Obraz to sztalugowe dzieło malarskie, które ma niezależne znaczenie. Malarstwo sztalugowe, monumentalne, dekoracyjne Połączenie przestrzeni obrazowej obrazu z przestrzenią rzeczywistą

Obraz- dzieło malarskie, które ma charakter kompletny (w przeciwieństwie do szkicu i szkicu) i samodzielną wartość artystyczną. Składa się z podłoża (płótno, deska drewniana lub metalowa, karton, papier, kamień, jedwab itp.), podkładu i warstwy malarskiej. Obraz jest jednym z rodzajów sztuki sztalugowej. Obrazy są w różnych gatunkach. Tworząc obraz, artysta opiera się na naturze, ale ważną rolę w tym procesie odgrywa twórcza wyobraźnia. Koniec XIX wieku zaznaczył się w całej Europie nowym, dynamicznym spojrzeniem na świat. Artysta przełomu wieków musiał odpowiadać nieustannie zmieniającemu się życiu: nie tyle po to, by odzwierciedlać otaczający go świat (robi to teraz fotografia i kino), ale by móc wyrazić swoją indywidualność, swój wewnętrzny świat, swoją własna wizja na zdjęciu. Szczyty sztuki osiągnęły obrazy wybitnych malarzy. W różnych nurtach modernizmu dochodzi do utraty fabuły i odrzucenia figuratywności, przez co koncepcja obrazu ulega znacznej rewizji. Niektórzy artyści należący do różnych szkół malarskich odeszli od przedstawiania świata (ludzi, zwierząt, przyrody) takim, jakim go widzimy. Na ich obrazach świat jawi się zdeformowany, czasem zupełnie nie do poznania, ponieważ artyści kierują się bardziej wyobraźnią niż wizualnym postrzeganiem otaczających nas zjawisk.

Malarstwo odgrywa ważną rolę w rozwoju malarstwa.

Reprodukcję można też nazwać obrazem, jeśli w danym kontekście nie ma znaczenia, czy jest to kopia, czy dzieło oryginalne.

Obraz w sensie przenośnym lub bardziej ogólnym to każde kompletne, integralne dzieło sztuki, w tym żywy i żywy opis, ustny lub pisemny, poglądu na przyrodę.

Malarstwo to sztuka płaszczyzny i jednego punktu widzenia, gdzie przestrzeń i objętość istnieją tylko w iluzji. Malarstwo dzięki złożoności środków wizualnych jest w stanie wytworzyć na płaszczyźnie taką głębię iluzorycznej przestrzeni i wielowymiarowości artystycznej rzeczywistości, która nie podlega innym sposobom obrazowania. Każdy obraz spełnia dwie funkcje - obrazową i ekspresyjno-dekoracyjną. Język malarza jest zrozumiały tylko dla tych, którzy są świadomi dekoracyjno-rytmicznych funkcji płaszczyzny obrazu.

W percepcji estetycznej wszystkie funkcje obrazu (zarówno dekoracyjne, płaskie, jak i obrazowe, przestrzenne) muszą uczestniczyć jednocześnie. Prawidłowe postrzeganie i rozumienie obrazu oznacza jednoczesne, niepodzielne widzenie powierzchni, głębi, wzoru, rytmu i obrazu.

Odbiór estetyczny obrazu znacznie wzrasta, gdy jest on umieszczony w odpowiedniej ramie, oddzielającej obraz od otaczającego świata. Orientalny typ malarstwa zachowuje tradycyjną formę wolno wiszącego rozłożonego zwoju (poziomego lub pionowego). Obraz, w przeciwieństwie do malarstwa monumentalnego, nie jest sztywno związany z konkretnym wnętrzem. Można go zdjąć ze ściany i powiesić inaczej.

Głębia iluzorycznej przestrzeni obrazów

Profesor Richard Gregory opisał „dziwne właściwości obrazów”: „Obrazy są wyjątkową klasą przedmiotów, ponieważ są zarówno widoczne same w sobie, jak i jako coś zupełnie innego niż tylko kartka papieru, na której są narysowane. Obrazy są paradoksalne. Żaden przedmiot nie może znajdować się w dwóch miejscach jednocześnie; żaden obiekt nie może być jednocześnie dwuwymiarowy i trójwymiarowy. I tak właśnie oglądamy zdjęcia. Obraz ma bardzo określony rozmiar, a jednocześnie pokazuje prawdziwy rozmiar ludzkiej twarzy, budynku czy statku. Obrazy są przedmiotami niemożliwymi.

Zdolność człowieka do reagowania na nieobecne, wyimaginowane sytuacje przedstawione na obrazach jest ważnym etapem rozwoju myślenia abstrakcyjnego.

Jak powstają obrazy

Obraz to duchowy świat artysty, jego przeżycia i uczucia wyrażone na płótnie lub papierze. Trudno wytłumaczyć, jak powstają obrazy – lepiej zobaczyć to na własne oczy. Nie da się przekazać słowami, jak artysta maluje płótno, jakim pędzlem dotyka płótna, jakie farby wybiera. Podczas pracy wszystko staje się jednym: artysta, pędzel i płótno. I już po pierwszym pociągnięciu pędzla w warsztacie zaczyna działać szczególna magia malowania.

Obrazy to nie tylko malowane płótna, oddziałują na uczucia i myśli, pozostawiają ślad w duszy, budzą przeczucia.

Jak powstaje obraz?

Wydawałoby się, farby, pędzle, na płótnie. Może istnieć inna uniwersalna odpowiedź: na różne sposoby.

Metody pracy nad obrazem zmieniały się nieustannie na przestrzeni dziejów sztuki. Zupełnie inaczej pracowali artyści włoskiego renesansu niż Rembrandt czy „mały Holender” XVII wieku, inaczej działali romantycy niż impresjoniści, abstrakcjoniści, współcześni artyści realiści. Tak, w tej samej epoce, a nawet w jednym kierunku, można znaleźć wielką różnorodność.

