10 prostych zasad budowania kompozycji w kadrze.
1. Kontrast
Jak zwrócić uwagę widza na swoje zdjęcie? W kadrze powinien być kontrast:
- Jaśniejszy obiekt jest fotografowany na ciemnym tle, a ciemny na jasnym.
- Nie fotografuj osób na żółtym lub brązowym tle, kolor zdjęcia będzie nienaturalny.
- Nie fotografuj ludzi na kolorowym tle, takie tło odwraca uwagę widza od modelki.
2. Zakwaterowanie
Ważne elementy fabuły nie powinny być umieszczane przypadkowo. Lepiej, żeby tworzyły proste geometryczne kształty.
3. Równowaga
Obiekty znajdujące się w różnych częściach kadru muszą pasować do siebie pod względem objętości, rozmiaru i tonu.
4. Złoty podział
Złoty podział był znany w starożytnym Egipcie, jego właściwości badali Euklides i Leonardo da Vinci. Najprostszym opisem złotego podziału jest to, że najlepszym punktem do zlokalizowania obiektu jest około 1/3 poziomej lub pionowej granicy kadru. Lokalizacja ważnych obiektów w tych punktach wizualnych wygląda naturalnie i przyciąga uwagę widza.
5. Przekątne
Jedną z najskuteczniejszych premii kompozycyjnych jest kompozycja diagonalna.
Jego istota jest bardzo prosta: umieszczamy główne obiekty ramy wzdłuż przekątnej ramy. Na przykład od lewego górnego rogu ramki do prawego dolnego rogu.
Ta technika jest dobra, ponieważ taka kompozycja nieprzerwanie prowadzi wzrok widza przez całe zdjęcie.
6. Sformatuj
Jeśli kadr jest zdominowany przez pionowe obiekty - rób pionowe klatki. Jeśli fotografujesz krajobraz, rób zdjęcia poziome.
7. Punkt strzelecki
Wybór punktu fotografowania bezpośrednio wpływa na emocjonalny odbiór obrazu. Pamiętajmy o kilku prostych zasadach:
- W przypadku portretu najlepszy punkt znajduje się na wysokości oczu.
- Do portretu pełnej długości - do pasa.
- Spróbuj przyciąć kadr tak, aby linia horyzontu nie dzieliła zdjęcia na pół. W przeciwnym razie widzowi trudno będzie skupić się na obiektach w kadrze.
- Trzymaj aparat na poziomie obiektu, w przeciwnym razie ryzykujesz zniekształceniem proporcji. Obiekt oglądany z góry wydaje się mniejszy niż jest w rzeczywistości. Tak więc, strzelając do osoby z najwyższego punktu, na zdjęciu otrzymasz małą osobę. Fotografując dzieci lub zwierzęta, opuść się na wysokość ich oczu.
8. Kierunek
Budując kompozycję, zawsze miej to na uwadze.
9. Kolorowa plama
Jeśli w jednej części kadru znajduje się plama koloru, to w drugiej musi być coś, co przyciągnie uwagę widza. Może to być inna plama koloru lub na przykład akcja w kadrze.
10. Ruch w kadrze
Podczas filmowania poruszającego się obiektu (samochód, rowerzysta) zawsze zostawiaj wolną przestrzeń przed obiektem. Mówiąc najprościej, ustaw obiekt tak, jakby właśnie „wszedł” w kadr, a nie „z niego wyszedł”.
Kiedy mówimy o tym, jak robić lepsze zdjęcia, mamy na myśli, jak robić DOBRE zdjęcia. W końcu każdy, kto bierze do ręki aparat, chce zrobić DOBRE UJĘCIE. Jak to osiągnąć? Niestety, nie ma uniwersalnej recepty. Każdy odnajduje i idzie swoją drogą, ale ta droga może być znacznie krótsza, jeśli zamiast uczyć się na własnych „gorzkich doświadczeniach”, skorzystasz z doświadczenia i wiedzy zgromadzonej przez wielowiekowe doświadczenia artystów i kilku pokoleń fotografów.
Zaczynamy więc drugą lekcję fotografii i pierwsze warsztaty w pełnym formacie. W poprzedniej wersji, ze względu na brak miejsca, nie mogliśmy umieścić wszystkiego, co było zamierzone. Począwszy od tego numeru magazynu, każdy warsztat postaramy się podzielić na trzy części:
Tym razem dopełnienie poprzedniego tematu „Punkt i kąt strzału”.
Mała dygresja teoretyczna i najbardziej wizualne ujawnienie głównego tematu - „Światło w fotografii”.
· Wizualna zapowiedź głównego tematu kolejnego numeru na przykładach najbardziej typowych błędów początkujących fotografów-amatorów - „Wybór odpowiedniej ekspozycji”.
Punkt i kąt strzelania
Mówiąc o punkcie fotografowania i kącie, rozumiemy, że nie ma znaczenia, kto się porusza - obiekt czy fotograf. W każdym razie zmiana względnego położenia aparatu i obrazu fotograficznego pozwala zbudować kadr, najważniejsze jest wybranie odpowiedniego momentu na naciśnięcie przycisku… Wczoraj, dziś i zawsze, wybierając punkt fotografowania, kąt moment fotografowania i kadrowanie to proces, który zapewnia konstrukcję kadru i stworzenie podstawy fotografii. Dlaczego podstawy? Bo wciąż jest światło – najpotężniejsze narzędzie, które tworzy obraz, a jest wiele aspektów technicznych, które zapewniają techniczną jakość fotografii.
Jeśli chodzi o konstrukcję ramy, często mówią o liniowym rysunku, kompozycji, fabule, obrazie ... Istnieje wiele podejść do badania tego zagadnienia, z których każde jest dobre na swój sposób. Skupimy się na praktycznej stronie procesu fotografowania, zwracając uwagę na ważne kwestie psychologiczne i dotykając elementów teorii „nagości” tylko wtedy, gdy jest to konieczne. Zanim przejdziemy dalej, zadajmy sobie pytanie: czym różni się dobre zdjęcie od złego? Dlaczego jeden obraz jest lubiany, podziwiany, a drugi nie?
Warunkowo można wyróżnić trzy poziomy umiejętności fotograficznych. Pierwszy poziom - film dokumentalny, kiedy początkujący fotograf-amator po prostu oddaje ślad rzeczywistości, którą obserwuje. To codzienny dokument: „Ja i moi przyjaciele; moja rodzina; jestem przed pomnikiem; świętujemy...; mój ulubiony kot". Tutaj z reguły nie warto nawet mówić o budowaniu ramy. Fotograf nie myśli jeszcze o kompozycji i fabule, zadaniem jest naprawienie jej „na pamięć”. Na takich obrazach nie ma objętości, są płaskie i dwuwymiarowe. Kawałek życia 10×15, interesujący autora i uczestników rejestrowanych wydarzeń.
Na drugim poziomie w przenośni, istnieje zrozumienie ramy. Zrozumienie, że dla widza wszystkie elementy uchwycone na fotografii wchodzą ze sobą w interakcję, tworząc niezależny obraz i RAZEM powinny nieść ładunek semantyczny. Fotograf nie tylko fotografuje ciekawe obiekty, tworzy kompozycję, w której pojawia się nowe piękno, rozpuszczone w przestrzeni i niewidoczne dla zwykłego oka. Autor rozważa już kąt, plan, perspektywę. Zdjęcie może nie ma jeszcze fabuły, która wywoła burzę emocji, ale obraz staje się ciekawy przynajmniej z punktu widzenia: jak to się robi? Tutaj, na płaskim odbiciu, pojawia się trzeci wymiar. Istnieją dość proste techniki, które pomagają uzyskać trójwymiarową fotografię.
