Na fabule nowotestamentowej przypowieści o synu marnotrawnym, wystawionej w Ermitażu.

Obraz przedstawia ostatni epizod przypowieści, kiedy syn marnotrawny wraca do domu: „a gdy był jeszcze daleko, ujrzał go jego ojciec i zlitował się; i biegnąc upadł mu na szyję i pocałował go ”, a jego starszy sprawiedliwy brat, który pozostał z ojcem, rozgniewał się i nie chciał wejść.

Fabuła przyciągnęła uwagę słynnych poprzedników Rembrandta: Dürera, Boscha, Łukasza z Lejdy, Rubensa.

Jest to największy obraz Rembrandta o tematyce religijnej.

Kilka osób zebrało się na niewielkim obszarze przed domem. Po lewej stronie obrazu przedstawiony jest klęczący syn marnotrawny, odwrócony plecami do widza. Jego twarzy nie widać, głowa jest napisana w profilu perdu. Ojciec delikatnie dotyka ramion syna, obejmując go. Obraz jest klasycznym przykładem kompozycji, w której główny element jest mocno przesunięty od centralnej osi obrazu w celu jak najdokładniejszego ujawnienia głównej idei dzieła. „Rembrandt podkreśla główną rzecz na obrazie światłem, skupiając na nim naszą uwagę. Centrum kompozycyjne znajduje się prawie na krawędzi obrazu. Artysta równoważy kompozycję ze stojącą po prawej stronie postacią najstarszego syna. Umieszczenie głównego centrum semantycznego w jednej trzeciej wysokości odpowiada prawu złotego podziału, którym od starożytności posługiwali się artyści w celu uzyskania jak największej wyrazistości swoich dzieł.

Ogolona jak skazaniec głowa syna marnotrawnego i jego sfatygowane ubranie świadczą o upadku. Kołnierzyk zachowuje nutę dawnego luksusu. Buty są wytarte i wzruszający szczegół - jeden upadł, gdy syn ukląkł. W głębi domyślany jest ganek, a za nim dom ojca. Główne postacie mistrz umieścił na styku przestrzeni obrazowych i realnych (później płótno umieszczono na dole, ale zgodnie z intencją autora jego dolna krawędź przechodziła na wysokość palców klęczącego syna). „Głębia przestrzeni jest przekazywana przez konsekwentne osłabianie światła i cienia oraz kontrastów kolorystycznych, począwszy od pierwszego planu. W rzeczywistości budują ją postacie świadków sceny przebaczenia, stopniowo rozpływające się w półmroku. „Mamy zdecentralizowaną kompozycję z główną grupą (węzłem zdarzenia) po lewej stronie i cezurą oddzielającą ją od grupy świadków zdarzenia po prawej stronie. Zdarzenie powoduje, że uczestnicy sceny reagują w różny sposób. Fabuła jest zbudowana zgodnie ze schematem kompozycyjnym „odpowiedź”.

Oprócz ojca i syna na zdjęciu przedstawiono jeszcze 4 postacie. Są to ciemne sylwetki, które trudno odróżnić na ciemnym tle, ale kim są, pozostaje tajemnicą. Niektórzy nazywali ich „braćmi i siostrami” bohatera. Charakterystyczne jest, że Rembrandt unika konfliktu: przypowieść mówi o zazdrości posłusznego syna, a harmonia obrazu nie jest w żaden sposób naruszona.

Pracownica Ermitażu Irina Linnik uważa, że ​​obraz Rembrandta ma pierwowzór w drzeworycie Cornelisa Antonissena (1541), na którym klęczący syn i ojciec są również przedstawieni w otoczeniu postaci. Ale na grawerunku wpisane są te postacie - Wiara, Nadzieja, Miłość, Pokuta i Prawda. Na niebie rycina po grecku, hebrajsku i łacinie mówi „Bóg”. Rentgen płótna Ermitażu wykazał wstępne podobieństwo obrazu Rembrandta ze szczegółami wspomnianego ryciny. Nie da się jednak przeprowadzić bezpośredniej analogii – obraz przypomina tylko niejasno jedną z alegorii Antonissena (najdalszą i niemal znikającą w mroku), która przypomina alegorię Miłości, a ponadto ma czerwony medalion. Być może jest to obraz matki syna marnotrawnego.

Trudniejsze do odgadnięcia są dwie postacie w tle, znajdujące się w centrum (najwyraźniej kobieta, być może służąca lub inna personifikowana alegoria; oraz mężczyzna). Siedzący młodzieniec z wąsami, jeśli śledzić fabułę przypowieści, może być drugim, posłusznym bratem. Istnieją spekulacje, że drugi brat jest w rzeczywistości poprzednią „kobiecą” postacią obejmującą kolumnę. I być może nie jest to tylko kolumna - kształtem przypomina filar świątyni jerozolimskiej i może równie dobrze symbolizować filar Prawa, a fakt, że ukrywa się za nim sprawiedliwy brat, nabiera symbolicznego dźwięku.

