Mój ulubiony surrealista szczyci się wieloma arcydziełami wiszącymi skromnie w muzeum jego imienia w Brukseli. Jest znany ogółowi społeczeństwa dzięki dwóm główkom, zaciśniętemu kawałkowi materiału, siedzącym trumnom, obrazowi fajki, a także żeńskim narządom płciowym, które organicznie pasują do twarzy. I oczywiście dzięki niemu - synowi człowieczemu.
Obraz mężczyzny w płaszczu i meloniku przewija się jak czerwona nić przez wszystkie prace Magritte'a. Po raz pierwszy podobną sylwetkę rysuje w 1926 roku, nazywając obraz „Odbiciami samotnego przechodnia”. Niektórzy badacze jego twórczości uważają, że obraz został namalowany pod wrażeniem śmierci matki artysty. (Popełnił samobójstwo, skacząc z mostu.)
Rok później motyw melonika i płaszcza powraca w twórczości Magritte'a. „Znaczenie nocy” Znaczenie nocy jest oczywiście we śnie.
Po raz kolejny Magritte przywołuje ten obraz dopiero w 1951 roku, tworząc obraz „Puszka Pandory”. Przypuszczalnie biała róża jest symbolem nadziei pozostawionej na dnie pudełka.
W 1953 roku Magritte maluje słynny deszcz mężczyzn Golconda. Sam Rene twierdził, że ten obraz uosabia jednolitość tłumu i samotność jednostki, która może dotknąć prawdziwego życia - znowu - tylko we śnie.
W 1954 roku pojawiają się „Wielkie stulecie” i „Nauczyciel”.
„Wielkie stulecie”
„Nauczyciel w szkole”
W 1955 roku mężczyzna w płaszczu i meloniku otwiera się pod różnymi kątami. Trzy postacie, trzy księżyce, trzy rzeczywistości. „Arcydzieło lub tajemnica horyzontu”
W 1956 roku alter ego Magritte'a traci swój kształt i mimikę pod horyzontem - dzieło „Poeta odtworzony”
W 1957 roku Magritte czerpie inspirację z Botticellego, umieszczając wiosnę na plecach mężczyzny w płaszczu. „Gotowy bukiet”
Po trzyletniej przerwie, w 1960 roku płaszcz powrócił do wdzięcznej publiczności. Niesie ze sobą jabłko. "Pocztówka"
A także przedstawiciele fauny. Ważny szczegół - mężczyzna w płaszczu i meloniku odwraca się do nas twarzą. "Obecność umysłu"
W 1961 roku Gagarin poleciał w kosmos, a Magritte namalował „Portret Stefi Lang”, gdzie nie omieszkał umieścić dwóch kompletów „meloników”.
"Elita".
"Duch przygody"
W 1963 roku Magritte ponownie trochę poeksperymentował z formą.
„Nieskończone uznanie”
„Obrońca porządku”
W 1964 roku artysta maluje prekursora Syna Człowieczego. „Mężczyzna w meloniku”
I wreszcie dotarliśmy do chyba najsłynniejszego obrazu Magritte'a. „Syn Człowieczy” pomyślany został jako autoportret artysty, symbolizujący współczesnego człowieka, który zatracił swoją indywidualność, ale nie pozbył się pokus.
W tym samym roku powstała wariacja na temat „Syna Człowieczego” – „Wielka wojna”.
Dwa lata po Synu Człowieczym Magritte ponownie wrócił do meloników. „Decalcomania” i „Muzeum Królewskie” sięgają 1966 roku.
„Dekalkomania”
„Muzeum Królewskie”
Na tym Magritte zakończył swój związek z melonikami, ale było już za późno - obraz trafił do mas. Niebagatelną rolę w wulgaryzacji zdjęcia odegrały figlarne rączki fanów produktów Apple.
Nie należy jednak obwiniać tylko zwolenników zepsutego jabłka - z reguły adaptacja pomysłu przez społeczeństwo jest często bolesna dla autora.