Trzeci poziom - intrygować. Kiedy w kadrze pojawia się nie tylko ciekawy obraz, ale pojawia się ruch, który u większości widzów budzi żywe emocje. W płaszczyźnie niejako pojawia się czwarty wymiar - odgaduje się ruch czasu. Czujemy, co było przed momentem migawki i co będzie po nim. Duże zdjęcie to małe życie. Jednocześnie fotograf z reguły nie myśli już o technikach, których używa. Jego świadomość jest wolna i skupiona tylko na obrazie. Interesuje go „co”, a nie „jak”.
Oczywiście niemożliwe jest natychmiastowe przejście z pierwszego poziomu na trzeci. Droga do mistrzostwa przebiega przez kilka etapów: wiedza, zrozumienie, umiejętność, nawyk... Zadaniem naszego warsztatu jest pomoc w przejściu pierwszego i drugiego etapu. Reszta jest w twoich rękach.
Tak więc, aby nauczyć się fotografować, musisz nauczyć się korzystać ze środków fotografii. Biorąc pod uwagę wysoką inteligencję nowoczesnych aparatów, które oszczędzają wielu kłopotów, początkujący fotograf musi przede wszystkim zrozumieć, co umieścić w kadrze, a czego nie: pod jakim kątem, pod jakim kątem, w jakiej skali ? Wszystko, co pojawi się w kadrze, będzie się składało na kompozycję fotografii (Kompozycja – z łac. – kompozycja, kompozycja, układ, połączenie poszczególnych elementów w jedną harmonijną całość).
Albo nie. Może się okazać, że to tylko zbiór pojedynczych elementów, nawet jeśli są dobrze nagrane technicznie. Kompozycja, niestety, nie istnieje obiektywnie i niezależnie od osoby, ma sens tylko w ramach światopoglądu, przede wszystkim estetycznego. Można więc mówić o zasadach i środkach kompozycji opartych na fizjologicznych podstawach percepcji i tej części subiektywnego doświadczenia, która jest wspólna dla większości ludzi. Przejdźmy jednak do rzeczy.
Naszym zadaniem jest budowanie czegoś z niczego. Dla jasności, prostoty, a co najważniejsze dla powtarzalności naszych praktycznych badań, jako przedmiot strzelania wybraliśmy pewną liczbę monet i liść ostrygi (zwykłej muszli). Dowolnie połóż to wszystko na najzwyklejszym stole. Zdjęcie, jak widać (zdjęcie 1, widok z góry), nie należy do najbardziej atrakcyjnych.
Spróbujmy, nie ruszając niczego, znaleźć punkt strzelniczy i kąt, który da przynajmniej jakąś kompozycję w kadrze.
SERIA 1. Pierwszą rzeczą do zrobienia jest „strzelanie”, szukanie najlepszego kąta i punktu strzelania. Poruszamy się po martwej naturze. Zwykle takich zdjęć oczywiście się nie robi, wystarczy spojrzeć w wizjer, żeby zrozumieć, że kadr „nie powstaje”.
Zdjęcie 2 (po lewej - dół). W sumie wyszedł ładny obrazek. Brokat monet, tekstura muszli, wzór cienia. Dodatkowo na zdjęciu jest umiejscowienie zlewu. Jest „przetrzymywany” w jednym z węzłów zgodnie z zasadą trzech trzecich*.
Monety zajmują pozostałe trzy węzły uwagi. Dzięki temu obraz jest postrzegany jako stabilny i zrównoważony. Ale dalsza praca z tym zdjęciem jest bezużyteczna. Nie można tu zbudować ujęcia wielopłaszczyznowego. Umywalka i monety znajdują się w stosunku do widza niemal na tym samym poziomie. Ponadto taka kompozycja powoduje dyskomfort. Oba obiekty są w równowadze. Kłócą się ze sobą. Jednocześnie pytanie brzmi: „kto jest silniejszy?” - pozostaje bez odpowiedzi. Ruszmy się jeszcze trochę.
Zdjęcie 3 (prawe - dół). Umywalka zajmowała prawy dolny róg. Zgodnie z zasadą lewej ręki** ruch spojrzenia przebiega od lewego górnego rogu do prawego dolnego i spoczywa na zlewie. Wydaje się, że spowalnia swój wzrok. Ponadto rama traci równowagę***.
Lewy górny róg jest pusty, a cała uwaga skupia się na zlewie. Ale umywalka z tej perspektywy nie jest na tyle ciekawa, żeby zwracać na nią uwagę. Na zdjęciu nie ma podmiotu.
Zatrzymaliśmy się na zdjęciu, na którym zlew znajduje się w lewym górnym rogu. Spróbujmy teraz wzmocnić poczucie planowania, głębię obrazu. Należy pamiętać: im bliżej kąta widzenia do pionu opuszczonego na płaszczyznę, tym mniej planów będzie na zdjęciu. Musisz szukać punktu widzenia, aby obiekty znajdowały się w różnych odległościach od siebie i od fotografa.
SERIA 2. Jeśli wcześniej obracaliśmy się wokół obiektów zgodnie z ruchem wskazówek zegara, teraz kamera będzie poruszać się głównie po warunkowej sferze niebieskiej oraz zbliżać się i oddalać względem obiektu.
Zdjęcie 1 (wyszukiwanie w głąb 1). Plus - zdjęcie zostało zrobione zgodnie z zasadą trzech trzecich. Dolna trzecia część to blat stołu, który tworzy wrażenie „powietrza” w ujęciu. Górne dwie trzecie to monety i muszla. Monety, jeśli przyjrzysz się uważnie, tworzą dwa łuki, dwa fronty. Jest w tym element rytmu.
*
Rytm w fotografii to harmonijna przemiana geometrycznych kształtów, plam i linii. Służy do wyrażania ekspresji.
Jest trochę więcej głębi niż w poprzednich ujęciach, ale wciąż za mało. Nie ma stabilności, nie ma równowagi. Spróbujmy zejść jeszcze niżej.
Zdjęcie 2 (przeszukiwanie w głąb 2). Poczucie perspektywy nasiliło się. Na blacie pojawił się odblask monet i cień umywalki. Oczywisty plan pierwszy i środkowy, a monety idące w dal - plan daleki. Ale teraz ramka nie jest wypełniona. Spróbujmy zmienić skalę.
Strzał 3 (nagromadzenie. Zbliżenie 1). Podeszliśmy bliżej, ale wydaje się, że jest za blisko. Wyraźna dominacja muszli, a na pierwszym planie „wysypisko” monet. To zdjęcie nie budzi żadnych emocji. Ale jeśli zadaniem jest pokazanie masywności małych, na pierwszy rzut oka obiektów, to punkt strzelania, kąt, plan - wszystko jest dobrze dobrane. Nie dążyliśmy jednak do tego efektu, dlatego postaramy się zmniejszyć łuskę w kadrze i zwiększyć wagę monet.
Zdjęcie 4 (zbliżenie 2). Jesteśmy coraz bliżej. Mimo oczywistego przestrzegania zasady trzech trzecich, fotografia nie wygląda harmonijnie. Spróbujmy z tą samą skalą nieco zmienić kąt.
Zdjęcie 5 (zbliżenie 3). Skorupa przesunęła się nieco w prawo i wygląda jak dziób statku, który przecina „fale monet”. To pierwsza rzecz, która przychodzi na myśl. Być może nie jest to najtrudniejsze skojarzenie, ale fakt, że fotografia pobudza wyobraźnię, jest już dobry. Nie będziemy tutaj dalej szukać. Spróbujmy znaleźć nowy kąt.
