odrodzenie(Francuski renesans) - epoka w życiu kulturalnym i historycznym Europy Zachodniej XV-XVI wieku. (we Włoszech - XIV-XVI wiek). Jest to okres powstawania i rozwoju stosunków kapitalistycznych, kształtowania się narodów, języków i kultur narodowych. Renesans to czas wielkich odkryć geograficznych, wynalezienia druku, rozwoju nauki.
Era została nazwana imieniem odrodzenie interesować się antyczny sztuki, która stała się ideałem dla ówczesnych postaci kultury. Kompozytorzy i teoretycy muzyczni - J. Tinktoris, J. Tsarlino i inni - studiowali starożytne greckie traktaty muzyczne; w dziełach muzycznych Josquina Despresa, którego porównuje się z Michałem Aniołem, „wzrosła utracona doskonałość starożytnych Greków”; pojawił się pod koniec XVI - na początku XVII wieku. opera jest zorientowana na wzorce dramatu antycznego.
Sztuka renesansu opierała się na humanizm(z łac. „humanus” – humanitarny, filantropijny) – pogląd, który głosi człowiekowi najwyższą wartość, broni prawa człowieka do własnej oceny zjawisk rzeczywistości, stawia wymóg wiedzy naukowej i adekwatnej refleksji w sztuce zjawisk rzeczywistości. Ideolodzy renesansu przeciwstawili teologii średniowiecza nowy ideał człowieka przepojonego ziemskimi uczuciami i zainteresowaniami. Jednocześnie w sztuce renesansu zachowane zostały cechy epoki poprzedniej (będąc zasadniczo świecką, posługiwała się obrazami sztuki średniowiecznej).
Renesans to także czas szeroko zakrojonych antyfeudalnych i antykatolickich ruchów religijnych (husytyzm w Czechach, luteranizm w Niemczech, kalwinizm we Francji). Wszystkie te ruchy religijne łączy wspólna koncepcja „ protestantyzm" (lub " reformacja»).
W okresie renesansu sztuka (w tym muzyka) cieszyła się dużym prestiżem społecznym i stała się niezwykle rozpowszechniona. Sztuki piękne (L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Bruegel i inni), architektura (F. Brunelleschi, A. Palladio), literatura (Dante, F. Petrarka, F. Rabelais, M. Cervantes , W. Szekspir), muzyka.
Charakterystyczne cechy kultury muzycznej renesansu:
szybki rozwój świecki muzyka (szerokie rozpowszechnienie gatunków świeckich: madrygały, frottole, villanelles, francuskie „chansons”, pieśni polifoniczne angielskie i niemieckie), jej napaść na starą cerkiewną kulturę muzyczną, istniejącą równolegle ze świecką;
realistyczny trendy w muzyce: nowe wątki, obrazy odpowiadające poglądom humanistycznym, a co za tym idzie nowe środki wyrazu muzycznego;
Ludowy melodyczny jako wiodący początek utworu muzycznego. Pieśni ludowe są używane jako cantus firmus (główna, niezmienna melodia tenorowa w utworach polifonicznych) oraz w muzyce polifonicznej (w tym kościelnej). Melodia staje się gładsza, bardziej elastyczna, melodyjna, bo jest bezpośrednim wyrazem ludzkich doświadczeń;
potężny rozwój polifoniczny muzyka, m.in. oraz " surowy styl" (Inaczej - " klasyczna polifonia wokalna", dlatego koncentruje się na występach wokalnych i chóralnych). Surowy styl oznacza obowiązkowe przestrzeganie ustalonych zasad (surowe normy stylu sformułował Włoch J. Carlino). Mistrzowie ścisłego stylu opanowali technikę kontrapunktu, imitacji i kanonu. Ścisłe pismo opierało się na systemie diatonicznych trybów kościelnych. W harmonii dominowały konsonanse, stosowanie dysonansów było ściśle ograniczone specjalnymi zasadami. Dodano główne i drugorzędne tryby oraz system zegara. Podstawą tematyczną był chorał gregoriański, ale wykorzystywano także melodie świeckie. Pojęcie stylu ścisłego nie obejmuje całej polifonicznej muzyki renesansu. Skupia się głównie na polifonii Palestriny i O. Lasso;
kształtowanie się nowego typu muzyków – profesjonalny, który otrzymał wszechstronne specjalne wykształcenie muzyczne. Po raz pierwszy pojawia się pojęcie „kompozytora”;
tworzenie narodowych szkół muzycznych (angielskich, holenderskich, włoskich, niemieckich itp.);
pojawienie się pierwszych wykonawców lutnia, altówka, skrzypce, klawesyn, organy; rozkwit amatorskiego muzykowania;
pojawienie się typografii.
Główne gatunki muzyczne renesansu
Główni teoretycy muzyczni renesansu:
Johannes Tinctoris (1446 - 1511),
Glarean (1488 - 1563),
Józefo Carlino (1517-1590).
ODRODZENIE
Muzyka w ramach tej samej epoki artystycznej
rozwija się później niż inne sztuki.
Jej najwyższe osiągnięcie zwykle odnosi się do końca epoki.
Jest to naturalne dla renesansu, baroku i klasycyzmu.
ideał artystyczny
Przez długi czas zasady antyczne uchodziły za najwyższe osiągnięcie sztuki ludzkiej, za wzór, średniowieczne zaś za degenerację i upadek na skutek zaniku umiejętności.To właśnie sztuka renesansu została nazwana przezwyciężyć tę niższość.
Muzyka renesansowa lub muzyka renesansu, odnosi się do okresu między 1400 a 1600 rokiem. Najwcześniejszy i najwyraźniejszy przejaw renesansu miał miejsce w sztuce włoskiej w XIV wieku. Starożytność leżała w pobliżu w gruzach. Włochy odkryły swoją przeszłość i odnalazły swoją teraźniejszość.
Szkoła holenderska nabrała kształtu i osiągnęła swój pierwszy szczyt w XV wieku. We Francji oznaki renesansu wyraźnie zamanifestowały się w XVI wieku. Do XVI wieku rozwój sztuki w Niemczech, Anglii i kilku innych krajach wszedł w orbitę renesansu.
