Koła teatralne i teatry amatorskie

Teatry żołnierskie

Teatry żołnierskie istniały w dużych garnizonach. Pojawił się w XVIII wieku. W XVIII wieku na polecenie przełożonych wystawiano przedstawienia dla oficerów.

W XIX wieku wystawiano sztuki „dla własnej przyjemności i dla rozrywki zwykłych ludzi”. Na przedstawienia żołnierskich teatrów przychodziły niższe stopnie wojskowe, mieszczanie, biedni kupcy, pospólstwo i chłopi.

Repertuar jest tradycyjny, ludowy. Z reguły wystawiano trzy lub cztery sztuki. Najpopularniejsze komedie to „Król Maksymilian”, „Król Herod”, „Łódź”. Teksty sztuk religijnych „Król Maksymilian” i „Król Herod” „przechowują tradycja”. „Łódź” była poetyzacją życia na wolności. Inne spektakle: „Kedril żarłok”, „Zabawny facet”, opera „Młynarz to czarownik, zwodziciel i swat” itp.

Kantoniści mieli własne teatry.

Prywatne teatry

Wraz z rozwojem teatrów cesarskich w XIX wieku upowszechniły się teatry prywatne. Z reguły prowadzili je zawodowi aktorzy i reżyserzy, wykształceni w szkołach teatralnych wchodzących w skład systemu teatrów cesarskich, ale szukający własnej drogi w sztuce, którzy porzucili oficjalne kierownictwo teatrów cesarskich, w którym przez długi czas nie dopuszczano żadnych innowacji, a role przenoszono z niektórych aktorów na młodszych w dokładnie tych samych interpretacjach.

Prywatne przedsiębiorstwa prowincjonalne

Prowincjonalne przedsiębiorstwa teatralne odegrały ogromną rolę w życiu kulturalnym prowincji rosyjskich. W XIX wieku w Rosji była ich ogromna liczba. Były to początkowo zespoły objazdowe. Stopniowo niektórzy z nich nabyli lokale stacjonarne (szczególnie dla trupy przedsiębiorcy P. A. Sokołowa, w latach 1843-1845 zbudowano pierwszy budynek teatralny na Uralu, w Jekaterynburgu - Pierwszy Teatr Miejski (Jekaterynburg)). Wędrujące trupy są opisane w powieści Sholoma Alejchema „Wędrujące gwiazdy” – powieść jest poświęcona trupom żydowskim, ale inne trupy w wielonarodowym kraju również istniały w ten sam sposób. W przeciwieństwie do stołecznych teatrów pełniły też funkcję edukacyjną, a nie tylko główny cel sztuki wysokiej. W rzeczywistości od nich zaczęła się tam kultura teatralna. Ale jednocześnie pokazali zaciekłą politykę centralizacji właściwą Rosji: prowincja wydawała się być uważana za miejsce drugiej kategorii. Samo słowo „prowincjonalność” w języku rosyjskim nabrało pogardliwej konotacji, stając się synonimem półwykształconego, niskiego poziomu kulturowego i duchowego. Niższe warstwy prowincji rosyjskich w XIX wieku były często ogólnie analfabetami nawet po zniesieniu pańszczyzny.

W prowincjonalnych przedsiębiorstwach pracowali znakomici aktorzy, jak na przykład Nikołaj Khrisanfovich Rybakov, któremu Ostrowski dedykował rolę Nieszczastliwcewa (sztuka Las); służyły jako trampolina dla aktorów i reżyserów, gdzie mogli ćwiczyć przed pracą w „prawdziwych” stołecznych teatrach (na przykład artysta Teatru Małego S. V. Szumski w 1847 r. udał się do prowincjonalnego teatru w Odessie, aby ćwiczyć odgrywanie głównych ról i, po praktyce i zdobyciu pewnego doświadczenia wrócił do Moskwy); u nich zaczynało swoją karierę wiele postaci kultury rosyjskiej, które później zasłynęły, przechodząc później na cesarskie sceny – pracownicy prowincjonalnych teatrów prywatnych nie mogli korzystać z przywilejów, jakie przysługiwały artystom teatrów cesarskich, w szczególności aktorom państwowym, schodząc ze sceny na starość, otrzymywali dożywotnią emeryturę. Taki scentralizowany system, podzielony na stolice i prowincje, miał zgubny wpływ i nadal wpływa na całą historię rozwoju kraju, nie tylko na jego kulturę.

Snark jest bohaterem wiersza Lewisa Carrolla. Tajemnicze stworzenie, którego wszyscy szukają i pragną. Według Alesina teatr to ten sam Snark. Może być czymkolwiek i to jest jego magia i atrakcyjność. Yuri nie boi się wystawiać przedstawień na poważne tematy, ponieważ jest pewien, że nawet problem matematyczny można łatwo wyjaśnić środkami teatralnymi.

W ciągu niespełna dwóch lat w jego repertuarze pojawiło się pięć przedstawień. Zespół zatrudnia pięciu aktorów i czterech muzyków, żona aktywnie pomaga w biznesie. Projekt nie jest jeszcze opłacalny, ale Alesin ma nadzieję, że ostatecznie uda mu się przenieść go na poziom międzynarodowy.

Jurij ALESIN

Założyciel Teatru Snark

Jak zacząłeś

Studiowałem w GITIS - najpierw na wydziale aktorskim, potem na wydziale reżyserii. Przed otwarciem własnej firmy próbował zrealizować się w teatrze państwowym, ale były trudności: w Moskwie jest wielu reżyserów, produkcje są planowane z kilkuletnim wyprzedzeniem. Nie ma jasnego i zrozumiałego systemu zatrudniania reżysera teatralnego – to bardzo powolny i bolesny proces. Ale absolwentowi GITIS nie brakuje znajomości. Zna producentów teatralnych, artystów, ludzi odpowiedzialnych za światło i dźwięk. To znacznie ułatwia tworzenie własnych.

