Zasady dydaktyczne i metody nauczaniana lekcjach plastyki i pracy plastycznej

Wprowadzenie

Na przestrzeni wieków szkoła zgromadziła spore doświadczenie w nauczaniu dzieci. Istnieją więc różne punkty widzenia na koncepcję, skuteczność stosowania różnych metod i zasad nauczania.

Proces uczenia się jest dość złożonym zjawiskiem i nie można go przedstawić jako prostego przekazania wiedzy przez nauczyciela uczniom, którzy tej wiedzy jeszcze nie posiadają. Tu naturalnie pojawiają się pytania: „Czego uczyć?” i „Jak uczyć?”

Prawa lub reguły, które funkcjonują w każdej nauce, odzwierciedlają jej obiektywne, istotne i trwałe powiązania, a także wskazują pewne trendy w ich rozwoju. Jednak prawa te nie zawierają bezpośrednich instrukcji praktycznych działań: stanowią jedynie teoretyczną podstawę do rozwoju technologii praktycznej działalności.

Zadaniem dydaktyki jest ustalenie, na podstawie wiedzy o obiektywnym rozwoju procesu wychowawczego, w jaki sposób na podstawie praw jego rozwoju kształtują się zasady i reguły nauczania, którymi kieruje się nauczyciel w jego praktyczna praca. Wszystko to aktualizuje temat badawczy.

Przedmiot badań: lekcje plastyki i pracy plastycznej.

Przedmiot badań: zasady i metody dydaktyczne nauczania plastyki i pracy artystycznej.

Hipoteza: prawidłowo i umiejętnie zorganizowane, metodycznie kompetentne stosowanie zasad i metod dydaktycznych na lekcjach pracy artystycznej i plastyki przyczynia się do efektywności procesu edukacyjnego, a mianowicie:

· Pomaga zwiększyć aktywność, zainteresowanie uczniów, co znajduje odzwierciedlenie w wynikach pracy.

Sprzyja rozwojowi zamiłowania do plastyki i pracy artystycznej.

· Rozwija takie cechy jak: spostrzegawczość, uwaga, wyobraźnia, myślenie, pamięć, mowa, samokontrola itp.

Promuje szybkie i trwałe przyswajanie wiedzy, która rozwija się w umiejętności i zdolności.

· Kształtuje umiejętność zastosowania zdobytej wiedzy w praktyce.

Cpraca świerkowa: badanie i uzasadnienie wpływu zasad dydaktycznych i metod nauczania na proces edukacyjny na lekcjach pracy artystycznej i plastyki.

Z celu wynikają następujące wyniki zadania:

1. Rozważ pojęcia „zasad dydaktycznych” i metod nauczania.

2. Rozważ klasyfikację metod i zasad nauczania, ich związek.

3. Określić podstawowe metody i zasady nauczania stosowane na lekcjach prac plastycznych i plastycznych.

4. Przestudiować cechy wdrażania głównych metod i zasad stosowanych na tych lekcjach.

5. Udowodnić wpływ zasad i metod dydaktycznych na aktywność uczniów i efektywność procesu wychowawczego.

Podczas pisania pracy wykorzystano następujące metody badania psychologiczno-pedagogiczne:

1. Studium literatury metodologicznej, psychologicznej i pedagogicznej na dany temat.

2. Obserwacja studentów.

3. Analiza własnego doświadczenia w szkole.

4. Analiza lekcji pracy plastycznej i plastyki.

Praktyczne znaczenie pracy: prezentowany materiał może być wykorzystany w wyniku przygotowania do zajęć plastycznych i prac plastycznych.

Baza badawcza: Liceum nr 165 w Mińsku.

Obciążenie pracą: wstęp, część główna i zakończenie.

1. Zasady i metody nauczania na lekcjach plastyki i pracy plastycznej

1.1 Pojęcie zasad dydaktycznych nauczania i ich klasyfikacja

Zasady uczenia się są niezbędnym narzędziem w nauczaniu. Dzięki tym zasadom następuje proces łączenia idei teoretycznych z praktyką pedagogiczną. Zasady nauczania w pedagogice mają przede wszystkim charakter doradczy i fakultatywny. Dzieje się tak dlatego, że aktywność nauczyciela w procesie uczenia się może zostać załamana poprzez różne formy i techniki.

Zasady szkolenia to wytyczne leżące u podstaw szkolenia i określające jego treść, metody i formy organizacji.

Zasady są podstawowymi punktami wyjścia każdej teorii, nauki w ogóle, są to podstawowe wymagania czegoś.

Zasady pedagogiczne to główne idee, których przestrzeganie pomaga w jak najlepszy sposób osiągnąć cele pedagogiczne.

Comenius postawił doświadczenie zmysłowe jako podstawę wiedzy i uczenia się oraz teoretycznie uzasadniony, ujawnił szczegółowo zasadę wizualizacji. Widzialność była używana przed nim. Mówili o tym nauczyciele – humaniści, na przykład Thomas More, określając edukację na wyspie jako „utopię”. Książki, zarówno pisane odręcznie, jak i drukowane, były już wcześniej często opatrzone rysunkami, ale było to niejako empiryczne zastosowanie wizualizacji bez jej teoretycznego uzasadnienia, które po raz pierwszy podał Komeński.

Widzialność pojmował szeroko, nie tylko jako percepcję wzrokową, ale także jako przyciąganie wszystkich zmysłów do lepszego i wyraźniejszego postrzegania rzeczy i zjawisk. Comenius domagał się, aby nauczanie zaczynało się nie od słownej interpretacji rzeczy, ale od konkretnych ich obserwacji.

Należy obserwować, co jest możliwe w przyrodzie; a jeśli nie można bezpośrednio obserwować rzeczy, należy je zastąpić obrazami, modelami, rysunkami.

Wielka jest zasługa Komeńskiego w rozwinięciu wizualizacji jako jednej z najważniejszych zasad dydaktyki: znakomicie uzasadnił, uogólnił, pogłębił i poszerzył pewne dostępne już wtedy praktyczne doświadczenia nauczania wizualnego, zastosował szeroko wizualizację w praktyce, dostarczając podręczniki z rysunkami.

Komeński kładł nacisk na systematyczne nauczanie. Zwrócił uwagę na potrzebę doprowadzenia uczniów do zrozumienia związku między zjawiskami i uporządkowania materiału edukacyjnego w taki sposób, aby nie sprawiał wrażenia chaosu, ale streszczał się w kilku podstawowych postanowieniach. Uważał, że w nauczaniu należy przejść od faktów do wniosków, od przykładów do reguł systematyzujących i uogólniających te fakty i przykłady; przejść od konkretu do abstrakcji, od łatwego do trudnego, od ogólnego do szczegółowego; najpierw daj ogólne pojęcie o temacie lub zjawisku, a następnie przystąp do badania jego poszczególnych aspektów.

Ogromne znaczenie, zdaniem Komeńskiego, ma kolejność treningu. Wszystko, co jest oferowane studentom do asymilacji, musi być zorganizowane w taki sposób, aby studiowanie nowego materiału było przygotowane na poprzednich lekcjach. Biorąc pod uwagę cechy wiekowe dzieci, Comenius radzi najpierw rozwijać wrażenia (uczucia) uczniów, potem pamięć, potem myślenie, a na końcu mowę i rękę, gdyż uczeń musi umieć poprawnie wyrazić to, czego się nauczył i zastosować to w praktyce.

Cennych wskazówek dostarczył Comenius, wysuwając dydaktyczny wymóg, aby uczenie się było wykonalne dla uczniów. Dzieciom należy dawać do nauki tylko to, co jest dostępne dla ich wieku. Wykonalność, dostępność w nauce osiąga się dzięki jasności nauczania, komunikacji głównej bez zbędnych szczegółów.

Stawiając dydaktyczny wymóg stabilności przyswajania materiału edukacyjnego przez uczniów, Komeński stwierdził, że trzeba położyć „solidny fundament”, nie spieszyć się z nauką, aby uczniowie w pełni opanowali to, czego nauczał: wszystko, co połączenie powinno być nauczane „w połączeniu”. Każdy temat powinien być streszczony w krótkich, precyzyjnych zasadach.

Duże znaczenie dla trwałej asymilacji mają ćwiczenia i powtarzanie poznanego przez uczniów materiału. Po przekazaniu uczniom nowego materiału edukacyjnego nauczyciel żąda, aby wezwany przez niego uczeń powiedział, powtórzył to, co mu powiedziano; zaprasza innego ucznia do zrobienia tego samego. Dzięki temu ćwiczeniu i powtórzeniu nauczyciel wyraźnie widzi to, co z jego wykładu pozostało niezrozumiałe dla uczniów. Powtarzane kilka razy mocno zapadają w pamięć. Ważną rolę w tym powtarzaniu na głos odgrywa rozwijanie umiejętności wyrażania tego, czego się nauczyliśmy, a samo przyswajanie staje się wyraźniejsze i trwalsze. W tym celu Comenius zaleca, aby uczniowie, dowiedziawszy się czegoś, starali się uczyć tego innych.

„Tego, co ma być zrobione, trzeba się nauczyć przez działanie” – mówi Komeński, podając zasady, według których należy organizować ćwiczenia. „Niech szkoły uczą się pisać, ćwicząc pisanie, mówić, ćwicząc mówienie, śpiewać, ćwicząc śpiew, rozumować, ćwicząc rozumowanie, itd., aby szkoły były tylko warsztatami, w których praca idzie pełną parą”.

Dla prawidłowego nauczania umiejętności konieczne jest podanie przez uczniów określonej formy i normy tego, co należy robić; posługiwania się narzędziami (np. podczas rysowania itp.), aby pokazać w praktyce, a nie tylko opowiadać, jak używać narzędzi. Ćwiczenia muszą zaczynać się od elementów, a nie od wykonania całych utworów; dotyczy to czytania (najpierw litery i sylaby, potem słowa, w końcu frazy), rysowania (wykonywanie ćwiczeń z rysowania poszczególnych kształtów) i pracy plastycznej (najpierw zapoznanie się z rodzajami szwów, a potem wykonanie zabawki), oraz do pisania i gramatyki oraz innych umiejętności.

Pokazując uczniom wzór do naśladowania, nauczyciel musi najpierw wymagać ścisłego, dokładnego naśladowania formy, później wykonanie może być bardziej swobodne. Wszelkie odstępstwa od próbek dokonane przez uczniów powinny być niezwłocznie korygowane przez prowadzącego, który swoje uwagi poparł odniesieniem do zasad. Podczas nauczania konieczne jest łączenie syntezy z analizą.

Być może Komeński dążył do silniejszego rozwijania zdolności poznawczych uczniów, „rozpalania pragnienia wiedzy i żarliwego zapału do nauki”, dla czego, jak podkreślał, trzeba łączyć interesy z przyjemnością, aby rozbudzać dziecięcą ciekawość.

„U moich uczniów zawsze rozwijam autonomię w obserwacji, mowie, praktyce i zastosowaniu” – napisał.

Autor materiału:
TG Rusakowa, doktor nauk pedagogicznych, profesor Katedry KhEV OGPU

METODYKA NAUCZANIA SZTUK PIĘKNYCH
Liczba godzin - 8

Praktyka nr 1

Temat: Monitorowanie rozwoju artystycznego i twórczego uczniów na lekcjach plastyki iw zajęciach pozalekcyjnych

Formularz postępowania: sesja praktyczna (2 godz.)

Cel: wzbogacenie arsenału metod diagnostycznych dla nauczycieli sztuk plastycznych. Wzmocnienie umiejętności monitorowania i analizowania wyników swojej pracy nad artystycznym i twórczym rozwojem uczniów.

Podstawowe koncepcje: diagnostyka, technika diagnostyczna.

Plan

1. Diagnoza zdolności artystycznych i twórczych uczniów „5 rysunków” N. Lepskaya.
2. Diagnostyka rozwoju percepcji artystycznej młodzieży szkolnej A. Melik-Paszajewa.
3. Diagnostyka percepcji estetycznej studentów E. Torshilovej i T. Morozowej.

1. Diagnoza zdolności artystycznych i twórczych uczniów

„5 RYSUNKÓW”(NA Lepskaya)

Warunki: dziecko jest proszone o wymyślenie i narysowanie pięciu rysunków na oddzielnych arkuszach papieru tego samego rozmiaru (1/2 arkusza poziomego).

Instrukcja dla dzieci:

„Dzisiaj zapraszam do wymyślenia i narysowania pięciu rysunków. Możesz rysować, co chcesz, co możesz narysować lub co chciałbyś narysować, a nigdy wcześniej nie rysowałeś. Teraz masz taką możliwość”. Niczego w instrukcji nie można zmieniać ani uzupełniać. Możesz tylko powtórzyć.

Na odwrocie, w trakcie wykonywania rysunków, napisany jest numer rysunku, nazwa i odpowiedź na pytanie „O czym jest ten rysunek?”.

Wskaźniki:

1. Niezależność (oryginalność) - naprawia skłonność do aktywności produkcyjnej lub reprodukcyjnej, stereotypowego lub swobodnego myślenia, obserwacji, pamięci.

2. Dynamiczny - odzwierciedla rozwój fantazji i wyobraźni (statyka wskazuje na brak planu pracy, nieukształtowaną umiejętność wyszukiwania i tworzenia pomysłów na własne rysunki).

3. Emocjonalność - pokazuje obecność emocjonalnej reakcji na zjawiska życiowe, stosunek do przedstawionych.

4. Ekspresyjność - jest ustalany przez obecność obrazu artystycznego. Poziomy:

Poziom wypowiedzi artystycznej		Kryteria oceny
		Zamiar	Zdjęcie
		Oryginalność, dynamika, emocjonalność, artystyczne uogólnienie	Różnorodność środków graficznych, proporcje, przestrzeń, światłocień
		Wskaźniki dla typu 1, ale mniej jasne	Wskaźniki dla typu 1, ale mniej wyraźne
Fragmentaryczny poziom wyrazistości		Wskaźniki typu 2, ale bez poziomu uogólnienia artystycznego	Brakuje perspektywy, nie zachowane są proporcje, szkicowość poszczególnych obrazów
		Pomysł jest oryginalny, oparty na obserwacjach, ale nie implikuje dynamiki i emocjonalności	Potrafi dobrze oddać proporcje, przestrzeń, światłocień
Poziom przedartystyczny		Pomysł jest oryginalny, ale słabo oparty na obserwacjach	Schematycznie, bez prób oddania przestrzeni i proporcji
		Stereotypowy	rozrodczy

5. Grafika – świadome stosowanie środków i technik plastycznych do pracy z różnymi materiałami graficznymi

Tabela wyników:

№	Lista studentów	Wskaźniki					Ogólny wynik	Poziom

3. Diagnostyka percepcji estetycznej studentów(autorzy E. Torshilova i T. Morozova)

Diagnoza wyczucia formy(Test „Geometria w kompozycji”).

Wśród zasad kształtowania (zasada odbicia, zasada integralności, zasada proporcjonalności i proporcjonalności) test ten wyróżnia zasadę podobieństwa geometrycznego. Struktura geometryczna jest jedną z właściwości materii. Geometryczne figury i bryły są uogólnionym odzwierciedleniem kształtu przedmiotów. Są to standardy, według których człowiek orientuje się w otaczającym go świecie.

Materiał bodźcowy testu „Geometria w kompozycji” obejmuje trzy reprodukcje: (K. A. Somov - „Lady in Blue”, D. Zhilinsky - „Sunday”, G. Holbein the Younger „Portret Dirka Burke”) i cztery neutralne kolory , identyczne w fakturze i w przybliżeniu odpowiadające rozmiarom kompozycyjnym prototypom obrazów figur geometrycznych:

trójkąt(„The Lady in Blue” to kompozycja piramidalna), okrąg(„dzień” – kompozycja sferyczna), plac(Holbein) i rysunek źle formularze (dodatkowe).

Instrukcja: znajdź figurę geometryczną, która pasuje do każdego z obrazków. Wyjaśnienia typu „Gdzie tu widzisz koło?” są niedopuszczalne, ponieważ prowokują fragmentaryczną wizję, która jest wprost przeciwna do rozwiązania problemu polegającego na holistycznej wizji obrazu.

Ocena opiera się na zasadzie poprawnych i błędnych odpowiedzi. Najwyższy wynik to 6, 2 punkty za każdą poprawną odpowiedź. Sama wartość punktacji jest każdorazowo warunkowa i podawana jest w celu zrozumienia samej zasady oceny.

Głośno - Cicho test.

Na materiał do zadania składają się barwne reprodukcje trzech martwych natur, trzech pejzaży i trzech scen rodzajowych. Temat materiałów wizualnych wykorzystywanych w całej metodologii nie obejmuje obrazów fabularnych, ponieważ prowokują one nieestetyczną percepcję, zainteresowanie znaczącymi informacjami i ocenę wydarzeń życiowych. Ponadto dobór materiału do testu powinien spełniać wymóg jak największego podobieństwa tematycznego, tak aby przy porównywaniu ilustracji dziecko mniej rozpraszało się ich różnicami, które są nieistotne dla celu zadania.

Badacz może wybrać swoje przykłady i sprawdzić ich „dźwięk” poprzez recenzowanie. Nie da się dokładnie opisać zasad dopasowania obrazu i jego dźwięku (głośność – cisza), oczywiste jest jedynie, że należy to wiązać nie z fabułą obrazu czy funkcją przedstawianych obiektów, ale z nasyceniem barw, złożoność kompozycji, charakter linii, „brzmienie” faktury.

Na przykład w diagnostyce można wykorzystać reprodukcje następujących obrazów: K. A. Korovin - „Róże i fiołki”, I. E. Grabar - „Chryzantemy”, V. E. Tatlin - „Kwiaty”.

Instrukcje: powiedz mi, który obraz z trzech jest cichy, który jest głośny, który jest środkowy, ani głośny, ani cichy. Można zapytać: jakim „głosem przemawia obraz” – głośno, cicho, średnio?

Zadanie jest oceniane za pomocą plusów i minusów, których liczba jest sumowana, a dziecko otrzymuje łączną punktację za wszystkie odpowiedzi. Absolutnie poprawna odpowiedź: ++; stosunkowo prawdziwe, +-; całkowicie nieprawda. Logika takiej oceny polega na tym, że dziecko jest zmuszone wybrać spośród trzech „dźwięków” i ocenić trzy obrazy niejako w skali porównawczej.

TEST „MATISSE”.

Celem jest określenie wrażliwości dzieci na figuratywną strukturę dzieła, styl artystyczny autora. Jako materiał stymulujący dzieci otrzymują zestaw dwunastu martwych natur dwóch artystów (K. Petrov-Vodkin i A. Matisse) z następującą instrukcją: „Oto obrazy dwóch artystów. Pokażę ci jeden obraz jednego i drugiego artysty. Przyjrzyj się im uważnie, a zobaczysz, że ci artyści rysują na różne sposoby. Te dwa zdjęcia zostawimy jako przykłady tego, jak malują. A ty, patrząc na te przykłady, spróbuj ustalić, które z pozostałych obrazków zostały narysowane przez pierwszego artystę, a które przez drugiego, i przyłóż je do odpowiednich próbek. Protokół zapisuje numery martwych natur, które dziecko przypisało jednemu i drugiemu artyście. Po wykonaniu zadania można zapytać dziecko, jak jego zdaniem różnią się te zdjęcia, jak, według jakich znaków je ułożył.

Materiał artystyczny oferowany dzieciom jest zasadniczo inny pod względem artystycznym. Cechę definiującą martwe natury A. Matisse'a można uznać za dekoracyjną, K. Petrov-Vodkin charakteryzuje się rozwojem perspektywy planetarnej, objętością rozwiązania artystycznego. Prawidłowe wykonanie zadania wiąże się z umiejętnością, być może intuicyjną, dostrzegania cech maniery artystycznej, środków wyrazu autorów, sposobu, a nie tego, co rysują. Jeśli przy klasyfikacji martwych natur dziecko kieruje się warstwą przedmiotowo-treściową dzieła, tym, co artysta przedstawia, to zadanie jest przez niego wykonywane nieprawidłowo.

Test Matisse'a jest typowym i dość złożonym przykładem diagnozowania poczucia stylu.

TEST „TWARZ”.

Ujawnia zdolność dziecka do patrzenia i widzenia (percepcja artystyczna) na materiale rysunków graficznych ludzkiej twarzy. Zdolność dziecka do zrozumienia, zinterpretowania przedstawionej osoby ujawnia się na podstawie jego zdolności do określania stanu wewnętrznego osoby, jej nastroju, charakteru itp. poprzez wyraz twarzy.

Jako materiał stymulujący dzieciom proponuje się trzy graficzne portrety A.E. Jakowlew (1887 - 1938). Pierwszy rysunek („Głowa kobiety” - 1909) przedstawia piękną kobiecą twarz otoczoną długimi włosami, wyrażającą pewien dystans, zaabsorbowanie sobą, z nutą smutku. Drugi rysunek ("Głowa mężczyzny" - 1912) przedstawia uśmiechniętego mężczyznę w nakryciu głowy przypominającym kucharską czapkę. Osoba przedstawiona na portrecie nr 2 ma zapewne duże doświadczenie i rozeznanie w życiu. Oczywiście ma takie cechy, jak przebiegłość, oszustwo, sarkastyczny stosunek do ludzi, co robi raczej nieprzyjemne wrażenie, ale dzieci z reguły tego nie zauważają. Na trzecim obrazie („Portret mężczyzny” - 1911) - mężczyzna pogrążony w sobie, myślący być może o czymś smutnym i odległym. Twarz mężczyzny wyraża szereg niezbyt intensywnych negatywnych doświadczeń, pewne stany przejściowe.

Rysunki są oferowane dzieciom z następującą instrukcją: „Zanim pojawią się rysunki artysty A.E. Jakowlewo, spójrz na nie i powiedz mi, który portret podoba ci się bardziej niż inne? Którą lubisz mniej lub wcale? Czemu? Zapewne wiesz, że z wyrazu ludzkiej twarzy można się wiele dowiedzieć o człowieku, o jego nastroju, stanie, charakterze, cechach. Na tych rysunkach przedstawiono ludzi w różnych stanach. Przyjrzyj się uważnie wyrazowi ich twarzy i spróbuj wyobrazić sobie, jakimi są ludźmi. Najpierw spójrzmy na portret, który najbardziej Ci się podobał. Jak myślisz, w jakim nastroju jest ta osoba? Jaki jest jego charakter? Czy ta osoba jest miła, miła, dobra, czy jest zła, zła, nieprzyjemna w jakiś sposób? Co jeszcze możesz powiedzieć o tej osobie? Teraz rozważ portret, który ci się nie podobał. Proszę, powiedz mi wszystko, co możesz o tej osobie. Jaki on jest, w jakim nastroju, jaki jest jego charakter?

Następnie to samo dziecko opowiada o osobie przedstawionej na trzecim portrecie. Maksymalną ekspresyjność zdolności do percepcji społecznej (tj. percepcji innej osoby) ocenia się na pięć punktów.

TEST MOTYLA.

Dziecko otrzymuje 5 par reprodukcji, w których jedna jest przykładem „formalistycznej”, druga realistycznym obrazem przypominającym życie lub fotografią codzienną:

1. I. Altmana "Słoneczniki" (1915) - 1a. Kartkę z życzeniami z różowymi stokrotkami na niebieskim tle.
2. A. Gorkiego „Wodospad” (1943) - 2a. Zdjęcie ogrodu i mężczyzny ciągnącego wózek z jabłkami.
3. Artystyczna fotografia przedstawiająca trawę i łodygi powiększona do skali drzew. Warunkowe imię „dziecięce” „Algi” - Za. Zdjęcie „Jesień”.
4. GWIZD. Tomplin „Numer 2” (1953) - 4a. A. Ryłow „Ciągnik na leśnych drogach”. Nazwa warunkowa „Zimowy dywan” (1934).
5. G. Yucker „Rozwidlony” (1983) -5a. V. Surikov „Bulwar Zubowskiego zimą”. Imię dziecka „Motyl”.

Pod względem kolorów obrazy w parach są podobne, aby sympatia dziecka do jednego lub drugiego koloru nie przeszkadzała eksperymentatorowi. Porównawcze walory artystyczne oryginałów nie stanowią głównego punktu wyjścia, ponieważ a) stałe jest zainteresowanie oczywistą różnicą w obrazach dla dzieci - abstrakcyjnością lub obiektywnością, dwuznacznością lub oczywistością, estetycznym wyobrażeniem lub funkcjonalnością informacji; b) jakość reprodukcji nie pozwala mówić o pełnych walorach artystycznych reprodukowanych obrazów. Niemniej jednak przykłady uznanych mistrzów (A. Gorky, N. Altman i inni) zostały wykorzystane jako model formalistyczny w parze. Próbki formalistyczne mają więc niejako certyfikat potwierdzający ich walory estetyczne. W każdej parze obrazów jeden różni się od drugiego swoim niezwykłym sposobem, swoim niefotograficznym charakterem, a drugi wręcz przeciwnie, zbliża się do fotografii. Rozróżnianie obrazów w parze zgodnie z tą zasadą przez dzieci z reguły jest natychmiast łapane.

Instrukcja: pokaż, który obrazek (z pary) najbardziej Ci się podoba. Wszystkie obrazki – we wszystkich zadaniach testowych – prezentowane są dziecku anonimowo, nie podaje się autora i nazwy obrazka.

Można prezentować pary w dowolnej kolejności i zamieniać się obrazkami w obrębie pary, ale nie warto ograniczać się do jednej pary, wybór może być całkowicie przypadkowy.

Ocena wykonania tego zadania testowego zależy bezpośrednio od samego materiału bodźcowego oraz od stopnia oryginalności wyboru – typowej postawy wyrażanej przez większość dzieci.

TEST VAN GOGHA.

Dziecko jest proszone o wybranie najlepszego, jego zdaniem, obrazu z pary reprodukcji. Celem ankiety jest rozpoznanie zdolności dziecka do przejawiania cech postawy estetycznej, które w ogóle nie są charakterystyczne dla większości dzieci. Dlatego w parach wyselekcjonowanych do oceny dzieciom stawia się dość trudne zadanie: wybrać między jasnym a złym lub dobrym, ale ciemnym; zrozumiałe, ale monofoniczne lub niezwykłe, choć jasne itp. E. Torshilova i T. Morozov obejmują nie tylko „smutne” obrazy, które są niezwykłe w ich manierze obrazkowej, ale także emocjonalnie niezwykłe dla dzieci, bardziej złożone i wymagające większego rozwoju estetycznego. Podstawą takiego stanowiska jest hipoteza o kierunku rozwoju emocjonalnego w ontogenezie od emocji prostych do złożonych, od harmonicznej niepodzielnej integralności reakcji emocjonalnej do postrzegania relacji „harmonia-dysharmonia”. Dlatego w wielu parach smutny i ciemniejszy obraz jest uważany zarówno za najlepszy pod względem estetycznym, jak i bardziej „dorosły”. Materiał testowy zawiera sześć par obrazów.

1. G. Holbeina. Portret Jane Seymour.
   1a. D. Haytera. Portret EK Woroncowej.
2. Kolorowa fotografia próbek chińskiej porcelany, biała ze złotem.
   2a. P. Picasso „Puszka i miska”.
3. Zdjęcie figurki netsuke.
   Za. „Bułka” – ryc. psy „Lev-Fo” (jasny i zły; ilustracja książkowa).
4. Zdjęcie pałacu w Pawłowsku.
   4a. W. Van Gogh „Klinika w Saint-Remy”.
5. O Renoira. „Dziewczyna z gałązką”.
   5a. F. Ude. „Księżniczka pól”
6. Zdjęcie zabawki Koza.
   6a. Zdjęcie zabawki Filimonovo „Krowy”.
7. Kartka z życzeniami.
   7a. M. Weiler „Kwiaty”.

Instrukcje: pokaż, który obrazek najbardziej Ci się podoba. Warto zwrócić baczną uwagę na stopień nieformalności zrozumienia zadania przez dziecko i postarać się uwzględnić jego ocenę, jeśli z niego wyjdzie i automatycznie wybierze zawsze prawy lub zawsze lewy obrazek.

Pary dobierane są tak, aby „najlepszy” obraz, którego wybór wskazuje na rozwiniętą orientację kulturową i estetyczną dziecka, a nie związany z wiekiem elementarny gust, różnił się w kierunku większej figuratywności, wyrazistości i złożoności emocjonalnej. W teście Van Gogha są to obrazki pod nr 1, 2a, 3, 4a, 5a i 6. Poprawność wyboru oceniono na 1 punkt.

Literatura

1. Lepskaja NA 5 rysunków. - M., 1998.
2. Mezhieva M.V. Rozwój zdolności twórczych dzieci w wieku 5-9 lat / Artystka A.A. Selivanov. Jarosław: Akademia Rozwoju: Gospodarstwo Akademickie: 2002. 128 s.
3. Sokołow A.V. Spójrz, pomyśl i odpowiedz: Sprawdzanie wiedzy z zakresu sztuk plastycznych: Z doświadczenia zawodowego. M., 1991.
4. Torshilova E.M., Morozova T. Estetyczny rozwój dzieci w wieku przedszkolnym. - M., 2004.

Ćwiczenie 1

Wymień metody diagnostyczne, które wykorzystujesz do monitorowania rozwoju artystycznego i estetycznego uczniów. Prześlij swoją wersję diagnozy wiedzy lub umiejętności uczniów na jeden z badanych tematów (dowolna forma: testy, fiszki, krzyżówki itp.). Wymagany jest artystyczny (estetyczny, jeśli jest to wersja komputerowa z wykorzystaniem druku kolorowego) projekt materiału.

Zadanie 2

Zdiagnozuj percepcję estetyczną uczniów tej samej grupy wiekowej (według własnego uznania), korzystając z jednej z proponowanych metod diagnostycznych. Przedstaw analizę wyników (ilościową i jakościową) w formie pisemnej.

Praktyka nr 2

Temat: Metody i techniki wprowadzania dzieci w plastykę i zajęcia plastyczne
(lekcja sztuki współczesnej)

Formularz postępowania: sesja praktyczna (2 godz.)

Cel: pogłębienie wiedzy współczesnego nauczyciela plastyki na temat zasad projektowania lekcji autorskiej (lekcji-obrazu), metod i form organizacji zajęć uczniów.

Podstawowe koncepcje: lekcja plastyki, lekcja-obraz, zasady projektowania lekcji, metoda, formy organizacji zajęć.

Plan

1. Lekcja sztuki współczesnej to lekcja-obraz.
2. Zasady budowy nowej konstrukcji na lekcję plastyki.
3. Nowoczesne metody nauczania sztuk plastycznych.

Opierając się na nowej koncepcji edukacji artystycznej, lekcje plastyczne można uznać za szczególny rodzaj lekcji, której struktura, elementy ruchu oświatowo-wychowawczego muszą podlegać prawom szczególnej formy aktywności społecznej – prawom sztuki. Nowoczesny lekcja plastyki to lekcja obrazu, których twórcami są nauczyciel i uczniowie.

Ponieważ każdy nauczyciel jako osoba jest indywidualnością, konstruowany przez niego proces może być indywidualnie unikalny. Podobnie jak w sztuce ten sam temat, idea, problem jest różnie wyrażany przez różnych artystów, w zależności od osobistej postawy twórcy, specyfiki jego języka artystycznego, stylu, charakterystyki środowiska (społeczeństwa, czasu, epoki). ), w którym on istnieje, więc lekcje plastyczne u różnych nauczycieli powinny być różne, na swój sposób wyjątkowe. Tych. możemy mówić o autorskim charakterze lekcji plastyki. Ponadto sukces zależy nie tylko od osobowości nauczyciela, ale także w dużej mierze od poziomu przygotowania emocjonalnego i estetycznego klasy, każdego ucznia, jego możliwości psychicznych i wiekowych.

Lekcja plastyki jest rodzajem „pracy pedagogicznej”, „minispektaklem”, działaniem artystyczno-pedagogicznym (posiadającym własny pomysł, własną fabułę, kulminację, rozwiązanie itp.), ale wewnętrznie powiązanym z innymi „działaniami pedagogicznymi”. " - lekcje - powiązania jednego integralnego systemu zdefiniowanego w programie. Na podstawie cech autorskiej lekcji plastycznej jako „dzieła” artystyczno-pedagogicznego określa się następujące zasady projektowania obrazu lekcji.

1. Główną zasadą budowania nowej struktury lekcji plastycznej jest ODRZUCENIE OD AUTORYTARNO-DOGMATYCZNEGO PRZEJŚCIA DO MODELU HUMANITARNO-DEMOKRATYCZNEGO, KTÓREGO KOŃCEM JEST OSOBOWOŚĆ UCZNIA JAKO KOMPONENTOWA I SAMOWARTOŚCIOWA CZĘŚĆ „WSPÓŁPRACY” – zespół klasy, szkoły, środowiska oparty na komunikacji - osoba, ludzie, środa. Obejmuje:

a) priorytet wartości dorastającego człowieka i jego dalszy rozwój jako przedmiotu wartości samego w sobie;

b) uwzględnienie wieku i warunków bytowych dziecka i zespołu dziecięcego: rodzinnego, narodowego, regionalnego, wyznaniowego itp.;

c) uwzględnienie indywidualnych cech osobowościowych, zdolności do samorozwoju i samokształcenia w tej artystycznej i estetycznej) dziedzinie działalności.

2. ZASADA PRIORYTETU TWORZĄCEGO RELACJE EMOCJONALNO-WARTOŚCIOWE wśród głównych składowych systemu edukacji artystycznej (wiedza przedmiotowa, artystyczna, sposoby artystycznego i estetycznego oddziaływania na świat, doświadczenie działalności artystycznej i twórczej oraz doświadczenie relacji emocjonalno-wartościowych :

a) opanowanie rozwijającej się struktury własnego „ja” (ucznia);

b) rozwijanie i przekształcanie własnego „ja” zespołu, środowiska, społeczeństwa na materiale treści kultury artystycznej w ramach kultury duchowej;

c) zainteresowanie i entuzjazm dla zajęć na lekcji;

d) przeżywanie i współodczuwanie z obrazem artystycznym w procesie jego percepcji i możliwej praktycznej kreacji.

3. ZASADA AUTORSKIEJ WOLNOŚCI PROJEKTOWEJ (kompozycyjnej) w realizacji modelu lekcji-obrazu, w zależności od możliwości twórczych preferencji artystycznych nauczyciela oraz poziomu przygotowania artystycznego i emocjonalno-estetycznego uczniów:

b) stworzenie warunków niezbędnych (pedagogicznych i innych) do udziału dzieci w „komponowaniu” i prowadzeniu lekcji (współtworzenie) w oparciu o wstępne przygotowanie uczniów (zadania domowe do obserwacji i analizy oraz oceny estetycznej otoczenia rzeczywistość, rozmowy w rodzinie, komunikacja z rówieśnikami, zajęcia pozalekcyjne itp.);

c) wyraźne pierwszeństwo dialogicznej formy organizacji lekcji nad monologiczną.

4. ZASADA DRAMATU ARTYSTYCZNEGO I PEDAGOGICZNEGO – KONSTRUKCJA LEKCJI SZTUKI jako praca pedagogiczna oparta na realizacji praw dramaturgii i reżyserii:

a) scenariusz lekcji jako realizacja pomysłu;

b) idea lekcji (główny cel);

c) dramaturgia samego procesu lekcyjnego (fabuła);

d) obecność emocjonalnych i figuratywnych akcentów fabuły lekcji (epilog, fabuła, punkt kulminacyjny i rozwiązanie), zbudowanych na różnych grach artystycznych i pedagogicznych (odgrywanie ról, biznes, imitacja, organizacja i aktywność itp.)

5. ZASADA ZMIENNOŚCI RODZAJU I STRUKTURY OBRAZU LEKCJI W ZALEŻNOŚCI OD CHARAKTERU TREŚCI INTERAKCJI DZIAŁALNOŚCI NAUCZYCIELA I UCZNIÓW, oparta na koncepcji lekcji, która określa „gatunek” lekcja, w tym:

a) w zależności od celu pedagogicznego (sprawozdanie z lekcji, lekcja uogólniająca itp.);

b) w zależności od treści kierowania i pełnienia funkcji jego uczestników - nauczycieli i uczniów: lekcja-badanie; wyszukiwanie lekcji; lekcja-warsztat; lekcja bajki; wezwanie do lekcji; lekcja miłosierdzia; lekcja zagadek; lekcja piosenki; itp.;

c) swobodna, dynamiczna, zróżnicowana struktura lekcji z elementami ruchomymi (lekcja może rozpocząć się od zadania domowego, a zakończyć zadaniem plastycznym – zwieńczeniem fabuły, które zostanie rozwiązane na następnej lekcji).

6. ZASADA SWOBODNEJ INTEGRACJI I DIALOGU Z INNYMI RODZAJAMI DZIAŁAŃ ARTYSTYCZNYCH I ESTETYCZNYCH, zajęć szkolnych i pozaszkolnych:

a) dialog kultur „horyzontalnie” (wykorzystując doświadczenia światowej kultury artystycznej w różnych rodzajach sztuki oraz wzdłuż „pionu” (połączenie czasów w różnych rodzajach sztuki, w doświadczaniu światowej kultury artystycznej – czasowej i historyczne aspekty dialogu różnych sztuk i kultur);

b) integracja sztuk pięknych z innymi rodzajami działalności artystycznej i estetycznej (literatura, muzyka, teatr, kino, telewizja, architektura, projektowanie itp.), w której zintegrowane są nie lekcje, ale tematy, problemy, cykle, w zależności od idea lekcji, cele i zadania kwartału, roku, całego systemu edukacji artystycznej.

7. ZASADA OTWARTOŚCI LEKCJI SZTUKI:

a) zaangażowanie w pracę z dziećmi na zajęciach (na określone tematy, problemy, bloki) specjalistów spoza szkoły: rodziców, postaci różnych dziedzin sztuki, architektury, nauczycieli innych przedmiotów itp.;

b) współpraca dzieci z różnych klas i w różnym wieku, udział w prowadzeniu zajęć przez uczniów szkół ponadgimnazjalnych z dziećmi w wieku szkolnym i odwrotnie, zwłaszcza w lekcjach uogólniających, sprawozdawczości z lekcji, w tym w celu zaliczenia (nie mylony z oceną) wyniki działalności artystycznej i pedagogicznej;

c) prowadzenie (w miarę możliwości) zajęć plastycznych poza salą lekcyjną i poza szkołą, w warunkach najbardziej odpowiednich dla idei lekcji (w muzeach, salach wystawowych, pracowniach artystów, architektów, rękodzieła ludowego, drukarniach) plenerowych itp. przy zaangażowaniu niezbędnych specjalistów), w tym przy projektowaniu wnętrz szkół, przedszkoli, organizacji wystaw prac dzieci (i ich dyskusji) poza szkołą (osiedla miejskie, na wsi itp. .);

d) kontynuacji lekcji poza szkołą: w komunikowaniu się ucznia z otoczeniem (w rodzinie, z rówieśnikami, przyjaciółmi), we własnej samowiedzy, poczuciu własnej wartości i samorozwoju, w osobistych zainteresowaniach i zachowaniach.

8. ZASADA OCENY SAMOOCENY PROCESU I WYNIKÓW DZIAŁALNOŚCI ARTYSTYCZNEJ I PEDAGOGICZNEJ NA LEKCJI („krytyka artystyczna” lekcji):

a) ocena i samoocena procesu realizacji idei lekcji (przez uczniów i nauczycieli) poprzez dialog, sytuacje w grze, analizę i porównanie;

b) ocena i samoocena wyników działań nauczyciela i uczniów, ich zgodność z ideą (celem) lekcji;

c) przeprowadzenie „publicznego przeglądu wiedzy” (na zasadzie jawności) z udziałem uczniów innych klas, rodziców, działaczy kultury, wychowawców itp.

d) wspólne ustalenie (przez nauczyciela i uczniów) kryteriów oceniania działań na lekcji:

• emocjonalno-wartościowe i moralne (reaktywność, empatia, postawa estetyczna itp.);
• artystyczny i twórczy (artystyczna i figuratywna ekspresja i nowość);
• erudycja artystyczna i umiejętność czytania i pisania (wiedza na temat tworzenia wizerunku artystycznego, zdolności wizualne itp.).

metody i techniki nauczania plastyki w szkole:

Odwołaj się do historii metod nauczania rysunku w Rosji	Nie można odrzucić umiejętności czytania i pisania jako systemu podstaw realistycznego obrazu, ale we współczesnej metodologii jest ona budowana na innej podstawie - figuratywnej. Wizerunek artystyczny, który łączy w sobie wiedzę, refleksję, transformację, doświadczenie i postawę, jest kategorią kluczową w konstruowaniu nowoczesnych koncepcji edukacji artystycznej.
Metoda nauczania	Specjalna sekcja pedagogiki badająca system najskuteczniejszych sposobów nauczania i wychowania; - sztuka modelowania nadchodzącego dialogu z konkretnymi dziećmi, w określonym otoczeniu i określonych warunkach, w oparciu o znajomość ich charakterystyki psychologicznej i poziomu rozwoju (Rylova). Przedmiot metodologii Cel i cele kształcenia
Metody nauczania	Sposoby współzależnych działań nauczyciela i uczniów zmierzających do osiągnięcia celów edukacyjnych; - model pojedynczej działalności nauczania i uczenia się, zaprojektowany w celu realizacji w określonych formach pracy wychowawczej, przedstawiony w planie normatywnym i mający na celu przekazanie studentom i opanowanie przez nich określonej części treści kształcenia (Kraevsky)
Metoda nauczania sztuk wizualnych	system działań nauczyciela, mający na celu organizację procesów percepcji, doświadczenie tematu, pracę wyobraźni w celu stworzenia obrazu przyszłego rysunku, a także organizację procesu obrazu u dzieci
Powiązanie metod nauczania przedmiotów plastycznych z poszczególnymi działami treści kształcenia artystycznego	Na przykład doświadczenie aktywności poznawczej (wiedza o świecie, o sztuce, różne rodzaje aktywności artystycznej); doświadczenie w działalności twórczej w nauczaniu sztuk plastycznych
Szkolenie z recepcji	bardziej prywatne, pomocnicze narzędzie, które nie określa całej specyfiki działań nauczyciela i uczniów w klasie, które ma wąski cel. Odbiór jest odrębnym elementem metody
Podejścia do klasyfikacji metod nauczania:
Klasyfikacja metod nauczania według źródeł wiedzy	1. Metody werbalne ( wyjaśnienie, historia, rozmowa, wykład lub dyskusja). 2. Metody wizualne ( obserwowalne obiekty, zjawiska, pomoce wizualne- ilustracje, reprodukcje, schematy i tabele metodyczne, pomoce dydaktyczne, rysunek pedagogiczny; obserwacja i postrzeganie żywej przyrody, badanie jego właściwości i właściwości, cech formy, koloru, tekstury itp.). 3. Praktyczne metody ( konkretne działania praktyczne).
Z natury aktywności poznawczej studentów w procesie przyswajania badanego materiału	informacyjno-recepcyjny (wyjaśniająco-ilustracyjny – nauczyciel podaje gotowe informacje, a uczniowie mają obowiązek je zrozumieć, przyswoić i zapamiętać). Stosuje się go przy zgłaszaniu nowego materiału, wyjaśniając temat pracy praktycznej, jej cele i cele. Badanie przedmiotów (połączone z technikami słownymi). reprodukcyjny (polega na przekazaniu metod działania, umiejętności i zdolności w gotowej formie i ukierunkowuje uczniów na proste odtworzenie próbki pokazanej przez nauczyciela). Rysunek pedagogiczny (pokazywanie metod i technik obrazowych, poszukiwanie kompozycji) Ćwiczenia opis problemu ( „metoda zadań twórczych” - postawienie problemu figuratywnego, ujawniającego sprzeczności pojawiające się w trakcie jego rozwiązywania), wyszukiwanie częściowe ( „metoda współtworzenia” od czasu poszukiwania środków wyrazu) badania ( „metoda niezależnej twórczości artystycznej”)
Oparte na holistycznym podejściu do procesu uczenia się (Yu.K. Babansky)	Grupa I – metody organizacji i realizacji zajęć edukacyjno-poznawczych; Grupa II - metody stymulujące i motywujące do nauki Grupa III – metody kontroli i samokontroli w treningu
Czynniki wyboru metody lub systemu metod i technik nauczania	1. Cel i zadania tej lekcji. 2. Specyfika rodzaju działalności 3. Charakterystyka wieku dzieci 4. Poziom przygotowania danej klasy lub grupy dzieci 5. Rozumienie przez nauczyciela celu edukacji artystycznej, jej treści i celów 6. Poziom umiejętności pedagogicznych i cechy osobowe nauczyciela

Literatura

1. Goriajewa NA Pierwsze kroki w świecie sztuki: Książka. Dla nauczyciela. M., 1991.
2. Sokolnikowa L.M. Plastyka i metody jej nauczania w szkole podstawowej. - M., 2002.

Zalecenia metodyczne dotyczące wykonywania pracy
Wszystkie zadania są wykonywane w formie pisemnej.

Praktyka nr 3

Praktyka nr 4

Temat: Główne kierunki nauczania sztuk plastycznych w kontekście modernizacji szkolnictwa

(Zajęcia fakultatywne jako sposób kształtowania zmiennych treści kształcenia artystycznego)

Formularz postępowania: sesja praktyczna (4 godz.)

Cel: kształtowanie wartościującego stosunku do przedmiotu „sztuki piękne”, kształtowanie przez nauczycieli umiejętności kształcenia przedprofilowego i profilowego uczniów w zakresie sztuk plastycznych.

Podstawowe koncepcje: kursy fakultatywne; zmienne uczenie się; różnicowanie; zróżnicowane podejście do nauki; Indywidualizacja; indywidualizacja edukacji; kompetencja; zasada.

Plan

1. Przedmiot fakultatywny jako jednostka dydaktyczna.
2. Specyfika zajęć fakultatywnych.
3. Struktura zajęć fakultatywnych.
4. Treść zajęć fakultatywnych.
5. Przykład zajęć fakultatywnych.

Przedmiot fakultatywny to celowo dobrana i uporządkowana treść kształcenia (co studiować?), która przy zastosowaniu odpowiedniej metody/technologii (jak się uczyć?) tworzy przedmiot fakultatywny. W ten sposób studiowany jest przedmiot do wyboru, opracowywany jest kurs do wyboru.

Z dydaktycznego punktu widzenia konceptualne podejścia do doboru treści przedmiotów fakultatywnych można sprowadzić do trzech głównych teorii: encyklopedyzmu, formalizmu i pragmatyzmu (utylitaryzmu).

Komponent technologiczny jest rozwijany w ramach szerokiego zakresu podejść psychologicznych i pedagogicznych, w tym podejścia systemowego, opartego na działaniu, zorientowanego na osobę, opartego na aktywności i kompetencjach.

Wśród podstawowych zasad opracowywania przedmiotów fakultatywnych, odzwierciedlających specyfikę kształcenia specjalistycznego, należy wymienić: zasada produktywności działalność edukacyjna, zasada integracyjności, zasada zgodności treści i czynności składowych kształcenia, zasada zmienności, zasada indywidualizacji, zasada regionalności.

Główną funkcją zajęć fakultatywnych jest udzielenie studentom odpowiedzi na pytania: „Co mogę i chcę studiować? Jak? Gdzie? Dlaczego?". Profil przedmiotowy może przecież formalnie doprowadzić ucznia do sztywnych granic, odcinając od jego edukacyjnej trajektorii istotne indywidualnie obszary kultury człowieka. W rezultacie trajektoria edukacyjna ucznia może stać się nie indywidualna, ale profilowa. To przedmioty do wyboru pomagają zrekompensować to ryzyko.

Nie ma standardów edukacyjnych dla przedmiotów fakultatywnych. Ich cechą charakterystyczną jest niestandaryzacja, zmienność i krótki czas trwania zajęć fakultatywnych („kursów fakultatywnych”). Zróżnicowanie przedmiotów fakultatywnych implikuje, że w ramach szkolenia przedprofilowego uczeń klasy 9, skoncentrowany na określonym profilu (lub odwrotnie, wciąż wahający się w wyborze), powinien spróbować swoich „sił” w opanowaniu różnych przedmiotów , których powinno być tak dużo, jak ilościowo, jak i merytorycznie. Obecność dużej liczby kursów różniących się między sobą treścią, formą organizacji i technologiami prowadzenia jest jednym z ważnych warunków pedagogicznych skutecznego szkolenia wstępnego. Ramy czasowe dla określonych kursów fakultatywnych mogą się różnić. Nauczyciele muszą jednak pamiętać, że uczeń klasy 9 powinien spróbować swoich sił w opanowaniu różnych kursów. Dlatego pożądane jest, aby kursy były krótkoterminowe.

Inaczej sytuacja wygląda w klasach 10 i 11. Przedmioty fakultatywne w liceum, kiedy uczniowie już zdecydowali się na profil i rozpoczęli naukę na określonym profilu, powinny być bardziej systematyczne (raz lub dwa razy w tygodniu), dłuższe (co najmniej 36 godzin) i, ​​co najważniejsze, całkowicie inne cele niż to było w 9 klasie w ramach szkolenia przedprofilowego. W klasach 10-11 celem zajęć fakultatywnych jest poszerzenie, pogłębienie wiedzy, rozwinięcie określonych umiejętności i zdolności oraz poznanie nowych dziedzin nauki w ramach wybranego profilu.

Są to główne różnice między przedmiotami do wyboru w klasach 9 iw klasach 10-11, wymagania dotyczące rozwoju i projektowania są podobne.

