Lekkie obrazy znanych artystów. Rosyjscy malarze portretowi i ich twórczość

Strona zawiera najsłynniejsze obrazy rosyjskich artystów XIX wieku wraz z tytułami i opisami

Różnorodne malarstwo rosyjskich artystów od początku XIX wieku przyciąga swoją oryginalnością i wszechstronnością w rodzimych sztukach plastycznych. Mistrzowie malarstwa tamtych czasów nie przestali zadziwiać swoim wyjątkowym podejściem do fabuły i pełnym szacunku podejściem do uczuć ludzi, do ich rodzimej natury. W XIX wieku często malowano kompozycje portretowe z niesamowitym połączeniem emocjonalnego obrazu i epicko spokojnego motywu.

Obrazy rosyjskich artystów są wspaniałe w rzemiośle i naprawdę piękne w odbiorze, uderzająco dokładnie odzwierciedlają powiew ich czasów, wyjątkowy charakter ludzi i ich pragnienie piękna.

Płótna rosyjskich malarzy, które są najbardziej popularne: Aleksander Iwanow jest jasnym przedstawicielem malowniczego kierunku biblijnego, opowiadającego nam kolorami o epizodach z życia Jezusa Chrystusa.

Karl Bryullov jest popularnym malarzem swoich czasów, jego kierunkiem jest malarstwo historyczne, motywy portretowe, dzieła romantyczne.

Malarz morski Ivan Aivazovsky, jego obrazy są wspaniałe i można powiedzieć, że po prostu niezrównanie odzwierciedlają piękno morza z przezroczystymi toczącymi się falami, morskimi zachodami słońca i żaglówkami.

Charakterystyczna wszechstronność wyróżnia twórczość słynnego Ilyi Repina, który stworzył dzieła gatunkowe i monumentalne, odzwierciedlające życie ludzi.

Bardzo malownicze i wielkoformatowe obrazy artysty Wasilija Surikowa, opis rosyjskiej historii to jego kierunek, w którym artysta podkreślał kolorami epizody ścieżki życiowej narodu rosyjskiego.

Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malowniczy mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu, ma zawsze soczyste i jasne, romantyczne płótna, których bohaterami są znani bohaterowie opowieści ludowych.

Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malowniczy mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu, ma zawsze soczyste i jasne, romantyczne płótna, których bohaterami są znani bohaterowie opowieści ludowych. Bardzo malownicze i wielkoformatowe obrazy artysty Wasilija Surikowa, opis rosyjskiej historii to jego kierunek, w którym artysta podkreślał kolorami epizody ścieżki życiowej narodu rosyjskiego.

W malarstwie rosyjskim XIX wieku pojawił się także taki nurt, jak realizm krytyczny, kładący nacisk na kpinę, satyrę i humor w fabułach. Oczywiście był to nowy trend, nie każdy artysta mógł sobie na to pozwolić. W tym kierunku zdeterminowani byli tacy artyści jak Pavel Fedotov i Wasilij Perow.

Swoje nisze zajmowali także malarze krajobrazu tamtych czasów, wśród nich Izaak Lewitan, Aleksiej Sawrasow, Arkhip Kuindzhi, Wasilij Polenow, młody artysta Fiodor Wasiliew, malowniczy mistrz lasu, leśne polany z sosnami i brzozami z grzybami Iwan Szyszkin. Wszystkie barwnie i romantycznie odzwierciedlały piękno rosyjskiej przyrody, której różnorodność form i obrazów wiąże się z kolosalnym potencjałem otaczającego świata.

Według Levitana w każdej nucie rosyjskiej natury kryje się niepowtarzalna paleta barw, stąd ogromne pole do kreatywności. Być może na tym polega zagadka, że ​​​​płótna tworzone na rozległych obszarach Rosji wyróżniają się wyjątkową surowością, ale jednocześnie przyciągają dyskretnym pięknem, od którego trudno oderwać wzrok. Lub wcale nie zawiła i raczej nie chwytliwa fabuła, obraz Levitana Dandelions niejako zachęca widza do myślenia i dostrzegania piękna w prostocie.

Geniusze, innowatorzy, awanturnicy, pionierzy, którzy wywarli niesamowity wpływ na światową kulturę. Najwięksi rosyjscy artyści - kim oni są?

Top 7 rosyjskich artystów

Wśród najwybitniejszych i najbardziej wpływowych rosyjskich artystów:

1. Kazimierz Malewicz(1879-1935) - autor najbardziej kontrowersyjnego dzieła w historii malarstwa światowego "Czarny kwadrat". Jednak spuścizna Malewicza jest wielka i obejmuje w szczególności nie tylko „Czarne”, ale także „Czerwone” i „Białe” kwadraty. Najbardziej skandaliczny i najdroższy z rosyjskich artystów. Jego arcydzieło Suprematist Composition zostało sprzedane w Sotheby's za 60 milionów dolarów.

„Kompozycja suprematystyczna”

2. Iwan Ajwazowski(1817-1900) – najwybitniejszy rosyjski malarz marynistyczny, autor nieśmiertelnej „Dziewiątej fali”. Najbardziej płodny artysta - namalował ponad 6 tysięcy obrazów. Ze względu na ogromne dziedzictwo jest jednocześnie jednym z najczęściej podrabianych artystów na świecie. Jego prace, szeroko znane na Zachodzie, są regularnie sprzedawane na aukcjach, m.in. w Sotheby's.

Dziewiąty wał

3. Wiktor Wasniecow(1848-1936) - być może najbardziej rosyjski ze wszystkich rosyjskich artystów. Znany z dzieł gloryfikujących folklor, bajki, eposy. Nie tylko autor „Trzech bohaterów”, ale także jeden z twórców radzieckiej Budionówki.

4. Kuźma Pietrow-Wódkin(1878-1939) - najbardziej rewolucyjny artysta. Obraz „Kąpiel czerwonego konia” proroczo przepowiedział straszne wstrząsy w Rosji. Choć często krytykowano go za erotyzm (odważnie przedstawiał nie tylko nagie kobiety, ale także mężczyzn), w ogóle można go uznać za prekursora socrealizmu. Na zagranicznych aukcjach wielkim powodzeniem cieszą się nie tyle jego rewolucyjne prace, ile martwe natury.

„Kąpiel czerwonego konia”

5. Wasilij Wierieszczagin(1842-1904) – malarz batalistyczny, znany z dokumentowania okropności wojny. Najbardziej znanym dziełem jest Apoteoza wojny, przedstawiająca stos czaszek wyblakłych od palącego słońca. Przez dziesięciolecia był nękany przez władze carskie za swoje pacyfistyczne stanowisko. Jednocześnie cieszył się niesamowitą popularnością zarówno w Rosji, jak i na Zachodzie. Jego wystawę w Petersburgu w 1880 r. odwiedziło 240 tys. osób (w 40 dni), w Berlinie - 140 tys. (w 65 dni), w Wiedniu - 110 tys. (w 28 dni). O takiej sławie nie marzy wiele gwiazd muzyki pop naszych czasów.