Narodził się nowy światopogląd - humanizm a sztuka zwróciła się ku człowiekowi, ku zmysłowemu pięknu świata. Muzycy stopniowo odchodzili od surowych kościelnych reguł kompozycji i komponowali muzykę według własnego gustu. To, co stało się słuszne, brzmi dobrze i jest lubiane przez wielu.
Odrodzenie dokonało się we wszystkich sferach działalności człowieka: są to wielkie odkrycia geograficzne Kolumba i Vasco da Gamy, odkrycia naukowe i heliocentryczny układ świata Mikołaja Kopernika zmieniły wyobrażenia o Ziemi i Wszechświecie. Artyści renesansu odkryli perspektywę (Leonardo da Vinci) i zdołali nadać swoim obrazom poczucie trójwymiarowości.
Nowy człowiek nie jest już uległym niewolnikiem, ale szanującym się człowiekiem, dumnym ze swojej przeszłości i teraźniejszości. Renesans dał światu genialnych i wszechstronnie uzdolnionych ludzi: Dantego, Petrarkę, Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła, Paracelsusa i innych.
Rozwijały się nowe, kapitalistyczne stosunki w gospodarce, rozwijał się handel i rzemiosło, wynalazek druku przyczynił się do rozpowszechnienia edukacji. W muzyce tryby sk-dur i moll oraz taktowy system rytmiczny są charakterystyczne dla muzyki późniejszej.
Muzyka renesansu ma szczególną strukturę uczuć - wzniosłą, harmonijną, spokojną i majestatyczną. Zacieśnia się związek między tekstem a muzyką, muzyka zaczyna oddawać nastrój, czy jak mawiano wówczas afekty tekstu.
Muzyka renesansu rozwijała się w dwóch kierunkach - kościelnym i świeckim. Ówczesna polifonia kościelna została później nazwana „stylem ścisłym”. Muzyka stylu surowego jest wynikiem wzniosłej abstrakcyjnej myśli kompozytora. To była muzyka dla Boga.
Msza pozostaje głównym gatunkiem muzyki kościelnej.
Renesansowe instrumenty muzyczne
Spośród instrumentów preferowano organy. Organy były głównym instrumentem życia koncertowego w epoce renesansu, jednak z biegiem czasu wachlarz instrumentów muzycznych znacznie się poszerzył. Pojawiły się altówki - rodzina smyczków. W formie przypominają współczesne skrzypce, altówkę, wiolonczelę i są uważane za ich bezpośrednich poprzedników.
Jest jednak różnica i to znacząca. Altówki mają system rezonujących strun; z reguły jest ich tyle samo, co głównych (od sześciu do siedmiu). Wibracje rezonujących strun sprawiają, że altówka brzmi miękko, aksamitnie, ale instrument ten jest trudny w użytkowaniu w orkiestrze, ponieważ ze względu na dużą liczbę strun szybko się rozstraja.
Wśród szarpanych instrumentów renesansu główne miejsce zajmują lutnia. Przybył do Europy z Bliskiego Wschodu pod koniec XIV wieku, a na początku XVI wieku istniał już ogromny repertuar na ten instrument; Przede wszystkim śpiewano pieśni przy akompaniamencie lutni. Dwanaście strun pogrupowanych jest parami, a dźwięk wydobywany jest zarówno palcami, jak i specjalną płytką – plektronem.
W XV-XVI wieku powstały różne typy klawiatur. Główne rodzaje takich instrumentów to klawesyn, klawikord, cembalo, dziewica- były aktywnie wykorzystywane w muzyce renesansu, ale ich prawdziwy rozkwit nastąpił później.
Rozwój muzyki amatorskiej przyczynił się do rozwoju muzyki świeckiej. Muzyka rozbrzmiewała wszędzie: na ulicach, w domach mieszczan, w pałacach szlacheckiej szlachty. Pierwsi koncertowi wirtuozi występowali na lutni, klawesynie, organach, wiolonczeli, różnego rodzaju fletach podłużnych. W swoich pieśniach (madrigale – we Włoszech, chanson – we Francji) kompozytorzy mówili o miłości, o wszystkim, co dzieje się w życiu.
W XV-XVI wieku. coraz większe znaczenie sztuka tańca, pojawiają się liczne traktaty i praktyczne przewodniki po choreografii, zbiory muzyki tanecznej, w których znajdują się popularne tańce tamtych czasów - taniec basowy, branle, pavane, galiard.
W okresie renesansu powstały pierwsze narodowe szkoły muzyczne. Największą z nich jest holenderska (francusko-flamandzka) szkoła polifoniczna. Jej przedstawicielami są G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, I am Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Wśród innych szkół narodowych są włoski (JP Palestrina), hiszpański (TL de Victoria), angielski (W. Byrd), niemiecki (L. Senfl).
Renesans kończy się wraz z pojawieniem się nowych gatunków muzycznych: pieśni solowej, oratorium, opery, których prawdziwy rozkwit następuje później.
Najlepszym włoskim kompozytorem tamtych czasów był Giovanni Palestrina(1526-1594). Komponował głównie chóry kościelne bez akompaniamentu (a cappella) i już w tym odległym czasie znalazł wspaniałe harmonie, które nadają jego muzyce szczególnej czułości i przenikliwości. Jego polifonia nie przesłaniała znaczenia słów - najważniejszej rzeczy w kulcie chrześcijańskim. Papież uznał styl muzyki kościelnej Palestriny za wzorcowy. Muzykę Palestriny porównywali współcześni z obrazami Raphaela Santiego. Przez ponad 30 lat Palestrina pełnił honorową funkcję zwierzchnika kaplicy katedry św. Piotra w Rzymie. Za zasługi dla kościoła był tam i pochowany jak papieże. Jego styl muzyczny jest wzorem dla wszystkich kolejnych pokoleń kompozytorów.
