitego w domu opozycjonisty, na zwłoki zakładana koszula nocna, a po prawej oficer armii królewskiej. Są to symbole dwóch światów przyszłości i przeszłości. W prawej uniesionej ręce kobieta trzyma francuską trójkolorową flagę, symbolizującą wolność, równość i braterstwo, aw lewej trzyma pistolet, gotowa oddać życie za słuszną sprawę. Głowę ma przewiązaną charakterystyczną dla jakobinów chustą, jej piersi są obnażone, co świadczy o gwałtownym pragnieniu rewolucjonistów, by posunąć się do końca ze swoimi ideami i nie bać się śmierci od bagnetów wojsk królewskich.

Za nim widoczne są postacie innych rebeliantów. Autor swoim pędzlem podkreślił różnorodność buntowników: oto przedstawiciele burżuazji (mężczyzna w meloniku), rzemieślnik (mężczyzna w białej koszuli) i dziecko ulicy (gavroche). Po prawej stronie płótna, za chmurami dymu, widoczne są dwie wieże Notre Dame, na dachach których umieszczony jest sztandar rewolucji.

Eugeniusza Delacroix. „Wolność prowadząca lud (Wolność na barykadach)” (1830)
Płótno, olej. 260 x 325 cm
Luwr, Paryż, Francja

Największym romantycznym eksploatatorem motywu eksponowanych piersi jako środka przekazu sprzecznych uczuć był bez wątpienia Delacroix. Potężna centralna postać na płótnie „Liberty Leading the People” wiele ze swojego emocjonalnego wpływu zawdzięcza majestatycznie oświetlonym piersiom. Ta kobieta jest postacią czysto mitologiczną, która nabrała całkowicie namacalnej autentyczności, pojawiając się wśród ludzi na barykadach.

Ale jej postrzępiony kostium jest najbardziej skrupulatnie wykonanym ćwiczeniem artystycznego kroju i szycia, tak aby powstały tkany wyrób najlepiej jak to możliwe demonstrował klatkę piersiową i tym samym potwierdzał moc bogini. Suknia jest uszyta z jednym rękawem, aby pozostawić podniesioną rękę trzymającą nagą flagę. Powyżej pasa, poza rękawami, materiału jest zdecydowanie za mało, by zakryć nie tylko klatkę piersiową, ale i drugie ramię.

Wolny od ducha artysta ubrał Liberty w coś asymetrycznego, uważając starożytne szmaty za pasujące do bogini klasy robotniczej. Poza tym nie było możliwości, aby jej odsłonięte piersi zostały odsłonięte przez jakieś nagłe, nieumyślne działanie; wręcz przeciwnie, sam ten szczegół – integralna część kostiumu, moment pierwotnego projektu – powinien od razu wywoływać uczucie świętości, zmysłowego pożądania i rozpaczliwej wściekłości!

Eugeniusza Delacroix. Wolność prowadząca ludzi na barykady

W swoim dzienniku młody Eugene Delacroix napisał 9 maja 1824 r.: „Odczułem chęć pisania na tematy współczesne”. To nie była przypadkowa fraza, miesiąc wcześniej zapisał podobną frazę: „Chcę pisać o spiskach rewolucji”. Artysta wielokrotnie mówił o swoim pragnieniu pisania na współczesne tematy, ale bardzo rzadko te swoje pragnienia realizował. Stało się tak, ponieważ Delacroix uważał: „… wszystko należy poświęcić w imię harmonii i prawdziwego przekazu fabuły. Na obrazach musimy obejść się bez modeli. Żywy model nigdy nie odpowiada dokładnie obrazowi, który chcemy przekazać : modelka jest albo wulgarna, albo gorsza, albo jej uroda jest tak inna i doskonalsza, że ​​wszystko trzeba zmienić.

Artysta wolał wątki z powieści od piękna modelu życia. „Co należy zrobić, aby znaleźć fabułę?", zadaje sobie pewnego dnia pytanie. „Otwórz książkę, która może zainspirować i zaufać Twojemu nastrojowi!" I święcie przestrzega własnej rady: z roku na rok książka staje się dla niego coraz większym źródłem tematów i wątków.

W ten sposób mur stopniowo rósł i umacniał się, oddzielając Delacroix i jego sztukę od rzeczywistości. Tak zamknięty w samotności zastał go rewolucja 1830 roku. Wszystko, co jeszcze kilka dni temu stanowiło sens życia pokolenia romantyków, zostało natychmiast odrzucone daleko w przeszłość, zaczęło „wydawać się małe” i niepotrzebne w obliczu wielkości wydarzeń, które miały miejsce.

Zdumienie i entuzjazm, jakich doświadczyły te dni, przenikają odosobnione życie Delacroix. Rzeczywistość traci dla niego odrażającą skorupę wulgarności i codzienności, odsłaniając prawdziwą wielkość, której nigdy w niej nie widział, a której wcześniej szukał w wierszach Byrona, kronikach historycznych, starożytnej mitologii i na Wschodzie.

Lipcowe dni odbijały się echem w duszy Eugene'a Delacroix ideą nowego obrazu. Bitwy barykadowe z 27, 28 i 29 lipca w historii Francji zadecydowały o wyniku przewrotu politycznego. W tych dniach obalony został król Karol X, ostatni przedstawiciel znienawidzonej przez lud dynastii Burbonów. Po raz pierwszy dla Delacroix nie była to fabuła historyczna, literacka ani orientalna, ale prawdziwe życie. Jednak zanim ten pomysł został wcielony, musiał przejść długą i trudną drogę zmian.