„Apoteoza wojny”

6. Władimir Tatlin(1885–1953) – twórca konstruktywizmu, artysta plastyk, architekt, grafik. Jego prace artystyczne, zbliżone stylem do wczesnych dzieł Picassa, eksponowane są w Muzeum Pompidou w Paryżu oraz w bibliotece oksfordzkiej. Jego arcydzieło „Wieża Tatlina” jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych i powielanych symboli awangardy na świecie. Odniósł wielki sukces na Zachodzie („sztuka maszynowa Tatlina”), zainspirował całe pokolenie twórców dadaistycznych, w tym francuskiego mistrza surrealizmu Marcela Duchampa.

„Wieża Tatlina”

7. Ilja Głazunow(ur. 1930) jest najbardziej monumentalnym rosyjskim artystą. Najbardziej znany jest jego obraz „Wieczna Rosja” (wymiary 3x6 m) - malownicza kronika historii Rosji z lat 988-1988, zbiegająca się w czasie z 1000. rocznicą chrztu Rusi. W sumie stworzył ponad 3 tysiące prac (portrety, pejzaże, płótna historyczne i polityczne). Reputacja Głazunowa jest niezaprzeczalna - ktoś uważa go za geniusza, ktoś - oportunistę. Jedno jest pewne - to postać o gigantycznej skali, podobnie jak jego płótna.

„Wieczna Rosja”

Chciałbym wierzyć, że w przyszłości także w Rosji będą artyści, którzy mogą zmienić ludzkie wyobrażenia o pięknie.

„Każdy portret namalowany z uczuciem jest w istocie portretem artysty, a nie tego, który mu pozował” Oskara Wilde'a

Co trzeba zrobić, żeby być artystą? Samo naśladowanie dzieła nie może być uważane za sztukę. Sztuka jest czymś, co pochodzi z wnętrza. Pomysł autora, ekscytacja, poszukiwania, pragnienia i smutki, które są ucieleśnione na płótnie artysty. W całej historii ludzkości napisano setki tysięcy, a być może miliony obrazów. Niektóre z nich to prawdziwe arcydzieła, znane na całym świecie, znają je nawet osoby niezwiązane ze sztuką. Czy spośród takich obrazów można wyróżnić 25 najwybitniejszych? Zadanie jest bardzo trudne, ale staraliśmy się...

✰ ✰ ✰

25

Trwałość pamięci, Salvador Dali

Dzięki temu obrazowi Dali zasłynął w dość młodym wieku, miał 28 lat. Obraz ma jeszcze kilka nazw - „Miękki zegarek”, „Twardość pamięci”. To arcydzieło przyciągnęło uwagę wielu historyków sztuki. Zasadniczo interesowała ich interpretacja obrazu. Mówi się, że idea płótna Dalego jest związana z teorią względności Einsteina.

✰ ✰ ✰

24

„Taniec”, Henri Matisse

Henri Matisse nie zawsze był artystą. Swoją miłość do malarstwa odkrył po ukończeniu studiów prawniczych w Paryżu. Studiował sztukę tak gorliwie, że stał się jednym z najwybitniejszych artystów na świecie. Ten obraz ma bardzo mało negatywnej krytyki krytyków sztuki. Odzwierciedla połączenie pogańskich rytuałów, tańca i muzyki. Ludzie tańczą w transie. Trzy kolory - zielony, niebieski i czerwony - symbolizują Ziemię, Niebo i Ludzkość.

✰ ✰ ✰

23

Pocałunek, Gustav Klimt

Gustav Klimt był często krytykowany za nagość na swoich obrazach. „Pocałunek” został zauważony przez krytyków, ponieważ łączył w sobie wszystkie formy sztuki. Obraz mógłby przedstawiać samego artystę i jego kochankę Emilię. Klimt namalował to płótno pod wpływem bizantyjskich mozaik. Bizantyńczycy używali złota w swoich obrazach. Podobnie Gustav Klimt mieszał złoto w swoich farbach, aby stworzyć własny styl malowania.

✰ ✰ ✰

22

Śpiący Cygan, Henri Rousseau

Nikt poza samym Rousseau nie potrafiłby lepiej opisać tego obrazu. Oto jego opis - „koczownicza Cyganka, która śpiewa swoje piosenki do mandoliny, śpi na ziemi ze zmęczenia, jej dzban wody pitnej leży w pobliżu. Przechodzący lew podszedł, by ją powąchać, ale jej nie dotknął. Wszystko skąpane w świetle księżyca, bardzo poetycka atmosfera”. Warto zauważyć, że Henri Rousseau jest samoukiem.

✰ ✰ ✰

21

„Sąd Ostateczny”, Hieronim Bosch

Bez zbędnych ceregieli - obraz jest po prostu wspaniały. Ten tryptyk jest największym z zachowanych obrazów Boscha. Lewe skrzydło przedstawia historię Adama i Ewy. Centralną częścią jest „Sąd Ostateczny” ze strony Jezusa – kto powinien iść do nieba, a kto do piekła. Ziemia, którą tu widzimy, płonie. Na prawym skrzydle przedstawiony jest odrażający obraz piekła.

✰ ✰ ✰

20

Wszyscy znają Narcyza z mitologii greckiej – człowieka, który miał obsesję na punkcie swojego wyglądu. Dali napisał własną interpretację Narcyza.

Historia jest taka. Piękny młodzieniec Narcyz z łatwością złamał serca wielu dziewczyn. Bogowie interweniowali i aby go ukarać, pokazali mu jego odbicie w wodzie. Narcyz zakochał się w sobie i umarł, bo nie mógł się przytulić. Wtedy bogowie pożałowali, że mu to zrobili i postanowili uwiecznić go w postaci kwiatu narcyza.

Po lewej stronie obrazu Narcyz patrzy na swoje odbicie. Potem zakochał się w sobie. Prawy panel pokazuje wydarzenia, które miały miejsce później, w tym powstały kwiat, żonkil.

✰ ✰ ✰

19

Fabuła obrazu oparta jest na biblijnym biciu dzieci w Betlejem. Po tym, jak narodziny Chrystusa stały się znane od Mędrców, król Herod nakazał zabić wszystkie małe dzieci płci męskiej i niemowlęta w Betlejem. Na zdjęciu rzeź osiągnęła szczyt, kilkoro ostatnich dzieci odebranych matkom czeka na bezlitosną śmierć. Widoczne są też zwłoki dzieci, dla których wszystko jest już za nimi.