Zdjęcie 6 (Większy plan). Usuwamy bałagan z pierwszego planu, przesuwamy go na bok. Lekko powiększony, aby pokazać skorupę. Ponownie pojawiła się różnorodność: monety od pierwszego planu do środka idą za muszlę. Ciekawa konsystencja. Pojawia się równowaga: lewy górny róg i prawy dolny róg są zajęte przez muszlę i monety. Między nimi tworzy się wizualny korytarz, który biegnie od lewej do prawej. Przy dużej liczbie plusów jest też znaczący minus: obraz faktycznie dzieli się na dwie równe części. Muszla i monety kłócą się między sobą.
Fot. 7 (zbliżenie na lewo od 2.). Zwiększamy nieco plan. Planowanie ze względu na „łuk monety” jest zachowane. Spróbujmy znaleźć nowy kąt.
Zdjęcie 8 (nowy kąt 1). To zupełnie niezrozumiałe, co robi zlew na zdjęciu. Istnieje prosta zasada: wszystko, co jest możliwe, należy usunąć z ramy. Jeśli powłoka zniknie, zasadniczo nic się nie zmieni. Ale stajemy przed zadaniem usunięcia zarówno monet, jak i muszli - tak, aby wszystko grało.
Zdjęcie 9 (nowy kąt 2). Zwiększona obecność zlewu. Są plany: przód z odbiciem, środek z przedmiotami, tył - "powietrze". Respektowana jest zasada trzech trzecich. Na blacie było odbicie. Przy zlewie powstało pewne „drapieżnictwo”. Wydaje się, że je monety. Dominację muszli podkreśla nachylenie w jej stronę. Zwiększmy nieco ten efekt.
Zdjęcie 10 (całkowity tandem 1). Zasadniczo ten obraz można uznać za pewien wynik. Jest bardzo wyraźny obraz „agresywnej skorupy”.
Zdjęcie 11 (całkowity tandem 2). Spróbowaliśmy zmienić oprawę. Aby to zrobić, podnieśli soczewkę, a umywalka opadła. Dwa trzy są zajęte przedmiotami. Na pierwszym planie blat z odbiciem. Kadr nie wydaje się zatłoczony przedmiotami. On „oddycha”.
SERIA 3. W poprzedniej serii ujęć tylko nieznacznie wykorzystaliśmy pochylenie kamery. Spróbujmy pobawić się tą funkcją. Wielu boi się obrócić aparat. I absolutnie na próżno. Czasami przechylanie może dać ciekawe rezultaty.
Zdjęcie 1 (nachylenie 1). Wszystko wypadło z kadru. Monety są prawie niewidoczne, nie jest jasne, jaki rodzaj tekstury znajduje się po prawej stronie. Spróbujmy umieścić wszystko z powrotem w kadrze i zachować pochylenie.
Zdjęcie 2 (pochylenie 2). Obiekty są wyraźnie przypisane w kadrze, ale pochylenie pokrywa się z przekątną naturalnego ruchu spojrzenia (reguła lewej ręki) i przez to jest zupełnie nieczytelne. Nie ma więc dynamiki ruchu, jest poślizg. Gdybyśmy chcieli osiągnąć wrażenie ślizgania się, to ujęcie by nam wystarczyło.
Zdjęcie 3 (pochylenie 3. Sugestia ruchu). Odwróć nachylenie. Pojawił się ruch, ale niezbyt zrozumiały.
Zdjęcie 4 (całkowity pełzający). Nieznacznie zwiększono nachylenie, zwiększono efekt ruchu. Skorupa zamieniła się w żywą istotę, która chce się gdzieś wyczołgać i jednocześnie zostawia po sobie pociąg monet. Nie można powiedzieć, że jest to arcydzieło, ale już ten obraz budzi pewne skojarzenia. Tutaj nie ma linii jako takich*, ale są one zgadywane. Węzły uwagi są zaangażowane zgodnie z zasadą trójpodziału.
* Wszelkie linie na obrazie są dobrym narzędziem do emocjonalnego oddziaływania na widza. Zakrzywione linie są kojące; przerywane linie działają drażniąco; linie pionowe przekazują wielkość, siłę, moc; poziomy - spokój i pogoda ducha; przekątna - dynamika.
W zasadzie nadal możesz pracować z końcowymi ujęciami drugiej i trzeciej serii. Na przykład baw się światłem, cieniami, intensywnością odbicia lustrzanego powierzchni. Wszystko to stworzy dodatkową dynamikę. Praca ze światłem to kolejny temat naszych warsztatów.
A zanim zakończymy ten temat, chcemy dać radę: „Patrząc w wizjer, wyobraź sobie to, co widzisz jako oprawioną fotografię na ścianie swojego mieszkania. Jeśli Ci to odpowiada - odważnie, ale delikatnie wciśnij przycisk "zejdź", jeśli nie - kontynuuj szukanie kąta.
* Zasada trzech trzecich. Rama jest tradycyjnie podzielona w pionie i poziomie na trzy równe części. Wszelkie powierzchnie najlepiej układać w stosunku 1:2. Na przykład w jednej górnej części obrazu umieść niebo. W dolnych dwóch - ziemia. Albo odwróć. Taki układ pozwala określić, co dominuje na obrazie, co jest podkreślone. Ponadto na przecięciu dwóch pionowych i dwóch poziomych linii, które warunkowo dzielą obraz na części, powstają cztery „węzły” uwagi. Najlepiej umieszczać w nich przedmioty.
** Zasada lewej ręki. Większość ludzi patrzy najpierw na lewy górny róg obrazu, a następnie przenosi wzrok na prawy dolny róg. Jeśli na przykład chcesz wyróżnić drogę na zdjęciu, lepiej zacząć od lewego dolnego rogu do prawego górnego. W ten sposób na ścieżce naturalnego ruchu oka od lewej do prawej „potknie się” o krawędź drogi i podświetli ją. W przeciwnym razie droga po prostu zniknie z obrazu.
*** Istnieją dwa rodzaje równowagi w migawkach: formalna i nieformalna. Równowagę formalną uzyskuje się dzięki absolutnej symetrii na lewo i na prawo od optycznego środka obrazu. Tak wyważona kompozycja podkreśla dostojność, stabilność i konserwatyzm obrazu. Równowagę można osiągnąć w inny sposób, umieszczając elementy o różnych rozmiarach, kształtach, intensywności kolorów w różnych odległościach od centrum optycznego. To nieformalna równowaga. Dzięki temu zdjęcie jest bardziej pomysłowe i bogate emocjonalnie.
_______________________
10 wskazówek, które pomogą Ci poprawić kompozycję zdjęć. Ilekroć zastanawiasz się, jak skomponować zdjęcie, możesz skorzystać z tych wskazówek, aby uzyskać dobre ujęcia.
Mówiąc prościej, „zasadą nieparzystości” jest posiadanie nieparzystej liczby obiektów na zdjęciach. Na przykład zdjęcie tylko jednego obiektu lub grupy trzech osób. Ta technika sprawia, że zdjęcie jest bardziej atrakcyjne i interesujące dla ludzkiego oka.
To zdjęcie czterech jagód jest dość nijakie i nudne. Trudno jest znaleźć środek ostrości na tym obrazie.
Chociaż ujęcie jest podobne do poprzedniego zdjęcia, nieparzysta liczba truskawek czyni je bardziej interesującym.
Ograniczanie ostrości to prosty sposób na dodanie samej ostrości. Może to nie być konieczne na wszystkich zdjęciach, ale jest przydatne, gdy masz obiekty, które chcesz ukryć. Najczęstszym zastosowaniem tej techniki jest rozmycie niechcianego tła. Możesz zmniejszyć głębię ostrości swoich zdjęć, używając dużej przysłony (np. F1.8), przybliżając i używając aparatu o wysokiej czułości (np. pełnoklatkowej lustrzanki cyfrowej).