R. Escollier, biograf artysty, pisał: „Na samym początku, pod wrażeniem tego, co zobaczył, Delacroix nie zamierzał przedstawiać Wolności wśród jej wyznawców… Chciał po prostu odtworzyć jeden z lipcowych epizodów, taki jak śmierć d'Arcola. Tak, wtedy dokonano wielu wyczynów i poświęcono wiele. Bohaterska śmierć d'Arcola wiąże się ze zdobyciem paryskiego ratusza przez rebeliantów. W dniu, w którym wojska królewskie ostrzeliwały wiszący most Greve, pojawił się młody człowiek, który rzucił się do ratusza. Wykrzyknął: „Jeśli umrę, pamiętaj, że nazywam się d„ Arcole ”. Naprawdę został zabity, ale udało mu się pociągnąć za sobą ludzi i ratusz został zajęty.

Eugene Delacroix wykonał szkic piórem, który być może stał się pierwszym szkicem przyszłego obrazu. O tym, że nie był to zwykły rysunek, świadczy trafny dobór momentu, kompletność kompozycji, przemyślane akcenty poszczególnych postaci, organicznie połączone z akcją tło architektoniczne i inne szczegóły. Ten rysunek mógłby rzeczywiście służyć jako szkic do przyszłego obrazu, ale krytyk sztuki E. Kozhina uważał, że pozostał tylko szkicem, który nie miał nic wspólnego z płótnem, które później namalował Delacroix.

Artysta nie ma już dość samej postaci d'Arcola, pędzącego naprzód i zniewalającego buntowników swoim heroicznym impulsem.Eugene Delacroix przekazuje tę centralną rolę samej Wolności.

Artysta nie był rewolucjonistą i sam to przyznał: „Jestem buntownikiem, ale nie rewolucjonistą”. Polityka mało go interesowała, dlatego chciał przedstawić nie jeden ulotny epizod (choćby bohaterską śmierć d'Arcola), nawet odrębny fakt historyczny, ale charakter całego wydarzenia. scenę, Paryż, można ocenić tylko po kawałku, napisanym w tle obrazu po prawej stronie (w głębi ledwie widoczny jest sztandar wzniesiony na wieży katedry Notre Dame), ale w miejskich kamienicach. Skala, poczucie ogromu i rozmachu tego, co się dzieje – oto, co Delacroix opowiada swoim ogromnym płótnem i czego obraz nie dałby prywatnemu epizodowi, nawet majestatycznemu.

Kompozycja obrazu jest bardzo dynamiczna. W centrum obrazu znajduje się grupa uzbrojonych mężczyzn w prostych ubraniach, przesuwa się w kierunku pierwszego planu obrazu iw prawo.

Z powodu dymu prochowego kwadrat nie jest widoczny ani nie widać, jak duża jest ta grupa. Nacisk tłumu wypełniający głębię obrazu tworzy narastającą presję wewnętrzną, która nieuchronnie musi się przebić. I tak przed tłumem, z chmury dymu na szczyt zajętej barykady, szeroki krok zrobiła piękna kobieta z trójkolorowym sztandarem republikańskim w prawej ręce i pistoletem z bagnetem w lewej.

Na głowie ma czerwoną czapkę frygijską jakobinów, szaty powiewają odsłaniając pierś, profil twarzy przypomina klasyczne rysy Wenus z Milo. To jest Wolność, pełna siły i inspiracji, która zdecydowanym i odważnym ruchem wskazuje drogę wojownikom. Prowadząc ludzi przez barykady, Swoboda nie rozkazuje i nie rozkazuje - zachęca i prowadzi buntowników.

Podczas pracy nad obrazem w światopoglądzie Delacroix zderzyły się dwie przeciwstawne zasady – z jednej strony inspiracja rzeczywistością, a z drugiej zakorzeniona w jego umyśle nieufność do tej rzeczywistości. Nieufność wobec faktu, że życie może być piękne samo w sobie, że ludzkie obrazy i środki czysto obrazowe mogą przekazać ideę obrazu w całości. Ta nieufność podyktowała symboliczną postać Wolności Delacroix i kilka innych alegorycznych udoskonaleń.

Artysta przenosi całe zdarzenie w świat alegorii, my odbijamy ideę tak, jak czynili to idole Rubensa (Delacroix powiedział młodemu Edouardowi Manetowi: „Trzeba zobaczyć Rubensa, trzeba poczuć Rubensa, trzeba naśladować Rubensa, bo Rubens jest bogiem”) w swoich kompozycjach, uosabiając pojęcia abstrakcyjne. Ale Delacroix wciąż nie podąża za swoim idolem we wszystkim: Wolność dla niego symbolizuje nie starożytne bóstwo, ale najprostsza kobieta, która jednak staje się królewsko majestatyczna.

Alegoryczna Wolność jest pełna żywotnej prawdy, w szybkim impulsie wyprzedza kolumnę rewolucjonistów, ciągnąc ich za sobą i wyrażając najwyższy sens walki - siłę idei i możliwość zwycięstwa. Gdybyśmy nie wiedzieli, że Nika z Samotraki została wykopana z ziemi po śmierci Delacroix, można by przypuszczać, że artysta inspirował się tym arcydziełem.

Wielu historyków sztuki zauważało i zarzucało Delacroix, że cała wielkość jego malarstwa nie może przesłonić wrażenia, które na pierwszy rzut oka okazuje się ledwie zauważalne. Mowa o zderzeniu w umyśle artysty przeciwstawnych aspiracji, które odcisnęło swoje piętno nawet w ukończonym płótnie, wahaniu Delacroix między szczerą chęcią ukazania rzeczywistości (tak jak ją widział) a mimowolną chęcią podniesienia jej do rangi coturny , pomiędzy pociągnięciem do malarstwa uczuciowym, bezpośrednim a przyzwyczajonym już do tradycji artystycznej. Wielu nie było usatysfakcjonowanych, że najbardziej bezwzględny realizm, który przerażał pełną dobrych intencji publiczność salonów artystycznych, połączył się w tym obrazie z nieskazitelnym, idealnym pięknem. Uznając za cnotę poczucie autentyczności życia, które nigdy wcześniej (i nigdy później) nie przejawiało się w twórczości Delacroix, zarzucano artystce uogólnienie i symbolikę obrazu Wolności. Jednak za uogólnienie innych obrazów, obwinianie artysty za to, że naturalistyczna nagość trupa na pierwszym planie sąsiaduje z nagością Wolności.

