Claude Monet stał się jednym z założycieli nowego gatunku. To jego malarstwo znalazło się wśród tych dzieł, które zostały sklasyfikowane jako impresjonizm. Najsłynniejsze obrazy Claude'a Moneta szacuje się dziś na kilkadziesiąt milionów dolarów.
Zanim narodziły się jego najsłynniejsze obrazy, Claude Monet dorabiał jako rysownik. Pierwsze prace przyszłego impresjonisty pochodzą z 1854 roku, kiedy miał zaledwie 14 lat.
Monet uzależnił się od malarstwa przez przypadek. Rodzice nie dawali mu kieszonkowego, a aby na nie zarobić, artystka zaczęła tworzyć karykatury swoich przyjaciół i krewnych. Claude Monet wycenił każde dzieło na 15-20 franków. Z prawdziwym malarstwem zetknął się jednak później, kiedy jego mentor Eugene Boudin zasugerował, aby młody artysta zaczął tworzyć obrazy w plenerze.
Przypadkowo narodził się również termin „impresjonizm”. Pomimo tego, że jest nierozerwalnie związany z nazwiskiem Claude Monet, nie został wymyślony przez francuskiego artystę. Autorem tego terminu był mało znany dziennikarz Louis Leroy.
W 1874 roku na prywatnej wystawie Claude Monet zaprezentował obraz kontrastujący z ówczesnymi dziełami. Krytycy atakowali jego i inne podobne prace, nazywając je niemoralnymi, buntowniczymi i nie do utrzymania. Louis Leroy, opisując wydarzenia na łamach magazynu Le Charivari, wypowiadał się niepochlebnie o twórcach tych obrazów, nazywając ich impresjonistami. Jednak mistrzowie zaakceptowali ten epitet.
Warto zauważyć, że to dzieło Claude'a Moneta „Lilie wodne” jest uważane za najlepsze w gatunku impresjonizmu.
Artysta stworzył w swoim życiu wiele obrazów. Większość z nich przetrwała do dziś. Osobno warto zauważyć, że rysując kobiety, Claude Monet jest tylko obrazem swojej żony Camille Domcus.
Dziś obrazy Claude'a Moneta należą do trzech najdroższych obrazów. Średnio każdy z nich kosztuje około 7,22 miliona dolarów.
Lista najsłynniejszych obrazów
Prawie wszystkie najsłynniejsze dzieła Moneta powstały od 1883 roku. Tworząc obrazy, mistrz nie starał się przedstawiać czegoś konkretnego. Dla niego ważne było, jak wykonano tę lub inną pracę. Nie przestawał tworzyć nawet wtedy, gdy pogorszył się jego wzrok. W rezultacie spod pióra wyszły obrazy Moneta, zdjęcia z nazwiskami i najsłynniejsze z nich przedstawiono poniżej.
Pomimo tego, że na płótnie przedstawiono cztery pozornie różne kobiety, artysta skopiował obraz trzech z nich od swojej żony. Monet spędził dużo czasu na tej pracy, dokładnie sprawdzając kolory. Głównym celem, jaki postawił przed sobą twórca „Kobiety w ogrodzie”, była transmisja prawdziwego światła dziennego. Inne elementy obrazu zasługują na mniejszą uwagę.
„Kobiety w ogrodzie” przyniosły twórcy 2,5 tys. franków, co pozwoliło mu wyjść z długów.
„Taras w St. Andress” pochodzi z 1867 roku. Płótno przedstawia dwóch mężczyzn i kobiety, odpisanych od najbliższych krewnych autora. Obraz przedstawia ogród położony na wybrzeżu w St. Andress. Specyfika pracy polega na tym, że imituje ona japońskie odbitki barwne. Na uwagę zasługuje również brak centralnego punktu. Odnosi się wrażenie, że autor „Tarasu u św. Andrzeja” namalował go będąc gdzieś na piętrze.
