Na naszych zajęciach z malarstwa szczególną uwagę przywiązujemy do martwych natur, wykonanych w r technika malarstwa dekoracyjnego.
Malarstwo dekoracyjne to różnorodny i obszerny temat. W opracowanym przez naszych nauczycieli cyklu lekcji dotyczących nauki technik dekoracyjnych do pracy z farbami. Dla przykładu przygotowano specjalne martwe natury, na których można wyraźnie pokazać różne techniki i cechy stylu dekoracyjnego.
Celem zadania jest dekoracyjna martwa natura.
- Naucz się przedstawiać przedmioty za pomocą malarstwa dekoracyjnego.
- Opanuj umiejętności przekształcania, dzielenia i układania kwiatów w kształcie.
- Wypróbuj różne techniki malowania dekoracyjnego.
Panuje powszechne przekonanie, że dekoracyjne style obrazkowe nie pasują do akademickiego programu nauczania i są sprzeczne z podstawowymi zasadami malarstwa. W rzeczywistości jest to głębokie nieporozumienie. Wszystkie metody i zasady stylu dekoracyjnego wypływają bezpośrednio z programu akademickiego i są jego dalszym rozwojem oraz ciągłą ewolucją całej sztuki akademickiej.
Na pierwszy rzut oka uproszczone modelowanie i brak realistycznego obrazu może przedstawiać nieprawidłowy obraz. Dekoracyjne wykonanie dzieła stawia wiele innych, bardziej złożonych zadań.
Malarstwo dekoracyjne to dogłębne studium lokalnego kolorytu, kompozycja plam barwnych, poszukiwanie wyrazistych akcentów i efektownych rozwiązań przestrzennych.
Artysta jest zobowiązany do jak najdokładniejszego przekazania obrazu, wrażenia prawdziwego modela, przy użyciu minimum środków. Konieczne jest pokazanie objętości przedmiotu, materiału, faktury, bez uciekania się do klasycznego modelowania. Wartość analizy kształtu przedmiotu wzrasta, konieczne jest wybranie i wymodelowanie stylizowanego obrazu, który przenosi obiekt z obrazu realistycznego na płaszczyznę barw.
W malarstwie dekoracyjnym linia nabiera większego znaczenia, który staje się pełnoprawnym uczestnikiem obrazu i wraz z kolorem i tonem uczestniczy w tworzeniu ogólnej kompozycji. Zmiana grubości i wyrazistości linii wyraźniej podkreśla objętość i plastyczność przedmiotu.
Również duża różnorodność może przynieść zmianę kształtu i częstotliwości nakładania kreski, która natychmiast zamienia powierzchnię płótna w dekoracyjną taflę lub mozaikę.
Na pierwszym etapie zapoznawania się z możliwościami malarstwa dekoracyjnego polecamy namalowanie serii martwych natur, ponieważ w martwych naturach można wybierać kombinacje przedmiotów i tkanin, aby obrazowo zademonstrować techniki stylu dekoracyjnego.
Rodzaje dekoracyjnej martwej natury.
Istnieje kilka powszechnych technik, które sprawdziły się w praktyce iw procesie uczenia się. Nazwy dobierane są warunkowo, gdyż we współczesnym malarstwie nie ma jasnej, międzynarodowej klasyfikacji stylów i jednolitych nazw.
Malowanie ze skrawków. Wszystkie kombinacje kolorystyczne w tej technologii są przedstawiane jako osobne segmenty, podkreślające strukturę obiektów i ukazujące ich najbardziej wyraziste właściwości. Często używane są czyste kolory i mapowanie przestrzeni planarnej.
Malarstwo z wyraźnie zarysowanym konturem. Dla wzmocnienia relacji formy i koloru stosuje się tzw. „metodę witrażową”, polegającą na obrysowaniu czarnymi lub ciemnymi liniami wszystkich obiektów i punktów załamania formy, tworząc wyraźne kontury i granice między kolorami. Prace wykonane w tej technice są bardzo efektowne i jasne.
Inne techniki zdobnicze opierają się na połączeniach czystych kolorów, różnego rodzaju zmianach kreski, użyciu szpachli, szerokich pędzli i innych narzędzi. Format artykułu nie pozwala na opisanie każdej techniki i metody nakładania farby. Możesz dowiedzieć się więcej odwiedzając nasze zajęcia.
