Martwa natura w malarstwie - obrazy statycznych przedmiotów nieożywionych połączone w jeden zespół. Martwa natura może być przedstawiona jako samodzielne płótno, ale czasami staje się częścią kompozycji sceny rodzajowej lub całego obrazu.
Czym jest martwa natura?
Malarstwo takie wyraża się w subiektywnym stosunku człowieka do świata. Pokazuje to wrodzone rozumienie piękna przez mistrza, które staje się ucieleśnieniem wartości społecznych i estetycznym ideałem tamtych czasów. Martwa natura w malarstwie stopniowo przekształciła się w odrębny znaczący gatunek. Proces ten trwał ponad sto lat, a każde nowe pokolenie artystów rozumiało płótna i kolory zgodnie z trendami epoki.
Rola martwej natury w kompozycji obrazu nigdy nie ogranicza się do prostej informacji, przypadkowego dodatku do głównej treści. W zależności od uwarunkowań historycznych i wymagań społecznych, przedmioty mogą brać mniej lub bardziej aktywny udział w tworzeniu kompozycji lub wizerunku hotelu, przesłaniając ten lub inny cel. Martwa natura w malarstwie jako niezależny gatunek ma na celu rzetelne oddanie piękna rzeczy, które codziennie otaczają człowieka.
Czasami pojedynczy szczegół lub element nagle nabiera głębokiego znaczenia, nabiera własnego znaczenia i brzmienia.
Historia
Jako stary i szanowany gatunek, martwa natura w malarstwie znała swoje wzloty i upadki. Surowe, ascetyczne i minimalistyczne pomogły stworzyć nieśmiertelne monumentalne uogólnione wzniosłe heroiczne obrazy. Rzeźbiarze o niezwykłej ekspresji cieszyli się obrazem poszczególnych obiektów. Rodzaje martwej natury w malarstwie i wszelkiego rodzaju klasyfikacje powstały w okresie kształtowania się historii sztuki, chociaż płótna istniały na długo przed napisaniem pierwszego podręcznika.
Tradycje malowania ikon i martwe natury
W starożytnym rosyjskim malarstwie ikon dużą rolę odegrało te kilka rzeczy, które artysta odważył się wprowadzić w ścisły lakonizm dzieł kanonicznych. Przyczyniają się do manifestacji wszystkiego, co natychmiastowe i demonstrują ekspresję uczuć w utworze poświęconym abstrakcyjnej lub mitologicznej fabule.
Rodzaje martwej natury w malarstwie istnieją niezależnie od prac związanych z malowaniem ikon, chociaż ścisły kanon nie zabrania przedstawiania niektórych obiektów właściwych gatunkowi.
renesans martwej natury
Jednak dzieła XV-XVI wieku odgrywają ważną rolę w renesansie. Malarz najpierw zwrócił uwagę na otaczający go świat, starał się określić znaczenie każdego elementu w służbie ludzkości.
Malarstwo nowoczesne, martwa natura jako gatunek popularny i uwielbiany, narodziło się w okresie Tricento. Przedmioty gospodarstwa domowego nabierały pewnej szlachetności i znaczenia właściciela, któremu służyły. Na dużych płótnach martwa natura z reguły wygląda bardzo skromnie i dyskretnie – szklany słój z wodą, srebro eleganckiego wazonu czy delikatne lilie na cienkich łodygach, często skulone w ciemnym kącie obrazu, jak ubogie i zapomniane krewni.
Niemniej jednak w obrazie rzeczy pięknych i bliskich było tyle miłości w poetyckiej formie, że współczesne malarstwo, martwa natura i jej rola w niej już nieśmiało zaglądały przez wyrwy w pejzażach i ciężkie kurtyny scen rodzajowych.