Dzięki zastosowaniu bogatej kolorystyki malarstwo Rubensa stało się światowej sławy arcydziełem.

✰ ✰ ✰

18

Prace Pollocka bardzo różnią się od prac innych artystów. Położył swoje płótno na ziemi i poruszał się po płótnie i chodził po nim, kapiąc farbę z góry na płótno za pomocą patyków, pędzli i strzykawek. Dzięki tej unikalnej technice zyskał w kręgach artystycznych przydomek „Sprinkler Jack”. Przez pewien czas obraz ten nosił tytuł najdroższego obrazu świata.

✰ ✰ ✰

17

Znany również jako „Taniec w Les Moulins de la Galette”. Ten obraz jest uważany za jeden z najbardziej radosnych obrazów Renoira. Ideą obrazu jest pokazanie widzom zabawnej strony paryskiego życia. Po szczegółowym przestudiowaniu obrazu widać, że Renoir umieścił na płótnie kilku swoich przyjaciół. Ponieważ obraz wydaje się nieco wyblakły, początkowo był krytykowany przez współczesnych Renoirowi.

✰ ✰ ✰

16

Historia jest zaczerpnięta z Biblii. Ostatnia Wieczerza przedstawia ostatnią wieczerzę Chrystusa przed jego aresztowaniem. Właśnie rozmawiał ze swoimi apostołami i powiedział im, że jeden z nich go zdradzi. Wszyscy apostołowie są zasmuceni i mówią mu, że to na pewno nie oni. To właśnie ten moment da Vinci pięknie przedstawił swoim żywym obrazem. Ukończenie tego obrazu zajęło wielkiemu Leonardowi cztery lata.

✰ ✰ ✰

15

„Lilie wodne” Moneta można znaleźć wszędzie. Prawdopodobnie widziałeś je na tapetach, plakatach i okładkach magazynów o sztuce. Faktem jest, że Monet miał obsesję na punkcie lilii. Zanim zaczął je malować, wyhodował ich niezliczoną ilość. Monet zbudował most w stylu japońskim w swoim ogrodzie nad stawem z liliami. Był tak zadowolony z tego, co zrobił, że narysował tę historię siedemnaście razy w ciągu jednego roku.

✰ ✰ ✰

14

Jest w tym obrazie coś złowrogiego i tajemniczego, otacza go aura strachu. Tylko taki mistrz jak Munch potrafił przedstawić strach na papierze. Munch wykonał cztery wersje Krzyku olejami i pastelami. Z zapisów w dzienniku Muncha wynika, że ​​on sam wierzył w śmierć i duchy. Na obrazie „Krzyk” przedstawił siebie w chwili, gdy pewnego dnia spacerując z przyjaciółmi poczuł strach i podniecenie, które chciał namalować.

✰ ✰ ✰

13

Obraz, który zwykło się nazywać symbolem macierzyństwa, nie powinien był nim się stać. Mówi się, że model Whistlera, który miał pozować do obrazu, nie pojawił się, a on postanowił zamiast tego namalować swoją matkę. Można powiedzieć, że jest tu ukazane smutne życie matki artysty. Ten nastrój wynika z ciemnych kolorów użytych w tym obrazie.

✰ ✰ ✰

12

Picasso poznał Dorę Maar w Paryżu. Mówi się, że była intelektualnie bliższa Picasso niż wszystkie jego poprzednie kochanki. Używając kubizmu, Picasso był w stanie przekazać ruch w swojej pracy. Wydaje się, że twarz Maara zwraca się w prawo, w stronę twarzy Picassa. Artystka sprawiła, że ​​obecność kobiety stała się niemal realna. Może chciał czuć, że ona tam jest, zawsze.

✰ ✰ ✰

11

Van Gogh namalował Gwiaździstą noc podczas leczenia, gdzie pozwolono mu malować tylko wtedy, gdy jego stan się poprawił. Wcześniej w tym samym roku odciął sobie lewy płatek ucha. Wielu uważało artystę za szaleńca. Z całej kolekcji dzieł Van Gogha, Gwiaździsta noc jest najbardziej znana, być może ze względu na niezwykłe sferyczne światło wokół gwiazd.

✰ ✰ ✰

10

Na tym obrazie Manet odtworzył Wenus z Urbino Tycjana. Artysta miał złą reputację z przedstawiania prostytutek. Choć panowie w tamtych czasach dość często odwiedzali kurtyzany, nie sądzili, że komuś przyjdzie do głowy je narysować. Wtedy artyści preferowali malowanie obrazów o tematyce historycznej, mitycznej lub biblijnej. Jednak Manet, wbrew krytyce, pokazał publiczności swojego współczesnego.

✰ ✰ ✰

9

Ten obraz jest historycznym płótnem przedstawiającym podbój Hiszpanii przez Napoleona.

Otrzymawszy zamówienie na obrazy przedstawiające walkę ludu Hiszpanii z Napoleonem, artysta nie malował płócien heroicznych i patetycznych. Wybrał moment egzekucji hiszpańskich powstańców przez żołnierzy francuskich. Każdy z Hiszpanów przeżywa ten moment na swój sposób, ktoś już się pogodził, ale dla kogoś właśnie nadeszła główna bitwa. Wojna, krew i śmierć, to właśnie przedstawił Goya.

✰ ✰ ✰

8

Uważa się, że przedstawiona dziewczyna to najstarsza córka Vermeera, Maria. Jej cechy obecne są w wielu jego pracach, ale trudno je porównywać. Książka o tym samym tytule została napisana przez Tracey Chevalier. Ale wersja Tracy tego, kto jest przedstawiony na tym zdjęciu, jest zupełnie inna. Twierdzi, że podjęła ten temat, ponieważ jest bardzo mało informacji o Vermeerze i jego obrazach, a ten konkretny obraz ma tajemniczą atmosferę. Później na podstawie jej powieści nakręcono film.

✰ ✰ ✰

7

Dokładny tytuł obrazu to „Występ kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”. Stowarzyszenie strzelców było cywilną milicją, która została wezwana do obrony miasta. Oprócz milicji Rembrandt dodał do kompozycji kilka dodatkowych osób. Biorąc pod uwagę, że w momencie pisania tego zdjęcia kupił drogi dom, może być prawdą, że otrzymał ogromną opłatę za Straż nocną.

✰ ✰ ✰

6

Chociaż obraz zawiera wizerunek samego Velázqueza, nie jest to autoportret. Główną bohaterką płótna jest infantka Margherita, córka króla Filipa IV. Przedstawia moment, w którym Velazquez, pracując nad portretem króla i królowej, jest zmuszony zatrzymać się i spojrzeć na infantkę Małgorzatę, która właśnie weszła do pokoju ze swoim orszakiem. Obraz wygląda prawie jak żywy, budząc ciekawość publiczności.