Apoteozą procesu jest przemiana „syna człowieczego” w nowego bohatera postępowej młodzieży. Mam wrażenie, że Magritte właśnie wbił gwóźdź do trumny.
Co mamy w rezultacie? Jeden z kluczowych wizerunków artysty jest wulgaryzowany i skomercjalizowany. Z drugiej strony, czy to nie dowód światowej sławy?
Syn Człowieczy (obraz)
Intrygować
Magritte namalował ten obraz jako autoportret. Przedstawia mężczyznę w płaszczu i meloniku, stojącego przy ścianie, za którą widać morze i zachmurzone niebo. Twarz tej osoby jest prawie całkowicie zakryta zielonym jabłkiem unoszącym się przed nią. Uważa się, że obraz zawdzięcza swoją nazwę wizerunkowi współczesnego biznesmena, który pozostał synem Adama, oraz jabłku, symbolizującemu pokusy, które nadal prześladują człowieka we współczesnym świecie.
- Obraz jest obecny w filmie „Afera Thomasa Crowna” ().
- Obraz obrazu jest obecny w serialu animowanym „Simpsonowie” (sezon 5, odcinek 5).
- Zredagowana kopia obrazu znajduje się na plakatach do serialu telewizyjnego Impact .
- Film „Postać” zawiera nawiązanie do obrazu.
- W The Miracle Shop niedokończona wersja obrazu wisi na ścianie w sklepie z zabawkami.
- W teledysku do „70 milionów” zespołu Hold Your Horses! zawiera parodię tego zdjęcia.
- W serialu „Białe kołnierzyki” pojawia się odniesienie do obrazu (sezon 3, odcinek 1).
- Spektakl „Luksusowa komedia Noela Fieldinga” ma charakter będący aluzją do obrazu.
- Zdjęcie jest obecne w teledysku Michaela Jacksona „Scream”
Fundacja Wikimedia. 2010 .
Zobacz, co „Syn człowieczy (obraz)” znajduje się w innych słownikach:
Wyrażenie Syn Człowieczy jest używane w tekstach religijnych. „Syn Człowieczy” to tytuł: Książki Syn Człowieczy to książka Arcykapłana AV Men. Syn Człowieczy to książka pisarza i badacza wczesnego chrześcijaństwa R.A. Smorodinowa (Rusłana ... ... Wikipedia
Hieronim Bosch ... Wikipedia
DUSZA- [Grecki. ψυχή] wraz z ciałem tworzy skład osoby (zob. artykuły Dychotomizm, Antropologia), będąc jednocześnie samodzielnym początkiem; D. człowiek zawiera obraz Boga (według niektórych ojców Kościoła; według innych obraz Boga zawarty jest we wszystkim ... ... Encyklopedia prawosławna
„Pasja Chrystusa” przekierowuje tutaj; zobacz także inne znaczenia. „Dźwiganie krzyża”, Jean Fouquet, miniatura z „Godzin Etienne Chevaliera”. W medalionie św. Weroniki z… Wikipedią
Aby zapoznać się z filmem, zobacz Pasja Chrystusa (film) Carring the Cross Jeana Fouqueta, miniatura z Księgi godzin Etienne'a Chevaliera . W medalionie św. Weronika w chustce na głowie. W tle samobójstwo Judasza, z którego pochodzi demon. Kucie na pierwszym planie ... ... Wikipedia
Aby zapoznać się z filmem, zobacz Pasja Chrystusa (film) Carring the Cross Jeana Fouqueta, miniatura z Księgi godzin Etienne'a Chevaliera . W medalionie św. Weronika w chustce na głowie. W tle samobójstwo Judasza, z którego pochodzi demon. Kucie na pierwszym planie ... ... Wikipedia
EWANGELIA. CZĘŚĆ I- [Grecki. εὐαγγέλιον], orędzie o nadejściu Królestwa Bożego i zbawieniu rodzaju ludzkiego od grzechu i śmierci, głoszone przez Jezusa Chrystusa i apostołów, które stało się główną treścią Chrystusowego kazania. Kościoły; książka, która umieszcza tę wiadomość w formie ... ... Encyklopedia prawosławna