Kluczowy moment
Prawdziwego pierwiastka i nowego znaczenia tematyka nabrała w malarstwie w XVII wieku – epoce, w której dominowała i dominowała martwa natura z kwiatami. Malarstwo tego rodzaju zyskało wielu wielbicieli wśród szlachty i duchowieństwa. W złożonych kompozycjach z wyraźną fabułą literacką sceny znalazły swoje miejsce wraz z głównymi bohaterami. Analizując dzieła epoki, łatwo zauważyć, że podobnie ważna rola martwej natury przejawiała się w literaturze, teatrze i rzeźbie. Rzeczy zaczęły w tych pracach „działać” i „żyć” – ukazywane były jako główne postacie, ukazujące najlepsze i najkorzystniejsze strony przedmiotów.
Przedmioty artystyczne wykonane przez pracowitych i utalentowanych rzemieślników noszą osobisty ślad myśli, pragnień i skłonności konkretnej osoby. Malowanie lepiej niż wszystkie testy psychologiczne pomaga śledzić stan psycho-emocjonalny i osiągnąć wewnętrzną harmonię i integralność.
Rzeczy wiernie służą człowiekowi, przejmując jego entuzjazm do artykułów gospodarstwa domowego i inspirując właścicieli do zakupu nowych pięknych, eleganckich drobiazgów.
renesans flamandzki
Malarstwo gwaszowe, martwa natura jako gatunek, którego ludzie nie od razu zaakceptowali. Historia powstania, rozwoju i powszechnego wdrażania różnych idei i zasad przypomina o ciągłym rozwoju myśli. Martwa natura stała się sławna i modna w połowie XVII wieku. Gatunek narodził się w Holandii, jasnej i świątecznej Flandrii, gdzie sama natura sprzyja pięknu i zabawie.
Malarstwo gwaszowe, martwe natury kwitły w czasach wielkich przemian, całkowitej zmiany instytucji politycznych, społecznych i religijnych.
prąd flamandzki
Burżuazyjny kierunek rozwoju Flandrii był nowością i postępem dla całej Europy. Zmiany w życiu politycznym doprowadziły do podobnych innowacji w kulturze – horyzonty, które otworzyły się przed artystami, nie ograniczały się już do zakazów religijnych i nie były poparte odpowiednimi tradycjami.
Martwa natura stała się wizytówką nowej sztuki, która gloryfikowała wszystko, co naturalne, jasne i piękne. Surowe kanony katolicyzmu nie powstrzymywały już wyobraźni i ciekawości malarzy, dlatego wraz ze sztuką zaczęła rozwijać się nauka i technika.
Zwykłe przedmioty i przedmioty codziennego użytku, wcześniej uważane za podłe i niegodne wzmianki, nagle stały się obiektami uważnego studiowania. Malarstwo dekoracyjne, martwa natura i pejzaże stały się prawdziwym zwierciadłem życia - codzienności, diety, kultury, wyobrażeń o pięknie.
Właściwości gatunku
To stąd, ze świadomego, dogłębnego badania otaczającego świata, rozwinął się odrębny gatunek malarstwa codziennego, pejzażu i martwej natury.
Sztuka, która w XVII wieku uzyskała określone kanony, zdeterminowała główną jakość gatunku. Obraz poświęcony światu rzeczy opisuje główne właściwości przedmiotów otaczających człowieka, pokazuje stosunek mistrza i jego hipotetycznego współczesnego do tego, co jest pokazane, wyraża naturę i kompletność wiedzy o rzeczywistości. Artysta z konieczności przekazał materialne istnienie rzeczy, ich objętość, wagę, fakturę, kolorystykę, przeznaczenie użytkowe przedmiotów gospodarstwa domowego i ich żywotny związek z działalnością człowieka.
Zadania i problemy martwej natury
Malarstwo dekoracyjne, martwe natury i sceny domowe wchłonęły nowe trendy epoki - odejście od kanonów i jednoczesne zachowanie konserwatywnego naturalizmu obrazu.
Martwa natura epoki rewolucyjnej podczas całkowitego zwycięstwa burżuazji odzwierciedla szacunek artysty dla nowych form życia narodowego jego rodaków, szacunek dla pracy prostych rzemieślników, podziw dla pięknych obrazów piękna.
Sformułowane w XVII wieku problemy i zadania gatunku były powszechnie dyskutowane w szkołach europejskich dopiero w połowie XIX wieku. Tymczasem artyści wciąż stawiali sobie coraz to nowe zadania, nie przestając mechanicznie odtwarzać gotowych rozwiązań kompozycyjnych i kolorystycznych.