Ta dwoistość nie umknęła zarówno współczesnym Delacroix, jak i późniejszym koneserom i krytykom. Nawet 25 lat później, kiedy publiczność przyzwyczaiła się już do naturalizmu Gustave'a Courbeta i Jean-Francois Milleta, Maxime Ducan nadal szalał przed "Wolnością na barykadach", zapominając o jakiejkolwiek powściągliwości wypowiedzi: "Och, jeśli taka jest Wolność , jeśli ta dziewczyna z bosymi stopami i gołymi piersiami, która biega, krzyczy i wymachuje bronią, to nie jest nam potrzebna.Nie mamy nic wspólnego z tą haniebną lisicą!

Ale, zarzucając Delacroix, cóż mogłoby przeciwstawić się jego obrazowi? Rewolucja 1830 roku znalazła odzwierciedlenie w twórczości innych artystów. Po tych wydarzeniach tron ​​królewski objął Ludwik Filip, który swoje dojście do władzy starał się przedstawić jako niemal jedyną treść rewolucji. Wielu artystów, którzy przyjęli takie podejście do tematu, pospieszyło po linii najmniejszego oporu. Rewolucja, jak spontaniczna fala ludu, jak wielki impuls ludu, dla tych mistrzów wydaje się, że w ogóle nie istnieje. Wydaje się, że spieszy im się zapomnieć o wszystkim, co widzieli na paryskich ulicach w lipcu 1830 roku, a „trzy chwalebne dni” jawią się na ich obrazie jako całkiem dobre działania paryżanów, którym zależało tylko na tym, jak szybko zdobyć nowego króla w miejsce wygnanego. Dzieła te to m.in. obraz Fontaine'a „Gwardia ogłaszająca króla Ludwika Filipa” czy obraz O. Berne'a „Książę Orleanu opuszczający Palais-Royal”.

Wskazując jednak na alegoryczny charakter głównego obrazu, niektórzy badacze zapominają zauważyć, że alegoryczny charakter Wolności wcale nie dysonansuje z resztą postaci na obrazie, nie wygląda na obrazie tak obco i wyjątkowo, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. W końcu reszta aktorskich postaci jest również alegoryczna w swojej istocie i swojej roli. W ich osobie Delacroix niejako wysuwa na pierwszy plan te siły, które dokonały rewolucji: robotników, inteligencję i plebs Paryża. Robotnik w bluzie i student (albo artysta) z pistoletem to przedstawiciele dość określonych warstw społecznych. Są to niewątpliwie jasne i wiarygodne obrazy, ale Delacroix przenosi to uogólnienie ich na symbole. I ta alegoryczność, która już jest w nich wyraźnie wyczuwalna, osiąga swoje najwyższe rozwinięcie w figurze Wolności. To potężna i piękna bogini, a jednocześnie odważna paryżanka. A obok zwinny, rozczochrany chłopak skacze po kamieniach, krzyczy z zachwytu i wymachuje pistoletami (jakby aranżował imprezy), mały geniusz paryskich barykad, którego za 25 lat Victor Hugo nazwie Gavroche.

Obraz „Wolność na barykadach” kończy romantyczny okres w twórczości Delacroix. Sam artysta bardzo lubił ten swój obraz i dołożył wielu starań, aby trafił do Luwru. Jednak po przejęciu władzy przez „burżuazyjną monarchię” ekspozycja tego płótna została zakazana. Dopiero w 1848 roku Delacroix mógł ponownie wystawiać swoje malarstwo, i to nawet dość długo, ale po klęsce rewolucji na długo trafiło do magazynu. Prawdziwe znaczenie tego dzieła Delacroix określa jego drugie imię, nieoficjalne: wielu od dawna jest przyzwyczajonych do oglądania na tym obrazie „Marsylianki malarstwa francuskiego”.

„Sto wielkich obrazów” N. A. Ionina, wydawnictwo „Veche”, 2002

Ferdynand Wiktor Eugeniusz Delacroix(1798-1863) – francuski malarz i grafik, lider nurtu romantycznego w malarstwie europejskim.

Akademia Państwowa w Czelabińsku

Kultury i Sztuki.

Egzamin semestralny praca na obrazie plastycznym

EUGENE DELACROIX WOLNOŚĆ NA BARYKADACH.

Wypełniony przez studenta drugiego roku grupy 204 TV

Rusanowa Irina Igoriewna

Sprawdzone przez nauczycielkę sztuk pięknych Gindinę O.V.

Czelabińsk 2012

1. Wstęp. Opis kontekstu historycznego i kulturowego epoki.

3- Gatunek, przynależność gatunkowa, fabuła, formalna charakterystyka języka (kompozycja, materiał, technika, kreska, kolorystyka), koncepcja twórcza obrazu.

4- Obraz „Wolność na barykadach).

5- Analiza z nowoczesnym kontekstem (uzasadnienie istotności).

SZTUKA KRAJÓW EUROPY ZACHODNIEJ W POŁOWIE XIX WIEKU.