Artystów realistów z przeszłości i teraźniejszości (jeśli rozumiemy realizm w szerokim znaczeniu tego słowa) łączy:

Stworzenie pełnoprawnego dzieła, w tym przypadku obrazu, portretu lub pejzażu, jest niemożliwe bez głębokiego studium życia, aktywnego stosunku autora do niego. Środkami artystycznego poznania życia są prace z natury, wrażenia wzrokowe, analiza i synteza zjawisk życiowych.

Stworzenie obrazu to złożony, pracochłonny proces twórczy, którego wyniki determinuje nie poświęcony czas, ale miara talentu, umiejętności artysty, siła i skuteczność oryginalnego rozwiązania figuratywnego. Najważniejszymi kamieniami milowymi w tym procesie są pochodzenie i konkretyzacja pomysłu, bezpośrednie obserwacje, szkice, szkice z natury, faktyczne pisanie obrazu z nieodzowną twórczą, aktywną obróbką materiału życiowego.

A kiedy widz podchodzi do obrazu w muzeum czy na wystawie, zanim wyrobi sobie o nim własną opinię, musi pamiętać, że za tym zawsze stoi żywy człowiek, artysta, który zainwestował kawałek swojego życia, serca, nerwów , talentu i umiejętności w pracy. Można powiedzieć, że obraz jest spełnieniem marzeń artysty.

G. S. OSTROVSKII

Kompletność obrazu

W życiu wiele dzieje się przypadkiem - na zdjęciu nie może być takich przypadków, wszystko w nim musi być dokończone, logicznie. W którym momencie obraz uznaje się za ukończony?

Impastowe posunięcie wirtuoza Rembrandta, tak wysoko cenione później iw naszych czasach, wywołało jedynie zdumienie wśród współczesnych Rembrandtowi i wywołało kpiny i dowcipy jego kosztem. Sprzeciwiając się swoim krytykom, Rembrandt podważał poprawność ich rozumienia kompletności obrazu, przeciwstawiając im własne rozumienie, które sformułował w ten sposób: obraz należy uznać za skończony, gdy artysta powiedział w nim wszystko, co chciał . Aby nie słyszeć nurtujących go pytań o „niekompletność” jego obrazów, Rembrandt przestał pozwalać na zbliżanie się do nich naiwnym gościom swojej pracowni, którzy z wielką ciekawością przyglądali się brawurowej kresce jego obrazu, przerażając ich fakt, że do obrazów nie należy podchodzić zbyt blisko, gdyż wąchanie ich farb jest niezdrowe.

Matisse o swoim obrazie:

„Staram się po prostu przenieść na płótno te kolory, które wyrażają moje uczucia. Odpowiednia proporcja tonów może sprawić, że zmienię kształt postaci lub zmienię kompozycję. Dopóki nie osiągnę tej proporcji we wszystkich częściach obrazu, patrzę i dalej pracować, aż przychodzi moment, kiedy wszystkie części nabierają ostatecznych proporcji i wtedy nie mogę dotknąć obrazu bez przerobienia go na nowo.

Począwszy mniej więcej od impresjonistów, kategorie rysunku, formy i koloru są ze sobą ściśle powiązane, rosną razem, wydają się być ciągłym procesem: rysunek i kolor, modelowanie i kompozycja, ton i linia pojawiają się i rozwijają jakby w tym samym czasie. Proces malowania obrazu może, że tak powiem, trwać w nieskończoność, moment zakończenia pracy jest nieco arbitralny: w dowolnym miejscu na płótnie artysta może go kontynuować, nakładając nowe pociągnięcia na podobne, ale leżące poniżej. Najbardziej uderzającym i konsekwentnym przedstawicielem tego systemu jest Cezanne. W listach i nagranych rozmowach wielokrotnie formułował tę mieszaną, a właściwie niezróżnicowaną metodę malowania. Pracę nad obrazem można w każdej chwili przerwać, ale praca nie straci swoich walorów estetycznych. W każdej chwili obraz jest gotowy.

Związek przestrzeni obrazowej obrazu z przestrzenią rzeczywistą

Artysta i teoretyk sztuki V. A. Favorsky w toku teorii kompozycji podkreślał, że prawdziwie artystyczne dzieło od urodzenia istnieje dwojako: jako przedmiot w otaczającej przestrzeni i jako stosunkowo zamknięty świat z własnymi relacjami czasoprzestrzennymi . W malarstwie cel ten osiąga się poprzez skoordynowanie wewnętrznej struktury obrazu z ramą, w rzeźbie z otaczającą przestrzenią (klasyczny przykład: posąg w niszy).

Aby połączyć przestrzeń obrazową z rzeczywistą przestrzenią, w której znajduje się widz, stosuje się ramę obrazu. Artyści bawią się także wielokrotnym „odtworzeniem kadru” w samym obrazie, wizualnymi rymami, powtórzeniami pionów i poziomów. Jedną z charakterystycznych technik pozwalających wizualnie „wzmocnić” obraz w granicach formatu prostokątnego jest „ścięty narożnik”. Oddzielenie malarstwa od architektury zrodziło pewien system odbioru malarstwa sztalugowego. Główną treścią obrazu jest wyraz holistycznego spojrzenia na przestrzeń. Kompozycja przekształca się w ekspozycję, w której widz staje twarzą w twarz z przekształconym światem relacji czasoprzestrzennych i widzi w nim siebie jak w lustrze. Tak więc przezroczyste szkło renesansu zamieniło się w lustro epoki klasycznej i barokowej. Cechą charakterystyczną sztuki epoki postrenesansowej jest zabawa odbiciami w lustrze, wprowadzanie w kompozycję obrazu postaci-pośredników, osób, które swoją pozycją, spojrzeniem czy gestem ręki wskazują akcję rozgrywającą się w głębi obrazu, jakby zapraszając ich do wejścia. Oprócz kadru w takich kompozycjach występuje prokenium – przednia część sceny, kulisy, następnie środek, w którym toczy się główna akcja, oraz tło – „zaplecze”.