Thames Below Westminster została ukończona w 1871 roku. Zgodnie z zamysłem autora płótno powinno oddawać nastrój mglistego londyńskiego poranka. W tle zdjęcia spowity mgłą budynek brytyjskiego parlamentu. Bliżej kilka łodzi, pionowe molo i poziomy most. Jednak na tym płótnie dominuje mgła. Mieni się różnymi odcieniami, zacierając formy innych obiektów.
Jest też inny utwór przedstawiający Westminster o zachodzie słońca.
Wątek wczesnego poranka można prześledzić także w kolejnym dziele autora. „Impresja: Wschodzące słońce” pokazuje przedświtową mgłę pełzającą nad portem. Krąg jasnopomarańczowego słońca przebija się przez mgłę. Praca pozostawia ponure wrażenie, które potęguje się, gdy zwróci się uwagę na rozmyte obrazy odległych statków i rozmyte kontury dwóch łodzi na pierwszym planie.
Most w Argenteuil pojawił się w 1874 roku. Rok wcześniej artysta zakończył tworzenie „Pola maków w Argenteuil”. Obie prace przedstawiają okolice, w których Monet mieszkał przez kilka lat. Każdy obraz wyróżnia się bogatą kolorystyką farb. Dotyczy to zwłaszcza pracy „Most w Argenteuil”. Twórca zastosował w nim bardzo jasne odcienie, których kolor nie zmienia się wraz z przejściem od pierwszego planu do tła. W Polu maków w Argenteuil Monet wizualnie podzielił płótno na dwie części, oddzielając czerwone kwiaty maku od kobiety z dzieckiem.
„Gare Saint-Lazare”, który pojawił się w 1877 roku, jest uważany za jeden z najodważniejszych obrazów tamtych czasów, kiedy głównym motywem wielu płócien była różnorodność pejzaży. Jednak w tej pracy można prześledzić podejście Moneta do jego pracy. Autor skupia uwagę widzów nie na obiektach (stacja, lokomotywa, ludzie), ale na kwiatach. Wszystkie modele widoczne na zdjęciu nie mają wyraźnych konturów.
Praca, która ukazała się w 1882 roku, przedstawia spacer dwóch młodych kobiet, które zatrzymały się na klifie w pobliżu wybrzeża. Pomimo tego, że „Walk to the Cliff at Pourville” sprawia wrażenie spontaniczności, Monet starannie zaplanował pracę. Artysta ma kolejną warstwę farby, gdy poprzednia nie zdążyła jeszcze wyschnąć.
„Katedra w Rouen”
„Katedra w Rouen” nie jest obrazem, ale cyklem podobnych do siebie obrazów, przedstawiających obiekt architektoniczny o tej samej nazwie. Prace powstały w latach 90. XIX wieku. Płótna te przedstawiają próby artysty do gry kolorami. Powstawały w różnym czasie i przy różnej pogodzie. Artysta, pracując nad tym cyklem, starał się oddać pewien moment.
Staw lilii wodnych to najdroższy obraz Moneta. Twórca ukończył ją w 1916 roku, a prace trwały około 7 lat. Warto zauważyć, że artysta nakładał farby z pamięci. W tym czasie jego wzrok zaczął się gwałtownie pogarszać.
Koszt prac
Oprócz pracy „Staw z liliami wodnymi” Monet stworzył wiele obrazów, które dziś kosztują kilkadziesiąt milionów dolarów:
- „Lilie wodne” – 53,9 mln (wczesny obraz o tym samym tytule kosztuje 43 mln).
- „Most kolejowy w Argenteuil” - 41,4 mln.
- Canal Grande - 35,6 mln.
- Most Waterloo - 35,4 mln.
- „Droga do Stawu Lili Wodnych” – 32,9 mln.
Ta lista może być kontynuowana przez długi czas. Monet, w przeciwieństwie do wielu jemu współczesnych, został uznany za wielkiego artystę za życia. To pozwoliło mu utrzymać się z pracy wyłącznie na płótnach.