W 2009 roku zrealizowałem wraz z Olegiem Kleninem pierwszy projekt teatralny – teatr dla dzieci „Budzik”, skupiony na dużej sali. Wystawiliśmy sztukę „W arce o ósmej”. Byłem reżyserem, a Oleg był producentem. Pracowaliśmy razem do 2012 roku, ale potem zaczęły się różnice: uwierzyłem, że niezależny projekt może przetrwać tylko wtedy, gdy będzie to teatr kameralny na 30-50 osób.

My przerobiony bajka „Ryaba Hen”: akcja miała miejsce w kosmosie laboratoria, w których kurczak i mysz - obiekty eksperymentalne, dziadek - naukowiec,
i babcia robot

Oleg był pewien, że konieczne jest przebicie się na duże obszary dla 100-150 osób. Więc nasze drogi się rozeszły. Teraz pracuję w segmencie teatru kameralnego i to jedyne przedstawienie Budzika na dużej scenie.

Brat pożyczył mi pieniądze na start. W tym czasie wszyscy pracowaliśmy na pomysł, a środki przeznaczaliśmy tylko na zakup materiałów. W trupie brałem głównie aktorów, z którymi studiowałem na uniwersytecie. Tak się złożyło, że mam w życiu wielu znajomych muzyków, więc z orkiestrą też nie było problemów. Reżyserem była jego żona Elena, która wcześniej pracowała w kinie - planowała kręcenie oper mydlanych. Obecnie studiuje marketing, zarządzanie i finanse w Theatre Leader School.

Pierwszy występ

„Ucieczka z kosmosu” była fantastyczna. Fantastyka to na ogół taka dziura na repertuarowej mapie rosyjskiego teatru, w Moskwie czegoś takiego nie znajdziesz. Przerobiliśmy bajkę „Kura Ryaba”: akcja toczyła się w kosmicznym laboratorium, gdzie kurczak i mysz to obiekty eksperymentalne, dziadek jest naukowcem, a babcia robotem. W wyniku eksperymentu kura złożyła jajko, które może zniszczyć cały wszechświat, mysz próbuje uratować świat i tak dalej. Gatunek to komiks fantasy.

Potem mieliśmy duże problemy z wykonaniem technicznym. Wiele wiązało się ze światłem, projekcją, muzyką (każda akcja była udźwiękowiona w określony sposób). A kiedy brakuje personelu, który zrobi to wszystko profesjonalnie i sprawnie, wiele nie wychodzi. Teraz wszystkie cuda tworzymy z papieru, tektury, szmat. Przeszliśmy na pewien prymitywizm, który dawał bogaty związek asocjacyjny.

Jak to wszystko działa

Wiele grup teatralnych uważa, że ​​dzieci to małe małpki, które należy rozśmieszyć i zabawić. Uważamy, że są znacznie mądrzejsi. Naszą filozofią jest traktowanie dziecka jak równego sobie. Poza tym rodzice też nie powinni się nudzić. Oceniam po sobie: jeśli jakiś temat mnie ekscytuje, to nadaje się do inscenizacji. Staramy się brać nowoczesny materiał. Jedną z ostatnich premier jest "Tili-tili-dough", spektakl o miłości. Przypomniałem sobie, jak sam zakochałem się w przedszkolu i zdałem sobie sprawę, że dzieci są zaniepokojone tym tematem. Wymyśliliśmy z trupą historie związane z dziecięcą miłością, znaleźliśmy małe bajki, piosenki, odbyliśmy takie przedstawienie-rozmowę. Na koniec dzieci również wychodzą na scenę i opowiadają o tym, w kim się zakochują, jak robią prezenty itp. Uważamy, że dialog jest bardzo ważny. To tylko jeden z formatów, których nie obsługują duże kina: tam jest to po prostu niemożliwe.

Zawsze patrzymy na reakcję i dla każdego występu ustalamy kategorię wiekową. Dzieci są różne: w wieku trzech lat jedna rzecz jest interesująca, w wieku pięciu lat inna. Ale rodzice zwykle nie zwracają uwagi na nasze oznaczenia. „Dzwoń” na przykład dla dzieci od szóstego roku życia, a rodzice przychodzą i mówią: „Nasze dziecko jest takie mądre, wszystko rozumie, chcemy iść do tego”. Oczywiście nie odmawiamy, ale musimy zrozumieć, że generalnie dzieciom poniżej szóstego roku życia trudno jest obejrzeć coś słowami.

Sceneria jest zawsze zbiorem niektórych gospodarstwo domowe elementy. ptak, zrobiliśmy to np z suszarki na pościel

Jeśli chcemy wystawić nowy spektakl, to zaczynamy szukać miejsc, które byłyby nim zainteresowane. Negocjujemy z jakimś ośrodkiem rekreacyjnym, przez miesiąc ćwiczymy za darmo, a potem oddajemy mu dochód z trzech występów. To pozwala nam zrobić spektakl, który będzie nas karmił przez dwa, trzy lata. A następnie dzielimy dochód ze sprzedaży biletów zgodnie ze standardowym schematem - od 50 do 50. Średnia cena biletu wynosi od 500 do 1200 rubli.

Zespół składa się z pięciu aktorów i czterech muzyków. Scenariusze są w większości pisane przez moją żonę i mnie. Jeśli bierzesz czyjś scenariusz, musisz płacić tantiemy. Wiele osób korzysta z tradycyjnych, klasycznych historii, więc staramy się wymyślać własne. Do tej pory w repertuarze jest pięć przedstawień, teraz gościnna reżyserka Galina Zaltsman wystawia szósty.

Sceneria to zawsze zestaw kilku codziennych elementów. Jeśli użyjesz ich poprawnie, otrzymasz coś niezwykłego. Jest np. spektakl „Koncert słoni” – gdzie scenografię tworzy wieszak, na którym zawieszone są dwa dmuchane koła i pokrowce na kostiumy, a pośrodku znajduje się rura wentylacyjna. Wszystko to tworzy słonia, a artysta, który to wymyślił, w końcu dostaje najwięcej pieniędzy. Na przykład zrobiliśmy ptaka z suszarki do ubrań.