✰ ✰ ✰

5

Jest to jedyny obraz Brueghela namalowany olejami, a nie temperą. Wciąż istnieją wątpliwości co do autentyczności obrazu, głównie z dwóch powodów. Po pierwsze nie malował farbami olejnymi, a po drugie ostatnie badania wykazały, że pod warstwą malarską kryje się kiepskiej jakości schematyczny rysunek, który nie należy do Brueghela.

Obraz przedstawia historię Ikara i moment jego upadku. Według mitu pióra Ikara były przyczepione woskiem, a gdy Ikar wzniósł się bardzo blisko słońca, wosk się stopił i wpadł do wody. Ten krajobraz zainspirował Wystana Hugh Audena do napisania jego najsłynniejszego wiersza na ten sam temat.

✰ ✰ ✰

4

Szkoła ateńska jest prawdopodobnie najsłynniejszym freskiem włoskiego artysty renesansu, Rafaela.

Na tym muralu w Szkole Ateńskiej wszyscy wielcy matematycy, filozofowie i naukowcy zebrali się pod jednym dachem, dzielą się swoimi teoriami i uczą się od siebie nawzajem. Wszyscy bohaterowie żyli w różnych czasach, ale Raphael umieścił ich wszystkich w tym samym pokoju. Niektóre z postaci to Arystoteles, Platon, Pitagoras i Ptolemeusz. Bliższe spojrzenie pokazuje, że na tym zdjęciu znajduje się autoportret samego Rafaela. Każdy artysta chciałby zostawić po sobie ślad, jedyną różnicą jest forma. Chociaż może uważał się za jedną z tych wielkich postaci?

✰ ✰ ✰

3

Michał Anioł nigdy nie uważał się za artystę, zawsze uważał się bardziej za rzeźbiarza. Ale udało mu się stworzyć niesamowity, wykwintny fresk, przed którym czci cały świat. To arcydzieło znajduje się na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie. Michałowi Aniołowi zlecono namalowanie kilku historii biblijnych, z których jedną jest stworzenie Adama. Na tym zdjęciu rzeźbiarz Michała Anioła jest po prostu widoczny. Ludzkie ciało Adama jest odwzorowane z niesamowitą wiernością, z żywymi kolorami i precyzyjną muskulaturą. Można więc zgodzić się z autorem, w końcu jest on raczej rzeźbiarzem.

✰ ✰ ✰

2

„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci

Chociaż jest to najczęściej badany obraz, Mona Lisa jest nadal najbardziej tajemnicza. Leonardo powiedział, że nigdy nie przestał nad tym pracować. Mówi się, że dopiero jego śmierć zakończyła obraz. „Mona Lisa” to pierwszy włoski portret, na którym modelka ukazana jest do pasa. Skóra Mony Lisy wydaje się świecić dzięki zastosowaniu kilku warstw transparentnych olejków. Jako naukowiec Leonardo da Vinci wykorzystał całą swoją wiedzę, aby obraz Mony Lisy był realistyczny. Jeśli chodzi o to, kto dokładnie jest przedstawiony na obrazie, wciąż pozostaje tajemnicą.

✰ ✰ ✰

1

Obraz przedstawia Wenus, boginię miłości, unoszącą się na muszli na wietrze, który wieje Zefir, bóg zachodniego wiatru. Na brzegu spotyka ją Ora, bogini pór roku, gotowa ubrać nowo narodzone bóstwo. Modelką Wenus jest Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo zmarła w wieku 22 lat, a Botticelli chciał być pochowany obok niej. Miał do niej nieodwzajemnioną miłość. Ten obraz jest najwspanialszym dziełem sztuki, jakie kiedykolwiek stworzono.

✰ ✰ ✰

Wniosek

To był artykuł TOP 25 najsłynniejszych obrazów na świecie. Dziękuję za uwagę!

Mówiąc o gatunku pejzażu, nie sposób nie odnieść się do twórczości wielkich pejzażystów. Teraz trudno sobie wyobrazić, że dwieście lat temu coś takiego jak krajobraz jeszcze nie istniało. Tradycje rosyjskiego malarstwa pejzażowego zaczęły się kształtować dopiero pod koniec XVIII wieku. Wcześniej artyści malowali pod wpływem mistrzów włoskich i francuskich, uszlachetniając naturę zgodnie z akademickimi prawami konstrukcji, które uważano za obowiązujące w malarstwie tamtych czasów.

Ogromny wkład w rozwój rosyjskiego krajobrazu wniosło Stowarzyszenie Wystaw Objazdowych (Wędrowców) pod przewodnictwem I. N. Kramskoja. Artyści śpiewali o pięknie dyskretnej rosyjskiej przyrody, prostocie wiejskich krajobrazów, rozległych przestrzeniach Rusi.

Główni mistrzowie krajobrazu:

• Aleksiej Kondratiewicz Sawrasow (1830-1897)
• Iwan Konstantinowicz Aiwazowski (1817–1900)

Iwan Iwanowicz Szyszkin (1832-1898)

Sztuka autorstwa I.I. Shishkin jest zaskakująco klarowny i przejrzysty. Jego obrazy to hymn na cześć dzikiej przyrody, jej piękna. Tworzył pejzaż z iglastymi zaroślami, z nieograniczoną przestrzenią, z całą prostotą krajobrazu północnego.

W wieku 12 lat, za namową ojca, został skierowany do I Gimnazjum Kazańskiego. Nie ukończyłem pełnego kursu. W 1852 przeniósł się do Moskwy i wstąpił do Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Tutaj AN Mokritsky został mentorem Shishkina. Po ukończeniu kursu (1856) utalentowanemu uczniowi doradzono kontynuowanie nauki w Petersburgu na Akademii Sztuk Pięknych. Jego szkolenie prowadził S. M. Vorobyov.

Nauczyciele natychmiast zauważyli zamiłowanie Shishkina do malarstwa pejzażowego. Już w pierwszym roku pobytu w akademii został odznaczony małym srebrnym medalem za „Widok w okolicach Petersburga”. W 1858 roku artysta otrzymał Wielki Srebrny Medal za obraz „Widok na wyspę Valaam”.

Osiągnięte sukcesy pozwoliły Shishkinowi wyjechać za granicę jako stypendysta Akademii. Podróż rozpoczęła się w Monachium (1861), gdzie Iwan Iwanowicz odwiedził warsztaty popularnych malarzy zwierzęcych B. i F. Adamowa. W 1863 Shishkin przeniósł się do Zurychu, następnie do Genewy, Pragi, Düsseldorfu. Tęskniący za ojczyzną wrócił do Petersburga w 1866 r., jeszcze przed wygaśnięciem stypendium.