Gdyby drzewa w tle były ostre, odwróciłoby to uwagę od tematu tego zdjęcia. Rozmyte tło podkreśla skupienie na parze.
Rozmycie tła pomaga przyciągnąć uwagę ludzi.
Dobrym sposobem na ustawienie środka ostrości jest jak najprostsze zdjęcie. Najwygodniejszym sposobem na to jest ograniczenie liczby obiektów na zdjęciu. Możesz także użyć poprzedniej wskazówki, aby rozmyć niechciane obiekty.
Prostota tego zdjęcia wyjaśnia ideę. Proste zdjęcie przykuwa uwagę i sprawia, że ludzie patrzą na nie dłużej.
Wyśrodkowanie obiektu zapewnia równowagę na zdjęciu. Wyśrodkowanie wygląda najlepiej na prostych zdjęciach z niewielką liczbą obiektów.
Możesz poprawić ostrość obiektu, utrzymując wolną przestrzeń wokół obiektu.
Nudny przedmiot staje się interesujący, jeśli jest prosty i wyśrodkowany.
To jeden z najbardziej efektownych i popularnych sposobów komponowania zdjęcia. Możesz ulepszyć swoje zdjęcia za pomocą tej techniki. „Reguła trójpodziału” zwiększa zainteresowanie zdjęciem, wyrównując obiekt do jednego z czterech punktów wyimaginowanego prostokąta 3x3 utworzonego z obrazu.
Prosty obraz stał się ciekawszy po zastosowaniu zasady trójpodziału.
Podczas wykonywania portretów możesz zastosować zasadę trójpodziału, aby nadać ostrości oczom. Po prostu umieść oko lub obszar między oczami, stosując zasadę trójpodziału, aby stworzyć dobry portret.
Przestrzeń wiodąca to przestrzeń przed obiektem. Ten element jest zwykle używany w połączeniu z zasadą trójpodziału, aby stworzyć ciekawsze zdjęcie. Pozostawiając kawałek miejsca przed obiektem, widz zobaczy dalszy ciąg akcji.
Snowboardzista jest ustawiony na zasadzie trójpodziału z pewną przestrzenią prowadzącą przed nim.
Pozostawienie trochę miejsca przed biegaczem sprawia, że zdjęcie wygląda na bardziej aktywne. Zwraca też większą uwagę na zachód słońca.
Pozostawienie skrawka miejsca za biegaczem powoduje pojawienie się efektu końca biegu.
Krzywa S to wyimaginowana smuga na zdjęciu w kształcie litery S. Ten typ smugi sprawia, że zdjęcie wygląda ciekawiej, kierując wzrok wzdłuż określonej ścieżki.
Przykład autostrady z krzywą S. To zdjęcie prostego krajobrazu jest ciekawsze dzięki krzywej S.
Podobne zdjęcie autostrady, ale bez krzywej S, jest mniej dynamiczne.
Najwcześniejsze przykłady krzywej S są używane w rzeźbie greckiej i rzymskiej.
Większość fotografii ma środek i tło, a pierwszy plan zajmuje bardzo mało miejsca. Zdjęcia krajobrazów można ulepszyć, dodając niektóre obiekty pierwszego planu. Jest to nieodzowna technika tworzenia poczucia skali i sprawienia, by widz poczuł się, jakby był na fotografii.
Skały w tym krajobrazie dodają skali i głębi fotografii.
Dodanie większej ilości pierwszego planu do zdjęcia dodaje poczucia rzeczywistości.
Kiedy wydaje ci się, że jesteś wystarczająco blisko obiektu, spróbuj podejść jeszcze bliżej. Wypełnij większość kadru tematem, a uzyskasz zupełnie inną kompozycję. Często atrakcyjniejsze.
Bycie blisko obiektu i wypełnienie kadru głową wilka sprawia, że wilk jest bardziej uwydatniony i tworzy więcej dramaturgii. Oba zdjęcia przedstawiają tego samego wilka, ale historie, które opowiada, są zupełnie inne.
Oto kreatywny sposób dodawania pierwszego planu do zdjęć! Użyj otaczających cię elementów, aby stworzyć obraz otoczony przedmiotami. Ta technika to świetny sposób na dodanie atrakcyjności zdjęciu i stworzenie obrazu, który wyróżnia się na tle innych.
To zdjęcie wykorzystuje sylwetkę do obramowania Taj Mahal.
Ramka nie powinna się wyróżniać ani mieć określonego kształtu. Może być tak naturalne, jak dwa drzewa na tym zdjęciu.
Jest więc oczywiste, że kompozycja ma ogromne znaczenie. Ale czym jest kompozycja? Z grubsza mówiąc, jest to przestrzeń, w której poszczególne elementy muszą się ze sobą łączyć, a obrazy, tekst, grafika i kolory są formowane w jeden projekt, w którym wszystko do siebie pasuje.
Udana kompozycja wymaga odpowiedniego ułożenia elementów i ich odpowiedniego rozmieszczenia, a to nie tylko pięknie wygląda na zewnątrz, ale jest również skuteczne z funkcjonalnego punktu widzenia. Przyjrzyjmy się więc podstawowym wskazówkom, sztuczkom i technikom, dzięki którym w ciągu kilku minut staniesz się guru kompozycji.
1. Skoncentruj się na tym, co najważniejsze
Jak nas kiedyś uczono w szkole, rozkład akcentu jest bardzo ważny. Kluczowym elementem każdej dobrej kompozycji jest skupienie, które pomaga widzowi skupić się przede wszystkim na najważniejszych szczegółach projektu.
Techniki przyciągające uwagę obejmują skalę, kontrast i wskaźniki, a później omówimy je bardziej szczegółowo. Przeanalizujmy teraz powyższy przykład.
2. Kieruj wzrokiem czytelnika za pomocą wskaźników
Tak jak wskazujesz osobie coś, co chciałbyś jej pokazać, skieruj wzrok widza za pomocą określonego układu linii i różnych kształtów. W ten sposób możesz osiągnąć prawidłowe postrzeganie swojego projektu.
Najprawdopodobniej znasz już jeden z najczęstszych typów wskaźników - schematyczny. Diagramy wykorzystują linie, aby poprowadzić oko od jednego punktu do drugiego w dość oczywisty sposób. Spójrz na tę kartę z zaproszeniem na randkę od Paper and Parcel. Projektantka zdecydowała się na schematyczne znaki, aby przekazać informacje w sposób interaktywny i nietypowy.
Ponadto mogą wskazywać na pewne elementy łączące tekst lub drobne informacje. Jak już wspomniano, musisz najpierw skupić się na głównym temacie; ale gdzie będziesz się opiekować? Dzięki prawidłowemu umieszczeniu wskaźników nie tylko będziesz w stanie kontrolować skupienie się na głównych elementach, ale także poprowadzisz oko widza przez cały projekt.
Przyjrzyjmy się na przykład plakatowi z Design By Day, w którym zastosowano wyraźne linie prowadzące, które najpierw kierują cię do głównego elementu (tytułu), a następnie do różnych fragmentów tekstu.
Oczywiście stosowanie tak oczywistych wskazówek w każdym projekcie nie ma sensu, ale to nie znaczy, że nie ma innego wyjścia. Znajdź kształty i linie na obrazach i grafikach, których używasz, i wykorzystaj je do kierowania wzrokiem widza.
