Jeśli nie masz możliwości spędzenia przynajmniej kilku lat na gruntownej i żmudnej nauce rysowania, a następnie szczegółowego opanowania możliwości edytora, a nadal chcesz rysować... Być może te wskazówki dla początkujących pomogą Ci w przynajmniej unikaj oszałamiających zdjęć i oszczędzaj dużo czasu na nadepnięciu na grabie.

Od razu powiem - musisz jeszcze nauczyć się podstaw! Ale jeśli nie masz czasu lub możliwości, masz dwie opcje: w ogóle nie rysuj lub ucz się na bieżąco. Jeśli wybrałeś to drugie, nie krępuj się czytać dalej.

Pamiętaj, że wszystko, co będzie ci zabronione, oczywiście, może być użyte, ale musisz to zrobić tylko wtedy, gdy zrozumiesz, co z tym zrobić, w przeciwnym razie guzy z grabi będą rosły i nie będzie rezultatu.

WSKAZÓWKA 1. Standardowe pędzle w postaci trawy, gwiazdek i innych bzdur są dla Ciebie zgubą na najbliższe miesiące obcowania z tabletem i Photoshopem.

To jest złe, przynajmniej dopóki nie zdasz sobie sprawy, że możesz sobie bez nich poradzić. Tymczasem ściśle pamiętamy, że przez pierwsze miesiące Waszej bliskiej obcowania z tabletem jedyną szczoteczką powinna być… standardowa okrągła twarda szczoteczka. Dobra, może być kwadratowy, prostokątny i tak naprawdę nie ma znaczenia, jaki kształt. Solidny. Nie miękkie.

Miękka szczotka oczywiście też się przyda, ale na początek najlepiej o niej zapomnieć, a jeśli jeszcze w nią wkraczasz to pomaluj trochę - rób to w małych dawkach i na razie zostaw twardy pędzel jako priorytet . Przez kilka lat słyszałem tyle zwrotów typu „gdyby mi ktoś to powiedział”, że byłem jednoznacznie przekonany, że ta rada jest słuszna. Więc - zaufaj mi! Lub zabić.

Z biegiem czasu wielu artystów tworzy (lub pożycza od innych) własne podstawowe pędzle. Zwykle mają podarte krawędzie dla lepszego mieszania. Ale dla ciebie wszystko to jest teraz całkowicie niepotrzebne. Zapomnij o tych wszystkich pędzlach, które są pełne w Internecie. Naucz się opanować przynajmniej trochę okrągłe sztywne, a dopiero potem komplikuj.

Jeśli chęć użycia innych pędzli jest zbyt duża - przejdź do Photoshopa i usuń wszystkie pędzle poza tym twardym okrągłym... ok, i jeszcze miękkim, i zapomnij o wszystkich znanych sposobach tworzenia pędzli. Oczywiście przez jakiś czas.

Potrzebujesz pilnie trawy, liści i motyli? Więc o co chodzi? Rysować!

WSKAZÓWKA 2. Twój pierwszy rysunek lub następny następny, jeśli już narysowałeś, nie powinien być twoim ulubionym kotem, psem, bratem, siostrą, mamą, tatą, ale… rozciąganiem tonu.

I… nie, nie po to, żeby wyćwiczyć nacisk pisaka i równość linii, ale po to, żeby nauczyć się robić płynne przejścia. Większość początkujących artystów cierpi z powodu tego, że po prostu nie wiedzą, jak mieszać kolory i wygładzać płaszczyzny. I oczywiście najłatwiejszym i najszybszym rozwiązaniem jest użycie miękkiego pędzla, a to z kolei prowadzi do strasznych rezultatów, które następnie prowadzą szczególnie artystów o słabych nerwach do psychicznej traumy. Dobra, to ostatnie to żart, ale fakt pozostaje. Dlatego zanim zaczniesz rysować, czy jest to pożądane, czy nie, zdecydowanie musisz nauczyć się jednej prostej, ale szalenie przydatnej techniki.

Więc z tego:

Otrzymamy to:

Cóż, kolorami zajmiemy się później.