W Rosji artysta otrzymał tytuł akademika (1865). Od tego czasu rozpoczął się najbardziej owocny okres twórczości malarza. Powstały obrazy „Wycinanie lasu” (1867), „Żyto” (1878), „Sosny oświetlone słońcem” (1886), „Poranek w sosnowym lesie” (1889); niedźwiedzie namalował K. A. Savitsky), „Ship Grove” (1898) i wiele innych.

Shishkin aktywnie działał w plenerze, często odbywał artystyczne podróże po Rosji. Swoje prace wystawiał niemal co roku - najpierw w akademii, a potem, po powstaniu Towarzystwa Objazdowych Wystaw Artystycznych (1870), na tych wystawach.

Iwan Iljicz Lewitan (1860-1900)

Urodzony 30 sierpnia 1860 r. w litewskim mieście Kybartai w rodzinie żydowskiej. Mój ojciec był drobnym pracownikiem władz miejskich. Wkrótce po urodzeniu najmłodszego syna rodzina przeniosła się do Moskwy. W wieku 13 lat Izaak został przyjęty do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury w klasie AK Savrasova i VD Polenova. Od samego początku studiów Lewitan utrzymywał się z lekcji i wykonywania portretów na zamówienie. Studia ukończył znakomicie, ale ze względu na swoje pochodzenie otrzymał dyplom nauczyciela kaligrafii.

Pierwszy duży obraz „Cicha siedziba” namalował po podróży w 1890 roku na północ Rosji. Płótno zostało zakupione przez P. M. Trietiakowa do jego galerii. W 1892 roku artysta został zmuszony do opuszczenia Moskwy, ponieważ Żydom nie pozwolono mieszkać w stolicach. Osiedlił się we wsi położonej wzdłuż szosy Włodzimierskiej, którą wywożono skazańców na Syberię. Artysta uchwycił te miejsca na obrazie „Władimirka” (1892). w latach 90. Lewitan odbył kolejną podróż, tym razem wzdłuż Wołgi. Tak narodził się obraz „Świeży wiatr. Wołga” (1891-1895). Zaostrzenie gruźlicy spowodowało, że artysta wyjechał za granicę, do Francji, potem do Włoch, choć starania przyjaciół pomogły mu w uzyskaniu pozwolenia na zamieszkanie w Moskwie.

Wracając do domu, w 1898 roku Lewitan zaczął prowadzić klasę krajobrazu w szkole, którą ukończył. Jego stan zdrowia pogarszał się iw 1899 roku artysta na zaproszenie A.P. Czechowa wyjechał do Jałty. Po powrocie zaczął ponownie nauczać, ale jego stan zdrowia nadal się pogarszał i 4 sierpnia 1900 roku Lewitan zmarł.

Pejzaże piosenkarki o rosyjskiej naturze to nie tylko fotograficzny obraz natury - artystce udało się przekazać jej żywy oddech. Nic dziwnego, że krytyk V.V. Stasow nazwał obrazy Lewitana emocjonalnymi wierszami. Jednocześnie Lewitan był nie tylko świetnym pejzażystą. Jego dorobek twórczy obejmuje również rysunki, akwarele i ilustracje książkowe.

Miasto Plyos jest związane z imieniem Izaaka Lewitana. Lewitan przyjeżdża do Plesa trzy lata z rzędu, w latach 1888-1890. Nie ma ani jednego zakątka i ścieżki w pobliżu Plyos, gdziekolwiek bywał wielki mistrz. Zainspirowany magicznym pięknem Plyos, maluje tu prawie 200 obrazów i szkiców! Teraz słynne obrazy: „Ponad wiecznym pokojem”, „Po deszczu. Ples”, „Wieczór. Złote Plyos, Brzozowy Gaj i wiele innych stały się ozdobą kolekcji Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego i wielu kolekcji w Rosji i za granicą.

Wasilij Dmitriewicz Polenow (1844-1927)

Urodzony 1 czerwca 1844 r. W majątku Borok (obecnie Polenovo w regionie Tula) w rodzinie archeologa i bibliografa D. V. Polenova. Po ukończeniu szkoły średniej Wasilij wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu (1863), a nieco później zaczął uczęszczać na wykłady na wydziale prawa uniwersytetu.

W 1872 r. Polenowowi, który oba kursy ukończył z wyróżnieniem, przyznano wyjazd za granicę na koszt akademii. Odwiedził Wiedeń, Wenecję, Florencję, Neapol, długo mieszkał w Paryżu. Wizyta w domu była krótkotrwała; w 1876 artysta zgłosił się na ochotnika do wojny serbsko-czarnogórsko-tureckiej.

W kolejnych latach intensywnie podróżował po Bliskim Wschodzie iw Grecji (1881-1882, 1899, 1909), we Włoszech (1883-1884, 1894-1895). W 1879 wstąpił do Towarzystwa Wędrowców. W latach 1882-1895. wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury.

W uznaniu zasług Polenowa w 1893 roku został wybrany członkiem zwyczajnym Akademii Sztuk Pięknych. Od 1910 zajmował się rozwojem teatrów prowincjonalnych, trzy lata później został kierownikiem specjalnej sekcji w Moskiewskim Towarzystwie Uniwersytetów Ludowych.

Polenov jest znany jako autor dzieł różnych gatunków. Zwrócił się ku tematyce historyczno-religijnej – „Chrystus i grzesznik” (1886-1887), „Nad jeziorem Tyberiadzkim” (1888), „Wśród nauczycieli” (1896); w 1877 stworzył cykl szkiców kremlowskich katedr i komnat pałacowych; w różnych okresach tworzył scenografię teatralną. Według jego szkiców kościoły budowano w Abramcewie (we współpracy z W. M. Wasniecowem) oraz w Bechowie koło Tarusa (1906). Ale największą sławę przyniosły mu pejzaże Polenowa: „Moskiewski dziedziniec” (1878), „Ogród babci”, „Lato” (oba 1879), „Zarośnięty staw” (1880), „Złota jesień” (1893). poetycki urok zakątków miejskiego życia i dziewiczej rosyjskiej przyrody.

Artysta ostatnie lata życia spędził w majątku Borok, gdzie zorganizował muzeum sztuki i zbiory naukowe. Od 1927 roku działa tu muzeum-majątek V. D. Polenova.

Aleksiej Kondratiewicz Sawrasow (1830 - 1897)

Artysta urodził się 12 (24) maja 1830 r. W Moskwie, w rodzinie kupca III cechu Kondraty Artemiewicz Sawrasow. Wbrew woli ojca, który marzył o przystosowaniu syna do „spraw handlowych”, chłopiec wstąpił w 1844 r. do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i Rzeźby, gdzie uczył się w klasie pejzażysty K. I. Rabusa. Podczas studiów, w 1850 r., ukończył obraz „Kamień w lesie pod Razliwem”, który krytycy sztuki uważają za nieco niezgrabny kompozycyjnie. W tym samym roku za obraz „Widok Kremla moskiewskiego w świetle księżyca” otrzymał tytuł artysty nieklasowego.