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełna treść artykułu tutaj →

Data powstania: 1666–1669.
Rodzaj: płótno, olej.
Lokalizacja: Ermitaż, Sankt Petersburg.

To arcydzieło sztuki biblijnej po raz kolejny potwierdza status Rembrandta jako jednego z najlepszych artystów wszechczasów i doskonałego mistrza przedstawiania tematów religijnych. Ukończony w ostatnich latach życia autora obraz przedstawia scenę z przypowieści z Ewangelii Łukasza, według której ojciec (uosabiający Pana) odpuszcza wszystkie grzechy marnotrawnemu synowi.

Odniesienie do historii

Religijny ikonoklazm, który nastąpił po wyzwoleniu Holandii spod kolonialnego jarzma Hiszpanii i Kościoła katolickiego, zaowocował powstaniem kościołów o gołych ścianach, przeznaczonych na kazania i modlitwy. Władze holenderskie nie chciały dekorować ołtarzy i świątyń freskami, obrazami ani żadną inną formą sztuki. Zamiast tego kraj stał się znany światu malarskiemu ze swoich realistycznych obrazów, w tym portretów i martwych natur (zwłaszcza z gatunku Vanitas). Wszystkie te prace zawierały różne przesłania moralizatorskie. Nic dziwnego, że Holendrzy przybyli do „sztuki protestanckiej”. Stał się takim protestanckim artystą Rembrandta.

Chociaż w Holandii nie było już potrzeby sztuki chrześcijańskiej i ołtarzowej, z wizerunkami świętych, archaniołów, męczenników, świętych, jak dzieło flamandzkiego mistrza Petera Paula Rubensa, publiczność nadal interesowała się tematami ze Starego Testamentu, pełnymi dramatycznych wydarzeń i wykształcony Rembrandt, dobrze znający tematy biblijne, wielokrotnie tworzył dzieła oparte na opowiadaniach z tej księgi.

Powrót syna marnotrawnego

Jeden z ostatnich obrazów mistrza nie zawiera charakterystycznego dla niego dynamizmu. Podobnie jak patriarcha Starego Testamentu, ojciec kładzie ręce na ramionach pokutnika, ogolonego i ubranego w nędzne szaty. Jego gestom towarzyszy cisza, oczy ma półprzymknięte. Akt przebaczenia staje się zarówno błogosławieństwem, jak i zadośćuczynieniem za grzechy, nawiązując do idei przebaczenia grzeszników w chrześcijaństwie. Ten obraz jest niezwykle uduchowiony i pozbawiony wszelkich anegdotycznych aspektów. Starszy brat pokutnika, stojący po prawej stronie, według pierwotnego źródła, robił wyrzuty ojcu, że sam służył mu przez wiele lat nie naruszając przykazań, podczas gdy syn marnotrawny trwonił pieniądze i zachowywał się niewłaściwie, ale Rembrandt przerwał tę rozmowę na bok, pogrążając akcję w całkowitej ciszy. Rembrandt już wcześniej zajmował się tematem syna marnotrawnego, jako rytownik, tworzył też szkice i rysunki, ale w tej monumentalnej wersji można zobaczyć najbardziej wzruszającą i skomplikowaną psychologicznie konfrontację między braćmi. Pomysłowy Rembrandt doskonale oddaje szczerość syna marnotrawnego, a także uczucia kochającego i łaskawego ojca. Ciepła i harmonijna paleta barw, obejmująca odcienie ochry, złota, oliwki i szkarłatu, tworzy niezwykłe uczucie spokoju i delikatności.

Wiek XVII znany jest nie tylko z końca inkwizycji, ale także z tego, że popularna stała się fabuła biblijnej przypowieści o synu marnotrawnym. Młody człowiek, który wziął swoją część spadku i ojca, udał się w podróż. Wszystko sprowadzało się do pijaństwa i hulanek, a później młody człowiek dostał pracę jako pasterz świń. Po długich próbach i trudach wrócił do domu, a jego ojciec go zaakceptował i wybuchnął płaczem ...

Artyści tamtych czasów zaczęli aktywnie wykorzystywać wizerunek pechowego syna, przedstawiając go albo grającego w karty, albo oddającego się przyjemnościom z pięknymi damami. Była to aluzja do kruchości i znikomości przyjemności grzesznego świata.