Nowoczesne płótna
Fotografie martwych natur do malarstwa, przygotowywane w nowoczesnych pracowniach, wyraźnie pokazują różnicę w postrzeganiu świata przez człowieka współczesnego i średniowiecza. Dynamika przedmiotów dzisiaj przekracza wszelkie wyobrażalne granice, a statyka przedmiotów była wówczas normą. Kombinacje kolorów XVII wieku charakteryzują się jasnością i czystością koloru. Nasycone odcienie harmonijnie wpasowują się w kompozycję i podkreślają ideę i ideę artysty. Brak jakichkolwiek kanonów nie odbił się najlepiej na martwych naturach XX i XXI wieku, czasem porażając wyobraźnię brzydotą lub celową różnorodnością.
Metody rozwiązywania problemów martwej natury gwałtownie zmieniają się co dekadę, metody i techniki nie nadążają za wyobraźnią uznanych i nie tak mistrzów.
Wartość dzisiejszego malarstwa tkwi w wyrażaniu rzeczywistości oczami współczesnych artystów; poprzez ucieleśnienie na płótnie powstają nowe światy, które ludziom przyszłości mogą wiele powiedzieć o swoich twórcach.
Wpływ impresjonizmu
Kolejnym kamieniem milowym w historii martwych natur był impresjonizm. Cała ewolucja kierunku znalazła odzwierciedlenie w kompozycjach poprzez kolorystykę, technikę i rozumienie przestrzeni. Ostatni romantycy tysiąclecia przenieśli życie na płótno takie, jakie jest – szybkie, jasne pociągnięcia i wyraziste detale stały się kamieniami węgielnymi stylu.
Obrazy, martwe natury współczesnych artystów z pewnością noszą piętno impresjonistycznych inspiratorów poprzez kolor, sposoby i techniki obrazowania.
Odejście od standardowych kanonów klasycyzmu – trzech płaszczyzn, centralnej kompozycji i postaci historycznych – pozwoliło artystom na wypracowanie własnego postrzegania koloru i światła, a także zademonstrowanie widzowi swobodnego przepływu emocji w przystępnej i wizualnej formie. droga.
Głównymi zadaniami impresjonistów jest zmiana techniki malarskiej i psychologicznej treści obrazu. A dziś, nawet znając sytuację tamtej epoki, trudno znaleźć właściwą odpowiedź na pytanie, dlaczego impresjonistyczne pejzaże, równie radosne i niewyrafinowane jak poezja, wywołały ostre odrzucenie i grubiańskie kpiny ze strony wybrednych krytyków i oświeconej publiczności.
Malarstwo impresjonistyczne nie mieściło się w ogólnie przyjętych ramach, więc martwe natury i pejzaże były postrzegane jako coś wulgarnego, niegodnego uznania na równi z innymi szumowinami sztuki wysokiej.
Wystawa sztuki, która stała się rodzajem działalności misyjnej słynnych artystów tamtych czasów, potrafiła dotrzeć do serc i ukazać piękno i wdzięk.Wizerunki przedmiotów i przedmiotów wszelkimi dostępnymi środkami stały się powszechne nawet w murach potężnych instytucji, które wyznają tylko zasady sztuki klasycznej. Triumfalny pochód martwych natur nie ustał od końca XIX wieku, a różnorodność gatunków i technik sprawia, że dziś nie trzeba bać się żadnych eksperymentów z kolorem, fakturą i materiałem.
Martwa natura z owocami i naczyniami
Artysta Willem van Aelst urodził się w maju 1627 roku w mieście Utrecht lub Delft.
Willem van Aelst nauczył się podstaw malarstwa od swojego wuja, słynnego malarza Everta van Aelsta. W listopadzie 1643 roku młody artysta został przyjęty do cechu malarzy św. Łukasza w Delft.
Przez cztery lata, od 1845 do 1649 roku, artysta mieszkał i tworzył we Francji, a potem kolejne siedem lat we Włoszech. We Florencji Willem van Aelst wykonał sporo prac na zlecenie Wielkiego Księcia Toskanii Ferdynanda II Medyceuszy.