Romantyzm następuje po epoce oświecenia i zbiega się z rewolucją przemysłową, naznaczoną pojawieniem się silnika parowego, lokomotywy parowej, parowca i fotografii oraz przedmieść fabryk. Jeśli Oświecenie charakteryzuje się kultem rozumu i cywilizacji opartej na jego zasadach, to romantyzm afirmuje kult natury, uczuć i tego, co naturalne w człowieku. To właśnie w epoce romantyzmu ukształtowały się zjawiska turystyki, alpinizmu i pikników, mające na celu przywrócenie jedności człowieka i natury. Pożądany jest wizerunek „szlachetnego dzikusa”, uzbrojonego w „ludową mądrość” i nie zepsutego przez cywilizację. Czyli romantycy chcieli pokazać niezwykłą osobę w niecodziennych okolicznościach.

Rozwój romantyzmu w malarstwie przebiegał w ostrym sporze ze zwolennikiem klasycyzmu. Romantycy zarzucali swoim poprzednikom „zimną racjonalność” i brak „ruchu życiowego”. W latach 20. i 30. twórczość wielu artystów odznaczała się patosem i nerwowym podnieceniem; pojawiła się w nich tendencja do egzotycznych motywów i gry wyobraźni, która potrafi odwieść od „mrocznej codzienności”. Walka z zamrożonymi normami klasycyzmu trwała długo, prawie pół wieku. Pierwszym, któremu udało się utrwalić nowy kierunek i „usprawiedliwić” romantyzm, był Theodore Géricault

Historycznymi kamieniami milowymi, które zdeterminowały rozwój sztuki zachodnioeuropejskiej w połowie XIX wieku, były rewolucje europejskie lat 1848-1849. i Komuna Paryska z 1871 r. W największych krajach kapitalistycznych następuje gwałtowny wzrost ruchu robotniczego. Istnieje naukowa ideologia rewolucyjnego proletariatu, której założycielami byli K. Marks i F. Engels. Wzrost aktywności proletariatu budzi wściekłą nienawiść burżuazji, która jednoczy wokół siebie wszystkie siły reakcji.

Wraz z rewolucjami 1830 i 1848-1849. łączą się ze sobą najwyższe osiągnięcia sztuki, na której kierunkach opierał się w tym okresie rewolucyjny romantyzm i demokratyczny realizm. Najwybitniejsi przedstawiciele rewolucyjnego romantyzmu w sztuce połowy XIX wieku. Byli tam francuski malarz Delacroix i francuski rzeźbiarz Rude.

Ferdinand Victor Eugene Delacroix (francuski Ferdinand Victor Eugène Delacroix; 1798-1863) - francuski malarz i grafik, lider romantycznego kierunku w malarstwie europejskim. Pierwszym obrazem Delacroix była Łódź Dantego (1822), którą wystawił w Salonie.

Twórczość Eugene'a Delacroix można podzielić na dwa okresy. W pierwszym artysta był bliski rzeczywistości, w drugim stopniowo się od niej oddala, ograniczając się do wątków zaczerpniętych z literatury, historii i mitologii. Najważniejsze obrazy:

„Masakra na Chios” (1823-1824, Luwr, Paryż) i „Wolność na barykadach” (1830, Luwr, Paryż)

Obraz „Wolność na barykadach”.

Rewolucyjno-romantyczne płótno „Wolność na barykadach” jest związane z rewolucją lipcową 1830 roku w Paryżu. Artysta konkretyzuje miejsce akcji – po prawej majaczy wyspa Cité i wieże katedry Notre Dame. Dość specyficzne są też wizerunki ludzi, których przynależność społeczną może określić zarówno charakter twarzy, jak i strój. Widz widzi zbuntowanych robotników, studentów, paryskich chłopców i intelektualistów.

Obraz tego ostatniego to autoportret Delacroix. Jego wprowadzenie do kompozycji po raz kolejny wskazuje, że artysta czuje się uczestnikiem tego, co się dzieje. Kobieta przechodzi przez barykadę obok buntownika. Jest naga do pasa: na głowie ma czapkę frygijską, w jednej ręce pistolet, w drugiej sztandar. Jest to alegoria Wolności prowadzącej lud (stąd druga nazwa obrazu to Wolność prowadząca lud). W rytmie wznoszących się z głębi ruchu rąk, karabinów, szabli, w kłębach dymu prochowego, w durowych akordach czerwono-biało-niebieskiego sztandaru - najjaśniejszego punktu obrazu - można czuć szybkie tempo rewolucji.

Obraz był wystawiany na Salonie w 1831 roku, płótno wywołało burzę aprobaty społecznej. Nowy rząd kupił obraz, ale jednocześnie natychmiast nakazał jego usunięcie, jego patos wydawał się zbyt groźny.Jednak przez prawie dwadzieścia pięć lat, ze względu na rewolucyjny charakter fabuły, dzieło Delacroix nie było wystawiane.

Obecnie znajduje się w 77. sali na 1. piętrze Galerii Denon w Luwrze.

Kompozycja obrazu jest bardzo dynamiczna. Artysta nadał ponadczasowy, epicki dźwięk prostemu epizodowi ulicznych bójek. Rebelianci wznoszą się na barykadę odbitą od wojsk królewskich, a prowadzi ich sama Wolność. Krytycy widzieli w niej „skrzyżowanie kupca ze starożytną grecką boginią”. W rzeczywistości artysta nadał swojej bohaterce zarówno majestatyczną postawę Wenus z Milo, jak i te cechy, które poeta Auguste Barbier, śpiewak rewolucji 1830 roku, obdarzył Wolnością: „To jest silna kobieta z potężną klatką piersiową, ochrypłym głosem, z ogniem w oczach, szybko, szerokim krokiem. Liberty podnosi trójkolorowy sztandar Republiki Francuskiej; podąża uzbrojony tłum: rzemieślnicy, wojskowi, burżuazja, dorośli, dzieci.