Sztuka i projektowanie
15151
23.01.15 11:24
Surowy ojciec (nic dziwnego, że kierował departamentem francuskiego Ministerstwa Sprawiedliwości) Auguste Manet zabronił synowi malować - chciał, aby syn kontynuował pracę i został prawnikiem. Ale wbrew woli rodzinnego despoty Edward stał się znanym artystą, jednym z najjaśniejszych przedstawicieli impresjonizmu. Najsłynniejsze obrazy Maneta zdobią Luwr, muzea w Berlinie i inne słynne kolekcje malarstwa.
Martwe natury mistrza
Luwr przechowuje jedno z tych arcydzieł o prostej nazwie „Białe piwonie”. Już w tej pracy przejawia się charakterystyczny sposób Francuza - szerokie pociągnięcia, powściągliwa paleta. Para bujnych kwiatów na ciemnym tle - i nic więcej, ale jakże żywy!
Na początku swojej kariery, po podróży do Brazylii, która wzbogaciła wewnętrzny świat przyszłego geniusza pędzla, Edouard Manet malował głównie pejzaże i martwe natury. Wrócił do nich pod koniec życia. „Martwa natura z łososiem” odnosi się do roku 1969. Malarz był znanym smakoszem - jak wielu jego rodaków. Patrzysz na takie prace - a ślinka cieknie!
Te kuszące kobiece obrazy
Mistrza przyciągała nie tylko „martwa natura”, ale także portrety. Jednym z nich jest Madame Manet na niebieskiej sofie. Holenderska Susanna Leenhof była nauczycielką muzyki dla młodszych braci artysty. Mówią, że głowa rodziny, Auguste, została porwana przez dziewczynę. Sam Edward również szalał za Suzanne, ich romans trwał prawie dekadę. Po śmierci kapłana Manet mógł poślubić wybranego. Jest matką jego syna Leona i jego ulubionej modelki.
Lola z Walencji to kolejny z najsłynniejszych obrazów Maneta. Przysadzisty Hiszpan jest przedstawiony przez Maneta na tle kulis. Tutaj bardzo dokładnie rozpisuje wszystkie szczegóły - zarówno wygląd najbardziej pozującej kobiety, jak i jej misterny strój. Każda fałda ubrania, wzorzyste krzywizny i blask biżuterii – wszystko na tym portrecie odgrywa swoją szczególną rolę.
Zupełnie inny nastrój przekazuje wizerunek ubierającej się damy z półświatka - „Nana”. Poranek przedstawicielki najstarszej profesji zaczyna się od zwykłej toalety, wciąż jest w negliżu (w gorsecie i koszuli). Hałaśliwy wieczór jeszcze daleko, a na twarzy diabła błąka się niejasny uśmiech. Artystce pozowała niejaka Henrietta, która zasłynęła z romansów.
Ulubione miejsca w Paryżu
Sceny rodzajowe stopniowo zastępowały dawne artystyczne upodobania paryżaniny. Inspiracje czerpał z różnych miejsc w swoim ukochanym mieście. Jednym z takich miejsc był Ogród Tuileries – bohema lubiła w nim spacerować w niedziele. Obraz „Muzyka w ogrodzie Tuileries” przedstawia wiele postaci, ale twarze są rozmyte - to płótno należy oglądać z dość dużej odległości, inaczej zobaczysz tylko rozmyte plamy.
Przy słowach „Kolej” prawdopodobnie wyobrażasz sobie sapiącą potężną lokomotywę parową lub szybki nowoczesny pociąg pędzący po szynach w dal. Ale Edouard Manet nie jest taki prosty! Obrazy mistrza są czasami bardzo warunkowe. Tutaj, w słynnym dziele Francuza „Kolej”, stalowa linia jest tylko zgadywana - tam, za ciężką żelazną kratą, do której przylgnęło dziecko. A jej matka (a może guwernantka?) siedzi obok, trzymając w rękach książkę i psa.