Podobną rzecz widać na plakacie 1 Trick Pony, gdzie prawa ręka mężczyzny służy do „przekierowania” wzroku z obrazu na logo, a następnie na dół obrazu. Zatem kształty obrazu mogą służyć jako wskaźniki.
3. Skala i hierarchia
Skala i hierarchia wizualna to tylko niektóre z tych kreatywnych podstaw, które mogą zrujnować Twój projekt lub uczynić go słodkim. Dlatego tak ważna jest umiejętność ich prawidłowego zastosowania, aby stworzyć udaną kompozycję.
Krótko mówiąc, hierarchia to uporządkowanie elementów według ważności. Możesz więc sprawić, że ważniejszy obiekt twojego projektu będzie większy i jaśniejszy, a elementy drugorzędne mniejsze i jaśniejsze.
Podczas pisania tekstu szczególnie ważne jest uwzględnienie hierarchii. Więcej informacji na temat hierarchii w typografii można znaleźć w artykule Dlaczego każdy projekt wymaga trzech poziomów hierarchii typograficznej.
Skala jest często używana do łączenia elementów hierarchii. Duża skala zwraca uwagę na określone obiekty, podkreślając ich znaczenie dla prawidłowej komunikacji.
Na przykład ten plakat autorstwa Jessiki Svendsen wykorzystuje powiększony obraz jako największy element, aby przyciągnąć maksymalną uwagę do tematu. Nagłówek jest największym elementem tekstu, będącym w tym kontekście najważniejszą informacją, podczas gdy reszta tekstu jest napisana w znacznie mniejszej skali. W ten sposób skala identyfikuje główne obiekty projektu i zachowuje hierarchię typograficzną.
Skala jest również niezwykle przydatnym narzędziem, jeśli chodzi o tworzenie proporcji i poczucie wielkości. Możesz sprawić, by niektóre rzeczy wydawały się tak szczegółowe, skomplikowane i małe, jak to tylko możliwe, lub możesz sprawić, by były duże, a nawet nieporęczne.
Tworząc kontrast między małym a dużym elementem w kompozycji, można uzyskać różnorodne efekty.
4. Zrównoważ elementy
Równowaga jest dość ważną rzeczą pod wieloma względami. I oczywiście twój projekt nie jest wyjątkiem.
Ale jak zachować tę równowagę w ramach własnego projektu? Przyjrzyjmy się szybko dwóm głównym rodzajom równowagi i sposobom jej osiągnięcia.
Po pierwsze, istnieje symetryczna równowaga. Jej istota jest oczywista - równowaga projektu została osiągnięta poprzez symetrię. Odzwierciedlając pewne elementy po obu stronach (prawa-lewa, góra-dół), osiągasz absolutną równowagę.
Oto przykład symetrycznej równowagi. W swoim zaproszeniu ślubnym Jennifer Wick wykorzystuje symetryczną kompozycję, w której tekst i grafika są lustrzanym odbiciem. Dzięki symetrii zaproszenie wygląda elegancko, schludnie i wyważenie.
Jennifer Wick
Drugi typ, który jest prawdopodobnie znacznie bardziej powszechny, to równowaga asymetryczna. Sama nazwa też mówi sama za siebie – równowagę uzyskuje się dzięki asymetrycznemu ułożeniu elementów.
Oto przykład udanego zastosowania równowagi asymetrycznej. W swoim plakacie Munchy Potato celowo rozmieścił koła różnej wielkości w różnych obszarach przestrzeni, osiągając w ten sposób asymetrię.
W powyższym przykładzie trzy środkowe okręgi są największymi elementami projektu, ale mimo to są zrównoważone przez odpowiedni krój pisma, grafikę i użycie małego okręgu z teksturą w dolnym rogu plakatu.
Aby rozwinąć umiejętności tworzenia równowagi asymetrycznej, konieczne jest myślenie o każdym elemencie jako o jednostce, która ma swoją własną „wagę”. Odpowiednio mniejsze obiekty powinny „ważyły” mniej, a elementy bogate w tekstury powinny „ważyć” więcej niż jednorodne. Niezależnie od celu twojego projektu, zawsze musisz osiągnąć równowagę między używanymi przedmiotami.
5. Używaj elementów, które się uzupełniają
Na pewno słyszałeś o uzupełniających się kolorach, ale czy słyszałeś o uzupełniających się elementach projektu? Jednym z kluczowych elementów udanej i efektownej kompozycji jest staranny, celowy dobór każdego obiektu projektowego, w którym wszystko musi składać się w jedną całość.
Typowym błędem podczas tworzenia kompozycji jest użycie obrazów, które się nie uzupełniają. Dlatego decydując się na użycie wielu obrazów, zawsze sprawdzaj, czy mają one odpowiedni wpływ na widza i czy istnieje między nimi niezbędny związek. Oto kilka sposobów na osiągnięcie tego efektu.
Wykorzystaj zdjęcia z jednej sesji zdjęciowej. To niewiarygodnie łatwy sposób na zapewnienie, że Twoje obrazy pozostaną połączone, biorąc pod uwagę, że mają ten sam styl i kierunek. Na przykład projektanci Jekyll & Hyde i Elena Bonanomi wykorzystują tę technikę w jednej z rozkładówek w magazynie Must.
Obrazy muszą być utrzymane w tej samej kolorystyce. Obecnie dostępna jest szeroka gama filtrów i narzędzi do edycji zdjęć, które pomogą Ci upewnić się, że wybrane zdjęcia należą do tego samego zakresu kolorów, a zatem są powiązane. A is a Name sprawił, że jego plakat był całkowicie czarno-biały, aby uzyskać połączenie kolorów między przedmiotami.
A to imię
Wybierz podobne obrazki. Spróbuj połączyć obrazy o podobnych parametrach i stylu. Na przykład, jeśli jedno ze zdjęć zostało zrobione w minimalistycznym stylu, musisz użyć podobnych ujęć. Poniżej rozwiązanie projektowe Feinta, w którym we wszystkich wybranych obrazach można zaobserwować pewne „szorstkości” – różne faktury, motywy drzewne i zimne odcienie.
Stworzenie dobrego layoutu to także odpowiednie połączenie tekstu i grafiki, gdzie te elementy wzajemnie się uzupełniają. Każdy krój pisma w różnych środowiskach ma określone odcienie i skojarzenia — na przykład ostry, pochylony krój pisma z dużą ilością zawijasów może kojarzyć się z elegancją i wyrafinowaniem. Dlatego spróbuj wybrać czcionkę w zależności od własnych celów i intencji.
6. Zwiększ (lub zmniejsz) kontrast
Kontrast to niezwykle przydatne narzędzie zarówno do podkreślania, jak i ukrywania elementów projektu. Zwiększając kontrast lub używając palety o wysokim kontraście, możesz zwrócić uwagę na określony temat. Jednocześnie zmniejszając kontrast, można uzyskać efekt przezroczystości niektórych elementów, czyniąc je mniej widocznymi.
O ile w poprzednim projekcie dźwięczny kolor służy zwróceniu uwagi, o tyle w poniższym przykładzie służy on do ukrycia pewnego elementu.
Powtarzają się tutaj niektóre style czcionek, grafiki i liniowość, co pomaga połączyć elementy i osiągnąć zamierzony efekt. Gdyby projektantka nagle zdecydowała się na użycie różowych elementów rysunkowych z pogrubionymi liniami gdzieś pośrodku, nie byłoby mowy o jakimkolwiek połączeniu. Ale zdecydowała się na mały rozmiar tekstu, zminimalizowała gamę kolorów i utrzymała elementy graficzne w eleganckiej prostocie, więc projekt wyszedł dobrze.
Podczas projektowania zapisz wszystkie informacje o użytych czcionkach, liniach, kolorach itp. i spróbuj użyć ich ponownie, aby połączyć swój układ.