Artysta zazwyczaj umieszcza główne postacie w środkowej płaszczyźnie obrazu, ustawiając je na mentalnej poziomej linii jak na cokole. Głębokość „warstwy przestrzennej” zależy od położenia tej poziomej linii odniesienia (w ujęciu planimetrycznym – powyżej lub poniżej dolnej krawędzi kadru). Wielokrotnie przesuwając poziom w górę, malarz tworzy pewien rytm ruchu w głąb wyimaginowanej przestrzeni. Dzięki temu nawet na niewielkim płótnie można zobrazować przestrzeń dowolnej długości dowolną liczbą postaci i przedmiotów. W takiej ekspozycji trzeba szczególnie zwrócić uwagę widza na to, że jedne obiekty są bliżej, a inne dalej. W tym celu stosuje się „wskaźniki”: redukcję perspektywy, wprowadzenie wielkoskalowych punktów orientacyjnych (małe postacie ludzi w tle), nakładanie się planów, kontrast tonalny, padające cienie ze źródła światła wewnątrz lub na zewnątrz obrazu. Kolejnym punktem odniesienia dla mentalnego ruchu widza w przestrzeni obrazu są przekątne, z których główną jest „przekątna wejściowa” (zwykle od lewej do prawej).

Obrazek w obrazku

Obrazek w obrazku

Obraz w obrazie może być używany w specjalnej funkcji kompozycji. Podobna hierarchiczna organizacja występuje w przypadku przedstawiania obrazu w obrazie (a także fresków w malowidłach ściennych itp.).

„Obraz w obrazie” to technika kompozytorska występująca w sztuce malarstwa klasycznego XVI-XVII wieku. Obrazowi w obrazie można nadać specjalne ukryte znaczenie.

Technika kompozytorska „obraz w obrazie” może wykonywać kilka zadań:

• wyrazić pomysł
• wyjaśnić fabułę
• sprzeciwiać się lub tworzyć harmonię
• być szczegółem sytuacji (wnętrza)

Bardzo często obraz tła w obrazie można rozumieć jako rodzaj obrazu w obrazie, czyli niezależny obraz zbudowany według własnych, szczególnych praw. Jednocześnie obraz tła w większym stopniu niż obraz postaci na planie głównym podlega zadaniom czysto dekoracyjnym, można powiedzieć, że często nie jest tu przedstawiony sam świat, ale scenerię tego świata, czyli przedstawia się nie sam obraz, ale obraz tego obrazu.

Dla Holendrów mapa geograficzna, gobelin, obraz, otwarte okno jako obraz zawarty w obrazie poszerzają granice świata lub służą rozwinięciu alegorycznego znaczenia głównego wątku. Vermeer, otwierając zasłonę warsztatu, staje się przewodnikiem po trzech poziomach rzeczywistości: przestrzeni widza, przestrzeni jego warsztatu, przestrzeni dzieła sztuki (płótna, które stoi na sztalugach), porównując te metamorfozy do pływania w oceanach zaznaczonych na mapie geograficznej lub latania nad lądem zaznaczonym na mapie.

Przelew rzeczywistości – sztuki – mitu można zaobserwować także u Velazqueza, który chętnie sięga po technikę „obrazu w obrazie”, czego przykładem mogą być Meninas czy Spinners.

„Obraz w obrazie” jest także w „Wenus przed lustrem” Velasqueza, ale zamglone lustro odbija tylko cień bogini miłości.

Malarstwo i rama

Każdy obraz stworzony przez artystę, z wyjątkiem starożytnych malowideł naskalnych, ma ramę. Oprawa jest niezbędną i ważną częścią kompozycji, dopełnia ją, nadaje jedność. Rama może znajdować się na tej samej płaszczyźnie co sama kompozycja obrazowa lub graficzna. Można go również stworzyć specjalnie jako rodzaj formy reliefowej za pomocą elementów dekoracyjnych, rzeźbiarskich i architektonicznych. Najczęściej są to ramki o kształcie prostokątnym, nieco rzadziej - okrągłe i owalne.

Rama pomaga odróżnić obraz od otoczenia jako coś szczególnego i godnego uwagi, ale jednocześnie łączy go z otoczeniem. Tak więc, jeśli styl ramy pokrywa się z artystycznym wyglądem, strukturą i charakterem wnętrza, w którym znajduje się obraz, przyczynia się to do integralności zespołu. W zależności od koloru, nasycenia detalami dekoracyjnymi i rzeźbiarskimi, rama znacząco wpływa na ogólne wrażenie malarskiego obrazu. Wszystko to pozwala nam mówić o jedności obrazu i ramy, w której kadrowanie pełni oczywiście nie główną, ale bardzo niezbędną funkcję.

Rozwój malarstwa sztalugowego był złożony. Jakże jasnym kamieniem milowym w jego historii było przejście od średniowiecza do renesansu! Najważniejsza w nim była chęć oderwania się od sztywności i abstrakcji obrazu ikonicznego, który dominował w średniowieczu. Około XIV wieku narodził się obraz we współczesnym tego słowa znaczeniu, a wraz z nim pojawiła się rama, jeszcze ubrana w koronkę gotyckiej scenerii.

