To więcej niż ładne zdjęcia, to odzwierciedlenie rzeczywistości. W pracach wielkich artystów widać, jak zmienił się świat i świadomość ludzi.

Sztuka to także próba stworzenia alternatywnej rzeczywistości, w której można ukryć się przed okropnościami swojego czasu, czy pragnieniem zmiany świata. Sztuka XX wieku słusznie zajmuje szczególne miejsce w historii. Ludzie żyjący i pracujący w tamtych czasach przeżyli przewroty społeczne, wojny i bezprecedensowy rozwój nauki; a wszystko to znalazło odcisk na ich płótnach. Artyści XX wieku brali udział w tworzeniu nowoczesnej wizji świata.

Niektóre nazwiska są nadal wymawiane z oddechem, a niektóre są niesprawiedliwie zapomniane. Ktoś miał tak kontrowersyjną drogę twórczą, że do dziś nie możemy wystawić mu jednoznacznej oceny. Niniejszy przegląd skupia się na 20 największych artystach XX wieku. Kamila Pizarra— Malarz francuski. Wybitny przedstawiciel impresjonizmu. Na twórczość artysty wpływ mieli John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Urodzony 10 lipca 1830 w Saint Thomas, zmarł 13 listopada 1903 w Paryżu.

Pustelnia w Pontoise, 1868

Pasaż operowy w Paryżu, 1898

Zachód słońca w Varengeville, 1899

Edgara Degasa - Artysta francuski, jeden z największych impresjonistów. Na twórczość Degasa prześledzono wpływ grafiki japońskiej.Urodzony 19 lipca 1834 w Paryżu, zmarł 27 września 1917 w Paryżu.

Absynt, 1876

Gwiazda, 1877

Kobieta czesząca włosy, 1885 r

Paweł Cezanne- Malarz francuski, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu. W swojej twórczości starał się ukazać harmonię i równowagę natury. Jego twórczość wywarła ogromny wpływ na światopogląd artystów XX wieku.
Urodzony 19 stycznia 1839 w Aix-en-Provence we Francji, zmarł 22 października 1906 w Aix-en-Provence.

Hazardziści, 1893

Współczesna Olimpia, 1873

Martwa natura z czaszkami, 1900 r

Claude Monet- wybitny malarz francuski. Jeden z twórców impresjonizmu. W swoich pracach Monet starał się przekazać bogactwo otaczającego go świata. Jego późny okres charakteryzuje się dekoracyjnością i
Późny okres twórczości Moneta charakteryzuje się dekoracyjnością, postępującym rozpuszczaniem się obiektywnych form w wyrafinowanych zestawieniach plam barwnych.
Urodzony 14 listopada 1840 w Paryżu, zmarł 5 grudnia 1926 w Żwernyjach.

Klif Welk w Pourville, 1882

Po obiedzie, 1873-1876

Etretat, zachód słońca, 1883

Arkhip Kuindzhi - słynny rosyjski artysta, mistrz malarstwa pejzażowego. Wcześnie stracił rodziców. Od najmłodszych lat zaczęła przejawiać się miłość do malarstwa. Praca Arkhipa Kuindzhiego wywarła ogromny wpływ na Mikołaja Roericha.
Urodzony 15 stycznia 1841 r. w Mariupolu, zmarł 11 lipca 1910 r. w Petersburgu.

„Wołga”, 1890-1895

„Północ”, 1879

„Widok Kremla z Zamoskvorechye”, 1882

Pierre Auguste Renoir – Francuski malarz, grafik, rzeźbiarz, jeden z czołowych przedstawicieli impresjonizmu. Był również znany jako mistrz portretu świeckiego. Auguste Rodin stał się pierwszym impresjonistą, który stał się popularny wśród bogatych Paryżan.
Urodzony 25 lutego 1841 w Limoges we Francji, zmarł 2 grudnia 1919 w Paryżu.