Wiadomo, że zdjęcia martwej natury są dość powszechne. Często wielu fotografów lubi przedstawiać swoje martwe natury w czerni i bieli. Aby to zrobić, musisz znajdować przedmioty, porównywać przedmioty codziennego użytku w swoim otoczeniu, a także podkreślać różnice w teksturach i odcieniach. Konwersja do czerni i bieli daje wiele opcji podczas przeglądania samego zdjęcia.
Czarno-biała martwa natura pozwala skupić się na liniach fotografii, fakturach i formach. W tym przypadku znacznie łatwiej jest skupić się na tych elementach, ponieważ nie ma potrzeby rozpraszania się kolorami. Dobre wykorzystanie tej techniki nie tylko da bardziej obiektywny obraz pod względem jego integralności, ale także zwiększy napięcie między różnymi obiektami i materiałami. Takie kombinacje można znaleźć wszędzie, na przykład w parku, na plaży itp. Możesz robić zdjęcia dowolnych obiektów. Dodatkowo możesz fotografować obiekty w parach lub w większej liczbie. Należy zauważyć, że nie zaleca się stosowania tych samych metod konwersji zdjęcia na czarno-białe.
Aby stworzyć czarno-białą martwą naturę, musisz mieć:
Czarno-białą martwą naturę można malować na różne sposoby. Może wyglądać jak standardowy szkic ołówkiem lub ciekawa ilustracja plam lub liter. Dzisiaj porozmawiamy o różnych technikach, które z łatwością możesz powtórzyć w domu.
Nakrapiany wzór
Czarno-białe martwe natury są najczęściej wykonywane jako dekoracyjne. Czemu? Tak, bo wygląda tak dobrze. Realistyczny obraz, pozbawiony kolorów, może wyglądać odpowiednio, jeśli jest to portret, ilustracja lub coś podobnego, z wieloma szczegółami. Realistyczna martwa natura nie jest zbyt interesująca do rozważenia. Dlatego wielu artystów preferuje prace dekoracyjne. Martwa natura czarno-biała jest rysowana bardzo prosto. Najpierw musisz zbudować kompozycję. Możesz czerpać z natury, co będzie łatwiejsze, lub wymyślić oprawę w swojej wyobraźni. W naszym przypadku na stole stoi dzbanek i miska jabłek. Kokarda i draperia wiszą na ścianie. Gdy to wszystko znajdzie odpowiednie miejsce na arkuszu i dopracowane zostaną szczegóły, można przystąpić do dzielenia obiektów na części. Co więcej, należy to zrobić nie chaotycznie, ale wyraźnie przemyślane, tak aby białe części sąsiadowały z czarnymi i żaden z obiektów nie zginął.
rysowanie linii
Martwą naturę czarno-białą można malować różnymi technikami. Jednym z nich jest obraz rysunku za pomocą linii. Aby narysować taki obraz, musisz wziąć obiekty o wyraźnie określonej teksturze. Jeśli tak nie jest, ulgę trzeba będzie wymyślić. Musisz zacząć rysować czarno-białą martwą naturę, budując kompozycję. Najpierw przedstawiamy wszystkie elementy. W naszym przypadku jest to kubek z kwiatami, jabłkami i drewnianym stołem. Gdy wszystkie elementy zajmą swoje miejsca, zaczynamy dopracowywać kształt, a następnie szczegóły. Ostatnią akcją jest obraz tekstury. Kubek nabiera poziomych pasków, kwiatów i jabłek - ścięta obwódka. Pamiętaj, aby pokazać teksturę stołu. Wskazane jest łączenie linii poziomych i pionowych w martwej naturze, aby obiekty nie łączyły się, ale wyróżniały się na tle siebie.