Program nauczania powinien zawierać następujące elementy strukturalne:

• Strona tytułowa.
• Podsumowanie programu(dostępne osobno dla uczniów i rodziców)
• Notatka wyjaśniająca.
• Plan edukacyjny i tematyczny.
• Treść studiowanego kursu.
• Zalecenia metodologiczne (opcjonalnie)
• Wsparcie informacyjne programu nauczania.
• Aplikacje (opcjonalnie)

Notatka wyjaśniająca.

• Wyjaśnienie powinno rozpoczynać się wskazaniem, do jakiego kierunku kształcenia należy dany przedmiot fakultatywny oraz krótkim przedstawieniem celów kierunku dla danego stopnia studiów i profilu. Pomaga to zwiększyć integralność treningu, pozwala na realizację wymogu jedności programów. Następnie powinno być ujawnienie konkretnych funkcji tego fakultatywnego kursu.
• Najważniejszą częścią jest sformułowanie celów przedmiotu do wyboru. Przede wszystkim należy ujawnić cele wynikające z funkcji przedmiotu fakultatywnego w ramach określonego kierunku kształcenia. Ważne jest, aby cele zostały sensownie sformułowane, tak aby uwzględniały: odpowiedni profil kształcenia, wiedzę zdobytą wcześniej przez studentów, wymagania stawiane przez statut placówki edukacyjnej, możliwości informacyjne i metodyczne przemysłu wiedzy .
• Kolejnym elementem po sformułowaniu celów, który należy uwzględnić w uzasadnieniu, jest zwięzły opis składu i struktury treści przedmiotu do wyboru.
• Dla osiągnięcia określonych efektów uczenia się, wzmacniających instrumentalność programu, ważne są sposoby jego realizacji. W związku z tym wskazane jest scharakteryzowanie wiodących metod, technik, form organizacyjnych szkolenia zalecanych do realizacji tych treści.
• W związku z opisem procesu uczenia się pożądane jest wymienienie głównych pomocy dydaktycznych, wyznaczenie typowych zadań diagnostycznych o charakterze zarówno praktycznym, jak i teoretycznym, które studenci powinni wykonywać nie tylko z pomocą nauczyciela, ale także samodzielnie. Należy wskazać, dzięki czemu realizowane jest zróżnicowane podejście do nauczania studentów.
• Formy podsumowania efektów realizacji programu nauczania (wystawy, festiwale, konferencje edukacyjno-naukowe, konkursy);
• Na końcu noty wyjaśniającej wskazane jest wskazanie cech odróżniających ten program od tych już istniejących w tym obszarze; co nowego w doborze materiału, jego dystrybucji, metodach nauczania.

Plan edukacyjny i tematyczny.

Godziny wykładowe stanowią nie więcej niż 30% ogólnej liczby godzin.

• krótki opis tematów lub sekcji;
• opis wsparcia metodycznego każdego tematu (techniki, metody organizacji procesu edukacyjnego, materiał dydaktyczny, wyposażenie techniczne zajęć).

Wsparcie informacyjne programu edukacyjnego obejmuje:

• wykaz literatury dla uczniów i nauczycieli;
• lista zasobów internetowych (adresy URL, strony WEB);
• lista produktów wideo i audio (płyty CD, kasety wideo, kasety audio).

Warunki:

Kursy fakultatywne- obowiązkowe przedmioty do wyboru uczniów, wchodzące w skład profilu studiów na poziomie ponadgimnazjalnym szkoły. Przedmioty fakultatywne są realizowane poprzez szkolny komponent programowy i pełnią dwie funkcje. Część z nich może „wspomagać” naukę przedmiotów profilu głównego na poziomie określonym standardem profilu. Inne służą wewnątrzprofilowej specjalizacji kształcenia i budowaniu indywidualnych trajektorii edukacyjnych. Liczba przedmiotów do wyboru musi być większa niż liczba przedmiotów, które student jest zobowiązany odbyć. Nie ma jednolitego egzaminu państwowego dla przedmiotów fakultatywnych.

Zmienne uczenie się- kształcenie oparte na realizacji wariantowych programów kształcenia, gdzie zmienność programów kształcenia jest określona przez konstrukcję treści programów kształcenia ogólnokształcącego (podstawowy, dodatkowy, specjalistyczny) z uwzględnieniem zainteresowań uczniów, specyfiki regionalnej i narodowej, możliwości kadry dydaktycznej placówki oświatowej a wybór zasobów edukacyjnych środowiska.

Różnicowanie - jest ukierunkowaniem instytucji oświatowych na rozwój zainteresowań, skłonności, zdolności i możliwości pedagogicznych uczniów. Różnicowanie może być przeprowadzane według różnych kryteriów: na podstawie wyników w nauce, zdolności, z uwzględnieniem wyboru przedmiotów itp.

Zróżnicowane podejście do nauki- proces uczenia się uwzględniający charakterystykę różnych grup uczniów, zaprojektowany pod kątem wykonalności uczenia się każdej grupy.

Indywidualizacja- jest to uwzględnianie i rozwijanie indywidualnych cech uczniów we wszelkich formach interakcji z nimi w procesie kształcenia i wychowania.

Indywidualizacja nauki – uczenie się, w którym metody, techniki i tempo są zgodne z indywidualnymi możliwościami dziecka, z poziomem rozwoju jego zdolności.

Kompetencja- zdolność osoby do realizacji swoich pomysłów w wieloczynnikowej przestrzeni informacyjno-komunikacyjnej.

Zasada- idea przewodnia, podstawowa zasada, podstawowy wymóg działania, zachowania.
Przykład zajęć fakultatywnych z zakresu sztuk plastycznych i MHC(Internet) .

Program kursu fakultatywnego „Sztuka i my”(kierunek artystyczny i pedagogiczny) TELEWIZOR. Czełyszewa.

Chelysheva TV „Szkolenie przedprofilowe dla dziewiątoklasistów. Strefa edukacyjna „Sztuka”. Pomoc nauczania. - M.: APK i PRO, 2003.

Notatka wyjaśniająca

Program ten ma na celu zapewnienie przedprofilowego przygotowania dziewiątej klasy do szkolenia na kierunku artystyczno-pedagogicznym o profilu humanitarnym.

Cel, cele i zasady realizacji treści przedmiotu fakultatywnego „Sztuka i My”

Celem kursu fakultatywnego „Sztuka i My” jest kształtowanie zainteresowania i pozytywnej motywacji uczniów w kierunku artystyczno-pedagogicznym o profilu humanitarnym poprzez zapoznanie ich z rodzajami i metodami aktywności niezbędnymi do pomyślnego opanowania przygotowania zawodowego program dla nauczyciela muzyki lub plastyki.

Przedmiot fakultatywny „Sztuka i my” ma charakter prognostyczny (propedeutyczny) w stosunku do przedmiotu profilowego na kierunku plastycznym i zwiększa prawdopodobieństwo świadomego wyboru absolwenta SGH i pedagogiki humanistycznej.

Wśród kursów przedmiotowych (próbnych) kurs fakultatywny „Sztuka i my” ma na celu rozwiązanie następujących problemów zadania:

• dać uczniowi możliwość realizacji jego zainteresowań w kierunku artystycznym i pedagogicznym;
• wyjaśnić gotowość i zdolność ucznia do opanowania wybranego kierunku na poziomie zaawansowanym;
• stworzyć warunki do przygotowania do egzaminów fakultatywnych, tj. na tematy przyszłego profilowania artystycznego i pedagogicznego.

Zakłada się, że ten przedmiot fakultatywny przyczyni się do rozwoju psychologicznej gotowości do realizacji wyboru zawodu artystyczno-pedagogicznego do kształcenia specjalistycznego w szkole średniej. Jednocześnie prowadzona jest orientacja na cechy zawodowe nauczyciela plastyki, które są rozpatrywane z punktu widzenia rozwijania następujących umiejętności:

1. Zdolność do aktywności psychologiczno-pedagogicznej

• umiejętność stworzenia pełnej zaufania, twórczej atmosfery lekcji;
• umiejętność zainteresowania uczniów sztuką;
• umiejętność organizowania aktywności umysłowej w odbiorze dzieła sztuki;
• umiejętność prowadzenia zajęć w oparciu o zasadę artyzmu;
• umiejętność improwizacji artystycznej i pedagogicznej.

2. Umiejętności w zakresie historii sztuki, zajęcia z muzykologii:

• umiejętność określenia zamierzeń artystycznych dzieła;
• umiejętność wyodrębnienia elementów wypowiedzi artystycznej, które stały się dla autora środkiem przełożenia tej idei;
• umiejętność określenia narodowości i autorstwa utworu;
• umiejętność identyfikacji funkcji sztuki na przykładzie konkretnego dzieła sztuki;
• umiejętność kształtowania własnego stosunku uczniów do życia w oparciu o jego poznanie emocjonalno-figuratywne.

3. Zdolność do wykonywania czynności zawodowych:
Muzyka.

• umiejętności wykonawcy-instrumentalisty, wykonawcy-śpiewaka (pokazywać utwór poprzez ekspresyjne jego wykonanie, posługiwać się technikami wydobywania dźwięku i nauki o dźwięku w tworzeniu artystycznego obrazu utworu, łączyć zadania techniczne i artystyczne w koncepcji kultury wykonawczej itp. );
• umiejętności chórmistrzowskie (przekształcenie procesu uczenia się w artystyczno-pedagogiczną analizę utworu, wykazanie się umiejętnością dyrygowania jedną ręką z równoczesnym wykonywaniem partii chóru na instrumencie drugą ręką, praca z chórem a cappella, odzwierciedlenie artystycznego obrazu utworu o geście dyrygenckim itp.);
• umiejętności akompaniatora (posiadanie niuansu, tempa-rytmu; słuchanie chóru, solisty, umiejętność nie zagłuszania go; umiejętność wspomagania ekspresywności własnego wykonania; umiejętność wtapiania się w chór, solistę; umiejętność wybrnąć z trudnej sytuacji, gdy solista popełni błąd, być dla niego wsparciem, umiejętność wyczucia chóru, umiejętność wychwytywania i harmonizowania melodii „w biegu”);
• posiadanie technicznych pomocy dydaktycznych (sprzęt nagłaśniający i audiowizualny).

sztuka

• znajomość języka sztuk plastycznych jako środka komunikacji uniwersalnej (umieć rysować, malować akwarelami, olejami; biegle posługiwać się technikami i narzędziami graficznymi, technikami zdobniczymi, technikami modelarskimi; pisać 2-3 czcionkami);
• umiejętność organizowania własnej działalności artystycznej i twórczej w zakresie rzemiosła artystycznego, plastyki, rzeźby, architektury i wzornictwa;
• umiejętność komponowania kompozycji graficznych, obrazowych, dekoracyjnych i designerskich z wykorzystaniem różnych technik, technik, środków wyrazu plastycznego i figuratywnego;
• umiejętność kompletowania i aranżowania ekspozycji wystawienniczej dzieł plastycznych, twórczości dzieci i nauczycieli: opanowanie obsługi technicznych pomocy dydaktycznych.

Treść przedmiotu do wyboru jest realizowana zgodnie z zasadami konsekwencji i konsekwencji. Obejmuje dwa działy: „Sztuka i życie”, „Specyfika sztuki i cechy edukacji artystycznej”. W trakcie realizacji tych działów z jednej strony następuje pogłębienie i rozszerzenie treści podstawowych programów szkoły podstawowej w zakresie muzyki i sztuk plastycznych, programów zajęć fakultatywnych z zakresu światowej kultury artystycznej, tradycyjnej kultury ludowej itp. Z drugiej strony świadomość cech zawodu artystyczno-pedagogicznego nauczycieli szkolnych.

Przyjmuje się, że dziewiątoklasiści mają doświadczenie w emocjonalnym i wartościowym postrzeganiu dzieł sztuki, doświadczenie w działaniach plastycznych i twórczych oraz własne wrażenia z działalności artystyczno-pedagogicznej nauczycieli muzyki i plastyki.

W oparciu o te doświadczenia budowany jest proces kształcenia przedprofilowego dziewiątoklasistów z ukierunkowaniem na kierunek artystyczno-pedagogiczny o profilu humanitarnym w formie „dojścia do zawodu”. Istotne znaczenie ma tu kształtowanie własnej postawy uczniów, ich niezależnego spojrzenia na rolę sztuki w życiu człowieka, specyfikę edukacji artystycznej oraz specyfikę zawodu nauczyciela plastyki w szkole.

Podejście to jest ułatwione dzięki tematycznej konstrukcji sekcji kursu, które są ze sobą ściśle powiązane. Dialektyka wchodzenia w zawód wynika z naturalnego związku między wielofunkcyjnością sztuki, ogólnokształcącą edukacją artystyczną jako mechanizmem kulturowego rozwoju człowieka i społeczeństwa oraz trwałą rolą nauczyciela plastyki w tym procesie. Świadomość tematyzmu, budowana zgodnie z zasadą od prostego do złożonego, rozwija się w trzech kierunkach:

1. Od emocjonalnego ustosunkowania się do szkolnych zajęć plastycznych – do uświadomienia sobie potrzeby ich pedagogicznego zorganizowania.
2. Od samodzielnego doświadczenia obcowania z dziełami sztuki (poza szkołą) do ukierunkowanego pedagogicznie doświadczenia organizacji tego procesu (klasy szkolne),
3. Od roli ucznia (niewolnika) do roli nauczyciela (lidera).

Każda z linii jest „rozszerzana” w miarę rozwoju tematu (od prostych do złożonych).

Dialektyczna logika wchodzenia do zawodu polega na ustaleniu zgodności między tematami programu, ich projektem artystycznym i pedagogicznym, podstawami psychologicznymi i pedagogicznymi oraz zadaniami orientacji zawodowej studentów, rozwiązywanymi w ramach każdego tematu.

Podejście to znajduje odzwierciedlenie w poniższym „Schemacie strukturalnym i logicznym konstrukcji tematycznej przedmiotu fakultatywnego „Sztuka i my” oraz w tabeli „Dialektyczna logika wspinania się po zawodzie”.

Dialektyczna logika wstępowania do zawodu

Sekcja programowa: Sztuka i życie

Nazwa tematu	Liczba godzin	Formy prowadzenia zajęć
Dlaczego potrzebujemy sztuki		Zwiedzanie sali koncertowej: teatr, sztuka. wystawy itp.	Emocjonalnie świadoma reakcja na dzieło sztuki	Percepcja artystyczna i myślenie artystyczne jako psychologiczne narzędzie komunikacji człowieka ze sztuką	Definicja percepcji artystycznej i myślenia artystycznego jako psychologiczne podstawy działania zawodowego nauczyciela plastyki
„Sztuka jest społeczną techniką uczuć” Ya S. Wygotski		Darmowa dyskusja
Człowiek w świecie sztuki		Uczęszczanie na zajęcia muzyczne lub plastyczne. Seminarium	Od zrozumienia roli sztuki w życiu człowieka – do ustalenia współzależności sztuki i szkolnictwa.	Od percepcji artystycznej i myślenia artystycznego do komunikacji artystycznej i pedagogicznej	Świadomość roli pedagogicznie ukierunkowanego procesu obcowania z dziełami sztuki

Nazwa tematu	Liczba godzin	Formy prowadzenia zajęć	Koncepcja artystyczna i pedagogiczna tematu	Psychologiczne i pedagogiczne podstawy realizacji tematu	Zadania poradnictwa zawodowego
		Działanie związane z wyszukiwaniem problemów. Pozaszkolne zajęcia artystyczne i twórcze	Poszerzanie wiedzy o różnych rodzajach sztuki w procesie projektowania zajęć szkolnych i pozalekcyjnych	Komunikacja artystyczna i pedagogiczna jest czynnikiem determinującym proces i rezultat edukacji artystycznej	Identyfikacja znaczenia działalności pedagogicznej nauczyciela plastyki dla kształtowania kultury artystycznej uczniów
Szkolna lekcja plastyki – co jest w niej szczególnego?			Projektowanie szkolnej lekcji plastyki jako działania artystyczno-pedagogicznego	Rozwiązanie zadań projektowo-prognostycznych działalności artystycznej i pedagogicznej	Motywowane modelowanie działalności artystycznej i pedagogicznej
Uczeń-nauczyciel sztuki		Warsztaty pozalekcyjne
Zawód-nauczyciel-artysta		Okrągły stół	Identyfikacja cech zawodowych niezbędnych do działalności artystycznej i pedagogicznej	Motywacje do wykonywania zawodu nauczyciela plastyki	Zapoznanie się z mapą edukacyjną regionu (kierunek artystyczny i pedagogiczny)

Kryteriami zaliczenia przedmiotu fakultatywnego „Sztuka i My” są:

• stopień rozwoju zainteresowań zawodem;
• stopień manifestacji zdolności do działalności artystycznej i pedagogicznej;
• stopień manifestacji niezależnych poglądów, stanowisk, sądów o przebiegu i wyniku działalności artystycznej i pedagogicznej.

Efektywność zajęć jest monitorowana według tych kryteriów na podstawie obserwacji studentów w trakcie pracy, wywiadów z nimi, a także napisania eseju na jeden z zaproponowanych tematów.

„Sztuka jest społeczną techniką uczuć” (LS Wygotski).
„Człowiek w świecie sztuki”.
„Sztuka jako system języków figuratywnych”.
„Sztuka w szkole”.
„Sztuka – nauczyciel – uczeń”.
„Lekcja plastyki – lekcja-akcja”.
„Zawód – nauczyciel-artysta”.

Abstrakt kończący studium kursu jest formą sprawozdania dla dziewiątoklasistów. Esej ma charakter praktyczny i zawiera refleksje uczniów w oparciu o informacje uzyskane na zajęciach, źródła literackie zalecane przez nauczyciela, a także konkretne przykłady z praktyki artystycznej i pedagogicznej.

Metody i formy realizacji treści przedmiotu fakultatywnego „Sztuka i My”

Treść zajęć realizowana jest w oparciu o metody dramaturgii artystycznej i pedagogicznej, uogólnienie, metodę problemową i projektową. Metoda dramaturgii artystyczno-pedagogicznej przyczynia się do realizacji adaptacji psychologicznej uczniów w zakresie wybranego przedmiotu, co jest w pełni zgodne ze specyfiką sztuki i procesem edukacji artystycznej. Metoda problemowa, metoda uogólniania i metoda projektów optymalizują proces dochodzenia dziewiątoklasistów do zawodu, gdyż pomagają ukształtować jego niezależny pogląd, świadome postrzeganie jego cech.

„Sztuka i my” to dynamiczny kurs o jasnym nastawieniu na praktykę, o czym świadczą różnorodne rodzaje i formy prowadzenia zajęć. Istnieją dwa rodzaje zajęć: pozaszkolne i stacjonarne. Wśród zajęć pozalekcyjnych: zwiedzanie sali koncertowej, teatru, wystawy sztuki itp.; uczęszczanie na lekcję muzyki lub plastyki w jednej z klas szkoły podstawowej; zajęcia pozalekcyjne (przeprowadzenie fragmentu lekcji muzyki lub plastyki w szkole podstawowej); pozaszkolne zajęcia artystyczne i twórcze. Dzięki częstej zmianie zajęć uczniowie będą mogli angażować się w twórczość artystyczną zgodną ze swoimi zainteresowaniami, niezależnie od swoich specjalnych umiejętności, a także spróbować swoich sił w roli nauczyciela muzyki lub plastyki. Zajęcia odbywają się w następujących formach: zadania problemowe z modelowaniem sytuacji edukacyjnych, seminaria, swobodne dyskusje, okrągłe stoły z wykorzystaniem nagrań audio i wideo.

Okrągły stół kończy kurs fakultatywny „Sztuka i my”. W jej pracach mogą brać udział nauczyciele i uczniowie placówek oświatowych zajmujący się przygotowaniem zawodowym nauczyciela plastyki, a także specjalista w każdym zawodzie artystycznym. Głównym zadaniem Okrągłego Stołu jest identyfikacja szczególnych cech nauczyciela plastyki, które przejawiają się w jego zdolnościach do działań psychologiczno-pedagogicznych, krytyki artystycznej i profesjonalnych działań performatywnych.

Podczas okrągłego stołu możliwe jest zademonstrowanie poziomu rozwoju tych umiejętności wśród uczniów odpowiednich placówek oświatowych (symulowane są sytuacje panujące w szkole; utwory muzyczne, taneczne, poetyckie lub ich fragmenty wykonywane są na żywo lub nagrane; rysunkowe lub dekoracyjne i powstają zastosowane produkty itp.). Oczekuje się, że zaproszeni uczestnicy odpowiedzą na pytania dziewiątoklasistów. Po zakończeniu pracy uczniowie otrzymują mapę edukacyjną regionu z broszurą reklamową dla każdej reprezentowanej w niej instytucji o specjalnej orientacji artystycznej lub artystyczno-pedagogicznej.

Plan kursu i treść lekcji

Program kursu

Plan dydaktyczny i tematyczny kursu

Nr str./str	Nazwa tematów	Suma godzin	Z nich
				poza programem szkolnym
	Sztuka i życie
	Dlaczego potrzebujemy sztuki?
	„Sztuka jest społeczną techniką uczuć” (LS Wygotski)
	Człowiek w świecie sztuki
	Specyfika sztuki i cechy edukacji artystycznej
	Sztuka jako system języków figuratywnych
	Edukacja artystyczna i artystyczna: wycieczka historyczna
	Szkolna lekcja plastyki – co jest w niej szczególnego?
	Sztuka - nauczyciel - uczeń
	Zawód - nauczyciel-artysta
Całkowity:

Treść programowa kursu

SEKCJA I. Sztuka i życie

Temat 1. Po co nam sztuka? (2 godziny)

Lekcja odbywa się poza szkołą: w sali koncertowej, teatrze, na wystawie, w muzeum sztuki. Dziewiątoklasistów zapraszamy do refleksji nad znaczeniem sztuki w życiu człowieka na konkretnych przykładach tego, co widzieli lub słyszeli.Reflekcje zapisywane są w dzienniczku wrażeń. Dla logiki refleksji oferowane są pytania referencyjne:

• Co jest wspólne i szczególne w różnych rodzajach sztuki?
• Czy dzieło sztuki, z którym „komunikowałeś się” można nazwać arcydziełem?
• Czemu?
• Jaki jest powód nieśmiertelności wielkich dzieł sztuki?
• Co możesz powiedzieć o autorze dzieła sztuki, które widziałeś lub słyszałeś?

Temat 2. „Sztuka jest społeczną techniką uczuć” (LS Wygotski) (1 godzina)

Temat realizowany jest w formie swobodnej dyskusji z udziałem materiału z poprzedniej lekcji oraz refleksji dziewiątoklasistów zapisanych w dzienniczku wrażeń. Dyskusja opiera się na pytaniach pomocniczych zaproponowanych w temacie 1.

Poprzez refleksję zbiorową należy określić funkcje sztuki związane z transformacyjną, poznawczą i wartościującą aktywnością osoby, z jej udziałem w procesie komunikacji. W tym celu na zajęciach prowadzone jest zbiorowe poszukiwanie odpowiedzi na pytania:

• Jakie uczucia, emocje wywołało w Tobie widziane (usłyszane) dzieło sztuki?
• Czego się od niego nauczyłeś?
• Czy można powiedzieć, że miał Pan proces komunikacji z bohaterami dzieła i jego autorem? Czemu?
• Jaki jest Twój stosunek do bohaterów dzieła i do dzieła jako całości?
• Co autor chciał przekazać swoją pracą?

Temat 3. Człowiek w świecie sztuki (2 godz.)

Pierwsza godzina zajęć na ten temat to warsztaty pedagogiczne w formie zbiorowego zwiedzania jednej z lekcji muzyki lub plastyki w dowolnej klasie szkoły podstawowej.
5-7 minut przed lekcją nauczyciel muzyki (sztuk plastycznych) krótko charakteryzuje:

1. Uczniowie tej klasy pod względem rozwoju ogólnego i muzycznego (artystycznego):
   • ogólny rozwój dzieci - inteligencja; przemówienie; ogólna kultura i hobby; działalność; postawy wobec zajęć plastycznych; sukcesy w dyscyplinach pozaartystycznych itp.;
   • rozwój muzyczny (artystyczny) dzieci – zainteresowanie określonym rodzajem sztuki; wielkość uwagi słuchacza (widza); muzyczne (artystyczne) pasje; stopień rozwoju specjalnych umiejętności i zdolności; wiedza teoretyczna, historyczna i bibliograficzna na temat muzyki (sztuki wizualne) itp.
2. Program najbliższej lekcji na następujących pozycjach:
   • temat kwartału; temat lekcji, jej miejsce w systemie lekcji kwartału, roku;
   • koncepcja artystyczna i pedagogiczna lekcji;
   • materiał muzyczny (artystyczny).

W celu dalszej pracy na ten temat dziewiątoklasiści rejestrują cechy podane przez nauczyciela, a także własne wrażenia z lekcji. Ponadto mogą brać udział w zajęciach plastycznych i twórczych tej klasy.

Druga godzina zajęć na temat „Człowiek w świecie sztuki” odbywa się w formie lekcji-seminarium. Wstępne przygotowanie do niego przeprowadzają uczniowie na podstawie następujących pytań orientacyjnych:

• Czy sztuka może istnieć pośrednio od osoby?
• Jacy ludzie są zaangażowani w tworzenie i działanie dzieła sztuki?
• Po co nam przedmioty artystyczne w szkole ogólnokształcącej?
• Kto jest uczestnikiem procesu artystyczno-pedagogicznego na lekcji plastycznej?
• Nauczyciel plastyki w szkole. Kim on jest? Jaki powinien być?

Specyficznym materiałem praktycznym do pracy na seminarium jest odbyta lekcja, która poddawana jest konstruktywnej analizie.

Zakłada się, że w trakcie seminarium, odpowiadając na zadane pytania, dziewiątoklasiści samodzielnie ustalają współzależność sztuki i życia, sztuki i człowieka, sztuki i pracy szkolnej.

SEKCJA II. Specyfika sztuki i cechy edukacji artystycznej

Temat1. Sztuka jako system języków figuratywnych (10 godz.)

Zajęcia z tej tematyki podzielone są na dwa bloki: blok zajęć problemowych oraz blok zajęć plastyczno-twórczych.

Blok działań związanych z wyszukiwaniem problemów Jest osiem sesji po jednej godzinie każda. Zajęcia te mają charakter praktyczny, prowadzony w dowolnej formie z symulacją sytuacji lekcji szkolnej oraz pokazem dzieł sztuki lub ich fragmentów. W tym przypadku można wykorzystać materiał plastyczny, z którym uczniowie zapoznali się na lekcjach muzyki, plastyki, literatury.

Pierwsza godzina
Sztuka jako najwyższa forma estetycznego pojmowania świata. „Odwieczne” wątki w sztuce. Artystyczny obraz. Piękno i prawda w sztuce. Synkretyczne początki sztuki. Rodzaje sztuki. Literatura. Muzyka. Sztuka. Tradycja i innowacja w sztuce.

druga godzina
Teatr. Dramaty, musicale, teatry lalkowe. Aktor, reżyser, dramaturg, artysta plastyk, kompozytor - twórca akcji scenicznej. znane nazwiska teatralne.

trzecia godzina
Sztuki syntetyczne.
Choreografia. Język tańca. Różnorodność tańców: klasyczne, ludowe, historyczne i codzienne, towarzyskie, nowoczesne. Balet na lodzie. Wybitni mistrzowie i zespoły choreograficzne.

czwarta godzina
Sztuki syntetyczne. Kino jako sztuka zrodzona z rewolucji naukowej i technologicznej. Rodzaje kina, jego różnorodność gatunkowa i specyfika figuratywna. Artystyczny proces powstawania filmu. Scenarzysta, reżyser filmowy, operator. Wielkie nazwiska w kinie.

piąta godzina
Fotografia to sztuka „malowania światłem”. Gatunki tematyczne fotografii (martwa natura, pejzaż). Fotoportret i zdarzenia w kadrze. Informatywność obrazu fotograficznego i fotografii artystycznej.

szósta godzina
Projekt. Sztuka organizowania otoczenia człowieka, dekorowania jego życia. obszary projektowania. Wzornictwo kwiatowe jako przejaw estetyki codzienności Zawód projektanta dzisiaj.

siódma godzina
Nowe typy i gatunki sztuki w drugiej połowie XX wieku. Telewizja: specyfika środków wyrazu i główne gatunki telewizyjne i wideo. Technologie artystyczne i komputerowe (muzyka komputerowa, grafika komputerowa, animacja komputerowa, sztuka multimedialna, tworzenie stron internetowych itp.).

ósma godzina
Spektakularne sztuki. Cyrk (akrobatyka, balansowanie, muzyczna ekscentryczność, klaunowanie, iluzja). Różnorodność jako synteza sztuki wokalnej, dramatycznej, muzycznej, choreograficznej i cyrkowej. Znane nazwiska popowe. Tworzenie koncertów popowych i programów rozrywkowych.

Blok zajęć plastyczno-twórczych służy zaspokajaniu potrzeb twórczych uczniów i przeznaczony jest na dwie godziny zajęć pozalekcyjnych.

Przewidywana jest praca indywidualna dziewiątoklasistów lub praca w małych grupach, która dodatkowo przejawia się w zbiorowych zajęciach pozalekcyjnych. Główną zasadą realizacji działalności artystyczno-twórczej jest swobodny wybór konkretnego wydarzenia twórczego, do którego przygotowanie odbywa się w czasie pozalekcyjnym przeznaczonym na ten blok.

Przewiduje się następujące formy aktywności artystycznej i twórczej:

• realizacja projektów artystycznych (spektakle teatralne, wieczory, wystawy, nagrania wideo, festiwale, święta, konkursy itp.);
• wspólne tworzenie scenariuszy; elementy reżyserii, aktorstwa, tańca i twórczości plastycznej; projekt artystyczny i muzyczny projektu teatralno-rozrywkowego;
• fotografia artystyczna, tworzenie programów wideo, filmów wideo;
• elementy działalności wydawniczej (dekoracja, almanachy poetyckie, wystawy fotograficzne, szkolne czasopisma i gazety tematyczne, wydawnictwa broszurowe itp.);
• wieczorki taneczne, taniec towarzyski jako środek komunikacji i socjalizacji uczniów.

Realizacji działalności artystycznej i twórczej sprzyja wiedza i umiejętności zdobyte przez dziewiątoklasistów na zajęciach z muzyki i plastyki w szkole podstawowej, a także informacje, które uzyskali na tym kursie fakultatywnym w klasach poprzednich.

Temat 2. Szkolna lekcja plastyki – co jest w niej szczególnego? (1 godzina)

Lekcja-seminarium, do której dziewiątoklasiści samodzielnie przygotowują się na następujące pytania przewodnie (na podstawie materiału z poprzednich lekcji pierwszej i drugiej części programu):

• Jaka jest różnica między sztuką a nauką?
• Jaka jest różnica między szkolnymi dyscyplinami naukowymi a przedmiotami artystycznymi?
• Jaka jest różnica między szkolnymi a specjalnymi zajęciami plastycznymi?
• Jak przebiega lekcja plastyki w szkole? Jaka jest jego dramaturgia?
• Czy aktywna postawa uczniów wobec dzieł sztuki jest konieczna? Jak to się może przejawiać na lekcjach dyscyplin artystycznych?
• Na czym polega interakcja w triadzie „Sztuka – nauczyciel – uczeń”?
• Jaka jest rola nauczyciela w edukacji artystycznej uczniów?

Zakłada się, że w wyniku pracy seminaryjnej studenci utwierdzą się w przekonaniu, że lekcja plastyki w szkole ponadgimnazjalnej jest działaniem artystyczno-pedagogicznym, budowanym zgodnie z prawami sztuki; ma równych uczestników; zachęca do emocjonalnego reagowania na dzieła sztuki, do aktywnej, niezależnej refleksji nad poruszanymi w nich problemami życiowymi; motywuje do działań artystycznych i twórczych; powoduje chęć poznania i zrozumienia więcej niż oferuje lekcja, poznania określonego rodzaju działalności artystycznej.

Temat 3. Sztuka – nauczyciel – uczeń (2 godz.)

Temat realizowany jest w formie dwóch zajęć pozalekcyjnych. mające na celu ustanowienie dialogicznej jedności w triadzie „Sztuka – nauczyciel – uczeń”.

Dziewiątoklasiści uczestniczą w prowadzeniu lekcji muzyki i (lub) plastyki w jednej z klas szkoły podstawowej.

Każdy z osadników przygotowuje fragment lekcji z dowolnego materiału plastycznego. Jeden z dziewiątoklasistów wciela się w rolę koordynatora, którego zadaniem jest strukturalne połączenie tych fragmentów w jedno działanie artystyczno-pedagogiczne. Organizatorem tego procesu jest nauczyciel prowadzący szkolenie preprofilowe.

Temat 4. Zawód – nauczyciel-artysta (2 godz.)

Lekcja odbywa się w formie okrągłego stołu na zaproszenie nauczycieli i studentów artystycznych i plastyczno-pedagogicznych placówek oświatowych regionu. Głównym zadaniem jest identyfikacja głównych cech zawodowych nauczyciela plastyki oraz przekazanie studentom informacji o placówkach oświatowych w regionie profilowanym w tym kierunku.

1. Boldyrewa EM. literatura rosyjska. XX wiek: Ucz. informator. - M.: Drop, 2000.
2. Vardanyan R.V. Światowa kultura sztuki: architektura. - M.: Vla-dos; 2003.
3. Grushevitskaya T.G., Guzik M.A., Sadokhin A.P. Słownik światowej kultury artystycznej. - M.: Akademia, 2002.
4. Guzik MA, Kuzmenko E.M. Kultura średniowiecza: gry rozrywkowe: Książka. dla uczniów klas 6-9 - M.; Oświecenie, 2000.
5. Guzik MA Przewodnik edukacyjny po światowej kulturze artystycznej: 6-9 komórek. - M: Oświecenie, 2000.
6. Guzik MA Kultura rosyjska: zabawne gry: Książka. dla uczniów klas 6-9-M.: Oświecenie. 2000.
7. Guzik MA Kultura starożytnego Wschodu: zabawne gry: Książka. dla uczniów klas 6-9 - M.; Oświecenie, 2000.
8. Kashekova I.E. Język sztuk plastycznych: malarstwo, grafika, rzeźba, architektura. - M.: Oświecenie, 2003.
9. Kashekova IE Od starożytności do nowoczesności: style w kulturze artystycznej.-M .: Oświecenie, 2003.
10. Korowina V.Ya. Folklor i literatura.-M .: Ekran, 1996.
11. Korowina V.Ya. Czytanie, myślenie, argumentowanie: Materiał dydaktyczny. - M.: Oświecenie. 2002.
12. Korotkowa M.V. Kultura życia codziennego: historia stroju. - M.: Vla-dos, 2003.
13. Laine SV Sztuka XX wieku: Rosja, Europa. -M.: Oświecenie, 2003.
14. Maksakowski V.P. Światowe dziedzictwo kulturowe. - M.: Oświecenie, 2003.
15. Mosina Val. R., Mosina Wer. R. Projektowanie artystyczne w szkole i grafika komputerowa: Podręcznik. - M.: Akademia, 2002.
16. Naumenko T.N., Aleev V.V. Dziennik muzycznych przemyśleń. - M.: Drop, 2001.
17. Naumenko TN, Aleev VV Muzyka. - M.: Drop, 2001 -2002.
18. Obernikhin GA. Literatura i sztuka starożytnej Rusi w klasie szkolnej.-M.: Vlados, 2001.
19. Rozmaryn, Barton. Atlas cudów świata. - Bertelsmann Media Moskwa JSC, 1995.
20. okropny SL Poezja rosyjska XX wieku. - M.: Oświecenie, 2001.
21. Twaróg O.V. Literatura staroruska. Czytelnik dla klas 5-9. - M.: Oświecenie, 1998.
22. Twoja kariera zawodowa / wyd. SN Czistiakowa. - M.: Oświecenie, 1998.

Twoja kariera zawodowa: Materiał dydaktyczny do kursu / Red., S.N. Czistiakowa. - M.: Oświecenie, 2000.

Podczas studiowania tego kursu nauczycielom można zalecić: metodyczny korzyści:

1. Dementieva E.E. Diagnoza aktywności zawodowej nauczycieli plastyki i światowej kultury artystycznej / wyd. Brazhe T.G. - Orenburg: Wydawnictwo OOIPKRO, 1998.
2. Tablice dynamiczne na lekcjach plastyki: Wytyczne / MGPI, komp. W I. Kołakin. - Magnitogorsk, 1996.
3. Osiągnięcia studentów sztuk pięknych w wyniku działalności edukacyjnej / Opracowanie: N.V. Karpow. - Orenburg: Wydawnictwo OOIUU, 1998.
4. Architektura Uralu jako regionalny komponent edukacji artystycznej: Materiały regionalnej konferencji naukowo-praktycznej. 27-28 kwietnia 2001 / ks. wyd. W I. Kołakin. - Magnitogorsk: MaGU, 2001.
5. Metody i techniki gier w edukacji plastycznej dzieci: Materiały miejskiego seminarium naukowo-praktycznego / wyd. OP Savelyeva. - Magnitogorsk, 2001.
6. Zabawka jako środek edukacji etno-artystycznej i rozwoju zdolności twórczych uczniów: Materiały miejskiej konferencji naukowo-praktycznej / wyd. W I. Kolakina. - Magnitogorsk: MaGU, 2000.
7. Twórczość zbiorowa na lekcjach plastyki: Wytyczne / MGPI, Comp. W I. Kołakin. - Magnitogorsk, 1996.
8. Projektowanie z papieru na lekcjach plastyki w klasach podstawowych / Magnitogorsk, stan. ped w-t; Autorzy-komp. W I. Kolakina, T.M. Dmitriew. - Magnitogorsk, 1996.
9. Krzyżówki w klasie plastycznej w szkole: Zalecenia metodyczne / komp. Savelyeva OP - Magnitogorsk: MaGU, 2000.
10. Kuźmenkowa O.V. Diagnoza i rozwój osobowości nauczyciela: Poradnik metodyczny. - Orenburg: Wydawnictwo OOIPKRO, 1999.
11. Osiągnięcia osobiste uczniów w wyniku działalności nauczyciela plastyki: Zbiór tekstów / Comp. IL Morozkina, V.M. Drop - Orenburg: Wydawnictwo OOIPKRO, 2000.
12. Maksimowa V.D. Rozwój aktywności twórczej uczniów w szkole wiejskiej / Zalecenia metodyczne dla organizatorów procesu edukacyjnego. - Orenburg: Wydawnictwo OOIPKRO, 2000.
13. Wytyczne organizacji elementów działalności zbiorowej na lekcjach plastyki / MSPI; Komp. W I. Kolyakin - Magnitogorsk, 1996.
14. Morozkina I.L. Wprowadzenie elementów komponentu regionalnego do praktycznych zajęć nauczyciela sztuk plastycznych // Biuletyn Naukowo-Informacyjny „Człowiek i Wychowanie” OOIPKRO, nr 5. - Orenburg, 2001, s. 80-86.
15. Tekst poetycki w lekcjach obrazu i postrzegania przyrody: Poradnik metodyczny / MGPI; Komp. W I. Kołakin. - Magnitogorsk, 1996.
16. Rusakova T.G. Sztuka dekoracyjna na lekcji w szkole podstawowej / Wykłady z metodyki nauczania plastyki. - Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 1999.
17. Rusakova T. G. Podstawy kultury widza / Specjalny program kursu. Zestaw zadań dydaktycznych i ćwiczeń służących kształtowaniu umiejętności komunikacji artystycznej u młodszych uczniów. - Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2004.
18. Rusakova T. G. Metody nauczania sztuk pięknych z warsztatem / Kompleks edukacyjno-metodyczny. - Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2004.
19. Tradycje rozwoju malarstwa artystycznego we współczesnej sztuce dekoracyjnej Rosji: Materiały miejskiej konferencji naukowo-praktycznej / wyd. TELEWIZOR. Saljewa. - Magnitogorsk: MaGU.2001.
20. Chadina TA Jak mówi sztuka. - Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2005.
21. Chadina T. A. Technologie wizualne w przedszkolu i szkole podstawowej / Poradnik metodyczny. - Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2005.
22. Chadina T. A. Co i jak pracują artyści. - Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2005.

Ćwiczenie 1
Przeczytaj uważnie kurs fakultatywny „Przestrzeń życiowa - ART” Kirillovej L.V. i przeanalizuj wszystkie elementy strukturalne programu (na piśmie). Wskaż mocne i słabe strony.

1. Sztuka prymitywna. Powstanie i rozwój sztuk pięknych w społeczeństwie pierwotnym. Metody nauczania rysunku w starożytnym Egipcie

Nawrócenie ludzi prymitywnych na nowy dla nich rodzaj działalności – sztukę – jest jednym z największych wydarzeń w historii ludzkości. Sztuka prymitywna odzwierciedlała pierwsze wyobrażenia człowieka o otaczającym go świecie, dzięki niemu wiedza i umiejętności były zachowywane i przekazywane, ludzie komunikowali się ze sobą.Epoka kamienia łupanego (ponad 2 mln lat temu do VI tysiąclecia p.n.e.) dzieli się na Paleolitu, mezolitu i neolitu. Pierwsze dzieła sztuki prymitywnej powstały około 30 tysięcy lat temu. Najstarsze rzeźby są Paleolityczne Wenus - prymitywne figurki kobiece. Oprócz kobiet zwierzęta były przedstawiane z kamienia lub kości. Ludzie z epoki kamienia nadawali artystyczny wygląd przedmiotom codziennego użytku – kamiennym narzędziom i glinianym naczyniom. Później prymitywni mistrzowie zaczęli zwracać większą uwagę na szczegóły: przedstawiali wełnę pociągnięciami, nauczyli się używać dodatkowych kolorów) W XII tysiącleciu pne. mi. sztuka jaskiniowa osiągnęła swój szczyt. Malarstwo tego czasu oddawało objętość, perspektywę, rozkwiecone proporcje postaci, ruch. Jednocześnie ogromny malowniczy płótna które pokrywały sklepienia głębokich jaskiń. Dokładny czas powstania malowideł jaskiniowych nie został jeszcze ustalony. Na ścianach jaskiń przedstawiono dziesiątki dużych zwierząt: mamuty i niedźwiedzie jaskiniowe. Barwniki mineralne zmieszane z wodą, tłuszczem zwierzęcym i sokiem roślinnym sprawiły, że kolor malowideł naskalnych był szczególnie jasny. (Jaskinia Altamira, Jaskinia Lascaux)

Sztuka mezolityczna. W epoce mezolitu, czyli środkowej epoki kamienia (XII-VIII tysiąclecie p.n.e.) (przybrzeżne górskie regiony wschodniej Hiszpanii, między miastami Barcelony i Walencji) ukazywano postacie ludzi w szybkim ruchu, kompozycje wielopostaciowe oraz sceny polowanie z białkiem jajka, krwią, miodem.

Sztuka neolitu (5000-3000 pne) Są to m.in. występujące w Norwegii malowidła naskalne przedstawiające jelenie, niedźwiedzie, wieloryby i foki, sięgające ośmiu metrów długości. Oprócz schematyzmu wyróżniają się niestarannym wykonaniem. Obok stylizowanych rysunków ludzi i zwierząt pojawiają się różne kształty geometryczne (koła, prostokąty, romby, spirale itp.), wizerunki broni i pojazdów (łodzi i statków). Pierwsze ryty naskalne odkryto w latach 1847-1850. w Afryce Północnej i na Saharze (Tassilin-Ajer, Tibesti, Fezzana itp.)

brąz (swoją nazwę wziął od rozpowszechnionego wówczas stopu metali - brązu). Epoka brązu rozpoczęła się w Europie Zachodniej około czterech tysięcy lat temu. w epoce brązu wytwarzano wszelkiego rodzaju przedmioty gospodarstwa domowego, bogato zdobione ornamentami i o dużej wartości artystycznej. W III-II tysiącleciu pne. mi. pojawiły się osobliwe, ogromne konstrukcje z kamiennych bloków, menhiry - pionowo stojące kamienie o wysokości ponad dwóch metrów. (półwysep Bretania we Francji) dolmeny - kilka kamieni wkopanych w ziemię, przykrytych kamienną płytą, pierwotnie używanych do pochówków. Liczne menhiry i dolmeny znajdowały się w miejscach uważanych za święte. Szczególnie znane są ruiny w Anglii w pobliżu miasta Salisbury – tzw. Stonehenge (II tysiąclecie pne). Stonehenge zbudowano ze stu dwudziestu głazów o wadze do siedmiu ton każdy i trzydziestu metrach średnicy.

W innym Egipcie powstała i umocniła się specjalna szkoła artystyczna, której szkolenie było systematyczne. Metoda i system kształcenia dla wszystkich nauczycieli były takie same, ponieważ zatwierdzone kanony nakazywały najściślejsze przestrzeganie ustalonych norm. Jako pierwsi w historii kultury ludzkiej położyli podwaliny pod teoretyczne uzasadnienie rysunku. Nauka rysunku opierała się na zapamiętywaniu wypracowanych zasad i kanonów. Chociaż kanony ułatwiały naukę technik rysunkowych, krępowały artystę, nie pozwalały mu przedstawiać świata takim, jakim go widzi. Rysunek w dr. Egipt był przedmiotem ogólnokształcącym, był ściśle związany z nauczaniem pisania. Wiodącą szkołą starożytnego królestwa była Memphis Court School of Architects and Sculptors, ona yavl. Artystyczny Centrum, wokół niego powstały inne szkoły. Był nawet instytut, w którym studiowali młodzi mężczyźni. Nauczyciele stosowali specjalne tablice metodyczne. Zasady i metody opierały się na frontalności, wszystkie rysunki są liniowe, nie ma trójwymiarowości, perspektywy, światłocienia, były proporcje postaci stojącej, siedzącej i innych. Wiele cennych i interesujących materiałów do studiowania metod nauczania sztuk pięknych dostarczają zabytki kultury egipskiej: malowidła na ścianach grobowców, pałaców, świątyń, na przedmiotach gospodarstwa domowego; rysunki do płaskorzeźb, wreszcie rysunki na papirusach. Główną uwagę artystów egipskich zwrócono na wizerunek postaci ludzkiej. Zadanie artysty starożytnego Egiptu nie obejmowało prawdziwego przedstawienia życia. Życie było dla nich jak zjawisko przejściowe, główna egzystencja zaczynała się po śmierci. Artysta łączy w jednym obrazie różne punkty widzenia na temat: niektóre części postaci są ukazane z profilu (głowa, nogi), inne z przodu (oko, ramiona). Cechy malarstwa starożytnego Egiptu polegały w istocie na kolorystyce i przez szereg wieków sprowadzały się do wypełnienia sylwetki jednym kolorem, bez wprowadzania dodatkowych tonów i kolorowych cieni.

2. Metody nauczania sztuk plastycznych w starożytnej Grecji (szkoły efeskie, sykiońskie, tebańskie)

Studiował metody nauczania u dr. Egiptu, Grecy podeszli do problemu edukacji i wychowania w nowy sposób. Wezwali do uważnego studiowania życia ziemskiego, a nie życia pozagrobowego. w 432 pne mi. w Sicyon rzeźbiarz Polikleitos napisał esej o proporcjonalnych prawach ludzkiego ciała, badał jego wewnętrzną ruchliwość. Posąg „Dorifor” służył jako pomoc wizualna.

Polygnot wzywał do realności obrazu, posiadał środki do rysowania liniowego, starał się przekazać fakturę, nie znając światłocienia, rysując w pełnym rozmiarze, malując polichromią. Linia odegrała nadrzędną rolę, zaobserwowano klarowność i wyrazistość obrazu.

Apollodorus z Aten i jego uczeń Zeus włączyli do techniki malarskiej mieszanie kolorów, gradację, a także wprowadzili światłocień. Parrasius zdradził malarstwu symetrię, jako pierwszy oddał mimikę twarzy i osiągnął prymat w konturach.

Do IV wieku pne mi. Sztuka grecka osiąga w Grecji wysoki stopień rozwoju, znanych było kilka. szkoły rysunku: Sycyońska, Efeska i Tebańska.

Tebański Sz. - którego założycielem był Aristide, czyli Nikomachus, przywiązywał wielką wagę do "efektów światłocieniowych, przekazywania wrażeń życiowych i złudzeń". Szkoła efeska, którą uważa się za założyciela Efranoru z Koryntu, a według innych źródeł Zeuksisa, opierała się na „zmysłowym postrzeganiu natury i piękna zewnętrznego”. Ta szkoła dążyła do iluzji, ale nie była doskonała w rysunku.

Sikyonskaja Sz. -utrzymać. dane naukowe z nauk przyrodniczych i praw natury, starał się przybliżyć i nauczyć ucznia szanować prawa struktury natury. założona przez Eupompa, opierała się na naukowych danych nauk przyrodniczych i ściśle przestrzegała praw przyrody. Szkoła ta wymagała „największej precyzji i rygoru rysunku”. Miała wielki wpływ na metodykę nauczania rysunku i dalszy rozwój sztuki. sztuka.

Artyści nauczyli się przekazywać na płaszczyźnie nie tylko objętość (trójwymiarowość) przedmiotów, ale także zjawiska perspektywy.Ucząc się rysować z natury, greccy artyści studiowali także anatomię.

Greccy artyści-pedagodzy ustalili właściwą metodę nauczania rysunku, która opierała się na czerpaniu z życia. (Policlet. Doryphorus. Marmur. V wpne. Muzeum Neapolitańskie.)

Sztuki piękne świata starożytnego, w porównaniu z egipskimi, zostały wzbogacone o nowe zasady i metody konstruowania obrazu, a jednocześnie o nowe metody nauczania. Artyści greccy po raz pierwszy w historii rozwoju rysunku edukacyjnego wprowadzili światłocień i podali przykłady perspektywicznej konstrukcji obrazu na płaszczyźnie, kładąc podwaliny pod realistyczny rysunek z natury.