8. Nie zapomnij o białej przestrzeni
Aby obrazić białą przestrzeń, wystarczy nazwać ją „pustą przestrzenią”. Pustka sugeruje, że musi być czymś wypełniona, a zatem nie „wykonuje” należycie swojej pracy. Ale to nie to samo.
Celowe użycie białej przestrzeni pomaga zwiększyć wyrazistość i przejrzystość projektu: gdy cięższe i bardziej skomplikowane części kompozycji są zrównoważone białą przestrzenią, projekt zaczyna oddychać.
Na przykład spójrz na projekt wykonany przez Cocorrina. Biała przestrzeń pomaga osiągnąć równowagę między obrazem, fakturą i tekstem, co nadaje projektowi wyrafinowania i czystości.
Jaki jest więc najlepszy sposób wykorzystania białej przestrzeni?
Zmniejsz skalę elementów graficznych. Pozwoli to stworzyć więcej białej przestrzeni wokół centralnych elementów bez wychodzenia poza oryginalny projekt. Aby to zilustrować, spójrz na projekt pocztówki z przepisami firmy Serafini Creative, w której kluczowe elementy zostały celowo pomniejszone, aby stworzyć piękną białą przestrzeń.
Nie próbuj wypełniać całej białej przestrzeni. Jak już wspomniano, biała przestrzeń nie jest pustą przestrzenią, służy celowi, więc nie próbuj wypełniać jej każdego kawałka.
Przykładem jest projekt strony internetowej firmy Creative Web Themes, który wykorzystuje pojedynczy obraz do przedstawienia produktu, pogrubiony nagłówek, dwa małe wiersze tekstu i łącze do dodatkowych informacji. Dzięki temu prostemu układowi i dużej ilości białej przestrzeni każdy element ma swoje własne terytorium i może oddychać, dzięki czemu projekt wygląda schludnie i wywiera właściwy wpływ na widza.
Tworząc projekt zawsze zadaj sobie pytanie, czy wszystkie elementy są w 100% potrzebne. Czy cały ten tekst jest potrzebny, czy wymagany jest jasnoniebieski tytuł, czy potrzebne są wszystkie 3 obrazy? Usuwając niepotrzebne cząsteczki z układu, możesz stworzyć bardziej precyzyjny projekt, który skorzysta na białej przestrzeni.
9. Ułóż elementy projektu
Tworząc kompozycję zawierającą wiele obiektów, nie umieszczaj ich przypadkowo na stronie, ponieważ układanie elementów to szybki i łatwy sposób na przekształcenie projektu w cukierek.
Nie możesz budować obiektów? Canva może rozwiązać ten problem w kilka sekund za pomocą dedykowanego, automatycznego i bardzo poręcznego narzędzia. Po prostu przeciągnij i upuść element na stronie, a Canva wyrówna go z innymi obiektami projektu i automatycznie umieści we właściwym miejscu. Magia!
Spójrz na ten doskonale wyłożony projekt magazynu autorstwa Hucka. Dzięki przejrzystej konstrukcji elementów projekt wygląda wyraziście i precyzyjnie, jest bardzo czytelny i przyjemny z estetycznego punktu widzenia.
Konsekwentne i precyzyjne ułożenie elementów pomoże również w zbudowaniu pewnego porządku wśród wielu obiektów. Tak więc, jeśli używasz wielu obrazów, tekstu i/lub grafiki, wyrównanie powinno być twoim najlepszym przyjacielem.
Szczególnie ważna jest umiejętność stosowania wyrównania podczas pracy z tekstem. Można to zrobić na wiele sposobów, ale jednym z najlepszych jest wyrównanie do lewej strony, ponieważ dla większości widzów ta opcja jest najwygodniejsza do czytania i rozumienia tego, co czytają.
10. Podziel swój projekt na trzy części
Reguła trójpodziału to prosta metoda, dzięki której projektanci mogą podzielić układ na 9 równych części. Tam, gdzie przecinają się linie pionowe i poziome, znajdują się punkty ogniskowe.
Projektant William Beachy postanowił pobawić się tą zasadą w swojej pracy (przykład poniżej). Jego konstrukcja wygląda spektakularnie i przyciąga uwagę, ponieważ na każdym skrzyżowaniu znajduje się określony punkt skupienia. Beachy zauważa również, że „Kiedy umieszczasz obiekty nie w centrum projektu, ale na jego obrzeżach, obraz staje się żywy i interesujący”.
Stosowanie zasady trójpodziału pomoże poprawić kompozycję Twojego projektu, ponieważ jest to jeden z najszybszych i najłatwiejszych sposobów umieszczania i strukturyzowania elementów.
Jeśli chcesz zastosować zasadę trójpodziału w swoim projekcie, warto zacząć od siatki. Siatka pozwoli ci bardziej spójnie wyrównać elementy i zobaczyć, gdzie powinny znajdować się punkty skupienia na układzie. Możesz obejrzeć samouczek dotyczący korzystania z narzędzia do oznaczania w serwisie Canva, aby pomóc w tworzeniu struktury i organizowaniu projektów.
Jeśli po wielu godzinach pracy nad projektem uznasz go w końcu za skuteczny, spróbuj rozbić go mentalnie i zobaczyć głęboką strukturę. Czy jest podział na trzy części? A może opiera się na innych znacznikach? Tak czy inaczej, możesz spojrzeć na różne przykłady znaczników i czerpać z nich inspirację.
Adres do czytelnika
Tworząc kompozycję, należy zwrócić uwagę na wiele rzeczy. Jeśli nadal jesteś początkującym projektantem, najprawdopodobniej będziesz musiał włożyć dużo wysiłku i spędzić dużo czasu próbując uporządkować i przeskalować obiekty, a następnie ponownie je rozplanować itp., Ale to normalne.
Czy masz jakieś sztuczki do pracy z kompozycją? A może znacie jakieś konstrukcje o wysokiej wydajności składu? Tak czy inaczej, możesz podzielić się swoimi przemyśleniami i pomysłami na ten temat w komentarzach!
Czas poważnie porozmawiać o podstawach kompozycji. Zgadzam się, nowoczesne, wysoce inteligentne aparaty mogą poprawnie określić parę ekspozycji i ostrość. Jednak na pytania, co umieścić w kadrze, a co nie, pod jakim kątem i pod jakim kątem fotografować oraz jak ułożyć obiekty w kadrze względem siebie – nawet najmądrzejsza technika nie odpowie. Ale to właśnie rozwiązanie kompozycyjne czyni obraz figuratywnym, wypełnia go znaczeniem i emocjami. Jak więc to zbudować - dobrą kompozycję?
Słowo „kompozycja” pochodzi od łacińskiego „kompozycja, kompozycja, układ” i oznacza połączenie poszczególnych elementów w jedną harmonijną całość. Zadanie stworzenia „harmonijnej całości” dla początkującego fotografa może wydawać się przytłaczające. Wymaga poczucia proporcji i dobrego smaku, zrozumienia podstaw psychologicznego odbioru obrazów wizualnych, bogatego osobistego doświadczenia emocjonalnego. A przynajmniej w ogóle profesjonalizm projektanta. Jednak znajomość prostych zasad pomaga „zbudować” kadr o wiele łatwiej i ciekawiej w każdej sytuacji i każdemu „użytkownikowi” aparatu.
złoty podział
Artyści od wieków wykorzystywali złoty podział do budowania harmonijnych kompozycji. Ta proporcja, intuicyjnie odnajdywana przez mistrzów, już samym faktem swojego istnienia wywołuje u obserwatora pozytywne emocje. Złoty podział to podział odcinka C na dwie części w taki sposób, aby jego większa część B była powiązana z mniejszą A w taki sam sposób, jak cały odcinek C jest powiązany z B (tj. A:B = B:C ). Ten stosunek wynosi około 5:8.