Rysowanie z liter
Ten obraz będzie wyglądał jak czarno-biała grafika. Martwa natura składa się z liter, które płynnie przechodzą w słowa, a nawet zdania. Jak narysować tak oryginalną dekoracyjną kompozycję? Najpierw musisz narysować szkic. Nakreśl kubek oraz gazetę, które będą leżeć w tle. Następnie musisz podzielić rysunek tonami. Na przykład kawa w kubku powinna mieć najbardziej nasycony ton, drugie miejsce zajmuje padający cień, a trzecie jest twoje. W ten sposób można podzielić cały szkic liniami. Następnie, jeśli jesteś pewien swoich umiejętności, możesz pomalować rysunek długopisem żelowym, a jeśli martwisz się, że coś się nie uda, najpierw wykonaj podmalowanie liter ołówkiem. To prawda, że \u200b\u200bw tym przypadku litery będą musiały być zakreślone atramentem. Długopis żelowy nie rysuje dobrze ołówkiem. Litery powinny być nałożone na siebie zgodnie z kształtem obiektów. I pamiętaj, aby bawić się wysokością i szerokością. Jedno słowo może być bardzo wąskie, a inne dwa lub trzy razy większe. Możesz zaszyfrować niektóre frazy w takim obrazie lub możesz napisać dowolne słowa.
Jak każdy inny gatunek fotografii, martwa natura jest niemożliwa bez kompozycji. Co więcej, martwa natura jest właśnie gatunkiem, w którym kompozycja odgrywa pierwszoplanową rolę i wymaga największej uwagi ze strony fotografa. W końcu kadr reporterski można wiele wybaczyć, jeśli autor uchwycił naprawdę dobry moment. A zdjęcia domowe - czy zauważyliście, jak wzruszają się matki, kiedy widzą swoje dziecko na fotografii, choć przeciętnej? Jest mało prawdopodobne, że na taką samą pobłażliwość ze strony publiczności będziemy czekać, fotografując pomarańczę z butelką. Aby uzyskać pozytywny efekt, musisz spróbować. I oczywiście powinieneś zacząć od kompozycji zamierzonej ramy.
Relatywnie rzecz biorąc, kompozycja w martwej naturze jest harmonijnym połączeniem i interakcją obiektów w kadrze. Poprzez kompozycję możesz konsekwentnie pokazać widzowi wszystko, co chciałeś, stworzyć nastrój, przekazać pomysł, a nawet opowiedzieć historię.
Kompozycję w martwej naturze można warunkowo podzielić na kilka typów:
- geometryczny
- przestrzenny
- kolor
kompozycja geometryczna
Nie jest tajemnicą, że wszystkie obiekty mają kształt geometryczny (lub zbliżony do geometrycznego). Nie jest też tajemnicą, że każda postać kojarzy się z czymś charakterystycznym dla niej. Na przykład rogi są podświadomie kojarzone ze wskaźnikami. Kiedy długo patrzysz na kwadrat lub prostokąt, pojawia się poczucie stabilności (może dlatego, że nasza podświadomość rysuje stabilny budynek). A krąg stwarza uczucie komfortu i koi. Warto pamiętać, że linie poziome (osoba leżąca) są znacznie spokojniejsze niż linie pionowe (osoba stojąca). Jeśli chodzi o przekątne, to linie wznoszące się – prowadzące od lewego dolnego rogu do prawego górnego – wyglądają bardziej intensywnie niż te opadające: wciąż czytamy od lewej do prawej, a nasze oczy muszą „wspinać się” po obrazku, by dotrzeć do bardzo wysoko. Ale jest w tym ukryte poczucie zwycięstwa, prawda?! Linie opadające, biegnące od lewego górnego rogu do prawego dolnego, wręcz przeciwnie, tradycyjnie kojarzą się z odprężeniem, smutkiem, a nawet upadkiem.
 |
 |
Wszystkie te małe sztuczki można i należy wykorzystać do własnych celów - aby przekazać koncepcję, ideę obrazu.
Wybór przestrzeni
Jeśli istnieje potrzeba podkreślenia jakiegoś obiektu w martwej naturze, przypisania mu roli bohatera, tutaj również można pobawić się kompozycją przestrzenną. Na przykład umieść główny obiekt na pierwszym planie, przed wszystkimi innymi. Lub dostosuj światło tak, aby wiodący element był oświetlony najjaśniej, a obiekty, które są za i przed nim, były oświetlone słabiej. I możesz zrobić to mądrzej - zapal kadzidełko lub wypuść dym z papierosa, rysując w kadrze perspektywę powietrzną: główna uwaga skupi się na obiektach z przodu, ponieważ te odległe utoną w romantycznej mgle.