Wśród kwiatów i przy stole
Czujna kamera wychwyciła też inne sceny rodzajowe – oto para rozkoszująca się zapachem kwitnących roślin („W szklarni”).
A oto kolejna para - pogrążeni w spokojnej rozmowie przy nakrytym stole, aw tle kelner wpatruje się w tę dwójkę, niosąc komuś zamówienie. Obraz nosi tytuł „W tawernie Papa Lathuille”.
Arcydzieła Maneta - obrazy, które wywołały kontrowersje
Cały ten sam Quiz Myoran (kobieta z obrazu „Kolej”), zupełnie nagi, pojawia się przed publicznością niesławnego „Śniadania na trawie”. Autorowi zarzucano dekadencję i bezwstyd. Zastanawiam się, co myślał artysta, kiedy przedstawiał nagą kobietę patrzącą prosto na ciebie, w towarzystwie mężczyzn (którzy w przeciwieństwie do towarzysza są ubrani)? Nawiasem mówiąc, brat malarza i przyszły szwagier pozowali dla krewnego.
Olympia wywołała jeszcze więcej kontrowersji w swoim czasie (1863). Francuz namalował go na Salon Paryski, gdzie obraz został wygwizdany przez publiczność. Jakby Manet był pierwszym autorem, który obnosił się z kobiecym ciałem! Renesans słynie z arcydzieł w stylu aktów, ale co z „Danaë” Rembrandta?... Teraz arcydzieło znajduje się w zbiorach Musée d'Orsay w Paryżu.
Łabędzi śpiew mistrza
Przed przedwczesną śmiercią maestro stworzył swoje ostatnie płótno - „Bar w Folies Bergère”. Stał się eksponatem innego Salonu Paryskiego (1882). Scena na zdjęciu to bar znajdujący się na pierwszym piętrze popularnego wielkomiejskiego programu rozrywkowego. Tam malarz rozpoczął pracę nad swoim dziełem. Centralną postacią jest barmanka za ladą, patrząca tęsknym wzrokiem na widza, aw tle biega pstrokaty tłum. Mistrzowi udało się przekazać tę „samotność w tłumie” po prostu genialnie! Ostatniego dnia kwietnia 1883 roku Edouard Manet zmarł, ale jego obrazy są nieśmiertelne.
Najsłynniejsze obrazy Claude'a Moneta
Claude Monet odrzucił tradycyjne podejście do malarstwa pejzażowego i odszedł od wyraźnego przedstawiania form i linearnej perspektywy, które dominowały w sztukach wizualnych tamtych czasów.
Zamiast kopiować uznanych mistrzów, uczył się od przyjaciół i samej natury, obserwując zmiany koloru i światła spowodowane zmianą pory dnia czy roku – styl Moneta znajduje swoich naśladowców wśród artystów XXI wieku. Jednak jego technika wykonawcza nie stała w miejscu, lecz na przestrzeni lat ulegała pewnym zmianom, co widać porównując wczesne i późne obrazy Moneta.
„Kobiety w ogrodzie” (1866)
„Kobiety w ogrodzie” zostały namalowane przez Moneta na obrzeżach Paryża pod nazwą Ville-d „Evreux. Jego żona Camille stała się jedyną modelką tego obrazu: przedstawiła trzy z przedstawionych na obrazie kobiet, które możemy zobaczyć w Celem napisania tego wielkoformatowego i misternego obrazu było pokazanie efektów prawdziwego światła dziennego, a nie zwracanie uwagi na model lub draperię sukni.
Używając rozbłysków światła, które przebijają liście drzew, aby złagodzić cienie i nieco ocieplić odcienie skóry, Monet podkreśla naturalne światło krajobrazu. W styczniu 1867 roku jego przyjaciel Basile kupił dzieło za 2500 franków, aby pomóc Monetowi wyjść z ciężkich długów, które zmusiły go do wykreślenia około dwustu jego dzieł, aby nie trafiły do wierzycieli.