Pieniądze

Cierpimy głównie z powodu braku pieniędzy. Cały czas trzeba pracować nad entuzjazmem, który prędzej czy później się wyczerpuje. Dlatego na początku, kiedy próbowaliśmy robić duże występy, dużo traciliśmy na jakości. Stawiamy sobie zbyt wysokie cele, ale nie wszystkie dobre rzeczy da się zrobić na kolanie. Potem ustaliliśmy sobie pewne limity: w spektaklu nie może brać udziału więcej niż trzech aktorów, budżet nie może przekraczać 50 000 rubli.

Dlaczego zdecydowałem się na teatr kameralny, skoro przynosi to mniejsze zyski? Takie zespoły mają wiele zalet. Przedstawienia są mobilne, przenośne i niskobudżetowe pod względem personelu i scenografii. Możesz pojechać do dowolnego miasta lub końca Moskwy (jeśli są korki, zawsze możesz tam dojechać metrem). Teatr dla dzieci jest znacznie bardziej poszukiwany niż teatr dla dorosłych. W naszym segmencie jest mało różnorodności, ale jest wiele niezrealizowanych tematów i form.

Dla osoby kreatywnej najważniejsze jest zrealizowanie swojego potencjału twórczego, kwestie biznesowe są na drugim miejscu. Musi znaleźć partnera, który będzie zaangażowany w przyciąganie pieniędzy. Ale nawet ci, którzy zdecydują się wejść w biznes teatralny, nie będą w stanie nic zrobić bez osoby z dziedziny sztuki. Teraz moja żona aktywnie mi pomaga, ale wciąż mam nadzieję, że znajdę bardziej agresywną osobę, która wzniesie ten biznes na nowy poziom.

Ze względu na to, że nasze spektakle odbywają się co miesiąc, ludzie przychodzą i polecają innym, a potem my jedziemy do prywatnego klienta, z którego czerpiemy główny zysk. Jeśli wzywano nas gdzieś trzy razy w ciągu miesiąca, to dobrze. Czasem wychodzi to idealnie: w ciągu dnia gramy w teatrze, a wieczorem wyjeżdżamy do klienta. Wizyta kosztuje zwykle od 30 000 do 60 000 rubli. Ale nie ma wspólnego rynku, więc możesz wymienić dowolną liczbę. Teraz staramy się dojść do wspólnego mianownika ze wszystkimi teatrami dla dzieci, aby mechanizm został wyregulowany. Co miesiąc otrzymujemy 20 000-150 000 rubli z występów.

Plany

Chciałbym pokazać występy w regionie moskiewskim, a niektóre („Ding”, „Ship”) - do zabrania za granicę. Musimy aktywnie aplikować na międzynarodowe festiwale, ale na razie współpracujemy tylko z moskiewskimi.

Chętnie nawiążemy również współpracę ze szkołami. Jest taka specjalność - nauczyciel teatru. Oprócz edukacji teatralnej zajmuje się przekazywaniem wszelkich informacji środkami artystycznymi. Są dzieci, które trudno oczarować, a kiedy wyjaśnisz problem matematyczny za pomocą teatralnego szkicu, staje się to interesujące: informacje są lepiej przyswajane. Mamy na przykład pokazowy wykład o Puszkinie „Slave of Honor”. Wzięliśmy biografię, wiersze, recenzje współczesnych o poecie i zrobiliśmy z tego lekcję-przedstawienie. Umieścili go w kilku szkołach, ale zwykle nie są zbyt chętni do współpracy.

Znajdź stałą kompozycję. Jeśli nie ma podobnie myślących ludzi, nic nie zadziała.

Stwórz coś nie tylko ze względów finansowych, ale także kreatywnych.

Staraj się nawiązywać partnerstwa z organizacjami rządowymi - z Wydziałem Kultury lub Edukacji. Mają ogromny rynek: szkoły, wakacje, parki – i wszyscy potrzebują treści.

Postaw na pomysłowość wykonania, a nie na wysokie koszty scenografii i technologii.

Otwórz lokalnie
teatru, skupiając się na potrzebach okolicznych mieszkańców.

Wszystkie zdjęcia dostarczone przez bohatera

Konieczne jest bardziej szczegółowe omówienie tego zjawiska, ponieważ prywatne przedsiębiorstwa w Petersburgu i Moskwie różniły się i miały szereg problemów, których nie mieli koledzy na prowincji.

W Petersburgu tworzenie prywatnych teatrów dramatycznych w stolicy Rosji okazało się niezwykle trudne. Przez wiele lat, mimo dość dużej liczby prób w tym zakresie, prywatny teatr dramatyczny, zdolny do długiego i udanego istnienia w konkurencji ze sceną cesarską, pozostawał nierealnym marzeniem Petersburga.

W pierwszych latach po zniesieniu monopolu w Petersburgu pojawiło się jednocześnie kilka prywatnych teatrów dramatycznych. Rosyjski teatr Korowiakow jako pierwszy został otwarty w październiku 1881 roku. Jego repertuar składał się głównie z klasycznych sztuk zagranicznych, współczesnego dramatu rosyjskiego, znanych komedii i wodewilów, ale nie przyciągał szerokiej publiczności.

Tak, a środki finansowe, które miał Korowiakow, były bardzo ograniczone, trzeba było pracować bez strat. Czynsz był wysoki. Wszystkie koszty musiały być pokryte z podatków. Bilety były więc drogie, co w naturalny sposób ograniczało napływ potencjalnych widzów. Musiałem grać prawie codziennie, stawiać premiery w dwa dni, oczywiście to obniżało ich poziom artystyczny. Dwa miesiące później Korowiakow musiał zamknąć sprawę.