Po powrocie do ojczyzny artysta osiedlił się w Amsterdamie, założył pracownię i przyjął uczniów, wśród których dziś możemy wymienić Raschel Ruysch i Marię van Oosterwijk.
Willem van Aelst już za życia dał się poznać jako wybitny mistrz martwej natury, który doskonale władał kolorem, a ze szczególnym powodzeniem malował tkaniny, ptasie pióra, metale itp. Znakomity niebieski aksamit często znajduje się w jego martwych naturach. Artysta używa niesamowicie drogiego pigmentu lapis lazuli. Składnik ten został sprowadzony z dalekich Chin, a jego użycie znacznie podniosło koszt obrazów autora. Ale jak niebieski gra w martwych naturach.
Malarz zmarł w 1683 roku. Pochowany w Amsterdamie.
Obecnie prace wielkiego artysty można oglądać w największych muzeach i galeriach sztuki na świecie.
Obrazy artysty Willema van Aelsta
Martwa natura z winogronami i granatem 
Tytuł nieznany 
Tytuł nieznany 
Martwa natura z koszem owoców 
Śliwki i brzoskwinie na niebieskim aksamicie 
Tytuł nieznany 
Martwa natura z owocami 
Martwa natura z nietoperzem i akcesoriami myśliwskimi 
Kwiaty w srebrnym wazonie 
Martwa natura ze sprzętem myśliwskim i martwym ptakiem 
Martwa natura z kwiatami 
Martwa natura z owocami 
Bukiet kwiatów w szklanym wazonie 
Przekąska 
Martwa natura z bukietem kwiatów w szklanym wazonie i zegarkiem kieszonkowym 
Martwa natura z drobiem 
Martwa natura z owocami i szklanym kielichem 
polowanie martwa natura 
Tytuł nieznany 
Tytuł nieznany 
Tytuł nieznany 
Tytuł nieznany 
Tytuł nieznany 
Tytuł nieznany 
Martwa natura z winogronami i brzoskwiniami 
Tytuł nieznany 
Tytuł nieznany 
Martwa natura z cytryną, srebrnym dzbankiem i świecznikiem 
Martwa natura z winogronami, brzoskwiniami i orzechami włoskimi 
Martwa natura ze zbroją 
Martwa natura z winogronami, zegarem, szklanką, srebrnym dzbankiem i talerzem 
Martwa natura z owocami i dziczyzną 
Martwa natura z kwiatami Wtedy spodobało się to wielu osobom, a prace artystów wydają mi się doskonałą pomocą wizualną w procesie badania zestawień kolorystycznych. Właściwie po co wymyślać koło, skoro wielcy mistrzowie od dawna badali zasady harmonii, kombinacje odcieni i aktywnie używali ich podczas malowania. Planuję napisać serię postów na ten temat i będę korzystać z książki Ittena The Art of Colour.
Często problem z zestawieniami kolorystycznymi wynika z tego, że nie mamy wystarczającej obserwacji i oko nie jest wytrenowane, aby dostrzec udane kombinacje, nakładają się pewne stereotypy, z niewiedzy nie ma wystarczającej odwagi i pewności w doborze kolorów. Walczmy z tym :)
Itten w swojej pracy nad kolorem prowadzi nas przez najważniejsze epoki w rozwoju sztuki i pracy z kolorem, podając jako przykład wielkich artystów. A dzisiaj zaczniemy od artystów renesansu. Jan van Eyck, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Tycjan, Grunewald.
"Jana van Eycka zaczął tworzyć obrazy, których podstawę kompozycyjną wyznaczała rzeczywista kolorystyka przedstawianych osób i przedmiotów. Poprzez blaknięcie i czystość, rozjaśnianie i ściemnianie tych kolorów, dźwięk obrazu był coraz bardziej zbliżony do realistycznego. Kolor stał się środkiem do przekazywania naturalności rzeczy.”