- (hebr. יוחנן המטביל) Fragment ikony „Jan Chrzciciel” z poziomu Deesis klasztoru Nikolo Pesnoshsky w pobliżu ... Wikipedia
Jan Chrzciciel (hebr. יוחנן המטביל) Fragment ikony „Jan Chrzciciel” z poziomu Deesis klasztoru Nikolo Pesnoshsky niedaleko Dmitrowa, pierwsza trzecia XV wieku. Muzeum Andrieja Rublowa. Płeć: mężczyzna Długość życia: 6 ... Wikipedia
Alogizm, absurdalność, połączenie nieprzystającej do siebie, paradoksalnej wizualnej zmienności obrazów i postaci – to podstawa surrealizmu. Za twórcę tego nurtu uważa się tego, który w sercu surrealizmu dostrzegł ucieleśnienie teorii podświadomości Zygmunta Freuda. Na tej podstawie wielu przedstawicieli kierunku stworzyło arcydzieła, które nie odzwierciedlały obiektywnej rzeczywistości, ale były tylko ucieleśnieniem indywidualnych obrazów inspirowanych podświadomością. Płótna malowane przez surrealistów nie mogły być produktem ani dobra, ani zła. Wszystkie wywoływały różne emocje u różnych osób. Dlatego możemy śmiało powiedzieć, że ten kierunek modernizmu jest dość kontrowersyjny, co przyczyniło się do jego szybkiego rozpowszechnienia w malarstwie i literaturze.
Surrealizm jako iluzoryzm i literatura XX wieku
Salvador Dali, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes i Dorothy Tanning to filary surrealizmu, który pojawił się we Francji w latach dwudziestych XX wieku. Kierunek ten nie ograniczał się terytorialnie do Francji, rozprzestrzeniając się na inne kraje i kontynenty. Surrealizm znacznie ułatwił postrzeganie kubizmu i sztuki abstrakcyjnej.
Jednym z głównych postulatów surrealistów było utożsamianie energii twórców z podświadomością człowieka, która objawia się we śnie, w stanie hipnozy, w delirium podczas choroby, czy przypadkowych wglądach twórczych.
Charakterystyczne cechy surrealizmu
Surrealizm to złożony kierunek w malarstwie, który wielu artystów rozumiało i rozumie na swój sposób. Nic więc dziwnego, że surrealizm rozwijał się w dwóch koncepcyjnie różnych kierunkach. Miro, Max Ernst, Jean Arp i André Masson można śmiało przypisać do pierwszej gałęzi, w której twórczości główne miejsce zajmowały obrazy płynnie przechodzące w abstrakcję. Druga gałąź bierze za podstawę ucieleśnienie nierzeczywistego obrazu generowanego przez podświadomość osoby, z iluzoryczną dokładnością. W tym kierunku pracował Salvador Dali, który jest idealnym przedstawicielem malarstwa akademickiego. To jego prace charakteryzują się dokładnym oddaniem światłocienia i starannym pismem - przedmioty gęste mają namacalną przezroczystość, bryły rozpościerają się, masywne i obszerne figury nabierają lekkości i nieważkości, a nieprzystające można połączyć w jedno.
Biografia Rene Magritte'a
Na równi z twórczością Salvadora Dali stoi twórczość Rene Magritte'a, słynnego belgijskiego artysty urodzonego w Lesinie w 1898 roku. W rodzinie, z wyjątkiem Rene. było jeszcze dwoje dzieci, aw 1912 roku wydarzyło się nieszczęście, które wpłynęło na życie i twórczość przyszłego artysty - zmarła jego matka. Znalazło to odzwierciedlenie w obrazie Rene Magritte'a „In Memory of Mack Sennett”, który został namalowany w 1936 roku. Sam artysta twierdził, że okoliczności nie wpłynęły na jego życie i twórczość.