Członek założyciel Stowarzyszenia Objazdowych Wystaw Artystycznych (patrz Wędrowcy). We wczesnych pracach S. dominują efekty romantyczne (Widok Kremla w niepogodę, 1851, Galeria Trietiakowska).

W latach 1850-60. Savrasov częściej sięga po spokojne, narracyjne obrazy, w wielu przypadkach naznaczone w swoich pracach dążeniem do jedności kolorystycznej (Wyspa Ełcka w Sokolnikach, 1869, ibid.), dla wzmocnienia emocjonalnego brzmienia światłocienia. Efektem tych poszukiwań był obraz „Przybyły gawrony” (1871, tamże), na którym Savrasov, przedstawiający pozornie nieokreślony motyw i podkreślający moment przejścia w życiu środowiska naturalnego (początek wczesnej wiosny), zdołał pokazać głęboką szczerość swojej rodzimej natury. Kolejne prace Savrasova („Droga wiejska”, 1873, „Dziedziniec”, lata 70. XIX w.; „Grób nad Wołgą”, 1874, kolekcja prywatna, Moskwa) różnią się także liryczną bezpośredniością, zainteresowaniem plenerem.

Aleksiej Sawrasow, jeden z najważniejszych przedstawicieli ruchu lirycznego w pejzażu rosyjskim, wywarł ogromny wpływ na rosyjskich pejzażystów przełomu XIX i XX wieku.

zmarł AK. Savrasov 26 września 1897 r. Został pochowany w Moskwie na cmentarzu Vagankovsky. Aleja, w której jest pochowany, nosi jego imię. Jego ulubionym uczniem był Izaak Lewitan

Arkhip Iwanowicz Kuindzhi (1841-1910)

Urodzony w styczniu 1841 r. w Mariupolu w rodzinie szewca pochodzenia greckiego. Osierocony, wychowywał się w rodzinie spokrewnionych. Wcześnie zaczął rysować i opanował malarstwo głównie samodzielnie.

W 1855 r. Udał się pieszo do Teodozji, aby studiować u I.K. Aiwazowskiego. Wpływ słynnego malarza morskiego na młodego Kuindzhi był niezaprzeczalny. Pod koniec lat 60. Kuindzhi przybył do Petersburga. Artysta zaprezentował swoje pierwsze prace w 1868 roku na wystawie Akademii Sztuk Pięknych i wkrótce ugruntował swoją pozycję mistrza pejzażu: „Jesienna lawina błotna” (1872); „Zapomniana wioska” (1874); „Traktat Czumacki w Mariupolu” (1875) itp.

W 1870 roku po raz pierwszy odwiedził wyspę Valaam, gdzie później dużo malował. Według współczesnych, to stworzone tam krajobrazy przyciągały uwagę publiczności.

Obraz „Noc ukraińska” (1876) po prostu oszołomił publiczność i wyznaczył specjalną ścieżkę artysty w sztuce. Od niej Kuindzhi rozpoczął „pogoń za światłem” - starał się osiągnąć pełną iluzję naturalnego oświetlenia. W najwyższym stopniu objawiło się to na obrazie „Noc nad Dnieprem” (1880) z mieniącą się w świetle księżyca ścieżką, w aksamitnej ciemności.

Malarz w nowy sposób odsłonił możliwości pejzażu, przekształcając, oczyszczając i uwznioślając rzeczywistość. Osiągnął niezwykłą intensywność i jasność barw, nowe zestawienia kolorystyczne. Charakterystyczne dla niego są liczne „słoneczne” obrazy i szkice (m.in. „Brzozowy gaj”, 1879).

Intensywny kontrast nasyconych tonów, efekty świetlne - to wszystko było niezwykłe dla malarstwa XIX wieku. zjawisko. Nieporozumienie kolegów zmusiło Kuindzhiego do odmowy udziału w wystawach w momencie największego sukcesu. Ostatni raz wystawiał swoje prace w 1882 roku.

Artysta mieszkał jako pustelnik na Krymie, gdzie stworzył serię dużych płócien i setki szkiców, kontynuując eksperymenty z farbą i kolorem. Wśród późnych dzieł Kuindzhi jest jego jedyny obraz fabularny „Chrystus w ogrodzie Getsemani” (1901) i „Noc” (1905-1908), oddychający niezwykłą harmonią.

W 1909 roku Arkhip Iwanowicz założył Towarzystwo Artystów (które później otrzymało jego imię), które wspierało ludzi sztuki. Malarz zapisał temu Towarzystwu cały swój majątek i dzieła, które znajdowały się w warsztacie.

Dziś przedstawiamy Waszej uwadze dwadzieścia obrazów, które są godne uwagi i uznania. Obrazy te zostały namalowane przez znanych artystów i powinny być znane nie tylko osobie zajmującej się sztuką, ale także zwykłym śmiertelnikom, ponieważ sztuka maluje nasze życie, estetyka pogłębia nasze spojrzenie na świat. Daj sztuce należne miejsce w twoim życiu...

1. „Ostatnia wieczerza”. Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Monumentalny obraz Leonarda da Vinci przedstawiający scenę ostatniego posiłku Chrystusa z uczniami. Utworzony w latach 1495-1498 w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.

Obraz został zamówiony przez Leonarda u jego patrona, księcia Lodovico Sforza i jego żony Beatrice d'Este. Herb Sforzów jest wymalowany na lunetach nad obrazem, utworzonych przez strop z trzema łukami. Malowanie rozpoczęto w 1495 r., a ukończono w 1498 r.; praca była przerywana. Data rozpoczęcia prac nie jest dokładna, gdyż „archiwum klasztoru uległo zniszczeniu, a znikomą część dokumentów, które mamy datowane na rok 1497, kiedy obraz był prawie ukończony”.

Obraz stał się kamieniem milowym w historii renesansu: poprawnie odwzorowana głębia perspektywy zmieniła kierunek rozwoju malarstwa zachodniego.

Uważa się, że na tym obrazie kryje się wiele tajemnic i wskazówek - na przykład istnieje przypuszczenie, że obrazy Jezusa i Judasza są spisane od jednej osoby. Kiedy Da Vinci malował ten obraz, w swojej wizji Jezus uosabiał dobroć, podczas gdy Judasz był czystym złem. A kiedy mistrz znalazł „swojego Judasza” (pijaka z ulicy), okazało się, że według historyków ten pijak posłużył kilka lat wcześniej jako pierwowzór do namalowania wizerunku Jezusa. Możemy więc powiedzieć, że to zdjęcie uchwyciło osobę w różnych okresach jego życia.