Greccy artyści-pedagodzy ustalili właściwą metodę nauczania rysunku, która opierała się na czerpaniu z życia. Po raz pierwszy wśród Greków rysunek jako przedmiot akademicki otrzymuje właściwy kierunek. W tym względzie na szczególną uwagę zasługuje Sikyońska szkoła rysunku, której faktycznym kierownikiem jest Pamphilus, dzięki któremu rysunek zaczął być traktowany jako ogólnokształcący przedmiot edukacyjny i został wprowadzony we wszystkich szkołach ogólnokształcących w Grecji. Zasługą Pamfila jest to, że jako pierwszy zrozumiał, że zadanie nauczania rysunku obejmuje nie tylko kopiowanie przedmiotów rzeczywistości, ale także znajomość praw natury. Jako pierwszy zrozumiał, że rysunek rozwija myślenie przestrzenne i figuratywne przedstawienie, które są niezbędne ludziom wszystkich zawodów. Po Pamfilu wszyscy postępowi myśliciele Grecji zaczęli to rozumieć; zdali sobie sprawę, że nauka sztuki przyczynia się do wszechstronnego rozwoju człowieka.

Era starożytnej Grecji była najwspanialszą erą w historii rozwoju sztuk pięknych starożytnego świata. Wartość greckich dzieł sztuki jest niezwykle wielka. Tutaj położono metodę naukowego rozumienia sztuki. Greccy artyści-edukatorzy namawiali swoich uczniów i naśladowców do bezpośredniego studiowania przyrody, obserwowania jej piękna i wskazywania czym ona jest. Piękno polegało w ich mniemaniu na właściwych proporcjach części, czego doskonałym przykładem jest postać ludzka. Mówili, że proporcjonalna regularność ludzkiego ciała w jego jedności tworzy harmonię piękna. Główną zasadą sofistów było: „Człowiek jest miarą wszystkich rzeczy”. Stanowisko to stanowiło podstawę całej sztuki starożytnej Grecji.

. Metody nauczania sztuk plastycznych w starożytnym Rzymie

Metody nauczania rysunku w starożytnym Rzymie

Rzymianie bardzo lubili iso. sztuki, zwłaszcza dzieł greckich artystów. Sztuka portretowa jest szeroko rozpowszechniona, jednak Rzymianie nie wprowadzili nic nowego do metodologii i systemu nauczania, nadal korzystając z dorobku greckich artystów. Co więcej, stracili wiele cennych zapasów rysunku, których nie udało się uratować. Artyści rzymscy w większości kopiowali dzieła artystów greckich. Otoczenie nauczania było inne niż w szkołach greckich:

W Rzymie nauczyciela bardziej interesowała rzemieślnicza i techniczna strona sprawy niż przygotowanie artysty-rzemieślnika (więcej rzemieślników do dekoracji swoich domów).

W nauczaniu rysunku, kopiowania z próbek dominowało mechaniczne powtarzanie metod pracy, co z kolei zmuszało rzymskich artystów-nauczycieli do coraz większego odchodzenia od metod nauczania stosowanych przez greckich artystów-nauczycieli.

W technice rysunkowej Rzymianie jako materiał rysunkowy jako pierwszy zaczęli używać sangwiny (piękny czerwonawo-brązowy odcień) - jest plastyczny w obróbce, lepiej utrwala się na gładkiej powierzchni niż węgiel.

Szczególnie wielka jest rola kultury starożytnej w rozwoju sztuki realistycznej, w kształtowaniu i rozwoju akademickiego systemu nauczania rysunku. Do dziś inspiruje nas do poszukiwania skuteczniejszych metod nauczania plastyki, do naukowego rozwijania metod nauczania rysunku.

Społeczeństwo rzymskie wymagało dużej liczby rzemieślników do dekoracji pomieszczeń, budynków użyteczności publicznej, okres szkolenia był krótki. metoda nauczania rysunku jest nienaukowa. rysunek stał się warunkowy i schematyczny.

Era panowania rzymskiego na pierwszy rzut oka stwarza wszelkie warunki do dalszego rozwoju metod nauczania rysunku realistycznego. Rzymianie bardzo lubili sztuki piękne. Szczególnie cenili dzieła greckich artystów. Bogaci ludzie gromadzili kolekcje obrazów, a cesarze budowali publiczne pinakoteki (galerie). Sztuka portretowa jest szeroko stosowana. Wizerunki ludzi tamtej epoki są przedstawione bez żadnych upiększeń. Ze zdumiewającą żywotną prawdą oddają one indywidualne cechy charakteru ludzi w najróżniejszych wiekach, jak na przykład malowniczy portret Pakviusa Proculusa i jego żony, chłopca; portrety rzeźbiarskie - Witelina, młodego Augusta, Juliusza Cezara itp.

Wielu szlachetnych szlachciców i samych patrycjuszy zajmowało się rysunkiem i malarstwem (na przykład Fabius Pictor, Pedius, Juliusz Cezar, Neron itp.).

Wydaje się, że wszystko zostało stworzone z myślą o dalszym rozwoju sztuk pięknych i ich nauczaniu. Jednak w rzeczywistości Rzymianie nie wnieśli nic nowego do metodologii i systemu nauczania rysunku. Korzystali jedynie z dorobku greckich artystów; ponadto nie zachowały wielu cennych zapisów metody nauczania rysunku. Jak wynika z zachowanych malowideł z Pompei i relacji historyków, artyści rzymscy w zasadzie kopiowali dzieła wybitnych artystów greckich. Niektóre obrazy są wykonane z wielką wprawą, jak np. „Wesele Aldobrandino”. Nie mogli jednak osiągnąć wysokich umiejętności zawodowych, które posiadali słynni artyści starożytnej Grecji.

Kilka słów o technice rysunkowej. Rzymianie po raz pierwszy zaczęli używać sangwinika jako materiału do rysowania. W katakumbach zachowały się ślady pracy rzymskich artystów, którzy użyli sangwiny do obrysowania fresków. Być może w większym stopniu niż Grecy przejęli technikę artystów egipskich, zwłaszcza w malarstwie (stosowanie tempery, praca na płótnie, papirus). Metody nauczania i charakter szkolenia artystów różniły się od szkół greckich. Greccy artyści-nauczyciele starali się rozwiązywać wzniosłe problemy sztuki, wzywali swoich uczniów do opanowania sztuki przy pomocy nauki, dążenia do wyżyn sztuki i potępiali tych artystów, którzy podchodzili do sztuki w sposób rzemieślniczy. W epoce Cesarstwa Rzymskiego artysta-nauczyciel mniej zastanawiał się nad wysokimi problemami twórczości artystycznej, interesowała go głównie rzemieślnicza i techniczna strona zagadnienia.

Społeczeństwo rzymskie wymagało dużej liczby rzemieślników do dekoracji pomieszczeń mieszkalnych i budynków użyteczności publicznej, dlatego nie można było opóźniać okresu szkolenia. Dlatego przy nauczaniu rysunku, kopiowania z próbek dominowało mechaniczne powtarzanie metod pracy, co z kolei zmuszało artystów rzymskich do coraz większego odchodzenia od tych głęboko przemyślanych metod nauczania, jakimi posługiwali się wybitni artyści-nauczyciele Grecji.

4. Rysunek w średniowieczu. Sztuka i religia

W epoce średniowiecza i chrześcijaństwa zapomniano o osiągnięciach sztuki realistycznej. Artyści nie znali żadnej z zasad konstruowania obrazu na płaszczyźnie, którymi posługiwali się dr. Grecja. Zginęły cenne rękopisy - prace teoretyczne wielkich artystów, a także wiele słynnych dzieł, które mogłyby służyć za modele. Największym prześladowaniom poddano bałwochwalstwo, rozbito i zniszczono wszystkie posągi i obrazy. Wraz z posągami i obrazami, zwojami i zapisami, rysunkami i regułami, metoda nauczania rysunku była nienaukowa. Podstawą treningu jest mechaniczne kopiowanie próbek, a nie czerpanie z natury.

Malarze pierwszych wieków chrześcijaństwa nadal posługiwali się artystycznymi formami malarstwa antycznego. W krótkim czasie tradycje sztuki realistycznej zostały zapomniane i utracone, rysunek stał się warunkowy i schematyczny.

Potępiono naukową wiedzę o świecie i stłumiono wszelkie próby uzasadnienia obserwacji przyrody. Studium przyrody i przyrody w sensie akademickim nie było praktykowane.

Poślubić odwieczna sztuka malarska odrzucała realistyczne tendencje, ponieważ realistyczna natura wywoływała „ziemskie” uczucie, wszystko było akceptowane lub odrzucane przez kościół. Poślubić stuletni artyści nie pracowali z natury, ale według wzorów wszytych w zeszyty były to konturowe szkice kompozycji różnych wątków kościelnych, pojedynczych figur, motywów draperii itp. Kierowali się zarówno malowidłami ściennymi, jak i sztalugowymi, itp. j. stosunki przemysłowe w tym czasie przyczyniły się do rozwoju pracy rzemieślniczej i powstania korporacji. Rysunku uczył mistrz, który nie przestrzegał ścisłego systemu ani jasnych metod nauczania. Większość uczniów uczyła się samodzielnie, uważnie przyglądając się twórczości mistrza.

Wielcy mistrzowie Grecji dążyli do prawdziwego odwzorowania natury, artyści średniowiecza, przestrzegając dogmatów kościoła, odchodzili od realnego świata w kierunku twórczości abstrakcyjnej i mistycznej. Zamiast czarującej nagości ludzkiego ciała, która inspirowała i uczyła greckich artystów, pojawiły się ciężkie, surowe i kanciaste draperie, odciągające artystów od studiowania anatomii. Zaniedbując życie ziemskie i troszcząc się jedynie o życie pozagrobowe, duchowni uważali pragnienie wiedzy za źródło grzechu. Potępili naukową wiedzę o świecie i powstrzymali wszelkie próby uzasadnienia obserwacji przyrody.

Ideolodzy sztuk plastycznych średniowiecza odrzucali tendencje realistyczne nie dlatego, że sprzeciwiali się rzeczywistej interpretacji obrazów, ale dlatego, że realistycznie oddana natura budziła w widzu uczucie „ziemskie”. Wiarygodne przedstawienie kształtu rzeczywistego świata budziło radość w duszy widza, co było sprzeczne z religijną filozofią. Kiedy realna interpretacja formy, sięgająca niekiedy naturalistycznej iluzorycznej, odpowiadała religijnej fabule, była przychylnie przyjmowana przez Kościół. Znamy wiele dzieł średniowiecznych, które wyróżniają się cechami realistycznymi. Przypominają wizerunki ludzi z tamtej epoki.

. Rysunek w renesansie. Artyści renesansu i ich wkład w metodę nauczania rysunku (Cennino Cennini, Alberti, Leonardo da Vinci, A. Durer, Michelangelo. Metoda cięcia. Metoda kurtyny)

Renesans otwiera nową erę nie tylko w historii rozwoju sztuki, ale także w dziedzinie metod nauczania rysunku. W tej chwili odradza się pragnienie sztuki realistycznej, prawdziwego przekazu rzeczywistości. Mistrzowie renesansu aktywnie wkraczają na ścieżkę realistycznego światopoglądu, dążąc do ujawnienia praw natury i ustanowienia związku między nauką a sztuką. W swoich badaniach opierają się na osiągnięciach optyki, matematyki i anatomii. Nauki o proporcjach, perspektywie i anatomii plastycznej znajdują się w centrum uwagi teoretyków i praktyków sztuki.

W okresie renesansu przywrócono wysoki szacunek dla rysunku. Rysunek powinien był studiować każdy, kto zajmował się sztuką.

Pierwsza praca naukowa – „Traktat o malarstwie” – należy do Cennino Cenniniego. podstawą treningu powinno być czerpanie z życia. słusznie uważa, że ​​opanowanie sztuki wymaga od ucznia codziennej pracy. jednocześnie przywiązuje zbyt dużą wagę do kopiowania rysunków mistrzów.

Następną pracą o rysunku są „Trzy księgi o malarstwie”, stworzone przez największego florenckiego architekta Leona Battistę Albertiego. Jest to najbardziej niezwykłe dzieło ze wszystkich, które napisano o teorii rysunku w okresie renesansu. Traktat o rysunku i podstawowych zasadach konstruowania obrazu na płaszczyźnie. Alberti uważa rysunek za poważną dyscyplinę naukową, której prawa i reguły są równie dokładne i przystępne do studiowania jak matematyka.

Szczególną wartość z pedagogicznego punktu widzenia ma dzieło Albertiego, który w swoim traktacie podał szereg zaleceń metodycznych i wskazówek dotyczących nauczania rysunku. Pisze, że skuteczność nauczania sztuki polega przede wszystkim na naukowym uzasadnieniu. Alberti przywiązuje dużą wagę do nauki anatomii. Alberti sugeruje zbudowanie całego procesu uczenia się na czerpaniu z życia.

Jako pierwszy otwarcie mówił o głębokim znaczeniu sztuki, zdawał sobie sprawę z konieczności wzbogacania sztuki o doświadczenie nauki, przybliżania nauki do praktycznych zadań sztuki. Alberti jest świetny jako naukowiec i artysta-humanista.

Kolejną najnowszą pracą z dziedziny teorii rysunku jest Księga malarstwa Leonarda da Vinci. Ta książka zawiera różnorodne informacje: o budowie Wszechświata, o pochodzeniu i właściwościach chmur, o rzeźbie, o poezji, o perspektywie powietrznej i liniowej. Znajdują się tam również instrukcje dotyczące zasad rysowania. Leonardo da Vinci nie proponuje nowych metod i zasad, w zasadzie powtarza znane już przepisy.

Leonardo da Vinci, podobnie jak Alberti, uważa, że ​​podstawą metody nauczania rysunku powinien być rysunek z natury. Natura sprawia, że ​​uczeń uważnie obserwuje, bada cechy strukturalne przedmiotu obrazu, myśli i zastanawia się, co z kolei zwiększa efektywność uczenia się i budzi zainteresowanie wiedzą o życiu.

Leonardo da Vinci przywiązuje dużą wagę do edukacji naukowej. Sam Leonardo był zaangażowany w poważne badania naukowe. Tak więc, badając anatomiczną budowę ludzkiego ciała, przeprowadzał liczne sekcje zwłok i poszedł w tej sprawie znacznie dalej niż jemu współcześni.

Leonardo da Vinci podaje również uczciwe wytyczne metodologiczne dotyczące rysowania obiektu z natury. Zwraca uwagę, że rysunek musi zaczynać się od całości, a nie od części. Leonardo zwraca szczególną uwagę na rysunek postaci ludzkiej. Interesujący jest sposób utrwalania przerabianego materiału poprzez rysowanie z pamięci

Wśród artystów renesansu, którzy zajmowali się problematyką uczenia się, poczesne miejsce zajmuje artysta niemiecki Albrecht Dürer. Jego prace teoretyczne mają wielką wartość, zarówno w zakresie metod nauczania, jak iw zakresie problematyki artystycznej. Pisma Dürera w znacznym stopniu przyczyniły się do dalszego rozwoju metodyki nauczania rysunku. Dürer uważał, że w sztuce nie można polegać tylko na uczuciach i percepcji wzrokowej, ale w zasadzie trzeba polegać na dokładnej wiedzy; interesowały go także ogólne zagadnienia pedagogiki, sprawy nauczania i wychowania dzieci. Wśród artystów renesansu niewielu o tym myślało.

Ucząc rysunku i praw konstruowania realistycznego obrazu przedmiotów na płaszczyźnie, Durer na pierwszym miejscu postawił perspektywę. Sam artysta spędził dużo czasu studiując perspektywę. Drugie, najważniejsze dzieło Dürera - „Doktryna proporcji człowieka” - jest owocem pracy prawie całego jego życia. Durer podsumował wszystkie znane dane na ten temat i nadał im rozwój naukowy, dołączając ogromną liczbę rysunków, diagramów i rysunków. Artysta próbował znaleźć zasady konstruowania postaci ludzkiej za pomocą dowodu geometrycznego i obliczeń matematycznych.

Szczególnie cenna dla pedagogiki sztuki jest opracowana przez Dürera metoda generalizacji formy (zwana później przycinaniem). Metoda przycinania jest następująca. Przedstawienie, zgodnie ze wszystkimi zasadami perspektywy liniowej, kształtu prostej bryły geometrycznej, takiej jak sześcian, nawet dla początkującego rysownika nie jest szczególnie trudne. Bardzo trudno jest podać prawidłowy obraz perspektywiczny złożonej postaci, na przykład głowy, ręki, postaci ludzkiej. Ale jeśli uogólnisz złożony kształt na ekstremalne do prostych kształtów geometrycznych, możesz łatwo poradzić sobie z zadaniem. Metoda przycinania pomaga początkującemu rysownikowi poprawnie rozwiązać zadania tonalne rysunku. Zaproponowana przez Dürera metoda analizy i konstrukcji obrazu odniosła uderzający efekt w nauczaniu i była wykorzystywana i rozwijana w praktyce pedagogicznej artystów-nauczycieli.

Ich praca z zakresu perspektywy pomogła artystom poradzić sobie z najtrudniejszym problemem budowania trójwymiarowego kształtu przedmiotów na płaszczyźnie. W końcu przed nimi nie było artystów, którzy mogliby zbudować perspektywiczny obraz trójwymiarowych obiektów. Artyści renesansu byli w istocie twórcami nowej nauki. Udowodnili słuszność i zasadność swoich stanowisk zarówno teoretycznie, jak i praktycznie. Malarze renesansu zwracali również dużą uwagę na badanie anatomii plastycznej. Prawie wszyscy kreślarze byli zainteresowani prawami proporcjonalnego stosunku części ludzkiego ciała. W każdym traktacie dokładnie analizowano proporcje ludzkiej twarzy, a także innych części ciała. Mistrzowie renesansu umiejętnie wykorzystywali dane swoich obserwacji w praktyce sztuk pięknych. Ich prace zadziwiają widza głęboką znajomością anatomii, perspektywy i praw optyki. Umieszczając dane naukowe jako podstawę sztuk pięknych, artyści renesansu zwracali szczególną uwagę na rysunek. Mówili, że rysunek zawiera wszystkie najważniejsze rzeczy, które są potrzebne do udanej pracy twórczej.

Metoda czerpania z natury za pomocą kurtyny opiera się na zasadzie ścisłego przestrzegania praw perspektywy. Aby artysta mógł ściśle obserwować stały poziom widzenia, a na rysunku – stały znikający punkt, Alberti zaproponował zastosowanie specjalnego urządzenia – kurtyny.

. Akademicki system edukacji artystycznej w XVI-XII wieku (idee pedagogiczne J. A. Comeniusa, D. Locke'a, J. J. Rousseau, Goethego)

Pod koniec XVI wieku pojawiły się nowe kierunki w dziedzinie edukacji artystycznej i estetycznej, nowe zasady i postawy pedagogiczne. Inaczej zaczęto budować metodę nauczania rysunku Stulecie w historii metod nauczania rysunku należy uznać za okres kształtowania się rysunku jako przedmiotu akademickiego i rozwoju nowego pedagogicznego systemu nauczania – akademickiego. Najbardziej charakterystyczną cechą tego okresu jest powstawanie specjalnych placówek oświatowych – akademii sztuk pięknych i szkół artystycznych, w których na poważnie zadomowiła się nauka rysunku.

Najbardziej znana była Bolońska Akademia Sztuk Pięknych, założona przez braci Carracci. Studenci Akademii dokładnie studiują anatomię – nie z książek, ale poprzez sekcję zwłok. Carracci szczegółowo opracował metodologię nauczania, biorąc pod uwagę rysowanie podstaw sztuk pięknych. W swoich wskazówkach metodologicznych wskazywali, że artysta musi polegać na danych nauki, na umyśle, bo umysł wzbogaca uczucie. akademie stawiały sobie za cel poważne kształcenie w dziedzinie sztuk pięknych. Kształcili młodzież na wzorach sztuki wysokiej starożytności i renesansu. Tradycja stała się cechą charakterystyczną wszystkich kolejnych akademii. Studiując dziedzictwo i dostrzegając kulturę artystyczną swoich poprzedników, akademie przekazały to wszystko kolejnym pokoleniom artystów, ściśle zachowując wielki i niewzruszony fundament, na którym ta tradycja została stworzona.

Obok uczelni państwowych nadal istniały szkoły prywatne, w których studenci otrzymywali dość solidne przygotowanie zawodowe. Największym i najbogatszym w pomoce dydaktyczne był warsztat największego flamandzkiego artysty Petera Paula Rubensa (1577-1640). W XVII wieku była to najlepsza szkoła rysunkowa wśród warsztatów prywatnych. Uczniowie Rubensa byli tak znanymi artystami i znakomitymi rysownikami. Ucząc rysunku, Rubens przywiązywał szczególną wagę do naukowego dowodu praw perspektywy, światłocienia i anatomii plastycznej.

Po raz pierwszy po Pamfilu ideę korzyści płynących z rysunku jako przedmiotu ogólnokształcącego wypowiedział wielki czeski nauczyciel Jan Amos Komeński (1592-1670) w swoich Wielkich dydaktykach. To prawda, że ​​Comenius nie odważył się jeszcze włączyć rysunku do programu szkolnego jako przedmiotu obowiązkowego. Wartość tych myśli polegała jednak na tym, że były one ściśle związane z problematyką pedagogiki. Rozdział 21 Wielkiej dydaktyki, zatytułowany „Metoda sztuki”, stwierdza, że ​​aby nauczać sztuki, należy przestrzegać trzech warunków: prawidłowego użycia; rozsądnego kierowania; częstych ćwiczeń.

Comenius, uznając rysunek za przedmiot ogólnokształcący, nie czyni wyraźnych różnic w metodach i systemach nauczania plastyki w szkołach ogólnokształcących i specjalnych. Opiera się na ustalonym już systemie nauczania rysunku w akademiach artystycznych, na sprawdzonych metodach nauczania.

Niemal równocześnie z Komeńskim, ogólnoedukacyjnej wartości rysunku zaczął bronić anglista i filozof John Locke (1632-1704). W książce Rozważania o wychowaniu pisze: „Jeżeli chłopiec nabył pięknego i szybkiego pisma, powinien to nie tylko wspierać starannym ćwiczeniem w pisaniu, ale też doskonalić swój kunszt rysunkami. Podczas podróży rysunek będzie służył młodemu człowiekowi; często za pomocą kilku cech będzie w stanie przedstawić budynki, samochody, ubrania i inne rzeczy, których nie da się wyjaśnić żadnymi szczegółowymi opisami. Ale nie chcę, żeby został malarzem; zajęłoby to więcej czasu, niż zostało mu z innych ważnych zajęć. J. Locke nie podaje jednak wskazówek metodycznych dotyczących nauczania rysunku, ogranicza się jedynie do ogólnych omówień korzyści płynących z nauczania rysunku.

Francuski encyklopedysta filozof Jean Jacques Rousseau (1712-1778) mówił bardziej szczegółowo o rysunku jako ogólnym przedmiocie edukacyjnym. W swojej książce Emile Rousseau pisze, że dla poznania otaczającej rzeczywistości ogromne znaczenie mają narządy zmysłów, które można rozwinąć u dziecka, ucząc je czerpania z życia. Rousseau całkiem słusznie zwraca uwagę, że lekcje rysunku powinny odbywać się wśród natury, gdyż w przyrodzie uczeń może wyraźnie dostrzec zjawiska perspektywy i zrozumieć jej prawa. Ponadto obserwując przyrodę uczeń kultywuje własny gust, uczy się kochać przyrodę, zaczyna rozumieć jej piękno. Rousseau uważa, że ​​nauka rysunku powinna odbywać się wyłącznie z natury. Pod tym względem Rousseau podchodzi do metody nauczania rysunku poważniej niż jego poprzednicy. Idee pedagogiczne Komeńskiego, Locke'a, Rousseau znacząco wzbogaciły teorię i praktykę sztuki. Ich prace teoretyczne stały się impulsem do dalszego rozwoju pedagogiki artystycznej.

W tym okresie umocnił się autorytet uczelni nie tylko jako instytucji edukacyjnej, ale także jako wyznaczającej trendy w gustach artystycznych. Uznając sztukę antyczną za najwyższy przykład i opierając się na tradycjach Wielkiego Renesansu, niemal wszystkie uczelnie europejskie zaczynają tworzyć idealną szkołę sztuk pięknych w najszerszym tego słowa znaczeniu. Rysunek w systemie edukacji artystycznej jest nadal uważany za podstawę fundamentów. Ale nauka rysowania z natury zaczyna się od badania klasycznych próbek starożytności. Akademie argumentowały, że tylko poważne studium starożytnych greckich rzeźb pomoże początkującemu poznać prawa natury i sztuki, tylko klasyczne próbki ujawnią artyście idee piękna i prawa piękna.

Stanowisko na temat korzyści płynących z rysunku jako ogólnego przedmiotu edukacyjnego wyraził wielki czeski nauczyciel ^ Ya A. Komensky w swojej „Wielkiej dydaktyce”. To prawda, że ​​Comenius nie odważył się jeszcze włączyć rysunku do programu szkolnego jako przedmiotu obowiązkowego. Ale wartość jego przemyśleń na temat rysunku polegała na tym, że były one ściśle związane z problematyką pedagogiczną. Szczególnie cenne są dla nas przemyślenia Komeńskiego na temat potrzeby studiowania metod nauczania. Niemal równocześnie z Komeńskim, ogólnoedukacyjnej wartości rysunku zaczął bronić nauczyciel języka angielskiego i filozof John Locke. Jednak nie będąc specjalistą, J. Locke nie mógł udzielać wskazówek metodycznych w nauczaniu rysunku. Ograniczył się do ogólnych dyskusji na temat korzyści płynących z edukacji.Francuski filozof-encyklopedysta Jacques-Jean Rousseau mówił bardziej szczegółowo o rysunku jako ogólnym przedmiocie edukacyjnym. Uważał, że rysunku należy uczyć wyłącznie z natury i że dziecko nie powinno mieć innego nauczyciela niż sama natura. Johann Wolfgang Goethe wyraził wiele cennych myśli na temat metody nauczania rysunku. Aby opanować sztukę rysowania, potrzebna jest wiedza, wiedza i jeszcze raz wiedza – powiedział. Idee pedagogiczne Komeńskiego, Locke'a, Rousseau, Goethego wzbogaciły teorię i praktykę nauczania rysunku. Ich prace teoretyczne stały się impulsem do dalszego rozwoju myśli pedagogicznej w ogóle, aw szczególności w zakresie metod nauczania rysunku.

. Rola I.G. Pestalozzi w rozwoju rysunku jako ogólnego przedmiotu edukacyjnego. Uczniowie i zwolennicy JG Pestalozziego (I. Schmidt, P. Schmidt, bracia Dupuis)

W XVIII - pierwszej połowie XIX wieku rysunek zaczął mocno zdobywać swoje miejsce w szkołach średnich. Zapoczątkował to szwajcarski nauczyciel Johann Heinrich Pestalozzi (1746-1827), nieprzypadkowo nazywany przez nauczycieli sztuki ojcem metodyki szkolnej. Pestalozzi uważa rysunek w szkole za przedmiot ogólnokształcący. Jego zdaniem cała wiedza pochodzi z liczby, formy i słowa. Pierwszym krokiem do poznania jest kontemplacja. Aby móc poprawnie myśleć, konieczne jest prawidłowe uwzględnienie otaczającej przyrody. Rysowanie to najdoskonalszy sposób na zdobycie tej umiejętności. Szczególną rolę, zdaniem Pestalozziego, powinien odgrywać rysunek w szkole podstawowej. W jego pamiętniku, który zajmuje się wychowaniem syna, rysunek zajmuje główne miejsce. Codzienne zajęcia rozpoczynają się od rysunku. Rysowanie, argumentuje Pestalozzi, powinno poprzedzać pisanie, nie tylko dlatego, że ułatwia proces opanowania inskrypcji liter, ale także dlatego, że jest łatwiejsza do strawienia.

Sam Pestalozzi, zdaniem współczesnych, nie umiał rysować, dlatego nie podaje jasnych i sprecyzowanych zasad nauczania rysunku, ograniczając się do ogólnych uwag pedagogicznych. Ale jego wskazówki dydaktyczne i idee pedagogiczne były na tyle ważne i żywotne, że stały się podstawą dalszego rozwoju technik rysunkowych w szkołach średnich.

Pestalozzi przywiązuje dużą wagę do metod nauczania. Sukces nauki rysowania zależy od prawidłowo zbudowanego systemu, mówi Pestalozzi. Artyści niewiele myślą o metodach nauczania, chodzą okrężnymi drogami, przez co ich sztuka jest dostępna tylko dla elity (szczególnie uzdolnionych). Jednak podstaw rysunku można nauczyć każdego, a rysunek, który ma duże znaczenie ogólnokształcące, powinien zająć miejsce w szkole obok innych przedmiotów akademickich.

Pestalozzi w pełni przedstawił swoje poglądy na temat metody rysowania w książce Jak Gertruda uczy swoje dzieci. Zasługa Pestalozziego polega również na tym, że uważał za konieczne kierowanie się cechami wiekowymi uczniów przy opracowywaniu systemu szkolenia.

Zdaniem Pestalozziego, ułożenie materiału edukacyjnego w spójny system, nawiązanie ścisłego związku między wiedzą a umiejętnościami rysunkowymi, z pewnością rozwinie u uczniów umiejętność ich świadomego stosowania w samodzielnej pracy.

jego ogólne uwagi mają wielką wartość. Zasługa Pestalozziego polega na tym, że jako pierwszy połączył naukę o nauczaniu szkolnym ze sztuką, postawił pytanie o potrzebę metodologicznego rozwoju każdej pozycji rysunku. Uważał, że dla rozwoju oka powinna istnieć jedna metoda, dla rozumienia form - inna, dla technologii - trzecia. Dzieło to wykonali jego uczniowie i naśladowcy.

Po Pestalozzim rysunek jako przedmiot ogólnokształcący zaczął być wprowadzany we wszystkich szkołach podstawowych. Idee pedagogiczne Pestalozziego są dalej rozwijane. Pierwszą taką pracą jest książka „Elementy rysunku według idei Pestalozziego”, napisana przez jego ucznia Josepha Schmidta. Podczas nauczania rysunku I. Schmidt sugeruje prowadzenie specjalnych ćwiczeń: rozwijanie ręki i przygotowanie jej do rysowania, ćwiczenia w tworzeniu i znajdowaniu pięknych form, ćwiczenia rozwijające wyobraźnię, ćwiczenia w geometrycznym rysowaniu przedmiotów, w perspektywie.

Aby ułatwić uczniom pracę, I. Schmidt sugeruje umieszczenie za naturą arkusza tektury, na którym przedstawiona jest siatka kwadratów. Rysując makietę z życia, uczeń zawsze mógł sprawdzić nachylenie i charakter konturu (sylwetki) obiektu w stosunku do linii pionowych i poziomych, a komórki pomagały w prawidłowym odnalezieniu proporcji. Po wstępnym kursie rysunku Schmidt radzi przejść do rysunku artystycznego, gdzie uczeń zaczyna rysować osobę, najpierw z modelu gipsowego, a następnie z żywego modelu. Kurs kończy się rysowaniem życia drzew i krajobrazów.

Inny uczeń Pestalozziego Ramsauera opublikował pracę zatytułowaną „Nauczanie rysunku”, w której jako pierwszy nakreślił ideę rysowania na tablicy. Nowa metoda była następująca: wszelkiego rodzaju linie były przedstawiane na dużej tablicy w formie ćwiczeń wstępnych, proponowano ćwiczenia rozwijające oko - rysowanie linii do określonych punktów, dzielenie linii na części, rysowanie linii pod pewnym kątem ( nachylenie). Kolejnym etapem było rysowanie figur geometrycznych oraz charakterystycznych form natury i sztuki. Nauczyciel powinien to wszystko przedstawić na tablicy, a uczniowie powinni śledzić powstawanie i rozwój każdej formy. Kurs zakończył się rysunkiem z natury, najpierw przedmiotów gospodarstwa domowego, potem gipsowych głów, a na koniec żywej głowy.

Ogromny wpływ na rozwój metodologii szkolnej wywarły prace berlińskiego nauczyciela plastyki Petera Schmida. Jako pierwszy wprowadził do szkół ogólnokształcących i szczegółowo rozwinął metodę rysowania z życia, wykorzystując do tego różne modele geometryczne. Schmid zainicjował rozwój tzw. metody geometrycznej. Zasługą Schmida było to, że opracował metodykę nauczania rysunku, opartą na ogólnych przepisach pedagogicznych. Według Schmida rysowanie to nie tylko mechaniczne ćwiczenie ręki, to także gimnastyka umysłu, ćwiczona jest także obserwacja, ogólne wyczucie formy i fantazja. Sekwencja nauczania rysunku według Schmida powinna być następująca: najpierw obraz formy najprostszej - równoległościanu, następnie obraz formy krzywoliniowej przedmiotów - i tak stopniowo doprowadza się ucznia do rysowania z gipsowych głów i popiersia. Każde zadanie warunkuje następne, a następne zakłada poprzednie i na nim buduje.

Schmid uważał, że kopiowanie zdjęć nie tylko nie przynosi uczniowi żadnej korzyści, ale wręcz jest szkodliwe. Powiedział, że kopiowanie pomaga tylko w nabywaniu umiejętności mechanicznych iw najmniejszym stopniu nie przyczynia się do rozwoju umysłowego dzieci.

w pierwszej połowie XIX wieku metoda braci Dupuis rozpowszechniła się w szkołach średnich. Metodologia nauczania rysunku Dupuya została zbudowana w następujący sposób: najpierw uczniowie studiują i przedstawiają najprostsze modele (drut) bez zjawisk perspektywicznych - frontalnie, następnie - modele drutowe ze skurczami perspektywicznymi. Następnie rysuje się płaskie figury, po czym - trójwymiarowe. Metodyczna kolejność rysowania każdej grupy modeli była taka sama: najpierw – frontalny obraz modelu, następnie – perspektywa.

Metoda nauczania rysunku przez braci Dupuis miała jeszcze jedną cechę - początkowo uczniowie rysowali kredą na czarnych tablicach, a gdy nabrali wprawy w rysowaniu, przeszli na pracę na papierze. Aby rozwinąć poczucie formy, Dupuis wprowadził zajęcia z modelowania w glinie.

Metoda nauczania rysunku przez braci Dupuis do dziś nie straciła na znaczeniu. Odrębne opracowane przez niego modele są wykorzystywane przez artystów-edukatorów. Tak więc nauczyciele wydziału sztuki i grafiki Moskiewskiego Państwowego Instytutu Pedagogicznego. V. I. Lenina, podczas nauczania rysunku metodą D. N. Kardowskiego stosuje się modele Dupuis.

. Rysunek w Rosji XVIII wieku. (Preisler, GA Gippius)

Do XVIII wieku główną metodą nauczania rysunku była metoda kopiowania. Jako ogólny przedmiot edukacyjny rysunek w tamtym czasie nie był jeszcze szeroko rozwinięty, zaczął być wprowadzany do instytucji edukacyjnych dopiero na początku XVIII wieku.

Wzmacniając potęgę Rosji, reformy Piotra 1 spowodowały ogólny wzrost kultury w kraju. Było duże zapotrzebowanie na ludzi, którzy potrafiliby sporządzać mapy, rysować i ilustrować książki.

W 1711 r. w petersburskiej drukarni Piotr I zorganizował świecką szkołę rysunku, w której uczniowie nie tylko kopiowali oryginały, ale także czerpali z życia.

Zapraszani są nauczyciele-artyści z zagranicy, z którymi zawierane są umowy.

Rysunek zaczyna być szeroko wprowadzany do ogólnokształcących instytucji edukacyjnych. W celu prawidłowej organizacji metodologii nauczania rysunku w tych instytucjach edukacyjnych opublikowano książkę I. D. Preislera „Podstawowe zasady lub krótki przewodnik po sztuce rysowania”. To była pierwsza poważna metoda podręcznik do rysowania w Rosji. Szczególnie interesująca nas z metodologicznego punktu widzenia jest książka Preislera. Podręcznik przedstawia pewien system nauczania rysunku. Książka zawierała instrukcje nie tylko dla początkujących artystów, ale także dla tych, którzy uczyli rysunku.

Szkolenie według systemu Preislera rozpoczyna się od wyjaśnienia przeznaczenia linii prostych i krzywych w rysunku, następnie kształtów i brył geometrycznych, a na końcu zasad ich wykorzystania w praktyce. Autor w metodyczny sposób pokazuje uczniowi, jak przechodząc od prostych do złożonych, opanować sztukę rysowania.

Jakikolwiek przedmiot Preisler proponuje do rysowania, stara się przede wszystkim pomóc uczniowi poradzić sobie z trudnościami analizy kształtu przedmiotu i zbudowania go na płaszczyźnie. Wyraźnie pokazuje, jak systematycznie budować wizerunek.).

Jak większość artystów-nauczycieli tamtych czasów, Preisler stawia geometrię jako podstawę nauczania rysunku. Geometria pomaga rysownikowi zobaczyć i zrozumieć kształt obiektu, a przedstawiona na płaszczyźnie ułatwia proces konstrukcyjny. Preisler ostrzega jednak, że posługiwanie się figurami geometrycznymi musi łączyć się ze znajomością zasad i praw perspektywy oraz anatomii plastycznej.

Preisler przywiązuje dużą wagę do umiejętności opanowania rysunku liniowego.

Podręcznik Preislera był wysoko ceniony przez współczesnych, był kilkakrotnie przedrukowywany zarówno za granicą, jak iw Rosji. W tym czasie nie było bardziej dokładnego i jasnego rozwoju metodologicznego rysunku edukacyjnego, więc prace Preislera w Rosji były przez długi czas wykorzystywane nie tylko w ogólnych instytucjach edukacyjnych, ale także w specjalnych szkołach artystycznych.

Takiej oceny metody Preislera nie można uznać za poprawną z historycznego punktu widzenia. To nie przypadek, że jego praca odniosła tak wielki sukces przez całe stulecie, chociaż w tym czasie opublikowano wiele różnych podręczników i podręczników rysunku zarówno w Rosji, jak i za granicą. Oczywiście dzisiaj można znaleźć w książce Preislera wady, ale dla zachowania prawdy historycznej trzeba zaznaczyć, że jak na swoje czasy był to najlepszy przewodnik. Wiedza, jaką uczeń otrzymał na podstawie studiowania kursu Preislera, pomogła mu czerpać z życia w przyszłości, a także czerpać z pamięci i tak ważnej dla artysty wyobraźni.

Tak więc pod koniec XVIII wieku rysunek jako ogólny przedmiot edukacyjny zaczął się upowszechniać. W tym czasie Rosja staje się potężną potęgą. W związku z rozwojem życia gospodarczego i społecznego kraju gwałtownie wzrosło zapotrzebowanie na ludzi znających się na sztukach pięknych, potrafiących rysować i rysować.

Pojawia się szereg prac teoretycznych, w których udowadnia się potrzebę opanowania umiejętności graficznych, podkreśla się znaczenie rysunku jako ogólnokształcącego przedmiotu edukacyjnego.

W 1844 r. G. A. Gippius opublikował pracę „Eseje o teorii rysunku jako ogólnego przedmiotu edukacyjnego”, poświęconą rysunkowi jako ogólnemu przedmiotowi edukacyjnemu. Była to pierwsza tak poważna praca na ten temat, obejmowała zarówno ogólne zagadnienia teoretyczne pedagogiki i plastyki, jak i zagadnienia nauczania metod rysunku.

Wiele zrobiono w tym okresie w dziedzinie publikowania różnych podręczników, podręczników i samouczków dotyczących rysunku.

Książka podzielona jest na dwie części - teoretyczną i praktyczną. W części teoretycznej zarysowane są główne założenia pedagogiki i sztuk pięknych. W części praktycznej ujawniana jest metodyka nauczania.

Gippius dąży do naukowego i teoretycznego uzasadnienia każdego stanowiska metody nauczania rysunku. W nowy sposób rozważa sam proces nauczania. Metody nauczania, mówi Gippius, nie powinny mieć określonego schematu; różne metody nauczania mogą osiągnąć dobre wyniki. Pod tym względem Gippius antycypuje współczesne rozumienie metodyki nauczania jako sztuki nauczania. Aby nauczyć się poprawnie rysować, musisz nauczyć się rozumować i myśleć, mówi Gippius, a to jest konieczne dla wszystkich ludzi i należy to rozwijać od dzieciństwa. Gippius podaje wiele cennych metodologicznych wskazówek i zaleceń w drugiej części swojej książki. Metodyka nauczania, zdaniem Gippiusa, powinna opierać się nie tylko na danych pracy praktycznej, ale także na danych nauki, a przede wszystkim psychologii. Gippius stawia nauczycielowi bardzo wysokie wymagania. Nauczyciel powinien nie tylko dużo wiedzieć i umieć, ale także przemawiać do uczniów jak aktor. Praca każdego ucznia powinna znajdować się w polu widzenia nauczyciela.

Gippius ściśle łączy zapewnienie zajęć ze sprzętem i materiałami z kwestiami metodologii.

Praca G. A. Gippiusa była znaczącym wkładem w teorię i praktykę nauczania rysunku jako przedmiotu ogólnokształcącego, znacznie wzbogaciła metodykę nauczania.

Tak poważnego i pogłębionego opracowania problematyki metodyki nauczania w tym okresie nie znajdujemy u żadnego, nawet najwybitniejszego przedstawiciela myśli pedagogicznej. Wszystkie ograniczały się do przedstawienia ogólnych założeń teoretycznych pedagogiki, na których powinna opierać się metodyka; artyści-nauczyciele skupili się na zasadach rysunku. Tymczasem większość nauczycieli musiała ujawnić samą metodologię nauczania iw tym względzie Gippius wykonał pracę o wielkim znaczeniu. Wielu badaczy historii metody nauczania rysunku pomijało w swoich pismach te ważne punkty.

9. Edukacja artystyczna w XIX wieku. Szkoły rysunku. „Kurs rysunku” i pomoce wizualne autorstwa A. P. Sapozhnikova

Cechą charakterystyczną życia artystycznego Rosji w XIX wieku jest aktywne poszukiwanie form i metod edukacji artystycznej i wychowania członków społeczeństwa. W związku z tym otwieranie szkół artystycznych w różnych miastach, publikacje stowarzyszeń i organizacji artystycznych, promocja sztuki poprzez działalność wystawienniczą i wydawniczą.

w 1804 r statut szkoły wprowadza rysunek do wszystkich szkół i gimnazjów powiatowych.

1706-97 istniała szkoła rysunkowa założona przez Piotra<#"justify">Metoda jasno i prosto ujawniła najbardziej skomplikowane przepisy związane z budową trójwymiarowego obrazu na płaszczyźnie i dokonała rewolucji w pracy dydaktycznej. Ponieważ najlepszym sposobem pomocy uczniowi w prawidłowym zbudowaniu obrazu kształtu przedmiotu jest jego uproszczenie na początku rysowania - wyznaczenie geometrii. podstawie kształtu obiektu, a następnie przejść do udoskonalenia. Metoda Sapozhnikova miała wiele wspólnego z metodą Dupuis, ale została opublikowana wcześniej (Sapozhnikov - w 1834 r., a Dupuis - w 1842 r.). Prawie wszystkie nowoczesne metody obejmują system A. Sapożnikowa jako podstawowy.

10. Poglądy pedagogiczne P.P. Czistiakowa

Cechy szkoły artystycznej rysunku P. P. Chistyakov.

P. P. Czistyakow uważał, że Akademia Sztuk Pięknych w czasach jego nauczania (1872-1892) wymagała reformy i nowych metod pracy ze studentami, konieczne było ulepszenie metod nauczania rysunku, malarstwa i kompozycji.

Od 1871 r. Czistyakow brał czynny udział w produkcji rysunków w szkołach średnich.

System nauczania Czistyakowa obejmował różne aspekty procesu artystycznego: relacje między naturą a sztuką, artystą a rzeczywistością, psychologię twórczości i percepcji itp. Metoda Czistiakowa wychowała nie tylko artystę-mistrza, ale i artystę-twórcę. Czistyakow przywiązywał decydującą wagę w swoim systemie do rysunku, nakłaniając go do wniknięcia w samą istotę widocznych form, do odtworzenia ich przekonująco konstruktywnego modelu na warunkowej przestrzeni arkusza. Zaletą systemu nauczania Czistyakowa była spójność, jedność na poziomie metodologicznym wszystkich jego elementów, logiczne podążanie z jednego etapu do drugiego: od rysunku, przez światłocień, następnie kolor, po kompozycję (kompozycję).

Przywiązywał dużą wagę do koloru, dostrzegając w kolorze najważniejsze środki wyrazu figuratywnego, ujawniające treść dzieła.

Kompozycja obrazu jest wynikiem treningu artysty, kiedy był już w stanie zrozumieć zjawiska otaczającego go życia, podsumować swoje wrażenia i wiedzę w przekonujących obrazach „Zgodnie z fabułą i techniką” było ulubionym wyrażeniem Czistyakowa.

Metody nauczania rysunku Chistyakova są porównywalne do metod stosowanych w słynnych monachijskich szkołach artystycznych.

Przez długie lata nauczania Czistyakow opracował specjalny „system rysowania”. Uczył widzieć naturę taką, jaka istnieje i jaka się wydaje, łączyć (ale nie mieszać) zasady linearne i obrazowe, poznawać i czuć temat, niezależnie od tego, co ma być przedstawione, czy to zmięta kartka papieru, odlew gipsowy czy rozbudowana fabuła historyczna. Innymi słowy, głównymi założeniami „systemu” była formuła „żywego stosunku do natury”, a rysunek był sposobem jej poznania.

Metody Chistyakova, dość porównywalne z metodami słynnych monachijskich szkół artystycznych, jego umiejętność odgadywania specjalnego języka każdego talentu, ostrożne podejście do każdego talentu, dały niesamowite rezultaty. Różnorodność osobowości twórczych uczniów mistrza mówi sama za siebie - są to V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov i inni.

Analizując działalność pedagogiczną P. P. Chistyakova, można zidentyfikować główne elementy systemu jego pracy, dzięki którym osiągnięto wysoki poziom jakości nauczania rysunku. Składał się on z interakcji następujących elementów składowych: celów i celów nauczania jako punktu wyjścia do funkcjonowania systemu pedagogicznego; naukowo poparta treść materiałów edukacyjnych; stosowanie różnych typów i form prowadzenia zajęć, dzięki którym zorganizowane zostały działania uczniów w zakresie przyswajania umiejętności artystycznych w zakresie rysunku; różne formy kontroli, za pomocą których zapobiegano ewentualnym odchyleniom od zadanych zadań podczas wykonywania rysunku; ciągłe samodoskonalenie samego P. P. Chistyakova, które miało na celu przede wszystkim poprawę pozytywnego wpływu na uczniów. Integralną częścią systemu pracy Pawła Pietrowicza Czistyakowa były również zbudowane relacje ze studentami, które miały humanistyczną orientację działania, mającą na celu komunikację z podopiecznymi, dialog i szacunek dla jednostki. P. P. Czistyakow (1832-1919) znany jest nie tylko jako artysta, ale i wybitny pedagog, którego wieloletnia praca w Akademii Sztuk Pięknych w dużej mierze zadecydowała o losach realistycznej szkoły malarstwa w Rosji przełomu XIX i XX wieku XX w. Twórczość Czistyakowa zyskała uznanie już w czasach sowieckich i została podsumowana w wielu pracach krytyki artystycznej. Pomimo istnienia wielu prac poświęconych działalności Czistyakowa, jego system pedagogiczny ma tak rewolucyjny charakter i nie znajduje analogii w teorii i praktyce innych narodowych szkół artystycznych. Czistyakow znalazł śmiałe i konsekwentne rozwiązanie palących problemów sztuki współczesnej, oparte nie na odrzuceniu, ale na pełnym wykorzystaniu istniejących tradycji, co pozwoliło mu stworzyć szkołę. zasadniczo nowy, który wychował największych mistrzów malarstwa rosyjskiego końca przeszłości - początku tego wieku. System Czistyakowa nie był prostym, choć utalentowanym eksperymentem wybitnego nauczyciela. Ze wszystkimi swoimi aspektami została zbudowana w perspektywie sztuki, którą wyrażała i której służyła. I ten wewnętrzny dynamit zawarty w nim w dalszym rozwoju malarstwa narodowego zadecydował o tym, że (jego poszczególne zapisy zachowały swoje znaczenie w naszych czasach!) System Czistiakowa jest naukowy i artystyczny w najszerszym i najgłębszym znaczeniu tych pojęć. System ten opierał się na całkowitej rewizji dotychczasowych metod nauczania, a jednocześnie służył ich usystematyzowaniu i przemyśleniu na podstawie nowych przesłanek ideologicznych. Główną rolę w systemie nauczania Czistyakowa odgrywała płaszczyzna obrazu, która pośredniczyła między tym, co naturalne, a rysunkiem i pomagała porównywać obraz z naturą. Dlatego Czistyakow nazwał swój system rysowania jako całość „systemem sprawdzania rysunku”. Traktowanie rysunku jako poważnego przedmiotu akademickiego; Czistyakow zwrócił uwagę, że metodologia jego nauczania powinna opierać się na prawach nauki i sztuki. Nauczyciel nie ma prawa wprowadzać ucznia w błąd swoim subiektywnym rozumowaniem, ma obowiązek przekazywać rzetelną wiedzę.Poglądy Czistiakowa dotyczące relacji między nauczycielem a uczniami są dla nas bardzo cenne. „Prawdziwy, rozwinięty, dobry nauczyciel z kijem ucznia to nie duet, w razie błędu, niepowodzenia itp. stara się dokładnie wytłumaczyć istotę robienia tego zręcznie. Prowadzić ucznia właściwą drogą. ” Ucząc uczniów rysowania, należy dążyć do zintensyfikowania ich aktywności poznawczej. Nauczyciel musi dać kierunek, zwrócić uwagę na najważniejsze, a uczeń musi sam rozwiązać te problemy. Aby poprawnie rozwiązać te problemy, nauczyciel musi nauczyć ucznia nie tylko zwracania uwagi na przedmiot, ale także dostrzegania jego charakterystycznych stron. W rysunku edukacyjnym nadrzędną rolę odgrywają kwestie obserwacji i poznania przyrody. Podobnie jak nauczanie rysunku, Chistyakov dzieli naukę malarstwa na kilka etapów. Pierwszym etapem jest opanowanie figuratywnego charakteru koloru, wyrobienie w młodym artyście umiejętności trafnego określania odcienia i odnajdywania jego właściwego położenia przestrzennego. Drugi etap powinien nauczyć ucznia rozumienia ruchu koloru w formie jako głównego środka przekazywania natury, trzeci - nauczyć rozwiązywania pewnych problemów fabularno-plastycznych za pomocą koloru Czistyakow był prawdziwym innowatorem, który zamienił pedagogikę w wysoka kreatywność. Uwzględniając współczesne wymagania sztuki, nie tylko zrewidował poszczególne punkty edukacji, ale całkowicie ją zrewolucjonizował, poczynając od kwestii stosunku sztuki do rzeczywistości, a skończywszy na umiejętnościach zawodowych. Jego system nauczania wychował artystę w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Mistrzostwo przyszło jako dojrzałość malarza, a nie jako rzemieślnicza podstawa jego twórczości.System opierał się na głęboko realistycznym, obiektywnym odzwierciedleniu świata poprzez uczucia artysty i jego rozumienie życia. Czistyakow jako jeden z pierwszych udowodnił, że obraz artystyczny nie jest systematyzacją przez malarza tego, co widzi, ale wyrazem jego własnego doświadczenia.