Pierwsze kadry nie były całkowicie przeciwstawne całemu obrazowi i nie były od niego oderwane; materiały obu były podobne, warunkowe złocenie tła, na przykład starożytnej rosyjskiej lub bizantyjskiej ikony, przeszło na ramę, a sam obraz często „rozpryskiwał się” na nim. Wtedy granice między obrazem a ramą stawały się coraz wyraźniejsze. Niemniej jednak, jako swego rodzaju wspomnienie minionych wieków, rama zachowała swój złoty kolor. Kiedy z obrazu zniknęło złote tło, oznaczające świat boskości, złocenie ramy zaczęto postrzegać warunkowo, czyli jako niezbędny atrybut ramy, który pomagał uwypuklić obraz w pomieszczeniu, przyciągnąć do niego wzrok widza.

W renesansie dominowała idea malarstwa jako spojrzenia na świat przez okno, rama swoimi formami bardzo wyraźnie nawiązywała do panującej idei i na nią odpowiadała. Te wspaniałe, uroczyste ramy zostały wykonane według rysunków artystów w specjalnych warsztatach lub przez asystentów artysty, którzy pracowali w jego warsztacie.

W okresie renesansu malarstwo nieustannie porównywano do lustra odbijającego rzeczywistość, a rama, stworzona na wzór ozdobnej ramy lustra, jeszcze mocniej podkreślała to porównanie. Rama ta mogła być wykonana nie tylko z drewnianych listew i gipsu, ale także ze szlachetnych materiałów, w tym srebra, kości słoniowej, masy perłowej itp. Cenność materiałów zdawała się współgrać z cennością obrazu, wzmacniając go.

Dawni mistrzowie bardzo dbali o ramę, biorąc pod uwagę jej wpływ na proces pracy, czasem malowali nawet w gotowej ramie, uwzględniając określony ton i dekoracyjny rytm ramy. Dlatego kompozycje dawnych mistrzów często zyskują na wartości w oryginalnych ramach.

Obserwacje ram dawnych mistrzów pozwalają ustalić jeszcze jedną zasadę – zgodność profilu i szerokości ramy z wielkością obrazu: np. malarze holenderscy zwykli umieszczać swoje małe obrazy w dużych ramach z głębokim, przezroczystym profilowaniem , która niejako prowadzi oko do centrum obrazu i izoluje je od wpływu otoczenia

Na początku XX wieku zaczęły pojawiać się głosy wzywające do całkowitej rezygnacji z ram, jako czegoś nazbyt materialnego, „ugruntowującego” duchowość sztuki. Różni artyści awangardowi, po otrzymaniu takich wezwań, zaczęli wystawiać swoje prace bez ram. Jednak w wyniku tej innowacji same ich prace przestały być obrazami w wąskim tego słowa znaczeniu. Były to swego rodzaju „przedmioty”, „plamy”, często pozbawione wyraźnego znaczenia.

Wprawdzie teraz nie ma jednego stylu w projektowaniu ram, jak to było kiedyś, ale jest więcej niż kiedyś zgodności ramy z indywidualnym stylem artysty.

Ostatnio na wystawach sztuki można zauważyć, że inercja w stosunku do projektowania ram (niech będą, ale co nie jest tak ważne), która objawiała się w przeszłości u naszych artystów, zaczyna być przełamywana. Ramy są malowane na różne kolory, często umieszcza się na nich małe dodatkowe obrazki i napisy, malarzom pomagają rzeźbiarze - pojawiają się ramy z bogatymi motywami plastycznymi.

Format obrazu

Istnieją jednak dwa specyficzne elementy obrazu, które zdają się tworzyć przejście od płaszczyzny do obrazu, jednocześnie przynależne do realności obrazu i jego fikcji - format i kadr. Mogłoby się wydawać, że format obrazu jest tylko narzędziem artysty, a nie bezpośrednim wyrazem jego koncepcji twórczej: w końcu artysta wybiera tylko format. Tymczasem charakter formatu jest najściślej związany z całą wewnętrzną strukturą dzieła sztuki, a często wręcz wskazuje właściwą drogę do zrozumienia intencji artysty. Z reguły format jest wybierany przed rozpoczęciem pracy malarza. Ale znanych jest wielu artystów, którzy lubili zmieniać format obrazu podczas pracy, wycinając z niego fragmenty lub dodając nowe (Velasquez robił to szczególnie chętnie).

Najpopularniejszym formatem obrazu jest czworokąt, przy czym czysty kwadrat jest znacznie rzadszy niż czworokąt mniej lub bardziej wydłużony w górę lub wszerz. Niektóre epoki doceniają okrągły format (tondo) lub owalny. Wybór formatu nie jest przypadkowy, format zwykle ujawnia głęboki, organiczny związek zarówno z treścią dzieła, z jego emocjonalnym tonem, jak i kompozycją obrazu, równie wyraźnie odzwierciedla indywidualny temperament artysty i smak całej epoki. Przed każdym obrazem wyczuwamy ukryty związek przyczynowy między formatem a intencją artysty, z którego bierze się urok prawdziwego dzieła sztuki. Są obrazy, których treść jest tak zrośnięta z charakterem formatu, że najdrobniejsze przesunięcie proporcji, jak się wydaje, powinno zachwiać stylistyczną i ideową równowagą obrazu.

Ogólnie rzecz biorąc, poziomy, wydłużony format jest z pewnością bardziej odpowiedni do kompozycji narracyjnej, do sekwencyjnego rozwijania ruchu obok widza. Dlatego artyści o epickim nastroju, dążący do aktywnej kompozycji, do działania, chętnie sięgają po ten format, na przykład malarze włoscy XIV i pierwszej połowy XV wieku (zwłaszcza w kompozycjach freskowych). Wręcz przeciwnie, format kwadratowy lub taki, w którym wysokość nieco przeważa nad szerokością, jakby od razu zatrzymuje dynamikę akcji i nadaje kompozycji charakter uroczystego przedstawienia – to właśnie ten format formatu przyświecał mistrzom Wysoki renesans preferowany do ich obrazów ołtarzowych („Madonna Sykstyńska”). Z kolei przy znacznej przewadze wysokości nad szerokością kompozycja ponownie nabiera dynamiki, silnej trakcji, ale tym razem w górę lub w dół; taki wąski format szczególnie przypadł do gustu artystom arystokratycznym, dekoracyjnym (Crivelli) czy mistycznym (manierystycznym, greckim), którzy starali się ucieleśnić określone emocje i nastroje.