Potem pojawił się Rembrandt Harmenszoon van Rijn, który w latach 1668-1669 stworzył płótno tak odbiegające od ogólnie przyjętych kanonów. Aby zrozumieć i odsłonić najgłębszy sens tej fabuły, artysta przeszedł trudną drogę życiową – stracił wszystkich bliskich, ujrzał sławę i majątek, smutek i biedę.

„Powrót syna marnotrawnego” to żal za utraconą młodością, żal, że straconych dni nie da się odzyskać i pożywka dla umysłów wielu historyków i historyków sztuki.

Spójrz na samo płótno - jest ponure, ale wypełnione specjalnym światłem skądś z głębin i ukazuje teren przed bogatym domem. Zebrała się tu cała rodzina, niewidomy ojciec obejmuje klęczącego syna. To jest cała fabuła, ale płótno jest wyjątkowe, przynajmniej w swoich technikach kompozytorskich.

Płótno jest bogate w szczególne wewnętrzne piękno, na zewnątrz jest brzydkie, a nawet kanciaste. To tylko pierwsze wrażenie, które rozprasza tajemnicze światło przekraczające granice ciemności, zdolne przykuć uwagę każdego widza i oczyścić jego duszę.

Rembrandt umieszcza główne postacie nie pośrodku, ale nieco przesunięte w lewą stronę - tak najlepiej ujawnia się główna idea obrazu. Artysta podkreśla to, co najważniejsze, nie obrazami i detalami, ale światłem, które przenosi wszystkich uczestników wydarzenia na skraj płótna.

Warto zauważyć, że najstarszy syn w prawym rogu staje się balansem dla takiej techniki kompozytorskiej, a cały obraz podlega złotemu podziałowi. Artyści wykorzystali to prawo, aby jak najlepiej oddać wszystkie proporcje. Ale Rembrandt okazał się pod tym względem wyjątkowy - zbudował płótno w oparciu o postacie, które oddają głębię przestrzeni i otwierają schemat odpowiedzi, czyli reakcję na wydarzenie.

Bohaterem biblijnej przypowieści jest syn marnotrawny, którego artysta przedstawił jako skinheada. W tamtych czasach łysi byli tylko skazańcy, więc młody człowiek spadł do najniższych warstw społecznych. Kołnierzyk jego garnituru jest ukłonem w stronę luksusu, jaki kiedyś zaznał młody człowiek. Buty są zdarte prawie do dziur, a jeden spadł, gdy ukląkł - dość wzruszający i przejmujący moment.

Starzec, który obejmuje syna, jest pomalowany w czerwone szaty noszone przez bogatych ludzi i wydaje się być ślepy. Co więcej, legenda biblijna o tym nie mówi, a badacze uważają, że cały obraz jest obrazem samego artysty na różnych obrazach symbolizujących duchowe odrodzenie.

Rembrandta

Obraz najmłodszego syna jest obrazem samego artysty, który postanowił odpokutować za swoje występki, oraz ziemskiego ojca i Boga, który wysłucha i być może wybaczy, to starzec w czerwieni. Najstarszy syn, patrzący z wyrzutem na brata, jest sumieniem, a matka staje się symbolem miłości.

Na obrazku są jeszcze 4 postacie ukryte w cieniu. Ich sylwetki są ukryte w ciemnej przestrzeni, a naukowcy nazywają je braćmi i siostrami. Artysta przedstawiłby ich jako krewnych, gdyby nie jeden szczegół: przypowieść opowiada o zazdrości starszego brata o młodszego, ale Rembrandt to wyklucza, stosując psychologiczną technikę harmonii rodzinnej. Liczby oznaczają wiarę, nadzieję, miłość, skruchę i prawdę.

Ciekawe jest również to, że sam mistrz pędzla nie jest uważany za osobę pobożną. Myślał i cieszył się ziemskim życiem, posiadając myślenie najzwyklejszego człowieka ze wszystkimi jego lękami i doświadczeniami. Najprawdopodobniej z tego powodu Powrót syna marnotrawnego jest ilustracją ludzkiej drogi do samopoznania, samooczyszczenia i duchowego wzrostu.

Ponadto środek obrazu jest uważany za odbicie wewnętrznego świata artysty, jego światopoglądu. Jest zdystansowanym obserwatorem, który chce uchwycić istotę tego, co się dzieje i wciągnąć widza w świat ludzkich losów i przeżyć.

Obraz jest poczuciem bezgranicznej radości rodziny i ojcowskiej opieki. Być może zatem można nazwać głównego bohatera ojcem, a nie synem marnotrawnym, który stał się przyczyną manifestacji hojności.