Możesz także pobawić się technicznymi aspektami aparatu: jeśli chcesz szczegółowo pokazać każdy obiekt, w tym tło czy draperie, fotografowanie powinno odbywać się przy zamkniętej przysłonie. Ale jeśli ważne jest, aby wyróżnić jeden obiekt, przysłona powinna być maksymalnie otwarta. Nie należy również lekceważyć możliwości optyki: w kadrach wykonanych obiektywami szerokokątnymi obiekty są mocno zniekształcone, a im obiekt bliżej aparatu, tym większy wyda się w stosunku do odległych. I odwrotnie, dłuższe ogniskowe „zbierają” perspektywę, przestrzeń staje się znacznie bardziej płaska.
Kompozycja kolorystyczna
Jeśli fotografia jest wykonywana w trybie czarno-białym, wiedza o właściwościach naświetlania kolorów nie będzie dla nas przydatna. Ale jeśli praca fotograficzna jest zaplanowana w kolorze, nie należy ignorować tego obszaru badań. Zwracając nasze oczy na psychologię koloru, zobaczymy, że każdy z kolorów ma, oprócz swojego pierwotnego koloru, swój własny ładunek semantyczny. Ciepłe kolory (pomarańczowy, żółty, czerwony, terakota) kojarzą nam się z latem, słońcem, ciepłem. To pierwsze skojarzenie, które nasuwa się patrząc na zdjęcie rozwiązane w tych tonach. Ponadto z przebiegu malowania można się dowiedzieć, że takie obiekty wydają się wizualnie bliższe. Czego nie można powiedzieć o zimnych kolorach: niebieskim, zielonym, różowym, fioletowym – kolory te nieco oddalają obiekt od widza, a kojarzą się zazwyczaj z zimą, zimnem, wodą.
Trzeba pamiętać o kontraście, czasem można na nim pograć, ale często nieprzemyślane zestawienia kolorystyczne odpychają lub zniekształcają sens całej produkcji. Jeśli zdecydujesz się sfotografować ogórka na pomarańczowym tle, zastanów się, czy tło będzie zwracało na siebie uwagę. I czy to naprawdę chciałeś osiągnąć? Trzeba też pamiętać, że każdy przedmiot ma zdolność odbijania lub pochłaniania odcieni kolorów pobliskich obiektów, a nawet dwa obiekty tego samego koloru na tym samym tle mogą wyglądać inaczej właśnie ze względu na różnicę w ich fakturze.
Nasycenie kolorów ma również wpływ na widza: kompozycje w delikatnych pastelowych kolorach stworzą uczucie spokoju i nostalgii, podczas gdy jasne, jaskrawe kolory, wręcz przeciwnie, nadają się do przyciągania uwagi, przekazywania ekspresji, asertywności. Dlatego jasne kolory są tak kochane przez fotografów reklamowych, podczas gdy fotografia artystyczna często skłania się ku stonowanej, spokojnej tonacji.
Oczywiście każda kompozycja jako całość musi być zgodna z ogólną kolorystyką, prawem wewnątrz obrazu - inaczej się rozpadnie. Dlatego należy uważać z kontrastami kolorystycznymi, mogą one mieć poważny wpływ – zarówno po to, aby uatrakcyjnić pracę, jak i ją zniszczyć, umieszczając niepotrzebne akcenty.
Czarny i biały
Mimo braku koloru czarno-biała martwa natura rządzi się swoimi prawami, ważną rolę odgrywa tu również kontrast. Sam kolor w tym przypadku zostaje zastąpiony tonem - inna gra, ale ma też swoje zasady!