Tak więc najbardziej optymalnym i skutecznym sposobem mieszania kolorów i tworzenia płynnych przejść jest użycie twardego pędzla, ponieważ pozwala on na tworzenie wielu przejść i zachowanie „przejrzystości” obrazu, co nadaje mu żywotność. Miękki pędzelek pozwala na pozornie płynniejsze przejścia:

Ale taka gładkość rzadko jest korzystna. Nadaje się do tworzenia ogólnej objętości tła, ale cokolwiek by nie powiedzieć, jeśli się dobrze przyjrzeć, widać, że jest wrażenie rozmycia, a kiedy zastosuje się tę metodę do rysunku, na przykład portretu Twoja siostra, wszystko wygląda jeszcze gorzej.

To oczywiście zależy od Ciebie, która opcja najbardziej Ci się podoba i najlepiej byłoby, gdybyś mógł używać obu, ale musisz wiedzieć, kiedy możesz używać miękkiej szczoteczki, a kiedy nie. Tymczasem wciąż nie wiemy tego dobrze – najlepiej słuchać mądrych ciotek i wujków, którymi potrząsam jak dojrzałym drzewem i robię, co każą.

Zacznijmy więc od rozciągania.

Aby wykonać tak proste rozciągnięcie, musisz uzbroić się w twardą okrągłą szczotkę. Osobiście wolę, aby pędzel bazowy wyłączał reakcję nacisku pisaka, który decydowałby o grubości linii, ale reakcja na przezroczystość jest właśnie taka. Ale to już amator. Wierzę, że dzięki ustawieniom Photoshopa każdy może zaprzyjaźnić się, jeśli nie jest zbyt leniwy. A ja opowiem o czymś innym.

1. Bierzemy więc czerń i malujemy nią ponad połowę naszego rysunku. Cóż, lub w przybliżeniu część, która Twoim zdaniem będzie ... cieniem.

2. Teraz bierzemy i obniżamy parametry Opacity (Opacity) i Flow (Push) w pędzlu (znajdują się u góry menu) do około 40-50%. Im niższa wartość Opacity, tym bardziej przezroczysty będzie nasz kolor, a jeśli narysujesz linię, to dolna warstwa koloru również będzie przez nią widoczna. Zasadniczo krycie można porównać do gęstości farby. Im wyższa wartość, tym wyższy zasięg. Wartość przepływu określa gęstość „przepływu”. Z grubsza mówiąc, łącząc te dwa parametry, można uzyskać różne efekty z pędzla bez wchodzenia w inne jego ustawienia. Ale wróćmy do naszych owiec.

Tak więc wybranym czarnym kolorem malujemy ponad połowę białego koloru. Co więcej, należy to zrobić jednym ruchem, bez odrywania pióra. Jeśli ją oderwiesz, to poprzednia kreska zakryje tę już narysowaną i zblendowanie nastąpi tam, gdzie tego nie potrzebujemy. Teraz bierzemy nowy wynikowy kolor za pomocą pipety i malujemy nim połowę czerni. W efekcie otrzymamy coś takiego:

3. Następnie zmniejszamy średnicę pędzla, cóż, myślę, że rozumiesz dlaczego? I bierzemy wynikowy kolor po lewej stronie (na białym) i malujemy go na pół na biało, a następnie robimy to samo z czarnym. I otrzymujemy coś takiego:

4. Myślę, że jest jasne, co dalej? Zaczynamy iść od lewej do prawej lub od prawej do lewej (w zależności od tego, co jest wygodniejsze dla każdego) i biorąc kolor, malujemy połowę sąsiedniego. Następnie bierzemy pozostały kawałek niepomalowanego koloru i malujemy następny kawałek o połowę i tak dalej. Ogólnie rzecz biorąc, zrobiliśmy coś w rodzaju rozciągania.

Miejscami jest krzywo, ale zrobiłem to wyłącznie jako przykład techniki.

5. Teraz zmniejszamy Krycie do 15-30% - to już zależy od osobistych priorytetów, na przykład używam zwykle w granicach 20% lub więcej, jeśli tryb nacisku pióra dla pędzla działa i nadal robimy to samo. Znowu i znowu. Ogólnie rzecz biorąc, ta lekcja jest przeznaczona wyłącznie do treningu. W rezultacie sam dowiesz się, jak najlepiej tworzyć przejścia. Jaki nacisk wybrać, jak nakładać kolory. A wszystko to pomoże tylko zrozumieć. Jest mało prawdopodobne, abyś był tak zboczony, ale czasami będzie to potrzebne.