W 1916 roku Rene Magritte wstąpił do brukselskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie poznał swoją przyszłą muzę i żonę, Georgette Berger. Po ukończeniu Akademii Rene pracował nad tworzeniem materiałów promocyjnych i traktował to raczej lekceważąco. Futuryzm, kubizm i dadaizm wywarły ogromny wpływ na artystę, ale w 1923 roku Rene Magritte po raz pierwszy zobaczył dzieło Giorgio de Chirico „Song of Love”. To właśnie ten moment stał się punktem wyjścia dla rozwoju surrealisty Rene Magritte'a. W tym samym czasie rozpoczęło się formowanie nurtu w Brukseli, którego przedstawicielem został Rene Magritte wraz z Marcelem Lekamte, André Suri, Paulem Nougetem i Camille Gemans.
Twórczość Rene Magritte'a.
Prace tego artysty zawsze budziły kontrowersje i budziły duże zainteresowanie.
Na pierwszy rzut oka obraz Rene Magritte'a wypełniony jest dziwnymi obrazami, które są nie tylko tajemnicze, ale także niejednoznaczne. Rene Magritte nie poruszał kwestii formy w surrealizmie, włożył swoją wizję w znaczenie i znaczenie obrazu.
Wielu artystów zwraca szczególną uwagę na tytuły. Zwłaszcza René Magritte'a. Obrazy z tytułami „To nie jest fajka” czy „Syn człowieczy” budzą w widzu myśliciela i filozofa. Jego zdaniem nie tylko obraz powinien zachęcać widza do pokazania emocji, ale też tytuł powinien zaskakiwać i skłaniać do refleksji.
Jeśli chodzi o opisy, wielu surrealistów opatrzyło swoje płótna krótką adnotacją. Rene Magritte nie jest wyjątkiem. Obrazy z opisami zawsze były obecne w działaniach reklamowych artysty.
Sam artysta nazywał siebie „magicznym realistą”. Jego celem było stworzenie paradoksu, a opinia publiczna powinna wyciągnąć własne wnioski. Rene Magritte w swoich pracach zawsze wyraźnie wyznaczał granicę między subiektywnym obrazem a rzeczywistą rzeczywistością.
Malarstwo „Kochankowie”
Rene Magritte namalował cykl obrazów „Kochankowie” w latach 1927-1928 w Paryżu.
Pierwsze zdjęcie przedstawia mężczyznę i kobietę, którzy złączyli się w pocałunku. Ich głowy są owinięte białym suknem. Drugie płótno przedstawia tego samego mężczyznę i kobietę w białym ubraniu, którzy patrzą z obrazu na publiczność.
Biała tkanina w pracach artystki wywołuje i wywoływała gorące dyskusje. Istnieją dwie wersje. Według pierwszej białej tkaniny w twórczości Rene Magritte'a pojawiła się w związku ze śmiercią jego matki we wczesnym dzieciństwie. Matka skoczyła z mostu do rzeki. Kiedy jej ciało zostało wyjęte z wody, znaleziono białą szmatkę owiniętą wokół jej głowy. Jeśli chodzi o drugą wersję, wielu wiedziało, że artysta był fanem Fantômasa, bohatera popularnego filmu. Może więc być tak, że biała tkanina jest hołdem złożonym pasji do kina.
O co chodzi w tym obrazku? Wiele osób uważa, że obraz „Kochankowie” uosabia ślepą miłość: zakochując się, ludzie przestają zauważać kogoś lub coś innego niż ich bratnia dusza. Ale ludzie pozostają dla siebie tajemnicami. Z drugiej strony, patrząc na pocałunek kochanków, można powiedzieć, że stracili głowy z miłości i namiętności. Obraz Rene Magritte'a jest pełen wzajemnych uczuć i doświadczeń.
"Syn mężczyzny"
Obraz Rene Magritte'a „Syn Człowieczy” stał się znakiem rozpoznawczym „magicznego realizmu” i autoportretu Rene Magritte'a. To właśnie ta praca jest uważana za jedną z najbardziej kontrowersyjnych prac mistrza.