Kolejna nieudana próba zorganizowania prywatnego biznesu w Petersburgu została zaakceptowana przez przedsiębiorcę A.S. Szustow. W rzeczywistości sprawa sprowadzała się do koncertowania w kilku produkcjach słynnego petersburskiego aktora A.A. Nilsky'ego. O tym krótkoterminowym przedsięwzięciu nie warto byłoby nawet wspominać, gdyby nie jedna znamienna okoliczność: prywatny teatr, który opiera się na znanych artystach, ostatecznie nabierze kształtu w połowie lat 80. . Z reguły ich żywotność była bardzo krótka.

Na przykład A.S. Szustowa, wkrótce dołączy do nich wiele innych prywatnych teatrów, w tym przedsiębiorstwo dramatyczne P.I. Kazantsev - znany prowincjonalny aktor i reżyser. Pod koniec sezonu 1884 teatr pod kierownictwem Kazancewa był już dość znany i zyskał popularność wśród pewnej części publiczności. To jednak również nie mogło znacząco wpłynąć na sytuację finansową przedsiębiorstwa. Środki wydane przez Kazancewa na tworzenie spektakularnych spektakli, wynajem lokali, koszty eksploatacji, a zwłaszcza na zapraszanie wybitnych gości gościnnych, okazały się niewystarczające do kontynuowania głównej działalności i teatr zamknięto. Pilyugin A. Reformy w teatrach cesarskich. 1882. - M.: Gitis, 2003. - S. 101

Należy podkreślić, że przedsiębiorstwo P. Kazancewa stało się pierwszym prywatnym teatrem w Petersburgu, który trwał cały sezon, czyli całkiem sporo w porównaniu z innymi przedsięwzięciami w stolicy Rosji.

Wyróżnia się inny znany prywatny teatr w Petersburgu - przedsiębiorstwo G.A. Arbenina i zwiedzanie trupy słynnego moskiewskiego przedsiębiorcy „magika i magika” M.V. Lentowskiego w sezonie 1884-1885 skupiał się głównie na operetce, wodewilu i ekstrawagancji.

Dopiero w 1895 roku, 13 lat po zniesieniu monopolu, położono podwaliny pod stabilne niepaństwowe przedsiębiorstwo teatralne w Petersburgu: otwarto teatr Koła Literacko-Artystycznego, klub pracowników literackich i artystycznych. Jak wiecie teatr ten był najdłużej działającym prywatnym teatrem dramatycznym w stolicy (działał do 1917 roku). Pilyugin A. Reformy w teatrach cesarskich. 1882. - M.: Gitis, 2003. - S. 102

Ogólnie rzecz biorąc, stworzenie sieci pełnoprawnych artystycznie stabilnych prywatnych teatrów teatrów dramatycznych w stolicy Rosji w pierwszych latach po zniesieniu monopolu okazało się trudnym problemem.

Większe sukcesy pod tym względem odniosły teatry, które zapraszały do ​​udziału w przedstawieniach wybitnych artystów rosyjskich i zagranicznych, teatry fars, które stanowią znaczną część petersburskiej sieci teatralnej, a także operetki. I jak pokazała historia, w ostatnich dziesięcioleciach XIX wieku w Petersburgu działalność tych dwóch rodzajów teatrów prywatnych – opierającego się na znanych aktorach i teatru lekkiego – zwróciła się w stronę być najbardziej opłacalny.

Konserwatyzm większości publiczności nie był oczywiście jedynym powodem, dla którego tworzenie prywatnych teatrów dramatycznych w Petersburgu było tak trudne. Problemy, z jakimi borykali się przedsiębiorcy z Petersburga i Moskwy w ciągu ostatnich dwudziestu lat, były w dużej mierze bardzo podobne.

Jak wiadomo, pierwszym prywatnym teatrem w Moskwie był teatr dramatyczny artysty Cesarskiego Teatru Małego A.A. Brenco. Wypalił się niemal natychmiast. A przyczyn krótkiego istnienia jej przedsięwzięć nie należy sprowadzać wyłącznie do hojnych wydatków czy nieudolnej organizacji. Istota problemu tkwi w czymś zasadniczo innym: jego teatr był pierwotnie nastawiony na rywalizację z Cesarskim Teatrem Małym. Przejawiało się to zarówno w kształtowaniu repertuaru, jak iw próbie stworzenia zespołu aktorów o zbliżonych walorach artystycznych i staranności projektu artystycznego. Fundamentalnie ważne jest, aby Brenko starał się przyciągnąć tę samą publiczność.

To jest właśnie sedno problemu większości prywatnych teatrów powstałych w stolicach po zniesieniu monopolu, które tak szybko zanikały, jak się pojawiały. Czy te teatry mogły liczyć na długie istnienie, a nie na jednorazowy sukces, gdyby ich działalność była zorientowana lub bezpośrednio konkurowała ze sceną cesarską? Historia pokazała, że ​​działalność takich przedsięwzięć była krótkotrwała. Pilyugin A. Reformy w teatrach cesarskich. 1882. - M.: Gitis, 2003. - S. 111

Innymi zasadami organizacji procesu twórczego w tworzeniu i życiu jego teatru kierował się słynny rosyjski przedsiębiorca F.A. Korsz. Korsh skupiał się głównie nie na widzach Cesarskiego Teatru Małego, ale świadomie starał się przyciągnąć inne warstwy potencjalnej publiczności. VA Nelidov wspominał, że Korsh „zaszczepił zamiłowanie do teatru tej części publiczności, która albo w ogóle nie chodziła do teatru, albo bardzo rzadko”.

Ten teatr nie był tym samym, co teatr państwowy, nie był tym samym, co prowincjonalne przedsiębiorstwa, i wcale nie był tym samym, czym byłby od dnia pierwszego występu Moskiewskiego Teatru Artystycznego. I wcale nie był typowy – był jedyny w swoim rodzaju. Orłow Yu.M. Struktury organizacyjne rosyjskich teatrów dramatycznych. Moskwa: Gitis. 1979 - S.68

„Rosyjski Teatr Dramatyczny” Korsha okazał się najdłużej istniejącym spośród prywatnych teatrów, które powstały po zniesieniu monopolu. Dzieje się tak pomimo faktu, że według niektórych źródeł Teatr Korsh od momentu powstania istniał wyłącznie z dochodów ze składek. Ale wydatki teatrów prywatnych były ogromne: trzeba było płacić podatki władzom miejskim, utrzymywać gadaninę, obsługę, budynek teatru, robić dekoracje, płacić autorom tantiemy, a w przypadku teatru Korsh także musiał zapłacić dyrektorowi N.N.Sinelnikovowi.