Przyjrzyj się bliżej temu mężczyźnie - wydaje się starszy niż sam czas, a jego ślepe oczy są niewytłumaczalne, podobnie jak łachmany młodzieńca wypisane złotem. Dominującą pozycję ojca na obrazie potwierdza zarówno cichy triumf, jak i ukryty splendor. Odzwierciedla współczucie, przebaczenie i miłość.

... Rembrandt zmarł w wieku 63 lat. Był starym, biednym, złym i chorym starcem. Notariusz szybko opisał jego rzeczy: parę bluz, kilka chusteczek do nosa, tuzin beretów, przybory plastyczne i Biblię.

Mężczyzna westchnął i przypomniał sobie, że artysta urodził się w biedzie. Ten wieśniak wiedział wszystko, a jego życie przypominało żywioły, wstrząsając duszą falami triumfu i wielkości, chwały i bogactwa, prawdziwej miłości i niewiarygodnych długów, prześladowań, pogardy, bankructwa i biedy.

Przeżył śmierć dwóch kobiet, które kochał, opuścili go uczniowie i wyśmiali go społeczeństwo, ale Rembrandt pracował tak samo, jak w okresie rozkwitu talentu i sławy. Artysta wciąż kreślił fabułę przyszłego płótna, zbierał kolory i światłocień.

Jeden z największych mistrzów pędzla zmarł samotnie, ale odkrył malarstwo jako drogę do najlepszego ze światów, jako jedność istnienia obrazu i myśli. Jego twórczość z ostatnich lat to nie tylko refleksja nad znaczeniami biblijnej opowieści o synu marnotrawnym, ale także umiejętność zaakceptowania siebie bez niczego i przebaczenia sobie przed szukaniem przebaczenia u Boga lub sił wyższych.

Płótno, olej.
Rozmiar: 260 × 203 cm

Opis obrazu „Powrót syna marnotrawnego” Rembrandta

Malarz: Rembrandt Harmenszoon van Rijn
Tytuł obrazu: „Powrót syna marnotrawnego”
Obraz został namalowany: 1666-1669
Płótno, olej.
Rozmiar: 260 × 203 cm

Wiek XVII znany jest nie tylko z końca inkwizycji, ale także z tego, że popularna stała się fabuła biblijnej przypowieści o synu marnotrawnym. Młody człowiek, który wziął swoją część spadku i ojca, udał się w podróż. Wszystko sprowadzało się do pijaństwa i hulanek, a później młody człowiek dostał pracę jako pasterz świń. Po długich próbach i trudnościach wrócił do domu, a jego ojciec przyjął go i wybuchnął płaczem.

Artyści tamtych czasów zaczęli aktywnie wykorzystywać wizerunek pechowego syna, przedstawiając go albo grającego w karty, albo oddającego się przyjemnościom z pięknymi damami. Była to aluzja do kruchości i znikomości przyjemności grzesznego świata. Potem pojawił się Rembrandt Harmenszoon van Rijn, który w latach 1668-1669 stworzył płótno tak odbiegające od ogólnie przyjętych kanonów. Aby zrozumieć i odsłonić najgłębszy sens tej fabuły, artysta przeszedł trudną drogę życiową – stracił wszystkich bliskich, ujrzał sławę i majątek, smutek i biedę.

„Powrót syna marnotrawnego” to żal za utraconą młodością, żal, że straconych dni nie da się odzyskać i pożywka dla umysłów wielu historyków i historyków sztuki.

Spójrz na samo płótno - jest ponure, ale wypełnione specjalnym światłem skądś z głębin i ukazuje teren przed bogatym domem. Zebrała się tu cała rodzina, niewidomy ojciec obejmuje klęczącego syna. To jest cała fabuła, ale płótno jest wyjątkowe, przynajmniej w swoich technikach kompozytorskich. Płótno jest bogate w szczególne wewnętrzne piękno, na zewnątrz jest brzydkie, a nawet kanciaste. To tylko pierwsze wrażenie, które rozprasza tajemnicze światło przekraczające granice ciemności, zdolne przykuć uwagę każdego widza i oczyścić jego duszę.

Rembrandt umieszcza główne postacie nie pośrodku, ale nieco przesunięte w lewą stronę - tak najlepiej ujawnia się główna idea obrazu. Artysta podkreśla to, co najważniejsze, nie obrazami i detalami, ale światłem, które przenosi wszystkich uczestników wydarzenia na skraj płótna. Warto zauważyć, że najstarszy syn w prawym rogu staje się balansem dla takiej techniki kompozytorskiej, a cały obraz podlega złotemu podziałowi. Artyści wykorzystali to prawo, aby jak najlepiej oddać wszystkie proporcje. Ale Rembrandt okazał się pod tym względem wyjątkowy - zbudował płótno w oparciu o postacie, które oddają głębię przestrzeni i otwierają schemat odpowiedzi, czyli reakcję na wydarzenie.