Artysta ukrył twarz za jabłkiem, jakby mówił, że wszystko nie jest takie, jak się wydaje, i że ludzie nieustannie chcą dostać się do duszy człowieka i zrozumieć prawdziwą istotę rzeczy. Obraz Rene Magritte'a zarówno skrywa, jak i odsłania istotę samego mistrza.
Rene Magritte odegrał ważną rolę w rozwoju surrealizmu, a jego twórczość nadal ekscytuje umysły coraz większej liczby nowych pokoleń.
Intrygować
Przy niskim płocie stoi mężczyzna w nieokreślonym wieku, w dobrze skrojonym, ale niczym się nie wyróżniającym garniturze i meloniku. Za nim jest tafla wody. Zamiast twarzy - jabłko. W tym surrealistycznym rebusie zakodował kilka motywów przewijających się przez całą jego twórczość.
„Syn Człowieczy”, 1964. (wikipedia.org)
Incognito w meloniku to obraz powstały z połączenia sprzecznych pasji Magritte'a. Z jednej strony przestrzegał zasad klasycznego mieszczaństwa, wolał wyglądać niepozornie, być jak wszyscy. Z drugiej strony uwielbiał kryminały, filmy przygodowe, zwłaszcza o Fantômasie. Historia przestępcy, który przybierał postać ofiar, inscenizował mistyfikacje, oszukiwał policję i zawsze ukrywał się przed prześladowaniami, rozpalała wyobraźnię Magritte'a.
Na styku pragnienia porządku i nieładu narodził się ten człowiek, który z pozoru wydaje się porządny, ale za którego przebraniem kryją się nieznane nawet jemu samemu tajemnice. Ten sam cichy basen z diabłami.
W tym samym kontekście można rozpatrywać aluzję do historii upadku w grzech. Adam został wygnany z raju nie dlatego, że zgodził się zjeść owoc z zakazanego drzewa, ale dlatego, że nie wziął odpowiedzialności za popełnioną obrazę, co oznacza, że nie usprawiedliwił imienia człowieka jako stworzenia boskiego.
Innym motywem, który w ten czy inny sposób brzmi w wielu pracach, jest pamięć matki, która popełniła samobójstwo, gdy Rene miał 14 lat. Utopiła się w rzece, a kiedy po pewnym czasie wyjęto jej ciało z wody, jej głowę owinięto koszulą nocną. I choć Magritte powiedział później, że to wydarzenie nie wpłynęło na niego w żaden sposób, trudno w to uwierzyć. Po pierwsze, aby pozostać obojętnym na samobójstwo matki w wieku 14 lat, trzeba mieć zanikłą duszę (czego nie można powiedzieć na pewno o Magritte). Po drugie, na obrazach bardzo często pojawiają się wizerunki wody, duszącej draperii lub kobiety związanej z żywiołem wody. Tak więc w „Synie Człowieczym” za plecami bohatera znajduje się woda, a oddzielająca ją bariera jest wyjątkowo niska. Koniec jest nieunikniony, a jego nadejście nieprzewidywalne.
Kontekst
Zgodnie z definicją Magritte'a stworzył magiczny realizm: używając znanych przedmiotów, stworzył nieznane kombinacje, które wprawiały widza w niepokój. Nazwy dla większości - wszystkie te enigmatyczne, otaczające sformułowania - zostały wymyślone nie przez samego artystę, ale przez jego przyjaciół. Po zakończeniu następnej pracy Magritte zaprosił ich i zaproponował zorganizowanie sesji burzy mózgów. Sam artysta pozostawił dość szczegółowy opis filozofii swojej sztuki i postrzegania świata, rozumienia relacji między przedmiotem, jego obrazem i słowem.