Na pewno zauważyłeś, że kobiety z nadwagą bardzo rzadko noszą biel. Faktem jest, że biały kolor wydaje się być bardziej obszerny niż czarny. Na czarno-białej fotografii oko najpierw wychwytuje najjaśniejsze punkty, a dopiero potem przechodzi do ciemnych. Na tym efekcie opiera się wiele sztuczek wizualnych: jeśli spojrzysz na arkusz z równym czarno-białym paskiem, z pewnością wyda ci się, że białe paski są szersze. Musisz zawsze brać pod uwagę tę zasadę podczas inscenizacji kompozycji, a także wziąć pod uwagę, że jasny biały obiekt, czy to na pierwszym planie, czy w tle, z pewnością będzie wydawał się głównym w tej kompozycji, a oko spadnie przede wszystkim na nie.
kontrasty
Jak już wspomniano, kontrasty odgrywają szczególną rolę. Istniejąc w tej samej kompozycji na obrazie, mogą albo podkreślać obiekty, albo odwrotnie, je ukrywać. Praca zbudowana na ledwie dostrzegalnych fluktuacjach światła i cienia, bez plam skupiających uwagę widza, wydaje się monotonna, monotonna, pozbawiona wyrazu. Ostre kontrasty tworzą napięcie, dynamikę.
Reguła trójpodziału
Oczywiście mówiąc o kompozycji nie można nie wspomnieć o zasadzie trójpodziału. Rysując w umyśle cztery linie przechodzące przez kadr — dwie dzielące go na trzy równe części w poziomie i dwie w pionie — możesz obliczyć najbardziej efektywne obszary kadru: znajdują się one w punktach przecięcia czterech linii ze sobą. W tych strefach najlepiej umieścić główny obiekt kompozycji.
W rzeczywistości zasada trójpodziału jest uproszczoną zasadą złotego podziału, która będzie nieco trudniejsza do uzyskania. W tym celu ramę należy podzielić na osiem części w poziomie iw pionie. A następnie narysuj z prawej i lewej strony, a także z dołu i z góry linie w odległości 3/8. Na przecięciu tych linii będą punkty złotego podziału. Ale podział na trzy części jest znacznie wygodniejszy niż na osiem części, dlatego jest częściej używany w kompozycji: różnica nie jest tak zauważalna dla widza, a harmonia w kadrze, podlegająca którejkolwiek z tych zasad, jest oczywiste.
Rytm
 |
 |
Rytm, czyli powtarzanie tych samych lub podobnych wersów, to bardzo potężne narzędzie kompozytorskie, które pozwala manipulować spojrzeniem widza. Na „ścieżce” naprzemiennych obiektów można zajść bardzo daleko. Ale nie przesadzaj – rytm może zabić całą kompozycję, pozbawiając ją dynamiki i czyniąc monotonną.
Komunikacja wewnętrzna
Podczas tworzenia produkcji do fotografii konieczne jest zapewnienie połączenia między obiektami w kadrze. Przedmioty można łączyć kształtem (jajko i cebula), kolorem (pomidor i czerwona papryka), znaczeniem (jabłko i laski cynamonu). Przedmioty muszą koniecznie komunikować się, urzekać widza, przenosząc jego wzrok z jednego przedmiotu w martwej naturze na inny. Takie podejście nadaje kompozycji integralność, czyni ją ciekawą, zrozumiałą i jednocześnie tajemniczą - wcale nie trzeba od razu ujawniać wszystkich wewnętrznych powiązań, najciekawsze można ukryć wewnątrz kompozycji lub na krótko ukryć przed widzem na przykład ze światłem.
O kompozycji można mówić bez końca, ale główną rzeczą, na której zbudowana jest martwa natura (jak zresztą fotografia w każdym innym gatunku), jest pomysł, fabuła i dusza obrazu. A kompozycja jest tym samym narzędziem w rękach fotografa, co sam aparat. Pamiętaj, co chcesz przekazać widzowi! I wykorzystaj wszystkie dostępne techniki kompozytorskie do własnych celów.
Słowo „martwa natura” pochodzi od francuskiego wyrażenia „nature morte” i oznacza umartwioną lub martwą naturę. Wydaje mi się jednak, że istotę tej formy sztuki lepiej oddaje angielskie wyrażenie „martwa natura” - „nieruchoma, zamrożona natura”. W gruncie rzeczy martwa natura to nic innego jak uchwycony fragment życia.