Stopniowo mur rósł i umacniał się, oddzielając Delacroix i jego sztukę od rzeczywistości. Tak zamknięty w samotności zastał go rewolucja 1830 roku. Wszystko, co jeszcze kilka dni temu stanowiło sens życia pokolenia romantyków, zostało natychmiast odrzucone daleko w przeszłość, zaczęło „wydawać się małe” i niepotrzebne w obliczu wielkości wydarzeń, które miały miejsce.

Zdumienie i entuzjazm, jakich doświadczyły te dni, przenikają odosobnione życie Delacroix. Rzeczywistość traci dla niego odrażającą skorupę wulgarności i codzienności, odsłaniając prawdziwą wielkość, której nigdy w niej nie widział, a której wcześniej szukał w wierszach Byrona, kronikach historycznych, starożytnej mitologii i na Wschodzie.

Lipcowe dni odbijały się echem w duszy Eugene'a Delacroix ideą nowego obrazu. Bitwy barykadowe z 27, 28 i 29 lipca w historii Francji zadecydowały o wyniku przewrotu politycznego. W tych dniach obalony został król Karol X, ostatni przedstawiciel znienawidzonej przez lud dynastii Burbonów. Po raz pierwszy dla Delacroix nie była to fabuła historyczna, literacka ani orientalna, ale prawdziwe życie. Jednak zanim ten pomysł został wcielony, musiał przejść długą i trudną drogę zmian.

R. Escollier, biograf artysty, pisał: „Na samym początku, pod wrażeniem tego, co zobaczył, Delacroix nie zamierzał przedstawiać Wolności wśród jej wyznawców… Chciał po prostu odtworzyć jeden z lipcowych epizodów, taki jak śmierć d'Arcola. Tak, wtedy dokonano wielu wyczynów i poświęcono wiele. Bohaterska śmierć d'Arcola wiąże się ze zdobyciem paryskiego ratusza przez rebeliantów. W dniu, w którym wojska królewskie ostrzeliwały wiszący most Greve, pojawił się młody człowiek, który rzucił się do ratusza. Wykrzyknął: „Jeśli umrę, pamiętaj, że nazywam się d„ Arcole ”. Naprawdę został zabity, ale udało mu się pociągnąć za sobą ludzi i ratusz został zajęty.

Eugene Delacroix wykonał szkic piórem, który być może stał się pierwszym szkicem przyszłego obrazu. O tym, że nie był to zwykły rysunek, świadczy trafny dobór momentu, kompletność kompozycji, przemyślane akcenty poszczególnych postaci, organicznie połączone z akcją tło architektoniczne i inne szczegóły. Rysunek ten mógł wprawdzie służyć jako szkic do przyszłego obrazu, ale krytyk sztuki E. Kozhina uważał, że pozostał on tylko szkicem, nie mającym nic wspólnego z płótnem, które później namalował Delacroix. .Eugène Delacroix przenosi tę centralną rolę na samą Liberty.

Podczas pracy nad obrazem w światopoglądzie Delacroix zderzyły się dwie przeciwstawne zasady – z jednej strony inspiracja rzeczywistością, a z drugiej zakorzeniona w jego umyśle nieufność do tej rzeczywistości. Nieufność wobec faktu, że życie może być piękne samo w sobie, że ludzkie obrazy i środki czysto obrazowe mogą przekazać ideę obrazu w całości. Ta nieufność podyktowała symboliczną postać Wolności Delacroix i kilka innych alegorycznych udoskonaleń.

Artysta przenosi całe zdarzenie w świat alegorii, my odbijamy ideę tak, jak czynili to idole Rubensa (Delacroix powiedział młodemu Edouardowi Manetowi: „Trzeba zobaczyć Rubensa, trzeba poczuć Rubensa, trzeba naśladować Rubensa, bo Rubens jest bogiem”) w swoich kompozycjach, uosabiając pojęcia abstrakcyjne. Ale Delacroix wciąż nie podąża za swoim idolem we wszystkim: wolność symbolizuje dla niego nie starożytne bóstwo, ale najprostsza kobieta, która jednak staje się królewsko majestatyczna.

Alegoryczna Wolność jest pełna żywotnej prawdy, w szybkim impulsie wyprzedza kolumnę rewolucjonistów, ciągnąc ich za sobą i wyrażając najwyższy sens walki - siłę idei i możliwość zwycięstwa. Gdybyśmy nie wiedzieli, że Nika z Samotraki została wykopana z ziemi po śmierci Delacroix, można by przypuszczać, że artysta inspirował się tym arcydziełem.

Wielu historyków sztuki zauważało i zarzucało Delacroix, że cała wielkość jego malarstwa nie może przesłonić wrażenia, które na pierwszy rzut oka okazuje się ledwie zauważalne. Mowa o zderzeniu w umyśle artysty przeciwstawnych aspiracji, które odcisnęło swoje piętno nawet w ukończonym płótnie, wahaniu Delacroix między szczerą chęcią ukazania rzeczywistości (tak jak ją widział) a mimowolną chęcią podniesienia jej do rangi coturny , pomiędzy pociągnięciem do malarstwa uczuciowym, bezpośrednim a przyzwyczajonym już do tradycji artystycznej. Wielu nie było usatysfakcjonowanych, że najbardziej bezwzględny realizm, który przerażał pełną dobrych intencji publiczność salonów artystycznych, połączył się w tym obrazie z nieskazitelnym, idealnym pięknem. Uznając za cnotę poczucie autentyczności życia, które nigdy wcześniej (i nigdy później) nie przejawiało się w twórczości Delacroix, zarzucano artystce uogólnienie i symbolikę obrazu Wolności. Jednak za uogólnienie innych obrazów, obwinianie artysty za to, że naturalistyczna nagość trupa na pierwszym planie sąsiaduje z nagością Wolności.