. Rysunek w szkolnictwie ogólnym i specjalnych placówkach oświatowych Rosji w XVIII - XIX wieku. Metodyka nauczania rysunku w Imperial Academy of Arts

Idea znaczenia edukacji artystycznej w placówkach szkolnictwa podstawowego, średniego i wyższego o różnych specjalnościach pozaartystycznych oraz systematycznego nauczania uczniów sztuk pięknych, wraz z innymi przedmiotami kształcenia ogólnego - czytanie, pisanie, liczenie - w pedagogice rosyjskiej została sformułowana w XVIII wieku.

Profesjonalne szkolnictwo artystyczne w Rosji w XVIII wieku. można było uzyskać w prywatnych warsztatach (I. Argunova, P. Rokotova), w Szkole Rysunku, zorganizowanej przez Piotra I w 1711 r. w drukarni petersburskiej. Od 1758 r. Akademia Trzech Najszlachetniejszych Sztuk stała się naukowym i metodycznym ośrodkiem edukacji artystycznej.

metodyka nauczania „rysunku” wzorowana była na Akademii Sztuk Pięknych: przyswajanie umiejętności technicznych w procesie kopiowania próbek. Jako oryginały do ​​kopiowania przez uczniów w szkołach wykorzystano Podstawowe zasady lub Krótki przewodnik po sztuce rysowania autorstwa I. D. Preislera, „Kurs rysunku” A. P. Sapozhnikova

I tak do końca XVIII w. rysunek jako ogólny przedmiot edukacyjny stał się powszechny. W związku z szybkim rozwojem przemysłu i urbanistyki, wzrostem liczby przedsiębiorstw przemysłowych, wzrosło zapotrzebowanie na osoby znające się na sztukach plastycznych, umiejące rysować i rysować, co wpłynęło na włączenie przedmiotu „Rysunek” w programach nauczania.

Akademia Sztuki jest wyższą wyspecjalizowaną instytucją edukacyjną, której rola w życiu Rosji była wiodąca. Początkowo akademie artystyczne były prywatnymi pracowniami i wspólnotami twórczymi mistrzów sztuki, ich celem było zachowanie i rozwijanie najwyższych tradycji sztuki, kierowanie kształtowaniem się poglądów estetycznych, kryteriów i norm twórczości artystycznej oraz tworzenie na tej podstawie szkoły artystycznej, profesjonalna edukacja.

W Rosji pierwsza Akademia Sztuk powstała w 1757 r. w Petersburgu jako „Akademia Trzech Najszlachetniejszych Sztuk” – malarstwa, rzeźby i architektury. W 1764 r. powołano Cesarską Akademię Sztuk Pięknych wraz ze Szkołą Edukacyjną. W całej swojej historii Akademia Petersburska była głównym rosyjskim ośrodkiem edukacji artystycznej. Najwięksi rosyjscy architekci, rzeźbiarze, malarze, rytownicy przeszli w Akademii surowe, wymagające szkolenie.

Od samego początku Akademia Sztuk Pięknych była nie tylko placówką edukacyjno-wychowawczą, ale także ośrodkiem edukacji artystycznej, gdyż regularnie organizowała wystawy. Pod jej rządami powstały muzea i biblioteka naukowa, które do dziś są częścią struktury akademii.

Ważny obszar działalności Akademii Sztuk Pięknych w XX wieku. było szkolenie krytyków sztuki i nauczycieli historii sztuki dla muzeów i instytucji edukacyjnych Rosji. W 1944 r. Instytut Malarstwa, Rzeźby i Architektury, utworzony na bazie Rosyjskiej Akademii Sztuk, otrzymał imię wielkiego rosyjskiego malarza I. E. Repina.

W instytucie utrzymywano, rozwijano i rozwijano stosunki w oparciu o ciągłość tradycji szkoły petersburskiej. Uczniowie akademii wychowali nowych utalentowanych studentów, a także przenieśli tradycje edukacyjne do miast Rosji. Rola Akademii Sztuk w rozwoju rosyjskiej edukacji artystycznej w życiu Rosji była wiodąca.

. Studia nad plastyką dzieci na przełomie XIX i XX wieku (Biogenetyczna koncepcja plastyki dzieci i teoria swobodnego wychowania. K. Ricci, Lamprecht, G. Kershensteiner)

Edukacja artystyczna jest uważana za część kultury artystycznej. Rysunek dla dzieci jest częścią cienkich. kultura, a dziecko jest bohaterem procesu kulturowego Rozpatrzenie rysunku dziecięcego w aspekcie historycznym, jako fenomenu sztuki. kultura. proponuje: I analizę pod kątem treści i metod rozrzedzania. Edukacja; 2. miejsce dziecka i jego kreatywność w szczupłym. kultura; 3-psychologiczne cechy rozwoju związanego z wiekiem, 4 wpływ indywidualności pedagogicznej – interakcja ucznia i jego mentora w sztuce. Książka Georga Kershensteinera „Rozwój twórczości artystycznej dziecka”, opublikowana w Rosji w 1914 r., Stała się pierwszym podstawowym studium rysunków dzieci w wieku od 6 do 13 lat. Szczególną uwagę zwraca się na ekspresję artystyczną, przejawiającą się w swobodnym i dekoracyjnym rysunku w różnym wieku dzieci. Celem pracy było zbadanie rozwoju umiejętności rysowania oprócz systematycznych wpływów zewnętrznych.

Niemieccy naukowcy ustalili: zróżnicowanie płci w sensie talentu artystycznego; różne postawy dzieci miasta i wsi; połączenie rozwoju intelektualnego z umiejętnością graficznego obrazu.

Rosja na przełomie XIX i XX wieku charakteryzowała się wzmożonym zainteresowaniem metodami nauczania rysunku zarówno w placówkach oświaty specjalnej, jak i ogólnokształcącej.

Zaczął studiować psychologię dziecięcą. Corrado Ricci 1911 Zwrócił uwagę, że dzieci wybierają osobę jako jeden z centralnych obiektów obrazu. . Ricci porównał twórczość dziecięcą ze sztuką epok prehistorycznych i prymitywnych, co posłużyło jako podstawa do zastosowania biogenetycznej teorii wyjaśniania rozwoju plastyki dzieci. Porównanie twórczości dziecięcej z historią sztuki doprowadziło do wyodrębnienia wspólnych dla wszystkich dzieci stadiów rozwojowych, rozwiniętych w badaniach Kershensteinera 1914, które później Lamprecht 1909 zinterpretował jako odkrycie form dziecięcego rysunku: I etap - schematy - bezkształtne gryzmoły i prymitywne. Etap 2 poczucie formy i linii to mieszanka formy i schematyczności, Etap 3 to wiarygodny obraz - etap sylwetek i konturów. 4-stopniowy plastikowy obraz. Kershensteiner oceniał rysunki dzieci ze względów społecznych - miejskich lub wiejskich. . argumentował, że rozwój obrazu musi przejść przez wszystkie 4 etapy. Niezależnie od wieku musi pokonać każdy poprzedni krok. Negacja początku nauki doprowadziła do braku konstrukcji obrazu. Był przeciwny metodzie geometrycznej. Teoria darmowej edukacji.

Zgłębiając metody nauczania rysunku na przełomie wieków, trzeba wziąć pod uwagę, że w tym czasie rysunek obejmował – rysunek z życia, dekoracyjny, tematyczny i konwersacyjny. Ten okres byłby bardzo trudny i kontrowersyjny. Wyrazistość i surowość obrazu są zauważalnie zmniejszone. Pojawia się szereg prac naukowych, badana jest psychika dziecka. Kershensteinera. W tym okresie wszystko jest mieszane. Wolna edukacja, niezgoda między zwolennikami metody geometrycznej i naturalnej a formalistami. przedstawiciele geometrycznego bronią kierunku akademickiego, przedstawiciele metody naturalnej wyznają teorię swobodnej edukacji. Lekcje rysunku w szkole zaczęto traktować zbyt wąsko. Niektórzy teoretycy twierdzą, że w szkole plastycznej nie ma czego się uczyć – mówią, że to zadanie szkoły artystycznej. Wprowadzając dzieci w świat sztuk wizualnych, należy zapewnić im więcej możliwości samodzielnej twórczości. pod tym względem w czynności wzrokowej w ogóle nie dostrzegamy różnicy wieku. Wszystkie prace są równie naiwne i bezradne w sztuce, wszystkie łączy ogólny termin rysunek dziecięcy. W wielu szkołach łamie się sztywny system nauczania, rysunek jako przedmiot ogólnokształcący zatraca swoją wiedzę. Picasso napisał: że zapewnia się nas, że dzieciom należy dać wolność, a tak naprawdę zmusza się je do robienia dziecięcych rysunków. Uczą tego. Formalistyczna sztuka mieszczańska miała wpływ na metody nauczania w szkołach średnich. Cały system i metodyka nauczania tego okresu miały na celu rozwijanie indywidualności każdego ucznia i nienaruszalność jego osobowości artystycznej. Szkoła nie jest potrzebna - w szkole artysta traci swoje naturalne cechy. . wielu na ściśle realistycznym rysunku widziało kajdany, które ograniczały możliwości twórcze artysty. Zwolennicy wolnej edukacji byli przeciwni akademickim badaniom przyrody, przeciwko szkole w ogóle. Wszyscy, od impresjonistów po abstrakcjonistów, kierują się hasłem – precz ze szkołą, wolność twórczości. Nurty formalistyczne odbiły się niekorzystnie na szkole artystycznej i metodach nauczania rysunku. Oddzielanie formy od treści, negowanie poznawczego znaczenia sztuki, doprowadzało sztukę do nonsensu. Ale były szkoły i indywidualni artyści, którzy nadal przestrzegali zasad sztuki realistycznej.

Od drugiej połowy XIX wieku metodologię szkolną zaczęto rozwijać głębiej i poważniej. To prawda, że ​​​​w tym okresie było wiele sporów między metodystami o przewagę jednej metody nad drugą. Estetyka sztuki od zawsze wpływała na sposób nauczania rysunku w szkole. Niekiedy wpływ ten był również negatywny, jak na przykład wpływ sztuki formalistycznej. Zaniedbywanie podstaw realistycznego rysunku, unikanie realnego świata, odrzucenie szkoły – to główne postanowienia sztuki formalistycznej, które spowodowały poważne szkody w rozwoju metod nauczania rysunku w szkole ogólnokształcącej. Rysunek jako przedmiot ogólnokształcący traci na znaczeniu. Zainteresowanie rysowaniem dzieci ogranicza się tylko do badania kreatywności dzieci. Zaczynają o tym śpiewać krytycy sztuki, artyści naśladują dzieci. Mówi się o zachowaniu dziecięcej, naiwnej bezpośredniości postrzegania świata, o tym, że edukacja w ogóle ma szkodliwy wpływ na rozwój dziecka.

Do lat 30 XX wiek w. czołowych teoretyków sztuki. rodzicielstwo stało się: w Niemczech-G. Kershensteiner, w Ameryce - J. Dewey, w naszym kraju - A. W. Bakuszyński. Mimo różnego podejścia do rozwiązywanego problemu i jego różnej interpretacji, wszystkie inspirowane są ideą ogólną, ideą „bezpłatnej edukacji”, potwierdzeniem osobowości dziecka z jego prawem do wyrażania swoich uczuć i myśli, odsuniecie nauczyciela od kierownictwa. Ich zdaniem opanowanie umiejętności graficznych, zwłaszcza na początkowym etapie edukacji, nie jest konieczne dla dzieci. Czerpanie z życia jako jeden ze sposobów rozumienia otaczającego nas świata, rysunek jako podstawa sztuki z roku na rok traci na znaczeniu. Niektórzy teoretycy twórczości dziecięcej zaczynają twierdzić, że w szkole ogólnokształcącej dzieci nie powinny być uczone grafiki, umiejętności graficznych, to jest złe zadanie. szkół, ale w celu wspierania ogólnego rozwoju estetycznego dziecka. w latach 50. XX wiek W wielu zagranicznych szkołach załamuje się ścisły system nauczania, rysunek jako przedmiot ogólnokształcący traci na znaczeniu. Rysunek jako taki zniknął całkowicie, a tym samym zniknęła metodyka nauczania rysunku w szkołach ogólnokształcących. Tematem przewodnim wszystkich międzynarodowych sympozjów jest edukacja estetyczna, problem wszechstronnego rozwoju człowieka.

. Radziecki okres edukacji artystycznej. Edukacja artystyczna w pierwszej dekadzie władzy radzieckiej. Stan nauczania rysunku i plastyki w radzieckiej szkole lat 20. - 30. (Formalistyczne i realistyczne trendy w życiu artystycznym. Rosyjska Akademia Nauk. Kształtowanie się systemu wyższego szkolnictwa graficznego. System pedagogiczny D. N. Kardowskiego)

Pierwsze doświadczenia Społeczeństwo radzieckie na przełomie lat 20. i 30. odczuwało braki w systemie szkolnictwa artystycznego. Osłabienie więzi z tradycjami akademickiej szkoły sztuk pięknych. Na początku lat 20. w wielu szkołach dzieci nie uczono poprawnego, realistycznego rysunku. Abstrakcyjno-schematyczny kierunek kształcenia nie tylko negował znaczenie metodyki, ale także wypaczał cele i zadania nauczania rysunku w szkole ogólnokształcącej. Rysowanie nie tylko nie dawało dzieciom niczego dla rozwoju umysłowego, ale zasadniczo ingerowało w ich edukację estetyczną. W latach dwudziestych rozwijały się metody rysunkowe w szkołach różnych dziedzin, ale szeroko stosowano dwie z nich: metodę rozwijania „swobodnej twórczości” i „kompleksową” metodę nauczania.

W naszym kraju stworzono wszelkie warunki do rozwoju sztuk plastycznych i szkolnictwa artystycznego. Zniesienie stanów, demokratyzacja szkoły, oddzielenie szkoły od kościoła doprowadziły do ​​restrukturyzacji całego szkolnictwa. Pracownikom oświaty publicznej powierzono zadanie przebudowy treści, form i metod nauczania. Wybitnym przedstawicielem „wolnej edukacji” i leżącej u jej podstaw teorii biogenetycznej był AV Bakushinsky. Pod koniec lat dwudziestych i na początku lat trzydziestych metody formalistyczne zaczęto poddawać rzetelnej krytyce. Rewizja treści programów i programów nauczania doprowadziła do przebudowy metod nauczania rysunku w szkole. Program z 1931 roku opierał się na czerpaniu z życia. Wraz z nim program wyznaczył miejsce rysunkowi tematycznemu, zgodnie z ideą rysunku dekoracyjnego. Dużą wagę przykładano do rozmów o sztuce. Szkoła artystyczna stanęła na drodze sztuce realistycznej. Podniesiono kwestię powołania nowej akademii sztuk pięknych. Stanowcza linia w budowie nowej szkoły, nowego systemu nauczania wymagała poświęcenia poważnej uwagi szkoleniu kadry pedagogicznej. W 1937 r. Otwarto Leningradzki Instytut Malarstwa, Rzeźby i Architektury oraz Moskiewski Instytut Sztuk Pięknych. W tych instytucjach edukacyjnych wiodące miejsce zajmował rysunek akademicki. Większość nauczycieli-artystów dochodzi do wniosku, że czerpanie z natury powinno być podstawą każdej metody nauczania, która zapewnia wysokie przygotowanie zawodowe artystów.

Kardovsky D. N. - wniósł wielki wkład w metodologię, zachęcał uczniów do budowania trójwymiarowej formy na płaszczyźnie i jej analizy. Na początku rysunku musisz starać się rozbić całą figurę na płaszczyznę, odciąć kształt, aż pojawi się duży kształt, nie musisz rysować szczegółów. Szczególnie ważne jest konstruktywne połączenie między częściami form obiektów. Kardowski sprzeciwiał się bezmyślnemu szkicowaniu światłocienia. Kardowski odważnie bronił pozycji sztuki realistycznej i chronił młodzież przed wpływem formalizmu. Dzięki swoim mocnym przekonaniom, jasnemu i metodycznie opracowanemu systemowi nauczania rysunku, Kardowski miał dużą liczbę uczniów i żarliwych naśladowców.

. Kształtowanie się systemu wyższego szkolnictwa artystycznego i graficznego. Stan nauczania rysunku i plastyki w szkole sowieckiej od lat 40. do 60. XX wieku (Prace badawcze w dziedzinie aktywności wizualnej dzieci - N. N. Wołkow, L. S. Wygotski, E. I. Ignatiew, W. I. Kirienko, V. S. Kuzin)

Po Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej zreformowano edukację artystyczną w naszym kraju. 5 sierpnia 1947 r. Przyjęto uchwałę Rady Ministrów ZSRR „O przekształceniu Wszechrosyjskiej Akademii Sztuk Pięknych w Akademię Sztuk ZSRR”. Rząd powierzył Akademii Sztuk Pięknych stały rozwój radzieckich sztuk pięknych we wszystkich jej formach na podstawie „konsekwentnej realizacji zasad realizmu socjalistycznego i dalszego rozwoju najlepszych postępowych tradycji artystycznych narodów ZSRR oraz, w szczególności rosyjska szkoła realistyczna”. Świadczy to o dojrzałości sowieckiej pedagogiki artystycznej, która posiadała wszelkie dane do dalszego doskonalenia metod nauczania sztuk pięknych. W tym okresie rysunek zaczął być uznawany za podstawę sztuk pięknych. Jego szkolenie powinno rozpocząć się jak najwcześniej. Z reguły jej początek powinien poprzedzać naukę malarstwa i rzeźby. System nauczania rysunku musi koniecznie obejmować „regularne rysowanie z pozującego aktu w specjalnie do tego stworzonym środowisku, nie dążącym do innych celów niż opanowanie rysunku”, czyli specyficznie „akademicki” rysunek. W celu usprawnienia pracy metodycznej w szkołach w latach 50. zrodził się pomysł stworzenia specjalnych podręczników do rysunku. Wcześniej podręczniki rysunku dla szkół średnich nie były publikowane ani w Rosji, ani za granicą. Od 1959 r. przy instytutach pedagogicznych tworzona jest sieć wydziałów plastycznych i graficznych.

N. Yu Vergiles, N. N. Volkov, V. S. Kuzin, V. P. Zinchenko, E. I. Ignatiev i inni poświęcili swoje prace badaniu problemów percepcji w procesie aktywności wizualnej. Percepcja jest w tych pracach definiowana jako twórcza umiejętność wyodrębnienia przedmiotu z jego otoczenia, zrozumienia najistotniejszych szczegółów, charakterystycznych cech przedmiotu, a także wykrycia zależności strukturalnych prowadzących do stworzenia wyraźnego obrazu.

Rosja na przełomie XIX i XX wieku charakteryzowała się wzmożonym zainteresowaniem metodami nauczania rysunku zarówno w placówkach oświaty specjalnej, jak i ogólnokształcącej. Preislera - „Podstawowe zasady, czyli krótki przewodnik po sztuce rysowania” Została opublikowana w dwóch językach, niemieckim i rosyjskim. Nakreśla pewien system nauczania rysunku. Książka zawierała wskazówki dla artystów i nauczycieli. Rozpoczyna się od wyjaśnienia celu rysowania linii prostych i krzywych, a następnie geometrii. figury i bryły, zasady ich wykorzystania w praktyce. Geometria jest podstawą nauczania rysunku. Stosowanie figur geometrycznych musi jednak łączyć się ze stosowaniem zasad i praw perspektywy anatomii plastycznej. W swojej książce dostarcza wielu pomocy wizualnych. Przywiązuje dużą wagę do liniowego wzoru. W 1834 r. A.P. Sapozhnikov opublikował „Kurs rysunku” - pierwszy podręcznik dla instytucji edukacyjnych, opracowany przez rosyjskiego artystę. Kurs rysunku rozpoczął się wprowadzeniem do różnych linii, kątów, a następnie kształtów geometrycznych. Wartość metody Sapożnikowa polegała na tym, że opierała się ona na czerpaniu z życia i analizowaniu jego formy. Nowa metoda zaproponowana przez Sapożnikowa znalazła szerokie zastosowanie, aż do publikacji jego książki królowało kopiowanie oryginału. Metodę upraszczania formy zastosowałem na początkowym etapie rysowania. Nauczyciel powinien ustnie wyjaśnić błędy ucznia. G. A. Gippius wydaje książkę „Eseje o teorii rysunku jako przedmiotu ogólnego”, w której skoncentrowane są wszystkie zaawansowane idee pedagogiki. Książka podzielona jest na dwie części - teoretyczną i praktyczną. W książce teoretycznie uzasadnia każde stanowisko metodyki nauczania. Metodologia nie powinna być szablonem, powinna opierać się na danych praktycznych i naukowych. Czistyakow wywarł wielki wpływ na rozwój metod nauczania i jego poglądy na temat relacji między nauczycielem a uczniami, które polegały na poznaniu ucznia, jego charakterze i przygotowaniu, znalezieniu podejścia do ucznia i nauczeniu go prawidłowego patrzenia na przyrodę .

Vladimir Sergeevich Kuzin - członek korespondent Rosyjskiej Akademii Edukacji, dr Ped. nauki, profesor. W jego programie wiodące miejsce zajmuje czerpanie z życia, czyli nauka widzenia przedmiotów i zjawisk takimi, jakie istnieją. Jest kierownikiem zespołu autorów państwowego programu sztuk pięknych.

Borys Michajłowicz Niemenski - artysta, pedagog, laureat, nagroda państwowa, członek korespondent Akademii Nauk Pedagogicznych. Jego metodyka opiera się na wewnętrznym świecie dziecka, na jego uczuciach, emocjach, spostrzeżeniach. świat wokół przez duszę dziecka. W tej chwili niektóre szkoły są w to zaangażowane program o nazwie Sztuk Pięknych i Pracy Artystycznej. Metody nauczania sztuk plastycznych w placówkach oświatowych w obecnie rozwija się bardzo intensywnie. Wiele interesujących zmian w takich autorzy tacy jak E. I. Kubyshkina, V. S. Kuzin, T. S. Komarova, B. M. Nemensky, E. E. Rozhkova, N. N. Rostovtsev, N. M. Sokolnikova, E. V. Shorokhov, A. S. Khvorostov, T. Ya. sztuki ludowej i zdobniczej. Podręczniki wydane po raz pierwszy od lat plastycznych dla szkół podstawowych i gimnazjów.

. Perspektywy edukacji plastycznej i estetycznej dzieci

Natalya Mikhailovna Sokolnikova jest nowoczesnym nauczycielem-metodologiem, który w swoich pracach połączył wszystko, co najlepsze w metodach nauczania sztuk pięknych, które pojawiły się w ostatnich latach. Równie dużą wagę przywiązuje do czerpania z życia i DPI oraz rozwoju emocjonalnego uczniów. Edukacja artystyczna uczniów to proces opanowywania przez dzieci zasobu wiedzy, umiejętności i kształtowania postaw światopoglądowych w dziedzinie sztuki i twórczości artystycznej. Edukacja artystyczna uczniów to proces rozwijania u dzieci umiejętności odczuwania, rozumienia, oceniania, kochania sztuki i czerpania z niej radości; Edukacja i wychowanie artystyczne jest nierozerwalnie związane z zachęcaniem dzieci do aktywności artystycznej i twórczej, do tworzenia wartości estetycznych, w tym artystycznych. Edukacja estetyczna w szkole średniej jest celowym procesem kształtowania osobowości aktywnej twórczo, zdolnej do postrzegania i oceniania pięknych, doskonałych, harmonijnych i innych zjawisk estetycznych w życiu, przyrodzie, sztuce, z punktu widzenia rozumienia ideału, jakim jest jej dostępnych, żyć i tworzyć „według praw piękna”. System edukacji artystycznej i estetycznej w szkole ogólnokształcącej jest żywym, celowym, zorganizowanym procesem edukacji artystycznej i estetycznej, rozwoju i wychowania dzieci, z uwzględnieniem wieku uczniów, opartym na połączeniu nowoczesnych zasad metodycznych. System edukacji estetycznej uczniów szkół podstawowych jest budowany z uwzględnieniem związanych z wiekiem cech psychologicznych i pedagogicznych dzieci. Niezależnie od tego, czy mówimy o wymaganiach wobec ideału moralnego i estetycznego, smaku, sądach estetycznych, które powinny charakteryzować młodszego ucznia, nastolatka, młodzież, czy o naturze, gatunkach, kryteriach oceny twórczości (w tym artystycznej i twórczej), każdorazowo optymalne wymaganie i rozwiązanie problemu powinno być skorelowane z możliwościami wiekowymi dziecka. Edukacja estetyczna harmonizuje i rozwija wszystkie zdolności duchowe człowieka, niezbędne w różnych obszarach twórczości. Wiąże się to ściśle z wychowaniem moralnym, gdyż piękno jest swego rodzaju regulatorem relacji międzyludzkich. Dzięki pięknu człowiek często intuicyjnie sięga po dobro.

Edukacja estetyczna, zapoznawanie ludzi ze skarbnicą światowej kultury i sztuki – wszystko to jest tylko warunkiem koniecznym do osiągnięcia głównego celu edukacji estetycznej – kształtowania holistycznej osobowości, twórczo rozwiniętej indywidualności, działającej zgodnie z prawami piękna.

Edukacja estetyczna prowadzona jest na wszystkich etapach rozwoju wiekowego jednostki. Im wcześniej człowiek wejdzie w sferę celowego oddziaływania estetycznego, tym więcej powodów do nadziei na jego skuteczność. . Doświadczenie zdobyte poprzez komunikację i aktywność kształtuje u dzieci w wieku przedszkolnym elementarną postawę estetyczną wobec rzeczywistości i sztuki.

System edukacji estetycznej powołany jest do tego, aby uczyć dostrzegania piękna wokół siebie, w otaczającej nas rzeczywistości. Aby system ten jak najskuteczniej oddziaływał na dziecko i osiągnął swój cel, B. M. Nemensky wyróżnił jego następującą cechę: „System edukacji estetycznej powinien być przede wszystkim ujednolicony, łączący wszystkie przedmioty, wszystkie zajęcia pozalekcyjne, cały system społeczny życie ucznia, gdzie każdy przedmiot, każdy rodzaj zawodu ma swoje jasne zadanie w kształtowaniu kultury estetycznej i osobowości ucznia. Ale każdy system ma rdzeń, fundament, na którym się opiera. Za taką podstawę w systemie edukacji estetycznej możemy uznać sztukę: muzykę, architekturę, rzeźbę, malarstwo, taniec, kino, teatr i inne rodzaje twórczości artystycznej. Przyczynę tego podali nam Platon i Hegel. Na podstawie ich poglądów stało się aksjomatem, że sztuka jest główną treścią estetyki jako nauki, a piękno jest głównym zjawiskiem estetycznym. Sztuka zawiera ogromny potencjał rozwoju osobistego.

Piękno daje przyjemność i przyjemność, pobudza aktywność zawodową, uprzyjemnia spotkania z ludźmi. Brzydkie odpycha. Tragedia uczy współczucia. Komiks pomaga walczyć z niedoskonałościami.

Jedną z prawdziwych ludzkich potrzeb jest potrzeba piękna jako naturalnego ludzkiego pragnienia harmonii, integralności, równowagi i porządku. O tym, że jest to właśnie życiowa potrzeba człowieka, świadczą wyniki badań antropologów, którzy stwierdzili, że na pewnym etapie rozwoju ludzkiego mózgu po prostu potrzebował on wrażeń estetycznych i doświadczeń, które przyczyniły się do powstania holistyczne postrzeganie w człowieku, zarówno świata, jak i samego siebie. Znając wychowawcze, wychowawcze, rozwojowe działanie wrażeń estetycznych, mędrcy od starożytności radzili otoczyć wzrost dziecka pięknem i dobrem, wzrost młodego człowieka pięknem i rozwojem fizycznym, wzrost młodości pięknem i nauczanie. Piękno powinno być obecne na wszystkich etapach formacji osoby, przyczyniając się do jej harmonijnego rozwoju i doskonalenia. Piękno bowiem, obok prawdy i dobra, niezmiennie działa jako część pierwotnej triady wartości, reprezentujących fundamentalne podstawy bytu.

Ta sama początkowa i prawdziwa jest ludzka potrzeba twórczości, autoekspresji, afirmacji siebie w świecie poprzez wprowadzenie w niego nowego, stworzonego przez siebie. To właśnie pozycja twórcza zapewnia człowiekowi stabilność egzystencji, ponieważ umożliwia adekwatne i terminowe reagowanie na wszystkie nowe sytuacje w ciągle zmieniającym się świecie. Twórczość jest swobodną działalnością, do której człowieka nie można zmusić: może on tworzyć tylko z powodu wewnętrznej potrzeby twórczości, wewnętrznego impulsu, który działa jako bardziej skuteczny czynnik, którego nie poddają żadnemu zewnętrznemu naciskowi czy przymusowi.

Tutaj okazuje się, że wiele prawdziwych ludzkich potrzeb ma albo charakter estetyczny, albo zawiera niezbędny komponent estetyczny. Rzeczywiście, w kwestii powrotu człowieka do jego prawdziwej natury, do prawdziwego bytu, do realizacji jego rzeczywistych potrzeb, nie ostatnie miejsce zajmuje kultura estetyczna i prowadząca do niej edukacja estetyczna (choć nie zapewniająca jej z konieczności) oraz edukacja estetyczna . Estetyczny stosunek do świata istniał zawsze jako wszechogarniające, uniwersalne i czysto ludzkie zachowanie, a ocena estetyczna jest najbardziej holistyczna, niejako dopełniająca postrzeganie przedmiotu w pełni jego danej i związku z otoczeniem. .

Rola edukacji estetycznej w kształtowaniu postawy twórczej polega na tym, że nie tylko przyczynia się ona do rozwoju uczuć, kształtowania wrażliwości człowieka i jej wzbogacenia, ale także uświadamia, uzasadnia – racjonalnie i emocjonalnie – potrzebę twórczego stosunku do świat. To właśnie edukacja estetyczna ukazuje rolę uczuć estetycznych w kształtowaniu obrazu świata i rozwija te uczucia.

. Metodologia jako nauka. Metody i techniki nauczania plastyki w szkole średniej

Metodologia jest zarówno połączeniem zgromadzonego doświadczenia, nowych podejść, jak i poszukiwaniem środków duchowego i emocjonalnego rozwoju uczniów i samego nauczyciela. A metody nauczania to najprawdopodobniej system jednolitej aktywności nauczyciela i uczniów w opanowaniu określonej części treści programu. Realizuje się to poprzez techniki, specyficzne działania nauczyciela i ucznia, różne formy ich komunikacji.

Pod pojęciem metody nauczania rozumiemy sposób pracy nauczyciela z uczniami, za pomocą którego osiąga się lepsze przyswajanie materiału edukacyjnego i podwyższa się wyniki w nauce. Wybór metod nauczania zależy od celów uczenia się, a także od wieku uczniów.Metoda nauczania (z innego greckiego. sposób) to proces interakcji między nauczycielami a uczniami, w wyniku którego dochodzi do transferu i asymilacji wiedzy, umiejętności i zdolności przewidzianych treścią szkolenia. Recepcja szkolenia (recepcja dydaktyczna) - krótkotrwała interakcja między nauczycielem a uczniami, mająca na celu przekazanie i przyswojenie określonej wiedzy, umiejętności, umiejętności. Zgodnie z ustaloną tradycją w pedagogice domowej metody nauczania dzielą się na trzy grupy: - Metody organizacji i realizacji działań edukacyjnych i poznawczych: 1. Werbalne, wizualne, praktyczne (Według źródła prezentacji materiału edukacyjnego). 2. Roztwórczy objaśniający i ilustrujący, poszukiwawczy, badawczy, problematyczny itp. (zgodnie z charakterem działalności edukacyjnej i poznawczej). 3. Indukcyjne i dedukcyjne (zgodnie z logiką prezentacji i odbioru materiału edukacyjnego) - Metody monitorowania efektywności działań edukacyjnych i poznawczych: sprawdziany ustne, pisemne i autotesty skuteczności opanowania wiedzy, umiejętności i zdolności; - Metody pobudzania aktywności edukacyjnej i poznawczej: Określone bodźce w kształtowaniu motywacji, poczucia odpowiedzialności, powinności, zainteresowania w zdobywaniu wiedzy, umiejętności i zdolności. W praktyce nauczania istnieją inne podejścia do definiowania metod nauczania, które opierają się na stopniu świadomości odbioru materiału edukacyjnego: pasywne, aktywne, interaktywne, heurystyczne i inne. Definicje te wymagają doprecyzowania, ponieważ proces uczenia się nie może być bierny i nie zawsze jest dla uczniów odkryciem (eureka). Metoda pasywna jest formą interakcji pomiędzy uczniem a nauczycielem, w której nauczyciel jest głównym aktorem i kierownikiem lekcji, a uczniowie występują jako bierni słuchacze, podporządkowujący się poleceniom nauczyciela. Komunikacja między nauczycielem a uczniami na lekcjach pasywnych odbywa się poprzez ankiety, niezależne, testy, testy itp. Z punktu widzenia nowoczesnych technologii pedagogicznych i skuteczności uczenia się przez uczniów materiału edukacyjnego metoda pasywna jest uważana za najbardziej nieskuteczną , ale mimo to ma też swoje plusy. Jest to stosunkowo łatwe przygotowanie do lekcji ze strony nauczyciela i możliwość zaprezentowania stosunkowo dużej ilości materiału edukacyjnego w ograniczonym czasie trwania lekcji. Biorąc pod uwagę te zalety, wielu nauczycieli woli metodę pasywną od innych metod. Trzeba powiedzieć, że w niektórych przypadkach takie podejście sprawdza się z powodzeniem w rękach doświadczonego nauczyciela, zwłaszcza jeśli uczniowie mają jasne cele ukierunkowane na gruntowne przestudiowanie przedmiotu. Wykład jest najczęstszym rodzajem lekcji pasywnej. Ten rodzaj lekcji jest szeroko rozpowszechniony na uniwersytetach, gdzie studiują dorośli, w pełni ukształtowani ludzie z jasnymi celami dogłębnego studiowania tematu. Metoda aktywna to forma interakcji między uczniami a nauczycielem, w której nauczyciel i uczniowie wchodzą ze sobą w interakcje podczas lekcji, a uczniowie nie są tutaj biernymi słuchaczami, ale aktywnymi uczestnikami lekcji. Jeśli na lekcji pasywnej nauczyciel był głównym aktorem i kierownikiem lekcji, to tutaj nauczyciel i uczniowie są na równych prawach. Jeśli metody pasywne implikowały autorytarny styl interakcji, to metody aktywne bardziej sugerują styl demokratyczny. Wiele metod aktywnych i interaktywnych stawia znak równości, jednak pomimo ogólności mają różnice. Metody interaktywne można uznać za najnowocześniejszą formę metod aktywnych Metoda interaktywna (Interaktywna („Inter” jest wzajemna, „działać” to działać) - oznacza interakcję, rozmowę, dialog z kimś. Innymi słowy, w przeciwieństwie do metody aktywne, interaktywne nastawione są na szerszą interakcję uczniów nie tylko z nauczycielem, ale także między sobą oraz na dominację aktywności uczniów w procesie uczenia się. Miejsce nauczyciela na lekcjach interaktywnych sprowadza się do ukierunkowanie działań uczniów, aby osiągnąć cele lekcji.Nauczyciel opracowuje również plan lekcji (zwykle są to interaktywne ćwiczenia i zadania, podczas których uczeń zapoznaje się z materiałem).Dlatego głównymi składnikami lekcji interaktywnych są interaktywne ćwiczenia i zadania wykonywane przez uczniów Istotną różnicą między ćwiczeniami interaktywnymi a zadaniami zwykłymi jest to, że wykonując je, uczniowie nie tylko i nie tyle utrwalają już przestudiowany materiał, ilu uczy się nowego.

. Cele i założenia nauczania sztuk plastycznych w szkole średniej

Rozwój osoby twórczej, jej zdolności artystycznych jest bezpośrednio związany z celem i zadaniami nauczania przedmiotu plastycznego.

Jej głównym CELEM jest zapoznanie z kulturą duchową jako sposobem przekazywania z pokolenia na pokolenie uniwersalnych wartości człowieka, przy których postrzeganiu i odtwarzaniu, w jego działalności dokonuje się twórczy i moralny samorozwój człowieka, integralność jego wewnętrzny świat jest zachowany. Tak więc, przyłączając się do kultury duchowej, człowiek jednocześnie łączy się ze swoją naturalną esencją, rozwijając swoje podstawowe - uniwersalne - zdolności: do holistycznego, pomysłowego myślenia; do empatii ze światem zewnętrznym; do twórczej aktywności.

Realizacja tego celu odbywa się poprzez edukację estetyczną człowieka za pomocą sztuki i pedagogiki artystycznej. Opierają się na edukacji artystycznej i działalności artystycznej. Tylko w ich całości możemy sobie wyobrazić realizację celów edukacji estetycznej. Są to dwa różne sposoby rozwijania ludzkiej świadomości, nie zastępując, ale uzupełniając się.

Kryteria oceny twórczego rozwoju osoby w dziedzinie edukacji estetycznej ujawniają się zgodnie z zadaniami kształtowania harmonijnie rozwiniętej osoby. Trzy powiązane ze sobą kierunki: A) zachowanie integralności moralnej jednostki; B) rozwój jej potencjału twórczego; C) zapewnienie w niej harmonijnej współzależności cech społecznych i unikalnych.

Wszystko to naturalnie realizuje się w działalności artystycznej człowieka.

Dziecko w swojej aktywności poznawczej i twórczej przyswaja sobie przede wszystkim jego znaczenie, związane z emocjonalnym i wartościującym stosunkiem do życia. Sztuka jest środkiem akumulacji, koncentracji tego doświadczenia życiowego ludzkości, które wiąże się z zadaniami rozwijania moralnego i twórczego potencjału ludzi. Dlatego jednym z głównych celów sztuki jest, oparte na uniwersalnych siłach człowieka, rozwijanie jego ideału moralnego, postaw twórczych, emocji i uczuć estetycznych.

Program artystyczny w szkole przewiduje 4 główne rodzaje pracy - rysunek z życia, rysunek tematyczny, rysunek dekoracyjny, rozmowy o sztuce, które są ze sobą ściśle powiązane i uzupełniają się w rozwiązywaniu zadań postawionych przez program.

Zadania zajęć plastycznych to: Rozwijanie percepcji wzrokowej uczniów. Rozwijanie umiejętności obserwacji, ustalania podobieństw i różnic, klasyfikowania przedmiotów według kształtu i faktury. Kształcenie zdolności estetycznych i plastycznych, nauka rysunku z natury, na tematy, wykonywania ilustracji i rysunków dekoracyjnych, rozwijanie umiejętności graficznych i malarskich. Rozwijaj myślenie mentalne i abstrakcyjne.

Wiodącym rodzajem rysunku jest ryc. z natury kot. prowadzi do ogólnego rozwoju człowieka - rozwija wyobraźnię, myślenie umysłowe, przestrzenne i abstrakcyjne, oko, pamięć.

Szkolny kurs plastyczny. sztuka ma na celu:

Przygotuj wszechstronnych, wykształconych członków społeczeństwa,

Edukuj estetycznie dzieci, rozwijaj ich gust artystyczny.

Pomóż dzieciom poznać otaczający je świat. obserwacja, przyzwyczajenie do logicznego myślenia, uświadomienie sobie tego, co się widzi.

Nauczenie korzystania z rysunku w pracy i działaniach społecznych

Przekazanie studentom podstawowej wiedzy z zakresu rysunku realistycznego. Zaszczepienie umiejętności i uzdolnień plastycznych, zapoznanie z podstawowymi technicznymi metodami pracy.

Rozwijanie zdolności twórczych i estetycznych uczniów, rozwijanie myślenia przestrzennego, reprezentacji figuratywnej i wyobraźni.

Zapoznanie uczniów z wybitnymi dziełami sztuki rosyjskiej i światowej. Zaszczepić zainteresowanie i miłość do sztuki. zajęcia.

Tematyka metod nauczania sztuk plastycznych jest ściśle związana z dyscyplinami specjalnymi i psychologiczno-pedagogicznymi. Metodologia jako przedmiot badań uwzględnia cechy pracy nauczyciela z uczniami. Metodologia rozumiana jest jako zbiór racjonalnych metod szkolenia i wychowania. Jest to specjalny dział pedagogiki, który bada zasady i prawa budowania procesu edukacyjnego. Metodyka może być ogólna, uwzględnia metody nauczania właściwe dla wszystkich przedmiotów oraz prywatne - metody i techniki stosowane w nauczaniu dowolnego przedmiotu.

Metodyka nauczania sztuk pięknych jako nauki teoretycznie uogólnia doświadczenie praktyczne, proponuje takie metody nauczania, które już się sprawdziły i dają najlepsze efekty. Celem zajęć jest ukształtowanie podstaw i świadomości zawodowej i pedagogicznej nauczyciela sztuk plastycznych. Celem przedmiotu jest poznanie historii, teorii, metod badań naukowych w zakresie dydaktyki plastyki, nabycie intelektualnych i praktycznych umiejętności rozwiązywania problemów dydaktyki plastyki, stworzenie podstaw do późniejszego kształtowania twórcze podejście do działalności nauczyciela plastyki, kształtowanie trwałego zainteresowania zawodem nauczyciela plastyki. Przez metodę nauczania rozumie się taki sposób pracy nauczyciela z uczniami, w którym osiągane jest najlepsze przyswojenie materiału edukacyjnego i wzrost wyników w nauce.

Metoda nauczania składa się z odrębnych metod nauczania: - według źródła pozyskiwania wiedzy (wizualna, praktyczna, werbalna, gra) - według sposobu pozyskiwania wiedzy (odtwórcza, informacyjno-receptywna, badawcza, heurystyczna) - według charakteru aktywności (sposób organizacji i realizacji zajęć edukacyjnych i poznawczych, sposób kontroli i samokontroli, sposób pobudzania i motywowania do uczenia się) – wg rodzaju wykonywanego zawodu

19. Treść zajęć plastycznych w szkole i innych placówkach edukacyjnych (Analiza programów sztuk pięknych zatwierdzonych i zalecanych przez Ministerstwo Edukacji i Nauki (T. Ya. Shpikalova, B. M. Nemensky, M. N. Sokolnikova, Yu. A. Poluyanov, B. P. Yusov)

Zajęcia plastyczne od klas 1-9. Zadaniem lekcji jest nauka rysowania z natury, na tematy, wykonywania ilustracji i rysunków dekoracyjnych, rozwijanie umiejętności graficznych i malarskich. Głównym rodzajem rysunku w sztukach plastycznych jest rysunek z natury – rozwija myślenie umysłowe i abstrakcyjne, jest metodą edukacji wizualnej, uczy myślenia, celowego prowadzenia obserwacji, wzbudza zainteresowanie analizą przyrody, tym samym przygotowuje ucznia do dalszej praca edukacyjna.

Rysunek tematyczny - obraz zjawisk otaczającego świata oraz ilustracja dzieł literackich, odgrywają dużą rolę w rozwoju wyobraźni twórczej. Większości rysunków na ten temat towarzyszą szkice i szkice z natury. Rozwija wyobraźnię, wyobraźnię, samodzielność w pracy, wytrwałość.

DPI jest ściśle związane z rysowaniem z natury. Na lekcjach DPI dzieci zapoznają się z podstawami projektowania artystycznego, studiują ozdobną kreatywność narodów. Rysunek dekoracyjny rozwija gust estetyczny i artystyczny, rozwija zdolności twórcze. Cechą charakterystyczną DPI jest dekoracyjna obróbka form przedstawionych z natury. Dekoracyjny projekt odbywa się na podstawie pewnych zasad i praw, zgodności, symetrii, kombinacji kolorów.

Rozmowa o sztuce Na tych lekcjach dzieci poznają życie i twórczość wybitnych mistrzów, rozwijają percepcję estetyczną, gust artystyczny, zdobywają podstawową wiedzę o sztuce obcej i rosyjskiej

) BM Nemensky „Plastyka plastyczna i twórczość artystyczna” (klasy 1-9) Cel: kształtowanie kultury artystycznej wśród uczniów, jako integralnej części kultury duchowej, tworzonej przez wiele pokoleń.

Treści i śluby: wprowadzenie do najgorszej kultury, w tym badanie głównych rodzajów sztuki. sztuki: (malarstwo, grafika, rzeźba), DPI (sztuka ludowa, rzemiosło ludowe, nowoczesna sztuka zdobnicza). zadania gry są wprowadzane na ten temat, związek z muzyką, historią, pracą. Aby doświadczyć kreatywnej komunikacji, do programu wprowadzane są zadania zespołowe. Praktyka implikuje wysoki poziom przygotowania teoretycznego nauczyciela. Nemensky B. M. „Prace plastyczne i artystyczne stopnie 1-9. » Postawione przez niego zadania mają na celu rozwój estetyczny uczniów, zwiększenie zainteresowania sztukami plastycznymi, rozwijanie wyobraźni i spostrzegawczości, realizację zdolności twórczych uczniów, ukierunkowanych na studiowanie tradycyjnej kultury rosyjskiej. Jest to holistyczny zintegrowany kurs, który obejmuje wszystkie główne typy: malarstwo, grafikę, rzeźbę, ludową sztukę zdobniczą, architekturę, projektowanie, rozrywkę i sztukę ekranową. Zawiera trzy rodzaje cienkich. działalność: konstrukcyjną (architektura, projektowanie), wizualną (malarstwo, grafika, rzeźba), dekoracyjną użytkową. Semantycznym rdzeniem programu jest rola sztuki w życiu społeczeństwa. Istnieje związek z muzyką, literaturą, historią, pracą. W celu doświadczenia. Dla klas zbiorowych zapewniona jest komunikacja. Klasa 1 „Przedstawiasz, dekorujesz, budujesz” zabawną, figuratywną formę komunii. Klasa 2 - „Ty i Sztuka” Klasa 3 „Sztuka wokół nas” zapoznanie się z kulturą swojego ludu. Klasa 4 - „Każdy naród jest artystą”. Projekt programu: Pierwszy etap to szkoła podstawowa, piedestał wszelkiej wiedzy, drugi etap to powiązanie życia z typami i gatunkami sztuki. Trzeci etap to sztuka światowa.

) VS Kuzin „Sztuka piękna” (klasy 1-9)

Cel: rozwój sztuki u dzieci. zdolności, słaby gust, twórcza wyobraźnia, myślenie przestrzenne, uczucia estetyczne.

Treść i media: czerpanie z życia, z pamięci i wyobrażeń przedmiotów i zjawisk świata, tworzenie kompozycji graficznych o tematyce, rozmowy o sztuce. sztuka. Wiodącym miejscem jest czerpanie z natury. Kuzin i Kubyshkina - opracowali podręcznik do sztuk pięknych, poprawiony zgodnie ze współczesnymi ogólnymi standardami edukacyjnymi i programem plastycznym dla czteroletniej szkoły podstawowej. Pierwsza część podręcznika nosi tytuł „Nauka rysowania” – jest poświęcona praktycznej stronie nauczania dzieci w wieku szkolnym, podstawom plastyki, rysunkowi z życia, rysunkowi tematycznemu, malarstwu, kompozycji, modelowaniu, pracom zdobniczym, aplikacji. Druga część „Magicznego świata” - z niej uczniowie dowiedzą się o rodzajach i gatunkach sztuk plastycznych, o wybitnych rosyjskich artystach. Do podręczników dołączone są zeszyty ćwiczeń dla klas 1-4, a także poradnik dla nauczyciela, który zawiera krótkie wskazówki dotyczące prowadzenia lekcji.

Wdrożenie jest dostępne dla specjalistów różnych poziomów prof. przygotowanie.

) T. Ya. Shpikalova: „Piękna sztuka i zła praca” (klasy 1-6)

Cel: rozwój osobisty w oparciu o holistyczną kulturę estetyczną.