Zbierając materiał do tego artykułu napotkałem pewne trudności. Na pierwszy rzut oka fotografowanie martwej natury jest łatwe. Postaw filiżankę na stole, dodaj do niej kilka detali, ustaw światło i sam naciśnij migawkę. Fotomodele są zawsze pod ręką, nieograniczony czas na zdjęcia. Wygodny i minimalny koszt. Dlatego początkujący fotografowie tak bardzo kochają ten gatunek. A niektórzy osiągają bardzo ciekawe wyniki. Wejdź na dowolną stronę fotograficzną, wybierz odpowiednią sekcję i podziwiaj naprawdę eleganckie zdjęcia. Ale czas mija i pojawia się wiele pytań: „Po co to kręcić? Kto tego potrzebuje? Co z tego będę miał?” Nie mogąc znaleźć odpowiedzi na te pytania, wielu przestawia się na fotografię ślubną, dziecięcą lub fotografię zwierząt, które zapewniają pewien dochód. Martwa natura nie cieszy się szczególnym szacunkiem wśród mistrzów fotografii. To nie jest dochodowy biznes. Jeśli coś może przynieść, to tylko satysfakcję estetyczną. I od czasu do czasu kręcą martwe natury, że tak powiem, aby doskonalić swoje umiejętności.
Ale jest kilku, którzy widzą w martwej naturze coś więcej niż tylko piękny obraz. Właśnie tym mistrzom martwej natury dedykuję mój artykuł.
Przyznam, że początkowo chciałem dokonać selekcji prac fotografów, których lubię i którzy słusznie zajmują pierwsze miejsca w rankingach różnych serwisów fotograficznych. I wtedy pojawiło się pytanie: „dlaczego?” Każdy wie, jak korzystać z Internetu, większość z nich nie raz przeglądała serwisy fotograficzne, znają najlepsze prace, a informacje o interesującym ich fotografie zawsze można znaleźć za pomocą wyszukiwarki. Postanowiłam opowiedzieć Wam o Fotografach Wyjątkowych - tych, których praca wywraca do góry nogami uznane kanony, którzy naprawdę wnieśli coś nowego do fotografii martwej natury, którym udało się dostrzec coś niezwykłego w zwykłych rzeczach. Możesz odnosić się do ich pracy na różne sposoby: podziwiać lub odwrotnie, nie akceptować. Ale z pewnością ich twórczość nie może pozostawić nikogo obojętnym.
1. Kara Barer
Kara Barer (1956), fotografka z USA, wybrała jeden temat do fotografowania - książkę. Przetwarzając je, tworzy niesamowite rzeźby książkowe, które fotografuje. Jej zdjęcia można oglądać bez końca. W końcu każda taka rzeźba książkowa ma określone znaczenie i jest niejednoznaczna.
2. Guido Mocafico
Szwajcarski fotograf Guido Mocafico (1962) nie ogranicza się w swojej twórczości do jednego tematu. Interesuje się różnymi rzeczami.
Ale nawet biorąc jeden przedmiot, dostaje niesamowitą pracę. Znany z serii „Ruch” („Ruch”). Wydaje się, że mechanizmy zegara są po prostu brane, ale każdy, jeśli przyjrzysz się uważnie, ma swój własny charakter.
W martwych naturach, jak wiadomo, usuwa się „naturę nieożywioną”. W swoim cyklu „Węże” Guido Mocafico złamał tę zasadę i jako temat martwej natury wziął żywą istotę. Zwinięte węże tworzą niesamowity, jasny i niepowtarzalny obraz.
Ale fotograf tworzy również tradycyjne martwe natury, fotografując je w stylu holenderskim, używając prawdziwie „przedmiotów nieożywionych” jako rekwizytów.
3. Karola Kleinera
Szwedzki fotograf Karl Kleiner (1983) używa najzwyklejszych przedmiotów do swoich martwych natur, komponując je w dziwaczne obrazy. Fotografie Karla Kleinera są kolorowe, graficzne i eksperymentalne. Jego wyobraźnia jest nieograniczona, używa zupełnie innych materiałów, od papieru po jajka. Wszystko, jak mówią, idzie do pracy.
4. Charlesa Grogga
Martwe natury autorstwa Amerykanina Charlesa Grogga są wykonane w czerni i bieli. Fotograf do fotografowania wykorzystuje również zwykłe przedmioty gospodarstwa domowego, które są dostępne w każdym domu. Ale eksperymentując z ich aranżacją i łącząc je w niecodzienne zestawienia, fotograf tworzy naprawdę fantastyczne zdjęcia.