Proporcja złotego podziału może być wyrażona w różnych formach przestrzennych. Najprostszą opcją jest prostokąt podzielony na dwie części w tej proporcji. Innym rozwiązaniem jest przekątna. Ten prostokąt można obracać w dowolny sposób, ale jeśli skomponujesz ramkę tak, aby trzy różne obiekty znajdowały się w jej sektorach, kompozycja będzie wyglądać harmonijnie. Najprostszym i najbardziej wyrazistym sposobem wykorzystania złotego podziału jest popularna zasada trzech trzecich. Rama podzielona jest w pionie i poziomie na trzy równe części. Rezultatem jest dziewięć sektorów.
Zwykle początkujący fotografowie umieszczają wszystko na środku zdjęcia: twarz, postać lub linię horyzontu, która dzieli kadr na dwie równe połowy. W zasadzie jest to możliwe. Ale tylko wtedy, gdy jest to świadomy zabieg artystyczny. W przeciwnym razie zdjęcie okazuje się statyczne, pozbawione życia. Zasada trzech trzecich istnieje właśnie po to, aby nadać zdjęciu dynamiki, tchnąć w nie życie. Każdą powierzchnię najlepiej układać wzdłuż linii w stosunku 3:5. Oznacza to, że mniejsza część powinna zajmować nieco więcej niż jedną trzecią. Chociaż dla wygody mówią o trzecich. Na przykład możesz umieścić niebo w górnej trzeciej części obrazu. W dolnych dwóch - ziemia. Obraz stanie się jednolity. Lub odwrotnie - aby zwiększyć obecność nieba, dać „perspektywę powietrzną”. Obraz będzie miał głębię i lekkość. W ten sposób fotograf kontroluje nastrój widza.
Ponadto na przecięciu linii pionowych i poziomych powstają tak zwane „węzły uwagi”, które pokazano na rysunku. Psychologia percepcji jest taka, że w tych punktach dana osoba jest najbardziej zadowolona z oglądania przedmiotów lub elementów. Wzrok zatrzymuje się tutaj niezależnie od kadru czy formatu zdjęcia. Dlatego najlepiej jest umieścić ważne obiekty obrazu w tych „węzłach uwagi”.
Następną ważną zasadą jest lewa ręka. To naturalne, że większość ludzi patrzy najpierw w lewy górny róg obrazu, przesuwając oczy w prawy dolny róg.
Pas od lewego górnego rogu do prawego dolnego to tak zwana „strefa mijania”. Wszystko, co się w nim znajduje, ma drugorzędne znaczenie, a ponadto istnieje jasno określony kierunek ruchu od góry do dołu. W związku z tym to, co znajduje się w prawym górnym i lewym dolnym rogu kadru, ma dla widza znacznie większą wagę semantyczną. Zgodnie z zasadą lewej ręki, jeśli na zdjęciu trzeba wyróżnić np. drogę, to lepiej zacząć od lewego dolnego rogu do prawego górnego. Tak więc na ścieżce naturalnego ruchu, od lewej do prawej, oko „potknie się” o granicę drogi. Ale warto „odbić” zdjęcie, a droga po prostu zginie na zdjęciu, oko nie odbierze jej jako ważnego elementu, będzie się po niej ślizgać. Ten przykład wyraźnie pokazuje nie tylko działanie reguły lewej ręki, ale także taką cechę ludzkiej percepcji, jak asymetria. Kadr i jego lustrzana kopia są zawsze postrzegane inaczej.
OBRAZEK 1.
Pierwszą zaletą obrazu jest to, że jest obszerny, ma perspektywę. Banki tej samej wielkości są różnie usuwane z przeglądarki. Dlatego odległy wydaje się mniejszy, w dodatku nie jest ostry - wszystko razem tworzy wrażenie głębi. Jest przekątna, dość osobliwa. Czyta się go właśnie według zasady lewej ręki: oko przesuwa się po nim i spoczywa na jabłku. Dlatego uczucie, że jest, ale wydaje się, że tak nie jest. Ponadto przekątna wyłożona dnem puszek ma jeden kierunek, a przekątna wieczek ma inny kierunek.
Ponadto banki tworzą rytm. Wydawałoby się, jaki jest rytm obu żywiołów? Ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zrozumiesz, że poczucie rytmu tworzą nie „całe” puszki, ale ich sparowane elementy: pokrywki, dna, oświetlone nachylone części puszki. Te ostatnie są również wspierane przez prawą stronę przedniego brzegu. Chociaż jest asymetryczna i działa jako antagonista, to jednak uczestniczy w tworzeniu rytmu. Wspiera rytm i jabłko, rekompensuje brak trzeciego elementu w sekwencji. Ponadto jabłko znajduje się w pobliżu jednego z „węzłów uwagi”.
Centralną częścią semantyczną zdjęcia jest jasny pasek w słoiku na pierwszym planie. Pomimo tego, że nie jest wymawiana jako linia, to jednak ta gra światła przyciąga wzrok. Czemu? Odpowiedź jest prosta: praktycznie pokrywa się z linią złotego podziału, a jasne plamy wzdłuż krawędzi znajdują się w „węzłach uwagi”.
RYSUNEK 2.
Zaskakująco proste, ale emocjonalnie interesujące rozwiązanie. Główny temat obrazu dzieli kadr mniej więcej proporcjonalnie do złotego podziału. Pomidory jadące na cukinii. Wyraźnie widoczny jest rytmiczny wzór – tworzony przez pomidory umieszczone na cukinii. Być może można powiedzieć, że rytm podkreślają światła i cienie. Rytm nieco przerywa czerwone koło, ale to przyciąga wzrok, ponadto parę pomidorów i koło znajdują się na pionowej osi złotego podziału. Dodatkową dynamikę obrazu nadaje lekkie nachylenie górnej części cukinii, podkreślone jasnym paskiem. Fabuła obrazu opiera się na relacji trzech grup - cukinii, pomidora z kołem i trzech pomidorów, które łączy rytm. Pewna niejednorodność tła, połączona z odbiciem przed cukinią, nadaje obrazowi głębię i uniwersalność. I wreszcie ledwo dostrzegalna pionowa linia fałdy tła, dzieląca kadr również proporcjonalnie do złotego podziału, dopełnia emocjonalnego oddziaływania na widza.
STRZAŁ 3.
Pierwszą rzeczą, która rzuca się w oczy, jest półka, która dzieli ramę poziomo mniej więcej w proporcji zbliżonej do złotego podziału. Rytm siedmiu jednorodnych obiektów - gruszek jest wyraźnie wyrażony. Rytm jest wzmocniony przez panoramiczne proporcje obrazu. Obraz jest wyraźnie zrównoważony, prawie symetryczny. Umiejscowienie gruszek nadaje obrazowi dynamiki. Główny nastrój emocjonalny tworzą dwaj sąsiedzi centralnej gruszki. Wydają się być w „centrum komunikacji”. Przede wszystkim „wpada” w oko gruszka, która wyróżnia się orientacją, tworząc pojedynczą, wyraźnie zarysowaną linię, która przecina przekątną od lewego górnego rogu do prawego dolnego (reguła lewej ręki). Sąsiad po prawej iw opozycji do lewego sąsiada centralnej gruszy niemrawo koresponduje z nią z lekkim spadkiem. Charakter obrazu nadają jasne plamy, które podkreślają fakturę i tworzą uniwersalność nawet w minimalnej głębi przestrzennej, w jakiej ta kompozycja została stworzona.