„Portret pary Arnolfinich” wykonany jest w stonowanych, ciepłych barwach ciemnej jesieni
„Ołtarz Gandawski” jest pomalowany na ciepłe kolory, ale kolory są już wyraźniejsze i czystsze, bliższe wiosny
"Piero della Francesca Malował ludzi, ostro zarysowując postacie wyraźnymi, wyrazistymi kolorami, używając jednocześnie kolorów uzupełniających, które zapewniały malowniczą równowagę obrazom.
„Portret Federigo da Montefeltro i Battisty Sforzy” również wykonany jest w ciepłych barwach, w barwach jesieni
„Ołtarz Montefeltro”: bardzo piękne połączenie kolorów, delikatnych odcieni, wiosenno-letniego asortymentu.
Okazuje się, że jest to połączenie trzech podstawowych tonów i dwóch tonów akcentujących:
"Leonardo da Vinci porzucił jasne kolory. Swoje obrazy budował na nieskończenie subtelnych przejściach tonalnych”.
„Mona Lisa”
„Pokłon Trzech Króli”
"tycjanowski Zaczął dążyć do malowniczych modulacji zimnego i ciepłego, wyblakłego i nasyconego.
"Przepiękny"
„Barwa charakterystyczna dla jego późniejszych obrazów została przez niego ukształtowana, w oparciu o różne ciemne i jasne odcienie tej samej barwy”.
„Koronacja cierniami”. Taki wesoły obraz zarówno w temacie, jak iw kolorach. Najlepsza rzecz w listopadzie :)
Ale z drugiej strony przejścia kolorów w obrębie tego samego koloru są bardzo dobrze widoczne.
"Grunewald kontrastował jeden kolor z drugim. Z tzw. obiektywnie istniejącej substancji barwnej potrafił znaleźć dla każdego motywu obrazu własną barwę.
„Ołtarz z Isenheim”
W ramach jednej pracy Grunewald zastosował różne zestawienia kolorystyczne i poświęcił ogólną harmonię, aby oddać sens poszczególnych części dzieła.
Pozostaje wnioskować, że jeśli jesteś Jesienią, to powinieneś spojrzeć na inne dzieła artystów renesansu :)
renesans (renesans). Włochy. XV-XVI wiek. wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.
Bogaci i potężni gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, malarze i rzeźbiarze codziennie rozmawiają ze swoimi mecenasami. W pewnym momencie wydawało się, że ludem rządzą mędrcy, tak jak chciał Platon.
Pamiętaj o starożytnych Rzymianach i Grekach. Zbudowali też społeczeństwo wolnych obywateli, w którym główną wartością jest człowiek (oczywiście nie licząc niewolników).
Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest mieszanka. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i szczerość obrazów. Piękno fizyczne i duchowe.
To był tylko błysk. Okres Wielkiego Renesansu to około 30 lat! Od 1490 do 1527 Od początku rozkwitu twórczości Leonarda. Przed splądrowaniem Rzymu.
Miraż idealnego świata szybko zniknął. Włochy były zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.
Jednak te 30 lat określiło główne cechy malarstwa europejskiego na następne 500 lat! Aż do .
Realizm obrazu. Antropocentryzm (gdy centrum świata jest Człowiek). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Sceneria…
Niewiarygodne, w ciągu tych 30 lat pracowało jednocześnie kilku genialnych mistrzów. Innym razem rodzą się raz na 1000 lat.
Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Ale nie sposób nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach: Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.
1. Giotto (1267-1337)
Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięciu mistrzów renesansu florenckiego”. Początek XVI wieku. . XIV wiek. Proto-renesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed Wielkim Renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, prawie by nie nadeszła.
Przed Giotto były ikony i freski. Powstały one według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. płaskie figury. Niedopasowanie proporcjonalne. Zamiast krajobrazu - złote tło. Jak na przykład na tej ikonie.
Guido ze Sieny. Pokłon Mędrców. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy. I nagle pojawiają się freski Giotta. Mają duże figury. Twarze szlachetnych ludzi. Stary i młody. Smutny. Smutny. Zdziwiony. Różne.