Palestrina był niedoścignionym kompozytorem mszy katolickich. Masa jest główną liturgią Kościoła katolickiego. W tradycji prawosławnej odpowiada liturgii. Podczas Mszy sprawowana jest Eucharystia. Msza jest pamiątką męki, śmierci na krzyżu i zmartwychwstania Syna Bożego Jezusa Chrystusa.
Istnieje pięć głównych części mszy. Ich nazwy pochodzą od pierwszych słów testów.
Msza rozpoczyna się modlitwą „Panie, zmiłuj się!” („Kyrie eleison”). Śpiewana jest nie po łacinie, lecz po grecku. Kyrie eleison (Boże, zmiłuj się).
Gloria (Chwała Bogu na wysokościach);
Credo (Wierzę w jednego Boga Ojca Wszechmogącego);
Sanctus i Benedictus (Święty jest Pan Bóg Zastępów i błogosławiony, który przychodzi w imię Pańskie);
Agnus dei (Baranek Boży, który wziął na siebie grzechy świata).
Muzyka mszalna została skomponowana przez kompozytorów jako jeden cykl, jako jedna wielka symfonia chóralna.
Nazywana jest msza pogrzebowa Msza żałobna. Requiem ma dodatkowe części. 1. Diez ire (dzień gniewu, dzień sądu);
2. Tuba Mirum (Cudowna trąba wzywająca grzeszników na sąd Boży);
3. Lacrimosa (Łzowy).
Muzykę do mszy komponowali niemal wszyscy wielcy kompozytorzy zachodni, nie tylko katolicy, ale i protestanci (np. J.S. Bach).
Charakterystyczną cechą muzyki renesansowej jest pojawienie się świeckiej muzyki profesjonalnej. We Włoszech rozpowszechniło się rodzime muzykowanie - gra na różnych instrumentach; powstały kręgi melomanów.
W muzyce świeckiej polifonia zniknęła w tle. Zastąpiła ją ekspresyjna monofoniczna melodia z towarzyszeniem akordów. Taka muzyka nazywana jest homofoniczno-harmoniczną.
Stał się wiodącym gatunkiem muzyki świeckiej madrygał(matricale - „pieśń w ojczystym języku”). Podstawą literacką madrygału jest liryka renesansu, najczęściej sonety Petrarki. włoski madrygał w muzyce, mając krótkie, ale wspaniałe życie. Tekst literacki ma w madrygału znaczenie fundamentalne, dlatego gatunek ten można określić jako muzyczny i poetycki. Teksty madrygałów wyróżniały się wysokimi walorami artystycznymi. W poezji madrygałów występują dwa motywy: pierwszy to miłość z domieszką smutku; drugie - subtelne pejzaże o psychologicznym wydźwięku, "...gdzie elementy malarstwa dźwiękowego - ruch wody, szelest liści, szum wiatru itp. - były nośnikami nie tyle malarskiego początku, co liryczny nastrój w najsubtelniejszych, często wyrafinowanych odcieniach”. „Piękne kwiaty wokół mnie, trawa, powietrze, fale przynoszą mi ukojenie, odpoczynek i radość.” „Zmierzch napełnia serce spokojem i ciszą. Ale dopiero o świcie znikną wszystkie niepokoje, zmartwienia i lęki (nocne). "Pozwól mi odejść! Mam jedno życie, a moje miejsce jest wśród kwiatów, trawy, fal i nieba"
Cechą charakterystyczną madrygału jest ścisły związek muzyki z poezją. Muzyka elastycznie podążała za tekstem, odzwierciedlając opisane w nim wydarzenia. Stopniowo gatunek nabrał cech wybitnie arystokratycznego wyrafinowania. Klasyczny madrygał został napisany na 5 głosów mieszanych.
Zgodnie z tradycją ustanowioną wówczas w zamożnych domach, po poczęstunku gościom przynosino nuty do zaimprowizowanego wykonania madrygału. Według naocznego świadka „... nikogo nie można było uznać za dobrze wykształconego, jeśli nie był tak zaawansowany muzycznie, by śpiewać swoją partię z kartki”. Czasem równocześnie z wykonaniem madrygału rozgrywała się też jego fabuła. Madrygał stał się podstawą komedii madrygałowej, która utorowała drogę do nadejścia opery.
Znacznie później, już na przełomie XIX i XX wieku, kompozytorzy zwrócili się ku technice komponowania w stylu ścisłym, aby nadać swoim kompozycjom szczególny dawny posmak muzyczny, czasem z domieszką religijnego mistycyzmu.
Obecnie styl ścisły jest nauczany jako dyscyplina akademicka w konserwatoriach.
Najlepszymi polifonistami tamtych czasów byli kompozytorzy z Niderlandów - najbardziej zaawansowanego kraju europejskiego XV wieku (wówczas Ameryka). Nazwa „Holandia”, która w języku niemieckim oznacza „niziny”, jest zgodna z położeniem geograficznym kraju. Bagnista równina będąca wynikiem długiej i bezinteresownej pracy Holendrów na początku XV wieku. zamieniła się w kwitnącą i obfitą ziemię. Porty w Amsterdamie i Antwerpii były największe na świecie. Dobrobyt gospodarczy w dużej mierze zdeterminował bezprecedensowy wzrost i rozkwit sztuki w Holandii. W muzeach i kolekcjach prywatnych w Europie i Ameryce znajduje się około trzech tysięcy obrazów, wykonanych wyłącznie w warsztacie Rubensa (1577-1640). W malarstwie holenderskim narodził się nowy gatunek - martwa natura.
Od początku XVII wieku Holandia stała się główną szklarnią w Europie do uprawy i sprzedaży tulipanów. To był szał i świetny biznes. Ideały humanizmu ustąpiły miejsca handlowi. Genialny Rembrandt kończy swoje dni w biedzie i zapomnieniu, a znana od niedawna muzyka holenderska coraz rzadziej rozbrzmiewa.
Okres rozkwitu szkoły holenderskiej dopełnia życie i twórczość wielkiego kompozytora Orlando Lasso. To jest Leonardo da Vinci w muzyce. Wiele utworów O. Lasso do dziś zdobi programy koncertowe najlepszych chórów.