Bohaterem biblijnej przypowieści jest syn marnotrawny, którego artysta przedstawił jako skinheada. W tamtych czasach łysi byli tylko skazańcy, więc młody człowiek spadł do najniższych warstw społecznych. Kołnierzyk jego garnituru jest ukłonem w stronę luksusu, jaki kiedyś zaznał młody człowiek. Buty są zdarte prawie do dziur, a jeden spadł, gdy ukląkł - dość wzruszający i przejmujący moment.

Starzec, który obejmuje syna, jest pomalowany w czerwone szaty noszone przez bogatych ludzi i wydaje się być ślepy. Co więcej, legenda biblijna o tym nie mówi, a badacze uważają, że cały obraz jest obrazem samego artysty na różnych obrazach symbolizujących duchowe odrodzenie.

Obraz najmłodszego syna jest obrazem samego artysty, który postanowił odpokutować za swoje występki, oraz ziemskiego ojca i Boga, który wysłucha i być może wybaczy, to starzec w czerwieni. Najstarszy syn, patrzący z wyrzutem na brata, jest sumieniem, a matka staje się symbolem miłości.

Na obrazku są jeszcze 4 postacie ukryte w cieniu. Ich sylwetki są ukryte w ciemnej przestrzeni, a naukowcy nazywają je braćmi i siostrami. Artysta przedstawiłby ich jako krewnych, gdyby nie jeden szczegół: przypowieść opowiada o zazdrości starszego brata o młodszego, ale Rembrandt to wyklucza, stosując psychologiczną technikę harmonii rodzinnej. Liczby oznaczają wiarę, nadzieję, miłość, skruchę i prawdę.

Ciekawe jest również to, że sam mistrz pędzla nie jest uważany za osobę pobożną. Myślał i cieszył się ziemskim życiem, posiadając myślenie najzwyklejszego człowieka ze wszystkimi jego lękami i doświadczeniami. Najprawdopodobniej z tego powodu Powrót syna marnotrawnego jest ilustracją ludzkiej drogi do samopoznania, samooczyszczenia i duchowego wzrostu.

Ponadto środek obrazu jest uważany za odbicie wewnętrznego świata artysty, jego światopoglądu. Jest zdystansowanym obserwatorem, który chce uchwycić istotę tego, co się dzieje i wciągnąć widza w świat ludzkich losów i przeżyć.

Obraz jest poczuciem bezgranicznej radości rodziny i ojcowskiej opieki. Być może zatem można nazwać głównego bohatera ojcem, a nie synem marnotrawnym, który stał się przyczyną manifestacji hojności. Przyjrzyj się bliżej temu mężczyźnie - wydaje się starszy niż sam czas, a jego ślepe oczy są niewytłumaczalne, podobnie jak łachmany młodzieńca wypisane złotem. Dominującą pozycję ojca na obrazie potwierdza zarówno cichy triumf, jak i ukryty splendor. Odzwierciedla współczucie, przebaczenie i miłość.

... Rembrandt zmarł w wieku 63 lat. Był starym, biednym, złym i chorym starcem. Notariusz szybko opisał jego rzeczy: parę bluz, kilka chusteczek do nosa, tuzin beretów, przybory plastyczne i Biblię. Mężczyzna westchnął i przypomniał sobie, że artysta urodził się w biedzie. Ten wieśniak wiedział wszystko, a jego życie przypominało żywioły, wstrząsając duszą falami triumfu i wielkości, chwały i bogactwa, prawdziwej miłości i niewiarygodnych długów, prześladowań, pogardy, bankructwa i biedy.

Przeżył śmierć dwóch kobiet, które kochał, opuścili go uczniowie i wyśmiali go społeczeństwo, ale Rembrandt pracował tak samo, jak w okresie rozkwitu talentu i sławy. Artysta wciąż kreślił fabułę przyszłego płótna, zbierał kolory i światłocień.

Jeden z największych mistrzów pędzla zmarł samotnie, ale odkrył malarstwo jako drogę do najlepszego ze światów, jako jedność istnienia obrazu i myśli. Jego twórczość z ostatnich lat to nie tylko refleksja nad znaczeniami biblijnej opowieści o synu marnotrawnym, ale także umiejętność zaakceptowania siebie bez niczego i przebaczenia sobie przed szukaniem przebaczenia u Boga lub sił wyższych.

Wyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http:// www. wszystkiego najlepszego. en/

1. Obraz „Powrót syna marnotrawnego” został namalowany w latach 1668-1669. holenderski malarz Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Teraz jest przechowywany w Ermitażu. Rozmiar obrazu to 262 x 205 cm, olej na płótnie.

2. Mitologia (gatunek)

3. Fabuła obrazu była ostatnią częścią biblijnej przypowieści, która opowiada o zagubionym synu, który w końcu dociera do rodzimych progów i żałuje przed ojcem. Rodzic cieszy się na widok żywego i nieszczęśliwego młodszego potomka, przytula go jak ojciec, a starszy brat jest zły i nie pasuje.

Ryż. 1 Rembrandta. Powrót syna marnotrawnego

To była ta wyimaginowana scena, która leżała na płótnie. Mistrz doskonale oddał ojcowskie uczucia i skruchę syna. Młody mężczyzna klęczy przed rodzicem, przyciskając ogoloną głowę do ciała ojca. Jego ubrania są brudne i podarte, noszą ślady dawnej świetności i luksusu, ale widać wyraźnie, że młody człowiek upadł na samo dno ludzkich grzechów i nie mógł się z niego podnieść. Jego stopy przemierzyły wiele ścieżek. Świadczą o tym zużyte buty, nie można ich już nazwać butami – jeden but po prostu nie spoczywa na stopie. Twarz syna jest ukryta, malarz przedstawił go w taki sposób, że widz sam odgadł, jakie uczucia mogą malować się na twarzy młodego mężczyzny.

Główną postacią pracy jest ojciec. Jego postać jest lekko pochylona w stronę syna, dłońmi delikatnie ściska ramiona syna, głowa ma lekko pochyloną w lewo. Cała poza tego starca mówi o cierpieniu i żalu, których doświadczał przez te wszystkie lata, kiedy jego syna nie było w domu. Tymi ruchami wydaje się, że wybacza synowi, jego powrót do ojca jest wielką radością. Ojciec patrzy na klęczącego chłopca i uśmiecha się. Jego twarz jest pogodna, a starzec szczęśliwy. Narożnik wewnętrzny domu: płaskorzeźby rzeźbione, kolumny; strój starca: czerwony płaszcz i brokatowe rękawy w jego rozcięciach - mówią o pomyślności domu, bogactwie i godności zgromadzonych tutaj.

Z pozostałymi czterema cyframi eksperci nie domyślili się tego do końca. Wersje różnią się znacznie. Jednym z założeń jest to, że siedzący młodzieniec z wąsami i eleganckim kapeluszem ozdobionym piórkiem jest starszym bratem syna marnotrawnego. Być może tak, skoro jego wyraz twarzy mówi o potępieniu i nie uczestniczy w pojednaniu krewnych.

Ryż. Rembrandta. Powrót syna marnotrawnego. (Fragment)

Za najbardziej odległą postać uważa się postać kobiecą – ledwo widoczna dziewczyna w chustce stojąca na schodach mogłaby być służącą w domu ojca. Mężczyzna stojący obok penitenta trzyma laskę, ma na sobie płaszcz, ma długą brodę, a na głowie ma turban. Cały jego wygląd sugeruje, że może być tym samym wędrowcem, ale bardziej inteligentnym i wymagającym dla własnych celów. Wzrok tego niemego świadka utkwiony jest w młodzieńcu klęczącym przed ojcem. Jakie myśli zaciemniają twarz wędrowca, można tylko zgadywać.

Całe płótno jest napisane w ulubionych czerwono-brązowych odcieniach Rembrandta. Artyście udało się umiejętnie wyeksponować lekkie akcenty na twarzach przedstawionych osób i stłumić postacie drugoplanowe. Nawet nie wiedząc, co jest napisane w biblijnej przypowieści, widząc to wielkie dzieło, możesz przeczytać o nim wszystko.

4. Obraz Rembrandta „Powrót syna marnotrawnego” jest klasycznym przykładem kompozycji, w której główny element jest mocno przesunięty ze środka, aby jak najdokładniej ujawnić główną ideę dzieła. obraz inspirowany był ewangeliczną przypowieścią. Na progu ich domu spotkali się ojciec i syn, którzy wrócili z tułaczki po świecie. Przedstawiając łachmany wędrowca, Rembrandt pokazuje trudną ścieżkę, którą przeszedł jego syn, jakby opowiadając mu słowami. Można na to patrzeć wstecz przez długi czas, współczując cierpieniu zagubionych. Głębię przestrzeni przekazuje stopniowe osłabienie kontrastów światła i cienia oraz kolorów, począwszy od pierwszego planu. W rzeczywistości budują ją postacie świadków sceny przebaczenia, stopniowo rozpływające się w półmroku.