Wskazując jednak na alegoryczny charakter głównego obrazu, niektórzy badacze zapominają zauważyć, że alegoryczny charakter Wolności wcale nie dysonansuje z resztą postaci na obrazie, nie wygląda na obrazie tak obco i wyjątkowo, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. W końcu reszta aktorskich postaci jest również alegoryczna w swojej istocie i swojej roli. W ich osobie Delacroix niejako wysuwa na pierwszy plan te siły, które dokonały rewolucji: robotników, inteligencję i plebs Paryża. Robotnik w bluzie i student (albo artysta) z pistoletem to przedstawiciele dość określonych warstw społecznych. Są to niewątpliwie jasne i wiarygodne obrazy, ale Delacroix przenosi to uogólnienie ich na symbole. I ta alegoryczność, która już jest w nich wyraźnie wyczuwalna, osiąga swoje najwyższe rozwinięcie w figurze Wolności. To potężna i piękna bogini, a jednocześnie odważna paryżanka. A obok zwinny, rozczochrany chłopak skacze po kamieniach, krzyczy z zachwytu i wymachuje pistoletami (jakby aranżował imprezy), mały geniusz paryskich barykad, którego za 25 lat Victor Hugo nazwie Gavroche.

Obraz „Wolność na barykadach” kończy romantyczny okres w twórczości Delacroix. Sam artysta bardzo lubił ten swój obraz i dołożył wielu starań, aby trafił do Luwru. Jednak po przejęciu władzy przez „burżuazyjną monarchię” ekspozycja tego płótna została zakazana. Dopiero w 1848 roku Delacroix mógł ponownie wystawiać swoje malarstwo, i to nawet dość długo, ale po klęsce rewolucji na długo trafiło do magazynu. Prawdziwe znaczenie tego dzieła Delacroix określa jego drugie imię, nieoficjalne: wielu od dawna jest przyzwyczajonych do oglądania na tym obrazie „Marsylianki malarstwa francuskiego”.

Obraz jest na płótnie. Została namalowana olejami.

ANALIZA OBRAZKA PRZEZ PORÓWNANIE WSPÓŁCZESNEJ LITERATURY I AKTUALNOŚCI.

własne postrzeganie obrazu.

W tej chwili uważam, że obraz Delacroix Wolność na barykadach jest bardzo aktualny w naszych czasach.

Temat rewolucji i wolności wciąż ekscytuje nie tylko wielkie umysły, ale i ludzi. Teraz wolność ludzkości znajduje się pod przywództwem władzy. Ludzie są we wszystkim ograniczeni, ludzkością kierują pieniądze, a burżuazja stoi na czele.

W XXI wieku ludzkość ma więcej możliwości chodzenia na wiece, pikiety, manifesty, rysowania i tworzenia tekstów (ale są wyjątki, jeśli tekst jest zakwalifikowany jako ekstremizm), w których odważnie prezentuje swoje stanowiska i poglądy.

Ostatnio temat wolności i rewolucji w Rosji również stał się bardziej aktualny niż wcześniej. Wszystko to wiąże się z ostatnimi wydarzeniami ze strony opozycji (ruchy „Lewy Front”, „Solidarność”, partia Nawalnowa i Borysa Niemcowa)

Coraz częściej słyszymy hasła nawołujące do wolności i rewolucji w kraju. Współcześni poeci wyrażają to wyraźnie w swoich wierszach. Przykładem jest Aleksiej Nikonow. Jego rewolucyjny bunt i jego pozycja w stosunku do całej sytuacji w kraju przejawia się nie tylko w poezji, ale także w pieśniach.

Uważam też, że nasz kraj potrzebuje rewolucyjnego zamachu stanu. Nie można odebrać ludzkości wolności, zakuć jej w kajdany i zmusić do pracy dla systemu. Człowiek ma prawo wyboru, wolność słowa, ale próbują to odebrać. I nie ma granic - jesteś niemowlęciem, dzieckiem lub dorosłym. Dlatego obrazy Delacroix są mi bardzo bliskie, tak jak jemu samemu.

Opis pracy

Romantyzm następuje po epoce oświecenia i zbiega się z rewolucją przemysłową, naznaczoną pojawieniem się silnika parowego, lokomotywy parowej, parowca i fotografii oraz przedmieść fabryk. Jeśli Oświecenie charakteryzuje się kultem rozumu i cywilizacji opartej na jego zasadach, to romantyzm afirmuje kult natury, uczuć i tego, co naturalne w człowieku. To właśnie w epoce romantyzmu ukształtowały się zjawiska turystyki, alpinizmu i pikników, mające na celu przywrócenie jedności człowieka i natury.

Treść pracy

1. Wstęp. Opis kontekstu historycznego i kulturowego epoki.
2- Biografia autora.
3- Gatunek, przynależność gatunkowa, fabuła, formalna charakterystyka języka (kompozycja, materiał, technika, kreska, kolorystyka), koncepcja twórcza obrazu.
4- Obraz „Wolność na barykadach).
5- Analiza z nowoczesnym kontekstem (uzasadnienie istotności).

Historia arcydzieła

Eugeniusza Delacroix. „Wolność na barykadach”

W 1831 roku w Salonie Paryskim Francuzi po raz pierwszy zobaczyli obraz Eugene’a Delacroix „Wolność na barykadach”, poświęcony „trzem chwalebnym dniom” rewolucji lipcowej 1830 roku. Płótno zrobiło na współczesnych oszałamiające wrażenie siłą, demokracją i odwagą artystycznej decyzji. Według legendy pewien szanowany mieszczanin wykrzyknął:

„Mówisz - dyrektor szkoły? Powiedz mi lepiej - szef buntu!