Treść i media: program jest zintegrowany na podstawie art. sztuka i najgorsze dzieło. Treści budowane są w oparciu o pojęcia wartości: osoba, rodzina, dom, ludzie, historia, kultura, sztuka. Jest to kompleksowe podejście do opracowywania informacji artystycznej w oparciu o wiedzę studentów kierunków humanistycznych i przyrodniczych. Ma na celu opanowanie podstaw obrazu artystycznego sztuki ludowej i sztuk plastycznych oraz działań plastycznych i projektowych. Aby zrealizować ten program, pożądana jest specjalizacja w kierunku dekoracyjnym. Shpikalova T. Ya - głównym celem programu jest promowanie wychowania wysoce artystycznej - wykształconej osobowości studenckiej, tworzenie podstaw holistycznej kultury estetycznej poprzez rozwój pamięci historycznej, zdolności twórcze skłonności dziecka . Zespół autorów programu łączy zajęcia plastyczne i pracę plastyczną, sztukę słowa i pieśni, opartą na sztuce ludowej, w zintegrowanym kursie. Struktura programu nie jest typowa, treść ujawnia się według rodzajów sztuki ludowej. Pierwszy blok poświęcony jest sztuce i rzemiosłu ludowemu, drugi – ustnej sztuce ludowej. Folk DPI obejmuje następujące części szkolenia: podstawy wizerunku artystycznego; ornament w sztuce ludów świata, budowa i typy; ornament ludowy Rosji, twórcze studium w procesie obrazu; praca artystyczna na podstawie znajomości folkloru i DPI. Ustna sztuka ludowa obejmuje następujące działy: materiał edukacyjny do słuchania; materiały edukacyjne do samodzielnego czytania; święta folklorystyczne. Wszystkie działy programu zawierają przybliżoną listę zabaw plastycznych i dydaktycznych, ćwiczeń i prac twórczych. Nauczyciel ma duże możliwości twórczości pedagogicznej i artystycznej w przygotowaniu i prowadzeniu takich form pracy lekcyjnej jak lekcje typu uogólniającego, lekcje - wakacje, jako formy pracy zespołowej, lekcje tworzenia i eksperymentowania form. Gra jest uważana za jedną z wiodących technik metodycznych w organizowaniu pracy twórczej młodszych uczniów w klasie. SOKOLNIKOVA Treść programu Sztuk Pięknych odpowiada następującym celom: - wprowadzanie uczniów w świat sztuk pięknych, rozwijanie ich kreatywności i kultury duchowej, - opanowanie podstawowej wiedzy o świecie sztuk plastycznych: plastycznych, zdobniczych i użytkowych, projekt architektury; o formach ich bytowania w codziennym środowisku dziecka, - wychowanie wrażliwości emocjonalnej i kultury odbioru dzieł sztuki profesjonalnej i ludowej; uczucia moralne i estetyczne: miłość do rodzimej przyrody, jej mieszkańców, Ojczyzny, szacunek dla jej tradycji, heroicznej przeszłości, wielonarodowościowej kultury.

Główne zasady dydaktyczne nauczania sztuk pięknych w szkole (Ujawnić istotę zasad aktywności i świadomości, zasadę dostępności i siły, zasady wychowania, zasadę naukowego charakteru, zasadę systematyczności i konsekwencji w nauczaniu sztuki piękne)

Metodyka – zespół metod szkolenia i wychowania. Nauczanie technik-momentów od kota. kształtuje się metoda nauczania. Z zestawu technik i metod nauczania połączonych wspólnym kierunkiem powstaje system szkolenia. Właściwie zorganizowane, kompetentne metodycznie stosowanie zasad i metod dydaktycznych na lekcjach plastyki. sztuka przyczynia się do wzrostu. skuteczność nauczania i wychowania. proces: Zwiększa aktywność, zainteresowanie, Rozwija miłość do sztuki, Rozwija reprodukcję. , uwaga, wyobraźnia, myślenie, pamięć, mowa itp. Nauczyli. wiedza, wyrastanie. w umiejętnościach i zdolnościach. Kształtuje umiejętność zastosowania wiedzy w praktyce.

Ważne zasady dydaktyczne w związku z metodyką pracy nauczyciela. podstawy iso. plastyka w szkole

zasada naukowego charakteru: związek między nauką a przedmiotem

zasada widoczności: wspierana przez percepcję wzrokową.

Zasada świadomości i aktywności uczniów

Zasada związku teorii z praktyką

Zasada siły przyswajania wiedzy

Zasada systematyczności i konsekwencji

Zasada wychowania wychowawczego

Tworzy osobowość moralną, prawną, estetyczną, fizyczną. kultura i życie, komunikacja. Kształci rozwój intelektualny i indywidualny. Zdolności poznawcze z uwzględnieniem zainteresowań kursantów. Zasada systemu i podążaj. uczenie się: ciągłość i powiązanie nowego materiału z przeszłością, poszerzanie i pogłębianie wiedzy. Nowe konto. materiał przypomina to, co było wcześniej postrzegane, wyjaśnia i uzupełnia, wymaga ścisłej zasady, aby nie przechodzić do nowego materiału edukacyjnego, dopóki poprzedni nie zostanie opanowany i utrwalony

Istotą zasady świadomości i działania jest umiejętne stosowanie różnorodnych technik, które przyczyniają się do rozbudzenia potrzeby i zainteresowania opanowaniem wiedzy, nadając procesowi edukacyjnemu problematyczny charakter. Dla świadomego i aktywnego opanowania wiedzy konieczne jest: przyzwyczajenie uczniów do zadawania pytań zarówno nauczycielowi, jak i do samodzielnego udzielania odpowiedzi i rozstrzygania; rozwijać u uczniów niezależne podejście do badanego materiału, głęboko przemyśleć te teoretyczne wnioski i koncepcje, światopogląd oraz idee moralne i estetyczne, które są w jego treści. Rozwiązanie tego problemu jest niemożliwe, jeśli nauczycielowi nie udaje się wzbudzić i utrzymać aktywności poznawczej i świadomości uczniów w procesie uczenia się.

Istotą zasady systematyczności i konsekwencji jest zapewnienie konsekwentnego przyswajania przez uczniów określonego systemu wiedzy z różnych dziedzin nauki, systematycznego przechodzenia nauki szkolnej. Zapewnienie systematycznego i konsekwentnego uczenia się wymaga od studentów głębokiego zrozumienia logiki i systemowości w treści zdobywanej wiedzy, a także systematycznej pracy nad powtarzaniem i uogólnianiem studiowanego materiału. Jedną z częstych przyczyn niepowodzeń studentów jest brak systemu w pracy naukowej, niezdolność do wytrwałości i sumienności w nauce.

Zasada siły odzwierciedla specyfikę uczenia się, zgodnie z którą opanowanie wiedzy, umiejętności, światopoglądu oraz idei moralnych i estetycznych osiąga się tylko wtedy, gdy z jednej strony są one dogłębnie zrozumiane, a z drugiej dobrze wyuczone i długo zapadają w pamięć. Siła uczenia się jest osiągana przede wszystkim wtedy, gdy uczeń wykonuje w procesie uczenia się pełny cykl działań edukacyjnych i poznawczych: wstępne postrzeganie i rozumienie studiowanego materiału, późniejsze jego głębsze zrozumienie, wykonanie pewnej pracy nad jego zapamiętaniem, stosowania zdobytej wiedzy w praktyce, a także w ich powtarzaniu i systematyzacji. Dla solidnego przyswojenia wiedzy ogromne znaczenie ma systematyczne sprawdzanie i ocena wiedzy uczniów.

Istotą zasady naukowej jest to, że treści nauczania w szkole powinny mieć charakter naukowy i mieć orientację ideologiczną. Aby go wdrożyć, nauczyciel musi: głęboko i jednoznacznie ujawnić każdą pozycję naukową badanego materiału, unikając błędów, nieścisłości i mechanicznego zapamiętywania przez uczniów teoretycznych wniosków i uogólnień; ukazanie znaczenia badanego materiału dla zrozumienia współczesnych wydarzeń społeczno-politycznych i ich zgodności z interesami i aspiracjami ludzi.

Istota zasady dostępności polega na konieczności uwzględnienia w procesie edukacyjnym wieku i indywidualnych cech uczniów oraz niedopuszczalności jego nadmiernej złożoności i przeciążenia, w którym opanowanie studiowanego materiału może być przytłaczające.

Udostępnienie nauki oznacza: prawidłowe, uwzględniające możliwości poznawcze uczniów wieku, określenie jej treści, ilości wiedzy, praktycznych umiejętności i zdolności, które uczniowie poszczególnych klas muszą opanować z każdego przedmiotu akademickiego. Prawidłowo określ stopień złożoności teoretycznej i głębokość studiowania materiału programowego. Prawidłowo określić ilość czasu przeznaczonego na studiowanie każdego przedmiotu akademickiego, biorąc pod uwagę jego wagę i złożoność oraz zapewniając jego głębokie i trwałe przyswojenie. Należy poprawić programy nauczania i podręczniki. Nauczyciel musi w procesie uczenia się posługiwać jasnym materiałem faktograficznym, przedstawiać go zwięźle i zrozumiale, łączyć z życiem i umiejętnie prowadzić uczniów do teoretycznych wniosków i uogólnień. Uwzględnić indywidualne cechy aktywności umysłowej i pamięci uczniów, a także poziom ich przygotowania i rozwoju.

Zasada powiązania teorii z praktyką stanowi, że proces uczenia się zachęca uczniów do wykorzystywania zdobytej wiedzy w rozwiązywaniu problemów, analizowaniu i przekształcaniu otaczającej rzeczywistości, rozwijaniu własnych poglądów. W tym celu wykorzystano analizę przykładów i sytuacji z życia wziętych. Jednym z kierunków realizacji tej zasady jest aktywne zaangażowanie uczniów w działania społecznie użyteczne w szkole i poza nią.

. Zasada wizualizacji w nauczaniu plastyki. Pomoce wizualne do lekcji plastyki. Rodzaje pomocy wizualnych. Wymagania dotyczące pomocy wizualnych

Proces poznawczy wymaga włączenia w zdobywanie wiedzy różnych narządów percepcji. Według Ushinsky'ego wizualne uczenie się zwiększa uwagę uczniów, przyczynia się do głębszego przyswajania wiedzy.

Widoczność uczenia się opiera się na osobliwościach myślenia dzieci, które rozwija się od konkretu do abstrakcji. wizualizacja zwiększa zainteresowanie uczniów wiedzą i ułatwia proces uczenia się. Wiele skomplikowanych przepisów teoretycznych przy umiejętnym wykorzystaniu wizualizacji staje się przystępnych i zrozumiałych dla studentów. Pomoce wizualne obejmują: rzeczywiste przedmioty i zjawiska w ich naturalnej postaci, modele maszyn, manekiny, pomoce ilustracyjne (obrazy, rysunki, fotografie), pomoce graficzne (schematy, wykresy, wykresy, tabele), różne środki techniczne (filmy edukacyjne, edukacja programowana, komputery).

Funkcje wizualizacji: pomaga odtworzyć formę, istotę zjawiska, jego strukturę, powiązania, interakcje w celu potwierdzenia stanowisk teoretycznych;

pomaga wprowadzić w stan aktywności wszystkie analizatory i związane z nimi umysłowe procesy odczuwania, postrzegania i reprezentacji, w wyniku czego powstaje bogata baza empiryczna dla uogólniającej i analitycznej aktywności umysłowej dzieci i nauczyciela;

kształtuje kulturę wizualną i słuchową uczniów;

przekazuje nauczycielowi informację zwrotną: zadając pytania, uczniowie mogą ocenić przyswojenie materiału, kierunek myśli uczniów w kierunku zrozumienia istoty zjawiska.

Rodzaje wizualizacji edukacyjnych

Naturalne modele materiałowe (obiekty rzeczywiste, atrapy, bryły geometryczne, modele przedmiotów, fotografie itp.)

Warunkowe obrazy graficzne (rysunki, szkice, diagramy, wykresy, mapy, plany, schematy itp.)

Modele znaków, wzory i równania matematyczne, chemiczne oraz inne modele interpretowane

Dynamiczne modele wizualne (filmy i filmy telewizyjne, folie, kreskówki itp.)

22. Lekcja jako główna forma organizacji procesu edukacyjnego w zakresie sztuk plastycznych w szkole. Rodzaje lekcji. Struktura lekcji plastyki. Zadania dydaktyczne i wychowawcze lekcji. Współczesne wymagania dotyczące przygotowania i prowadzenia lekcji plastyki

kl ́ ssno-uro ́ system ́ mam studia ́ niya – dominująca we współczesnej edukacji i wszechobecna organizacja procesu uczenia się, w której w celu prowadzenia zajęć dydaktycznych uczniowie w tym samym wieku grupowani są w małe zespoły (klasy) zachowujące swój skład przez określony czas ( zwykle rok akademicki), a wszyscy studenci pracują nad opanowaniem tego samego materiału. Główną formą edukacji jest lekcja. Lekcja to lekcja prowadzona przez nauczyciela ze stałym składem uczniów o tym samym poziomie wyszkolenia, połączonych w podgrupę klasową lub zespół. Zajęcia odbywają się naprzemiennie, według ustalonego harmonogramu i obejmują pracę frontalną, brygadową i indywidualną uczniów z wykorzystaniem różnych metod nauczania. Czas trwania lekcji w warsztatach to dwie godziny akademickie (każda po 45 minut).Kształcenie oparte na programie nauczania i planie organizacji nauczania „jedna klasa – jeden rok” powstało na początku XVI wieku w Europie. Na przykład szkoła miejska reformatora Johanna Agricoli (program Eisleben) (1527), opracowana przez humanistę i pedagoga Philippa Melanchthona, system organizacji niemieckich szkół i uniwersytetów (karta saksońska) (1528), Gimnazjum w Strasburgu Johann Sturm (1537) , wirtemberski program nauczania szwabskiego reformatora Jana Brenza (1559) itp. Czeski nauczyciel Jan Amos Komeński, podsumowując doświadczenia postępowych szkół, kolegiów i uniwersytetów w Europie, rozwinął system klasa-lekcja-przedmiot zawarty w jego teorii uniwersalnej uniwersalnej edukacja i wychowanie. System klasowo-lekcyjny jest obecnie częścią tradycyjnej edukacji. Po spełnieniu swojej historycznej misji system ten zaczyna tracić skuteczność we współczesnych warunkach społeczno-kulturowych i ekonomicznych. Należy wskazać główne wady systemu klasa-lekcja-przedmiot: nieumiejętność uwzględnienia wielu czynników społecznych oddziałujących na dziecko, niemożność samorozwoju twórczego dziecka, nieumiejętność przyswajania informacji i nowinek technologicznych, niemożność nadążyć za tempem zmian w społeczeństwie i nie tylko. Najbardziej drastyczna modernizacja systemu klasowego (Brown, Trump, Parkhurst i inni) opierała się na innym doborze treści. Najbardziej radykalne odrzucenie systemu podmiotowego dokonane przez reformatorów (Kilpatrick, Linke, Decrol itp.) ), została sprowadzona do innego zróżnicowania treści. Tym samym nie rozwiązały one zasadniczo problemu, a co najwyżej poprawiły system klasa-lekcja-przedmiot w określonych warunkach społeczno-politycznych i ekonomicznych. Rodzaje i struktura zajęć. Struktura lekcji to zestaw elementów lekcji, który zapewnia jej integralność i zachowanie głównych cech lekcji w różnych wariantach. Strukturalne elementy lekcji. I. Organizacja początku lekcji (2 minuty). Aby zainteresować dzieci, zwróć ich uwagę na lekcję, poinformuj o temacie i celu lekcji. II. Sprawdzanie pracy domowej (3 minuty). poziom opanowanego materiału z poprzedniego tematu i przygotowanie do odbioru nowych informacji. III. Główną częścią. Nauka nowego materiału (20 minut). Naukowa, ekscytująca, przystępna prezentacja nowego materiału z udziałem uczniów. IV. Podstawowe utrwalenie wiedzy (5 minut). Możesz skorzystać z zadań specjalnych po wyjaśnieniu nowego materiału. Przeprowadź rozmowę, aby rozwinąć umiejętności i zastosować wiedzę. V. Podsumowanie lekcji (2 minuty). Dowiedz się, czego dzieci nauczyły się na lekcji, czego nauczyły się nowego i uzasadnij ocenę wiedzy uczniów. VI. Informacja o zadaniu domowym (3 minuty). Zgłaszanie pracy domowej i wyjaśnianie, jak ją wykonać. typy. Najbardziej powszechna i stosowana w praktyce klasyfikacja została wprowadzona przez B. P. Esipova i zidentyfikowała następujące rodzaje lekcji: 1. Nauka nowego materiału. 2. Lekcja utrwalania wiedzy oraz rozwijania umiejętności i zdolności. 3. Lekcja uogólnienia i systematyzacji wiedzy. 4. Lekcja kontroli i korekty wiedzy, umiejętności i zdolności uczniów. 5. Lekcja łączona lub mieszana. Typ 1: Nauka nowego materiału. Rodzaj lekcji: - wykład, - lekcja z elementami konwersacji, - wykład z elementami prezentacji, lekcja, konferencja, wycieczka, praca naukowa. Cel lekcji: badanie nowej wiedzy i ich pierwotna konsolidacja. Typ 2: Lekcja utrwalająca wiedzę oraz rozwijająca umiejętności i zdolności. Rodzaj lekcji: - warsztat, - wycieczka, - praca laboratoryjna, - gra biznesowa, - lekcja dyskusyjna. Cel lekcji: Wtórna konsolidacja zdobytej wiedzy, rozwój umiejętności i zdolności do ich zastosowania. Typ 3: Lekcja uogólnienia i systematyzacji wiedzy. Typ lekcji: - seminaria, konferencja, lekcja uogólniona, lekcja wywiadu, lekcja dyskusji, dyskusja. Cel lekcji: Uogólnienie wiedzy uczniów w systemie. Sprawdzanie i ocenianie wiedzy uczniów. Ten rodzaj lekcji stosuje się przy powtarzaniu dużych fragmentów przerabianego materiału. Typ 4: Lekcja kontroli i korekty wiedzy, umiejętności i zdolności uczniów. Typ lekcji: egzamin - test, Cel lekcji: Określenie poziomu wiedzy, umiejętności i zdolności uczniów oraz określenie jakości wiedzy uczniów, refleksja nad własnymi działaniami. Typ 5: Lekcja łączona lub mieszana. Typ lekcji: - praktyka - konferencja - seminarium - wykład kontrolny - wykład Cel lekcji: Wykształcenie umiejętności samodzielnego stosowania wiedzy w kompleksie i przenoszenia jej do nowych warunków. Struktura lekcji. I. Organizacja początku lekcji (2). Aby zainteresować, zwróć uwagę na lekcję, przekaż temat i cel lekcji. II. Sprawdź do h (3). Pewien poziom przyswojenia materiału z poprzedniego tematu i przygotowanie uczniów do odbioru nowych informacji (w zależności od formy kształcenia może ich nie być). III. Główną częścią. Nauka nowego materiału (20). Naukowa, ekscytująca, przystępna prezentacja nowego materiału z udziałem uczniów. IV. Pierwotna konsolidacja wiedzy (5). Możesz skorzystać z zadań specjalnych po wyjaśnieniu nowego materiału. Przeprowadź rozmowę, aby rozwinąć umiejętności i zastosować wiedzę. V. Podsumowanie lekcji (2 minuty). Dowiedz się, czego dzieci nauczyły się na lekcji, czego nauczyły się nowego i uzasadnij ocenę wiedzy uczniów. VI. Informacja o zadaniu domowym (3 minuty). Zgłaszanie pracy domowej i wyjaśnianie, jak ją wykonać.

. Rodzaje aktywności wzrokowej i ich znaczenie w rozwoju umysłowym, moralnym, estetycznym, fizycznym uczniów. (Rysowanie, modelowanie, aplikacja, projektowanie)

Główne działania:

Obraz na płaszczyźnie iw objętości (z natury, z pamięci iz reprezentacji);

prace dekoracyjne i konstrukcyjne;

wniosek;

modelowanie objętościowo-przestrzenne;

działalność projektowa i konstrukcyjna;

fotografia artystyczna i filmowanie wideo;

postrzeganie zjawisk rzeczywistości i dzieł sztuki;

omówienie pracy towarzyszy, wyników twórczości zbiorowej i pracy indywidualnej w klasie;

badanie dziedzictwa artystycznego;

dobór materiału ilustracyjnego do studiowanych tematów;

słuchanie utworów muzycznych i literackich (ludowych, klasycznych, współczesnych).

Edukacja umysłowa ukierunkowana jest na rozwój zdolności intelektualnych człowieka, zainteresowanie poznaniem otaczającego go świata i samego siebie.

zakłada:

rozwój siły woli, pamięci i myślenia jako głównych warunków procesów poznawczych i edukacyjnych;

kształtowanie kultury pracy wychowawczej i intelektualnej;

pobudzanie zainteresowania pracą z książkami i nowymi technologiami informacyjnymi;

a także rozwój cech osobistych - niezależność, szeroki światopogląd, zdolność do kreatywności.

Zadania wychowania umysłowego rozwiązywane są poprzez trening i edukację, specjalne treningi i ćwiczenia psychologiczne, rozmowy o naukowcach, mężach stanu z różnych krajów, quizy i konkursy, zaangażowanie w proces twórczych poszukiwań, badań i eksperymentów.

Etyka jest teoretyczną podstawą wychowania moralnego.

Główne zadania edukacji etycznej to:

gromadzenie doświadczenia moralnego i wiedzy o zasadach współżycia społecznego (w rodzinie, na ulicy, w szkole i innych miejscach publicznych);

rozsądne wykorzystanie czasu wolnego i rozwój cech moralnych jednostki, takich jak uważny i opiekuńczy stosunek do ludzi; uczciwość, tolerancja, skromność i delikatność; organizacja, dyscyplina i odpowiedzialność, poczucie obowiązku i honoru, poszanowanie godności człowieka, sumienność i kultura pracy, poszanowanie dziedzictwa narodowego.

W procesie wychowania moralnego powszechnie stosuje się takie metody, jak perswazja i osobisty przykład, rady, życzenia i aprobata zwrotna, pozytywna ocena działań i czynów, publiczne uznanie osiągnięć i zasług człowieka. Wskazane jest również prowadzenie etycznych rozmów i debat na przykładach dzieł sztuki i praktycznych sytuacjach. Jednocześnie spektrum edukacji moralnej implikuje zarówno publiczną naganę, jak i możliwość kar dyscyplinarnych i odroczonych.

Celem edukacji estetycznej jest kształtowanie estetycznego stosunku do rzeczywistości. Postawa estetyczna oznacza zdolność do emocjonalnego postrzegania piękna. Może objawiać się nie tylko w odniesieniu do natury czy dzieła sztuki. Na przykład I. Kant uważał, że kontemplując dzieło sztuki stworzone ręką ludzkiego geniuszu, łączymy się z „pięknym”. Jednak tylko szalejący ocean lub erupcja wulkanu postrzegamy jako „wzniosłe”, których człowiek nie jest w stanie stworzyć. (Kant I. Krytyka zdolności sądzenia. M. 1994.) Dzięki zdolności dostrzegania piękna człowiek jest zobowiązany do wnoszenia estetyki w życie osobiste i innych, w życie codzienne, działalność zawodową i krajobraz społeczny. Równocześnie edukacja estetyczna powinna nas chronić przed popadnięciem w „czysty estetyzm”. W procesie edukacji estetycznej wykorzystuje się dzieła artystyczne i literackie: muzykę, plastykę, kino, teatr, folklor. Proces ten obejmuje udział w twórczości artystycznej, muzycznej, literackiej, organizowanie wykładów, rozmów, spotkań i wieczorów koncertowych z artystami i muzykami, zwiedzanie muzeów i wystaw sztuki, studiowanie architektury miasta. Estetyczna organizacja pracy, atrakcyjny wystrój sal lekcyjnych, audytoriów i placówek oświatowych, gust artystyczny, przejawiający się w stylu ubioru uczniów, studentów i nauczycieli, ma znaczenie wychowawcze. Dotyczy to również społecznego krajobrazu życia codziennego. Przykładem może być czystość wejść, zagospodarowanie ulic, oryginalny wystrój sklepów i biur.

Głównymi zadaniami wychowania fizycznego są: prawidłowy rozwój fizyczny, trening motoryki i aparatu przedsionkowego, różne zabiegi hartujące ciało, a także kształtowanie siły woli i charakteru, mające na celu zwiększenie zdolności człowieka do pracy. Organizacja wychowania fizycznego odbywa się poprzez ćwiczenia fizyczne w domu, w szkole, na uczelni, w sekcjach sportowych. Zakłada obecność kontroli nad reżimem nauki, pracy i wypoczynku (gimnastyka i gry terenowe, piesze wycieczki i zawody sportowe) oraz profilaktykę medyczną i medyczną chorób młodego pokolenia. Dla wychowania osoby zdrowej fizycznie niezwykle ważne jest przestrzeganie elementów codziennej rutyny: długi sen, wysokokaloryczne odżywianie, przemyślane łączenie różnych aktywności.

. Wzory manifestacji zdolności twórczych uczniów na lekcjach plastyki. Podstawy prac badawczych w zakresie aktywności wzrokowej dzieci.

Kreatywność uczniów rozumiana jest jako samodzielne rozwiązywanie nowych postawionych im zadań. Na zajęciach z rysunku określone są wszystkie warunki rozwoju kreatywności. Jego manifestację można powiązać nie tylko z rozwiązaniem złożonego problemu obrazowego, jak w kompozycji tematycznej, ale także z najprostszym zadaniem jednosylabowym, rozwiązanym w szkicu z natury, z pamięci i reprezentacji. Doprowadzenie dziecka do samodzielności w rozwiązywaniu nowego problemu, do odkryć to moja praca.

Systematyczna praca plastyczna rozwija takie cechy osobiste, jak myślenie przestrzenne, wyczucie koloru, czujność oka, kształtuje cechy intelektu, które są ostatecznie ważne nie tylko przy tworzeniu rysunku, szkicu czy modelu przedmiotu, ale także dla dowolnej specjalności, którą student wybierze później. Cechy te to przede wszystkim figuratywność i logiczne myślenie, są warunkiem kreatywności w każdej działalności człowieka. Cechy te przejawiają się już u dzieci w wieku szkolnym w plastyce, która staje się potrzebą rozwijającej się osobowości. Zajęcia te w większym stopniu przyczyniają się do manifestacji indywidualności ucznia, co stwarza szczególnie sprzyjające warunki do rozwoju zdolności twórczych.

Prowadząc zajęcia wizualne muszę pamiętać, że nie jest to zwykły trening, na którym po prostu czegoś się uczą, czegoś się uczą, ale aktywność artystyczna i twórcza, która wymaga od dzieci pozytywnego nastawienia emocjonalnego, chęci kreowania wizerunku , obraz, ubiegający się o ten wysiłek umysłowy i fizyczny. Bez tego sukces jest niemożliwy.

Przywiązuję dużą wagę w edukacji i wychowaniu dzieci do obcowania z naturą. To natura w całym swoim pięknie inspiruje ludzi do tworzenia: przedstawiania, dekorowania, budowania.

Natura obdarzyła dzieci zdolnością żywego, emocjonalnego wczuwania się w to, co nowe, holistycznego postrzegania świata. W przeciwieństwie do dorosłych, dzieci nie mają narzędzi, aby wyrazić to, co czują. Ta złożona treść ideologiczna i emocjonalna przedmiotu na początku żyje tylko w duszy dziecka, jest „niewidzialna”, nie ma gotowego wyglądu. Trzeba go sobie wyobrazić, czyli nadać mu odpowiedni obraz i formę, w której idea stanie się widoczna, namacalna, dostępna dla innych ludzi. Aby to zrobić, muszę wzbogacić arsenał sposobów wyrażania siebie przez dzieci, muszę dać dziecku możliwość poznawania świata i manipulowania nim.

Czasem można spotkać się z opinią, że dziecko działa twórczo, gdy nauczyciel daje mu pełną swobodę w rysowaniu tematów: wyboru tematu, momentu, formy obrazu. Im szerszy jest ten wybór, tym bardziej sprzyjają warunki do manifestacji jego inicjatywy. Na przykład podczas pracy nad ilustracją wskazywana jest bajka, z której może wybrać dowolny moment. Albo jeszcze szerzej: może wybrać dowolną bajkę. Jednak w tych przypadkach nie ma konkretnego zadania, które powinno stymulować dziecko do aktywnego poszukiwania środków wizualnych w rozwiązaniu odpowiedzi na przypisane mu zadanie wzrokowe. Innymi słowy, powierzone mu zadanie jest tak szerokie i niejednoznaczne, że każdy obraz może oznaczać, że zadanie zostało wykonane. Doświadczenie pokazuje, że w takich przypadkach dzieci wybierają drogę najmniejszego oporu. Przedstawiają to, co widzieli na rysunkach swoich towarzyszy, na ilustracjach książkowych lub to, co mówi im nauczyciel rysunkiem na tablicy. Ale takie wykonanie rysunku nie wymaga wielkiej aktywności, siły woli, obciążenia pamięci i innych elementów prawdziwego poszukiwania.

Oznacza to, że nie wszystkie formy nauczania rozwijają u dzieci zdolności twórcze. Jedność stymulacji edukacyjnej i twórczej musi być realizowana poprzez zadania wprowadzające uczniów w elementarne pojęcia i wyobrażenia o rzeczywistości i cechach obrazu na płaszczyźnie, poprzez rozwijanie różnych umiejętności opanowania podstaw realistycznego obrazu. Zadania te obejmują różnorodne ćwiczenia podstawowe. Mogą być spowodowane różnymi zadaniami edukacyjnymi w pracy z natury, z pamięci i wyobraźni, w pracach dekoracyjnych. Oprócz krótkich, prostych ćwiczeń-etiud zaliczam również bardziej złożone, złożone zadania, w których rozwiązuje się kilka zadań jednocześnie. Z drugiej strony konieczne jest zawężanie i konkretyzacja zadań tematycznych, czyli stawiam dzieciom konkretne zadania wizualne, które muszą rozwiązać samodzielnie. W tych warunkach oba kierunki (kształcenie umiejętności czytania i pisania oraz rozwój kreatywności) są z powodzeniem realizowane. Inicjatywa dziecka, jego twórcze poszukiwania muszą mieć miejsce we wszystkich zadaniach.

Ważnym warunkiem rozwoju wyobraźni twórczej dzieci jest stosowanie różnorodnych materiałów i technik, a także zmiana rodzajów aktywności wzrokowej.

Najbardziej efektywna konstrukcja treści kształcenia jest zmienna, ponieważ pozwala na stosowanie zróżnicowanego podejścia do uczniów, umożliwia uczniom realizację swoich umiejętności zgodnie z ich indywidualnymi możliwościami.

Opanowanie jak największej liczby różnych technik pozwala wzbogacić i rozwinąć wewnętrzny świat dziecka, wykazać się kreatywną wyobraźnią - umiejętnością tworzenia zmysłowego obrazu, który ujawnia wewnętrzną treść.

Konieczne jest rozbudzenie w dziecku osobistego zainteresowania sztuką. Pomagają mi w tym zadania, które wymagają wyrażenia własnego poczucia postawy, nastroju i intencji.

Zadania twórcze mają charakter otwarty, nie mają poprawnej odpowiedzi. Odpowiedzi jest tyle, ile dzieci. Moją rolą jest nie tylko zrozumienie i podejmowanie różnorodnych decyzji, ale także pokazanie dzieciom zasadności tych różnic.

Wykorzystanie technologii komputerowej umożliwia rozwijanie zainteresowań plastyką w nowej jakości. Aby osiągnąć jak najlepsze wyniki w nauce i rozwijaniu zdolności twórczych, technologie komputerowe są niezbędne, ponieważ mają większe możliwości, pozwalają uzyskać maksymalny wynik przy minimalnych kosztach.

Wykorzystanie komputera na lekcjach plastyki pozwala aktywnie rozwijać zdolności twórcze i poznawcze każdego ucznia; tworzy nastrój emocjonalny, co z kolei pozytywnie wpływa na rozwój twórczości artystycznej.

Wszystkie interesujące ustalenia dotyczące rozwoju wyobraźni dzieci są systematyzowane w celu organizacji kolejnych wystaw zbiorowych i indywidualnych prac dzieci.

. Pedagog jako organizator i lider procesu kształcenia w zakresie sztuk plastycznych

Nauczyciel sztuki. rozwija gust estetyczny, wiedzę i umiejętności plastyczne, pielęgnuje pragnienie wiedzy do perfekcji, aby wszystko wokół było lepsze i piękniejsze. Nauczyciel wyznacza uczniowi zadania edukacyjne, porządkuje jego obserwacje w procesie konstruowania obrazu według określonego systemu, uczy analizy przyrody w procesie konstruowania obrazu, wskazuje drogę do najszybszego przyswojenia materiału edukacyjnego, uczy analizować, kieruje uwagę na najważniejsze cechy konstrukcji, uważnie monitoruje pracę myśli ucznia, stale ją kierując, wspierając. nie tracąc z oczu swojej pracy. Od pierwszej klasy kładzie podwaliny wiedzy i umiejętności realistycznego obrazu dla uczniów, odrywa ich od naiwnego i prymitywnego rysunku.

Po wyjaśnieniu nauczyciel chodzi po klasie i obserwuje pracę dzieci. Zauważywszy błąd, zwraca na niego uwagę ucznia lub kilku uczniów i wyjaśnia przyczynę błędu.

Podczas prezentacji materiału edukacyjnego konieczne jest, aby wszyscy uczniowie rozumieli temat, utrzymywali uwagę uczniów, umiejętnie prezentując temat lekcji, komplikując zadania w czasie. Ucząc rysunku z natury, nauczyciel zwraca uwagę na zagadnienia obserwacji, postrzegania i analizy przyrody, objaśnienia ilustruje rysunkami na tablicy lub pomocach dydaktycznych. Rysunek pedagogiczny aktywizuje do pracy, zwiększa zainteresowanie: sztuką. Możesz skorzystać z metody: wstępne przygotowanie tablicy do lekcji, obrysowanie kropkami wymiarów i proporcji przyszłego obrazka, a już podczas lekcji szybkie odtworzenie rysunku według tych wskazówek.

Przejrzyste planowanie pracy na lekcjach zapewnia dystrybucję materiałów edukacyjnych w tech. całkowite konto. roku intensywność zajęć uzależniona jest od ilości materiału dydaktycznego. Taki system pozwala efektywnie wykorzystać czas nauki, jasno zaplanować pracę nad programem na cały rok. Podczas lekcji nauczyciel podaje niezbędne koncepcje, ujawnia kolejność prezentacji materiału edukacyjnego, sposoby korzystania z pomocy wizualnych, w podsumowaniu lekcji konieczne jest jak najdokładniejsze przedstawienie metodyki pracy z klasą możliwy.

. Planowanie i organizacja pracy dydaktyczno-wychowawczej w zakresie sztuk plastycznych na rok akademicki i kwartał. Ilustrowany kalendarzowo-tematyczny plan zajęć plastycznych

Główne funkcje nauczyciela plastyki w szkole: wychowawcza, wychowawcza i organizacyjna.

Sukces każdej firmy zależy od jej organizacji. Organizacja procesu edukacyjnego to rozplanowanie całego materiału przedmiotu od lekcji do roku i wszystkich lat studiów. Aby osiągnąć systematyczną, spójną i akceptowalną wiedzę, umiejętności i zdolności, trzeba planować pracę z dziećmi na przestrzeni lat. W tym celu sporządzają plan tematyczny na dany rok (inna nazwa to plan kalendarzowo-tematyczny).

Formy planu tematycznego:

karta czasu pracy to tabela z sekcjami: klasa, kwadrans, numer lekcji, temat lekcji, zadanie praktyczne, materiały do ​​wykonania zadania, notatka;

ilustrowana forma jest mozaiką rysunków ułożonych w logiczny układ (patrz rysunek 1), dzięki ilustracjom ujawniającym temat lekcji, materiały obrazkowe, stopień trudności zadania, czytelny jest plan tematyczny;

formularz łączony to system kart (patrz rysunek 2), które zawierają nie tylko ogólne informacje o planowanej lekcji, które są wymagane do planowania tematycznego, ale także część informacji planistycznych (sprzęt do lekcji, plan lekcji, metody nauczania i wychowania) i techniki).

Orientacja moralna treści zajęć.

Zgodność zaplanowanego materiału z programem.

Dostępność zaplanowanego materiału dla wieku dzieci.

Konsekwentne zwiększanie złożoności zadań uczenia się, akceptowalność materiału lekcji.

Obecność połączeń międzyprzedmiotowych i międzylekcyjnych (zasada blokowo-tematyczna planowania).

Zgodność z kalendarzem przyrodniczym i społecznym.

Podczas opracowywania planu tematycznego należy wziąć pod uwagę następujące kwestie:

) liczba lekcji w roku - 35;

) liczba lekcji w kwartałach: w I i II kwartale - po 8 lekcji, w III kwartale - 12 godzin, w IV kwartale - 7 godzin.

) terminy kwartałów akademickich: I kwartał: 1 września - 5 listopada; II kwartał: 10 listopada - 30 grudnia; III kwartał: 12 stycznia - 22 marca; IV kwartał: 1 kwietnia - 30 maja.

Kreatywność nauczyciela wyraża się przede wszystkim w logice konstruowania bloków lekcji z proponowanych tematów lekcji programami.

Na przykład: Blok sztuk pięknych na temat „Święto ludowe” może obejmować lekcje o następujących tematach:

„Krajobraz ojczyzny” (rysunek tematyczny).

„Cechy wystroju mieszkania narodowego i strojów ludów zamieszkujących terytorium regionu” (rozmowa ze szkicami elementów wystroju domu i stroju).

„Dekoracyjna martwa natura”, złożona z przedmiotów gospodarstwa domowego (czerpiąc z natury).

„Szkice postaci ludzkiej w ruchu z natury”.

„Święta ludowe” („Jarmark”) (praca indywidualna, grupowa lub zbiorowa nad panelem tematycznym) Współczesne wymagania dotyczące zarządzania placówką oświatową wymagają kompetentnego podejścia do organizacji procesu edukacyjnego ze strony korpusu administracyjnego i pedagogicznego. Program nauczania jest dokumentem normatywnym, który określa: 1) treść podstawowej wiedzy i umiejętności z każdego przedmiotu akademickiego; 2) logikę i kolejność studiowania tematów; 3) łączny czas poświęcony na studiowanie określonych tematów. Programy nauczania dzielą się na kilka głównych typów: 1) programy standardowe; 2) programy pracy; 3) programy autorskie. Na poziomie instytucji edukacyjnej opracowano jednolite podejście do opracowywania i projektowania programów pracy dla nauczycieli. Program roboczy szkoleń i dyscyplin. Program pracy jest dokumentem regulacyjnym i zarządczym instytucji edukacyjnej, który charakteryzuje system organizacji działań edukacyjnych nauczyciela. Głównymi dokumentami określającymi wymagania dotyczące poziomu wyszkolenia uczniów i minimalnych treści kształcenia są: państwowy standard edukacyjny (komponenty federalne i narodowo-regionalne); podstawowy program nauczania szkół w Federacji Rosyjskiej, w tym dystrybucja treści kształcenia w podziale na obszary kształcenia, dyscypliny naukowe, wzorcowe (przykładowe) programy kształcenia dla każdej dyscypliny naukowej podstawy programowej. Specyfika programu pracy polega na tym, że jest on tworzony dla konkretnej (konkretnej) instytucji edukacyjnej, a indywidualność polega na tym, że jest on opracowywany przez nauczyciela dla jego działalności. Program pracy nauczyciela powinien więc pokazywać, w jaki sposób, uwzględniając specyficzne uwarunkowania, potrzeby edukacyjne i specyfikę rozwoju uczniów, nauczyciel tworzy indywidualny pedagogiczny model edukacji oparty na stan- dardach państwowych. Program pracy przedmiotu jest indywidualnym narzędziem nauczyciela, zapewniającym najbardziej optymalne i efektywne treści, formy, metody i techniki organizacji procesu edukacyjnego dla danej klasy w celu uzyskania wyniku spełniającego wymagania normy. Plan tematyczny Dla nauczyciela planowanie tematyczne jest głównym dokumentem w ćwiczeniu. Jest kompilowany przez określony czas, ale najczęściej przez rok. Głównym celem tego dokumentu jest zaplanowanie zajęć lekcyjnych nauczyciela. Planowanie najczęściej przedstawiane jest w formie tabeli, która zawiera kilka obowiązkowych pozycji: numer lekcji, temat lekcji, cel i cele lekcji, treść lekcji, materiał dodatkowy, praca domowa. Plan tematyczny powinien również wskazywać: - kontrolę, laboratorium, zajęcia praktyczne (liczba), wykaz wycieczek - wymagania dotyczące poziomu przygotowania studentów do każdego tematu (wiedza, umiejętności) itp. Ogólne wymagania dotyczące planowania: zgodność z zawartość programów;

przestrzeganie ilości godzin zawartych w programie, programie nauczania;

zmiana rodzajów zawodów;

zgodność z wydarzeniami z życia społeczeństwa i studentów;

przestrzeganie zasad dydaktyki. Zarys planu powinien odzwierciedlać następujące punkty:

§ miejsce lekcji w systemie zajęć; temat lekcji; klasę, w której się odbywa; cele kształcenia, rozwoju i wychowania; rodzaj lekcji; pomoce dydaktyczne (w tym oprogramowanie); strukturę lekcji, ze wskazaniem kolejności jej etapów i przybliżonego rozkładu czasu; treść materiału dydaktycznego, system ćwiczeń i zadań do organizacji zajęć uczniów, metody nauczania na każdym etapie lekcji, formy organizacji zajęć edukacyjnych uczniów, Praca domowa.

Temat lekcji: Zajęcia: Cele: edukacyjne - Rodzaj lekcji: Narzędzia dydaktyczne:

edukacyjny - opanować koncepcję…, rozwinąć umiejętności…, rozwinąć umiejętności stosowania…, uogólnić i usystematyzować wiedzę o…

wychowawczy - wychowanie do moralności, aktywności, pracowitości, ...

rozwój - rozwój algorytmicznego stylu myślenia, kombinatoryczny ...

Rodzaje lekcji:

lekcja w nauce i podstawowa konsolidacja nowej wiedzy lekcja w kształtowaniu umiejętności

lekcja dotycząca zastosowania wiedzy, umiejętności i zdolności lekcja dotycząca uogólnienia i systematyzacji wiedzy

lekcja kontroli i korekty wiedzy, lekcja umiejętności łączona

. Rysunek pedagogiczny na lekcjach plastyki w szkole. Rodzaje rysunku pedagogicznego. Wymagania dotyczące realizacji rysunków pedagogicznych

Najważniejsze w rysunku pedagogicznym jest zwięzłość obrazu, jego prostota i przejrzystość. Rysunki na tablicy powinny oddawać główną myśl nauczyciela, pomijając wszystko, co poboczne i drugorzędne. Na lekcjach rysunku wizualizacja uczenia się jest najważniejsza, będąc jednym z głównych źródeł informacji o studiowanym materiale. Na podstawie wrażenia wizualnego otrzymanego podczas egzaminu, któremu towarzyszy wyjaśnienie nauczyciela, uczniowie uzyskują pełny obraz studiowanego materiału, łatwiej im zrozumieć, zrozumieć i zapamiętać najważniejsze w temacie lekcji.

Wizualne metody nauczania

Rysunek na tablicy pomaga zrozumieć to, co widać, wpływa na rozwój umysłowy dziecka, poprawność jego sądów.

Szkic nauczyciela na marginesie rysunku ucznia jest potrzebny, jeśli u jednego lub dwóch uczniów widać błąd w rysunku i nie ma sensu odwracać uwagi całej klasy.

Poprawianie błędów w rysunku ucznia ręką nauczyciela ma duże znaczenie edukacyjne. Obserwując pracę nauczyciela w swoim albumie, uczeń zapamiętuje wszystkie szczegóły tego procesu, a następnie próbuje zrobić to, co powiedział nauczyciel.

Dużą rolę w nauce odegra pokaz rysunków wybitnych artystów, gdyż uczeń, patrząc na rysunek wykonany ręką wielkiego mistrza, widzi, jaką wyrazistość można osiągnąć rysując zwykłym ołówkiem. .

Zasada widoczności wymaga takiej prezentacji materiału (edukacyjnego), w której koncepcje i pomysły uczniów stają się jaśniejsze i bardziej szczegółowe. Główną uwagę w nauczaniu rysunku z natury zwraca się na prawidłowy obraz przyrody, na prawidłowe oddanie zjawisk perspektywicznych, cechy światłocienia, projekty obiektów. Aby ułatwić te podstawowe zadania, pożądane jest zainstalowanie obok natury specjalnych modeli (wykonanych z drutu i tektury), aby malarz mógł wyraźnie zobaczyć i wyraźnie zrozumieć to lub inne zjawisko, zrozumieć projekt kształtu przedmiotu, jego charakterystyczne cechy.

Główne pomoce wizualne używane w rysowaniu lekcji z życia:

schematyczne rysunki i tabele;

odlewy rzeźb klasycznych, modele druciane;

specjalne modele i urządzenia do demonstrowania perspektywy i światłocienia;

rysunki i tabele metodycznej sekwencji prac nad obrazem;

reprodukcje obrazów i rysunków mistrzów;

filmy ujawniające technikę pracy ołówkiem i pędzlem;

specjalne urządzenia - „Koło kolorów” i „Koło tonów” dla rozwoju poczucia koloru i tonu u dzieci.

. Widoczność jako sposób aktywizacji aktywności wizualnej uczniów

Zasada widoczności polega na wizualnym postrzeganiu obiektu w każdym typie zajęć rysunkowych: rysowanie z życia, rysowanie na tematy, DPI, rozmowy o sztuce.

Rysowanie z natury jest metodą wizualnego uczenia się. Wizualizacja w nauczaniu rysunku z natury traktujemy jako wiodący środek nauczania.

Najlepszym sposobem wizualnego uczenia się jest rysunek nauczyciela na tablicy, kartce lub na marginesach pracy ucznia. Pomaga zrozumieć to, co zobaczył, wpływa na poprawność pracy. Najważniejsze jest zwięzłość obrazu, prostota i przejrzystość.

Wizualizacja jest skuteczniejsza niż wyjaśnienie werbalne. Jan A. Komeński ogłosił zasadę wizualizacji „złotą zasadą dydaktyki”. Tabele metodyczne wyraźnie ujawniają kolejność i cechy wykonania rysunku, możliwości techniki wykonania, za pomocą jakich środków można osiągnąć ekspresję emocjonalną.

Duże znaczenie dydaktyczno-edukacyjne ma pokaz ilustracji obrazów wybitnych artystów z podręczników metodycznych, na których przykładach można jasno pokazać, jak analizować przyrodę,

Czerpiąc z natury, główny nacisk kładzie się na jej prawidłowy przekaz. Aby ułatwić zadanie, pożądane jest zainstalowanie specjalnych modeli obok natury, aby zrozumieć projekt kształtu obiektu i jego charakterystyczne cechy. Wizualizacja: diagramy, rysunki, tabele, modele gipsowe, modele z drutu, plexi i tektury pomagają uczniowi prawidłowo dostrzec formę, strukturę, kolor i fakturę. Sekwencję nad obrazkiem należy traktować jako ujawnienie konkretnych zadań edukacyjnych.

. Problem z nauką. Metody uczenia się problemowego. Rodzaje lekcji

W zależności od celu, zadania szkoły nauczanie może być problematyczne i nieproblemowe. .

Główne funkcje uczenia się opartego na problemach. Opierając się na zadaniu szkoły ogólnokształcącej oraz na podstawie wniosków płynących z porównania tradycyjnego typu kształcenia z problemowym, można sformułować główne funkcje nauczania problemowego. Można je podzielić na ogólne i specjalne. Można wskazać następujące ogólne funkcje uczenia się problemowego: przyswajanie przez uczniów systemu wiedzy i metod aktywności umysłowej i praktycznej, rozwój intelektu uczniów, czyli ich samodzielności poznawczej i zdolności twórczych, kształtowanie dialektycznego myślenia uczniów, kształtowanie wszechstronnie rozwiniętej osobowości. Ponadto uczenie się przez rozwiązywanie problemów pełni również następujące funkcje: rozwijanie umiejętności twórczego przyswajania wiedzy (stosowanie systemu technik logicznych lub indywidualnych metod twórczej aktywności), rozwijanie umiejętności twórczego stosowania wiedzy (zastosowanie zdobytej wiedzy w nowej sytuacji) oraz umiejętność rozwiązywania problemów wychowawczych, kształtowanie i gromadzenie doświadczeń, aktywność twórcza (opanowanie metod badań naukowych, rozwiązywanie praktycznych problemów i artystycznego odzwierciedlenia rzeczywistości), kształtowanie motywów uczenia się , społeczne, moralne i poznawcze.