Szczególne miejsce w tworzeniu prywatnego teatru w Moskwie zajmuje M.V. Lentovsky - jego teatr „Skomorokh” stał się wyjątkiem, gdy przedsięwzięcie trwało dłużej niż jeden sezon.

Biorąc pod uwagę prywatne teatry dramatyczne, które powstały w stolicach po zniesieniu monopolu, należy zwrócić się ku zasadom tworzenia i funkcjonowania teatru innego typu, innego modelu. To Teatr PARADISE otwarty w 1882 roku przez przedsiębiorcę Georga Paradisa, który był w stanie wnieść pewną nowość do życia teatralnego Moskwy, znaleźć swoje miejsce na stołecznym rynku teatralnym.

Teatr ten działał na zasadzie teatru-platformy, po której objeżdżali znani zagraniczni wykonawcy i rosyjscy artyści prowincjonalni, a także zespoły znanych teatrów europejskich. Jego przedsiębiorstwo istniało przez prawie dwie dekady. Pilyugin A. Reformy w teatrach cesarskich. 1882. - M.: Gitis, 2003. - S. 119

W tamtych latach, tak jak dzisiaj, formalnie przedsiębiorcą mógł zostać każdy, nawet osoba bez średniego wykształcenia, zupełnie nieobeznana z biznesem teatralnym, co zresztą nie było rzadkością. W Dyrekcji Teatrów Cesarskich większość pracowników, w tym dyrektor, miała z reguły wyższe wykształcenie wojskowe, które obejmowało naukę rodzimej sztuki scenicznej, malarstwa, muzyki i architektury. Sviridov V.A. Doświadczenie w szkoleniu młodszych oficerów w przedrewolucyjnej Rosji // Myśl wojskowa. 2000. Nr 5 - Strona. 120

Nie bez znaczenia jest też fakt, że tylko wyjątkowo ograniczona liczba przedsiębiorców metropolitalnych posiadała własny budynek. W omawianym okresie przedsiębiorcy wybudowali w Moskwie tylko dwa budynki teatralne: Rosyjski Teatr Dramatyczny im. Korsza i Teatr Międzynarodowy im. G. Paradisa.

A kolejnym istotnym problemem większości teatrów prywatnych w pierwszych latach istnienia jest zapłata za pracę twórczą. Z reguły przedsiębiorcy nie mogli płacić artystom w taki sam sposób, jak cesarskie teatry. Ci, którzy starali się zmniejszyć tę różnicę lub płacić nie mniej niż w cesarskich, jak A. Brenko, stanęli w obliczu nieuchronnego bankructwa. Pilyugin A. Reformy w teatrach cesarskich. 1882. - M.: Gitis, 2003. - S. 122

Jednak, jak pokazała historia, prywatne teatry dramatyczne w dwudziestoleciu poreformacyjnym faktycznie dały stołecznym scenom bardzo wiele, a co najważniejsze - kolosalne doświadczenie samorozwoju, płynące przede wszystkim z inicjatywy publicznej i prywatnej przedsiębiorczości. Szybko powstające i równie szybko zanikające przedsiębiorstwa w istotny sposób przyczyniły się do wypracowania mechanizmów i ustanowienia zasady samoorganizacji na rynku sztuki stolic. Dadamyan G.G. Walka dwóch zasad w organizacji biznesu teatralnego w Rosji // Sob. Życie sceny i świat kontraktów. S.27

Jednak nie wszystkie teatry budowały swoją działalność w oparciu o przedsiębiorczość. Wielu szukało nowych form organizacyjno-prawnych dla swojego biznesu, potocznie nazywa się je spółkami nowego typu. Są to takie teatry, jak Moskiewska Prywatna Opera S. I. Mamontowa, Moskiewski Teatr Artystyczny, teatr imienia A. S. Suvorina. Trupa w tym ostatnim została zorganizowana na zasadzie udziałów przez głównego akcjonariusza - właściciela przedsiębiorstwa wydawniczego Aleksieja Siergiejewicza Suworina, a także P.P. Gnedich, P.D. Lensky. Shabalina T. THEATRE OF SUVORIN // Encyklopedia internetowa Krugosvet: [Dokument elektroniczny].- (http://www.netoskop.ru/theme/2001/06/21/2662.html). A o formie organizacyjnej i prawnej Moskiewskiego Teatru Artystycznego należy mówić bardziej szczegółowo, ponieważ był on wyjątkowy w swoim rodzaju.

Moskiewski Teatr Artystyczny – teatr znany na całym świecie i uważany za jeden z najlepszych w kraju – zaczynał… w kawiarni. Spotkawszy się przy stole na Słowiańskim Bazarze, przyszli twórcy Moskiewskiego Teatru Artystycznego - Stanisławski i Niemirowicz-Danczenko - długo dyskutowali o stanie rzeczy w dramaturgii i zakończyli dyskusję, postanowieni stworzyć nowy teatr ludowy w Moskwa.

Moskiewski Akademicki Teatr Artystyczny im. Maksyma Gorkiego (MKhAT)
Grane nerwowo, rozumiane rozumem

Teatr, który obecnie nosi imię Maksyma Gorkiego, został założony, podobnie jak Moskiewski Teatr Artystyczny im. A. P. Czechowa, w 1987 roku. Następnie dyrektorem artystycznym teatru była artystka Tatyana Doronina, która do dziś kieruje trupą.