W efekcie otrzymamy coś takiego:

Kiedy już rozwiążesz to proste zadanie, radzę w przyszłości spróbować przełożyć Opacity i Flow na nacisk pióra. I naucz się tak pracować. Po pierwsze, przynajmniej skróci to czas ciągłego rozpraszania się zmianą parametrów, a po drugie, nauczysz się subtelniej manipulować naciskiem w procesie rysowania, który już sam w sobie jest fajny!

Porozmawiajmy teraz o rozciąganiu kolorów. Tutaj wszystko jest zasadniczo takie samo. Istnieją tylko dwa sposoby rozciągania. Dokładniej, nie tak. Metoda jest wciąż ta sama, ale działania są nieco inne, a rezultat jest… inny.

Opcja 1. Przejście z jednego koloru do drugiego, z pominięciem kolorów pośrednich. Ta metoda jest podobna do rozciągania jeden do jednego b/w.

Jednak nie jest to zbyt dobre w przypadkach, gdy kolory są daleko od siebie na kole kolorów. I jak widać kolor w miejscu mieszania „przechodzi” w szarość, co czasem nie jest zbyt dobre dla zdjęcia i może w przyszłości doprowadzić do „zabrudzeń”, ale może być wygodne dla tła, gdzie kolory powinny być mniej nasycone niż plan frontu.

Opcja 2. Przejście od jednego koloru do drugiego poprzez kolory pośrednie w kole kolorów. Tutaj esencja jest taka sama, ale dodajemy kolory, które są między naszymi dwoma głównymi. Nie będę wyjaśniać, czym jest koło kolorów i co oznacza kolor pośredni. Przeczytaj teorię kolorów, a znajdziesz wiele przydatnych informacji. Z biegiem czasu nauczysz się dodawać kilka kolorów pośrednich jednocześnie podczas procesu mieszania. W rzeczywistości rysowanie odbywa się w ten sposób - poprzez dodawanie i mieszanie różnych kolorów. Odkrył Amerykę, prawda? Ale teraz postaramy się to zrobić w prosty sposób, abyś zrozumiał, jak to wszystko działa.

Więc najpierw dzielimy nasz rysunek na pół na Żółty i Fioletowy. Następnie otwórz paletę i weź kolor gdzieś pośrodku między tymi kolorami, a przy Kryciu 50% pomaluj w połowie żółtą i w połowie fioletową. Voila i otrzymujemy dwa kolory pośrednie.

A teraz najciekawsze! Otwórz paletę i przejdź przez cały odcinek za pomocą kroplomierza. Najpierw na pierwszym, a potem na drugim. Naprawdę interesujące? Przechodzimy przez ten sam zakres, ALE w drugim przypadku kolory są bardziej nasycone i jaśniejsze. I to jest świetne, prawda? Dodając pośredni kolor, sprawiliśmy, że nasz stretch był bardziej żywy i wcale nie było to trudne.

Pamiętaj o tym, a Twoje rysunki od razu staną się bardziej żywe. To oczywiście jest trudne do wdrożenia od razu, ale z czasem zrozumiesz i wszystko się ułoży. Najważniejsze, o czym należy pamiętać podczas rysowania.

Pewien początkujący artysta poprosił mnie o nakręcenie filmu z rozciąganiem, ponieważ proste kroki mu nie wystarczały. Po raz pierwszy trzymał pióro w dłoniach i nigdy nie pracował z Photoshopem. Nagrałem krótki film, który pokazuje, jak wykonałem te ćwiczenia rozciągające. To bardzo proste, ale ten rodzaj szkolenia z pióra jest w rzeczywistości bardzo przydatny, zwłaszcza podczas pracy z kolorem. Byłoby wspaniale, gdybyś podczas uruchamiania ustawiał Opacity i Flow na nacisk pióra. Nawiasem mówiąc, w tym przypadku nie trzeba bardzo obniżać tych parametrów. Można to zobaczyć na filmie. Prawie cały czas używam krycia 50%.