Pont des Arts w Paryżu, 1867

Bal w Moulin de la Galette, 1876

Joanna Samary, 1877

Paul Gauguin- francuski artysta, rzeźbiarz ceramiczny, grafik. Obok Paula Cezana i Vincenta van Gogha jest jednym z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu. Artysta żył w biedzie, ponieważ jego obrazy nie były poszukiwane.
Urodzony 7 czerwca 1848 w Paryżu, zmarł 8 maja 1903 na wyspie Hiva Oa w Polinezji Francuskiej.

Krajobraz bretoński, 1894

Bretońska wioska w śniegu, 1888

Czy jesteś zazdrosny? 1892

Dzień Świętych, 1894

Wasilij Kandinsky - Rosyjski i niemiecki artysta, poeta, teoretyk sztuki. Uważany za jednego z liderów awangardy I połowy XX wieku. Jeden z twórców sztuki abstrakcyjnej.
Urodzony 22 listopada 1866 w Moskwie, zmarł 13 grudnia 1944 w Neuilly-sur-Seine we Francji.

Para na koniach, 1918 r

Pstrokate życie, 1907

Moskwa 1, 1916

W kolorze szarym, 1919 r

Henri Matisse- jeden z najwybitniejszych francuskich malarzy i rzeźbiarzy. Jeden z założycieli ruchu fowistycznego. W swojej twórczości starał się przekazać emocje poprzez kolor. W swojej twórczości pozostawał pod wpływem kultury islamskiej zachodniego Maghrebu. Urodzony 31 grudnia 1869 w mieście Le Cateau, zmarł 3 listopada 1954 w mieście Cimiez.

Plac w Saint-Tropez, 1904

Zarys Notre Dame nocą, 1902 r

Kobieta w kapeluszu, 1905 r

Taniec, 1909

włoski, 1919

Portret Delektorskiej, 1934

Mikołaj Roerich- rosyjski artysta, pisarz, naukowiec, mistyk. W ciągu swojego życia namalował ponad 7000 obrazów. Jedna z najwybitniejszych postaci kultury XX wieku, założycielka ruchu „Pokój przez kulturę”.
Urodzony 27 października 1874 w Petersburgu, zmarł 13 grudnia 1947 w Kullu, Himachal Pradesh, Indie.

Goście z zagranicy, 1901

Wielki Duch Himalajów, 1923

Przesłanie z Szambali, 1933

Kuźma Pietrow-Wódkin - Rosyjski artysta, grafik, teoretyk, pisarz, pedagog. Był jednym z ideologów reorganizacji szkolnictwa artystycznego w ZSRR.
Urodzony 5 listopada 1878 r. W mieście Khvalynsk w obwodzie saratowskim, zmarł 15 lutego 1939 r. W Leningradzie.

„1918 w Piotrogrodzie”, 1920

„Bawiący się chłopcy”, 1911

Kąpiel czerwonego konia, 1912

Portret Anny Achmatowej

Kazimierz Malewicz- rosyjski artysta, twórca suprematyzmu - nurtu sztuki abstrakcyjnej, pedagog, teoretyk sztuki i filozof
Urodzony 23 lutego 1879 w Kijowie, zmarł 15 maja 1935 w Moskwie.

Odpoczynek (Towarzystwo w cylindrach), 1908

„Wieśniaczki z wiadrami”, 1912-1913

Plac Czarnych Suprematystów, 1915 r

Malarstwo suprematyczne, 1916

Na bulwarze, 1903

Pablo Picasso- hiszpański malarz, rzeźbiarz, rzeźbiarz, projektant ceramik. Jeden z twórców kubizmu. Twórczość Pabla Picassa miała znaczący wpływ na rozwój malarstwa w XX wieku. Według sondażu przeprowadzonego wśród czytelników magazynu Time
Urodzony 25 października 1881 w Maladze w Hiszpanii, zmarł 8 kwietnia 1973 w Mougins we Francji.