Metoda prezentacji monologowej. Nauczyciel podaje fakty w określonej kolejności, podaje im niezbędne wyjaśnienia, demonstruje eksperymenty w celu ich potwierdzenia. Wykorzystaniu pomocy wizualnych i technicznych pomocy dydaktycznych towarzyszy tekst wyjaśniający. Nauczyciel ujawnia tylko te powiązania między zjawiskami i pojęciami, które są potrzebne do zrozumienia tego materiału, wprowadzając je w kolejności informacji. Naprzemienność faktów budowana jest w logicznej kolejności, jednak w trakcie kierowania uwagi studentów na analizę związków przyczynowo-skutkowych nie jest ona precyzowana. Nie podaje się faktów „za” i „przeciw”, natychmiast podaje się prawidłowe wnioski końcowe. Jeśli powstają sytuacje problemowe, to tylko w celu przyciągnięcia uwagi uczniów, ich zainteresowania. W celu stworzenia sytuacji problemowej nauczyciel najczęściej zmienia jedynie kolejność przekazywanych faktów, demonstracji, eksperymentów, pokazuje pomoce wizualne i jako dodatkowe elementy treści wykorzystuje ciekawostki z historii rozwoju badanego pojęcia lub fakty, które mówią o praktycznym zastosowaniu zdobytej wiedzy w nauce i technice. Rola ucznia przy stosowaniu tej metody jest raczej bierna, poziom samodzielności poznawczej niezbędnej do pracy tą metodą jest niski.

Rozumująca metoda nauczania. Jeśli nauczyciel ma na celu pokazanie przykładu badania sformułowania i rozwiązania całościowego problemu, wówczas stosuje metodę wnioskowania. Jednocześnie materiał jest podzielony na części, nauczyciel na każdym etapie zapewnia system pytań retorycznych o problematycznym charakterze, aby zachęcić uczniów do mentalnej analizy sytuacji problemowych, ujawnia obiektywne sprzeczności treści, ale sam rozwiązuje zdania typu narracyjnego i pytającego, nie stawia się pytań informacyjnych (tj. takich, na które należy odpowiedzieć, aby odtworzyć poznaną już wiedzę, udzielić informacji o poznanej wiedzy), narracja prowadzona jest w formie wykładu. Metoda restrukturyzacji materiału do pracy tą metodą różni się przede wszystkim tym, że system pytań retorycznych jest wprowadzany do treści jako dodatkowy element konstrukcyjny. Kolejność przedstawianych faktów dobierana jest w taki sposób, aby obiektywne sprzeczności treści zostały przedstawione szczególnie uwypuklone, wypukłe, wzbudziły zainteresowanie poznawcze uczniów i chęć ich rozwiązania. . Po wybraniu rozumowej metody nauczania nauczyciel w procesie organizowania procesu asymilacji posługuje się wyjaśniającą metodą nauczania, której istotą jest to, że „obejmuje ona komunikowanie przez nauczyciela faktów tej nauki, ich opis i wyjaśnienie czyli odsłania istotę nowych koncepcji za pomocą słowa, wizualizacji i praktycznego działania.”

Dialogiczna metoda prezentacji. Jeżeli nauczyciel stawia sobie za zadanie zaangażowanie uczniów w bezpośredni udział w realizacji metody rozwiązania problemu w celu ich aktywizacji, zwiększenia zainteresowania poznawczego, zwrócenia uwagi na to, co już jest znane w nowym materiale, on, wykorzystując sama konstrukcja treści, uzupełnia jej strukturę o pytania informacyjne, odpowiedzi udzielane przez studentów. Stosowanie dialogicznej metody nauczania zapewnia wyższy poziom aktywności poznawczej uczniów w procesie uczenia się, ponieważ są oni już bezpośrednio zaangażowani w rozwiązywanie problemu pod okrutną kontrolą nauczyciela.

Heurystyczna metoda prezentacji. Metodę heurystyczną stosuje się tam, gdzie nauczyciel dąży do nauczenia uczniów poszczególnych elementów rozwiązywania problemów, zorganizowania cząstkowego poszukiwania nowej wiedzy i sposobów działania. W metodzie heurystycznej nauczyciel stosuje taką samą konstrukcję materiału edukacyjnego, jak w metodzie dialogowej, ale niejako uzupełnia jego strukturę, wyznaczając uczniom zadania i zadania poznawcze na poszczególnych etapach rozwiązywania problemu edukacyjnego. Forma realizacji tej metody polega więc na połączeniu heurystycznej rozmowy z rozwiązywaniem problematycznych zadań i zadań. Istota metody heurystycznej polega na tym, że odkrycia nowego prawa, reguły itp. nie dokonuje nauczyciel przy udziale uczniów, ale sami uczniowie pod kierunkiem i przy pomocy nauczyciela.

metoda badań. Koncepcję metody badawczej najpełniej ujawnił I. Ya Lerner, określając metodę badawczą jako metodę organizującą proces asymilacji poprzez „rozwiązywanie problemów i zadań problematycznych. Jej istotą jest to, że nauczyciel konstruuje system metodologiczny problemów i zadań problemowych, dostosowuje go do konkretnej sytuacji procesu edukacyjnego, przedstawia uczniom, zarządzając w ten sposób ich działaniami edukacyjnymi, a uczniowie, rozwiązując problemy, zapewniają zmianę w strukturze i poziom aktywności umysłowej, stopniowo opanowując procedurę twórczości, a jednocześnie twórczo przyswajają metody poznania. Prowadząc lekcję metodą badawczą, ponownie wykorzystuje się tę samą konstrukcję materiału i przyjmuje się elementy struktury metody heurystycznej oraz kolejność pytań, instrukcji, zadań. Jeżeli w procesie wdrażania metody heurystycznej te pytania, instrukcje i zadania mają charakter proaktywny, to znaczy są stawiane przed rozwiązaniem podproblemu składającego się na treść tego etapu lub w trakcie jego rozwiązywania i pełni funkcję przewodnią w procesie rozwiązania, to w przypadku zastosowania metody badawczej pytania zadawane są na końcu etapu, po rozwiązaniu przez większość studentów podproblemu.

Metoda zadań programowanych. Metodą zaprogramowanych zadań jest ustalenie przez nauczyciela systemu zaprogramowanych zadań. O poziomie skuteczności ćwiczenia decyduje obecność sytuacji problemowych oraz możliwość samodzielnego formułowania i rozwiązywania problemów. Zastosowanie zaprogramowanych zadań wygląda następująco: każde zadanie składa się z poszczególnych elementów ramki; jedna ramka zawiera część przerabianego materiału, sformułowaną w formie pytań i odpowiedzi lub w formie prezentacji nowych zadań lub w formie ćwiczeń. W wyniku przeprowadzonych prac możemy stwierdzić, że na tym etapie rozwoju człowieka uczenie się oparte na problemach jest po prostu konieczne, ponieważ uczenie się oparte na problemach kształtuje harmonijnie rozwiniętą osobowość twórczą zdolną do logicznego myślenia, znajdowania rozwiązań w różnych sytuacjach problemowych , zdolny do systematyzacji i gromadzenia wiedzy, zdolny do wysokiej introspekcji, samorozwoju i samokorekty.

edukacja artystyczna w zakresie sztuk plastycznych

30. Metody nauczania plastyki na różnych poziomach edukacji szkolnej (Kontynuacja przedszkolnych placówek oświatowych i szkół podstawowych, szkół podstawowych i gimnazjów, gimnazjów i szkół ponadgimnazjalnych)

Celowe i skoordynowane kierowanie aktywnością wzrokową dziecka, uwzględniające zarówno dotychczasowy, jak i późniejszy rozwój artystyczny, jest warunkiem koniecznym udanej edukacji estetycznej.

Przestrzeganie ciągłości w nauczaniu dzieci sztuk plastycznych determinuje jasne określenie zakresu wiedzy, umiejętności i zdolności, które młodsi uczniowie powinni opanować na odrębnych lekcjach, na odrębne tematy, działy w ciągu całego roku szkolnego w oparciu o zasób wiedzy, umiejętności i zdolności że miały zajęcia plastyczne w przedszkolu lub w rodzinie. Szczególną uwagę należy zwrócić na określenie specyficznych powiązań między głównymi formami organizacyjnymi nauczania dzieci plastycznych w wieku przedszkolnym i szkolnym.

Szkoły i przedszkola mają wspólne cele i zadania w nauczaniu dzieci podstaw alfabetyzacji wizualnej. Ciągłość treści zajęć plastycznych w grupach starszych przedszkola i szkoły podstawowej:

Przedszkole regularnie prowadzi zajęcia z rysunku, modelarstwa, aplikacji i projektowania. W szkole prowadzone są zajęcia plastyczne. Rzeźbienie, aplikacja i projektowanie w klasach podstawowych odbywa się na lekcjach przyuczenia do pracy. Program zajęć plastycznych dla klas I-III zwraca uwagę na potrzebę ujednolicenia zadań i treści tych lekcji. 2. Rodzaje rysunku w starszych grupach przedszkola i klasach podstawowych szkoły są takie same. Istnieją tylko pewne różnice w ich nazwach.

W programach przedszkola i szkoły podstawowej koordynowane są umiejętności i zdolności niezbędne do aktywności wzrokowej dziecka. 4. Analiza szczegółowych zadań programów grup seniorów przedszkola pozwala stwierdzić, że dziecko wchodzące do szkoły z przedszkola jest w pełni przygotowane do pomyślnego przejścia materiału edukacyjnego, do dalszego opracowywania kreatywnych kompozycji, ilustracji, wzory. Jest przygotowany do percepcji i dalszego badania formy, przestrzeni, wzorców, nauki o kolorze i kompozycji. Tym samym zadania przewidziane w programach, przykładowe zadania i treści wiadomości, umiejętności i zdolności z zakresu plastyki w przedszkolu i klasach podstawowych, ogólny rozwój sześcio- siedmioletniego dziecka pozwalają na zapewnienie ciągłości w plastyce przedszkolaków i młodszych uczniów. Wymaga to jednak spełnienia następujących warunków:

Tym samym ścisłe przestrzeganie zadań wychowawczych przewidzianych programem nauczania w przedszkolu i programem plastycznym w klasach podstawowych zapewni ciągłość aktywności wzrokowej przedszkolaków i młodszych uczniów, co jest warunkiem koniecznym rozwoju umysłowego dzieci, kształtowanie ich emocjonalnego i estetycznego stosunku do rzeczywistości. Zasada ciągłości oznacza, że ​​działania edukacyjne, zwłaszcza na początkowym etapie, prowadzone są pod bezpośrednim nadzorem administracji. Rozwiązując problem sukcesji, prace prowadzone są w trzech kierunkach:

. wspólna praca metodyczna nauczycieli szkół podstawowych i przedmiotowych na poziomie średnim;

. praca ze studentami;

. pracować z rodzicami.

Ciągłość między szkołą podstawową a klasą 5 sugeruje następujące obszary:

Sztuki plastyczne jako jeden z przedmiotów w szkole ogólnokształcącej zajmują ważne miejsce w kształceniu uczniów. Uważna analiza i uogólnienie najlepszych doświadczeń pedagogicznych wskazuje, że sztuki plastyczne są ważnym środkiem kształtowania osobowości ucznia. Sztuki plastyczne, które swoją widzialnością są szczególnie bliskie młodszym uczniom, zajmują jedno z czołowych miejsc w procesie rozwijania zdolności twórczych dzieci, twórczego myślenia, oswajania ich z pięknem rodzimej przyrody, otaczającej rzeczywistości i wartości duchowych sztuki. Ponadto zajęcia plastyczne pomagają dzieciom opanować szereg umiejętności z zakresu działań wizualnych, konstrukcyjnych i dekoracyjnych.

cel pisanie tej pracy semestralnej ma na celu rozważenie cech metodyki nauczania plastyki w szkole podstawowej, czyli w klasach I-IV.

W pracy umieszczono następujące zadania:

Studium metodyki nauczania plastyki w szkole podstawowej pod kątem jej cech,

Określenie warunków pedagogicznych skutecznego nauczania plastyki dzieci w wieku szkolnym oraz przygotowanie rocznego planu tematycznego i scenariusza lekcji dla uczniów szkół podstawowych

Rozdział 1. Cechy metodyki nauczania plastyki w szkole podstawowej

1.1. Pedagogiczne uwarunkowania nauczania plastyki w szkole podstawowej

W rozwoju twórczości artystycznej dzieci, w tym plastycznej, konieczne jest przestrzeganie zasady wolności, która jest na ogół nieodzownym warunkiem wszelkiej twórczości. Oznacza to, że twórcze dążenia dzieci nie mogą być ani obowiązkowe, ani przymusowe, a mogą wynikać wyłącznie z dziecięcych zainteresowań. Dlatego rysunek nie może być zjawiskiem masowym i powszechnym, ale dla dzieci zdolnych, a nawet tych, które nie zostaną później zawodowymi artystami, rysunek ma ogromną wartość wychowawczą; kiedy farba i rysunek zaczynają przemawiać do dziecka, opanowuje ono nowy język, który poszerza jego horyzonty, pogłębia uczucia i przekazuje mu językiem obrazów to, czego nie można w żaden inny sposób uświadomić.

Jednym z problemów związanych z rysowaniem jest to, że dzieciom ze szkoły podstawowej nie wystarcza już jedno działanie wyobraźni twórczej, nie zadowala się jakoś wykonanym rysunkiem, aby urzeczywistnić swoją twórczą wyobraźnię, musi nabyć specjalne umiejętności zawodowe, artystyczne i zdolności.

Powodzenie szkolenia zależy od prawidłowego określenia jego celów i treści, a także od sposobów osiągania celów, czyli metod nauczania. Od samego początku istnienia szkoły wśród uczonych toczyły się na ten temat kontrowersje. Przestrzegamy klasyfikacji metod nauczania opracowanej przez I.Ya. Lerner, M.N. Skatkin, Yu.K. Babansky i M.I. Pachmutow. Według badań tych autorów można wyróżnić następujące ogólne metody dydaktyczne: objaśniająco-ilustracyjne, odtwórcze i badawcze.

1.2. Metody nauczania sztuk plastycznych w I- IVklasy

Edukacja z reguły rozpoczyna się od metody objaśniająco-ilustracyjnej, która polega na przedstawianiu dzieciom informacji na różne sposoby - wizualne, słuchowe, mowy itp. Możliwe formy tej metody to przekazywanie informacji (historia, wykłady), demonstracja różnorodnych materiałów wizualnych, w tym za pomocą środków technicznych. Nauczyciel porządkuje percepcję, dzieci próbują zrozumieć nowe treści, budują przystępne powiązania między pojęciami, zapamiętują informacje do dalszej pracy z nimi.

Metoda wyjaśniająca i ilustracyjna ma na celu przyswojenie wiedzy, a do kształtowania umiejętności i zdolności konieczne jest stosowanie metody reprodukcyjnej, to znaczy wielokrotnego odtwarzania (odtwarzania) działań. Jej formy są różnorodne: ćwiczenia, rozwiązywanie stereotypowych problemów, rozmowa, powtarzanie opisu wizualnego obrazu przedmiotu, wielokrotne czytanie i zapamiętywanie tekstów, opowiadanie zdarzenia według wcześniej ustalonego schematu itp. Zarówno samodzielna praca przewidziane są przedszkolaki i wspólne zajęcia z nauczycielem. Metoda odtwórcza pozwala na użycie tych samych środków, co metoda wyjaśniająca i ilustracyjna: słowa, pomocy wizualnych, pracy praktycznej.

Metody wyjaśniająco-ilustracyjne i reprodukcyjne nie zapewniają niezbędnego poziomu rozwoju zdolności i zdolności twórczych dzieci. Metoda nauczania, mająca na celu samodzielne rozwiązywanie problemów twórczych przez przedszkolaki, nazywana jest badaniem. W trakcie rozwiązywania każdego problemu polega na manifestacji jednego lub kilku aspektów twórczej aktywności. Jednocześnie konieczne jest zapewnienie dostępności zadań twórczych, ich zróżnicowanie w zależności od przygotowania konkretnego dziecka.

Metoda badawcza ma określone formy: zadania tekstowe, eksperymenty itp. Zadania mogą być indukcyjne lub dedukcyjne, w zależności od charakteru czynności. Istotą tej metody jest twórcze zdobywanie wiedzy i poszukiwanie sposobów działania. Jeszcze raz podkreślam, że metoda ta w całości opiera się na samodzielnej pracy.

Szczególną uwagę należy zwrócić na znaczenie uczenia się opartego na rozwiązywaniu problemów dla rozwoju dzieci. Organizuje się ją za pomocą metod: badawczej, heurystycznej, prezentacji problemu. Rozważaliśmy już badania.

Inną metodą wspomagającą rozwój twórczy jest metoda heurystyczna: dzieci rozwiązują problematyczny problem z pomocą nauczyciela, jego pytanie zawiera częściowe rozwiązanie problemu lub jego etapy. On powie ci, jak zrobić pierwszy krok. Metodę tę najlepiej realizuje konwersacja heurystyczna, która niestety jest rzadko wykorzystywana w nauczaniu. Podczas korzystania z tej metody ważne jest również słowo, tekst, praktyka, pomoce wizualne itp.

Obecnie metoda prezentacji problemu stała się powszechna, wychowawca stawia problemy, ujawniając całą niekonsekwencję rozwiązania, jego logikę i dostępny system dowodowy. Dzieci kierują się logiką prezentacji, kontrolują ją, uczestniczą w procesie decyzyjnym. W trakcie formułowania problemu wykorzystuje się zarówno obraz, jak i praktyczną demonstrację działania.

Metody badawcze, heurystyka i prezentacja problemu - metody problemowego uczenia się. Ich wdrożenie w procesie edukacyjnym pobudza przedszkolaki do twórczego zdobywania i stosowania wiedzy i umiejętności, pomaga opanować metody naukowego poznania. Nowoczesna edukacja musi koniecznie obejmować rozważane ogólne metody dydaktyczne. Ich wykorzystanie w klasie sztuk pięknych odbywa się z uwzględnieniem jej specyfiki, zadań, treści. Skuteczność metod zależy od pedagogicznych uwarunkowań ich zastosowania.

Jak pokazuje doświadczenie praktycznej pracy, dla pomyślnej organizacji lekcji plastyki konieczne jest stworzenie specjalnego systemu warunków pedagogicznych. Zgodnie z różnymi podejściami pojęciowymi są one różnie definiowane. Opracowaliśmy system warunków, które bezpośrednio wpływają na rozwój kreatywności artystycznej przedszkolaków i proponujemy go rozważyć. Uważamy, że na tę grupę schorzeń składają się:

Ważnym warunkiem rozwoju twórczości artystycznej przedszkolaków w zakresie sztuk plastycznych jest korzystanie przez nauczycieli z technicznych pomocy dydaktycznych, zwłaszcza sprzętu audiowizualnego i specjalnych pomocy wizualnych. Rola wizualizacji w nauczaniu została teoretycznie uzasadniona już w XVII wieku. Ya.A. Comeniusa, później idee jego wykorzystania jako najważniejszego narzędzia dydaktycznego rozwinęły się w pracach wielu wybitnych pedagogów – I.G. Pestalozzi, K.D. Ushinsky i inni Znaczenie wizualizacji w nauczaniu podkreślali wielki Leonardo da Vinci, artyści A.P. Sapożnikow, P.P. Czistyakow i inni.

Pomyślne wdrożenie zasady wizualizacji w nauczaniu jest możliwe przy aktywnej aktywności umysłowej dzieci, zwłaszcza gdy następuje „ruch” myśli od konkretu do abstrakcji lub odwrotnie, od abstrakcji do konkretu.

Na wszystkich etapach lekcji, jeśli to możliwe, należy wprowadzić kreatywne, improwizowane i problematyczne zadania. Jednym z głównych wymagań w tym przypadku jest zapewnienie dzieciom jak największej samodzielności pedagogicznej, co nie wyklucza udzielania im pomocy pedagogicznej w razie potrzeby. Na przykład w klasach podstawowych, zwłaszcza w pierwszej, nauczyciel, oferując tę ​​lub inną fabułę, w wielu przypadkach może zwrócić uwagę przedszkolaków na najważniejszą rzecz, którą należy przede wszystkim przedstawić, może pokazać na arkuszu przybliżone położenie obiektów kompozycji. Ta pomoc jest naturalna i konieczna i nie prowadzi do bierności dzieci w plastyce. Od ograniczeń w wyborze tematu i fabuły dziecko stopniowo doprowadza się do samodzielnego wyboru.

Rozdział 2

Oto świat - i na tym świecie jestem ja.

Oto świat - i na tym świecie jesteśmy.

Każdy z nas ma swoją własną drogę.

Ale według tych samych praw tworzymy.

Niech droga będzie długa, a chleb stwórcy trudny.

A czasami mam ochotę dać luz.

Ale trzymaj ręce z dala od twarzy.

I znowu dajesz serce. I jeszcze raz.

Miłość i wiedza są jak dobrzy przyjaciele.

Zapraszamy na zajęcia.

A światło oświetla dzieci.

Wszyscy do dzwonka.

Tworzymy. Nie robimy na próżno.

Dajemy im cząstkę wiedzy

Kto do tej pory występuje jako „konsument”,

W takim razie rozwijać się jako „twórca”.

Program „Sztuki piękne i praca artystyczna” to holistyczny zintegrowany kurs, który obejmuje wszystkie główne rodzaje: malarstwo, grafikę, rzeźbę, ludową sztukę zdobniczą, architekturę, projektowanie, sztukę widowiskową i ekranową. Badane są w kontekście interakcji z innymi rodzajami sztuki i ich specyficznych związków z życiem społeczeństwa i jednostki.

Metodą systematyzującą jest wyodrębnienie trzech głównych rodzajów działań artystycznych dla wizualnych sztuk przestrzennych: konstruktywnego, obrazowego, dekoracyjnego.

Te trzy działania artystyczne stanowią podstawę podziału sztuk plastyczno-przestrzennych na typy: plastyczne – malarstwo, grafika, rzeźba; konstruktywne - architektura, projektowanie; różne sztuki i rzemiosła. Ale jednocześnie każda z tych form działalności jest nieodłącznym elementem tworzenia dowolnego dzieła sztuki i dlatego jest niezbędną podstawą do zintegrowania całej różnorodności form sztuki w jeden system, a nie według zasady wymieniania rodzajów, ale zgodnie z zasadą rodzaju działalności artystycznej. Identyfikacja zasady działania artystycznego skupia się na przeniesieniu uwagi nie tylko na dzieła sztuki, ale także na działalność człowieka, na utożsamienie jej związków ze sztuką w procesie życia codziennego.

Powiązania sztuki z życiem człowieka, rola sztuki w jej codziennej egzystencji, rola sztuki w życiu społeczeństwa, znaczenie sztuki w rozwoju każdego dziecka to główny trzon semantyczny programu. Dlatego też, podkreślając rodzaje działalności artystycznej, bardzo ważne jest ukazanie różnic w ich funkcjach społecznych.

Program ma na celu dać studentom jasne zrozumienie systemu interakcji między sztuką a życiem. Przewiduje się szerokie zaangażowanie doświadczeń życiowych dzieci, przykładów z otaczającej rzeczywistości. Praca oparta na obserwacji i doświadczaniu estetycznym otaczającej rzeczywistości jest ważnym warunkiem opanowania przez dzieci materiału programowego. Chęć wyrażania swojego stosunku do rzeczywistości powinna służyć jako źródło rozwoju myślenia figuratywnego.

Jednym z głównych celów nauczania sztuki jest zadanie rozwijania zainteresowania dziecka wewnętrznym światem człowieka, umiejętności „wnikania w siebie”, świadomości własnych przeżyć wewnętrznych. To klucz do rozwoju empatii.

Aktywność artystyczna uczniów w klasie znajduje różne formy wyrazu: obraz na płaszczyźnie iw objętości (natura, z pamięci, z przedstawienia); prace dekoracyjne i konstrukcyjne; postrzeganie zjawisk rzeczywistości i dzieł sztuki; omówienie pracy towarzyszy, wyników twórczości zbiorowej i pracy indywidualnej w klasie; badanie dziedzictwa artystycznego; dobór materiału ilustracyjnego do studiowanych tematów; słuchanie utworów muzycznych i literackich (ludowych, klasycznych, współczesnych).

Lekcje wprowadzają dramaturgię gry na badany temat, śledzone są powiązania z muzyką, literaturą, historią i pracą. Aby doświadczyć kreatywnej komunikacji, do programu wprowadzane są zadania zespołowe. Bardzo ważne jest, aby zbiorowa twórczość artystyczna uczniów znalazła zastosowanie w projektowaniu wnętrz szkolnych.

Systematyczny rozwój dziedzictwa artystycznego pomaga urzeczywistniać sztukę jako duchową kronikę ludzkości, jako wiedzę człowieka o stosunku do natury, społeczeństwa, poszukiwaniu prawdy. W toku studiów studenci zapoznają się z wybitnymi dziełami architektury, rzeźby, malarstwa, grafiki, sztuki i rzemiosła artystycznego, studiują sztukę klasyczną i ludową z różnych krajów i epok. Znajomość kultury artystycznej swojego narodu ma ogromne znaczenie.

Integralność tematyczna i spójność opracowania programu sprzyja zapewnieniu silnych emocjonalnych kontaktów ze sztuką na każdym etapie edukacji, unikając mechanicznych powtórzeń, wznoszących się z roku na rok, z lekcji na lekcję, krokami poznawania przez dziecko osobistych powiązań międzyludzkich z całym światem kultury artystycznej i emocjonalnej.

Wiedza, umiejętności i zdolności artystyczne są głównymi środkami wprowadzania do kultury artystycznej. Forma, proporcje, przestrzeń, tonacja, kolor, linia, objętość, faktura materiału, rytm, kompozycja są zgrupowane wokół ogólnych wzorców artystycznych języków figuratywnych sztuk plastycznych, dekoracyjnych i konstrukcyjnych. Studenci opanowują te środki wyrazu artystycznego w trakcie studiów.

Trzy sposoby artystycznego kształtowania rzeczywistości - obrazowy, dekoracyjny i konstrukcyjny - w szkole podstawowej stanowią dla dzieci zrozumiałe, ciekawe i dostępne rodzaje działań artystycznych: obrazy, dekoracje, budowle. Stały praktyczny udział uczniów w tych trzech zajęciach pozwala im na systematyczne wprowadzanie ich w świat sztuki. Trzeba pamiętać, że te trzy rodzaje aktywności artystycznej, prezentowane w szkole podstawowej w żartobliwy sposób jako „Bracia-mistrzowie” obrazów, dekoracji, budowli, powinny towarzyszyć uczniom przez całe lata nauki. Najpierw pomagają strukturalnie podzielić, a więc zrozumieć działanie sztuki w otaczającym nas życiu, a następnie pomagają w bardziej kompleksowym zrozumieniu sztuki.

Przy całej założonej swobodzie twórczości pedagogicznej należy stale pamiętać o wyraźnej integralności strukturalnej tego programu, głównych celach i zadaniach każdego roku i kwartału, które zapewniają ciągłość progresywnego rozwoju uczniów.

2.1. Podstawy reprezentacji plastycznych (program nauczania w szkole podstawowej)

I klasa (30-60 godz.)

Malujesz, dekorujesz i budujesz

Podstawą pierwszych, wprowadzających zajęć, są trzy rodzaje działań artystycznych, które wyznaczają całą różnorodność plastycznych sztuk przestrzennych.

Z pomocą dzieciom (i nauczycielowi) przychodzi zabawna, symboliczna forma inicjacji: „Trzej bracia-panowie – Mistrz Obrazu, Mistrz Dekoracji i Mistrz Budowy”. Odkryciem dla dzieci powinno być to, że wiele z ich codziennych, codziennych zabaw to zajęcia artystyczne – tak samo jak robią to dorośli artyści (jeszcze nie sztuka). Oglądanie pracy jednego lub drugiego brata-mistrza w otaczającym życiu to interesująca gra. Tu zaczyna się wiedza o związkach sztuki z życiem. Tutaj nauczyciel kładzie podwaliny pod wiedzę o rozległym, złożonym świecie sztuk plastycznych. Zadanie na ten rok obejmuje również uświadomienie sobie, że „Mistrzowie” pracują z określonymi materiałami, a także wstępne opracowanie tych materiałów.

Ale „Mistrzowie” nie pojawiają się przed dziećmi od razu. Początkowo znajdują się pod „czapką niewidzialności”. W pierwszym kwartale zdejmuje „kapelusz” i zaczyna otwarcie bawić się z dziećmi „Mistrz obrazu”. W drugim kwartale pomoże usunąć „czapkę niewidkę” z „Mistrza Dekoracji”, w trzecim – z „Mistrza Budownictwa”. A w czwartej pokazują dzieciom, że nie mogą bez siebie żyć i zawsze pracują razem. Trzeba też pamiętać o szczególnym znaczeniu lekcji uogólniających: w nich, poprzez pracę każdego „Mistrza”, praca plastyczna dzieci łączy się ze sztuką dorosłych, z otaczającą rzeczywistością.

Temat 1. Portretujesz.
Znajomość z „Mistrz obrazu” (8-16 godzin)

„Mistrz Obrazu” uczy widzieć i przedstawiać.
A wszystkie kolejne lata nauki pomogą w tym dzieciom - pomóż im zobaczyć, zastanowić się nad światem. Aby zobaczyć, trzeba nie tylko patrzeć, ale także rysować. Tego trzeba się nauczyć. Tutaj kładzione są tylko podwaliny zrozumienia ogromnej roli działania obrazu w życiu człowieka, w najbliższych latach nauczyciel będzie rozwijał to rozumienie. Odkrycie kwartału obejmuje również fakt, że w sztuce jest nie tylko Artysta, ale także Widz. Dobrego widza też trzeba się nauczyć, a Image Master nas tego uczy.

Zadaniem „Mistrza” jest również nauczenie dzieci podstawowego doświadczenia posiadania materiałów dostępnych w szkole podstawowej. To doświadczenie będzie pogłębiane i poszerzane we wszystkich dalszych pracach.

„Mistrz Obrazu” pomaga widzieć, uczy myśleć

Rozwój zdolności obserwacyjnych i analitycznych oka. Fragmenty natury. Zwierzęta - jak są do siebie podobne i jak się od siebie różnią.

materiały: papier, flamastry lub kredki lub kredki.

zakres wizualny: slajdy przedstawiające rysunki zwierząt lub żywych zwierząt.

Seria literacka: wiersze o zwierzętach, o nosach i ogonach.

seria muzyczna: C. Saint-Saens, suita „Karnawał zwierząt”.

Możesz zobrazować miejsce

Przyjrzyj się bliżej różnym miejscom - mech na kamieniu, piargi na ścianie, wzory na marmurze w metrze i spróbuj dostrzec w nich jakieś obrazy. Zamień to miejsce w obraz zwierzęcia. Miejsce, wklejone lub pomalowane, przygotowuje nauczyciel.

materiały: ołówek, kredki, tusz czarny, flamaster czarny.

zakres wizualny: ilustracje do książek o zwierzętach autorstwa E. Charushina, V. Lebiediewa, T. Mavriny, M. Mituricha i innych artystów pracujących jako plama.

Można przedstawić w objętości

Zamieńmy bryłę plasteliny w ptaka. Modelowanie. Spójrz i pomyśl, jakie obszerne przedmioty są do czegoś podobne, na przykład ziemniaki i inne warzywa, drewno wyrzucone na brzeg w lesie lub parku.

materiały: plastelina, stosy, deska.

zakres wizualny: slajdy naturalnych tomów wyrazistych form lub prawdziwych kamieni, których kształt coś przypomina.

Może być pokazany jako linia

Linia może powiedzieć. „Opowiedz nam o sobie” – rysunek lub seria kolejnych rysunków.

materiały: papier, czarny flamaster lub ołówek.

zakres wizualny: liniowe ilustracje książek dla dzieci, rysunki na tematy wierszy S. Marshaka, A. Barto, D. Kharmsa z wesołym, psotnym rozwojem fabuły.

Seria literacka: śmieszne wierszyki o życiu w domu.

seria muzyczna: piosenki dla dzieci o życiu w rodzinie.

Możesz zobrazować to, co niewidzialne (nastrój)

Okazuj radość i okazuj smutek. Rysujemy muzykę - zadanie polega na wyrażeniu obrazem kontrastujących nastrojowo obrazów utworów muzycznych.

materiały: biały papier, kolorowe flamastry, kredki lub kredki.

seria muzyczna: wesołe i smutne melodie.

Nasze farby

Test koloru. Radość obcowania z farbami. Opanowanie umiejętności organizacji stanowiska pracy i posługiwania się farbami. Nazwa koloru. Który w życiu przypomina każdy kolor. Zabawny obraz kolorowego, wielokolorowego dywanu.

materiały: farby, gwasz, duże i cienkie pędzle, biały papier.

Artyści i publiczność (uogólnienie tematu)

Bycie widzem jest ciekawe i niełatwe. Tego trzeba się nauczyć. Wprowadzenie do pojęcia „dzieło sztuki”. Obraz. Rzeźba. Kolor i farba w obrazach artystów. Rozwój umiejętności percepcji. Rozmowa.

zakres wizualny: V. Van Gogh „Słoneczniki”, N. Roerich „Goście z zagranicy”, V. Vasnetsov „Trzej bohaterowie”, S. Konczałowski „Liliowy”, M. Vrubel „Księżniczka łabędzi”.

Temat 2. Dekorujesz.
Znajomość z „Mistrem Dekoracji” (7-14 godzin)

„Mistrz Obrazu”, którego dzieci poznały w pierwszym kwartale, to „Mistrz Wiedzy”, uważne spojrzenie na życie. „Mistrz Dekoracji” robi w życiu coś zupełnie innego – to jest „Mistrz Komunikacji”. Organizuje komunikację między ludźmi, pomagając im otwarcie określić swoje role. Dziś idziemy na spacer, jutro do pracy, potem na bal – i swoimi ubraniami opowiadamy o tych naszych rolach, o tym, kim dzisiaj jesteśmy, co będziemy robić. Wyraźniej oczywiście ta praca „Mistrza Dekoracji” przejawia się na balach, karnawałach, w przedstawieniach teatralnych.

Tak, w naturze odróżniamy niektóre ptaki lub motyle od innych po ich dekoracjach.

Świat przyrody jest pełen dekoracji

Rozwój obserwacji. Doznania estetyczne. Dekoracja ze skrzydłami motyla. Motyl jest dekorowany według wykroju wyciętego przez nauczyciela lub może być narysowany (duży, na całej kartce) przez dzieci na lekcji. Różnorodność i piękno wzorów w przyrodzie.

materiały: gwasz, duże i cienkie pędzle, kolorowy lub biały papier.

zakres wizualny: slajdy „Motyle”, kolekcje motyli, książki z ich wizerunkiem.

Wizerunek eleganckiego ptaka w technice aplikacji objętościowej, kolażu. Rozwijanie zmysłu dekoracyjnego łączenia materiałów, ich kolorów i faktur.

materiały: wielobarwny i urozmaicony papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: slajdy i książki przedstawiające różne ptaki.

seria muzyczna: piosenki dziecięce lub ludowe z wyraźnym zabawnym, dekoracyjnym momentem (bicie dzwonka, naśladowanie śpiewu ptaków).

Piękno trzeba zobaczyć

Dyskretne i „nieoczekiwane” piękno natury. Badanie różnych powierzchni: kora drzewa, piana falista, krople na gałęziach itp. Rozwój dekoracyjnego poczucia tekstury. Doświadczenie wizualnych wrażeń poetyckich.

Obraz z tyłu kory jaszczurki lub drzewa. Piękno faktury i wzoru. Zapoznanie się z techniką monotypii jednokolorowej.

materiały: dla nauczyciela - wałek radełkowany, gwasz rozcieńczony wodą lub farbą drukarską; dla dzieci - tablica z tworzywa sztucznego, linoleum lub płytek, kawałki papieru, ołówek.

zakres wizualny: slajdy różnych powierzchni: kora, mech, zmarszczki na wodzie, a także slajdy przedstawiające jaszczurki, węże, żaby. Jeśli to możliwe - prawdziwa kora, kawałki drewna, kamienie.

Jak, kiedy, dlaczego człowiek się ozdabia

Każda ludzka biżuteria mówi coś o swoim właścicielu. Co może powiedzieć biżuteria. Rozważamy postacie z bajek - jakie mają dekoracje. W jaki sposób pomagają nam rozpoznać postacie. Wizerunki wybranych postaci z bajek i ich dekoracji.

materiały: papier kolorowy, gwasz, pędzel.

zakres wizualny: slajdy lub ilustracje z postaciami ze znanych bajek.

Seria literacka: fragmenty baśni z opisem wyglądu bohatera.

seria muzyczna: pieśni baśniowych bohaterów.

„Mistrz dekoracji” pomaga zrobić wakacje

Dekoracja pokoju. Robienie świątecznych girland i gwiazd noworocznych. Dekoracja klasy i domu na święta Nowego Roku. Panel zbiorowy „Choinka”.

materiały: kolorowy papier, nożyczki, klej, folia, serpentyna.

zakres wizualny: praca dzieci zakończona w kwartale.

Seria literacka: wiersze o święcie Nowego Roku.

seria muzyczna: Świąteczne i noworoczne piosenki świąteczne, P. Czajkowski fragmenty baletu „Dziadek do orzechów”.

Temat 3. Budujesz.
Znajomość z „Mistrem Budownictwa” (10-20 godzin)

„Mistrz Obrazu” – „Mistrz Wiedzy”, „Mistrz Dekoracji” – „Mistrz Komunikacji”, „Mistrz Konstrukcji” – to jest „Mistrz Tworzenia” obiektywnego środowiska życia.

W tej dzielnicy jego bracia zdejmują z niego „czapkę niewidkę” i przekazują mu stery rządu. Ludzie mogą poznawać świat i komunikować się tylko wtedy, gdy mają po ludzku zorganizowane środowisko. Każdy naród budował od czasów prymitywnych. Dzieci również budują swoje gry z piasku, kostek, krzeseł - z dowolnego materiału pod ręką. Przed rozpoczęciem semestru nauczyciel (z pomocą dzieci) musi zebrać jak najwięcej „materiałów budowlanych”: kartony po mleku, jogurty, buty itp.

dom dla siebie

Obraz domu wykonanego dla siebie. Rozwój wyobraźni. Pomyśl o domu. Różne domy dla różnych postaci z bajek. Jak zgadnąć, kto mieszka w domu. Różne domy do różnych rzeczy.

materiały: papier kolorowy, gwasz, pędzle; lub pisaki lub kolorowe kredki.

zakres wizualny: ilustracje książek dla dzieci przedstawiające mieszkania.

seria muzyczna: piosenki dla dzieci o budowniczych-marzycach.

Co możesz wymyślić w domu

Modelowanie bajecznych domków w postaci warzyw i owoców. Budowa pudełek i papierowych wygodnych domków dla słonia, żyrafy i krokodyla. Słoń jest duży i prawie kwadratowy, żyrafa ma długą szyję, a krokodyl jest bardzo długi. Dzieci uczą się rozumieć wyrazistość proporcji i budowę formy.

materiały: plastelina, stosy, szmata, deska.

zakres wizualny: ilustracje do bajek A. Milne „Kubuś Puchatek”, N. Nosov „Dunno w Mieście Kwiatów”, J. Rodari „Cipollino”, A. Wołkow „Czarnoksiężnik ze Szmaragdowego Miasta”.

Seria literacka: opisy bajecznych miasteczek.

seria muzyczna: muzyka do kreskówki i baletu „Cipollino”.

„Master of Building” pomaga stworzyć miasto

„Bajkowe miasto”. Obraz obrazu miasta do konkretnej bajki. Budowa miasta gry. Gra architektów.

materiały: gwasz, papier kolorowy lub biały, pędzle szerokie i cienkie, pudełka o różnych kształtach, gruby papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: ilustracje książek dla dzieci.

Seria literacka: opisy bajecznego miasta z dzieła literackiego.

Wszystko, co widzimy, ma strukturę

Twórz obrazy różnych zwierząt - projekt ogrodu zoologicznego z pudełek. Twórz pudełka z zabawnymi psami różnych ras. Materiał można zastąpić aplikacją: różne wizerunki psów powstają poprzez naklejenie na kartkę wcześniej przygotowanych jednokolorowych skrawków papieru o różnych kształtach geometrycznych.

materiały: różne pudełka, kolorowy i biały gruby papier, klej, nożyczki.

zakres wizualny: fotografie zwierząt lub reprodukcje obrazów przedstawiających zwierzęta.

Wszystkie przedmioty można zbudować

Konstrukcja z papieru, opakowań, podstawek, kwiatów i zabawek.

materiały: kolorowy lub biały papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: slajdy z różnych tematów związanych z zadaniem.

Seria literacka: wiersze o wesołych, pracowitych mistrzach.

Dom na zewnątrz i wewnątrz

Dom „patrzy” na ulicę, ale mieszkają w domu. „Wewnątrz” i „na zewnątrz” są ze sobą bardzo powiązane. Obraz domu w postaci liter alfabetu, jakby miały przezroczyste ściany. Jak małe alfabetyczne ludziki mogły mieszkać w domach-literach, jak tam są pokoje, schody, okna.

materiały: papier (biały lub kolorowy), ołówki lub kredki.

zakres wizualny: ilustracje książek dla dzieci.

Miasto, w którym mieszkamy

Zadanie: „Rysuję moje ulubione miasto”. Obraz „według wrażenia” po wycieczce.

materiały: papier, gwasz, pędzle lub kredki (do wyboru prowadzącego).

Seria literacka: Wiersze o twoim mieście.

seria muzyczna: piosenki o twoim mieście.

Uogólnienie tematu kwartału

Ćwiczenie: wystawa prac wykonanych w ćwiartce. Dzieci uczą się patrzeć na swoje prace i dyskutować o nich. Grający artyści i widzowie. Możesz zrobić panel uogólniający „Nasze miasto” lub „Moskwa”.

Temat 4. „Mistrzowie obrazu, dekoracje, budowle” zawsze pracują razem (5-10 godz.)

W naszych pracach z minionych kwartałów iw dziełach sztuki rozpoznajemy wspólną pracę „Mistrzów”.

Uogólnienie tutaj jest pierwszą lekcją. Jej celem jest pokazanie dzieciom, że nasi trzej „Mistrzowie” są tak naprawdę nierozłączni. Stale sobie pomagają. Ale każdy „Mistrz” ma swoją własną pracę, swój własny cel. A w konkretnej pracy jeden z „Mistrzów” jest zawsze główny. Oto na przykład nasze rysunki-obrazy: gdzie jest tutaj praca „Mistrza Budownictwa”? A teraz te prace zdobią salę lekcyjną. A w pracach, w których najważniejszy był „Mistrz dekoracji”, w jaki sposób pomógł mu „Mistrz obrazu”, „Mistrz konstrukcji”? Najważniejsze jest, aby pamiętać z chłopakami, jaka dokładnie jest rola każdego „Mistrza” i czego pomógł się nauczyć. Najlepsze prace dzieci z całego roku należy wyeksponować w klasie. Rodzaj wystawy reportażowej. Pożądane jest, aby każde dziecko miało jakąś wystawioną pracę. Dzieci uczą się opowiadać o swoich pracach i rysunkach swoich towarzyszy. Na koniec lekcji pokazywane są slajdy dzieł sztuki dorosłych, a dzieci powinny podkreślić „udział” każdego „Mistrza” w tych pracach: wazon z rysunkiem figuratywnym; wazon, którego kształt coś przedstawia; zdjęcie z budynkiem architektonicznym; fontanna z rzeźbą; wnętrze pałacu z jasnym wystrojem, rzeźbami i obrazami; wnętrze nowoczesnego budynku z monumentalnym malowaniem.

„Mistrzowie” pomogą nam zobaczyć świat baśni i go narysować

Panel zbiorowy i poszczególne obrazy bajki.

materiały: papier, gwasz, pędzle, nożyczki, klej, papier kolorowy, folia.

zakres wizualny: muzyka z bajki, filmu lub baletu oparta na tej bajce.

Seria literacka: bajka wybrana przez nauczyciela.

Lekcja miłości. Zdolność widzenia

Obserwacja przyrody z punktu widzenia „Trzech Mistrzów”. Kompozycja „Witaj, lato!” przez wrażenia natury.

II klasa (34-68 godz.)

ty i sztuka

Temat „Ty i Sztuka” jest najważniejszy dla tej koncepcji, zawiera podstawowe podtematy niezbędne do wstępnego zapoznania się ze sztuką jako kulturą. Oto podstawowe elementy języka (struktury figuratywnej) sztuk plastycznych i podstawy do zrozumienia ich związków z otaczającym życiem dziecka. Rozumienie języka i związki z życiem budowane są w wyraźnej sekwencji metodologicznej. Jego naruszenie jest niepożądane.

Zadaniem wszystkich tych tematów jest wprowadzenie dzieci w świat sztuki, emocjonalnie związany ze światem ich osobistych obserwacji, przeżyć i przemyśleń.

Temat 1. Czym i jak pracują artyści (8-16 godz.)

Tutaj głównym zadaniem jest zapoznanie się z możliwościami wyrazu materiałów plastycznych. Odkrywanie ich oryginalności, piękna i charakteru materiału.

Trzy podstawowe kolory, które budują wielobarwność świata

Kolory podstawowe i wtórne. Możliwość mieszania farb bezpośrednio w pracy to żywe połączenie kolorów. Przedstaw kwiaty, wypełniając dużymi obrazami cały arkusz (bez wstępnego rysunku) z pamięci i wrażenia.

materiały: gwasz (trzy kolory), duże pędzle, duże arkusze białego papieru.

zakres wizualny: świeże kwiaty, zjeżdżalnie kwiatów, kwitnąca łąka; pomoce wizualne przedstawiające trzy kolory podstawowe i ich mieszanie (kolory kompozytowe); praktyczny pokaz mieszania farb gwaszowych.

Pięć kolorów - całe bogactwo barw i tonów

Ciemno i jasno. Odcienie koloru. Możliwość mieszania kolorowych farb z bielą i czernią. Obraz elementów naturalnych na dużych arkuszach papieru dużymi pędzlami bez wstępnego rysunku: burza, burza, erupcja wulkanu, deszcz, mgła, słoneczny dzień.

materiały: gwasz (pięć kolorów), duży pędzel, duże arkusze dowolnego papieru.

zakres wizualny: osuwiska natury w wyraźnych stanach: burza, burza itp. w twórczości artystów (N. Roerich, I. Levitan, A. Kuindzhi itp.); praktyczny pokaz mieszania kolorów.

Pastel i kredki, akwarela - możliwości wyrazu

Miękkie aksamitne pastele, płynność transparentnych akwareli – uczymy się rozumieć piękno i wyrazistość tych materiałów.

Obraz jesiennego lasu (z pamięci i wrażenia) w pastelach lub akwareli.

materiały: pastel lub kredki, akwarela, biały papier, szorstka (opakowanie).

zakres wizualny: obserwacja przyrody, slajdy przedstawiające jesienny las oraz prace artystów na ten temat.

Seria literacka: A. wiersze Puszkina, wiersze S. Jesienina.

seria muzyczna: P. Czajkowski "Jesień" (z cyklu "Pory roku").

Ekspresyjne możliwości zastosowania

Pomysł na rytm plam Dywan na temat jesiennej ziemi z opadłymi liśćmi. Praca w grupach (1-3 panele), według pamięci i wrażenia.

materiały: kolorowy papier, kawałki tkaniny, nici, nożyczki, klej, papier lub płótno.

zakres wizualny: żywe liście, zjeżdżalnie jesiennego lasu, ziemia, asfalt z opadłymi liśćmi.

Seria literacka: F. Tiutchev „Liście”.

seria muzyczna: F. Chopin nokturny, P. Czajkowski "Wrzesień" (z cyklu "Pory roku").

Możliwości ekspresyjne materiałów graficznych

Piękno i wyrazistość linii. Cienkie i grube, ruchome i lepkie linie. Obraz zimowego lasu na białych kartkach (z wrażenia iz pamięci).

materiały: tusz (czarny gwasz, tusz), pióro, różdżka, cienki pędzelek lub węgiel drzewny.

zakres wizualny: obserwacje przyrody lub zimowe zjeżdżalnie drzew leśnych.

Seria literacka: M. Prishvin „Opowieści o naturze”.

seria muzyczna: P. Czajkowski „Grudzień” (z cyklu „Pory roku”).

Ekspresyjność materiałów do pracy w objętości

Obraz zwierząt ojczystej ziemi przez wrażenie iz pamięci.

materiały: plastelina, stosy, deska.

zakres wizualny: obserwacja wyrazistych brył w przyrodzie: korzeni, kamieni, slajdów zwierząt i rzeźb, slajdów i drobnego plastiku z różnych materiałów w oryginale; reprodukcje dzieł rzeźbiarza V. Vatagina.

Seria literacka: V.Bianki "Opowieści o zwierzętach".

Ekspresyjna siła papieru

Opanowanie pracy z wyginaniem, cięciem, klejeniem papieru. Przekład płaskiego arkusza na różne formy trójwymiarowe. Klejenie prostych trójwymiarowych form (stożek, walec, „drabina”, „akordeon”). Budowa placu zabaw dla rzeźbionych zwierząt (indywidualnie, grupowo, zbiorowo). Praca z wyobraźnią; jeśli jest dodatkowa lekcja, możesz dać zadanie origami.

materiały: papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: slajdy dzieł architektury, makiety z lat ubiegłych wykonane przez studentów, pokazujące techniki pracy z papierem.

Dla artysty każdy materiał może stać się wyrazisty. (uogólnienie tematu kwartału)

Zrozumienie piękna materiałów plastycznych i ich różnic: gwasz, akwarela, kredki, pastele, materiały graficzne, plastelina i papier, materiały „nieoczekiwane”.

Obraz świątecznego miasta nocą z wykorzystaniem „nieoczekiwanych” materiałów: serpentyn, konfetti, nasion, nici, trawy itp. na tle ciemnego papieru.

Temat 2. Rzeczywistość i fantazja (7-14 godzin)

Obraz i rzeczywistość

Zdolność do patrzenia, widzenia, bycia spostrzegawczym. Image Master uczy nas patrzeć na otaczający nas świat. Obrazy zwierząt lub zwierząt widzianych w zoo, w wiosce.

materiały: gwasz (jeden lub dwa kolory), kolorowy papier, pędzel.

zakres wizualny: dzieła sztuki, fotografie przedstawiające zwierzęta.