„Taras w Sainte-Adresse” (1867)
Ten obraz jest zupełnie inny od późniejszych obrazów Moneta. Przedstawia ogród w Sainte-Adresse, z widokiem na port morski Honfleur na horyzoncie. Modelami byli krewni i przyjaciele Moneta: kuzynka Moneta, Jeanne-Marguerite Lecadre, stoi przy płocie, jej ojciec jest w pobliżu, a na pierwszym planie, tyłem do publiczności, ojciec Moneta, Adolphe i prawdopodobnie druga córka Lecadre'a, Zofia, siedzą.
Claude Monet nazwał tę pracę „chińskim malarstwem z flagami”; Renoir określił to jako „japońskie malarstwo z małymi flagami”, ponieważ przypominało japońskie kolorowe grafiki z liniami i bardzo jasną paletą kolorów. Interesujące jest również to, że kompozycja obrazu nie ma centralnego punktu, a sam artysta namalował go, jakby patrzył z góry na pejzaż. Ten jasny i bardzo słoneczny obraz wydaje się być hymnem samego lata.
„Tamiza poniżej Westminsteru (Most Westminsterski)” (1871)
Tym obrazem Monet pokazuje nam mglistą stolicę Anglii w wiosenny dzień.
Ta prosta, asymetryczna kompozycja jest równoważona poziomym mostem, łodziami unoszącymi się na falach i pionowym molo na pierwszym planie. Tło przedstawia spowite mgłą Houses of Parliament, czyli Pałac Westminsterski. Nad całą fabułą dominuje gruba warstwa mgły z odcieniami fioletu, zieleni, różu i złota, co tworzy szczególną, gęstą atmosferę, ukazującą architekturę w odległych, rozmytych formach.
„Wrażenie: wschodzące słońce” (1872)
Treść zdjęcia pokazuje widzowi poranek w porcie Le Havre we Francji. Widzimy słońce wschodzące nad portem, podczas gdy trzy kolejne statki na pierwszym planie próbują zwrócić na siebie naszą uwagę, a nieznana liczba innych zacumowanych statków tonie we mgle. Ogólny nastrój obrazu jest raczej ponury, co kłóci się z jasnym, pomarańczowym słońcem, które wschodząc budzi nowe życie w porcie. Drobne, krótkie, niemal kropkowane kreski pozwoliły Monetowi szybko uchwycić ten temat i samo poczucie, że chwila nie jest wieczna.
Z tym płótnem wiąże się ciekawa historia: to dzięki niej impresjonizm otrzymał swoją nazwę, gdy dwa lata po napisaniu tego obrazy Moneta przedstawił go opinii publicznej. Stało się to na pierwszej wystawie impresjonistów, którzy wtedy nie mieli nazwy, ale byli po prostu grupą artystów, którzy starali się zapoznać szeroką publiczność ze swoją wizją sztuki i nowym kierunkiem w malarstwie.
Obraz został jednak rozbity na strzępy przez krytyka sztuki Louisa Leroya, nazywając całą grupę artystów impresjonistami, jak sama nazwa obrazu („wrażenie” tłumaczy się z francuskiego jako „wrażenie”). Artyści podjęli wyzwanie i zachowali nazwę, która szybko straciła swoje negatywne konotacje.
„Pole maków w Argenteuil” (1873)
Po powrocie z Anglii Monet zatrzymał się w Argenteuil i mieszkał tam do 1878 roku, który stał się dla niego czasem poprawy. W pobliskiej okolicy Monet znalazł tętniące życiem krajobrazy, które pozwoliły mu odkryć potencjał pleneru. Na tym obrazie artysta przedstawił jasne pole maku na wsi, które porusza lekki wietrzyk. Na pierwszym planie krajobrazu widać matkę i dziecko, prawdopodobnie żonę Moneta, Camille, oraz ich syna Jeana.
Obraz jest wizualnie podzielony na dwie części za pomocą przekątnej: jedna jest wypełniona jasnymi plamami maków, a druga wygląda na pustą, jakby artysta zupełnie zapomniał zwrócić na nią uwagę. To właśnie kolor czerwony wyznacza strukturę obrazu. Ciekawe, że jeśli zostanie przekonwertowany na czarno-biały, większość maków nie będzie już na nim widoczna.