Refren „Echo” jest najwyraźniej napisany do własnego tekstu kompozytora. Podstawą dialogu onomatopeicznego są krótkie zwroty, w których naprzemienne intonacje rozkazujące, pytające, a czasem „błagalne”. Zapisany w formie kanonu chór składa się z dwóch warstw homofoniczno-harmonicznych – chóru głównego oraz zespołu solistów reprezentujących echo. Dynamiczne kontrasty, elastyczne frazowanie, ekspresyjne zanikanie dźwięku pod koniec utworu, a przede wszystkim zestawienie brzmienia chóru i zespołu solistów tworzą jasny i żywy obraz muzyczny. Będąc doskonałym przykładem obrazowości dźwiękowej w muzyce, chór ten do dziś zadziwia słuchacza oryginalnością, świeżością i jasnością brzmienia.
Kompozytorzy tamtych czasów nie tylko komponowali, ale także prowadzili kapele dworskie, studiowali z nimi swoje kompozycje, mając możliwość eksperymentowania i sprawdzania wyników swoich twórczych eksperymentów w praktyce. Więc były Kapelmistrzowie.
, madrygał, dziewiczy, altówka, wolt, pawan, galarda, Camerata florencka, Gesualdo di Venosa, Jakub Peri
Prezentacja na lekcję
Tył do przodu
Uwaga! Podgląd slajdu służy wyłącznie celom informacyjnym i może nie odzwierciedlać pełnego zakresu prezentacji. Jeśli jesteś zainteresowany tą pracą, pobierz pełną wersję.
Lekcja prowadzona jest dla uczniów klasy V na II roku studiów literaturoznawczych.
Cel zajęć: wykształcenie kultury estetycznej uczniów poprzez zapoznanie z muzyką renesans.
Cele Lekcji:
- Dać wyobrażenie o roli muzyki i graniu muzyki w życiu ludzi renesansu;
- Znajomość instrumentów muzycznych, gatunków, kompozytorów renesansu;
- Znajomość dzieł muzycznych europejskiego renesansu;
- Wykształcenie umiejętności elementarnej analizy słuchowej muzyki;
- Kształtowanie zrozumienia relacji między różnymi rodzajami sztuki;
- Edukacja emocjonalnego odbioru dzieł sztuki;
- Rozwój myślenia i mowy uczniów;
- Poszerzające się horyzonty.
Rodzaj lekcji: lekcja nauki nowego tematu.
Wyposażenie lekcji: prezentacja multimedialna, komputer.
Materiał muzyczny:
- W. Bird, utwór do dziewiczej „Volty”;
- F. da Milano „Fantasy” nr 6 na lutnię;
- Scena z filmu „Elizabeth”: Królowa tańczy Voltę (wideo);
- I. Alberti „Pavan i Galliard” (wideo);
- Angielska piosenka ludowa „Green Sleeves”;
- JP Palestrina „Msza Papieża Marcella”, część „Agnus Dei”;
- O. Lasso „Echo”;
- J. di Venosa madrygał „Moro, lasso, al mio duolo”;
- J. Peri Scena z opery „Eurydyka”.
Podczas zajęć
I. Moment organizacyjny
II. Aktualizacja wiedzy
Na ostatniej lekcji rozmawialiśmy o kulturze i malarstwie renesansu.
– Jak inaczej można nazwać tę epokę („Renesans” po francusku)?
Jakie stulecia obejmuje renesans? W której epoce to się zmieniło?
Skąd pochodzi ta nazwa epoki? Co chciałeś „ożywić”?
W którym kraju renesans rozpoczął się wcześniej niż w innych?
- Które włoskie miasto nazywane jest „kolebką renesansu”? Czemu?
– Jacy wielcy artyści mieszkali we Florencji? Rozważ ich pracę.
– Czym ich twórczość różni się od sztuki średniowiecznej?
III. Eksploracja nowego tematu
Dziś wracamy do renesansu. Dowiemy się, jaka była wtedy muzyka. Poznajmy instrumenty muzyczne renesansu, zobaczmy je i posłuchajmy ich autentycznego brzmienia. Spotkamy się też z wybitnymi kompozytorami renesansu i ich arcydziełami.
IV. Praca z prezentacją
slajd 1. Strona tytułowa.
Slajd 2. Tematem naszej lekcji jest „Muzyka renesansu”. Ramy czasowe - XIV-XVI wiek.
Slajd 3. Epigraf lekcji. Jak rozumiesz te słowa?
... Na ziemi nie ma żywej istoty
Takie twarde, chłodne, piekielne zło
Tak, że nie mogła przynajmniej przez godzinę
W nim muzyka do rewolucji.
(William Szekspir)
slajd 4. W okresie renesansu wzrasta rola sztuki w życiu kulturalnym społeczeństwa. Wykształcenie artystyczne uznawane jest za ważny aspekt rozwoju człowieka szlachetnego, warunek dobrego wykształcenia.
Osłabiona zostaje kontrola Kościoła nad społeczeństwem, muzycy zyskują większą swobodę. W kompozycjach coraz wyraźniej manifestuje się osobowość autora, indywidualność twórcza. W okresie renesansu samo pojęcie „ kompozytor».
Stało się to bardzo ważne dla rozwoju muzyki wynalezienie druku muzycznego pod koniec XV wieku. W 1501 roku włoski wydawca Ottaviano Petrucci opublikował pierwszy zbiór muzyki domowej. Nowe pisma były publikowane i rozpowszechniane bardzo szybko. Teraz każdy obywatel klasy średniej mógł kupować muzykę dla siebie. W rezultacie miejskie muzykowanie zaczyna się szybko rozwijać, obejmując coraz większą liczbę osób.
Slajd 5. Instrumenty muzyczne renesans. Instrumenty dęte blaszane, smyczki, instrumenty klawiszowe.
Slajd 6. Lutnia- najbardziej ukochany instrument renesansu. Odnosi się do instrumentów strunowych szarpanych. Początkowo na lutni grano plektronem, ale w XV wieku zaczęto grać palcami.