Narzędzia kompozycji
Teraz o niektórych środkach kompozycji. Linie są jednymi z najbardziej wyrazistych. Z ich pomocą łatwo zapanować nad uwagą i nastrojem publiczności. Po pierwsze, linie działają na głębię obrazu, tworząc wrażenie trójwymiarowości. Po drugie, kierują wzrok w stronę horyzontu lub środka kompozycji. Ciekawe, że różne linie odbierane są inaczej: zakrzywione uspokajają, łamane irytują, pionowe – wielkość, siłę i moc, poziome – spokój i pogodę ducha, a ukośne – dynamikę. Co więcej, efekt ten jest zachowany nie tylko dla linii, które naprawdę widzimy - granic drogi, słupów, linii horyzontu, ale także dla wyimaginowanych. Na przykład kierunek spojrzenia lub gestu. Ujęcie, w którym linie wychodzą z rogów kadru, wygląda korzystnie.
Drugim środkiem złożonym jest plama. Jest to dowolny obiekt obrazu, który ma mniej lub bardziej wyraźne granice. A to nie tylko przedmioty, ale także cienie i światła. Z łatwością mogą odgrywać samodzielną rolę. Więc plama. Może być kolorowy lub tonalny, a za jego pomocą łatwo jest wyróżnić ważny obiekt i określić semantyczne centrum kompozycji. Ponadto, w zależności od wielkości plamy w stosunku do całego obrazu, można stworzyć wrażenie dużej przestrzeni, pustki, samotności lub odwrotnie, ciasnoty i krzątaniny.
Trzecim ważnym narzędziem jest rytm. Jest to harmonijna przemiana jednolitych lub podobnych geometrycznych kształtów, plam i linii. Nie tylko drzewa w parku czy latarnie wzdłuż drogi potrafią zbudować ciekawy rytm, ale także jabłka na straganie, domy na ulicy, a nawet ludzie w tych samych ubraniach. Im bardziej monotonny rytm, tym spokojniejsza kompozycja. Poszarpany rytm sprawi, że zdjęcie będzie wyraziste. Rytmiczny wzór o malejących wymiarach wyznacza kierunek, tworzy perspektywę w kadrze i często wypełnia się ruchem.
Skoro już o geometrii ujęcia mowa, to jeszcze jedna sztuczka, która pozwala na stworzenie ciekawej kompozycji. Spróbuj ułożyć obiekty w kadrze tak, aby znajdowały się na wierzchołkach wyimaginowanego trójkąta lub były w niego wpisane. Teraz eksperymentuj. W zależności od tego, jak wyjdzie trójkąt, taki będzie nastrój zdjęcia. Wrażenie stabilności i niestabilności, ruchu i statyczności, ślizgania się i odrywania – to wszystko można oddać za pomocą „trójkątnego” ułożenia w ramie. I pamiętaj o asymetrii percepcji.
I policz do trzech. Taka liczba podstawowych elementów semantycznych jest optymalna nie tylko w fotografii. Dobrze jest policzyć do trzech zarówno same obiekty, które trafiły do wizjera, jak i ich grupy semantyczne. Możemy policzyć np. jedną, dwie, trzy osoby, cztery, pięć - drzewa, sześć - niebo, siedem - chmury, albo możemy: jeden - ludzie, dwa - drzewa, trzy - niebo. Ale w każdym razie trójka to harmonia, która jest łatwo dostrzegalna i wpływa na widza.
równowaga
Podobnie jak kształt i układ „trójkątnej” kompozycji, możemy mówić o równowadze obrazu jako całości. Najczęściej chodzi o trzy części obrazu - prawą, lewą i środkową. Istnieją dwa rodzaje równowagi chwilowej: formalna i nieformalna. Równowagę formalną uzyskuje się dzięki symetrii geometrycznej po lewej i prawej stronie optycznego środka obrazu. Tak wyważona kompozycja podkreśla dostojność, stabilność i konserwatyzm obrazu. Równowagę można osiągnąć w inny sposób, umieszczając elementy o różnych rozmiarach, kształtach, intensywności kolorów w różnych odległościach od centrum optycznego. W podobny sposób równowagę uzyskuje się na improwizowanych huśtawkach, z masywnym dorosłym siedzącym na krótkim „ramieniu” poprzeczki, a małym dzieckiem na długim. Jednocześnie są one wzajemnie zrównoważone. To nieformalna równowaga. Zawsze sprawia, że zdjęcie jest pomysłowe i bogate emocjonalnie.
Na koniec nie zapomnij o powietrzu. Są bardzo ciekawe kadry wypełnione do granic możliwości, gdzie w ogóle nie ma powietrza. Ale do takich zdjęć trzeba mieć spore umiejętności. Jako początkujący fotograf najlepiej pozwolić obrazowi oddychać. Zasada powietrza, podobnie jak wszystko, o czym mówiliśmy, jest dość prosta: musisz zostawić wolną przestrzeń przed poruszającym się obiektem, niezależnie od tego, czy jest to samochód, biegnąca osoba, czy spojrzenie.
I jeszcze jedna zasada, ostatnia. Wszystko, o czym mówimy na tym warsztacie, musisz wiedzieć i umieć wykorzystać. Ale w żadnym wypadku nie traktuj tego jako dogmatu. Wiele z najlepszych ujęć w historii fotografii zostało zrobionych z naruszeniem zasad.
STRZAŁ 4.
Na tym zdjęciu złoty podział jest również tworzony przez jasne plamy. Jest to podział poziomy. Ponadto linia utworzona przez lewą stronę wysokiego wazonu również dzieli obraz w pionie w stosunku 3:5.
Pomimo faktu, że w samej ramce nie ma nic trójkątnego - tworzą ją równoległościany i koła, tutaj, podobnie jak na poprzednim zdjęciu, można znaleźć trójkąt. Jego głównym szczytem jest wysoka niebieska butelka.
Przekątna, którą wcześniej odczytywano w naczyniach o różnej wysokości i nachyleniu szkieł, została prawie utracona z powodu zmiany kąta. Aby to podkreślić, dodać dynamiki dość spokojnemu, wyważonemu ujęciu, fotograf dodał ciemną kulę i kamyczki. Wydłużają linie i sprawiają, że są bardziej wyraziste.
RYSUNEK 5.
Zdjęcie zostało zrobione w pionie. To podkreśla pionowe linie szklanych przedmiotów i dodaje dodatkowej harmonii. 
Oczywista przekątna jest widoczna od lewej do prawej. Powstaje w wyniku zróżnicowanego wzrostu naczyń, a dodatkowo wspomagany jest przez kierunek kieliszków, skroni i oś liścia.
Wszystko to zresztą stanowi prawą stronę trójkąta. Lewą stronę tworzy lewa strona butelki, dno - dna, ułożone prawie w tej samej linii naczyń. Trójkąt prostokątny, stojący solidnie na płaszczyźnie, sprawia wrażenie stabilności i stabilności. Pod wieloma względami jasne plamy pomagają w tym odczuciu. Linia między nimi dzieli obraz w poziomie w stosunku 5:3. Należy zauważyć, że w iluminacji istnieje świadoma lub nieświadoma korelacja z obrazami znanymi ludzkiej świadomości. Kolory oświetlenia kojarzą się: pomarańczowy z ziemią, niebieski z powietrzem.
Drugi trójkąt, równoramienny, tworzy się po lewej stronie - przez okrągłość arkusza, po prawej - przez łuk. Ponadto owalność płatka koreluje z okrągłością soczewek. Wygląda na to, że okulary i liść rozmawiają. Celuj w jeden punkt.