Freski Giotta w kościele Scrovegni w Padwie (1302-1305). Po lewej: Opłakiwanie Chrystusa. Środek: Pocałunek Judasza (fragment). Po prawej: Zwiastowanie św. Anny (matki Marii), fragment.
Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w Kaplicy Scrovegnich w Padwie. Kiedy ten kościół został otwarty dla parafian, wlewały się do niego tłumy ludzi. Nigdy tego nie widzieli.
W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. Tłumaczył historie biblijne na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne dla zwykłych ludzi.
Giotto. Pokłon Mędrców. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegnich w Padwie we Włoszech. To właśnie będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Lakonizm obrazów. Żywe emocje bohaterów. Realizm.
Przeczytaj więcej o freskach mistrza w artykule.
Giotto był podziwiany. Ale jego innowacja nie była dalej rozwijana. Moda na międzynarodowy gotyk dotarła do Włoch.
Dopiero po 100 latach pojawi się godny następca Giotta.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Św. Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancacci w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy. Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.
Masaccio był pierwszym artystą, który zastosował perspektywę liniową. Zaprojektował go jego przyjaciel, architekt Brunelleschi. Teraz przedstawiony świat stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawkowa to już przeszłość.
Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancacci w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy. Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.
Zamiast blokowych postaci, Giotto to pięknie zbudowani ludzie. Zupełnie jak starożytni Grecy.
Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancacci, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy. 
Masaccio. Wygnanie z Raju. 1426-1427 Fresk w Kaplicy Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy. Masaccio żył krótko. Zmarł, podobnie jak jego ojciec, niespodziewanie. W wieku 27 lat.
Miał jednak wielu naśladowców. Mistrzowie kolejnych pokoleń chodzili do Kaplicy Brancaccich, by uczyć się z jego fresków.
Tak więc innowacja Masaccia została podchwycona przez wszystkich wielkich artystów Wielkiego Renesansu.
3. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie we Włoszech. Leonardo da Vinci to jeden z tytanów renesansu. Wywarł ogromny wpływ na rozwój malarstwa.
To da Vinci sam podniósł rangę artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. To są twórcy i arystokraci ducha.
Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w portrecie.
Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Oko nie powinno błądzić od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Zwięzły. Harmonijny.
Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Czertoryskich w Krakowie. Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób na tworzenie obrazów… żywych.
Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były jasne. Wszystkie szczegóły są starannie narysowane. Namalowany rysunek nie mógłby być żywy.
Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zatarł linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego postacie wydają się być spowite ledwie wyczuwalną mgłą. Postacie ożyły.
. 1503-1519 Luwr, Paryż. Sfumato wejdzie do czynnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.
Często pojawia się opinia, że Leonardo jest oczywiście geniuszem, ale nie wiedział, jak doprowadzić cokolwiek do końca. I często nie kończył malarstwa. I wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). Ogólnie rzecz biorąc, został wrzucony do medycyny, a następnie do muzyki. Kiedyś lubił nawet sztukę serwowania.
Pomyśl jednak o sobie. 19 obrazów - a on jest największym artystą wszechczasów i narodów. A ktoś nie jest nawet bliski wielkości, pisząc 6000 płócien w ciągu życia. Oczywiście, kto ma wyższą wydajność.
Przeczytaj o najsłynniejszym obrazie mistrza w artykule.
4. Michał Anioł (1475-1564)
Daniele da Volterra. Michał Anioł (szczegóły). 1544 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale był mistrzem uniwersalnym. Podobnie jak inni jego renesansowi koledzy. Dlatego jego obrazowe dziedzictwo jest nie mniej imponujące.
Rozpoznaje się go przede wszystkim po fizycznie rozwiniętych postaciach. Przedstawił doskonałego człowieka, w którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.
Dlatego wszystkie jego postacie są tak muskularne, wytrzymałe. Nawet kobiety i starcy.
Michał Anioł. Fragmenty fresku Sądu Ostatecznego w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.
Często Michał Anioł malował postać nago. A potem dodałam ubrania na wierzchu. Aby ciało było jak najbardziej wytłoczone.