Slajd 7. Jego ciało przypomina przeciętą na pół gruszkę. Lutnia ma krótką szyjkę z progami, wygiętą pod kątem prostym.
slajd 8. Lutnia pochodzi z arabskiego instrumentu zwanego al-ud (po arabsku „drzewo”). W VIII wieku oud przybył do Europy z Afryki Północnej podczas podboju Hiszpanii przez Arabów i zakorzenił się na dworze wielu hiszpańskich arystokratów. Z czasem Europejczycy dodali do ud progi (podziały na gryfie) i nazwali to „lutnią”.
slajd 9. Na lutni grali zarówno mężczyźni, jak i kobiety.
slajd 10. Lutnia była kompaktowa, lekka, można było ją wszędzie ze sobą zabrać.
Slajd 11. Muzyka lutniowa została nagrana nie za pomocą nut, ale za pomocą tabulatury. Spójrz: tabulatura lutniowa składa się z 6 linii reprezentujących smyczki. Progi są ponumerowane, czasy trwania są na górze.
Slajd 12. Jeśli na lutni grali ludzie różnych klas, to tylko bardzo bogaty człowiek mógł sobie pozwolić na instrument z rodziny viol. Altówki były drogie, wykonane ze szlachetnego drewna, ozdobione eleganckimi rysunkami i biżuterią. Altówki były różnej wielkości. Na tym obrazie anioły grają na najpopularniejszych odmianach altówek - da gamba i da braccia.
Slajd 13. Altówka w języku włoskim - „fiolet”. Dźwięk altówki był bardzo przyjemny: miękki, delikatny i niezbyt głośny.
Slajdy 14, 15. Nazwa viola da braccia jest tłumaczona z języka włoskiego jako „ręka, ramię”. Tak nazywały się małe altówki, które podczas gry trzymano za ramię.
slajd 16. Viola da gamba - „stopa”. Był sporych rozmiarów, podczas zabawy musiał być trzymany między kolanami lub kładziony na udzie. Na altówkach tych zwykle grali mężczyźni.
slajd 17. Czy zauważyłeś, do jakich instrumentów klasycznych są bardzo podobne altówki? Na skrzypce, wiolonczele. Porównajmy viola da gamba z wiolonczelą.
Dźwięki altówek usłyszymy nieco później.
slajd 18.Dziewiczy. Instrument klawiszowy o kształcie prostokąta, zwykle bez nóżek. Zgodnie z zasadą działania urządzenia był jednym z prekursorów fortepianu. Ale pod względem jakości dźwięku bliżej mu do harfy i lutni. Jego barwę wyróżniała miękkość i delikatność.
slajd 19. Kto wie, co oznacza angielskie słowo dziewica? Panna, dziewczyna. Zgadnij, dlaczego nazwali ten instrument tak - „dziewczęcy”? Najczęściej dziewice grały młode dziewczęta szlacheckiego pochodzenia. Wiadomo, że nawet królowa Anglii Elżbieta I bardzo lubiła virginal i dobrze na nim grała.
Slajd 20. William Bird- największy angielski kompozytor, organista i klawesynista czasów Elżbiety. Urodzony w 1543, zmarł w 1623. Pełnił funkcję nadwornego organisty. Skomponował wiele dzieł duchowych, madrygałów i utworów dziewiczych.
Słuchamy: Utwór W. Ptak do dziewiczej „Volty”
Slajd 21-24. Renesansowi artyści często przedstawiali muzyczne anioły na swoich płótnach. Czemu? Co to znaczy? Dlaczego aniołowie potrzebują muzyki? A co z ludźmi?
slajd 25. Spójrzcie, jaka liczna grupa muzyków. W co oni grają? Co oni czują? Czy jest im dobrze razem? Słowa W. Szekspira pasują do tego obrazu? Jakie jest kluczowe słowo w tych wersetach? Jedność, zgoda.
Posłuchaj, jak przyjazne są struny
Wchodzą w szeregi i dają głos, -
Jakby matka, ojciec i młody chłopak
Śpiewają w szczęśliwej jedności.
Mówi nam akord smyczków na koncercie,
Że samotna droga jest jak śmierć.
Slajd 26. Gatunki instrumentalne Epoki renesansu podzielono na 3 typy: transkrypcje utworów wokalnych, utwory wirtuozowskie z magazynu improwizacji (richercar, prelude, fantasy), utwory taneczne (pavane, galliard, volta, moresca, saltarella).
Slajd 27. Francesco da Milano- słynny włoski lutnista i kompozytor XVI wieku, którego współcześni nazywali „Boskim”. Jest właścicielem wielu utworów na lutnię, zjednoczonych w trzech kolekcjach.
Słuchamy: F. da Milano „Fantasy” na lutnię
Slajd 28. W okresie renesansu zmienia się samo podejście do tańca. Z grzesznego, niegodnego zajęcia taniec staje się obowiązkowym dodatkiem świeckiego życia i staje się jedną z najbardziej niezbędnych umiejętności szlachetnego człowieka. Bale są mocno wpisane w życie europejskiej arystokracji. Jakie tańce były modne?
Slajd 29. Volta– Popularny taniec XVI wieku pochodzenia włoskiego. Nazwa volta pochodzi od włoskiego słowa voltare, co oznacza „obrót”. Tempo wolty jest szybkie, rozmiar jest potrójny. Główny ruch tańca: dżentelmen gwałtownie podnosi i obraca tańczącą z nim w powietrzu damę. Ponadto ruch ten musi być wykonywany wyraźnie i z gracją. I tylko wyszkoleni mężczyźni mogli poradzić sobie z tym tańcem.
Patrzymy: Fragment filmu wideo „Elizabeth”
Slajd 30- uroczysty wolny taniec pochodzenia hiszpańskiego. Nazwa pavana pochodzi od łacińskiego słowa pavo – paw. Rozmiar pawany jest dwuczęściowy, tempo jest wolne. Tańczyli go, aby pokazać innym swoją wielkość i luksusowy strój. Lud i burżuazja nie wykonywali tego tańca.
slajd 31.galarda(z włoskiego - wesoły, wesoły) - poruszający taniec. W charakterze galiardy zachowała się pamięć o ludowym rodowodzie tańca. Charakteryzuje się skokami i nagłymi ruchami.