Dokument o nieopłacalności grafiki komputerowej w kinie jako biznesie. Firma, która stworzyła Life of PI, zbankrutowała dwa tygodnie przed zdobyciem Oscara. W ciągu ostatnich 10 lat zamknięto 21 znanych studiów efektów specjalnych w Hollywood. Pomimo tego, że CG jest tradycyjnie branżą, w której ludzie pracują dzień i noc bez dni wolnych (swoją drogą, także przy produkcji wideo) i bez gwarancji - prawie każdy jest zatrudniany indywidualnie na czas trwania projektu i stale zmienia pracę, często opuszczając swoje rodziny na miesiące i lata. Prawie cały amerykański przemysł CG umiera przez to, że Kanada zrobiła sobie ulgi podatkowe (podobnie jak gracze, swoją drogą – dlatego Ubisoft robi tam prawie wszystko). W rezultacie artyści nieustannie przemieszczają się z kraju do kraju, gdzie są korzyści, a branża rozwija się.

Ogólnie rzecz biorąc, nadszedł czas, aby zmienić model biznesowy filmu – artyści CG są takimi samymi filmowcami jak wszyscy inni i powinni otrzymywać procent od dochodu z filmu lub wynagrodzenie godzinowe (jak operatorzy itp.), ponieważ, jak każdy działalności twórczej, trudno z góry obliczyć. Większość studiów zmusza zleceniobiorców do pracy za ustaloną cenę – mówią, płacimy ci 10 milionów i spełniajmy wszystkie nasze zachcianki. No i zaczęło się - reżyser zmienił zdanie, postanowili ponownie nakręcić scenę, zrobić ją od nowa, wyrzucić i zastąpić inną - ludzie od CG wykonują tę pracę za darmo. Stratę ponosi studio i nic nie da się z tym zrobić.
W 2013 roku bohaterowie filmu pracowali w dwóch nominowanych do Oscara filmach, które wygrały Życie Pi. Byli pracownicy zebrali się na demonstracji w pobliżu uroczystości. Kiedy ze sceny pracownicy zamkniętego już studia próbowali powiedzieć, że firma, która wykonała to dzieło, ma problem, zagłuszyła ich muzyka ze Szczęk. Dodatkowo Ang Lee, dziękując wszystkim ze sceny za udział w filmie, wymienił wszystkich poza artystami CG, którzy w tym przypadku stworzyli 70% filmu.
W rezultacie cała społeczność CG była obok siebie. W proteście artyści zaczęli umieszczać zielone ekrany na swoich facebookowych awatarach i publikować prawdziwe fotosy z filmów bez CG. Teraz cała branża VFX próbuje wypracować wspólną politykę współpracy z Hollywood.



Zasadniczo wszystkie te problemy są bardzo, bardzo znane nam w FXA, chociaż nie mówimy o CG. Opis problemów z klientami i zmian w planach - 100%.

3 marca Hollywood będzie gospodarzem ogromnego pokazu artystów VFX przeciwko największym studiom. Jednocześnie tworzy się lobby na rzecz zmiany prawa. Generalnie dużym koncernom zarzuca się oszukiwanie rządów, zmuszanie ich do walki między sobą o coraz większe zachęty dla kina kosztem podatników, podczas gdy one same czerpią zyski z ustanawiania rekordów czynszowych.

Komputer (CG) artysta, który tworzy swoje prace wyłącznie na komputerze, jest osobą wszechstronnie rozwiniętą, ponieważ do tworzenia obrazów cyfrowych trzeba mieć dużą wiedzę techniczną. To odróżnia go od zwykłych malarzy, którzy nie potrzebują zbędnych narzędzi poza płótnem, pędzlami i farbami.

1. Uważa się, że każdy artysta musi mieć talent. Jednak wszyscy znani graficy i malarze twierdzą, że sukces składa się tylko z jednego procenta talentu, pozostałe 99% to pracowitość i praca. Tak więc, biorąc jeden procent za pierwotną wartość, można zrozumieć, jak wiele wysiłku wymaga, aby artysta mógł tworzyć, pokonując wszelkie pojawiające się trudności, lenistwo i wiele innych rozrywek.

Tylko ciągły trening pozwala zrealizować swój talent.

2. Artysta komputerowy, jak każdy inny malarz, musi mieć podstawy akademickiego rysunku i malarstwa. Musi mieć mocną, pełną rękę, dobrze rozwinięty zmysł kompozycji i oko, a także poprawną percepcję kolorów. Tylko dzięki sumiennemu treningowi możliwe staje się osiągnięcie profesjonalnego mistrzostwa w rysunku.