Nie ulega też wątpliwości powiązanie formatu z indywidualnym temperamentem artysty: zmysłowa, dynamiczna fantazja Rubensa wymaga większego formatu niż powściągliwa i uduchowiona fantazja Rembrandta. Wreszcie format jest bezpośrednio zależny od techniki malarskiej. Im szersze, swobodniejsze pociągnięcia pędzla artysty, tym bardziej naturalne jest jego pragnienie dużego formatu.

1) Obraz sztalugowy o samodzielnym znaczeniu. W przeciwieństwie do studium i szkicu, obraz jest dziełem kompletnym, efektem długiej pracy, uogólnieniem obserwacji i refleksji nad życiem. Obrazy są w różnych gatunkach. Obraz uosabia głębię intencji i treści figuratywnej. W przeciwieństwie do fresku czy miniatury książkowej, obraz nie musi być kojarzony z konkretnym wnętrzem czy systemem dekoracji.

Tworząc obraz, artysta opiera się na naturze, ale ważną rolę w tym procesie odgrywa twórcza wyobraźnia. Pojęcie obrazu stosuje się przede wszystkim do dzieł o charakterze fabularno-tematycznym, których podstawą jest obraz ważnych wydarzeń historycznych, mitologicznych lub społecznych, ludzkich działań, myśli i emocji w wielopostaciowych, złożonych kompozycjach. Dlatego w rozwoju malarstwa obraz odgrywa wiodącą rolę.

Obraz składa się z podłoża (płótno, deska drewniana lub metalowa, sklejka, karton, płyta prasowana, plastik, papier, jedwab itp.), na które nakładany jest podkład i warstwa farby. Odbiór estetyczny obrazu znacznie poprawia się, gdy zostanie on umieszczony w odpowiedniej ramie (bagietce), oddzielającej obraz od otaczającego świata. Orientalny typ malarstwa zachowuje tradycyjną formę wolno wiszącego rozłożonego zwoju (poziomego lub pionowego). Zdjęcie, w przeciwieństwie do malarstwo monumentalne, nie jest sztywno powiązany z określonym wnętrzem. Można go zdjąć ze ściany i powiesić inaczej.

Wyżyny sztuki zostały osiągnięte w obrazach wybitnych malarzy. W różnych nurtach modernizmu dochodzi do utraty fabuły i odrzucenia figuratywności, przez co koncepcja obrazu ulega znacznej rewizji. Coraz szerszy wachlarz prac malarskich XX wieku. zwane obrazami. Malarstwo jest jednym z najbardziej typowych rodzajów sztuki sztalugowej. Johann Wolfgang Goethe napisał: „Obrazy to nie tylko malowane płótna, oddziałują na uczucia i myśli, pozostawiają ślad w duszy, budzą złe przeczucia”.

Reprodukcja lub kopia oryginalnego obrazu może być również nazwana obrazem, jeśli w danym kontekście nie ma znaczenia, czy jest to kopia, czy oryginalne dzieło. Na przykład: „W korytarzu wisiało kilka obrazów”.

2) W sensie przenośnym lub bardziej ogólnym - każde kompletne, integralne dzieło sztuki, w tym - żywy i barwny opis, ustny lub pisemny, piękny widok natury.

3) W utworze muzyczno-teatralnym - część aktu oddzielona nie przerwą, ale krótką pauzą, podczas której na krótko opada kurtyna.

4) W muzyce - oznaczenie utworów instrumentalno-symfonicznych, które charakteryzują się szczególną konkretnością, wizualizacją obrazów muzycznych; czasami takie utwory należą do gatunku muzyki programowej.

5) W budownictwie element pokrycia dachowego, którego krawędzie są przygotowane do połączenia na rąbek. Stosowane są w dachach spadzistych. W zależności od technologii wykonuje się ją metodami ręcznymi lub maszynowymi. Istnieją obrazy do zwykłego pokrycia, a także obrazy do nawisów gzymsów, rynien ściennych, rynien, dolin itp.

„Sztuka jest tą samą potrzebą człowieka, co jedzenie i picie. Potrzeba piękna i kreatywności, które go ucieleśniają, jest nierozerwalnie związana z człowiekiem” – napisał F. M. Dostojewski.

Rzeczywiście, historia świadczy o tym, że człowiek zawsze był nierozerwalnie związany ze sztuką. W górach, w jaskiniach różnych krajów świata zachowały się starożytne malowidła naskalne. Te ekspresyjne rysunki zwierząt i myśliwych powstały w czasach, gdy ludzie nie potrafili pisać.

Zabytki sztuki mówią nam, jak wielkie znaczenie miała ona w życiu człowieka i ludzkiego społeczeństwa. Starożytni Grecy stworzyli piękny mit o Muzach – wiecznie młodych siostrach, uosabiających sztukę i naukę. Melpomene – muza tragedii, Thalia – komedia, Terpsichore – taniec, Clio – muza historii… Mit głosi, że gdy bóg Apollo – patron sztuki, poezji i muzyki – pojawił się w towarzystwie muz, wtedy wszyscy przyroda słuchała ich śpiewu... Muzyka, muzeum - te słowa pochodzą od słowa Muza.

Poetycki mit siostrzanych muz nie stracił na znaczeniu. Każdy rodzaj sztuki ma swoje własne środki wyrazu: w muzyce jest to dźwięk, w sztukach plastycznych jest to kolor, linia itp., w literaturze jest to słowo. Ale związana z tym istota wszelkiego rodzaju polega na tym, że sztuka jest jedną z form świadomości społecznej, która opiera się na figuratywnym odzwierciedleniu zjawisk rzeczywistości.