„Powielanie jest zabronione”, 1937. (wikipedia.org)
Jednym z podręcznikowych przykładów jest obraz „Zdrada obrazów” z 1948 roku. Przedstawia znaną wszystkim fajkę, która sama w sobie nie budzi niepokoju w doskonale zorganizowanej duszy o charakterze artystycznym. Gdyby nie podpis: „To nie jest fajka”. „Jak to nie jest fajka”, pytała publiczność, „kiedy jest zupełnie jasne, że nie może to być nic innego, jak tylko fajka”. Magritte odparł: „Czy możesz napchać ją tytoniem? Nie, to tylko obraz, prawda? Więc gdybym napisał pod zdjęciem „To jest fajka”, skłamałbym!”
„Zdrada obrazów”, 1928–1929 (wikipedia.org)
Każde dzieło Magritte'a ma swoją własną logikę. To nie jest ciąg koszmarów i snów, ale system powiązań. Artysta był generalnie sceptyczny co do zapału, z jakim surrealiści studiowali Freuda i ledwo się budząc, starali się uchwycić jak najwięcej szczegółów tego, co widzieli we śnie.
Artysta ma cykl prac – „perspektywy”, w których giną bohaterowie obrazów wybitnych mistrzów. Oznacza to, że Magritte interpretuje osoby przedstawione na płótnach jako żywych ludzi, którzy prędzej czy później umrą. Na przykład Magritte wziął portrety Madame Recamier autorstwa Davida i Francois Gerarda i na ich podstawie namalował dwie perspektywy. I nie można się kłócić: bez względu na to, jak piękna była towarzyska, czekał ją ten sam los, co ostatnią dziwkę.
Magritte zrobił to samo z Balkonem Edouarda Maneta, gdzie zastąpił ludzi trumnami. Ktoś postrzega cykl „perspektyw” jako bluźnierstwo wobec sztuki, ktoś jako żart, ale jak się nad tym zastanowić, to tylko trzeźwe spojrzenie.
Los artysty
Rene Magritte urodził się w belgijskiej dziczy. Rodzina miała trójkę dzieci, nie było łatwo. Rok po śmierci matki Rene poznał Georgette Berger. Po 9 latach spotkają się ponownie i nigdy się nie rozstaną.
Po szkole i kursie w Royal Academy of Arts Magritte poszedł malować róże na tapetach - dostał pracę jako artysta w fabryce. Następnie przeszedł do plakatów reklamowych. Po ślubie z Georgette Magritte coraz więcej czasu poświęcał sztuce. (Choć od czasu do czasu musiał wracać do zleceń handlowych – brakowało pieniędzy, Georgette musiała od czasu do czasu pracować, co niezwykle przygnębiało Rene – on, jak porządny mieszczanin, uważał, że kobieta w ogóle nie powinna pracować .) Razem pojechali do Paryża, gdzie spotkali się z dadaistami i surrealistami, w szczególności z André Bretonem i Salvadorem Dali.
Po powrocie do ojczyzny w latach 30. Magritte pozostał wierny swojemu ascetycznemu stylowi życia według standardów artystów. W jego domu nie było warsztatu - pisał bezpośrednio w swoim pokoju. Żadnego nieokiełznanego pijaństwa, seksualnych skandali, artystycznej rozwiązłości. Rene Magritte prowadził życie niepozornego urzędnika. Nie mieli dzieci, tylko psa.
Stopniowo staje się coraz bardziej znany w Europie i USA, jest zapraszany do Wielkiej Brytanii i Stanów z wystawami i wykładami. Niepozorny mieszczanin jest zmuszony opuścić swój cichy kąt.
W latach wojny, chcąc rozweselić współobywateli okupowanej ojczyzny, Magritte zwraca się ku impresjonizmowi. Używając Renoira jako modelu, wybiera jaśniejsze kolory. Pod koniec wojny powróci do swojego zwykłego trybu życia. Ponadto rozpocznie eksperymenty w kinie: kupiwszy aparat w latach 50., Magritte entuzjastycznie kręci filmy krótkometrażowe z żoną i przyjaciółmi.
W 1967 roku Magritte zmarł na raka trzustki. Pozostało kilka niedokończonych projektów, nad którymi artysta pracował do ostatnich dni.