Niewidomy ojciec położył ręce na ramionach syna na znak przebaczenia. W tym geście – cała mądrość życia, ból i tęsknota za latami przeżywanymi w niepokoju i przebaczeniu. Rembrandt podkreśla główną rzecz na zdjęciu światłem, skupiając na nim naszą uwagę. Centrum kompozycyjne znajduje się prawie na krawędzi obrazu. Artysta równoważy kompozycję ze stojącą po prawej stronie postacią najstarszego syna. Umieszczenie głównego centrum semantycznego w jednej trzeciej wysokości odpowiada prawu złotego podziału, którym od starożytności posługiwali się artyści w celu uzyskania jak największej wyrazistości swoich dzieł.

Zasada złotego podziału (jedna trzecia): Najważniejszy element obrazu znajduje się zgodnie z proporcją złotego podziału, czyli mniej więcej 1/3 całości.

Ryż. Schemat obrazu

powrót syna marnotrawnego rembrandta

5. Nie ma aktywnej akcji, statyczne, powściągliwe zewnętrznie postaci, czasem spowite blaskiem brokatowych strojów, wystają z otaczającej ich zacienionej przestrzeni. Dominujące ciemnozłote tony stonują wszystkie kolory, wśród których szczególną rolę odgrywają odcienie czerwieni płonącej od wewnątrz niczym tlące się węgle. Gęste reliefowe kreski, przesiąknięte ruchem świetlistej masy farby, łączone są w zacienionych miejscach z transparentnymi laserunkami rozpisanymi cienką warstwą. Faktura barwnej powierzchni dzieł zmarłego Rembrandta zdaje się być mieniącym się klejnotem. Ekscytujące człowieczeństwo jego obrazów jest naznaczone pieczęcią tajemniczego piękna.

6. Opowieść o synu marnotrawnym (Ewangelia Łukasza, 15:11-32) ekscytowała wielkiego holenderskiego artystę XVII wieku. Rembrandta przez całe życie. Tworzył rysunki, akwaforty, obraz na temat przypowieści o ewangelii. Artysta pojmuje drogę życia beztroskiego młodzieńca nawet w „Autoportrecie z Saskią na kolanach” (1635). Pod koniec trudnej życiowej podróży Rembrandt maluje monumentalne płótno „Powrót syna marnotrawnego”, w którym najpełniej wyraża swoje wyobrażenia o wiecznych ludzkich wartościach. Syn wraca do domu ojca, przez wiele lat nie pamiętał swojego domu i ojca, który żył beztrosko i bezczynnie. Stary ojciec spotyka skruszonego i klęczącego syna, przyciskając go do piersi. Pochylając oświetloną światłem twarz nad nieprywatnym, starzec zamarł, promieniując życzliwością i ciepłem wszechprzebaczającej miłości. Ognista czerwień i złota ochra w płaszczu starca i łachmanach młodzieńca brzmią jak triumfalny akord. Połączeni razem, ojciec i syn znajdują się w życiodajnym otoczeniu złotobrązowego światłocienia Rembrandta. Osoby postronne sceny zastygły w półmroku. Światłocień Rembrandta staje się ekwiwalentem duchowej energii człowieka, jego miłości i współczucia, przebaczenia i skruchy. Przypowieść ewangeliczna w rozumieniu i realizacji Rembrandta jest wieczna, skierowana jest do serca każdego: „I trzeba się z tego radować, że ten syn był umarły, a ożył; zaginął, a odnalazł się”.

7. Tak, nie ma wątpliwości, że obrazy Rembrandta są szczytem malarstwa holenderskiego. Szczególne miejsce zajmuje w nim jego obraz „Powrót syna marnotrawnego” (ok. 1666-69). Rembrandt napisał ją w ostatnim roku swojego życia, kiedy był już stary, biedny, śmiertelnie chory i niedołężny, żyjący w głodzie i zimnie. A jednak na przekór losowi pisał i pisał w kraju i mieście, które na zawsze wysławił.

Tematem do napisania płótna „Powrót syna marnotrawnego” była znana przypowieść ewangeliczna, która opowiada o tym, jak po długich wędrówkach w niewygodnym świecie syn marnotrawny powrócił z niespełnionymi nadziejami do porzuconego ojca.

Badacze lubią zwracać uwagę na fakt, że lewa ręka ma wyraźnie męski zarys, podczas gdy prawa bardziej przypomina dłoń kobiecą (niemal powtarza np. linię dłoni głównego bohatera na obrazie „Żydowska panna młoda ” przechowywany w Riksmuseum w Amsterdamie).

Być może w ten sposób Rembrandt symbolizuje powrót do domu ojca, gdzie zarówno matka, jak i ojciec czekają na syna.