3. Do kompetentnego wykonania obrazów cyfrowych, oprócz klasycznych podstaw rysunku i malarstwa, wymagana jest również dodatkowa wiedza, taka jak język obcy i opanowanie specjalnych programów graficznych. Bez tych umiejętności rysowanie nie przyniesie przyjemności, a jedynie stanie się "Ciężki ładunek".

4. Oczywiście do tworzenia grafiki komputerowej, zwłaszcza trójwymiarowej i animowanej, potrzebny jest dość mocny komputer.

5. Warunkiem koniecznym jest idealnie skalibrowany monitor z doskonałym odwzorowaniem kolorów i wysoką rozdzielczością.

6. Aby zrealizować swój potencjał twórczy jako artysty CG, będziesz potrzebować dodatkowych urządzeń, takich jak mysz komputerowa, tablety graficzne, skaner i aparat cyfrowy.

Podczas pracy w programach wektorowych to wystarczy mysz optyczna.

Aby uzyskać dokładniejsze i bardziej złożone rysunki, będziesz potrzebować tablet lub jest również tzw. Tablety graficzne mają takie same formaty jak papier - od A6 do A3. W przypadku profesjonalnej grafiki komputerowej używany jest największy format.

Do pracy z digitizerem wymagany jest specjalny długopis w kształcie zwykłego długopisu. Ten kursor jest również nazywany rysikiem. Tablet graficzny pozwala na stworzenie rysunku jak najbardziej zbliżonego do narysowanego obrazu na zwykłym papierze; mistrzowsko wykonane dzieło może być nie do odróżnienia od dzieła wykonanego ręcznie.

Zasada działania przy pomocy digitizera jest taka sama jak na zwykłej kartce papieru, jednak „” w tym przypadku pełni rolę urządzenia graficznego, a powstały obraz pojawia się w pliku i jest wyświetlany na monitorze.

Sam digitizer jest często bardziej wartościowy dla artysty niż sam komputer.

Pomocnicze urządzenia wejściowe to skaner oraz aparat fotograficzny. Często łatwiej i bardziej odpowiednie jest narysowanie szkicu na papierze, a następnie przeniesienie go do formatu elektronicznego. Aby stworzyć niezbędne zdjęcia z natury (referencje), z pomocą przychodzi niezastąpiony pomocnik - aparat.

Istnieją już bardziej zaawansowane i droższe urządzenia, takie jak na których obraz jest tworzony na ekranie, a pióro ma atrament. Do profesjonalnego malowania cyfrowego takie urządzenie jest znacznie wygodniejsze niż zwykły tablet.

7. Również artysta komputerowy w swojej pracy czasami potrzebuje drukarka. Do drukowania dużych formatów będziesz potrzebować spiskowiec. Urządzenia te mają dość wysoki koszt i duże wymiary. Niewielu artystów może sobie pozwolić na pracę w domu.

8. Ważnym warunkiem jest doskonała znajomość programów graficznych, które są niezbędne w malarstwie cyfrowym. Istnieje wiele edytorów graficznych, z których każdy ma swoje własne cechy i zalety.

Każdy program ma swój cel.

Adobe Photoshop jest najpopularniejszym edytorem, umożliwia tworzenie zarówno obrazów rastrowych, jak i wektorowych. Ten program pozwala pracować w technice sztuki fotograficznej, tworzyć animowane obrazy.

Photoshop zapewnia szeroką gamę różnych efektów. Ponadto ten edytor graficzny posiada wiele wygodnych sposobów zapisywania i edytowania plików. Możliwości programu są tak wielkie, że jest bardzo niewielu ludzi, którzy przestudiowali je wszystkie.

Corela Paintera odnosi się również do nie mniej popularnych programów wśród artystów CG. Ten edytor graficzny ma ponad czterysta odmian pędzli. Corel jest przeznaczony przede wszystkim do tworzenia obrazów wektorowych, więc nie jest w nim wymagana ogromna różnorodność efektów i funkcji.

Adobe Ilustrator- podobne w celu i funkcji do Corel Draw program wektorowy.

3d Max, Maja, ZBrush- edytory do modelowania 3D, które wymagają do pracy wydajnego, co najmniej 4-rdzeniowego komputera. Istnieje wiele innych edytorów graficznych, z których każdy ma swój własny cel.