Po zamknięciu salonu rząd, przestraszony budzącym grozę i inspirującym urokiem emanującym z obrazu, pospiesznie zwrócił go autorowi. Podczas rewolucji 1848 r. został ponownie wystawiony publicznie w Pałacu Luksemburskim. I znowu wrócił do artysty. Dopiero po wystawieniu płótna na Wystawie Światowej w Paryżu w 1855 roku trafiło do Luwru. Do dziś zachowało się tu jedno z najlepszych dzieł francuskiego romantyzmu – natchniona relacja naocznego świadka i wieczny pomnik walki ludu o wolność.

Jaki język artystyczny znalazł młody francuski romantyk, aby połączyć te dwie pozornie przeciwstawne zasady - szerokie, wszechogarniające uogólnienie i okrutną w swej nagości konkretną rzeczywistość?

Paryż słynnych dni lipcowych 1830 r. Powietrze nasycone szarym dymem i kurzem. Piękne i majestatyczne miasto, znikające w oparach puchu. W oddali ledwo zauważalne, ale dumnie wznoszą się wieże katedry Notre Dame -symbol historia, kultura, duch Francuzów.

Stamtąd, z zadymionego miasta, ponad ruinami barykad, nad trupami poległych towarzyszy, uporczywie i zdecydowanie wychodzą powstańcy. Każdy z nich może zginąć, ale krok rebeliantów jest niewzruszony – inspiruje ich wola zwycięstwa, wolności.

Ta inspirująca siła jest ucieleśniona w obrazie pięknej młodej kobiety, w namiętnym wybuchu, który ją wzywa. Z niewyczerpaną energią, swobodną i młodzieńczą szybkością ruchów przypomina grecką boginię zwycięstwa Nike. Jej silna sylwetka ubrana jest w chitonową suknię, jej twarz o doskonałych rysach, z płonącymi oczami zwrócona jest ku buntownikom. W jednej ręce trzyma trójkolorowy sztandar Francji, w drugiej pistolet. Na głowie czapka frygijska - starożytny symbolwyzwolenie z niewoli. Jej krok jest szybki i lekki - tak stąpają boginie. Jednocześnie obraz kobiety jest prawdziwy - jest córką Francuzów. Jest siłą przewodnią ruchu grupy na barykadach. Z niej, jak ze źródła światła i centrum energii, rozchodzą się promienie, naładowane pragnieniem i wolą zwycięstwa. Ci, którzy są blisko niego, każdy na swój sposób, wyrażają swoje zaangażowanie w to inspirujące i inspirujące wezwanie.

Po prawej chłopiec, paryski gamen, wymachujący pistoletami. Najbliższy jest Wolności i niejako rozpalony jej entuzjazmem i radością swobodnego impulsu. Szybkim, chłopięcym ruchem niecierpliwym nawet trochę wyprzedza swojego inspiratora. Oto prekursor legendarnego Gavroche'a, sportretowanego dwadzieścia lat później przez Victora Hugo w Les Misérables:

„Gavroche, pełen natchnienia, promienny, wziął na siebie puszczenie całości w ruch. Biegał w tę iz powrotem, wznosił się, upadał, wznosił się, hałasował, iskrzył się z radości. Wydawać by się mogło, że przyszedł tutaj, aby wszystkich rozweselić. Czy miał ku temu jakiś motyw? Tak, oczywiście, jego ubóstwo. Czy miał skrzydła? Tak, oczywiście, jego radość. To był rodzaj wichru. Wydawało się, że wypełnia powietrze sobą, będąc jednocześnie wszędzie obecnym... Ogromne barykady czuło to na kręgosłupie.

Gavroche na obrazie Delacroix jest uosobieniem młodości, „pięknym impulsem”, radosną akceptacją jasnej idei Wolności. Dwa obrazy – Gavroche i Liberty – zdają się dopełniać: jeden to ogień, drugi to zapalona od niego pochodnia. Heinrich Heine opowiadał, jak żywy odzew wśród paryżan wywołała postać Gavroche'a.

"Cholera! wykrzyknął kupiec. „Ci chłopcy walczyli jak olbrzymy!”

Po lewej student z pistoletem. Widziany w nim wcześniejautoportret artysta. Ten buntownik nie jest tak szybki jak Gavroche. Jego ruch jest bardziej powściągliwy, bardziej skoncentrowany, znaczący. Ręce pewnie ściskają lufę pistoletu, twarz wyraża odwagę, stanowczą determinację, by stanąć do końca. To głęboko tragiczny obraz. Uczeń zdaje sobie sprawę z nieuchronności strat, jakie poniosą buntownicy, ale ofiary go nie przerażają – wola wolności jest silniejsza. Za nim stoi równie dzielny i zdecydowany robotnik z szablą.

Jego postać jest przejściowa. Wzrok widza, wciąż zafascynowany i porwany rewolucyjną determinacją powstańców, schodzi na dół barykady, pokrytej ciałami chwalebnych poległych żołnierzy. Śmierć ukazana jest przez artystę w całej nagości i dowodach faktu. Widzimy błękitne twarze zmarłych, ich nagie ciała: walka jest bezlitosna, a śmierć jest tak samo nieuniknionym towarzyszem rebeliantów jak piękna inspiratorka Wolność.

Ale nie dokładnie to samo! Z okropnego widoku na dolnej krawędzi obrazu ponownie podnosimy wzrok i widzimy piękną młodą postać - nie! życie wygrywa! Idea wolności, ucieleśniona tak wyraźnie i namacalnie, jest tak skoncentrowana na przyszłości, że śmierć w jej imieniu nie jest straszna.