Jeden z najstarszych teatrów w Moskwie: jego mury wciąż pamiętają Fainę Raniewską i Ljubowa Orłową. Teatr ma dwie sceny: główną – dla przedstawień klasycznych, scenę „Pod dachem” – dla nowych form i twórczych eksperymentów.

Teatr im. Evg. Wachtangow

Bez wakacji nie ma spektaklu. Tym mottem kierował się słynny moskiewski reżyser Jewgienij Wachtangow, tworząc spektakl, który później stał się klasykiem, prawdziwą szkołą sztuki aktorskiej - „Księżniczka Turandot” na podstawie baśni Carla Gozziego. Wachtangow nie zmienił swoich przykazań przez całą swoją twórczą karierę - jego teatr był i jest do dziś tak uroczysty i karnawałowy jak legendarne przedstawienie.

Teatr „Lenkom”

"Lenkom" zawsze wyróżniał się szczególną energią, która wpływała na dobór spektakli, sposób ich inscenizacji, a nawet samą grę aktorską. Dziś, podobnie jak u zarania swojego istnienia, sala teatralna oferuje widzom unikalny repertuar, na który składają się najbardziej spektakularne sztuki klasyczne i współczesne.

Moskiewski teatr „Sovremennik” 12+

Przez lata swojego istnienia Teatr Sovremennik zaprezentował światu wielu utalentowanych aktorów i stał się jednym z najbardziej znaczących w historii kształtowania się kultury narodowej.

Teatr. M. N. Ermolova

Maria Nikołajewna Jermołowa jest postacią symboliczną dla postaci teatralnych na całym świecie. Ulubienica Stanisławskiego, najlepsza aktorka Teatru Małego, najstarsza w Rosji, nadała ton rozwojowi sztuki scenicznej w kraju. Nazwisko artysty stało się gwiazdą przewodnią dla naśladowców i współpracowników.

Rosyjski Akademicki Teatr Młodzieży (RAMT)

RAMT powstał w latach 20. XX wieku jako jeden z pierwszych teatrów dziecięcych w kraju. Dziś jest to teatr wszystkich pokoleń, który znajduje się w centrum nowoczesnego procesu teatralnego, eksperymentując z formami i gatunkami. Teatr szczerze rozmawia z młodą publicznością na najciekawsze tematy.

Teatr. Vl. Majakowski

Teatr z bogatą historią, jeden z najstarszych i najbardziej zasłużonych w Moskwie i Rosji, działający od 1922 roku.

Teatr „Warsztat P. N. Fomenko”
Jeden z najlepszych teatrów w Moskwie z własnym obliczem i niepowtarzalnym stylem

Występy są stale wyprzedane, na które trudno kupić bilety, ponieważ występy są wielokrotnymi zdobywcami najbardziej prestiżowych nagród zawodowych: Złotej Maski, Mewy, Paznokci Sezonu, Kryształowej Turandot.

Moskiewski Teatr Dramatyczny im. A. S. Puszkina

Teatr, powstały na ruinach legendarnego Tairowskiego Teatru Kameralnego. Spektakle odbywają się na dwóch scenach. Repertuar obejmuje zarówno klasykę, jak i dramaty autorów współczesnych.

Teatr „Satyrykon”

Teatru, który wielokrotnie odradzał się w nowym formacie, ale niezmiennie wierny ideałom swojego założyciela, legendarnego Arkadego Raikina.

Teatr na Małej Bronnej

Jeden z najlepszych teatrów w Moskwie powstał w roku Zwycięstwa - w 1945 roku. W swojej historii teatr przeżywał wzloty i upadki, trudne sytuacje, ale zawsze pozostawał jednym z ulubieńców publiczności. Dziś teatrem kieruje Siergiej Gołomazow.

Moskiewski teatr Olega Tabakova

„Tabakierka”, „Piwnica”, „studio teatralne” Oleg Tabakov - jeden z ulubionych teatrów Moskwy. Sam Oleg Pawłowicz najlepiej opisał ideę i istotę swojego teatru: „W przedstawieniach szukamy wyjątkowości formy dla życia ludzkiego ducha na scenie. Dlatego wybieramy taką literaturę i dramaturgię, w których rozważany jest dla mnie główny problem - jak człowiek może być człowiekiem.

Muzeum Teatralne „Dom Bułhakowa” 12+

„Dom Bułhakowa” to wyjątkowe centrum kultury, powstałe z inicjatywy i przy aktywnym udziale wielbicieli słynnego rosyjskiego pisarza. To cały kompleks o szerokich możliwościach technicznych i intelektualnych do owocnej pracy.

Teatr „Et Cetera” pod kierunkiem Aleksandra Kalyagina

Moskiewski teatr pod dyrekcją Aleksandra Kalyagina narodził się w 1993 roku, przetrwał wędrówki po piwnicach i ośrodkach wypoczynkowych, w 2006 roku przeniósł się do specjalnie dla niego wybudowanego budynku, a dziś stał się jednym z pięciu najczęściej odwiedzanych teatrów w kapitał.

Teatr Narodów 12+

Wyjątkowy teatr bez własnego zespołu, wybitny uczestnik współczesnego światowego procesu teatralnego. Tutaj odważnie i trafnie interpretują klasykę, stawiają na autorskie lektury, eksperymentują z percepcją publiczności i sięgają po najbardziej palące tematy.

Teatr „Praktyka” 12+

Zespół, który tworzy nowoczesny teatr produkcyjny.

„Centrum Gogola”

Centrum Gogola to jeden z najbardziej głośnych, niezwykłych i imponujących projektów poświęconych wszechstronnemu rozwojowi sztuki współczesnej. To teatr w mieście i miasto w teatrze.

Moskiewski Teatr Młodych Widzów (MTYuZ) 0+

Teatr, którego historia rozpoczęła się w odległym 1920 roku, dziś oferuje bardzo zróżnicowany repertuar, a dominują w nim przedstawienia dla dorosłych widzów. Ale występy dzieci są niezmiennie wysokiej jakości, jasne i wysoce artystyczne. Dzisiejszy MTYuZ to teatr dwóch reżyserek, Henrietty Yanovskaya i Kamy Ginkas.