Pracownica Ermitażu Irina Linnik uważa, że ​​obraz Rembrandta ma pierwowzór w drzeworycie Cornelisa Antonissena (1541), na którym klęczący syn i ojciec są również przedstawieni w otoczeniu postaci. Ale na grawerunku wpisane są te postacie - Wiara, Nadzieja, Miłość, Pokuta i Prawda. Na niebie rycina po grecku, hebrajsku i łacinie mówi „Bóg”. Rentgen płótna Ermitażu wykazał wstępne podobieństwo obrazu Rembrandta ze szczegółami wspomnianego ryciny.

Istnieje również wersja, że ​​dwie postacie po prawej stronie obrazu, młodzieniec w berecie i stojący mężczyzna, to ten sam ojciec i syn, ale tylko zanim syn marnotrawny opuści dom w poszukiwaniu przygód.

Rembrandt zmarł samotnie w wieku 63 lat, ale otworzył malarstwo jako drogę do najlepszego ze światów, do świata jedności istnienia obrazu i myśli.

Hostowane na Allbest.ru

Podobne dokumenty

Wykorzystanie przez Rembrandta van Rijna na rycinie „Powrót syna marnotrawnego” przypowieści o synu marnotrawnym i bezinteresownym przebaczeniu jego ojca. Interpretacja holenderskiego artysty w obrazie „Ofiara Abrahama” przykazania Bożego i obraz problemu „ojców i dzieci”.

test, dodano 21.06.2014


Biografia wielkiego holenderskiego malarza Rembrandta. Atmosfera i duch ówczesnej mieszczańskiej rodziny holenderskiej. Zrozumienie podstaw malarstwa. Kariera artystyczna Rembrandta: ryciny, obrazy, portrety. Autoportrety artysty, stworzenie "Lekcji anatomii".

streszczenie, dodano 25.01.2010


Biografia, lata praktyki Rembrandta Harmenssohna. Rozwój własnego stylu, sukces w Amsterdamie. Wpływ na dalszą karierę artysty obrazu „Nocna straż”. Znak rozpoznawczy twórczości Rembrandta. Uczniowie Rembrandta i słynne obrazy.

prezentacja, dodano 19.02.2011


Mityczny wizerunek Danae. Przedstawienie starożytnego greckiego mitu Danae. Podejście Tycjana Veccelio i Rembrandta van Rijna do rozwiązania artystyczno-plastycznego i kompozycyjnego obrazu. Cechy charakterystyczne stylów. Obraz przestrzeni świetlno-powietrznej.

test, dodano 30.11.2016


Opierając się na dorobku holenderskiej sztuki realistycznej XVII wieku, największy artysta Holandii, Rembrandt van Rijn, najczęściej bogato i głęboko urzeczywistniał to zadanie. Czarno-białe światło gamma i vikoristannya na portretach Rembrandta.

streszczenie, dodano 04.04.2008


Zapoznanie się z historią narodzin i studium Rembrandta van Rijn. Podstawy portretu malarza: jego wykorzystanie do szkiców, obrazów i rycin twarzy bliskich i własnych. Okres wielkiej sławy i życia wielkiego artysty w Amsterdamie.

prezentacja, dodano 18.03.2014


Życie i twórczość holenderskiego artysty Gerarda Dou. Zajęcia z Rembrandtem, podporządkowując go wymaganiom dotyczącym dokładności detali rysunkowych, techniki pisma, proporcji światła i cienia. Unikatowe cechy dzieł, ich wysoka wartość za życia malarza.

prezentacja, dodano 13.04.2014


Cechy kreacji wizerunku człowieka w twórczości baroku i neoklasycyzmu. Analiza „Artakserksesa, Hamana i Estery” Rembrandta oraz „Sokratesa w Aspazji” Nicoli Moncio. Porównanie cech wizualnych i kolorystycznych w dziełach wielkich mistrzów.

streszczenie, dodano 16.12.2014


Granice gatunku portretowego. Historyczny portret Iwana Groźnego. Obraz portretowy „Straż nocna” Rembrandta. „Katarzyna II na spacerze w Carskim Siole Parku”. Portret ceremonialny (reprezentacyjny), główne zadanie. „Cesarz Karol V w bitwie pod Mühlberg”.

prezentacja, dodano 15.12.2014


Charakterystyka epoki absolutyzmu, klasycyzmu, baroku. Twórczość Rembrandta i El Greco. Kultura i sztuka XIX wieku. Idee estetyczne w twórczości niemieckich romantyków. Filozofia Kanta, Hegla, teoria Schillera, idee impresjonizmu, postimpresjonizmu.