Obraz namalował 32-letni artysta pełen siły, energii, pragnienia życia i tworzenia. Młody malarz, który przeszedł szkołę w pracowni Guerina, ucznia słynnego Dawida, szukał w sztuce własnych dróg. Stopniowo staje się szefem nowego kierunku - romantyzmu, który zastąpił stary - klasycyzm. W przeciwieństwie do swoich poprzedników, którzy budowali malarstwo na racjonalnych podstawach, Delacroix starał się przede wszystkim przemawiać do serca. Jego zdaniem malarstwo powinno wstrząsać uczuciami człowieka, całkowicie go uchwycić pasją, która jest własnością artysty. Na tej ścieżce Delacroix rozwija swoje twórcze credo. Naśladuje Rubensa, lubi Turnera, jest bliski Géricaultowi, ulubionemu koloryście Francuzówmistrzowie zostaje Tintoretto. Przybyły do ​​Francji teatr angielski urzekł go inscenizacjami tragedii Szekspira. Byron był jednym z moich ulubionych poetów. Z tych zainteresowań i przywiązań powstał figuratywny świat obrazów Delacroix. Zwrócił się do tematów historycznych,historie zaczerpnięte z dzieł Szekspira i Byrona. Jego wyobraźnię pobudzał Wschód.

Ale oto zdanie w dzienniku:

„Poczułem chęć pisania na współczesne tematy”.

Delacroix stwierdza, a dokładniej:

„Chcę pisać o fabułach rewolucji”.

Mroczna i ociężała rzeczywistość otaczająca romantycznie nastawionego artystę nie dostarczyła jednak godnego materiału.

I nagle rewolucja wdziera się w tę szarą rutynę jak trąba powietrzna, jak huragan. Cały Paryż został pokryty barykadami iw ciągu trzech dni zmiotła na zawsze dynastię Burbonów. Święte Dni Lipca! wykrzyknął Heinrich Heine. czerwone było słońce, jakże wielki był lud Paryża!

5 października 1830 roku Delacroix, naoczny świadek rewolucji, napisał do swojego brata:

„Zacząłem malować na nowoczesnej działce -„ Barykady ”. Jeśli nie walczyłem za ojczyznę, to przynajmniej namaluję obraz na jego cześć.

Tak powstał pomysł. Początkowo Delacroix zamierzał przedstawić konkretny epizod rewolucji, np. „Śmierć d” Arcoli, bohatera, który poległ podczas zdobywania ratusza. Jednak artysta bardzo szybko zrezygnował z takiej decyzji. uogólnienieobraz , które ucieleśniałyby najwyższy sens tego, co się dzieje. Odnajduje w wierszu Auguste'a Barbieraalegoria Wolność w postaci „... silnej kobiety o potężnej klatce piersiowej, o ochrypłym głosie, z ogniem w oczach…”. Ale nie tylko wiersz Barbiera skłonił artystę do stworzenia obrazu Wolności. Wiedział, jak zaciekle i bezinteresownie Francuzki walczyły na barykadach. Współcześni wspominali:

„A kobiety, zwłaszcza kobiety ze zwykłych ludzi - rozpalone, podekscytowane - zainspirowane, zachęcone, zahartowane swoich braci, mężów i dzieci. Pomagali rannym pod kulami i śrutem lub rzucali się na wrogów jak lwice.

Delacroix prawdopodobnie wiedział o dzielnej dziewczynie, która zdobyła jedno z dział wroga. Następnie, ukoronowana wieńcem laurowym, została triumfalnie niesiona w fotelu ulicami Paryża, ku wiwatom ludu. Tak więc sama rzeczywistość dostarczyła gotowych symboli.

Delacroix mógł je tylko pojąć artystycznie. Po długich poszukiwaniach w końcu skrystalizowała się fabuła obrazu: majestatyczna postać prowadzi niepowstrzymany strumień ludzi. Artysta przedstawia tylko niewielką grupę buntowników, żywych i umarłych. Ale obrońcy barykady wydają się niezwykle liczni.Kompozycja jest zbudowana w taki sposób, aby grupa walczących nie była ograniczona, nie zamykała się w sobie. Jest tylko częścią niekończącej się lawiny ludzi. Artysta podaje niejako fragment grupy: kadr obrazu odcina postacie z lewej, prawej i dolnej strony.

Zwykle kolor w pracach Delacroix nabiera emocjonalnego brzmienia, odgrywa dominującą rolę w tworzeniu dramatycznego efektu. Kolory, czasem szalejące, czasem blaknące, stłumione, tworzą napiętą atmosferę. W Liberty at the Barricades Delacroix odchodzi od tej zasady. Bardzo dokładnie, jednoznacznie wybierając farbę, nakładając ją szerokimi pociągnięciami, artysta oddaje atmosferę bitwy.

Będąc jednym z najlepszych dzieł i dzieł francuskiego romantyzmu, malarstwo Delacroix pozostaje wyjątkowy w swojej treści artystycznej. „Wolność na barykadach” to jedyne dzieło, w którym romantyzm ze swoim odwiecznym pragnieniem majestatu i heroizmu, z nieufnością wobec rzeczywistości, zwrócił się ku tej rzeczywistości, zainspirował się nią i znalazł w niej najwyższy artystyczny sens. Ale odpowiadając na wezwanie konkretnego wydarzenia, które nagle zmieniło zwykły bieg życia całego pokolenia, Delacroix wykracza poza to. W procesie pracy nad obrazem puszcza wodze fantazji, odrzuca wszystko, co konkretne, przemijające, indywidualne, co może dać rzeczywistość, i przekształca to z twórczą energią.

Płótno to przywodzi nam na myśl gorące tchnienie lipcowych dni 1830 r., gwałtowne rewolucyjne powstanie narodu francuskiego i jest doskonałym artystycznym ucieleśnieniem wspaniałej idei walki ludu o wolność.

E. Varlamova