Sam namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż to kilkaset cyfr! Nie pozwolił nawet nikomu zetrzeć farby. Tak, był nietowarzyski. Miał twardy i kłótliwy charakter. Ale przede wszystkim był niezadowolony z… siebie.
Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan. Michał Anioł żył długo. Przetrwał upadek renesansu. Dla niego była to osobista tragedia. Jego późniejsze prace są pełne smutku i żalu.
Ogólnie rzecz biorąc, twórcza ścieżka Michała Anioła jest wyjątkowa. Jego wczesne prace są pochwałą ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytnej Grecji. Jak jego Dawid.
W ostatnich latach życia - to tragiczne obrazy. Celowo zgrubnie ciosany kamień. Jakby przed nami pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrz na jego „Pietę”.
Rzeźby Michała Anioła w Akademii Sztuk Pięknych we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta z Palestriny. 1555
Jak to jest możliwe? Jeden artysta przeszedł w jednym życiu wszystkie etapy sztuki od renesansu do XX wieku. Co zrobią następne pokolenia? Idź własną drogą. Wiedząc, że poprzeczka została postawiona bardzo wysoko.
5. Rafał (1483-1520)
. 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy. Rafał nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz był zawsze rozpoznawany: zarówno za życia, jak i po śmierci.
Jego postacie obdarzone są zmysłową, liryczną urodą. To on jest słusznie uważany za najpiękniejsze kobiece obrazy, jakie kiedykolwiek stworzono. Piękno zewnętrzne odzwierciedla duchowe piękno bohaterek. Ich łagodność. Ich poświęcenie.
Rafał. . 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy. Słynne słowa „Piękno zbawi świat” Fiodor Dostojewski dokładnie powiedział. To było jego ulubione zdjęcie.
Jednak zmysłowe obrazy nie są jedyną mocną stroną Rafaela. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był niezrównanym architektem w malarstwie. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że nie może być inaczej.
Rafał. szkoła ateńska. 1509-1511 Fresk w pokojach Pałacu Apostolskiego w Watykanie. Rafał żył tylko 37 lat. Zmarł nagle. Od złapanych przeziębień i błędów medycznych. Ale jego spuścizny nie da się przecenić. Wielu artystów ubóstwiało tego mistrza. I zwielokrotniali jego zmysłowe wizerunki na tysiącach swoich płócien.
Tycjan był niezrównanym kolorystą. Dużo też eksperymentował z kompozycją. Ogólnie rzecz biorąc, był odważnym innowatorem.
Za taki błyskotliwy talent wszyscy go kochali. Nazywany „królem malarzy i malarzem królów”.
Mówiąc o Tycjanie, chcę postawić wykrzyknik po każdym zdaniu. Przecież to on wniósł do malarstwa dynamikę. Patos. Entuzjazm. Jasny kolor. Blask kolorów.
Tycjanowski. Wniebowstąpienie Maryi. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari, Wenecja. Pod koniec życia wypracował niezwykłą technikę pisarską. Uderzenia są szybkie i grube. Farbę nakładano pędzlem lub palcami. Od tego - obrazy są jeszcze bardziej żywe, oddychające. A fabuły są jeszcze bardziej dynamiczne i dramatyczne.
Tycjanowski. Tarkwiniusz i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama, Cambridge, Anglia. Czy to ci czegoś nie przypomina? Oczywiście jest to technika. I technika artystów XIX wieku: Barbizon i. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, przejdzie przez 500 lat malowania w ciągu jednego życia. Dlatego jest geniuszem.
Przeczytaj o słynnym arcydziele mistrza w artykule.
Artyści renesansu są właścicielami ogromnej wiedzy. Aby zostawić taką spuściznę, trzeba było dużo się uczyć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.
Dlatego każdy z ich obrazów daje nam do myślenia. Dlaczego jest pokazany? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?
Prawie nigdy się nie mylą. Ponieważ dokładnie przemyśleli swoją przyszłą pracę. Użyli całego bagażu swojej wiedzy.
Byli kimś więcej niż artystami. Byli filozofami. Wyjaśniali nam świat poprzez malarstwo.
Dlatego zawsze będą dla nas bardzo interesujące.