Źródła
- muzeum-magritte-museum.be
- Wykład Iriny Kulik „Rene Magritte – Christo”
- Alexander Tairov - o artystach. Rene Magritte'a
- Ogłoszenie i zdjęcie przewodnie: wikipedia.org
Bella Adzejewa
Belgijski artysta Rene Magritte, mimo niewątpliwej przynależności do surrealizmu, zawsze wyróżniał się w tym ruchu. Po pierwsze, sceptycznie odnosił się do być może głównej pasji całej grupy Andre Bretona – psychoanalizy Freuda. Po drugie, same obrazy Magritte'a nie przypominają ani szalonych wątków Salvadora Dali, ani dziwacznych pejzaży Maxa Ernsta. Magritte używał głównie zwykłych codziennych obrazów - drzew, okien, drzwi, owoców, postaci ludzi - ale jego obrazy są nie mniej absurdalne i tajemnicze niż prace jego ekscentrycznych kolegów. Nie tworząc z głębi podświadomości fantastycznych przedmiotów i stworzeń, belgijski artysta zrobił to, co Lautreamont nazwał sztuką – zaaranżował „spotkanie parasolki i maszyny do pisania na stole operacyjnym”, łącząc rzeczy banalne w niebanalny sposób. Krytycy i koneserzy sztuki wciąż proponują nowe interpretacje jego obrazów i ich poetyckie tytuły, prawie nigdy nie kojarzone z obrazem, co po raz kolejny potwierdza, że prostota Magritte'a jest zwodnicza.
© Zdjęcie: Rene MagritteRene Magritte'a. "Terapeuta". 1967
Sam Rene Magritte nazwał swoją sztukę nawet nie surrealizmem, ale realizmem magicznym i był bardzo nieufny wobec wszelkich prób interpretacji, a tym bardziej poszukiwania symboli, argumentując, że jedyne, co ma wspólnego z obrazami, to je rozważać.
© Zdjęcie: Rene MagritteRene Magritte'a. „Refleksje samotnego przechodnia”. 1926
Od tego momentu Magritte okresowo powracał do wizerunku tajemniczego nieznajomego w meloniku, przedstawiając go albo na piaszczystym brzegu morza, albo na miejskim moście, albo w zielonym lesie, albo naprzeciw górskiego krajobrazu. Obcych mogło być dwóch, trzech, stali tyłem do widza lub półbokiem, a czasem – jak na przykład w obrazie High Society (1962) (można przetłumaczyć jako „High Society” – red.) - artysta wskazał jedynie zarys mężczyzn w melonikach, wypełniając go chmurami i listowiem. Najsłynniejsze obrazy przedstawiające nieznajomego to „Golconda” (1953) i oczywiście „Syn Człowieczy” (1964) – najczęściej powielane dzieło Magritte'a, którego parodie i aluzje są tak powszechne, że obraz żyje już w oderwaniu od swojego twórca. Początkowo Rene Magritte namalował obraz jako autoportret, gdzie postać mężczyzny symbolizowała współczesnego mężczyznę, który utracił swoją indywidualność, ale pozostaje synem Adama, który nie jest w stanie oprzeć się pokusom – stąd jabłko zakrywające jego twarz.
© Zdjęcie: Volkswagen / Agencja reklamowa: DDB, Berlin, Niemcy
"Zakochani"
Rene Magritte dość często komentował swoje obrazy, ale pozostawił jeden z najbardziej tajemniczych - "Kochanków" (1928) - bez wyjaśnienia, pozostawiając pole do interpretacji krytykom sztuki i fanom. Ci pierwsi ponownie dostrzegli w obrazie nawiązanie do dzieciństwa artystki i przeżyć związanych z samobójstwem matki (kiedy jej ciało wydobyto z rzeki, głowę kobiety zakrywał rąbek jej koszuli nocnej – red.). Najprostsza i najbardziej oczywista z istniejących wersji – „miłość jest ślepa” – nie budzi zaufania specjalistów, którzy często interpretują obraz jako próbę oddania izolacji między ludźmi, którzy nawet w chwilach namiętności nie potrafią przezwyciężyć wyobcowania. Inni widzą tu niemożność zrozumienia i poznania do końca bliskich osób, inni rozumieją "Kochanków" jako zrealizowaną metaforę "stracenia głowy z miłości".