Sztuki wizualne związane z percepcją wzrokową to: malarstwo, grafika i rzeźba. Sztuki te tworzą obraz na płaszczyźnie (malarstwo i grafika) oraz w przestrzeni (rzeźba).

Obraz, rysunek, grafika, rzeźba, które mają znaczenie niezależne, to znaczy nie są związane z żadnym zespołem artystycznym ani nie mają czysto praktycznego celu, nazywamy prace sztalugowe. Definicja ta pochodzi od słowa „maszyna” (w tym przypadku sztaluga), na której podczas malowania obrazu umieszczane jest płótno. I nawet fakt, że obraz koniecznie wstawiony jest w ramę, podkreśla niezależność, czyli izolację malarstwa sztalugowego od otoczenia. Kadr oddziela obraz, stwarza możliwość postrzegania go jako samodzielnej artystycznej całości. W książce reprodukowane są niektóre obrazy sztalugowe.

W przeciwieństwie do maszyny malarstwo monumentalne swoim przeznaczeniem i charakterem związany jest z zespołem architektonicznym. Freski, mozaiki, panele, witraże organicznie wkraczają w architekturę, dopełniając i wzbogacając wystrój wnętrza lub całego budynku. Doskonałymi przykładami malarstwa monumentalnego są freski Rafaela w Pałacu Watykańskim, obrazy Michała Anioła w Kaplicy Sykstyńskiej. Malarstwo monumentalne osiągnęło najwyższy poziom w sztuce bizantyjskiej i staroruskiej.

W naszych czasach malarstwo monumentalne jest szeroko stosowane w pałacach kultury, klubach, teatrach, stacjach metra, dworcach kolejowych itp. Wielu z was widziało mozaiki w metrze, wykonane według szkiców P. Korina, A. Deineki i innych Radzieccy mistrzowie. Malowidła wnętrz Dworca Autobusowego i Muzeum Sił Zbrojnych w Moskwie (artysta Yu. Korolow), polichromie Muzeum Ciołkowskiego w Kałudze (grupa artystów pod kierunkiem A. Wasniecowa), witraże mistrzów litewskich, gonione panele gruzińskich artystów zdobiły wiele nowych budynków w naszych miastach.

Monumentalna sztuka współczesnego Meksyku zdobyła międzynarodową sławę. Mozaiki Siqueirosa i innych wielkich artystów odzwierciedlają heroiczną walkę narodu meksykańskiego o niepodległość.

Nie zawsze da się wytyczyć ostrą granicę między sztalugą a monumentalnym dziełem sztuki. Wyjaśnia to fakt, że malarstwo sztalugowe często ma charakter monumentalności. A monumentalne dzieła mają niekiedy znaczenie niezależne, postrzegane jako gotowe obrazy sztalugowe.

Nadal istnieje bardzo duży obszar sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Są to artystycznie wykonane meble, naczynia, ubrania, tkaniny, dywany, hafty, biżuteria itp. Jednak niektóre rodzaje sztuki i rzemiosła (gobelin, gobelin, rzeźba dekoracyjna) można również uznać za samodzielne dzieła. Malarstwo, które ma na celu udekorowanie lub ujawnienie projektu i przeznaczenia przedmiotu i nie ma wyraźnie niezależnego znaczenia, nazywa się dekoracyjnym.

Tak więc malarstwo dzieli się na sztalugowe, monumentalne i dekoracyjne.

KARYKATURA(wł. caricatura, od caricare - ładować, wyolbrzymiać) - gatunek sztuki plastycznej wykorzystujący środki satyry i humoru, groteski, karykatury do krytycznej oceny wszelkich zjawisk społecznych, politycznych i domowych lub konkretnych osób i wydarzeń. Komiczny efekt karykaturalnego obrazu powstaje poprzez wyolbrzymienie i wyostrzenie charakterystycznych cech, nieoczekiwane porównania, porównania, metafory, połączenie rzeczywistości z fantastyką. Karykatura wykorzystywana jest głównie w grafice prasowej i czasopismowej, ale odnajduje również swoje miejsce w malarstwie satyrycznym i drobnej plastyce, na plakacie, a nawet w malarstwie monumentalnym. Karykaturę można spotkać w sztuce ludowej, zwłaszcza w luboku. Wybitnymi rysownikami byli J. Effel (Francja), X. Bidstrup (Dania), Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov - Rosja).

OBRAZ- sztalugowe dzieło malarskie, które ma samodzielną wartość. W przeciwieństwie do studium i szkicu, obraz jest dziełem kompletnym, wynikiem długiej pracy artysty, uogólnienia obserwacji oraz głębi intencji i figuratywnej treści. Tworząc obraz, artysta opiera się na naturze, ale ważną rolę w tym procesie odgrywa twórcza wyobraźnia. Pojęcie obrazu odnosi się przede wszystkim do dzieł o charakterze fabularno-tematycznym, których podstawą jest przedstawienie ważnych wydarzeń historycznych, mitologicznych lub społecznych, ludzkich działań, myśli i emocji w wielopostaciowych, złożonych kompozycjach. Dlatego w rozwoju malarstwa obraz odgrywa wiodącą rolę. Obraz składa się z podłoża (płótno, deska drewniana lub metalowa, sklejka, karton, płyta prasowana, plastik, papier, jedwab itp.), na które nakładany jest podkład i warstwa farby. Odbiór estetyczny obrazu znacznie poprawia się, gdy zostanie on umieszczony w odpowiedniej ramie (bagietce), oddzielającej obraz od otaczającego świata. Orientalny typ malarstwa zachowuje tradycyjną formę wolno wiszącego rozłożonego zwoju (poziomego lub pionowego). Obraz, w przeciwieństwie do malarstwa monumentalnego, nie jest sztywno związany z konkretnym wnętrzem. Można go zdjąć ze ściany i powiesić inaczej. Szczyty sztuki osiągnęły obrazy wybitnych malarzy. W różnych nurtach modernizmu dochodzi do utraty fabuły i odrzucenia figuratywności, przez co koncepcja obrazu ulega znacznej rewizji. Coraz szerszy wachlarz prac malarskich XX wieku. zwane zdjęciami.