Licencjonowane programy kosztują dużo, ale artystom komputerowym do pracy zawodowej nadal zaleca się zakup tej wersji, aby uniknąć kłopotów z organami weryfikacyjnymi. Firmy produkujące te programy graficzne coraz częściej zwracają uwagę na zgodność z prawami autorskimi.

Istnieją alternatywne bezpłatne programy, z których najczęstszym jest KORDONEK. Artysta CG najczęściej preferuje jeden ze swoich ulubionych edytorów, ale często konieczne jest użycie innych programów.

9. Dla artysty specjalizującego się w malarstwie cyfrowym posiadanie niezbędnych umiejętności, sprzętu, narzędzi i znajomości edytorów graficznych pozwoli mu na owocne tworzenie. Ale on, jak każda kreatywna osoba, potrzebuje aprobaty kontemplatorów. Co więcej, im większe uznanie, tym lepiej dla rozwoju jego potencjału twórczego.

10. Efektem ogromnej pracy i staranności jest popyt na rynku usług.

Główne etapy tworzenia

Często początkujący artyści zastanawiają się, jak narysować zgrabną grafikę liniową. Większość doświadczonych artystów, którzy wykorzystują go w swojej pracy, tworzy go iteracyjnie. Stosuję 3 główne etapy: wybór kąta, poszukiwanie wzoru i staranne opracowanie.

Próba zrobienia wszystkiego naraz bez wystarczającego doświadczenia prowadzi do dużego wysiłku i czasu, ponieważ. zwykle jeden z trzech punktów nie jest spełniony na odpowiednim poziomie i musi zostać wykonany ponownie.

Podział na iteracje pozwala skoncentrować się na niewielkim nakładzie pracy. Wybierając wcześniej kąt, możesz zacząć szukać projektu, nie przeciążając się zbyt dużą kontrolą perspektywy. A ponieważ w procesie poszukiwania projektu w ten czy inny sposób na rysunku powstanie nadmiar „brudu”, nie można marnować wysiłku na zbyt schludne linie. Na ostatnim etapie nie musimy już szukać wzoru i kąta, więc możemy wszystko szybko i dokładnie zakreślić.

Następnie dodajemy zokludowane. Okluzja to cień z rozproszonego światła. Otaczający nas świat jest tak urządzony, że światło rozproszone występuje zawsze, gdy jest przynajmniej jedno źródło światła. Widzimy ją wokół nas przez całe życie i możemy ją przeczytać, niezależnie od tego, czy wiemy o jej istnieniu, czy nie, i czy rozumiemy zasady, na jakich działa. Dodanie okluzhen do rysunku pomaga osiągnąć lepszy transfer objętości.

Kolejnym krokiem jest kolor. Wybierając kolory dla poszczególnych części obiektu, należy zadbać o to, aby dobrze razem wyglądały. Nie ma złych ani dobrych kolorów, wszystko zależy od wybranych kombinacji.

Na osobnej warstwie narysuj wszystkie własne i padające cienie detali oraz całego obiektu jako całości.

Dostosowujemy intensywność okluzji, aby nie zaciemniała naszego oscyloskopu.

Pokazujemy wpływ światła słonecznego i dodajemy refleksy z otaczającej przestrzeni.

Na tym etapie naszym zadaniem jest pokazanie różnicy we właściwościach materiałów. Niektóre z nich dobrze odbijają światło, inne wręcz przeciwnie, pochłaniają. Niektóre części mają gładkie powierzchnie, a inne szorstkie. Wszystko to powinno znaleźć odzwierciedlenie w ich wyglądzie.

Dodaj znaczniki do ekranu i prześledź z belki.

W post-processingu dodajemy wyostrzenie i lekko dostosowujemy kolory.

Cały wykład znajdziesz tutaj:

Korzystanie z pakietów 3D

Jak widać, do stworzenia tego obrazu użyto tylko edytora 2D. To więcej niż wystarczająco, aby zobrazować tak prosty przedmiot. Jednak w przypadku złożonych scen przed ilustratorem stoi szereg trudnych zadań, z których jednym jest zbudowanie odpowiedniej perspektywy i oświetlenia. W takiej sytuacji najlepszym rozwiązaniem jest skorzystanie z kilku edytorów 2D i 3D. Jako edytor 2D posługuję się „branżowym standardem” – Photoshopem. A do modelowania trójwymiarowego wybrałem dla siebie Zbrusha i Mayę. Pierwszy to najpopularniejszy pakiet do rzeźbienia, a drugi jest dość łatwy do nauczenia, ale jednocześnie ma kilka poważnych funkcji.