Dziewczyna na balu, 1905 r

Portret Ambroise'a Vallora, 1910

Trzy Gracje

Portret Olgi

Taniec, 1919

Kobieta z kwiatem, 1930 r

Amadeo Modiglianiego- włoski malarz i rzeźbiarz. Jeden z najjaśniejszych przedstawicieli ekspresjonizmu. Za życia miał tylko jedną wystawę w grudniu 1917 roku w Paryżu. Urodzony 12 lipca 1884 w Livorno we Włoszech, zmarł 24 stycznia 1920 na gruźlicę. Otrzymał światowe uznanie pośmiertnie Światowe uznanie otrzymało pośmiertnie.

Wiolonczelista, 1909

Małżonkowie, 1917

Joan Hebuterne, 1918

Krajobraz śródziemnomorski, 1918 r

Diego Rivery- Meksykański malarz, muralista, polityk. Był mężem Fridy Kahlo. Leon Trocki na krótko znalazł schronienie w ich domu.
Urodzony 8 grudnia 1886 w Guanajuato, zmarł 21 grudnia 1957 w Mexico City.

Notre Dame de Paris w deszczu, 1909 r

Kobieta przy studni, 1913 r

Związek Chłopów i Robotników, 1924

Przemysł Detroit, 1932

Marca Chagalla- rosyjski i francuski malarz, grafik, ilustrator, artysta teatralny. Jeden z najwybitniejszych przedstawicieli awangardy.
Urodzony 24 czerwca 1887 r. W mieście Liozno w obwodzie mohylewskim, zmarł 28 marca 1985 r. W Saint-Paul-de-Provence.

Anyuta (Portret siostry), 1910

Panna młoda z wachlarzem, 1911 r

Ja i wieś, 1911

Adam i Ewa, 1912

Marek Rothko(obecny Mark Rotkovich) to amerykański artysta, jeden z twórców ekspresjonizmu abstrakcyjnego i twórca malarstwa kolorowego.
Pierwsze prace artysty powstały w duchu realizmu, jednak w połowie lat 40. Mark Rothko zwrócił się ku surrealizmowi. Do 1947 roku następuje najważniejszy punkt zwrotny w twórczości Marka Rothko, tworzy on własny styl – ekspresjonizm abstrakcyjny, w którym odchodzi od elementów obiektywnych.
Urodzony 25 września 1903 r. w Dźwińsku (obecnie Daugavpils), zmarł 25 lutego 1970 r. w Nowym Jorku.

Nieuprawny

Numer 7 lub 11

pomarańczowy i żółty

Salvador Dali- malarz, grafik, rzeźbiarz, pisarz, projektant, reżyser. Być może najsłynniejszy przedstawiciel surrealizmu i jeden z najwybitniejszych artystów XX wieku.
Zaprojektowany przez Chupa-Chups.
Urodzony 11 maja 1904 w Figueres w Hiszpanii, zmarł 23 stycznia 1989 w Hiszpanii.

Kuszenie świętego Antoniego, 1946

Ostatnia wieczerza, 1955

Kobieta z głową z róż, 1935

Moja żona Gala, naga, patrząca na swoje ciało, 1945 r

Frida Kahlo - Meksykański artysta i grafik, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli surrealizmu.
Frida Kahlo zaczęła malować po wypadku samochodowym, w wyniku którego przez rok była przykuta do łóżka.
Była żoną słynnego meksykańskiego komunistycznego artysty Diego Rivery. Leon Trocki na krótko znalazł schronienie w ich domu.
Urodzony 6 lipca 1907 w Coyoacan w Meksyku, zmarł 13 lipca 1954 w Coyoacan.

Uścisk uniwersalnej miłości, Ziemia, ja, Diego i Coatl, 1949

Mojżesz (rdzeń stworzenia), 1945

Dwie Fridy, 1939

Andy'ego Warhole'a(prawdziwy Andrey Varhola) – amerykański artysta, projektant, reżyser, producent, wydawca, scenarzysta, kolekcjoner. Twórca pop-artu, jest jedną z najbardziej kontrowersyjnych postaci w historii kultury. Na podstawie życia artysty nakręcono kilka filmów.
Urodzony 6 sierpnia 1928 w Pittsburghu w Pensylwanii, zmarł w 1963 w Nowym Jorku.