GALERIA SZTUKI- muzeum sztuki, które eksponuje wyłącznie lub głównie dzieła malarstwa. Galeria sztuki nazywana jest także działem malarstwa w dużych muzeach i salach pałacowych przeznaczonych na kolekcje malarstwa. W starożytnej Grecji magazyn obrazów nazywano Pinakoteką, a później nazywano tak duże kolekcje obrazów, czyli galerie sztuki. Wiele największych muzeów sztuki na świecie to galerie sztuki i noszą nazwę galerii, w tym National Gallery w Londynie, National Gallery of Art w Waszyngtonie, Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie i inne.

SZCZOTKA- narzędzie artysty, głównie malarza, jakim jest długopis ze stosem na końcu. Pędzle do malowania są zwykle używane z włosia: włosia (z włosia białej świni), kolinsky (z włosia kuny czerwonej - kolumny), wiewiórki, fretki itp. Do malowania akwarelami odpowiednie są pędzle z cienkiego i miękkiego włosia do obróbki drobnych detali, np. wiewiórki. Do malowania gwaszem, temperą, farbami olejnymi wybiera się pędzle z twardego włosia. W dawnych czasach artyści używali pędzla borsuka zwanego fletem, którym wygładzali powierzchnię farby, niszcząc rysy pozostawione na farbie przez pędzel z włosia. Pędzle są okrągłe i płaskie, z krótkim i długim włosiem, twarde i miękkie. Na każdym pędzlu znajdują się pifra (1, 2, 3 itd.). Im większa liczba, tym większy pędzel. Końcówki włosów na szczotce muszą być spiczaste, a nie obcięte. Włosy powinny być ułożone tak, aby leżały równolegle i nie wystawały na boki. Dobry pędzel zachowuje swój kształt nawet po umyciu wodą, a zły kręci się nawet po zanurzeniu w farbie. Taki pędzel w ogóle nie nadaje się do malowania. Ostatnio artyści preferują płaskie pędzle, które dają bardziej zdefiniowane pociągnięcie pędzla. Obecnie szeroką i płaską szczotkę nazywa się fletem. Służy do malowania dużych powierzchni i gruntowania płócien. Pędzle są również wykorzystywane w grafice i kaligrafii.

KICZ(niemiecki kicz - litery, hack, zły gust) - produkty pseudoartystyczne, które odpowiadają niskiemu gustowi artystycznemu i nierozwiniętym potrzebom estetycznym. Kicz charakteryzuje się jaskrawością koloru, eklektyzmem, redundancją wystroju, podróbkami szlachetnych materiałów. Przejawy kiczu są możliwe we wszystkich rodzajach sztuk plastycznych, ale najczęściej spotyka się je w masowej produkcji artystycznej, przemyśle pamiątkowym, w grafice drukowanej masowo i niektórych rodzajach rzemiosła artystycznego.

KLASYCZNY(z łac. classicus - wzorcowy) - w historii sztuki epoka największego rozkwitu sztuki antycznej w V-IV wieku. pne mi. Sztuka klasyczna - sztuka starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu w okresie ich rozkwitu, a także sztuka europejskiego renesansu i klasycyzmu, która bezpośrednio opierała się na starożytnych tradycjach. W epoce klasyków ukształtowały się główne porządki architektoniczne, rozwinęła się regularna urbanistyka, rozkwitła rzeźba monumentalna, nierozerwalnie związana z architekturą, kwitło rzemiosło zdobnicze. Wizerunki harmonijnych ludzi, obdarzonych zarówno fizycznym, jak i duchowym pięknem, tworzyli najwięksi rzeźbiarze Myron, Poliliklet, Fidiasz, Praksyteles, Skopas. Malarstwo (Polygnotus) było wysoko rozwinięte w sztuce klasycznej. w V wieku pne mi. powstały najdoskonalsze dzieła architektoniczne starożytnej Grecji – świątynie Partenonu (architekci Iktin i Kallikrat) oraz Erechtejon, położone na Akropolu w Atenach, odznaczające się artystyczną jednością całości i wszystkich detali architektonicznych i rzeźbiarskich. Sztuka klasyczna kojarzona jest z rozkwitem Aten i innych miast-państw, w których istniał system demokracji niewolniczej.

KLASYCYZM(z łac. classicus – wzorowy) – styl artystyczny sztuki europejskiej XVII-XIX wieku, którego jedną z najważniejszych cech było odwołanie się do sztuki antycznej jako najwyższego wzorca i oparcie się na tradycjach wysokiego renesansu. Sztuka klasycyzmu odzwierciedlała idee harmonijnej struktury społeczeństwa, ale pod wieloma względami zatraciła je w porównaniu z kulturą renesansu. Konflikty jednostki i społeczeństwa, ideału i rzeczywistości, uczuć i rozumu świadczą o złożoności sztuki klasycyzmu. Formy artystyczne klasycyzmu charakteryzują się ścisłą organizacją, równowagą, klarownością i harmonią obrazów. Architekturę klasycyzmu charakteryzuje układ porządkowy inspirowany wzorami antycznymi, wyrazistość i geometryczna poprawność brył i układu, portyki, kolumny, posągi i płaskorzeźby wyróżniające się na powierzchni ścian. Wybitnym dziełem architektury, łączącej klasycyzm i barok w jeden podniosły styl, był zespół pałacowo-parkowy w Wersalu – rezydencja królów francuskich (druga połowa XVII wieku). W malarstwie logiczne rozwinięcie fabuły, wyraźna zrównoważona kompozycja, wyraźne przeniesienie objętości, podrzędna rola koloru za pomocą światłocienia, użycie lokalnych kolorów (N. Poussin, K. Lorrain) uzyskały główną znaczenie. Wyraźne rozgraniczenie planów w pejzażach ujawniało się również za pomocą koloru: pierwszy plan miał być brązowy, środkowy zielony, a dalszy niebieski.