Boulevard des Capucines (1873)
Boulevard des Capucines przedstawia scenę zamieszania paryskiego życia, którą Monet mógł zobaczyć z pracowni swojego przyjaciela, fotografa Felixa Nadara. Tutaj artysta krótkimi, szybkimi pociągnięciami ożywia ludzi, wprowadza ich w ruch. Najprawdopodobniej obraz przedstawia poranny lub popołudniowy bulwar, w okresie wczesnej wiosny, kiedy na drogach leży jeszcze śnieg.
Ten sam krytyk Leroy, dzięki któremu impresjonizm nazywa się teraz tak, a nie inaczej, ponownie nie był zachwycony tym obrazem Moneta: tak jak poprzednio ta technika wydawała mu się niedokończona, jak szkic, i rozważał paryżan na płótnie być czarnymi rozmytymi plamami.
„Spacer po klifie w Pourville” (1882)
Płótno przedstawia dwie młode kobiety w białych strojach, które idą wzdłuż klifu w miejscu zwanym Pourville, nadmorskim kurorcie położonym na południu Francji.
W tej pracy Monet pokazuje, jak można połączyć pejzaż i postać ludzką bez naruszania jedności jego powierzchni. Zintegrował wszystkie te elementy w obrazie poprzez fakturę i kolor. Trawa jest napisana krótkimi, zakrzywionymi, ostrymi pociągnięciami, tak że wydaje się drżeć na wietrze, a za pomocą prawie tych samych, nieco zmodyfikowanych kresek Monet przedstawił kobiece sukienki i chusty nabrzmiałe na wietrze, a także fale na powierzchni morza.
„Dama z parasolką” (1886)
Obraz przedstawia pierwszą żonę Moneta, Camille Donsier, wraz z ich najstarszym synem, Jeanem. Kobieta trzyma w dłoniach parasolkę i wydaje się, że ktoś ją obserwuje. Ta wczesna praca jest przykładem okresu, w którym Monet skupiał się bardziej na świetle i kolorze niż na liniach i objętości.
Obraz prezentuje również jeden z motywów artysty, który od wielu lat wykorzystuje w swoich obrazach. Parasol jako temat pojawiał się w jego twórczości dość często, głównie dlatego, że malował swoje obrazy bezpośrednio na ulicy, gdzie większość kobiet używała parasolek do ochrony skóry i oczu. Parasol tworzy ponadto kontrast światła i cienia na twarzy i ubraniu portretowanej osoby, pokazując, z którego kierunku pada prawdziwe światło.
„Katedra w Rouen: główne wejście w słońcu” (1894)
Ta praca jest jednym z całej serii obrazów na temat katedry w Rouen. Claude Monet malował fasadę katedry o różnych porach dnia, aby zbadać różne efekty świetlne zimą. Na płótnach dominują jasne pomarańczowe i niebieskie kolory katedry, a u góry obrazu widoczna jest tylko niewielka niebieska plama nieba. Artysta używa półprzezroczystych pociągnięć, aby bawić się światłem i fakturą kamiennej powierzchni katedry.
Aby przyspieszyć pracę, Monet specjalnie usiadł tuż przed swoim głównym obiektem do malowania. W 1895 roku zaprezentował dwanaście „Katedr” na wystawie w Galerii Durand-Ruel, gdzie obie zostały skrytykowane i nagrodzone pochwałami publiczności, która broniła artystycznych innowacji Moneta.
„Lilie wodne” („Nymphaeum”) (1916)
„Lilie wodne” to część wielkoformatowej serii pejzaży wodnych Moneta, która powstała już w 1909 roku. Artysta potajemnie pracował nad dziesiątkami płócien, tworząc w swojej pracowni panoramę wody, lilii i nieba, inspirowaną swoim ogrodem w Giverny.