2. „Słoneczniki”. Vincenta van Gogha, 1887

Tytuł dwóch cykli obrazów holenderskiego artysty Vincenta van Gogha. Pierwsza seria powstała w Paryżu w 1887 roku. Poświęcony jest leżącym kwiatom. Druga seria została zakończona rok później, w Arles. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Dwa paryskie obrazy nabył przyjaciel van Gogha, Paul Gauguin.

Artysta jedenaście razy malował słoneczniki. Pierwsze cztery obrazy powstały w Paryżu w sierpniu-wrześniu 1887 roku. Duże cięte kwiaty leżą jak jakieś dziwne stworzenia umierające na naszych oczach.

3. „Dziewiąta fala”. Iwan Konstantynowicz Ajwazowski?, 1850.

W Muzeum Rosyjskim przechowywany jest jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskiego malarza morskiego Iwana Aiwazowskiego.

Malarz przedstawia morze po najsilniejszej nocnej burzy i rozbitków. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największy z nich - dziewiąty szyb - gotowy jest spaść na ludzi próbujących uciec na szczątki masztu.

Pomimo faktu, że statek jest zniszczony i pozostaje tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z żywiołami. Ciepła tonacja obrazu sprawia, że ​​morze nie jest tak surowe i daje widzowi nadzieję na uratowanie ludzi.

Stworzony w 1850 roku obraz „Dziewiąta fala” natychmiast stał się najsłynniejszym ze wszystkich jego przystani i został nabyty przez Mikołaja I.

4. „Naga Maja”. Francisco Goya, 1797-1800

Obraz hiszpańskiego artysty Francisco Goya, namalowany około 1797-1800. Pasuje do obrazu "Maja ubrana" (La maja vestida). Obrazy przedstawiają Maję - hiszpańską mieszczankę XVIII-XIX w., jeden z ulubionych obiektów artysty na obrazie. Maja Akt to jedno z wczesnych dzieł sztuki zachodniej, przedstawiające całkowicie nagą kobietę bez mitologicznych czy negatywnych konotacji.

5. „Lot kochanków”. Marc Chagall, 1914-1918

Prace nad obrazem „Nad miastem” rozpoczęły się w 1914 roku, a mistrz wykonał ostatnie poprawki dopiero w 1918 roku. W tym czasie Bella zmieniła się z ukochanej nie tylko w uwielbianą małżonkę, ale także matkę ich córki Idy, stając się na zawsze główną muzą malarki. Związek bogatej córki dziedzicznego jubilera i prostego młodzieńca żydowskiego, którego ojciec utrzymywał się z wyładunku śledzi, można nazwać tylko mezaliansem, ale miłość była silniejsza i przezwyciężyła wszelkie konwenanse. To właśnie ta miłość ich inspirowała, unosząc ich do nieba.

Karina przedstawia jednocześnie dwie miłości Chagalla - Bellę i drogi Witebsk. Ulice przedstawione są w formie domów oddzielonych wysokim ciemnym płotem. Widz nie od razu zauważy pasącą się kozę na lewo od centrum obrazu, a na pierwszym planie prosty mężczyzna ze spuszczonymi spodniami – humor malarza, wyłamujący się z ogólnego kontekstu i romantycznego nastroju dzieła, ale to jest cały Chagall...

6. „Oblicze wojny”. Salvadora Dali, 1940 r

Obraz hiszpańskiego artysty Salvadora Dali, namalowany w 1940 roku.

Obraz powstał w drodze do USA. Pod wrażeniem tragedii, która wybuchła na świecie, krwiożerczości polityków, kapitan rozpoczyna pracę na statku. Znajduje się w Muzeum Boijmans-van Beuningen w Rotterdamie.

Straciwszy wszelką nadzieję na normalne życie w Europie, artysta wyjeżdża z ukochanego Paryża do Ameryki. Wojna obejmuje Stary Świat i dąży do przejęcia reszty świata. Mistrz nie wie jeszcze, że pobyt w Nowym Świecie przez osiem lat uczyni go naprawdę sławnym, a jego prace – arcydziełami sztuki światowej.

7. „Krzyk”. Edwarda Muncha, 1893

Krzyk (norweski Skrik) to seria obrazów stworzonych w latach 1893-1910 przez norweskiego malarza ekspresjonistę Edvarda Muncha. Przedstawiają ludzką postać krzyczącą z rozpaczy na tle krwistoczerwonego nieba i mocno uogólnionego pejzażu. W 1895 roku Munch stworzył litografię na ten sam temat.

Czerwone, ogniście gorące niebo pokryło zimny fiord, co z kolei daje fantastyczny cień, podobny do jakiegoś morskiego potwora. Napięcie zniekształca przestrzeń, linie się łamią, kolory nie pasują, perspektywa jest zniszczona.

Wielu krytyków uważa, że ​​\u200b\u200bfabuła obrazu jest owocem chorej fantazji osoby chorej psychicznie. Ktoś widzi w pracy przeczucie katastrofy ekologicznej, ktoś rozwiązuje pytanie, jaka mumia zainspirowała autora do wykonania tej pracy.

8. „Dziewczyna z perłą”. Jana Vermeera, 1665

Obraz „Dziewczyna z perłą” (hol. „Het meisje met de parel”) powstał około 1665 roku. Obecnie przechowywany w Muzeum Mauritshuis w Hadze w Holandii i jest znakiem rozpoznawczym muzeum. Obraz, nazywany holenderską Mona Lisą lub Mona Lisą Północy, jest napisany w gatunku Tronie.

Dzięki filmowi „Dziewczyna z perłą” Petera Webbera z 2003 roku ogromna liczba osób, którym daleko do malarstwa, dowiedziała się o wspaniałym holenderskim artyście Janie Vermeerze, a także o jego najsłynniejszym obrazie „Dziewczyna z perłą”.

9. „Wieża Babel”. Pietera Brueghela, 1563 r

Słynny obraz Pietera Brueghela. Artysta stworzył co najmniej dwa obrazy o tej tematyce.

Obraz znajduje się w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.

W Biblii jest opowieść o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali zbudować wysoką wieżę, aby sięgnąć nieba, ale Bóg sprawił, że mówili różnymi językami, przestali się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.

10. „Algierskie kobiety”. Pablo Picasso, 1955

„Kobiety Algierii” – cykl 15 obrazów stworzonych przez Picassa w latach 1954-1955 na podstawie obrazów Eugene'a Delacroix; obrazy wyróżniają się literami nadanymi przez artystę od A do O. „Wersja O” została napisana 14 lutego 1955 roku; przez pewien czas należał do słynnego amerykańskiego kolekcjonera sztuki XX wieku, Victora Ganza.

„Kobiety z Algieru (wersja O)” Pabla Picassa sprzedano za 180 milionów dolarów.