§№5. Sztuki przestrzenne. Obraz.

Powtórzyć pytania?

1. Co to jest grafika?
2. Jakie znasz sposoby wyrażania grafiki?
3. Jakie jest znaczenie terminów:

• litografia,
• drzeworyt,
• wydrukować,
• rytownictwo,
• szyna?

Obraz- jeden z najstarszych rodzajów sztuk plastycznych, związany z przekazywaniem obrazów wizualnych poprzez nakładanie farb na stałe lub elastyczne podłoże; tworzenie obrazu przy użyciu technologii cyfrowej; a także dzieła sztuki wykonane w ten sposób.

Początki malarstwa.

Do naszych czasów zachowały się wizerunki zwierząt i ludzi wykonane w epoce prymitywnego społeczeństwa na ścianach jaskiń. Od tego czasu minęło wiele tysiącleci, ale malarstwo zawsze pozostało niezmiennym towarzyszem życia duchowego człowieka. W ostatnich stuleciach jest niewątpliwie najpopularniejszym ze wszystkich rodzajów sztuk plastycznych.

Funkcje malowania:

• Kognitywny
• estetyka
• religijny
• ideologiczny
• Społeczne i edukacyjne
• emocjonalny

Adrian van Ostade. Warsztat artysty. 1663. Drezno.

Rodzaje malowania:

Klasyfikacja malowania według użytego materiału:

Klasyfikacja malarstwa według techniki:

• A la Prima (Alla Prima)
• Grisaille
• Glazura
• Puentylizm
• Sucha szczotka
• Sgraffito

Techniki malarskie są prawie niewyczerpane. Wszystko, co pozostawia na czymś ślad, jest ściśle mówiąc malarstwem: „malarstwo tworzy natura, czas i człowiek”. Leonardo da Vinci.

Malarstwo sztalugowe.

malarstwo sztalugowe - rodzaj malarstwa, którego prace mają niezależne znaczenie i są postrzegane niezależnie od otoczenia. Dosłownie - obraz, tworzony na maszynie (sztaludze).

Dzieło malarstwa sztalugowego - obraz - powstaje na podłożu niestacjonarnym (w przeciwieństwie do monumentalnego) i nieużytkowym (w przeciwieństwie do dekoracyjnego) (płótno, tektura, tektura, papier, jedwab) i implikuje samodzielną i nie uwarunkowane postrzeganiem otoczenia.

Malarstwo monumentalne i dekoracyjne.

malarstwo monumentalne - malowanie na obiektach architektonicznych i innych podłożach stacjonarnych.

Malarstwo monumentalne to najstarszy rodzaj malarstwa, znany z paleolitu (malowidła w jaskiniach Altamira, Lasko itp.). Dzięki stacjonarności i długowieczności dzieł malarstwa monumentalnego zachowały się liczne jego próbki z niemal wszystkich kultur tworzących rozwiniętą architekturę, a czasem służą jako jedyny zachowany typ malarstwa epoki.

Główne techniki malarstwa monumentalnego:

• malowidła ścienne
• Fresk na mokrym tynku
• Fresco a secco
• malowanie woskiem
• Mozaika
• witraż

ORAZ. B. W.

A. Zbawieni przez Wszechmogącego. Malowidło na kopule kościoła Przemienienia Pańskiego Zbawiciela na ulicy Ilyina w Nowogrodzie Wielkim. Teofan Grek. 1378 rok. B. Marca Chagalla. Obrazy teatru żydowskiego w Moskwie. W. Marca Chagalla. Malowidło sufitowe Opery Paryskiej.

Malarstwo miniaturowe.

Miniaturowy(z łac. minium – czerwone farby stosowane przy projektowaniu rękopiśmiennictwa) – w sztukach wizualnych, małych formach malarskich, rzeźbiarskich i graficznych, a także sztuce ich tworzenia.

malarstwo miniaturowe również powszechne na wschodzie. W Indiach, w okresie imperium Mogołów, miniatura Radżastanu stała się powszechna. Była to synteza wspólnej twórczości mistrzów indyjskich i perskich.

Gatunki malarskie:

• Animalistyczne - obrazy zwierząt, ptaków, owadów i innej fauny.
• Abstrakcja - obraz kompozycji nieobiektywnych.
• Bitwa - obrazy operacji wojskowych i bitew.
• Gospodarstwo domowe - obraz codziennych scen.
• Historyczny - wizerunek historycznie znanych osób i wydarzeń.
• Marina - pejzaż morski.
• Mistyczno-fantastyczne - kompozycje o surrealistycznej treści.
• Martwa natura (martwa natura) - obraz przedmiotów gospodarstwa domowego.
• Portret - wizerunki ludzi.
• Krajobraz - obraz dzikiej przyrody.
• Religijne - kompozycje o treści religijnej.

Praktyczne zadanie:

1. Znajdź w literaturze obrazy odpowiadające każdemu z wymienionych gatunków.
2. Opisz te prace w formie tabeli:

Gatunki	Nazwa obrazu, mozaiki, witrażu...		Przynależność do rodzaju malarstwa	Przynależność do stylu lub epoki historycznej.
animalistyczny
Abstrakcyjny
Bitwa
Domowy
Historyczny
przystań
fikcja mistyczna
Martwa natura
Portret
Sceneria
Religijny