Obraz i fantazja

Zdolność do fantazjowania. Fantazja w życiu ludzi. Obraz bajecznych, nieistniejących zwierząt i ptaków, łączący w sobie elementy różnych zwierząt, a nawet roślin. Postacie z bajek: smoki, centaury itp.

materiały: gwasz, pędzle, duży arkusz papieru, najlepiej kolorowy, barwiony.

zakres wizualny: slajdy prawdziwych i fantastycznych zwierząt w rosyjskiej rzeźbie w drewnie i kamieniu, w sztuce europejskiej i orientalnej.

seria muzyczna: fantastyczne obrazy z utworów muzycznych.

Dekoracja i rzeczywistość

Rozwój obserwacji. Umiejętność dostrzegania piękna w przyrodzie. „Mistrz Dekoracji” uczy się od natury. Obraz pajęczyn z rosą i gałęziami drzew, płatki śniegu i inne prototypy dekoracji za pomocą linii (indywidualnie, z pamięci).

materiały: węgiel drzewny, kreda, cienki pędzelek, tusz lub gwasz (jeden kolor), papier.

zakres wizualny: slajdy przedstawiające fragmenty przyrody widziane oczami artysty.

Dekoracja i fantazja

Bez wyobraźni niemożliwe jest stworzenie pojedynczej biżuterii. Zdobienie danej formy (kołnierzyk, falbana, kokoshnik, zakładka).

materiały: dowolny materiał graficzny (jeden lub dwa kolory).

zakres wizualny: klapki z koronki, biżuterii, paciorków, haftów itp.

seria muzyczna: rytmiczne kombinacje z przewagą powtarzającego się rytmu.

Konstrukcja i rzeczywistość

„Mistrz Budownictwa” uczy się od natury. Piękno i znaczenie struktur naturalnych - plastrów pszczół, makówek i form świata podwodnego - meduz, glonów. Praca indywidualna-zbiorowa. Konstrukcja z papieru „Podwodny świat”.

materiały: papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: slajdy przedstawiające różnorodne budynki (domy, rzeczy), naturalne konstrukcje i formy.

Konstrukcja i fantazja

„Mistrz konstrukcji” pokazuje możliwości ludzkiej wyobraźni w tworzeniu przedmiotów.

Tworzenie modeli fantastycznych budynków, budowli: fantastyczne miasto. Indywidualna, grupowa praca nad wyobraźnią.

materiały: papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: przeźrocza budowli, które potrafią rozbudzić dziecięcą wyobraźnię, prace i projekty architektów (L. Corbusier, A. Gaudi), prace studenckie z lat ubiegłych.

„Bracia-Mistrzowie Obrazów, Dekoracji i Budowli” zawsze pracują razem (uogólnienie tematu)

Interakcja trzech rodzajów działalności artystycznej. Projektowanie (modelowanie) w dekoracji zabawek bożonarodzeniowych przedstawiających ludzi, zwierzęta, rośliny. Panel zbiorczy.

materiały: papier, nożyczki, klej, gwasz, cienkie pędzle.

zakres wizualny: praca dzieci na kwartał, slajdy i oryginalne prace.

Temat 3. Co mówi sztuka (11-22 godz.)

To główny i najważniejszy temat roku. Dwie poprzednie prowadzą do niej. Głównym zadaniem jest opanowanie faktu, że nic w sztuce nigdy nie jest przedstawiane, dekorowane, budowane tak po prostu, tylko ze względu na umiejętności. „Bracia – Mistrzowie”, czyli sztuka, wyrażają ludzkie uczucia i myśli, zrozumienie, czyli stosunek do tego, co ludzie przedstawiają, kogo lub co zdobią, przez konstrukcję wyrażają stosunek do tego, kto i dla czego buduje. Wcześniej kwestia ekspresji musiała być odczuwana przez dzieci w swoich pracach jedynie na poziomie emocjonalnym. Teraz dla dzieci to wszystko powinno przejść na poziom świadomości, stać się kolejnym i najważniejszym odkryciem. Wszystkie kolejne kwartały i lata studiów w ramach programu temat ten powinien być stale akcentowany, utrwalany poprzez proces percepcji i proces tworzenia, w każdym kwartale, każdym zadaniu. Każde zadanie powinno mieć ukierunkowanie emocjonalne, rozwijać umiejętność dostrzegania odcieni uczuć i wyrażania ich w praktycznej pracy.

Wyrażenie natury przedstawionych zwierząt

Obraz zwierząt jest wesoły, szybki, groźny. Umiejętność wyczucia i wyrażenia charakteru zwierzęcia na obrazie.

materiały: gwasz (dwa lub trzy kolory lub jeden kolor).

Seria literacka: R. Kipling bajka „Mowgli”.

zakres wizualny: Ilustracje V.Vatagina do „Mowgli” i innych książek.

seria muzyczna: C. Saint-Saens „Karnawał zwierząt”.

Wyrażenie charakteru osoby na obrazie; obraz mężczyzny

Na prośbę nauczyciela do wszystkich dalszych zadań możesz użyć fabuły bajki. Na przykład „Opowieść o carze Saltanie” A. Puszkina zapewnia bogate możliwości łączenia rozwiązań figuratywnych dla wszystkich kolejnych tematów.

Obraz dobrego i złego wojownika.

materiały: gwasz (ograniczona paleta), tapeta, papier pakowy (szorstki), papier kolorowy.

zakres wizualny: slajdy prac V. Vasnetsova, M. Vrubela, I. Bilibina i innych.

Seria literacka: „Opowieść o Caru Saltanie” A. Puszkina, fragmenty eposów.

seria muzyczna: muzyka N. Rimskiego-Korsakowa do opery „Opowieść o Caru Sałtanie”.

Wyrażenie charakteru osoby na obrazie; wizerunek kobiety

Przedstawienie baśniowych obrazów o przeciwnych charakterach (Księżniczka Łabędzi i Baba Babarikha, Kopciuszek i Macocha itp.). Klasa jest podzielona na dwie części: jedna przedstawia dobro, druga - zło.

materiały: gwasz lub pastel (kredki) na tle kolorowego papieru.

zakres wizualny: slajdy prac V. Vasnetsova, M. Vrubela, I. Bilibina.

Seria literacka: „Opowieść o Caru Saltanie” A. Puszkina.

Obraz osoby i jej charakteru, wyrażony w objętości

Tworzenie objętości obrazów o wyraźnym charakterze: Księżniczka Łabędzi, Baba Babarikha, Baba Jaga, Bogatyr, Koschey the Immortal itp.

materiały: plastelina, stosy, deski.

zakres wizualny: przeźrocza wizerunków rzeźbiarskich dzieł S. Konenkowa, A. Golubkiny, ceramika M. Vrubla, średniowieczna rzeźba europejska.

Obraz natury w różnych stanach

Obraz kontrastujących ze sobą stanów natury (morze jest łagodne, czułe, burzliwe, niepokojące, radosne itp.); indywidualnie.

materiały

zakres wizualny: slajdy przedstawiające kontrastujące nastroje natury lub slajdy z obrazów artystów przedstawiających różne stany morza.

Seria literacka: bajki A. Puszkina „O carze Sałtanie”, „O rybaku i rybie”.

seria muzyczna: opera „Sadko”, „Szeherezada” N. Rimskiego-Korsakowa czy „Morze” M. Churlionisa.

Wyrażanie charakteru osoby poprzez dekorację

Dekorując się, każda osoba opowiada w ten sposób o sobie: kim jest, kim jest: dzielnym wojownikiem - obrońcą lub grozi. Inne będą dekoracje Księżniczki Łabędzia i Baby Babarikhy. Dekoracja bohaterskiej zbroi wyciętej z papieru, kokoshników o danym kształcie, kołnierzyków (indywidualnie).

materiały: gwasz, pędzle (duże i cienkie), wykroje z dużych arkuszy papieru.

zakres wizualny: slajdy starożytnej rosyjskiej broni, koronki, kostiumy damskie.

Wyrażenie intencji poprzez dekorację

Dekoracja dwóch baśniowych flot o przeciwnych intencjach (dobra, świąteczna i zła, piracka). Praca ma charakter kolektywno-indywidualny. Wniosek.

materiały: gwasz, duże i cienkie pędzle, klej, szpilki, klejone arkusze lub tapeta.

zakres wizualny: slajdy prac artystów (N. Roerich), ilustracje do książek dla dzieci (I. Bilibin), dzieła sztuki ludowej.

Wspólnie „Mistrzowie Obrazów, Dekoracji, Budowli” tworzą domy dla bajkowych postaci (uogólnienie tematu)

Trzej „Bracia-Mistrzowie” wraz z dziećmi (grupami) wykonują kilka paneli, na których za pomocą aplikacji i malarstwa tworzą świat kilku baśniowych postaci – dobrych i złych (np. wieża Księżniczki Łabędzi , dom Baby Jagi, chata Bogatyra itp.).

Na planszy powstaje dom (z naklejkami), tłem jest pejzaż jako figuratywne otoczenie tego domu, a postać to wizerunek właściciela domu, wyrażający te obrazy charakterem budynku, ubiorem, kształtem figury, charakter drzew, na tle których stoi dom.

Uogólnienie można uzupełnić wystawą prac na podstawie wyników kwartału, jego omówieniem z rodzicami. Do dyskusji należy przygotować grupy „przewodników”. Nauczyciel może wykorzystać na to dodatkowe godziny. Przygotowana przez nauczyciela wystawa prezentowana rodzicom (widzom) powinna stać się wydarzeniem dla uczniów i ich bliskich oraz pomóc w utrwaleniu krytycznej wagi tego tematu w świadomości dzieci.

Temat 4. Jak mówi sztuka (8-16 godzin)

Począwszy od tego kwartału należy stale zwracać uwagę na wyrazistość środków. Chcesz to wyrazić? Ale jak, co?

Kolor jako środek wyrazu: kolory ciepłe i zimne. Walka ciepła z zimnem

Obraz gasnącego ognia to „walka” ciepła i zimna. Wypełniając cały arkusz, swobodnie mieszaj ze sobą farby. Ogień jest przedstawiony jakby z góry, wygasający (praca z pamięci i wrażenia). „Pióro Ognistego Ptaka”. Farby miesza się bezpośrednio na arkuszu. Nie używa się czarno-białych farb.

materiały: gwasz bez czarno-białych farb, duże pędzle, duże arkusze papieru.

zakres wizualny: slajdy gasnącego ognia; podręcznik metodyczny dotyczący nauki o kolorach.

seria muzyczna: N. Rimski-Korsakow fragmenty z opery „Snow Maiden”.

Kolor jako środek wyrazu: cichy (głuchy)i żywe kolory. Mieszanie z czarnymi, szarymi, białymi farbami(ciemne, delikatne odcienie koloru)

Możliwość obserwowania walki koloru w życiu. Obraz wiosennej ziemi (indywidualnie z pamięci i wrażenia). Jeśli są dodatkowe lekcje, można je przeprowadzić na fabułach tworzenia „ciepłego królestwa” (Słoneczne Miasto), „zimnego królestwa” (Królowa Śniegu), osiągając bogactwo kolorów w ramach jednej kolorystyki.

materiały: gwasz, duże pędzle, duże arkusze papieru.

zakres wizualny: slajdy wiosennej ziemi, burzowe niebo, mgła, pomoce dydaktyczne do nauki o kolorach.

seria muzyczna: E. Grieg. „Poranek” (fragment suity „Peer Gynt”).

Seria literacka: M. Prishvin opowiadania, S. Yesenin wiersze o wiośnie.

Linia jako środek wyrazu: rytm linii

Obraz wiosennych strumieni.

materiały: kredki pastelowe lub kolorowe.

seria muzyczna: A. Arsensky „Leśny strumień”, „Preludium”; E. Griega „Wiosna”.

Seria literacka: M. Prishvin „Leśny strumień”.

Linia jako środek wyrazu: natura linii

Obraz gałęzi o określonym charakterze i nastroju (pojedynczo lub we dwie osoby, zależnie od wrażenia i pamięci): delikatne i mocne gałęzie, przy czym konieczne jest podkreślenie umiejętności tworzenia różnych faktur węglem drzewnym, sangwiniczne.

materiały: gwasz, pędzel, patyczek, węgiel drzewny, sangwina i duże arkusze papieru.

zakres wizualny: duże, duże wiosenne gałęzie (brzoza, dąb, sosna), slajdy przedstawiające gałęzie.

Seria literacka: japońskie wersety (czołgi).

Rytm plam jako środek wyrazu

Podstawowa wiedza o kompozycji. Od zmiany położenia na kartce, nawet identycznych plam, zmienia się również treść kompozycji. Układ rytmiczny latających ptaków (praca indywidualna lub zbiorowa).

materiały

zakres wizualny: pomoce wizualne.

seria muzyczna: fragmenty o wyraźnej organizacji rytmicznej.

Proporcje wyrażają charakter

Projektowanie lub rzeźbienie ptaków o różnych proporcjach charakteru - duży ogon - mała głowa - duży dziób.

materiały: biały papier, kolorowy papier, nożyczki, klej lub plastelina, stosy, karton.

zakres wizualny: ptaki prawdziwe i baśniowe (slajdy z ilustracjami książkowymi, zabawka).

Rytm linii i plam, kolor, proporcje - środki wyrazu (uogólnienie tematu)

Stworzenie panelu zbiorowego na temat „Wiosna. Szum ptaków”.

materiały: duże arkusze na panele, gwasz, papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: prace dziecięce wykonane na temat „Wiosna”, slajdy z gałęzi, motywy wiosenne.

Ogólna lekcja roku

Na zajęcia składają się prace wykonane przez dzieci w ciągu roku. Otwarcie wystawy powinno być radosnym świętem, wydarzeniem w życiu szkoły. Lekcje odbywają się w formie konwersacji, konsekwentnie przypominając dzieciom o wszystkich tematach kwatery treningowej. Trzej „Bracia-Mistrzowie” pomagają nauczycielowi w grze-rozmowie. Na zajęcia (w miarę możliwości) zapraszani są rodzice i inni nauczyciele.

zakres wizualny: praca dzieci wyrażająca zadania każdego kwartału, slajdy, reprodukcje prac artystów i sztuki ludowej, pomagające ujawnić tematy.

III klasa (34-68 godz.)

Sztuka wokół nas

Jedna z głównych idei programu: „Od rodzimych progów – do świata kultury Ziemi”, czyli od zapoznania się z kulturą swojego narodu, nawet z kulturą swojej „małej ojczyzny” – bez to nie ma drogi do uniwersalnej kultury.

Edukacja w tej klasie opiera się na wprowadzaniu dzieci w świat sztuki poprzez poznanie otaczającego świata przedmiotowego, jego artystycznego znaczenia. Dzieciom uświadamia się, że przedmioty mają nie tylko cel użytkowy, ale są także nośnikami kultury duchowej i tak było zawsze – od starożytności do współczesności. Należy pomóc dziecku dostrzec piękno otaczających go rzeczy, przedmiotów, przedmiotów, dzieł sztuki, zwracając szczególną uwagę na rolę artystów – „Mistrzów Obrazów, Dekoracji, Budowli” – w tworzeniu środowiska dla człowieka życie.

Pod koniec roku dzieci powinny czuć, że ich życie, życie każdego człowieka, jest na co dzień związane z zajęciami plastycznymi. Końcowe lekcje każdego kwartału powinny zawierać pytanie: „Co by było, gdyby „Bracia-Mistrzowie” nie brali udziału w tworzeniu otaczającego Cię świata – w domu, na ulicy itp.? Zrozumienie ogromnej roli sztuki w realnej codzienności powinno być odkryciem dla dzieci i ich rodziców.

Temat 1. Sztuka w Twoim domu (8-16 godz.)

Tutaj „Mistrzowie” zabierają dziecko do jego mieszkania i dowiadują się, co każdy z nich „robił” w najbliższym otoczeniu dziecka, a na koniec okazuje się, że bez ich udziału nie powstał ani jeden przedmiot z domu , nie byłoby samego domu.

twoje zabawki

Zabawki – jakie powinny być – wymyślił artysta. Zabawki dla dzieci, zabawki ludowe, zabawki domowej roboty. Modelowanie zabawek z plasteliny lub gliny.

materiały: plastelina lub glina, słoma, wykroje drewniane, papier, gwasz, farba wodna do gleby; małe pędzle, waciki.

zakres wizualny: zabawka ludowa (zjeżdżalnie): mgiełka, gorodec, filimonovo, rzeźbiona zabawka z Bogorodska, zabawki z improwizowanego materiału: opakowanie, tkanina, futro.

Seria literacka: przysłowia, powiedzenia, folklor, rosyjskie opowieści ludowe.

seria muzyczna: Rosyjska muzyka ludowa, P. Czajkowski „Album dziecięcy”.

Dania w domu

Naczynia codzienne i świąteczne. Projektowanie, kształt przedmiotów oraz malowanie i dekorowanie naczyń. Praca „Mistrzów Konstrukcji, Dekoracji i Obrazowania” w produkcji naczyń. Obraz na papierze. Modelowanie naczyń z plasteliny z malowaniem na białym podkładzie.

Jednocześnie koniecznie podkreśla się przeznaczenie potraw: dla kogo to jest, na jaką okazję.

materiały: papier barwiony, gwasz, plastelina, glina, farba wodna.

zakres wizualny: próbki naczyń z zasobów naturalnych, slajdy naczyń ludowych, naczynia z różnych materiałów (metal, drewno, plastik).

Chusteczka mamy

Szkic szalika: dla dziewczynki, dla babci, czyli innej treści, rytmu wzoru, koloru, jako środek wyrazu.

materiały: gwasz, pędzle, papier biały i kolorowy.

zakres wizualny: slajdy z naturalnymi motywami na szaliki, szaliki i tkaniny, próbki prac dzieci na ten temat.

seria muzyczna: Rosyjska muzyka ludowa (jako tło).

Tapety i zasłony w Twoim domu

Szkice tapet lub zasłon do pokoju o wyraźnym przeznaczeniu: sypialnia, salon, pokój dziecinny. Można to również zrobić w technice piętowania.

materiały: gwasz, pędzle, klisze, papier lub tkanina.

zakres wizualny: fragmenty jakiejś baśni, która zawiera słowny opis pomieszczeń baśniowego pałacu.

seria muzyczna: fragmenty muzyczne charakteryzujące różne stany: burzliwy (F. Chopin „Polonez” As-dur op. 53), spokojny, lirycznie czuły (F. Chopin „Mazurek” a-moll op. 17).

Twoje książki

Artysta i książka. Ilustracje. forma książki. Czcionka. Pierwsza litera. Zilustrowanie wybranej bajki lub zaprojektowanie książeczki-zabawki.

materiały: gwasz, pędzle, papier biały lub kolorowy, kredki.

zakres wizualny: okładki i ilustracje do znanych bajek (ilustracje różnych autorów do tej samej bajki), slajdy, książeczki-zabawki, książki dla dzieci.

Seria literacka: Tekst wybranej historii.

kartka z życzeniami

Szkic na pocztówkę lub ozdobną zakładkę do książki (na motywach roślinnych). Możliwe wykonanie w technice drapania, graweru z naklejkami lub monotypii graficznej.

materiały: mały papier, atrament, długopis, różdżka.

zakres wizualny: przeźrocza z drzeworytów, linoleum, akwaforty, litografie, próbki prac dzieci w różnych technikach.

Co artysta zrobił w naszym domu (uogólnienie tematu). Artysta brał udział w tworzeniu wszystkich elementów domu. Pomagali mu nasi „Mistrzowie Wizerunku, Dekoracji i Konstrukcji”. Zrozumienie roli każdego z nich. Kształt przedmiotu i jego dekoracja. Na lekcji uogólniającej można zorganizować grę artystów i widzów lub grę przewodników po wystawie prac wykonanych w ciągu kwartału. Rozmawiają trzej „Mistrzowie”. Opowiadają i pokazują, jakie przedmioty otaczają ludzi w domu na co dzień. Czy są w domu przedmioty, nad którymi artyści nie pracowali? Zrozumienie, że wszystko, co dotyczy naszego życia, nie istniałoby bez pracy artystów, bez sztuk plastycznych, zdobniczych i użytkowych, architektury, wzornictwa, powinno to być skutkiem i zarazem odkryciem.

Temat 2. Sztuka na ulicach Twojego miasta (7-14 godzin)

Wszystko zaczyna się na progu własnego domu. Temu „progowi” poświęcony jest ten kwartał. A bez niego nie ma Ojczyzny. Nie tylko Moskwa czy Tula - ale właśnie rodzima ulica, która biegnie „w pobliżu” twojego domu, dobrze wydeptana stopami.

Zabytki architektury - dziedzictwo wieków

Studium i wizerunek zabytku architektury, ich rodzimych miejsc.

materiały: papier barwiony, kredki woskowe lub gwasz, biały papier.

Seria literacka: Treść związana z wybranym zabytkiem architektury.

Parki, skwery, bulwary

Architektura, budowa parków. Wizerunek parku. Parki rozrywki, parki muzealne, parki dla dzieci. Obraz parku, skweru, możliwy kolaż.

materiały: kolorowy, biały papier, gwasz lub kredki woskowe, nożyczki, klej.

zakres wizualny: obejrzyj slajdy, reprodukcje obrazów.

Ogrodzenia ażurowe

Ogrodzenia żeliwne w Sankt Petersburgu iw Moskwie, w rodzinnym mieście, drewniane opaski ażurowe. Projekt ażurowej kraty lub bramy, wycięty ze złożonego kolorowego papieru i sklejenia ich w kompozycję na temat "Parki, skwery, bulwary".

materiały: kolorowy papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: slajdy starożytnych płotów w Moskwie i Petersburgu. Nowoczesne ozdobne kraty i ogrodzenia w naszych miastach.

Latarnie na ulicach i parkach

Co to są latarnie? Kształt lampionów jest również tworzony przez artystę: latarnia odświętna, uroczysta, latarnia liryczna. Latarnie na ulicach miasta. Latarnie są ozdobą miasta. Obraz lub projekt kształtu papierowej latarni.

materiały

Okna sklepowe

Jeśli masz więcej czasu, możesz tworzyć grupowe układy objętościowe.

materiały: biały i kolorowy papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: zjeżdżalnie z dekorowanymi gablotami. Prace dzieci z lat ubiegłych.

Transport w mieście

Artysta bierze również udział w tworzeniu kształtu maszyn. Maszyny różnych czasów. Możliwość zobaczenia obrazu w postaci maszyn. Wymyśl, narysuj lub zbuduj obrazy fantastycznych maszyn (lądowych, wodnych, powietrznych) z papieru.

materiały: papier biały i kolorowy, nożyczki, klej, materiały graficzne.

zakres wizualny: zdjęcia z transportu. Slajdy starych pojazdów. Reprodukcje z czasopism.

Co artysta robił na ulicach mojego miasta (w mojej wiosce)

Ponownie powinno pojawić się pytanie: co by się stało, gdyby nasi „Bracia-Mistrzowie” niczego nie dotykali na ulicach naszego miasta? W tej lekcji z poszczególnych prac tworzony jest jeden lub więcej paneli zbiorowych. Może to być panorama ulicy dzielnicy z kilku rysunków sklejonych w pasek w formie dioramy. Tutaj możesz umieścić ogrodzenia i światła, pojazdy. Uzupełnieniem dioramy są postacie ludzi, płaskie wycinki drzew i krzewów. Możesz bawić się w „przewodników” i „dziennikarzy”. Przewodnicy opowiadają o swoim mieście, o roli artystów, którzy tworzą artystyczny wizerunek miasta.

Temat 3. Artysta i spektakl (10-20 godz.)

„Bracia-Mistrzowie” zajmują się sztukami scenicznymi od czasów starożytnych. Ale nawet dziś ich rola jest niezastąpiona. Według uznania prowadzącego istnieje możliwość połączenia większości zajęć z tematu z pomysłem stworzenia przedstawienia kukiełkowego, do którego kolejno wykonuje się kurtynę, scenografię, kostiumy, lalki i plakat. Na koniec lekcji uogólniającej możesz zorganizować przedstawienie teatralne.

Maski teatralne

Maski różnych czasów i narodów. Maski na starożytnych obrazach, w teatrze, na festiwalu. Projektowanie wyrazistych masek o ostrych znakach.

materiały: kolorowy papier, nożyczki, klej.

zakres wizualny: fotografie masek różnych narodów i masek teatralnych.

Artysta teatralny

Fikcja i prawda teatru. Święto teatru. Scenografia i kostiumy postaci. Teatr na stole. Stworzenie układu scenografii spektaklu.

materiały: karton, wielobarwny papier, farby, pędzle, klej, nożyczki.

zakres wizualny: slajdy ze szkiców artystów teatralnych.

Seria literacka: wybrana opowieść.

Teatr lalkowy

Lalki teatralne. Teatr Pietruszka. Pacynki w rękawiczkach, pacynki, pacynki. Praca artysty na lalce. Postacie. Wizerunek lalki, jej projekt i dekoracja. Robienie marionetki w klasie.

materiały: plastelina, papier, nożyczki, klej, tkanina, nić, guziki.

zakres wizualny: slajdy przedstawiające lalki teatralne, reprodukcje z książek o teatrze lalek, taśma filmowa.

kurtyna teatralna

Rola kurtyny w teatrze. Kurtyna i obraz spektaklu. Szkic kurtyny do spektaklu (praca zespołowa, 2-4 osoby).

materiały: gwasz, pędzle, duży papier (może być z tapety).

zakres wizualny: slajdy kurtyn teatralnych, reprodukcje z książek o teatrze lalkowym.

Plakat, plakat

Znaczenie plakatu. Obraz performansu, jego wyraz w plakacie. Czcionka. Obraz.

Projekt plakatu do spektaklu.

materiały: kolorowy papier wielkoformatowy, gwasz, pędzle, klej.

zakres wizualny: plakaty teatralne i cyrkowe.

Artysta i cyrk

Rola artysty w cyrku. Obraz radosnego i tajemniczego spektaklu. Obraz przedstawienia cyrkowego i jego postaci.

materiały: papier kolorowy, kredki, gwasz, pędzle.

Jak artyści pomagają zrobić wakacje. Artysta i spektakl (lekcja podsumowująca)

Wakacje w mieście. „Mistrzowie wizerunku, dekoracji i budynków” pomagają stworzyć Święto. Szkic dekoracji miasta na święta. Zorganizowanie w klasie wystawy wszystkich prac na ten temat. Świetnie, jeśli uda się zrobić przedstawienie i zaprosić gości i rodziców.

Temat 4. Artysta i muzeum (8-16 godz.)

Zapoznawszy się z rolą artysty w naszym codziennym życiu, z różnymi formami sztuki użytkowej, kończymy rok tematem sztuki przechowywanej w muzeach. Każde miasto może być dumne ze swoich muzeów. Muzea Moskwy, Petersburga i innych miast Rosji przechowują największe dzieła sztuki światowej i rosyjskiej. A każde dziecko powinno dotknąć tych arcydzieł i nauczyć się być dumne z faktu, że to jego rodzinne miasto przechowuje tak wspaniałe dzieła. Są przechowywane w muzeach. W Moskwie znajduje się muzeum - sanktuarium kultury rosyjskiej - Galeria Trietiakowska. Jej trzeba najpierw powiedzieć. Dziś Ermitaż i Muzeum Rosyjskie odgrywają ogromną rolę - ośrodki międzynarodowych stosunków artystycznych, jest wiele małych, również ciekawych muzeów i sal wystawowych.

Jednak temat „Muzea” jest szerszy. Muzea to nie tylko sztuka, ale wszystkie aspekty ludzkiej kultury. Istnieją również „muzea domowe” w postaci albumów rodzinnych, które opowiadają o historii rodziny, ciekawych etapach życia. Może domowe muzeum zabawek, znaczków, znalezisk archeologicznych, po prostu osobiste pamiątki. Wszystko to jest częścią naszej kultury. „Bracia-Mistrzowie” pomagają w kompetentnej organizacji takich muzeów.

Muzea w życiu miasta

Różne muzea. Rola artysty w organizacji wystawy. Największe muzea sztuki: Galeria Trietiakowska, Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkin, Ermitaż, Muzeum Rosyjskie, muzea rodzinnego miasta.

Sztuka przechowywana w tych muzeach

Co to jest „obraz”. Malarstwo martwej natury. gatunek martwej natury. Martwa natura jako opowieść o człowieku. Obraz martwej natury na przedstawieniu, wyraz nastroju.

materiały: gwasz, papier, pędzle.

zakres wizualny: slajdy martwych natur z wyraźnym nastrojem (J. B. Chardin, K. Petrov-Vodkin, P. Konchalovsky, M. Saryan, P. Kuznetsov, V. Stozharov, V. Van Gogh itp.).

Praca domowa: obejrzeć muzeum lub wystawę martwych natur różnych autorów.

pejzaż

Oglądamy słynne pejzaże: I. Lewitana, A. Sawrasowa, N. Roericha, A. Kuindzhi, V. Van Gogha, K. Koro. Obraz krajobrazu według prezentacji z wyraźnym nastrojem: krajobraz radosny i świąteczny; ponury i ponury krajobraz; łagodny i melodyjny krajobraz.

Dzieci na tej lekcji będą pamiętać, jaki nastrój można wyrazić za pomocą zimnych i ciepłych kolorów, głuchych i dźwięcznych oraz co może się stać, gdy zostaną zmieszane.

materiały: biały papier, gwasz, pędzle.

zakres wizualny: slajdy z przykładami malowniczego krajobrazu o wyraźnym nastroju (V. Van Gogh, N. Roerich, I. Levitan, A. Rylov, A. Kuindzhi, V. Byalynitsky-Birulya).

seria muzyczna: Muzyka z tej lekcji może być wykorzystana do stworzenia określonego nastroju.

Malarstwo portretowe

Wprowadzenie do gatunku portretu. Portret z pamięci lub z pomysłu (portret dziewczyny, przyjaciela).

materiały: papier, gwasz, pędzle (lub pastel).

zakres wizualny: slajdy malowniczych portretów F. Rokotowa, V. Serowa, V. Van Gogha, I. Repina.

Muzea utrzymują rzeźby znanych mistrzów

Nauka patrzenia na rzeźbę. Rzeźba w muzeum i na ulicy. Pomniki. rzeźba parkowa. Rzeźbienie postaci ludzkiej lub zwierzęcej (w ruchu) do rzeźby parkowej.

materiały: plastelina, stosy, stojak na tekturę.

zakres wizualny: slajdy z zestawów „Galeria Trietiakowska”, „Muzeum Rosyjskie”, „Ermitaż” (dzieła A.L. Bari, P. Trubetskoy, E. Lansere).

Obrazy historyczne i obrazy z gatunku codziennego

Znajomość utworów z gatunku historycznego i codziennego. Obraz oparty na przedstawieniu wydarzenia historycznego (na temat rosyjskiej epickiej historii lub historii średniowiecza lub obraz życia codziennego: śniadanie w rodzinie, zabawa itp.).

materiały: duży arkusz kolorowego papieru, kredki.

Muzea przechowują historię kultury artystycznej, twórczość wielkich artystów (uogólnienie tematu)

„Oprowadzanie” po wystawie najlepszych prac roku, święto sztuki z własnym scenariuszem. Podsumowując: jaka jest rola artysty w życiu każdego człowieka.

4 klasa (34-68 godzin)

Każdy naród jest artystą (obrazem, dekoracją, budowlą
w dziele narodów całej ziemi)

Celem edukacji artystycznej i szkolenia dziecka w klasie 4 jest ukształtowanie idei różnorodności kultur artystycznych narodów Ziemi i jedności wyobrażeń ludów o duchowym pięknie człowieka.

Różnorodność kultur nie jest przypadkowa – zawsze wyraża głęboki związek każdego narodu z życiem przyrody, w otoczeniu, w którym rozwija się jego historia. Relacje te nie są trwałe – żyją i rozwijają się w czasie, wiążą się z wpływem jednej kultury na drugą. Na tym polega oryginalność kultur narodowych i ich wzajemnych powiązań. Różnorodność tych kultur jest bogactwem kultury ludzkiej.

Integralność każdej kultury jest również istotnym elementem treści, których dzieci muszą doświadczać. Dzisiejsze dziecko otoczone jest wieloaspektowym nieporządkiem zjawisk kulturowych, które docierają do niego za pośrednictwem mediów. Zdrowy zmysł artystyczny szuka porządku w tym chaosie obrazów, dlatego każdą kulturę należy przedstawić jako „holistyczną osobowość artystyczną”.

Przedstawienia artystyczne należy podawać jako widzialne opowieści o kulturach. Dzieci według wieku nie są jeszcze gotowe do myślenia historycznego. Charakteryzuje je jednak pragnienie, wrażliwość na figuratywne rozumienie świata, skorelowane ze świadomością wyrażaną w sztuce ludowej. Tutaj „powinna” dominować prawda obrazu artystycznego.

Przyłączając się poprzez współtworzenie i postrzeganie do początków kultury swojego ludu lub innych ludów Ziemi, dzieci zaczynają czuć się uczestnikami rozwoju ludzkości, otwierają drogę do dalszego poszerzania podatności na bogactwo ludzkiej kultury .

Różnorodność wyobrażeń różnych ludów na temat piękna ujawnia się w procesie porównywania rodzimej przyrody, pracy, architektury, ludzkiego piękna z kulturą innych ludów.

Zadania edukacyjne roku przewidują dalszy rozwój umiejętności pracy z gwaszem, pastelami, plasteliną, papierem. Zadania szkolnictwa zawodowego są organicznie powiązane z zadaniami artystycznymi. W procesie doskonalenia umiejętności pracy z różnymi materiałami dzieci zaczynają rozumieć piękno kreatywności.

W klasie IV wzrasta znaczenie pracy zespołowej w procesie edukacyjnym. Znaczącą rolę w programie klasy IV odgrywają utwory muzyczne i literackie, które pozwalają na stworzenie holistycznego spojrzenia na kulturę ludu.

Temat 1. Geneza sztuki twojego ludu (8-16 godz.)

Praktyczna praca na zajęciach powinna łączyć formy indywidualne i zbiorowe.

Krajobraz ojczystej ziemi

Cechy charakterystyczne, oryginalność rodzimego krajobrazu. Obraz krajobrazu jego rodzinnej strony. Wydobywając jego wyjątkowe piękno.

materiały: gwasz, pędzle, kredki.

zakres wizualny: slajdy natury, reprodukcje obrazów rosyjskich artystów.

seria muzyczna: Rosyjskie pieśni ludowe.

Obraz tradycyjnego rosyjskiego domu (chaty)

Zapoznanie się z projektem chaty, znaczeniem jej części.

Ćwiczenie: papierowe modelowanie (lub modelowanie) chaty. Praca indywidualna-zbiorowa.

Materiał: papier, karton, plastelina, nożyczki, stosy.

zakres wizualny: slajdy drewnianych zespołów muzeów etnograficznych.

Praca domowa: znajdź zdjęcia rosyjskiej wioski i jej budynków.

Dekoracje budowli drewnianych i ich znaczenie

Jedność w dziele Trzech Mistrzów. Przedstawienia magiczne jako poetyckie obrazy świata. Chata - obraz twarzy osoby; okna - oczy domu - ozdobiono listwami; elewacja - "brow" - deska czołowa, prichelinami. Dekoracja „drewnianych” budynków stworzonych na ostatniej lekcji (indywidualnie-zbiorowo). Dodatkowo - wizerunek chaty (gwasz, pędzle).

materiały: papier biały, barwiony lub do pakowania, nożyczki, klej lub plastelina do budynków wielkogabarytowych.

zakres wizualny: slajdy z serii „Muzea etnograficzne”, „Rosyjska sztuka ludowa”, „Architektura drewniana Rusi”.

seria muzyczna: V.Biełow "Lud".

Wieś - drewniany świat

Zapoznanie się z rosyjską architekturą drewnianą: chaty, bramy, stodoły, studnie... Drewniana architektura sakralna. Obraz wsi. Panel zbiorowy lub praca indywidualna.

materiały: gwasz, papier, klej, nożyczki.

obraz ludzkiego piękna

Każdy naród ma swój własny wizerunek kobiecego i męskiego piękna. Wyraża to tradycyjny strój. Wizerunek człowieka jest nierozerwalnie związany z jego pracą. Łączy w sobie idee o jedności potężnej siły i życzliwości - dobrego człowieka. Na obrazie kobiety zrozumienie jej piękna zawsze wyraża zdolność ludzi do marzeń, chęć przezwyciężenia codzienności. Piękno to także talizman. Kobiece wizerunki są głęboko związane z wizerunkiem ptaka - szczęścia (łabędzia).

Wizerunek kobiecych i męskich wizerunków ludowych pojedynczo lub do panelu (wklejony w panel przez grupę głównego artysty). Zwróć uwagę, aby postacie w pracach dzieci były w ruchu, a nie przypominały wystawę ubrań. Z dodatkowymi lekcjami - wykonanie lalek według rodzaju ludowej szmaty lub figur sztukatorskich dla już powstałej "wioski".

materiały: papier, gwasz, klej, nożyczki.

zakres wizualny: slajdy materiałów z muzeów etnograficznych, książki o sztuce ludowej, reprodukcje dzieł artystów: I. Bilibina, I. Argunowa, A. Wenecjanowa, M. Wrubela itp.

Seria literacka: fragmenty eposów, baśnie rosyjskie, fragmenty wierszy Niekrasowa.

seria muzyczna: pieśni ludowe.

Praca domowa: znajdź obraz męskich i żeńskich obrazów pracy i wakacji.

Święta ludowe

Rola świąt w życiu człowieka. Święta kalendarzowe: jesienne dożynki, targi. Wakacje to obraz idealnego, szczęśliwego życia.

Tworzenie prac na temat święta narodowego z uogólnieniem materiału tematu.

materiały: panel tapetowy klejony na panele lub arkusze papieru, gwasz, pędzle.

zakres wizualny: B. Kustodiew, K. Yuon, F. Malyavin, dzieła ludowego rzemiosła dekoracyjnego.

Seria literacka: I. Tokmakova „Jarmark”.

seria muzyczna: R. Szczedrin „Niegrzeczne ditties”, N. Rimski-Korsakow „Snow Maiden”.

Temat 2. Starożytne miasta twojej ziemi (7-14 godzin)

Każde miasto jest wyjątkowe. Ma swoje niepowtarzalne oblicze, swój charakter, każde miasto ma swoje szczególne przeznaczenie. Jego budynki swoim wyglądem uchwyciły historyczną ścieżkę ludzi, wydarzenia z ich życia. Słowo „miasto” pochodzi od „ogrodzić”, „ogrodzić” murem twierdzy - fortyfikować. Na wysokich wzgórzach, odbijających się w rzekach i jeziorach, rosły miasta z białymi murami, świątyniami zwieńczonymi kopułami i bijącymi dzwonami. Nie ma innych takich miast. Ujawnij ich piękno, mądrość ich organizacji architektonicznej.

Stare rosyjskie miasto - twierdza

Zadanie: badanie konstrukcji i proporcji baszt fortecznych. Budowa murów i wież twierdzy z papieru lub plasteliny. Możliwa jest wersja poglądowa.

materiały: zgodnie z wybraną opcją pracy.

antyczne katedry

Katedry uosabiały piękno, potęgę i siłę państwa. Stanowiły architektoniczne i semantyczne centrum miasta. Były to sanktuaria miasta.

Zapoznanie się z architekturą starożytnego rosyjskiego kamiennego kościoła. Budowa, symbolika. Papierowy budynek. Praca zbiorowa.

materiały: papier, nożyczki, klej, plastelina, stosy.

zakres wizualny: V. Vasnetsov, I. Bilibin, N. Roerich, slajdy „Spacer po Kremlu”, „Katedry Kremla moskiewskiego”.

Starożytne miasto i jego mieszkańcy

Modelowanie całej zawartości mieszkaniowej miasta. Zakończenie „budowy” starożytnego miasta. Możliwa opcja: obraz starożytnego rosyjskiego miasta.

Starzy rosyjscy wojownicy - obrońcy

Obraz starożytnych rosyjskich wojowników książęcej drużyny. Odzież i broń.

materiały: gwasz, papier, pędzle.

zakres wizualny: I. Bilibin, V. Vasnetsov, ilustracje do książek dla dzieci.

Starożytne miasta ziemi rosyjskiej

Moskwa, Nowogród, Psków, Władimir, Suzdal i inne.

Zapoznanie się z oryginalnością różnych starożytnych miast. Są do siebie podobni i niepodobni. Obraz różnych postaci rosyjskich miast. Praca praktyczna lub rozmowa.

materiały: do techniki graficznej - kredki, do monotypii lub malarstwa - gwasz, pędzle.

Wzór wież

Zdjęcia architektury Terem. Malowane wnętrza. Płytki. Obraz wnętrza oddziału - przygotowanie tła do kolejnego zadania.

materiały: papier (barwiony lub kolorowy), gwasz, pędzle.

zakres wizualny: slajdy „Starożytne komnaty Kremla moskiewskiego”, V. Vasnetsov „Komnaty cara Berendeya”, I. Bilibin, A. Ryabushkin, reprodukcje obrazów.

Świąteczna uczta w komnatach

Zbiorowy panel aplikacyjny lub pojedyncze obrazy biesiady.

materiały: tapeta klejona na panele i arkusze papieru, gwasz, pędzle, klej, nożyczki.

zakres wizualny: przeźrocza Kremla i komnaty, ilustracje V.Vasnetsova do baśni rosyjskich.

Seria literacka: A. Puszkin "Rusłan i Ludmiła".

seria muzyczna: F. Glinka, N. Rimski-Korsakow.

Temat 3. Każdy naród jest artystą (11-22 godz.)

„Bracia-Mistrzowie” prowadzą dzieci od spotkania z korzeniami rodzimej kultury do zrozumienia różnorodności kultur artystycznych świata. Nauczyciel może wybrać optymalne kultury, aby mieć czas na ciekawe przeżywanie ich z dziećmi. Proponujemy trzy w kontekście ich związków z kulturą współczesnego świata. Jest to kultura starożytnej Grecji, średniowiecznej (gotyckiej) Europy i Japonii jako przykład kultury Wschodu, ale nauczyciel może wziąć na studia Egipt, Chiny, Indie, kultury Azji Środkowej itp. Ważne jest, aby dzieci zdawały sobie sprawę, że świat życia artystycznego na Ziemi jest niezwykle różnorodny – i to jest bardzo ciekawe, radosne. Poprzez sztukę łączymy się ze światopoglądem, duszą różnych narodów, wczuwamy się w nie, stajemy się bogatsi duchowo. To właśnie trzeba robić na tych lekcjach.

Kultury artystyczne świata nie są historią sztuki tych ludów. Jest to przestrzenny i obiektywny świat kultury, w którym wyraża się dusza ludu.

Istnieje wygodny metodyczny i zabawny sposób, aby nie zajmować się historią, ale zobaczyć holistyczny obraz kultury: podróż bajkowego bohatera przez te kraje (Sadko, Sindbad Żeglarz, Odyseusz, Argonauci itp. .).

Każda kultura jest postrzegana na cztery sposoby: naturę i charakter budynków, ludzi w tym środowisku oraz święta ludów jako wyraz idei szczęścia i piękna życia.

Obraz kultury artystycznej starożytnej Grecji

Lekcja 1 - starożytne greckie rozumienie piękna ludzkiego - męskiego i żeńskiego - na przykładzie dzieł rzeźbiarskich Myrona, Polikleta, Fidiasza (człowiek jest "miarą wszechrzeczy"). Rozmiary, proporcje, projekty świątyń były w harmonii z osobą. Podziw dla harmonijnej, atletycznie rozwiniętej osoby jest cechą światopoglądu mieszkańców starożytnej Grecji. Wizerunek postaci olimpijczyków (postać w ruchu) i uczestników procesji (postacie w ubraniach).

Lekcja 2 - harmonia człowieka z otaczającą go przyrodą i architekturą. Idea systemu porządku doryckiego („męskiego”) i jońskiego („kobiecego”) jako postać proporcji w budowie greckiej świątyni. Obraz obrazów greckich świątyń (aplikacje półobjętościowe lub płaskie) do paneli lub modelowania objętościowego z papieru.

Lekcja 3 - święta starożytnej Grecji (panel). Mogą to być igrzyska olimpijskie lub Wielki Festiwal Panatenajski (uroczysta procesja ku czci piękna człowieka, jego fizycznej doskonałości i siły, którą czcili Grecy).

materiały: gwasz, pędzle, nożyczki, klej, papier.

zakres wizualny: slajdy współczesnego obrazu Grecji, slajdy dzieł starożytnych greckich rzeźbiarzy.

Seria literacka W: Mity starożytnej Grecji.

Obraz kultury artystycznej Japonii

Przedstawienie natury poprzez detale typowe dla artystów japońskich: gałąź drzewa z ptakiem, kwiat z motylem, trawa z konikami polnymi, ważki, gałązka kwitnącej wiśni na tle mgły, odległe góry...

Wizerunek Japonek w stroju narodowym (kimono) z przeniesieniem charakterystycznych rysów twarzy, fryzur, falujących ruchów, figur.

Panel zbiorowy „Święto Kwitnącej Wiśni” czy „Święto Chryzantem”. Poszczególne figury wykonywane są indywidualnie, a następnie sklejane we wspólny panel. Grupa „głównego artysty” pracuje w tle.

materiały: duże arkusze papieru do pracy zbiorowej, gwasz, pastel, ołówki, nożyczki, klej.

zakres wizualny: ryciny Utamaro, Hokusai - wizerunki kobiet, pejzaże; slajdy współczesnych miast.

Seria literacka: poezja japońska.

Obraz kultury artystycznej średniowiecznej Europy Zachodniej

Główną siłą tych miast były warsztaty rzemieślnicze. Każdy warsztat miał własne stroje, własne insygnia, a jego członkowie byli dumni ze swojego kunsztu, ze swojej wspólnoty.

Praca nad panelem „Święto warsztatów rzemieślniczych na rynku miejskim” z etapami przygotowawczymi do studiowania architektury, ubioru człowieka i jego otoczenia (świata obiektywnego).

materiały: duże arkusze papieru, gwasz, pastel, pędzle, nożyczki, klej.

zakres wizualny: przeźrocza miast Europy Zachodniej, średniowieczna rzeźba i ubiory.

Różnorodność kultur artystycznych na świecie (uogólnienie tematu)

Wystawa, rozmowa – utrwalenie w umysłach dzieci tematu kwartału „Każdy naród jest artystą” jako tematu przewodniego wszystkich trzech kwartałów tego roku. Rezultatem nie jest zapamiętywanie imion, ale radość dzielenia się odkryciami innych światów kulturowych, które przeżyły już dzieci. Nasi trzej „Bracia-Mistrzowie” w tej lekcji powinni pomóc nauczycielowi i dzieciom nie uczyć się, zapamiętywać pomniki, ale zrozumieć różnicę w ich pracy w różnych kulturach – pomóc im zrozumieć, dlaczego budynki, ubrania, dekoracje są tak różne.

Temat 4. Sztuka łączy narody (8-16 godz.)

Ostatni kwartał tej klasy kończy program szkoły podstawowej. Kończy się pierwszy etap szkolenia. Nauczyciel musi uzupełnić główne linie świadomości plastycznej dziecka.

Tematy roku wprowadzały dzieci w bogactwo i różnorodność ludzkich wyobrażeń o pięknie zjawisk życia. Wszystko jest tutaj: rozumienie natury i powiązanie z nią budynków, a także ubrania i wakacje - wszystko jest inne. Powinniśmy byli zdać sobie sprawę, że to wspaniałe, że ludzkość jest tak bogata w różne kultury artystyczne i że nie są one przypadkowo różne. W czwartej ćwiartce zadania zasadniczo się zmieniają – wydają się przeciwstawne – od idei o wielkiej różnorodności do idei jedności dla wszystkich narodów, aby zrozumieć piękno i brzydotę fundamentalnych zjawisk życia. Dzieci muszą zobaczyć, że bez względu na różnice, ludzie pozostają ludźmi i jest coś, co jest postrzegane przez wszystkie narody Ziemi jako równie piękne. Jesteśmy jednym plemieniem Ziemi, mimo całej odmienności jesteśmy braćmi. Wspólne dla wszystkich ludów są idee nie dotyczące zewnętrznych przejawów, ale najgłębsze, niepodlegające zewnętrznym warunkom przyrody i historii.

Wszystkie narody śpiewają o macierzyństwie

Każda osoba na świecie ma szczególny związek ze swoją matką. W sztuce wszystkich ludów pojawia się motyw intonowania macierzyństwa, matki, która daje życie. Istnieją wielkie dzieła sztuki na ten temat, zrozumiałe i wspólne dla wszystkich ludzi. Zgodnie z prezentacją dzieci portretują matkę i dziecko, starając się wyrazić ich jedność, przywiązanie, stosunek do siebie.

materiały

zakres wizualny: „Władimir Matka Boża”, Rafał „Madonna Sykstyńska”, M. Sawicki „Madonna partyzancka”, B. Niemenski „Cisza” itp.

seria muzyczna: kołysanka.

Wszystkie narody śpiewają mądrość starości

Istnieje piękno zewnętrzne i wewnętrzne. Piękno życia duchowego. Piękno, w którym wyraża się doświadczenie życiowe. Piękno połączenia pokoleń.

Zadanie na wizerunek ukochanej starszej osoby. Pragnienie wyrażenia swojego wewnętrznego świata.

materiały: gwasz (pastel), papier, pędzle.

zakres wizualny: portrety Rembrandta, autoportrety V. Tropinina, Leonarda da Vinci, El Greco.