Pawana i galiarda były często wykonywane jedna po drugiej, tworząc rodzaj suity.
Teraz zobaczycie fragment koncertu zespołu muzyki dawnej "Hesperion XXI". Jej liderem jest Jordiego Savalla- Hiszpański wiolonczelista, gamboista i dyrygent, jeden z najbardziej szanowanych współczesnych muzyków, wykonujący muzykę starożytną w autentyczny sposób (tak jak brzmiała w momencie jej powstania).
Slajd 32. Patrzymy: I. Alberti „Pavan i Galliard”.
W wykonaniu Zespołu Muzyki Dawnej „Hespèrion XXI” J. Savala.
Slajd 33. Gatunki wokalne Renesans dzielił się na kościelny i świecki. Co to znaczy „świecki”? W kościele zabrzmiała msza i motet. Na zewnątrz kościoła - caccha, ballata, frottola, villanella, chanson, madrigal.
slajd 34.Śpiew kościelny osiąga szczyt swojego rozwoju. To czas polifonii „pisma ścisłego”.
Najwybitniejszym kompozytorem polifonicznym renesansu był Włoch Giovanni Pierluigi da Palestrina. Jego pseudonim - Palestrina - otrzymał nazwę miasta, w którym się urodził. Pracował w Watykanie, piastował wysokie stanowiska muzyczne za czasów papiestwa.
Masa- utwór muzyczny składający się z modlitw w języku łacińskim, wybrzmiewający podczas nabożeństwa w Kościele katolickim.
Słuchamy: GP da Palestrina „Msza papieża Marcello”, część „Agnus Dei”
zjeżdżalnia 35. pieśni świeckie. język angielski ballada „Zielone rękawy”- dziś bardzo popularne. Słowa tej pieśni przypisuje się angielskiemu królowi Henrykowi VIII. Adresował te wiersze do ukochanej Anny Boleyn, która później została jego drugą żoną. Czy wiesz o czym jest ta piosenka?
zjeżdżalnia 36. Tekst piosenki „Green Sleeves” w tłumaczeniu S.Ya.Marshak.
Słuchamy: Angielska ballada „Green Sleeves”
Slajd 37- jeden z najwybitniejszych przedstawicieli holenderskiej szkoły polifonicznej. Urodzona w Belgii, mieszkała we Włoszech, Anglii i Francji. Przez ostatnie 37 lat swego życia, kiedy jego nazwisko znane było już w całej Europie, prowadził kaplicę dworską w Monachium. Stworzył ponad 2000 dzieł wokalnych zarówno o charakterze kultowym, jak i świeckim.
zjeżdżalnia 38. Chanson „Echo” został napisany na dwa czterogłosowe chóry. Pierwszy chór zadaje pytania, drugi chór odpowiada mu jak echo.
Słuchamy: O. Lasso Chanson „Echo”
Slajd 39(od włoskiego słowa madre – „matka”) – pieśń w ojczystym, matczynym języku. Madrigal to polifoniczna (na 4 lub 5 głosów) pieśń o treści lirycznej o wysublimowanym charakterze. Ten gatunek wokalny rozkwitł w XVI wieku.
zjeżdżalnia 40.Gesualdo di Venosa- włoski kompozytor XVI wieku, jeden z największych mistrzów świeckiego madrygału. Był tajemniczą osobą. Bogaty książę, władca miasta Venosa. Złapawszy piękną żonę zdrady, Gesualdo w przypływie zazdrości odebrał jej życie. Okresowo popadał w melancholię i ukrywał się przed wszystkimi w swoim zamku. Zmarł w wieku 47 lat, w zdezorientowanym umyśle ...
Za życia opublikował 6 zbiorów pięciogłosowych madrygałów. Cechą charakterystyczną stylu G. di Venosa jest nasycenie muzyki chromatyką, barwnymi zestawieniami dysonansowych akordów, unikalnymi dla jego czasów. Gesualdo przełożył więc na muzykę swój straszliwy ból psychiczny i wyrzuty sumienia.
Współcześni nie rozumieli jego muzyki, uważali ją za okropną, surową. Docenili go muzycy XX wieku, powstał film o G. di Venosa, powstają książki, a kompozytor A. Schnittke zadedykował mu operę Gesualdo
Slajd 41. Madrygał „Moro, lasso, al mio duolo” to jedno z najnowszych dzieł G. di Venosa. Jest właścicielem zarówno muzyki, jak i tekstów:
Oh! umieram z rozpaczy
Ten, który obiecał szczęście
Zabija mnie swoją mocą!
Och, opłakuj zły wicher!
Ten, który obiecał życie
Dał mi śmierć.
Słuchamy: G. di Venosa „Moro, lasso, al mio duolo”
Slajd 42. Pod koniec XVI wieku we Florencji powstał Camerata florencka- krąg muzyków i poetów, którzy chcieli wskrzesić starożytną tragedię grecką z jej nieodłącznym szczególnym sposobem wymawiania tekstu (coś pomiędzy mową a śpiewem).
Slajd 43. Narodziny opery. Z tych eksperymentów narodziła się opera. 6 października 1600 roku we Florencji odbyła się premiera pierwszej zachowanej opery Eurydyka. Jej autorem jest kompozytor i śpiewak Jacopo Peri.
Słuchamy: J. Peri Scena z opery „Eurydyka”
V. Podsumowanie lekcji
- Czego nowego dowiedziałeś się dzisiaj o renesansie?
Dźwięk jakiego instrumentu lubisz? Jak?
– Jak wyglądają współczesne instrumenty lutni, altówki, dziewicy?
Co śpiewali ludzie w okresie renesansu? Gdzie? Jak?
– Dlaczego artyści renesansu tak często przedstawiali muzyków?
- Jaka muzyka, która brzmiała dzisiaj na lekcji, podobała ci się, pamiętasz?