Centralny Teatr Akademicki Armii Rosyjskiej

Teatr Departamentowy Sił Zbrojnych: na jego scenie służyło wielu aktorów odpowiedzialnych za służbę wojskową. Dziś repertuar teatru obejmuje trzy tuziny przedstawień, aw trupie gra plejada znanych artystów.

Witam!

Zamiast wstępu.

Od zamierzchłych czasów sowieckich w naszym społeczeństwie wykształciła się koncepcja wiecznie biednej, niskopłatnej pracy twórczego pracownika. I ten mit z powodzeniem dotrzymuje kroku XXI wieku. Powtarzam – z XXI wiekiem! I nic się nie zmienia i nie może zmienić przez wygodę współistnienia twórczego pracownika z systemem teatralnym.

Nawet z ławki szkolnej aktor jest przygotowywany do tego, że życie w teatrze to nie cukier: pensje poniżej średniej, ciągłe intrygi, wojny aktorskie i reżyserskie… Zarabiać można tylko na filmach, w telewizji i, oczywiście, wałęsając się wokół wszelkiego rodzaju „hacków”. Ale te ostrzeżenia nie tylko nie zatrzymują młodych ludzi na drodze do wielkiej sztuki, ale wręcz pobudzają ich z niewiarygodną siłą! Ogromne konkursy dla wydziału teatralnego Akademii, pasje, łzy, sukcesy, rozczarowania.

A teraz minęły cztery lata „teatru”, a przed nami teatr, kino, telewizja, filmowanie, koncerty, spektakle, wycieczki, festiwale i… dystrybucja. Nie wszyscy zostają w stolicy, wielu wyjeżdża do pracy w regionalnych teatrach i od razu napotyka świat tak odmienny od zwykłego świata studenckiego, że mrugają płonącymi oczami w otaczającej ich nowej przestrzeni.

Rok później prowincjonalni aktorzy zaczynają rozumieć sytuację, której byli zakładnikami. Z reguły na białoruskim zapleczu funkcjonuje standard dwóch teatrów: dla dorosłych - dramatyczny i dla dzieci - lalkowy. To pierwsza zasadzka na aktora! Jeśli nie zakorzeniłeś się w jednym teatrze, nie możesz przenieść się do innego z powodu braku. Pozycja ta jest doskonale wykorzystywana przez pracodawców prowincjonalnych teatrów do całkowitej kontroli i wpływu na swoją osobowość.

Ponadto w teatrze, jak w każdej strukturze, obowiązuje system kontraktów, podpisując które bierzesz na siebie masę obowiązków, których niewypełnienie prowadzi do tego, że pracodawca po prostu nie przedłuża go po wygaśnięciu kontraktu . I to wszystko! Idź, gdzie chcesz, drogi towarzyszu! Możesz jechać do stolicy, ale pamiętaj, że prowincjonalny aktor, którym teraz jesteś, nie jest tam mile widziany.

I rozwiązać umowę przed terminem z woli pracodawcy, jeśli nagle nie pasowałeś do niego jako profesjonalisty lub nie lubiłeś go jako osoby, jest to łatwiejsze niż „parowa rzepa”. Wystarczy dokładnie zapoznać się z twoimi obowiązkami w pracy, a zrozumiesz, że znacznie łatwiej jest rozstać się z tobą do woli, niż zabrać cię do pracy.

Nie kręcą tu filmów, a jak przyjdą „nakręcić” kilka scen, to nie wezmą się za główną rolę. Czekają na Ciebie dodatki lub w najlepszym razie odcinek. Telewizja lokalna zajmie pół etatu za grosze, radio - to samo. Istnieje możliwość prowadzenia koła teatralnego w jakiejś szkole lub nauczania w college'u. I oczywiście stare dobre „hacki” na wesela, rocznice i imprezy firmowe. To cały zakres Twoich usług. Zrobili to trzydzieści lat temu i robią to nadal. Już wkrótce zarobki staną się twoim głównym rodzajem kreatywności, a teatr zniknie w tle. To nieuchronność aktorów każdego teatru. Z jedną różnicą: w stolicy dorabiają z zawodu, na prowincji – jak muszą. Wszystkie te próby prowadzą jedynie do kresu twórczego rozwoju, a często do odejścia z zawodu.

Ostatnio zacząłem zauważać zdumiewającą prawidłowość – bardzo niewielu aktorów „szpitalnych” przychodzi do pracy w teatrach regionalnych. Częściej przychodzą faceci z ulicy, którzy pracują i studiują w tym teatrze i zaocznie otrzymują wykształcenie w tym procesie. Stąd nie do końca zrozumienie zawodu i „zaściankowy” poziom kultury.

A nie każdy teatr repertuarowy może pochwalić się tournée po Europie i krajach byłej WNP. Brak funduszy, problem z odejściem i po prostu niechęć kierownictwa do wyrwania piątego punktu ze znajomego krzesła. Ale plan obsługi wieśniaka jest realizowany w stu procentach! Nie ma innego wyjścia - plan to plan. Nie zawsze w teatrze repertuarowym, z jego specyficzną koncepcją, można się twórczo wyrazić i rozwinąć. Wielu jest całkiem zadowolonych z tej sytuacji, ale są ludzie, którym to nie wystarcza, a potencjał jeszcze nie wysechł.

Przeszedłszy więc przez miedziane rurki prowincjonalnej rzeczywistości twórczej, zdecydowałem się na najbardziej absurdalną przygodę w moim życiu – stworzyłem prywatny teatr, który nazwałem pięknym słowem „Prowincja”.

Po co mi to?

Po pierwsze jest jeszcze "proch w kolbach", nie zawiodłem się, nie byłem zmęczony. Po drugie, nie chcę odchodzić z zawodu, nie zatrzymywać się, ale rozwijać. I po trzecie, chcę zostawić po sobie przynajmniej coś, choć nie tak wielkiego pod względem znaczenia, ale wielkiego ducha. Jedni wykręcają palce na skroniach, inni po prostu nie wierzą, jeszcze inni śmieją się i nie widzą w tym sensu. Są bojaźliwe i leniwe, głupie i zazdrosne, a czasem nawet agresywne osobowości.