Malował te obrazy w ostatnich trzydziestu latach życia, głównie z pamięci, gdyż był ograniczony w czasie kwitnienia lilii i nie mógł malować zbyt szybko ze względu na szybko pogarszający się wzrok. Paleta kolorów i kresek, w przeciwieństwie do wczesnych prac, stała się bardziej zróżnicowana, zbliżając się do ekspresjonizmu.
Dowiedz się więcej o twórczości tego wspaniałego artysty, oglądając ten film:
Weź to, powiedz znajomym!
Przeczytaj także na naszej stronie:
Pokaż więcej
Oscar Claude Monet (francuski Oscar-Claude Monet; 14 listopada 1840 r. (18401114), Paryż - 5 grudnia 1926 r., Giverny) - francuski malarz, jeden z twórców impresjonizmu.
Oscar Claude Monet urodził się 14 listopada 1840 roku w Paryżu. Kiedy chłopiec miał pięć lat, rodzina przeniosła się do Normandii, do Le Havre. Ojciec chciał, aby Claude został sklepikarzem i kontynuował rodzinny biznes. Młodość Moneta, jak sam później zauważył, była zasadniczo młodością włóczęgi. Spędzał więcej czasu w wodzie i na skałach niż na zajęciach. Szkoła, z natury niezdyscyplinowana, zawsze wydawała mu się więzieniem. Bawił się malowaniem niebieskich okładek zeszytów i wykorzystywaniem ich do portretów swoich nauczycieli, wykonanych w bardzo lekceważący, karykaturalny sposób iw tej grze szybko osiągnął doskonałość. W wieku piętnastu lat Monet był znany w całym Le Havre jako karykaturzysta. Tak ugruntował swoją reputację, że ze wszystkich stron był oblegany prośbami o wykonanie karykaturalnych portretów. Obfitość takich zamówień i brak hojności rodziców zainspirowały go do śmiałej decyzji, która zszokowała jego rodzinę: Monet wziął dwadzieścia franków za swoje portrety.
Zyskawszy w ten sposób sławę, Monet szybko stał się „ważną osobą” w mieście. W oknie jedynego sklepu z artykułami artystycznymi dumnie popisywał się jego karykaturami, wystawionymi po pięć lub sześć w rzędzie, a kiedy zobaczył tłumy gapiów tłoczących się przed nimi w podziwie, „był gotów pęknąć z dumy”. Często w oknie tego samego sklepu Monet widział pejzaże morskie umieszczone nad jego własnymi pracami, które, podobnie jak większość jego współobywateli, uważał za „obrzydliwe”. Autorem pejzaży, które wzbudziły w nim „niezwykły wstręt”, był Eugene Boudin, a nie znając jeszcze tego człowieka, nienawidził go. Odmówił zapoznania się z nim przez właściciela sklepu, ale pewnego dnia, wchodząc do niego, nie zauważył, że Boudin jest na zapleczu. Właściciel sklepu skorzystał z okazji i przedstawił mu Moneta jako młodego człowieka z tak wielkim talentem do karykatury.
„Boudin natychmiast do mnie podszedł” - wspominał Monet - „pochwalił mnie swoim miękkim głosem i powiedział: Zawsze z przyjemnością patrzę na twoje rysunki; to zabawne, łatwe, inteligentne. Masz talent - widać to od pierwszego wejrzenia, ale mam nadzieję, że na tym nie poprzestaniesz. Wszystko to jest bardzo dobre na początek, ale wkrótce zmęczysz się karykaturą. Ucz się, ucz się widzieć, pisać i rysować, twórz pejzaże. Morze i niebo, zwierzęta, ludzie i drzewa są tak piękne dokładnie w takiej formie, w jakiej stworzyła je natura, ze wszystkimi ich zaletami, w ich prawdziwym bycie, takim jakim są, otoczone powietrzem i światłem.