Poniżej znajdują się ilustracje, które stworzyłem za pomocą tej kombinacji narzędzi:

Ta technika tworzenia ilustracji jest dość łatwa do nauczenia. Oto przykładowe prace moich uczniów:

Czas trwania: 8 lekcji po 2-3 godziny

Koszt: 3900 rubli.

Rozbudowany kurs rysunku komputerowego, z którego poznasz zasady rysunku cyfrowego oraz zdobędziesz umiejętności niezbędne do tworzenia grafiki 2D oraz wdrażania pomysłów do gier komputerowych. Podczas szkolenia narysujesz własną oryginalną postać, przestrzeń gry, obiekty i nie tylko.

Dla kogo:
Kurs będzie przydatny dla początkujących artystów CG, grafików i tradycyjnych artystów, którzy chcą poszerzyć swoje umiejętności i opanować nowe możliwości w rysowaniu. Innymi słowy, ten kurs będzie przydatny dla artystów z dowolnej dziedziny malarstwa cyfrowego.

Osobliwości:
Podobne kursy w pracowniach rysunkowych w Moskwie i Petersburgu kosztują 20-30 tysięcy rubli. plus bilety kolejowe, zakwaterowanie i wyżywienie. Nie każdego stać na taką przyjemność, a na wyjazd trzeba wygospodarować kilka dni.

Z pomocą naszego kursu otrzymasz taką samą ilość wiedzy, ale w najniższej cenie i w dogodnym dla Ciebie harmonogramie życia.

Zalety:
- najniższa cena;
- nagrania wideo wszystkich lekcji;
- system szkoleń krok po kroku;
- informacja zwrotna od nauczyciela;
- analiza pracy domowej;
- indywidualne podejście;
- Pomoc przy organizacji portfela.

Kurs wideo jest przeznaczony na 2 miesiące, jedna lekcja tygodniowo + praca domowa, tylko 8 lekcji krok po kroku przez 2-3 godziny i 7 prac domowych. Do każdego zadania domowego otrzymasz szczegółową analizę wideo od nauczyciela.

Możesz uczyć się lekcji i wykonywać zadania w dogodnym dla siebie czasie.

Do ukończenia kursu potrzebny będzie komputer, internet, tablet graficzny oraz edytor graficzny Photoshop.

Dla głównej grupy 10 osób - 3900 rubli (koszt w dodatkowej grupie - 8000 rubli). Samokształcenie 2900 rub.

Wynik / będzie wiedział, będzie mógł

• Opanujesz podstawowe umiejętności rysunku cyfrowego, zasady tworzenia grafiki komputerowej 2D i nauczysz się, jak wcielać pomysły w życie z wysoką jakością. Ta baza wiedzy da ci dużą przewagę w rozwijaniu swoich umiejętności jako artysty CG. Również w Twoim portfolio pojawią się wysokiej jakości prace, które z pewnością pomogą Ci w dalszym zatrudnieniu.

Program

Obejmuje:

1. PRZYGOTOWANIE. Teoria, preprodukcja, konfiguracja Photoshopa, tabletu, pędzli, tworzenie palety i wiele więcej.
2. KONCEPCJA. Poszukuję referencji, rysuję szkice.
3. CHARAKTER. Rozważ cały proces tworzenia postaci.
4. PRZEDMIOT. Opracujemy inwentarz dla Twojej postaci.
5. BUDOWANIE. Zajmijmy się zasadami konstrukcji, cieniami, objętością i nie tylko.
6. LOKALIZACJA. Tworzymy przestrzeń do zabawy - drzewa, kamienie, różne faktury.
7. INTERFEJS. Narysujemy ikony i przyciski, popracujemy z czcionkami, dotkniemy użyteczności i wiele więcej.
8. WNIOSEK Podsumujmy i zaprojektujmy pracę do portfolio.

Pisz o nieistotnych informacjach.