Często słyszę to samo pytanie: jak? To niemożliwe! Nie możesz tego zrobić w ten sposób! Na Białorusi panuje twardy stosunek do prywatnego biznesu, aw środowisku kreatywnym stosunek do tych, którzy chcą i mogą jeszcze gorzej. Na wszystkie te pytania postaram się odpowiedzieć w moim artykule.

Gdzie zacząć?

Najpierw musisz zdecydować o swoim zadaniu. Dlaczego chcesz zorganizować teatr? Jakie funkcje będzie pełnić w przyszłości? A co najważniejsze, ile czasu poświęcisz na życie swojego potomstwa.

Istnieje świetna opcja zarabiania pieniędzy - przedsiębiorczość. Znani artyści szybko robią spektakl i podróżują z nim do wszystkich regionalnych ośrodków. Ale na prowincji ta opcja nie zadziała, zwłaszcza na Białorusi. Po pierwsze, nie ma tu znanych artystów, aby publiczność mogła ich zobaczyć, a po drugie, nie ma sensu jeździć z przedsiębiorstwem z regionu do regionu, głupotą jest jechać do stolicy.

Dlatego jedynym sposobem na zarobienie przez prowincjała są dojazdy do szkół i przedszkoli z przedstawieniami dla dzieci. Ale tutaj łatwo wpaść w kłopoty ze strony państwowych teatrów repertuarowych, bo te teatry zarabiają tyle samo. A inwazja na cudze terytorium może prowadzić do niepożądanych konsekwencji. Nie zapominaj, że będą mieli więcej mocy. W końcu doprowadzi to do nieuniknionych konfliktów i ciągłego prześladowania twojego prywatnego projektu. Jego życie nie będzie długie.

Nie będę skupiał się na tego typu kreatywnych dochodach, ale przejdę do idei stworzenia własnego teatru, dość złożonego i długiego pomysłu.

Uderzającym przykładem udanego, moim zdaniem, prywatnego projektu na Białorusi jest Miński Teatr Sztuki Współczesnej (SHT) w reżyserii Władimira Uszakowa. O nim i jego liderze można przeczytać zarówno w mediach, jak iw internecie. Ale stolica nie jest prowincją. W naszym przypadku warunki są dużo bardziej skomplikowane. Tutaj potrzebujemy unikalnego projektu, który twierdzi, że jest długą wątrobą.

Krok pierwszy. Wybór rodzaju, gatunku i kierunku realizacji projektu.

Więc podjąłeś decyzję. Cóż, spróbujmy stworzyć wyjątkowy teatr, Twój teatr, taki jaki chcesz i o jakim marzyłeś przez całe życie.

Pierwszą rzeczą do zrobienia jest podjęcie decyzji o rodzaju lub gatunku swojej pracy. Oczywiście możesz powiedzieć: już dawno zdecydowałem, czy podoba mi się to, czy tamto i tak dalej, ale zastanów się, czy Twój projekt będzie interesujący dla widza? Jeśli tak, to jaki? Czy będzie mógł brać udział w festiwalach, konkurować z innymi projektami, zająć swoją prawdziwą niszę i zarabiać pieniądze? Musisz jasno określić perspektywę dla siebie, aby zobaczyć swoje potomstwo w przyszłości. Kim się stanie, jak długo potrwa rozwój itp.

Osobiście poświęciłem wiele wysiłku, aby wybrać odpowiedni rodzaj mojego teatru. Pędziłem od dziecka do dorosłego, od dramatu do choreografii, od sceny do STEM, ale straciłem tylko cenny czas, aż los przyprowadził mnie do niesamowitego i poszukiwanego reżysera produkcji. Wspólnie dokonaliśmy właściwego wyboru: teatr lalek dla dzieci i dorosłych. Gatunek, w którym można rozwijać się w nieskończoność.

Korzystne warunki dla naszego wyboru to:

1. mobilność.

Ograniczona liczba aktorów (do 4 osób),

Niewielkie rozmiary i łatwe w transporcie dekoracje,

Możliwość występów w dowolnych miejscach (sceny, foyer, restauracje, a nawet plenery),

2. czas oglądania.

Minimum – 35 min

Maksymalnie - 1:15 min

3. żądanie.

Gatunek, który zawsze i wszędzie będzie miał swoich odbiorców.

Krok drugi. Perspektywiczny.

Dobrze przemyślałeś, co będziesz robić, zdecydowałeś i już widzisz swoje zwycięstwo, ogromną liczbę widzów i niesamowicie wysoką ocenę swojego projektu. Nie spiesz się. Musisz realistycznie patrzeć w przyszłość.

A najważniejsze w dalszym rozwoju jest wypracowanie sobie imienia. Ten proces może potrwać od trzech do pięciu lat. Wyjaśnię dlaczego. Dość trudno dostać się na festiwal: nikt cię nie zna, słowo „prywatny” początkowo działa sceptycznie na organizatorów. Twoje zgłoszenie nie zostanie nawet rozpatrzone, a bez udziału w festiwalach nie zadeklarujesz się.

Co robić? Szukaj funduszy! Pożyczanie, pożyczanie, szukanie pomocy, skromne życie jest niemożliwe. Zapytaj dlaczego? Odpowiem: zapłacić honorarium reżyserowi, artyście, kompozytorowi. Jest to nieuniknione, jeśli naprawdę chcesz rozwijać swój projekt. Twoje zgłoszenie będzie bardziej prawdopodobne, jeśli zobaczą w nim nazwisko znanej osoby. A widz przede wszystkim przyjdzie nie do ciebie, ale do nazwiska rozchwytywanego reżysera, który z jakiegoś powodu podjął się twojego projektu, albo artysty, który zaprojektował twoje przedstawienie.