Empatia to świetny temat w sztuce

Od czasów starożytnych sztuka starała się wzbudzić empatię widza. Sztuka wpływa na nasze uczucia. Przedstawienie cierpienia w sztuce. Poprzez sztukę artysta wyraża współczucie dla cierpiących, uczy wczuwania się w cudzy żal, cudze cierpienie.

Ćwiczenie: rysunek z wymyśloną przez autora fabułą dramatyczną (chore zwierzę, martwe drzewo).

materiały: gwasz (czarny lub biały), papier, pędzle.

zakres wizualny: S. Botticelli „Opuszczony”, Picasso „Żebracy”, Rembrandt „Powrót syna marnotrawnego”.

Seria literacka: N. Niekrasow „Płaczące dzieci”.

Bohaterowie, wojownicy i obrońcy

W walce o wolność i sprawiedliwość wszystkie narody dostrzegają przejaw duchowego piękna. Wszystkie narody śpiewają o swoich bohaterach. W każdym narodzie wiele dzieł sztuki – malarstwa, rzeźby, muzyki, literatury – poświęconych jest temu tematowi. Temat heroiczny w sztuce różnych ludów. Szkic pomnika bohatera według wyboru autora (dziecka).

materiały: plastelina, stosy, deska.

zakres wizualny: pomniki bohaterów różnych narodów, pomniki renesansu, dzieła rzeźbiarskie XIX i XX wieku.

Młodość i nadzieja

Temat dzieciństwa, młodości w sztuce. Obraz radości dzieciństwa, marzeń o szczęściu, wyczynów, podróży, odkryć.

Sztuka narodów świata (uogólnienie tematu)

Wystawa końcowa prac. Lekcja otwarta dla rodziców, nauczycieli. Dyskusja.

materiały: papier do prac biurowych, klej, nożyczki itp.

zakres wizualny: najlepsze prace z roku lub całej szkoły podstawowej, panele zbiorowe, materiał z historii sztuki zebrany przez dzieci na określony temat.

Seria literacko-muzyczna: według uznania nauczyciela jako ilustracja do przesłań przewodników.

W wyniku studiowania programu studenci:

• opanować podstawy podstawowych idei dotyczących trzech typów działań artystycznych: obrazu na płaszczyźnie iw objętości; konstrukcja lub projekt artystyczny na płaszczyźnie, w objętości i przestrzeni; działalność dekoratorska lub artystyczna z wykorzystaniem różnych materiałów artystycznych;
• nabycie podstawowych umiejętności pracy artystycznej w zakresie sztuk: malarstwa, grafiki, rzeźby, wzornictwa, początków architektury, rzemiosła artystycznego i form sztuki ludowej;
• rozwijać swoje zdolności obserwacyjne i poznawcze, wrażliwość emocjonalną na zjawiska estetyczne w przyrodzie i działalności człowieka;
• rozwijać fantazję, wyobraźnię, przejawiającą się w określonych formach twórczej działalności artystycznej;
• opanować ekspresyjne możliwości materiałów plastycznych: farb, gwaszu, akwareli, pasteli i kredek, węgla drzewnego, ołówka, plasteliny, papieru projektowego;
• nabyć podstawowe umiejętności artystycznego postrzegania różnych rodzajów sztuki; wstępne zrozumienie cech języka figuratywnego różnych rodzajów sztuki i ich roli społecznej - znaczenia w życiu człowieka i społeczeństwie;
• nauczyć się analizować dzieła sztuki; zdobyć wiedzę na temat konkretnych dzieł wybitnych artystów w różnych dziedzinach sztuki; nauczyć się aktywnie posługiwać terminami i koncepcjami artystycznymi;
• opanować początkowe doświadczenie samodzielnej działalności twórczej, a także nabyć umiejętności twórczości zbiorowej, umiejętność współdziałania w procesie wspólnej działalności artystycznej;
• nabyć podstawowe umiejętności w zakresie przedstawiania świata obiektywnego, przedstawiania roślin i zwierząt, wstępne umiejętności w zakresie przedstawiania przestrzeni na płaszczyźnie i konstrukcji przestrzennych, podstawowe koncepcje dotyczące przedstawiania osoby na płaszczyźnie iw objętości;
• nabywają umiejętności komunikacyjne poprzez wyrażanie znaczeń artystycznych, wyrażanie stanu emocjonalnego, swój stosunek do twórczej działalności artystycznej, a także w postrzeganiu dzieł sztuki i twórczości swoich towarzyszy;
• zdobyć wiedzę o roli artysty w różnych sferach życia człowieka, o roli artysty w organizowaniu form komunikowania się ludzi, kreowaniu środowiska życia i obiektywnego świata;
• przyswoić wyobrażenia o działalności artysty w syntetycznych i widowiskowych formach sztuki (w teatrze i kinie);
• przyswoić sobie podstawowe wyobrażenia o bogactwie i różnorodności kultur artystycznych ludów Ziemi oraz o podstawach tej różnorodności, o jedności relacji emocjonalnych i wartościowych do zjawisk życia.

2.2. Projekt szkolnego programu edukacji artystycznej.

Schemat ten ujawnia treść programu – jego „trzy etapy”.

Etap pierwszy - szkoła podstawowa - jakby cokół całej budowli - składa się z czterech stopni i ma znaczenie fundamentalne. Bez otrzymania opisanego tutaj rozwoju, zdobywanie wiedzy o kolejnych etapach jest (prawie) bezużyteczne. Mogą okazać się zewnętrzne, nieuwzględnione w konstrukcji osobowości. Nieustannie powtarzamy nauczycielom: od jakiejkolwiek klasy zaczniesz pracować z nieprzygotowanymi, „surowymi” dziećmi, musisz zacząć od tego etapu.

I tutaj treść dwóch pierwszych zajęć jest szczególnie znacząca – nie można ich pominąć, kładą podwaliny pod cały kurs, wszystkie etapy kształtowania się myślenia artystycznego.

Pominięcie przedstawionych tutaj podstaw jest jak pominięcie elementarnego wprowadzenia do istnienia liczb w matematyce, z możliwością ich dodawania i odejmowania. Chociaż kładzie się tutaj również bardziej złożone podstawy sztuki.

Jak sugeruje diagram, pierwszy etap, czyli zajęcia podstawowe, ma na celu emocjonalne zapoznanie się z powiązaniami między sztuką a życiem. Ogólnie rzecz biorąc, ten problem jest podstawą istoty programu. Właśnie w tym kontekście poznaje się sztukę: poznaje się jej rolę w życiu każdego z nas i realizuje się środki - język, którym sztuka tę funkcję spełnia.

Na pierwszym etapie sztuki nie dzielą się na typy i gatunki – ich życiowe role są niejako poznawane z osobowości dziecka w głąb kultur ludów ziemi.

Drugi etap jest zupełnie inny. Tutaj powiązania z życiem są doszukiwane właśnie w rodzajach i gatunkach sztuki. Każdemu poświęcony jest duży, co najmniej roczny, integralny blok. Zanurzenie w uczuciach i myślach oraz świadomość specyfiki języka każdego rodzaju sztuki i przyczyn tej specyfiki, wyjątkowości funkcji duchowej, społecznej, roli w życiu człowieka i społeczeństwa. Rok - sztuka dekoracyjna i użytkowa. Dwa lata - dobrze. Rok - konstruktywny. Dziewiąta klasa - sztuki syntetyczne.

A trzeci etap to końcowe wykształcenie średnie. Tutaj każdemu trzeba dać dość poważny poziom znajomości historii sztuki albo w ramach „Światowej Kultury Artystycznej”, albo na kursach równoległych programów sztuk plastycznych, muzyki, literatury, kina. Każda opcja ma swoje zalety i wady.

Ale równolegle z tym kursem teoretycznym konieczne byłoby zapewnienie, według wyboru studenta, ale dokładnie dla każdego, jednego z kursów praktycznych: „znajomość grafiki”, „znajomość dekoratora”, „znajomość projektowania”, „podstawy kultury spektakularnej”. Tylko tworząc taką dwoistą jedność części teoretycznej i praktycznej na etapie ukończenia kształcenia ogólnego, będziemy w stanie konkurować gospodarczo (i kulturowo) z krajami rozwiniętymi gospodarczo. Taki sposób zdobywania wykształcenia średniego funkcjonuje np. w Japonii od ponad pięćdziesięciu lat.

Dziś poruszamy problem związku między sztuką a postawą świata. Ale nie mniej istotne są jego powiązania z gospodarką. To właśnie tę stronę podkreślają eksperci z różnych krajów, gdzie sztuka otrzymuje przestrzeń (do sześciu godzin tygodniowo).

Ten program jest przeznaczony na 1-2 godziny lekcyjne na temat. Idealnie, realizacja wszystkich tematów powinna zająć co najmniej dwie godziny (podwójna lekcja).

Jednak przy wyraźnym wykorzystaniu opracowanej metodologii realistyczne (choć osłabione) jest prowadzenie zajęć z tego tematu w ramach jednej lekcji. Wszystko zależy od zrozumienia przez szkołę roli edukacji artystycznej.

Wniosek

W kształtowaniu osobowości dziecka nieocenione są różnego rodzaju zajęcia plastyczne i twórcze: rysowanie, modelowanie, wycinanie i sklejanie figurek z papieru, tworzenie różnorodnych wzorów z materiałów naturalnych itp.

Takie zajęcia dają dzieciom radość z nauki, kreatywność. Doświadczywszy tego uczucia raz, dzieciak będzie starał się w swoich rysunkach, aplikacjach, rękodziełach opowiedzieć o tym, czego się nauczył, zobaczył, doświadczył.

Wizualna aktywność dziecka, którą dopiero zaczyna opanowywać, wymaga wykwalifikowanej opieki osoby dorosłej.

Ale aby rozwinąć zdolności twórcze właściwe naturze każdego ucznia, sam nauczyciel musi rozumieć sztuki piękne, kreatywność dzieci i opanować niezbędne metody działalności artystycznej. Nauczyciel musi kierować wszystkimi procesami związanymi z tworzeniem ekspresyjnego obrazu: z estetycznym postrzeganiem samego przedmiotu, kształtowaniem wyobrażenia o właściwościach i ogólnym wyglądzie przedmiotu, rozwijaniem umiejętności wyobraź sobie na podstawie istniejących pomysłów, opanowanie wyrazistych właściwości kolorów, linii, kształtów, wcielanie przez dzieci swojego planu w rysunek, modelowanie, aplikacje itp.

Tak więc w procesie aktywności wizualnej realizowane są różne aspekty edukacji: sensoryczna, umysłowa, estetyczna, moralna i pracy. Ta czynność ma pierwszorzędne znaczenie dla edukacji estetycznej; Jest to również ważne dla przygotowania dzieci do szkoły.

Należy podkreślić, że zapewnienie wszechstronnego rozwoju ucznia jest możliwe tylko wtedy, gdy uwaga nauczyciela skierowana jest na rozwiązanie tego problemu, realizowany jest program nauczania aktywności wzrokowej oraz stosowana jest właściwa i zróżnicowana metodyka.

Bibliografia

1. Alekseeva O., Yudina N. Integracja w sztukach pięknych. // Szkoła Podstawowa. - 2006r. - nr 14.
2. Arnheim R. Sztuka i percepcja wzrokowa. - M.: Architektura-S, 2007. - 392 s.
3. Encyklopedia Bażowa. Pod redakcją Blazhesa V.V. - Jekaterynburg: Sokrates, 2007. - 639 s.
4. Bashaeva TV Rozwój percepcji u dzieci. Kształt, kolor, dźwięk. - Jarosław: Akademia Rozwoju, 1998. - 239 s.
5. Błoński PP Psychologia ucznia gimnazjum. - M.: Akademia Nauk Psychologicznych i Społecznych, 2006. - 631s.
6. Bogoyavlenskaya D.B. Psychologia zdolności twórczych. - M.: Akademia, 2002. - 320 s.
7. Grigorowicz LA Rozwój potencjału twórczego jako aktualny problem pedagogiczny. - Czelabińsk, 2006.
8. Gin S.I. Świat fantazji (podręcznik dla nauczycieli szkół podstawowych). - Homel, 2003.
9. Musiychuk M.V. Warsztaty dotyczące rozwoju kreatywności osobowości. - MGPI, 2002. S. 45
10. Sokolnikowa N.M. Plastyka i metody jej nauczania w szkole podstawowej. - M., 2007.

METODYKA NAUCZANIA SZTUK PIĘKNYCH

Krótki cykl wykładów

Kemerowo 2015

Niniejsza publikacja stanowi pomoc dydaktyczną do przygotowania do interdyscyplinarnego egzaminu państwowego z modułu zawodowego „Działalność pedagogiczna” i zawiera krótki cykl wykładów z historii metod nauczania sztuk plastycznych, teorii i metodyki organizacji współczesnej lekcji plastyki

Przeznaczony jest dla studentów kierunku Kształcenie specjalistów w specjalnościach 54.02.05 „Malarstwo: malarstwo sztalugowe”, 54.02.01 „Wzornictwo w kulturze i sztuce”, 54.02.02 „DPI i rękodzieło ludowe: ceramika artystyczna”

Opracował: A.M. Osipov, dyrektor artystyczny,

nauczyciel GOU SPO "KOHK",

EO Shcherbakova, metodolog Państwowej Instytucji Edukacyjnej SPO „KOHK”.

Zastępca Dyrektora ds. Badań i Rozwoju TV Semenets

Regionalna Szkoła Artystyczna w Kemerowie, 2015

Temat 1. Cele i zadania edukacji artystyczno-pedagogicznej……………………...……....4

Temat 2. Metody nauczania sztuk plastycznych jako przedmiotu studiów……………6

Temat 3. Metody nauczania rysunku w świecie starożytnym i średniowieczu……………..…………..8

Temat 4. Wartość zapisów metodologicznych sztuki renesansu………………..……11

Temat 5. Modele edukacji artystycznej New Age w Europie Zachodniej………….14

Temat 6. Kształtowanie się narodowej szkoły pedagogiki artystycznej w XVIII–XIX wieku….…18

Temat 7. Akademicki system edukacji artystycznej w Rosji. ………………...……22

Temat 8. Metody nauczania rysunku w szkole sowieckiej………………………………………………25

Temat 9. Analiza programu B.M. Nemensky'ego „Sztuki piękne

i twórczości artystycznej”…………..……………………………………………….28

Temat 10. Programy nauczania i programy………………………………………….…………………………31

Temat 11

Temat 12. Lekcja jako główna forma organizacji procesu edukacyjnego……………..……………….36

Temat 13. Metodyczne formy realizacji lekcji. …………………………..39

Temat 14. Główne założenia metodyczne prowadzenia zajęć wizualnych z przedszkolakami 42

Temat 15

Temat 16

Temat 17

Temat 18

Temat 19. Lekcje-rozmowy na temat historii sztuk pięknych i metodologii ich prowadzenia ... 52

Temat 20. Rola materiałów wizualnych w procesie nauczania przedmiotów plastycznych 55

Spis wykorzystanej literatury……………………………………………….58

Nauczyciel sztuk pięknych sam musi być biegły w zakresie umiejętności wizualnych, których podstaw uczy, musi być w stanie metodycznie poprawnie wyjaśnić i jasno pokazać proces przedstawiania przedmiotu, określoną technikę, zasady pracy z ołówkiem lub pędzlem . Praktyka pokazuje, że jeśli sam nauczyciel jest słabo zorientowany w sztukach plastycznych, słabo rysuje, nie umie łączyć wzorców perspektywy, kolorystyki, kompozycji z praktyką rysunkową, to jego uczniowie nie mają tej wiedzy i umiejętności.

Systematyczne wizyty nauczyciela na wystawach plastycznych i warsztatach artystów, muzeach, kontakty z inteligencją artystyczną, regularne czytanie książek i czasopism o tematyce plastycznej, praca twórcza są niezbędnym warunkiem podnoszenia poziomu naukowego, teoretycznego i zawodowego nauczyciela.

Metoda nauczania sztuk pięknych jako nauka teoretycznie uogólnia praktyczne doświadczenie, formułuje prawa i reguły nauczania, wskazuje technologię najskuteczniejszych metod i proponuje ich wdrożenie. Metodologia opiera się na danych naukowych z zakresu pedagogiki, psychologii, estetyki i historii sztuki.

Oczywiście w żywym procesie nauczania każdy nauczyciel wypracowuje własną metodykę pracy, ale musi ona być budowana zgodnie z ogólnymi celami i założeniami nowoczesnego nauczania sztuk pięknych, które nie zostały wypracowane od razu, zanim metodyka poszła przez trudną ścieżkę rozwoju.

Metodyka nauczania sztuk pięknych jako nauki podsumowuje praktyczne doświadczenia, proponuje takie metody nauczania, które już się sprawdziły i dają najlepsze efekty.

Metoda nauczania sztuk plastycznych jest żywą, rozwijającą się nauką, pochłaniającą wszelkie nowinki. Aby jednak nowe technologie mogły być skutecznie wdrażane w praktyce, konieczna jest znajomość doświadczeń historycznych oraz kierunków rozwoju nauczania sztuk pięknych.

ROZDZIAŁ 2. ZASADY PEDAGOGICZNE W RÓŻNYCH SZKOLACH

Era starożytnej Grecji była najwspanialszą erą w historii rozwoju sztuk pięknych starożytnego świata. Wartość greckich dzieł sztuki jest niezwykle wielka. Tutaj położono metodę naukowego rozumienia sztuki. Greccy artyści-edukatorzy namawiali swoich uczniów i naśladowców do bezpośredniego studiowania przyrody, obserwowania jej piękna i wskazywania czym ona jest. Piękno polegało w ich mniemaniu na właściwych proporcjach części, czego doskonałym przykładem jest postać ludzka. Mówili, że proporcjonalna regularność ludzkiego ciała w jego jedności tworzy harmonię piękna. Główną zasadą sofistów było: „Człowiek jest miarą wszystkich rzeczy”. Stanowisko to stanowiło podstawę całej sztuki starożytnej Grecji.

Metody nauczania rysunku w starożytnym Rzymie. Rzymianie bardzo lubili sztuki piękne, zwłaszcza dzieła greckich artystów. Sztuka portretowa staje się powszechna, jednak Rzymianie nie wnieśli nic nowego do metodyki i systemu nauczania, nadal korzystając z dorobku greckich artystów. Co więcej, stracili wiele cennych zapasów rysunku, których nie udało się uratować. Artyści rzymscy w większości kopiowali dzieła artystów greckich. Warunki nauczania były inne niż w szkołach greckich.

Społeczeństwo rzymskie wymagało dużej liczby rzemieślników do dekoracji pomieszczeń, budynków użyteczności publicznej, okres szkolenia był krótki. Dlatego metoda nauczania rysunku była nienaukowa, rysunek stał się warunkowy i schematyczny. W nauczaniu rysunku, kopiowania z próbek dominowało mechaniczne powtarzanie metod pracy, co z kolei zmuszało rzymskich artystów-nauczycieli do coraz większego odchodzenia od metod nauczania stosowanych przez greckich artystów-nauczycieli. Wielu szlachetnych szlachciców i samych patrycjuszy zajmowało się rysunkiem i malarstwem (na przykład Fabius Pictor, Pedius, Juliusz Cezar, Neron itp.). W technice rysunkowej Rzymianie po raz pierwszy zaczęli używać sangwinika jako materiału do rysowania.

Rola kultury starożytnej w rozwoju sztuki realistycznej, w kształtowaniu i rozwoju akademickiego systemu nauczania rysunku jest ogromna. Do dziś inspiruje nas do poszukiwania skuteczniejszych metod nauczania plastyki, do naukowego rozwijania metod nauczania rysunku.

Rysunek w średniowieczu. W średniowieczu osiągnięcia sztuki realistycznej zostały skazane na zapomnienie. Artyści nie znali zasad konstruowania obrazu na płaszczyźnie, jakimi posługiwano się w starożytnej Grecji. Podstawą treningu jest mechaniczne kopiowanie próbek, a nie czerpanie z natury.

Malarze pierwszych wieków chrześcijaństwa nadal posługiwali się artystycznymi formami malarstwa antycznego. W krótkim czasie tradycje sztuki realistycznej zostały zapomniane i utracone, rysunek stał się warunkowy i schematyczny. Zginęły rękopisy - prace teoretyczne wielkich artystów, a także wiele słynnych dzieł, które mogłyby służyć za modele. Badanie przyrody i przyrody w sensie akademickim nie było praktykowane, ponieważ realistyczna natura wywoływała „ziemskie” uczucie, które w tej epoce zostało zastąpione duchowymi poszukiwaniami. Artyści średniowieczni pracowali nie z natury, lecz według wzorów wszytych w zeszyty były to konturowe szkice kompozycji o różnej tematyce kościelnej, pojedyncze figury, motywy draperii itp. Kierowali się zarówno malowidłami ściennymi, jak i malowidłami sztalugowymi. Rysunku uczył mistrz, który nie przestrzegał ścisłego systemu ani jasnych metod nauczania. Większość uczniów uczyła się samodzielnie, uważnie przyglądając się twórczości mistrza.

U podstawy nauczania rysunku Preisler stawia geometrię. Geometria pomaga rysownikowi zobaczyć i zrozumieć kształt obiektu, a przedstawiona na płaszczyźnie ułatwia proces konstrukcyjny. Preisler ostrzega jednak, że posługiwanie się figurami geometrycznymi musi łączyć się ze znajomością zasad i praw perspektywy oraz anatomii plastycznej.

Podręcznik Preislera był wysoko ceniony przez współczesnych, był kilkakrotnie przedrukowywany zarówno za granicą, jak iw Rosji. W tym czasie nie było bardziej szczegółowego i jasnego rozwoju metodologicznego w zakresie rysunku edukacyjnego, więc prace Preislera w Rosji były przez długi czas wykorzystywane nie tylko w ogólnych instytucjach edukacyjnych, ale także w specjalnych szkołach artystycznych.

Oczywiście dzisiaj można znaleźć w książce Preislera wady, ale dla zachowania prawdy historycznej trzeba zaznaczyć, że jak na swoje czasy był to najlepszy przewodnik. Wiedza, jaką uczeń otrzymał na podstawie studiowania kursu Preislera, pomogła mu czerpać z życia w przyszłości, a także czerpać z pamięci i tak ważnej dla artysty wyobraźni.

W 1834 pierwszy podręcznik A.P. Sapożnikowa - fatalna publikacja dla sztuki rosyjskiej. Kurs rysunku A. P. Sapożnikowa rozpoczyna się od zapoznania się z różnymi liniami, następnie zapoznaje cię z kątami, po czym opanowuje różne kształty geometryczne. Przed przystąpieniem do rysowania obiektów trójwymiarowych Sapozhnikov sugeruje zademonstrowanie uczniom prawa perspektywy za pomocą specjalnych modeli, ponownie zaczynając od linii, następnie przechodząc do różnych powierzchni i wreszcie do brył geometrycznych. Następnie następuje zapoznanie się z prawami światłocienia, także przy pomocy pokazowych modeli. Kiedy rysunek prostych brył geometrycznych jest dobrze opanowany, Sapozhnikov sugeruje przejście do rysowania złożonych brył: najpierw podane są grupy brył geometrycznych, następnie zadania stopniowo zwiększają złożoność, aż do rysowania gipsowych głów. Dla zobrazowania budowy głowy ludzkiej autor proponuje wykorzystanie specjalnie wykonanego przez siebie modelu drucianego, który zawsze powinien znajdować się w pobliżu gipsowej głowy, w podobnym obrocie i położeniu.

Wartość metody Sapożnikowa polega na tym, że opiera się ona na czerpaniu z natury, a nie jest to tylko kopia natury, ale analiza formy. Sapożnikow postawił sobie za cel nauczenie tych, którzy czerpią z życia, myślenia, analizowania, rozumowania.

Pozytywne aspekty metod nauczania A.P. Sapożnikowa nie straciły na znaczeniu w naszych czasach, są używane przez krajowych metodologów. Zwięzły i prosty na sposób militarny system stał się podstawą metod szkoły radzieckiej i stał się państwowy.

Studiując historię technik rysunkowych, musisz się z nimi zapoznać dzieło GA Gippiusa . W 1844 opublikował pracę „Eseje o teorii rysunku jako przedmiotu ogólnego”. Była to pierwsza tak poważna praca dotycząca metodyki nauczania rysunku w szkole średniej. Tutaj skupiały się wszystkie zaawansowane idee ówczesnej pedagogiki. Książka podzielona jest na dwie części - teoretyczną i praktyczną. W części teoretycznej zarysowane są główne założenia pedagogiki i sztuk pięknych. W części praktycznej ujawniana jest metodyka nauczania.

Gippius dąży do naukowego i teoretycznego uzasadnienia każdego stanowiska metody nauczania rysunku. W nowy sposób rozważa sam proces nauczania. Metody nauczania, mówi Gippius, nie powinny mieć określonego schematu; różne metody nauczania mogą osiągnąć dobre wyniki. Aby nauczyć się poprawnie rysować, musisz nauczyć się rozumować i myśleć, mówi Gippius, a to jest konieczne dla wszystkich ludzi i należy to rozwijać od dzieciństwa. Gippius podaje wiele cennych metodologicznych wskazówek i zaleceń w drugiej części swojej książki. Metodyka nauczania, zdaniem Gippiusa, powinna opierać się nie tylko na danych pracy praktycznej, ale także na danych nauki, a przede wszystkim psychologii. Gippius stawia nauczycielowi bardzo wysokie wymagania. Nauczyciel powinien nie tylko dużo wiedzieć i umieć, ale także przemawiać do uczniów jak aktor. Praca każdego ucznia powinna znajdować się w polu widzenia nauczyciela. Gippius ściśle łączy zapewnienie zajęć ze sprzętem i materiałami z kwestiami metodologii.

Praca G. A. Gippiusa była znaczącym wkładem w teorię i praktykę nauczania rysunku jako przedmiotu ogólnokształcącego, znacznie wzbogaciła metodykę nauczania. Tak poważnego i pogłębionego opracowania problematyki metodyki nauczania w tym okresie nie znajdujemy u żadnego, nawet najwybitniejszego przedstawiciela myśli pedagogicznej.

W 1804 r. regulamin szkolny wprowadził rysunek do wszystkich szkół powiatowych i gimnazjów. Z powodu braku nauczycieli w 1825 r. w Moskwie z inicjatywy hrabiego S. G. Stroganowa powstała Szkoła Rysunku Technicznego, w której funkcjonował wydział kształcący nauczycieli rysunku dla szkoły ogólnokształcącej. W 1843 r. Ministerstwo Oświaty Publicznej wydało okólnik z propozycją zastąpienia nauczycieli rysunku, kreślarstwa i kaligrafii, którzy nie mieli specjalnego wykształcenia artystycznego w szkołach powiatowych, uczniami ze szkoły Stroganowa. Do 1879 roku szkoła ta była jedyną placówką edukacyjną, która specjalnie kształciła nauczycieli rysunku.

Od drugiej połowy XIX wieku nie tylko wybitni artyści-nauczyciele, ale także zwykli nauczyciele szkolni zaczęli zwracać szczególną uwagę na metody nauczania. Rozumieli, że bez specjalnego szkolenia metodycznego niemożliwe jest skuteczne prowadzenie pracy pedagogicznej.

W 1864 r. statutem szkół średnich wyłączono rysunek z liczby przedmiotów obowiązkowych. W 1872 r. ponownie włączono rysunek do zakresu przedmiotów w szkołach realnych i miejskich. W tym samym roku 1872 powołano „Bezpłatne niedzielne lekcje rysunku dla ludu”. Nauczanie w tych klasach prowadzono początkowo pod kierunkiem profesora malarstwa V.P. Vereshchagina i akademika architektury A.M. Gornostaeva. W celu opracowania metod nauczania rysunku w szkołach ogólnokształcących powołano specjalną komisję przy Akademii Sztuk Pięknych. W skład tego zamówienia weszli wybitni artyści: N.N. Ge, I.N. Kramskoj, P.P. Czistyakow. Komisja brała również udział w opracowaniu programu dla szkół średnich.

Cechy szkoły artystycznej rysunku P. P. Chistyakov. Rosyjski artysta i profesor Akademii Sztuk Pięknych P. P. Czistyakow uważał, że Akademia Sztuk Pięknych w czasach jego nauczania (1872-1892) wymagała reformy i nowych metod pracy ze studentami, konieczne było ulepszenie metod nauczania rysunku, malarstwa i skład.

System nauczania Czistyakowa obejmował różne aspekty procesu artystycznego: relacje między naturą a sztuką, artystą a rzeczywistością, psychologię twórczości i percepcji itp. Metoda Czistiakowa wychowała nie tylko artystę-mistrza, ale i artystę-twórcę. Czistyakow przywiązywał decydującą wagę do rysunku w swoim systemie, nakłaniał go do wniknięcia w samą istotę widocznych form, do odtworzenia ich przekonująco konstruktywnego modelu na warunkowej przestrzeni arkusza. .

Zaletą systemu nauczania Czistyakowa była spójność, jedność na poziomie metodologicznym wszystkich jego elementów, logiczne podążanie z jednego etapu do drugiego: od rysunku, przez światłocień, następnie kolor, po kompozycję (kompozycję).

Przywiązywał dużą wagę do koloru, dostrzegając w kolorze najważniejsze środki wyrazu figuratywnego, ujawniające treść dzieła.

Kompozycja obrazu jest wynikiem treningu artysty, kiedy był już w stanie zrozumieć zjawiska otaczającego go życia, podsumować swoje wrażenia i wiedzę w przekonujących obrazach „Zgodnie z fabułą i techniką” było ulubionym wyrażeniem Czistyakowa.

Analizując działalność pedagogiczną P. P. Chistyakova, można zidentyfikować główne elementy systemu jego pracy, dzięki którym osiągnięto wysoki poziom jakości nauczania rysunku. Polegał on na interakcji następujących elementów:

· cele i zadania nauczania jako punkt wyjścia systemu pedagogicznego;

naukowo poparta treść materiałów edukacyjnych;

Wykorzystanie różnych rodzajów i form prowadzenia zajęć, dzięki którym zorganizowano zajęcia uczniów w zakresie doskonalenia umiejętności artystycznych w zakresie rysunku;

różne formy kontroli, za pomocą których zapobiegano ewentualnym odchyleniom od zadanych zadań podczas wykonywania rysunku;

· nieustanne samodoskonalenie samego P. P. Czistyakowa, które miało na celu przede wszystkim poprawę pozytywnego wpływu na kursantów.

Integralną częścią systemu pracy Pawła Pietrowicza Czistyakowa były również zbudowane relacje ze studentami, mające na celu komunikację z podopiecznymi, dialog i szacunek dla jednostki. „Prawdziwy, rozwinięty, dobry nauczyciel nie dmucha uczniowi kija, w przypadku błędu, niepowodzenia itp. stara się dokładnie wyjaśnić istotę sprawy i zręcznie naprowadzić ucznia na właściwą drogę”. Ucząc uczniów rysowania, należy dążyć do zintensyfikowania ich aktywności poznawczej. Nauczyciel musi dać kierunek, zwrócić uwagę na najważniejsze, a uczeń musi sam rozwiązać te problemy. Aby poprawnie rozwiązać te problemy, nauczyciel musi nauczyć ucznia nie tylko zwracania uwagi na przedmiot, ale także dostrzegania jego charakterystycznych stron. Metody Chistyakova, jego umiejętność odgadywania specjalnego języka każdego talentu, jego ostrożne podejście do każdego talentu przyniosły niesamowite rezultaty. Jego system nauczania wychował artystę w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Różnorodność osobowości twórczych uczniów mistrza mówi sama za siebie - są to V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov i inni.

Poglądy pedagogiczne P. P. Czistyakowa zostały uznane już w czasach sowieckich. Jej system pedagogiczny, o charakterze rewolucyjnym, nie ma analogii w teorii i praktyce innych narodowych uczelni artystycznych.

Podobnie jak nauczanie rysunku, Chistyakov dzieli naukę malarstwa na kilka etapów.

Pierwszy krok- to opanowanie figuratywnego charakteru koloru, rozwój młodego artysty, umiejętność trafnego określenia odcienia barwy i odnalezienia jej właściwej pozycji przestrzennej. Druga faza powinien nauczyć studenta rozumienia ruchu koloru w formie jako głównego środka przekazu natury, trzeci- uczyć rozwiązywania tych błotnych innych zadań fabularno-plastycznych za pomocą koloru. Czistyakow był prawdziwym innowatorem, który przekształcił pedagogikę w wysoką kreatywność.

Temat 7. Akademicki system edukacji artystycznej w Rosji

· Cesarska Akademia Sztuk Pięknych w Rosji XVIII - w pierwszej połowie XIX wieku. i Szkole Pedagogicznej.

AP Losenko, AE Egorov, VK Shebuev.

Od 1758 r. „Akademia Trzech Najszlachetniejszych Sztuk” stała się naukowym i metodologicznym centrum edukacji artystycznej, aw całej swojej historii Akademia Petersburska była głównym rosyjskim ośrodkiem edukacji artystycznej. Najwięksi rosyjscy architekci, rzeźbiarze, malarze, rytownicy przeszli w Akademii surowe, wymagające szkolenie.

Od samego początku Akademia Sztuk Pięknych była nie tylko placówką edukacyjno-wychowawczą, ale także ośrodkiem edukacji artystycznej, gdyż regularnie organizowała wystawy. Pod jej rządami powstały muzea i biblioteka naukowa. Aby rozwinąć dobry gust artystyczny uczniów i wzbudzić zainteresowanie sztuką, założyciel i pierwszy naczelny dyrektor I. I. Szuwałow postanowił otoczyć uczniów wspaniałymi dziełami. Przekazuje akademii swoją kolekcję obrazów i rysunków, a także swoją osobistą bibliotekę. Po Szuwałowie akademia podtrzymywała tę tradycję przez wiele lat i przyniosła sprawie wielki sukces, zaszczepiając w studentach poczucie głębokiego szacunku dla sztuki i dla akademii. Akademia zapewniała studentom wszystkie niezbędne materiały do ​​pracy: papiery wszystkich klas, farby, ołówki, płótna, blejtramy, pędzle i werniksy.

Głównym przedmiotem na akademii był rysunek. Za najlepsze rysunki edukacyjne Rada Akademii przyznała autorom nagrody – małe i duże srebrne medale. Z inicjatywy rzeźbiarza Gilleta w 1760 r. zorganizowano w akademii pełnowymiarową klasę, w której poważnie poświęcono badaniu budowy anatomicznej ciała ludzkiego. Tutaj szkielet i „postrzępiona postać”, jak nazywano wówczas model anatomiczny, są dokładnie badane.

Zajęcia z rysunku były zorganizowane w następujący sposób: „Zajęcia były podzielone na poranne, od 9 do 11, i wieczorne, od 5 do 7. Na zajęciach porannych każdy był zajęty swoją specjalnością, a wieczorem każdy, niezależnie od byli klasą, rysowali francuskim ołówkiem. Po miesiącu rysunki zostały wystawione w salach lekcyjnych do rozważenia przez profesorów; to było jak egzamin. Ponadto co tydzień eksponowano figury, gipsowe głowy, w stosunku do których wymagano, aby kontury z nich były wykonane jak najwierniej, choć cieniowanie nie zostało zakończone. Na egzaminy miesięczne lub egzaminy te tygodniowe prace nie mogły być prezentowane przez studentów, ponieważ profesor badał je w ciągu tygodnia, ale niektóre prace, przygotowane wyłącznie na egzamin miesięczny, były już wystawiane w wyznaczonym terminie bezbłędnie.

Uczniowie akademii zostali podzieleni na grupy wiekowe:

I grupa - od 6 do 9 lat,

II - od 9 do 12,

III - od 12 do 15 lat,

4 - od 15 do 18 lat.

1. grupa: W pierwszej grupie oprócz przedmiotów ogólnokształcących uprawiano rysunek z oryginałów, gipsów oraz z natury. Rysowanie zaczęło się od znajomości techniki i technologii. Ołówek musiał być trzymany dalej od oderwanej końcówki, co dawało dłoni większą swobodę i mobilność. Ryciny z rysunków wybitnych mistrzów, rysunki nauczycieli akademii, a także rysunki szczególnie wybitnych studentów służyły jako próbki w oryginalnych klasach. Rysunki Greza były szczególnie popularne wśród nauczycieli i uczniów. Ekspresyjność linii na jego rysunkach pomogła uczniom wizualnie zobaczyć i zrozumieć plastyczność form.

2. grupa: Druga grupa czerpała z oryginałów, gipsów iz życia. Pod koniec roku studenci zaczęli kopiować z oryginałów rysunki głów, części ciała i nagich postaci ludzkich (akademie), najpierw gipsowe, a potem żywe. Ozdoby i gipsowe głowy zaczerpnięto z natury.

3. grupa: Trzecia grupa studiowała perspektywę, rysunek z oryginałów, gipsów iz życia, malarstwo, rzeźbę, architekturę, grafikę. Gipsowe figury Antinousa, Apolla, Germanika, Herkulesa, Herkulesa, Wenus Medicei zostały namalowane z natury. Tutaj uczeń malował z odlewów gipsowych, dopóki nie zdobył niezbędnych umiejętności zawodowych. Potem mógł przejść do rysowania żywej natury w klasie naturalnej.

Aby dokładnie zapamiętać figurę, uczeń musiał kilka razy narysować to samo ustawienie. Aby dokładnie zapamiętać figurę, uczeń musiał kilka razy narysować to samo ustawienie. Wiadomo, że K. P. Bryullov wykonał czterdzieści rysunków z grupy Laocoon. Umiejętność była tak wielka, że ​​niektórzy naukowcy mogli zacząć rysować z dowolnego miejsca.

Podczas nauczania rysunku dużą wagę przywiązywano do osobistej demonstracji. Ówczesne instrukcje wskazywały, że nauczyciele akademii powinni rysować taką samą naturę, jak studenci - aby uczniowie widzieli, jak powinien przebiegać proces konstruowania rysunku i jaką jakość należy osiągnąć.

W jednym z dokumentów archiwalnych czytamy: „Profesorom i nauczycielom adiunktów nakazać, aby wszyscy adiunkci stawali się na umówioną godzinę na rysowanie przyrody, a także aby obserwowali, jak działa Fontebasse”. To samo czytamy w instrukcjach A.I. Musina-Puszkina: artystów, z których jeden ma ustawiać naturę i poprawiać prace uczniów, a drugi jednocześnie sam z nimi rysować lub rzeźbić.

Niestety, ta progresywna metoda kształcenia przyszłych artystów wyszła później z praktyki pedagogicznej. Jeśli we współczesnych placówkach oświatowych student jest zobowiązany do zrealizowania programu kursu w ciągu roku, niezależnie od powodzenia, to w akademii XVIII wieku, a także w pierwszej połowie XIX wieku uczeń mógł przejść z jednej klasy do innego, na przykład z figury gipsowej do pełnej skali, dopiero po osiągnięciu pewnego sukcesu. .

4. grupa: Uczniowie czwartej grupy rysowali nagą żywą przyrodę i studiowali anatomię. Potem przyszła klasa manekina i kompozycji, a także kopiowania obrazów w Ermitażu.

Wielki wkład w metodykę nauczania rysunku wnieśli artyści i pedagodzy Akademii Sztuk Pięknych AP Losenko i VK Shebuev.

AP Losenko rozpoczął naukę w akademii w 1769 roku. Znakomity rysownik i wspaniały pedagog, który przykładał dużą wagę nie tylko do praktyki, ale również do teorii rysunku. Jego błyskotliwa działalność pedagogiczna bardzo szybko zyskała powszechne uznanie. Począwszy od Łosenko, rosyjska akademicka szkoła rysunku otrzymała własny specjalny kierunek.

Łosenko postawił sobie za zadanie naukowe i teoretyczne uzasadnienie każdego przepisu rysunku akademickiego, a przede wszystkim rysunku postaci ludzkiej. W tym celu zaczął gruntownie studiować anatomię plastyczną, szukać reguł i praw proporcjonalnego podziału figury na części, rysować diagramy i tabele do wizualnej demonstracji swoim uczniom. Od tego czasu metoda nauczania rysunku opiera się na poważnym studium anatomii, proporcji sylwetki ludzkiej i perspektywy. Cała ta wiedza naukowa niezbędna artyście, Losenko, z wielką perswazją i błyskotliwym talentem pedagogicznym, była w stanie przekazać swoim uczniom. Rozumiejąc złożoność i trudność łączenia dwóch różnych rzeczy - niezależnej pracy twórczej i nauczania, Łosenko nie szczędził czasu ani wysiłku dla sprawy, której służył. Zwracając uwagę na tę cechę Łosenko jako artysty i nauczyciela, A. N. Andreev napisał: „Spędzał z nimi (uczniami) całe dnie i noce, uczył ich słowem i czynem, sam rysował dla nich studia akademickie i rysunki anatomiczne, publikowane dla kierownictwa akademii anatomia i proporcje ludzkiego ciała, które były i są nadal używane przez wszystkie późniejsze szkoły; rozpoczął zajęcia na pełną skalę, sam pisał na tej samej ławce ze swoimi uczniami, a jego prace jeszcze bardziej przyczyniły się do poprawy gustu studentów akademii.

Zasługa Łosenki polega nie tylko na tym, że dobrze się spisał w nauczaniu rysunku w Akademii Sztuk Pięknych, ale także na tym, że zadbał o jego dalszy rozwój. W tym jego prace teoretyczne i pomoce dydaktyczne powinny były odegrać swoją rolę.

Na początku XIX wieku rysunek jako ogólny przedmiot edukacyjny zaczął się upowszechniać. Wiele zrobiono w tym okresie w dziedzinie publikowania różnych podręczników, podręczników i samouczków dotyczących rysunku.

Główne działania

Obraz na płaszczyźnie iw objętości (z natury, z pamięci iz reprezentacji); prace dekoracyjne i konstrukcyjne;

wniosek;

· modelowanie objętościowo-przestrzenne;

działalność projektowa i konstrukcyjna;

fotografia artystyczna i filmowanie wideo; postrzeganie zjawisk rzeczywistości i dzieł sztuki;

omówienie pracy towarzyszy, wyników twórczości zbiorowej i pracy indywidualnej w klasie;

badanie dziedzictwa artystycznego;

słuchanie muzyki i literatury

Wsparcie dydaktyczne i metodyczne - zestawy metodyczne do programu, w tym podręczniki, zeszyty ćwiczeń dla uczniów i pomoce dydaktyczne dla nauczycieli. Wszystkie publikacje redaguje B.M. Nemensky.

I etap - szkoła podstawowa.

Ocena 1 - podstawowa - zapoznanie ze sposobami pracy, różnymi materiałami plastycznymi, rozwijanie czujności i opanowania materiału. „Ty przedstawiasz, dekorujesz i budujesz”.

Klasa II – „Ty i Sztuka” – wprowadzanie dzieci w świat plastyki, emocjonalnie związanej ze światem osobistych obserwacji, przeżyć, przemyśleń. Kształtowanie się wyobrażeń o treści i roli sztuki

Klasa 3 – „Sztuka wokół Ciebie” – wprowadzenie dzieci w świat otaczającego piękna.

Klasa 4 - „Każdy naród jest artystą” - kształtowanie idei różnorodności i fascynacji sztuką. kreatywność we wszystkich zakamarkach

ziemię i każdy naród.

II etap - liceum. Podstawy myślenia i wiedzy artystycznej. Dogłębne studium różnych rodzajów i gatunków sztuki w kontekście rozwoju historycznego wzmacnia interdyscyplinarne powiązania z lekcjami historii.

Ocena 5 - Związki grupy rzemieślniczej z życiem. Poczucie harmonii z materiałem

Klasa 6 - 7 - Związki grupy plastycznej z życiem. Opanowanie plastycznych i figuratywnych wzorców plastycznych oraz ich systematyzacja. Kreatywność artystów.

Klasa 8 - „Powiązania konstruktywnej grupy sztuk z życiem”. Architektura jest syntezą wszystkich form sztuki.

Ocena 9 - uogólnienie zaliczonego. „Synteza sztuk przestrzennych i czasowych”.

III etap. Podstawy świadomości artystycznej. Podział pracy praktycznej i teoretycznej na kursy równoległe.

10-11 godz. - Historyczne powiązania sztuk.

ROZDZIAŁ 3. ORGANIZACJA I PLANOWANIE

Wykonywanie forsketów.

Foreskety to szkice kompozycyjne przyszłego rysunku, które poprzedzają pracę nad arkuszem głównym. Aby to zrobić, możesz użyć wizjera - kawałka tektury lub papieru, w którym wycina się mały prostokątny otwór. Uczeń, patrząc przez wizjer, powinien niejako zobaczyć kadr przyszłego zdjęcia. Rozmiar ramki jest ustalany w zależności od rozmiaru głównego arkusza papieru. Po wykonaniu kilku szkiców kompozycyjnych przy pomocy wizjera, student wybiera ten, który najlepiej odpowiada zadaniu i przystępuje do pracy na głównym arkuszu.

3. Etapy pracy nad formatem.

Pierwszy krok zaczyna się od kompozycyjnego umieszczenia obrazu na kartce papieru. Następnie ustala się główne proporcje i zarysowuje ogólny obraz natury. Określa się plastyczną charakterystykę głównych mas. Aby szczegóły nie odwracały uwagi początkującego od głównego bohatera formy, proponuje się zmrużyć oczy, aby forma wyglądała jak sylwetka, jak wspólne miejsce, a szczegóły zniknęły. Obraz zaczyna się od lekkich pociągnięć. Należy unikać przedwczesnego obciążania arkusza niepotrzebnymi plamami i liniami. Forma jest narysowana bardzo ogólnie i schematycznie. Ujawnia się główny bohater dużej formy. Jeśli jest to cała grupa obiektów (martwa natura), to uczeń musi umieć je zrównać (wpisać) do jednej figury, czyli uogólnić.

Druga faza- konstruktywne rozpoznawanie kształtu przedmiotów za pomocą linii. Zróżnicowana grubość kontrastującej linii odsłania zwiewność perspektywy, konstrukcji. Przedmioty powinny wyglądać na przezroczyste, szkliste.

Trzeci etap- tonowe modelowanie plastyczne formy i szczegółowe studium rysunku.

Opracowanie szczegółów wymaga również określonego schematu - każdy szczegół musi być narysowany w połączeniu z innymi. Rysując detal, trzeba widzieć całość.

Istotnym etapem są etapy dopracowywania szczegółów aktywnej analizy form, rozpoznania materialności natury i relacji obiektów w przestrzeni. Korzystając z praw perspektywy (zarówno liniowej, jak i powietrznej), konieczne jest budowanie obrazów w oparciu o dokładną analizę relacji między wszystkimi elementami formy. Na tym etapie pracy następuje szczegółowa charakterystyka natury: ujawnia się faktura modelu, zostaje przeniesiona materialność obiektów (gips, tkanina), starannie opracowany jest rysunek w relacjach tonalnych. Kiedy wszystkie szczegóły są narysowane, a rysunek jest starannie wymodelowany tonem, rozpoczyna się proces uogólniania.

Czwarty etap- podsumowując. To ostatni i najważniejszy etap pracy nad rysunkiem. Na tym etapie uczeń podsumowuje wykonaną pracę: sprawdza ogólny stan rysunku, podporządkowuje detale całości, dopracowuje ton rysunku (podporządkowuje tonowi ogólnemu światło i cienie, światła, refleksy i półtony). Na końcowym etapie pracy zaleca się powrót do świeżości

wstępne postrzeganie.

Konsekwentne prace malarskie

Rozpoczynając malowanie, musisz przede wszystkim zajrzeć do natury, określić główne relacje tonalne i kolorystyczne.

wstępny szkic

wyszukaj kompozycję (kolor, organizacja kolorystyczna) -

szukaj rozwiązania kształtu, proporcji, struktury konstrukcyjnej

szukaj dużych relacji tonalnych i kolorystycznych (kolory ciepłe i zimne, nasycone i słabo nasycone, jasne i ciemne)

ostateczne określenie formatu i wielkości przyszłego badania

Konieczne jest wykonanie co najmniej trzech szkiców, różniących się od siebie, aby wybrać najlepszą opcję, na podstawie której zostanie wykonana praca. Szkic należy zachować do zakończenia prac nad studium głównym.

2. Rysunek przygotowawczy do malowania

Przeniesienie kompozycji szkicu na płótno główne. Rysunek do malowania powinien być precyzyjny i konkretny, ale nie powinien być szczegółowy

Praca nad szczegółami

Przejście od ogólnych relacji kolorystycznych do rzeźbienia formy kolorem. Rejestracja formy musi odbywać się równomiernie na całej płaszczyźnie obrazu.

Uogólnienie

Etap jednoczesnego uogólniania i podkreślania charakterystycznych momentów dla całościowej jedności kolorystycznej

Efektem każdego z dwóch półroczy powinna być co najmniej jedna gotowa kompozycja w kolorze lub grafice, ewentualnie seria arkuszy kolorowych lub graficznych. Technika wykonania i forma pracy jest omawiana z prowadzącym.

Samodzielne prace kompozytorskie są weryfikowane przez nauczyciela co tydzień. Praca samodzielna (pozaszkolna) może być wykorzystana do odrabiania lekcji przez dzieci, zwiedzania instytucji kultury (wystawy, galerie, muzea itp.), udziału dzieci w imprezach twórczych, konkursach oraz działalności kulturalno-oświatowej placówki oświatowej. Ocenie podlegają wszystkie etapy pracy: zebranie materiału, szkic, karton, praca końcowa. Konieczne jest umożliwienie studentowi głębszego wniknięcia w tematykę obrazu, stwarzając warunki do manifestacji jego indywidualności twórczej.

Rodzaje lekcji.

Najbardziej powszechna i stosowana w praktyce klasyfikacja została wprowadzona przez B.P. Esipova i zidentyfikowała następujące rodzaje lekcji:

1 typ: Nauka nowego materiału.

Rodzaj lekcji.