Malarstwo niemieckie rozpoczęło swój rozwój we wczesnym średniowieczu pod wpływem sztuki klasycznej starożytnego Rzymu i Bizancjum.

W okresie dominacji gotyku malarstwo przekształciło się w malowanie szyb okiennych i przez długi czas było ściśle związane z architekturą.

Malarstwo nabiera nowego kierunku w XV wieku pod wpływem szkoły flamandzkiej, znakomicie rozwiniętej dzięki braciom van Eyck.

Michael Wolgemuth jest uznawany za pierwszego znaczącego mistrza Niemiec. Rzemiosła nauczył się prawdopodobnie z dzieł malarzy flamandzkich. W jego warsztacie uczył się w latach 1486-89 Albrecht Dürer, który później stał się największym artystą niemieckim. Prawdziwa wielkość renesansu przejawia się w jego obrazach.

Równolegle z Dürerem pracował największy artysta - Mathis Nithardt, nazywany Grunewaldem. Bogactwo barwne jego malarstwa należy również do najwyższych osiągnięć narodowej kultury artystycznej.

Na dalszy rozwój malarstwa wpłynęła twórczość wybitnego portrecisty, mistrza scen mitologicznych i religijnych, Lucasa Cranacha Starszego, który odznacza się wirtuozowskim kunsztem zdobniczych rozwiązań i subtelnym wyczuciem pejzażu.

Jego wpływ wpłynął na twórczość całej galaktyki artystów, w których malarstwie i grafice ważną rolę odgrywał pejzaż, znanych jako „szkoła naddunajska”.

Najwybitniejszym przedstawicielem naddunajskiej szkoły malarstwa jest Albrecht Altdorfer.

w XVII wieku artyści niemieccy, zapożyczając ideały klasycyzmu z innych szkół narodowych i starając się je zachować, otwierają własną Akademię Sztuk Pięknych. Przed jego odkryciem w 1694 r. niemieccy artyści musieli podróżować za granicę do Flandrii, Włoch i Holandii, aby odbyć profesjonalne szkolenie. Dlatego wpływ tych szkół narodowych na twórczość malarzy niemieckich jest tak zauważalny.

Najzdolniejsi artyści starali się bronić swojej oryginalności, choć nie potrafili całkowicie zrezygnować z cudzych wzorców. Niemieccy artyści XVII wieku stali się swego rodzaju prorokami w obcym kraju. W samych Niemczech narodowe talenty nie były doceniane ani wspierane, artysta znajdował się w upokarzającej, zależnej pozycji. Cechą charakterystyczną sztuki niemieckiej XVII wieku jako całości jest niekonsekwencja, przede wszystkim zauważona w twórczości Joachima von Sandrarta.

W XVIII wieku narodowe style malarskie w Niemczech zaczęły rozwijać się równolegle w różnych landach niemieckich. Bawaria stała się jednym z głównych ośrodków sztuki. We wczesnym okresie rozwój malarstwa narodowego przebiegał w ramach baroku, później zbliżył się do stylów rokoka i klasycyzmu.Większy wpływ na malarstwo antyczne miał Anton Raphael Mengs, najważniejszy niemiecki malarz epoki klasycyzmu. XVIII wiek i późniejsze malarstwo.

Pierwszym oryginalnym i narodowym w poczuciu artystą niemieckim nowej epoki był pochodzący z Gdańska Daniel Chodowiecki, jeden z głównych przedstawicieli oświeceniowego realizmu.

W drugiej połowie XIX wieku artyści, zawiedzeni zarówno realizmem, jak i naśladownictwem dawnych mistrzów, poszukiwali nowych tematów i sposobów ich realizacji.

Carl Blechen stał się znany jako jeden z pierwszych niemieckich artystów „industrialnych”, którzy śpiewali o wschodzącej potędze przemysłowej.

Największym mistrzem połowy XIX wieku był berliński malarz i grafik Adolf von Menzel.

Ceniony za trafne i jednocześnie malownicze widoki miast XIX wieku autorstwa Johanna Philippa Eduarda Gärtnera.

Pod koniec XIX i na początku XX wieku pojawił się jasny talent słynnego niemieckiego impresjonisty Lesser Uri.