VI. Praca domowa (opcjonalnie):
- Zaśpiewaj piosenkę „Green Sleeves” z nut, ci, którzy chcą, mogą wybrać akompaniament do niej;
- Znajdź muzyczne obrazy artystów renesansu i porozmawiaj o nich.
Włoskie słowo renesans w oryginale brzmi jak „rinascita” (rinascita), zostało ukute przez Giorgio Vasariego. Po raz pierwszy termin ten został przez niego użyty w pracy „Biografia” w znaczeniu „rozkwitu sztuk”, na określenie okresu, w którym artyści w swojej twórczości uwalniali się od kanonicznych form grecko-bizantyjskich i rzymsko-łacińskich .
Dla zdefiniowania ruchu kulturalnego w Europie od XIV do XVII wieku termin „odrodzenie” lub „renesans” (od włoskiego czasownika „rinascere” „odrodzić się”) został użyty w XIX wieku w pracy „Historia France” francuskiego historyka Julesa Micheleta.
Trochę o renesansie w ogóle
Renesans charakteryzuje się rekultywacją kultury klasycznej (czyli klasycyzmu grecko-rzymskiego). Wielu badaczy uważa, że idee renesansu wywodzą się z literatury i sztuk pięknych we Florencji z końca XIII wieku i kojarzone są w szczególności z dziełami Dantego Alighieri, Francesca Petrarki i freskami Giotta di Bondone.
Co więcej, poeci, artyści, filozofowie renesansu byli nie mniej religijni niż ich poprzednicy.
Starali się pogodzić praktykę teologiczną z nowym duchem badań naukowych (filozofia zwana humanizmem przenika całą epokę). Był to czas ożywienia nauki, osiągnięć naukowych, wielkich odkryć geograficznych. W muzyce, która stanie się integralną częścią życia religijnego, cywilnego i dworskiego, od XV wieku identyfikuje się kardynalne zmiany.
Periodyzacja i ewolucja muzyki renesansowej
Większość historyków muzyki uważa, że ewolucja muzyki renesansowej obejmuje okres 200 lat. Tradycyjnie dzieli się na:
- muzyka okresu wczesnego renesansu, od 1400 do 1467;
- muzyka środkowego okresu renesansu, od 1467 do 1534;
- muzyka późnego (lub wysokiego) renesansu, od 1534 do 1600 roku.
Taka periodyzacja z kolei wiąże się z rozkwitem i dominacją różnych szkół kompozytorskich w Europie Zachodniej. Cechami stylistycznymi, które definiują muzykę renesansu, jest faktura polifoniczna, podlegająca prawom kontrapunktu i regulowana przez odziedziczony po średniowieczu system modalny chorału gregoriańskiego.
Kultura muzyczna renesansu jest czasami określana jako „złoty wiek muzyki chóralnej”. W rzeczywistości horyzonty muzyczne znacznie się poszerzyły.
Jeśli w średniowieczu kompozytorzy i muzycy pracowali głównie na rzecz kościoła, to w wyniku rozłamu religijnego i świeckiego, jaki nastąpił w Europie Zachodniej w okresie renesansu, muzyka zyskała kilku mecenasów: kościoły katolickie i protestanckie, dwory królewskie, zamożną arystokrację, nowa klasa burżuazyjna. Wszystkie stały się źródłem dochodów kompozytorów, w tym oczywiście melotypia: kultura muzyczna renesansu jest ściśle związana z nowymi technologiami (wynalezienie ruchomej czcionki przez Jana Gutenberga).
Cechy estetyczne muzyki renesansowej
Podobnie jak inne sztuki, duży wpływ na muzykę miały wydarzenia, które zdefiniowały cały renesans: rozwój myśli humanistycznej, odbudowa grecko-rzymskiego dziedzictwa klasycznego, innowacyjne odkrycia. Starożytne teksty zostały zrewidowane, ponownie stanowiąc przedmiot badań, a także zostały zredagowane, ale tylko zgodnie z rozwijającymi się naukami.
Podczas gdy wszystkie sztuki i nauki były uważane za powiązane ze sobą w kulturze starożytnej Grecji, humaniści renesansu rozdzielili je, podkreślając i badając ich indywidualne cechy. W szczególności muzyka była postrzegana jako ekspresyjna sztuka zdolna wpływać na emocje i uczucia, co było niespotykane w średniowieczu.
Próby uporządkowania wiedzy w muzyce obejmowały takie uporządkowanie skali, aby można było ustalić związki między nutami a ludzkimi emocjami.
Nie bez znaczenia jest również fakt, że kultura muzyczna renesansu charakteryzuje się pojęciem humanizmu. Dzięki niemu nastąpiło przesunięcie akcentów intelektualnych – od powszechnej dominacji myśli religijnej do możliwości i dokonań osoby świeckiej. Indywidualny geniusz twórczy człowieka był na znacznie wyższej pozycji. Oznaczało to również uznanie wielu kompozytorów.
Jednak w większym stopniu muzyka renesansu była nadal uduchowiona, jak w czasach średniowiecznych, ale przemiany „humanistyczne” wpłynęły na poszukiwanie w niej żywszej wyrazistości – na osiągnięcie doskonałości.
Główną muzyką okresu wczesnego renesansu, pisaną dla ważnych kościołów i kaplic królewskich, są polifoniczne msze i śpiewy (motety) w języku łacińskim. Ale w świetle reform religijnych powstały nowe rodzaje muzyki sakralnej, co więcej, tak wielkie przewroty na scenie kościelnej doprowadziły do \u200b\u200btego, że muzyka świecka nabierała realnej siły i mogła już konkurować ze swoim „świętym” odpowiednikiem.
Szkoły kompozytorskie renesansu
Na początku XV wieku do głosu doszła angielska szkoła polifonistów, na czele której stał John Dunstable. Nowy styl angielski, oparty na wykorzystaniu triad, dyktowany rytmem muzycznym (z każdą linią wokalną poruszającą się razem w stylu „pionowym”) silnie wpłynął na burgundzką szkołę kompozytorską.