11. „Nowa planeta”. Konstantin Yuon, 1921

Rosyjski radziecki malarz, mistrz pejzażu, artysta teatralny, teoretyk sztuki. Akademik Akademii Sztuk ZSRR. Artysta Ludowy ZSRR. Laureat Nagrody Stalina I stopnia. Od 1951 członek KPZR.

Ten niesamowity, stworzony w 1921 roku i wcale nie charakterystyczny dla realistycznego artysty Yuona obraz „Nowa planeta” jest jednym z najjaśniejszych dzieł, które uosabiały obraz zmian, jakie dokonała rewolucja październikowa w drugiej dekadzie XX wieku. Nowy system, nowy sposób i nowy sposób myślenia nowo narodzonego społeczeństwa sowieckiego. Co czeka teraz ludzkość? Świetlana przyszłość? Wtedy jeszcze o tym nie myślano, ale fakt, że Rosja Sowiecka i cały świat wkracza w erę zmian, jest oczywisty, podobnie jak szybkie narodziny nowej planety.

12. „Madonna Sykstyńska”. Rafał Santi, 1754

Obraz Rafaela, który od 1754 roku znajduje się w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie. Należy do powszechnie uznanych szczytów Wysokiego Renesansu.

Ogromnych rozmiarów (265 × 196 cm, jak wskazuje rozmiar obrazu w katalogu Galerii Drezdeńskiej) płótno zostało stworzone przez Rafała do ołtarza kościoła klasztoru św. Sykstusa w Piacenzy na zlecenie papieża Juliusz II. Przypuszcza się, że obraz powstał w latach 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad Francuzami, którzy w czasie wojen włoskich najechali Lombardię, i późniejszego włączenia Piacenzy do Państwa Kościelnego.

13. „Pokutująca Maria Magdalena”. Tycjan (Tiziano Vecellio), namalowany około 1565 roku

Obraz namalowany około 1565 roku przez włoskiego artystę Tycjana Vecellio. Należy do Państwowego Muzeum Ermitażu w Petersburgu. Czasami datę powstania podaje się jako „lata sześćdziesiąte XVI wieku”.

Modelką obrazu była Giulia Festina, która uderzyła artystę burzą złotych włosów. Gotowe płótno wywarło wielkie wrażenie na księciu Gonzagi i postanowił zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozując kobiety, namalował jeszcze kilka podobnych prac.

14. Mona Lisa. Leonardo da Vinci, 1503-1505

Portret pani Lisy del Giocondo (wł. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - obraz Leonarda da Vinci znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie, który uważa się za portret Lisy Gherardini, żony handlarza jedwabiem z Florencji, Francesca del Giocondo, namalowany około 1503-1505.

Według jednej z przedstawionych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artysty.

15. „Poranek w sosnowym lesie”, Szyszkin Iwan Iwanowicz, 1889.

Malarstwo rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky namalował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Trietiakow wymazał swój podpis, więc jeden obraz jest często wymieniany jako autor.

Pomysł na obraz podsunął Shishkinowi Savitsky, który później był współautorem i przedstawił postacie młodych. Niedźwiedzie te, z pewnymi różnicami w postawie i liczbie (początkowo było ich dwóch), pojawiają się na rysunkach przygotowawczych i szkicach. Zwierzęta okazały się tak dobre dla Savitsky'ego, że podpisał nawet obraz razem z Shishkinem.

16. „Nie czekaliśmy”. Ilja Repin, 1884-1888

Obraz rosyjskiego artysty Ilji Repina (1844-1930), namalowany w latach 1884-1888. Jest częścią kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

Pokazany na 12. wystawie objazdowej obraz wpisuje się w cykl narracji poświęcony losom rosyjskiego populistycznego rewolucjonisty.

17. Bal w Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.

Obraz namalowany przez francuskiego artystę Pierre-Auguste Renoira w 1876 roku.

Miejscem, w którym znajduje się obraz, jest Musée d'Orsay. Moulin de la Galette to niedroga tawerna na Montmartre, w której gromadzili się studenci i młodzież pracująca z Paryża.

18. Gwiaździsta noc. Vincenta van Gogha, 1889

Sterrennacht- obraz holenderskiego artysty Vincenta van Gogha, namalowany w czerwcu 1889 r., przedstawiający przedświtowe niebo nad fikcyjnym miastem ze wschodniego okna mieszkania artysty w Saint-Remy-de-Provence. Od 1941 roku znajduje się w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Jest uważany za jedno z najlepszych dzieł Van Gogha i jedno z najważniejszych dzieł malarstwa zachodniego.

19. „Stworzenie Adama”. Michał Anioł, 1511.

Fresk Michała Anioła, namalowany około 1511 roku. Fresk jest czwartą z dziewięciu centralnych kompozycji na suficie Kaplicy Sykstyńskiej.

Stworzenie Adama to jedna z najwybitniejszych kompozycji ściennych w Kaplicy Sykstyńskiej. W nieskończonej przestrzeni leci Bóg Ojciec, otoczony bezskrzydłymi aniołami, w powiewającej białej tunice. Prawa ręka jest wyciągnięta w kierunku dłoni Adama i prawie jej dotyka. Leżące na zielonej skale ciało Adama stopniowo zaczyna się poruszać, budzi się do życia. Cała kompozycja skoncentrowana jest na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impuls, a ręka Adama go odbiera, dając energię życiową całemu ciału. Poprzez fakt, że ich ręce się nie dotykają, Michał Anioł podkreślił niemożność połączenia boskości i człowieka. W obrazie Boga, według artysty, nie panuje cudowna zasada, ale gigantyczna energia twórcza. Na obrazie Adama Michał Anioł śpiewa o sile i pięknie ludzkiego ciała. W rzeczywistości nie samo stworzenie człowieka pojawia się przed nami, ale moment, w którym otrzymuje on duszę, namiętne poszukiwanie boskości, pragnienie wiedzy.

20. „Pocałunek na rozgwieżdżonym niebie”. Gustaw Klimt, 1905-1907

Obraz austriackiego artysty Gustava Klimta, namalowany w latach 1907-1908. Płótno pochodzi z okresu twórczości Klimta, zwanego „złotym”, ostatnim dziełem autora w jego „złotym okresie”.

Na skale, na skraju kwietnej łąki, w złotej aurze stoją zakochani całkowicie pogrążeni w sobie, odgrodzeni od całego świata. Ze względu na niepewność miejsca tego, co się dzieje, wydaje się, że przedstawiona na obrazie para przenosi się w kosmiczny stan, który nie podlega czasowi i przestrzeni, poza wszelkimi historycznymi i społecznymi stereotypami i kataklizmami. Zupełna samotność i odwrócona twarz mężczyzny tylko potęgują wrażenie izolacji i dystansu w stosunku do obserwatora.

Źródło - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me