W tym samym roku Rene Magritte namalował drugi obraz zatytułowany „Kochankowie” - na nim twarze mężczyzny i kobiety są również zamknięte, ale zmieniły się ich pozy i tło, a ogólny nastrój zmienił się z napiętego na spokojny.
Tak czy inaczej, „Kochankowie” pozostają jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte'a, którego tajemniczą atmosferę zapożyczają dzisiejsi artyści - na przykład okładka debiutanckiego albumu brytyjskiego zespołu Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep w Conversation (2003) odnosi się do tego.
© Zdjęcie: Atlantyk, Potężny Atom, FretkaAlbum autorstwa Funeral For a Friend, „Casually Dressed & Deep in Conversation”
„Zdrada obrazów”, czyli To nie jest…
Nazwy obrazów Rene Magritte'a i ich związek z obrazem to temat na osobne opracowanie. „Szklany klucz”, „Osiągnięcie niemożliwego”, „Ludzkie przeznaczenie”, „Przeszkoda pustki”, „Piękny świat”, „Imperium światła” są poetyckie i tajemnicze, prawie nigdy nie opisują tego, co widz widzi na płótnie, ale o tym, jakie znaczenie artysta chciał nadać nazwie, w każdym indywidualnym przypadku można się tylko domyślać. „Tytuły są dobrane w taki sposób, że nie pozwalają mi umieścić moich obrazów w obszarze tego, co znajome, gdzie automatyzm myśli z pewnością zadziała, aby zapobiec niepokojowi” – wyjaśnił Magritte.
W 1948 roku stworzył obraz „Zdrada obrazów”, który stał się jednym z najsłynniejszych dzieł Magritte'a dzięki umieszczonemu na nim napisowi: artysta przeszedł od niekonsekwencji do zaprzeczenia, pisząc pod wizerunkiem fajki „To nie jest fajka” . "Ta słynna fajka. Jak ludzie mi to wypominali! A przecież można ją nabijać tytoniem? Nie, to tylko obrazek, prawda? Więc gdybym napisał pod zdjęciem "To jest fajka", to bym kłamać!" – powiedział artysta.
© Zdjęcie: Rene MagritteRene Magritte'a. „Dwie tajemnice” 1966
© Zdjęcie: Allianz Insurance / Agencja reklamowa: Atletico International, Berlin, Niemcy
Niebo Magritte'a
Niebo z płynącymi po nim chmurami jest obrazem tak codziennym i używanym, że nie sposób uczynić z niego „wizytówki” konkretnego artysty. Nieba Magritte'a nie można jednak pomylić z czyimś - częściej z uwagi na to, że na jego obrazach odbija się ono w fantazyjnych lustrach i wielkich oczach, wypełnia kontury ptaków i wraz z linią horyzontu od pejzażu niepostrzeżenie przechodzi w sztalugi (seria „Ludzkie przeznaczenie”). Pogodne niebo jest tłem dla nieznajomego w meloniku („Dekalkomania”, 1966), zastępuje szare ściany pokoju („Wartości osobiste”, 1952) i odbija się w trójwymiarowych lustrach („Elementarna kosmogonia” , 1949).
© Zdjęcie: Rene MagritteRene Magritte'a. „Imperium światła” 1954
Wydaje się, że słynne „Imperium światła” (1954) wcale nie przypomina dzieła Magritte'a - w wieczornym krajobrazie na pierwszy rzut oka nie było miejsca na niezwykłe przedmioty i tajemnicze kombinacje. A jednak istnieje takie połączenie, które tworzy obraz „Magritte” - czyste niebo w ciągu dnia nad jeziorem i dom pogrążony w ciemności.