Najważniejszym spośród kompozytorów szkoły burgundzkiej był Guillaume Dufay, którego dorobek muzyczny obejmował śpiewy, msze, dzieła świeckie charakteryzujące się melodycznym liryzmem.
Ruch ten, określany mianem szkoły francusko-flamandzkiej, charakteryzuje się silnym rozwojem polifonicznej kompozycji wokalno-muzycznej, która położyła podwaliny pod współczesną harmonię. Jego najbardziej znanymi przedstawicielami są „kompozytor trzech francuskich królów”: Johannes Okeghem i Jacob Obrecht.
Kultura muzyczna renesansu pierwszej połowy XVI wieku charakteryzuje się tym, że nadal dominują w niej kompozytorzy francusko-flamandzcy, wśród których najbardziej znanym był Josquin Despres, którego styl kopiowało wielu kompozytorów. Polifoniczna muzyka Josquina wykorzystywała kanony, istniejące wcześniej struktury kompozycyjne, ale płynnie łączyła się z melodiami, które raczej podkreślały niż maskowały linie poetyckie.
W tamtych czasach uważano za dość powszechne, że czołowi kompozytorzy dużo podróżowali, pracowali dla różnych mecenasów we Włoszech, Hiszpanii, Niemczech, Francji. Wymiana idei muzycznych stworzyła, że tak powiem, pierwszy międzynarodowy styl od czasu chorału gregoriańskiego w IX wieku.
Od drugiej połowy XVI wieku kompozytorzy włoscy osiągają niezrównane mistrzostwo w sztuce muzycznej. Wśród kultowych postaci jest Giovanni Pierluigi da Palestrina.
Gatunki muzyki renesansowej
Duchowe gatunki wokalne to msza i motet. Gatunki świeckie - madrygał (we Włoszech i Anglii), chanson (we Francji), ołów (w Niemczech).
Chociaż muzyka w całej epoce była głównie wokalna, coraz więcej instrumentów zaczyna być używanych. Wykonawcy na instrumentach czasami towarzyszyli śpiewakom, od czasu do czasu zastępowali niektóre głosy, jeśli nie było śpiewaków.
Instrumenty wahały się od dużych, jak organy i klawesyn, viola de gamba, po małe - harfa (później lutnia), flet prosty (flet prosty). Stopniowo kompozytorzy zaczynają pisać utwory wyłącznie na instrumenty bez wokalistów.
Muzyka silnie wpłynęła również na tańce dworskie, wprowadzając do nich szeroką gamę instrumentów towarzyszących. Instrumenty były używane w kościele, podczas uroczystości i imprez towarzyskich, w przedstawieniach teatralnych, w domach prywatnych.
W XVI wieku. zaczęły się rozwijać różne gatunki muzyki instrumentalnej. Muzyczny akompaniament śpiewu czy tańca staje się coraz bardziej skomplikowany i nabiera własnej melodii, w przeciwieństwie do prostych akordów, które wcześniej tylko odsuwały na bok główną akcję. Instrumenty w zespole zaczęto dobierać według zasady podziału głosów pomiędzy różne tempa głosów ludzkich (góra lub sopran, alt, tenor, bas). To wyjaśnia pojawienie się pod koniec XV wieku. całe rodziny muzyków, którzy potrafili zagrać całe „dialogi” między głosami i instrumentami. W ten sposób kwartet fletów, altówek czy piszczałek mógł kontynuować partyturę wokalną, rozwijając i uzupełniając pierwotną melodię głosu.
Renesansowe instrumenty muzyczne
W okresie renesansu skład instrumentów muzycznych znacznie się rozszerzył, do istniejących już instrumentów smyczkowych i dętych dodano nowe odmiany. Wśród nich szczególne miejsce zajmują altówki – rodzina smyczków, które zadziwiają pięknem i szlachetnością brzmienia. Formą przypominają instrumenty współczesnej rodziny skrzypiec (skrzypce, altówka, wiolonczela), a nawet uważane są za ich bezpośrednich poprzedników (współistniały w praktyce muzycznej do połowy XVIII wieku). Jest jednak różnica i to znacząca. Altówki mają system rezonujących strun; z reguły jest ich tyle samo, co głównych (od sześciu do siedmiu). Wibracje rezonujących strun sprawiają, że altówka brzmi miękko, aksamitnie, ale instrument ten jest trudny do wykorzystania w orkiestrze, ponieważ ze względu na dużą liczbę strun szybko się rozstraja. Przez długi czas dźwięk altówki uważany był za wzór wyrafinowania w muzyce. Istnieją trzy główne typy w rodzinie altówek. Viola da gamba to duży instrument, który wykonawca ustawiał pionowo i ściskał z boków stopami (włoskie słowo gamba oznacza „kolano”). Dwie inne odmiany – viola da braccio (z wł. Viola da gamba zbliża się zakresem brzmienia do wiolonczeli, viola da braccio do skrzypiec, a viol d'amour do altówki. Wśród instrumentów szarpanych renesansu główne miejsce zajmuje lutnia (pol. lutnia, z arabskiego „alud” – „drzewo”). Do Europy przybył z Bliskiego Wschodu pod koniec XVI wieku, gdyż repertuar tego instrumentu był ogromny; Przede wszystkim śpiewano pieśni przy akompaniamencie lutni. Lutnia ma krótki korpus; górna część jest płaska, a dolna przypomina półkulę. Do szerokiego gryfu przymocowana jest podstrunnica podzielona progami, a główka instrumentu jest odchylona do tyłu niemal pod kątem prostym. Jeśli chcesz, możesz zobaczyć podobieństwo do miski w kształcie lutni. Dwanaście strun pogrupowanych jest parami, a dźwięk wydobywany jest zarówno palcami, jak i specjalną płytką – plektronem. W XV-XVI wieku powstały różne typy klawiatur. Główne typy takich instrumentów - klawesyn, klawikord, cembalo, virginal - były aktywnie wykorzystywane w muzyce renesansu, ale ich prawdziwy rozkwit nastąpi później.