5. Chema Madoz
Jestem pewien, że twórczość Chem Madoza (1958), fotografa z Hiszpanii, jest znana wielu osobom. Jego czarno-białe martwe natury, wykonane w surrealistycznym stylu, nie pozostawiają nikogo obojętnym. Wyjątkowe spojrzenie fotografa na zwykłe rzeczy jest godne podziwu. Prace Madozy są pełne nie tylko humoru, ale także głębokiego filozoficznego znaczenia.
Sam fotograf mówi, że jego zdjęcia powstają bez żadnej cyfrowej obróbki.
6. Marcin Klimas
W pracach Martina Klimasa (1971), fotografa z Niemiec, nie ma też photoshopa. Tylko krótki, a raczej bardzo krótki czas otwarcia migawki. Jego specjalnie opracowana technika pozwala uchwycić wyjątkowy moment, którego ludzkie oko nie jest w stanie dostrzec. Martin Klimas kręci swoje martwe natury w całkowitej ciemności. Za pomocą specjalnego urządzenia w momencie rozbicia przedmiotu włączana jest lampa błyskowa na ułamek sekundy. A kamera rejestruje Cud. Tutaj masz tylko wazon z kwiatami!
7. Jan Czerwiński
Amerykanin John Chervinsky (1961) – naukowiec zajmujący się fizyką stosowaną. A jego martwe natury to mieszanka nauki i sztuki. Tutaj nie zrozumiesz: albo martwa natura, albo podręcznik do fizyki. Tworząc swoje martwe natury, John Chervinsky wykorzystuje prawa fizyki, uzyskując niezwykle interesujący wynik.
8. Daniela Gordona
Daniel Gordon (1980), amerykański fotograf, nie zajmujący się kwestiami naukowymi. Fotografując martwe natury wybrał inną drogę. Drukuje kolorowe zdjęcia pobrane z Internetu na drukarce, zgniata te kawałki papieru, a następnie owija w nie różne przedmioty. Okazuje się, że jest to coś w rodzaju papierowych rzeźb. Jasne, piękne, oryginalne.
9. Andrzeja B. Myersa
Martwych natur Andrew Myersa (1987), fotografa z Kanady, nie da się pomylić z żadnymi innymi – zawsze są rozpoznawalne. Proste, delikatne, spokojne tło, dużo pustej przestrzeni, co stwarza wrażenie wypełnienia obrazu światłem i powietrzem. Najczęściej do tworzenia martwych natur wykorzystuje przedmioty z lat 70. i 80. XX wieku. Jego prace są graficzne, stylowe i wywołują pewną nostalgię.
10. Regina DeLuiseRegina DeLuise
Regina DeLuise (1959), fotografka z USA, nie używa lustrzanek do tworzenia swoich prac. Wybrała inną drogę - drukuje negatywy z filmu na specjalnym papierze ściernym. Jej poetyckie obrazy zawierają szeroką gamę tonów i wielu faktur. Martwe natury są bardzo delikatne i poetyckie. Niesamowita gra świateł i cieni.
11. Bohchang Koo
Bohchang Koo (1953), południowokoreański fotograf, preferuje biel. Martwe natury, które stworzył – białe na białym – są po prostu niesamowite. Są nie tylko piękne, ale także mają określone znaczenie - zachowanie starożytnej kultury koreańskiej. W końcu fotograf specjalnie podróżuje po świecie, szukając w muzeach obiektów dziedzictwa kulturowego swojego kraju.
12. Chen Wei
Z drugiej strony Chen Wei (1980), chińska fotografka, znajduje inspirację do swoich prac blisko domu. Wykorzystuje dziwne przestrzenie, sceny i przedmioty, używając rekwizytów wyrzucanych na wysypiska śmieci przez innych.
13. Alejandra Laviada
Alejandra Laviada, fotografka z Meksyku, wykorzystuje do swoich zdjęć zrujnowane i opuszczone budynki, tworząc martwe natury ze znalezionych tam przedmiotów. Jej martwe natury opowiadają prawdziwe historie o ludziach, którzy mieszkali w tych budynkach i używali rzeczy pozostawionych jako niepotrzebne.