Ale, jak przyznał sam Monet, apele Boudina nie przyniosły skutku. Ostatecznie Monet polubił tego człowieka. Był przekonany, szczery, ale Monet nie mógł strawić swojego obrazu, a kiedy Boudin zapraszał go do pracy z nim w plenerze, Monet zawsze znajdował powód, by grzecznie odmówić. Nadeszło lato; Monet, zmęczony oporem, w końcu się poddał, a Boudin chętnie podjął szkolenie. „Moje oczy w końcu się otworzyły” — wspominał Monet — „Naprawdę zrozumiałem naturę i jednocześnie nauczyłem się ją kochać”.
Siedemnastoletni Oscar Monet nie mógł znaleźć lepszego nauczyciela, bo Boudin nie był ani doktrynerem, ani teoretykiem. Miał chłonne oko, jasny umysł i był w stanie przekazać swoje obserwacje i doświadczenia prostymi słowami. „Wszystko, co jest napisane bezpośrednio na miejscu”, deklarował na przykład, „zawsze wyróżnia się siłą, wyrazistością, żywotnością pociągnięcia pędzla, czego nie osiągniesz później w pracowni”. Uważał też za konieczne „wykazanie się niezwykłą wytrwałością w zachowaniu pierwszego wrażenia, bo ono jest jak najbardziej poprawne”, a jednocześnie nalegał, aby „na obrazie nie jedna część, ale całość miała uderzyć”.
To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełna treść artykułu tutaj →
Monet na własne oczy zarówno w Rosji, jak iw innych krajach. Jednak jego zimowe pejzaże zwróciły uwagę dopiero niedawno. Nie jest ich tak wiele: Monet wolał malować jasne kolory lata - maki, wodę, żaglówki, kwitnące ogrody.
4. Kry. Mglisty poranek. 1893
Claude Monet. Kry. Mglisty poranek. 1894 Muzeum Sztuki w Filadelfii, USA Temperatura jest powyżej zera, więc lód już się otworzył i pojawiła się mgła. Kolory biały i niebieski są rozcieńczane szarym i brązowym.
Ten pejzaż nad Sekwaną nie jest jedyny – Monet lubił malować seryjnie, pokazując, jak to samo miejsce może się różnić w zależności od pory dnia i pogody.
Obrazy Claude'a Moneta z cyklu Ice Floats. 1893 Kolekcje prywatne.
W ciągu miesiąca od końca stycznia do końca lutego 1893 roku Monetowi udało się namalować aż 13 obrazów przedstawiających ten pejzaż nad Sekwaną!
5. Lavacourta. Śnieg i słońce. 1881
Claude Monet. Lavacour, śnieg i słońce. 1881 Londyńska Galeria Narodowa. Wioska Lavacourt położona jest nad brzegiem Sekwany, a naprzeciwko znajduje się wioska Vetheuil, w której mieszkał Monet z rodziną i gdzie urodził się jego syn, a także pochowano jego żonę. To właśnie z tego brzegu przedstawił krajobrazy wioski Vetheuil na 150 swoich obrazach.
Słabe zimowe słońce na obrazie „Lavakur” – nie widzimy go, ale czujemy to poprzez żółtawo-zielonkawy odcień śniegu w odległym tle. Wydaje się, że Monet chciał pokazać nadejście wiosny. 
Zdjęcie wioski Veteil (niedaleko Paryża)
W tych miejscach oczywiście pamiętają swojego słynnego mieszkańca. Tak więc na brzegu wioski Lavacourt wykonane są tablice informacyjne w formie sztalug z obrazami Moneta.
6. Droga do Giverny zimą. 1885
Claude Monet. Droga do Giverny zimą. 1885 Kolekcja prywatna. Artysta mieszkał w Giverny przez 43 lata. W tym mieście znajduje się jego dom-muzeum ze słynnym ogrodem z liliami wodnymi i japońskim mostem. Oczywiście pisał Giverny niezliczoną ilość razy. Zasadniczo są to kwitnące, letnie prace. Jednak zima jest tu również bardzo malownicza.