Ernst Ludwig Kirchner wszedł do historii malarstwa jako twórca jednego z najbardziej znaczących zjawisk w życiu artystycznym początku XX wieku – ekspresjonizmu.

W naszym sklepie internetowym możesz kupić reprodukcje obrazów niemieckich malarzy.

„Gracze w karty”

Autor

Paweł Cezanne

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale zaczął malować w Paryżu. Prawdziwy sukces przyniósł mu indywidualna wystawa zorganizowana przez kolekcjonera Ambroise'a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na peryferie rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wyjazdy do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97 cm
1895
Cena £
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne'a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie tematu lub fabuły na płótno, dzięki czemu jego obrazy nie powodują oszołomienia widza. Cezanne łączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowej faktury nadawał formom przedmiotów niezwykłą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890-1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób entuzjastycznie gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji Grecki miliarder armator George Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, postanowił wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowej” pracy Cezanne'a byli marszand William Aquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, który zaoferował za nią około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Kataru za 250 mln. Największa transakcja na sztukę w historii malarstwa została zamknięta w lutym 2012 roku. Zostało to zgłoszone Vanity Fair przez dziennikarkę Alexandrę Pierce. Poznała koszt obrazu i nazwisko nowego właściciela, a następnie informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Muzeum Narodowe Kataru. Teraz ich kolekcje się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję The Card Players.

Najbardziejdrogie zdjęciena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, które z miejsca uczyniły Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten niewielki kraj odnotował największy PKB per capita. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani przejął władzę w 1995 roku, kiedy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zasługą obecnego władcy, zdaniem ekspertów, jest jasna strategia rozwoju kraju, kreowanie udanego wizerunku państwa. Katar ma już konstytucję i premiera, a kobiety uzyskały prawo głosu w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al Jazeera. Władze państwa arabskiego przykładają dużą wagę do kultury.

2

"Numer 5"

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler - taki przydomek Pollock został nadany przez amerykańską publiczność za jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a farbę wylewał na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich. Od najmłodszych lat lubił filozofię Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244 cm
1948
Cena £
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby’s

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Autor nieprzypadkowo nazwał swoją sztukę „action painting”. Z jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock mieszał farbę z piaskiem, potłuczonym szkłem i pisał kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem, łopatą. Artysta był tak popularny, że w latach 50. w ZSRR byli nawet naśladowcy. Obraz „Numer 5” jest uznawany za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, aw 2006 roku sprzedał w Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak kancelaria wkrótce wydała komunikat prasowy w imieniu swojego klienta, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście niedawno kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przegapił tak „grubą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się indywidualna wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe, czarno-białe kompozycje, rozpoznając w ich autorze wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość z tworzenia nowej sztuki czuć w każdym dziele. De Kooning wyróżnia się impulsywnością malowania, szerokimi pociągnięciami, dlatego czasem obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171 cm
1953
Cena £
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiają się kobiety z pustymi oczami, masywnymi piersiami i brzydkimi rysami. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu biorącą udział w aukcji.

Od lat 70. obraz znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, ale po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych starano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stephenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął sprzedawać swoją kolekcję obrazów. Zrodziło to wiele plotek: na przykład, że producent postanowił kupić Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych wyrażono opinię o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu Leonarda da Vinci „Dama z gronostajem”. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną sylwetką bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym również słabo wytyczona korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustawa Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzech synów Ernesta Klimta zostało artystami, a tylko Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca był odpowiedzialny za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Przed jego obrazami każdy widz zamarza: pod cienkimi pociągnięciami złota wyraźnie widać szczery erotyzm.

138x136 cm
1907
Cena £
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby’s

Losy obrazu, który nosi miano „austriackiej Mony Lisy”, z łatwością mogłyby stać się kanwą bestsellera. Dzieło artysty stało się przyczyną konfliktu całego państwa i jednej starszej pani.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratkę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnią wolą było przeniesienie obrazu do Austriackiej Galerii Państwowej. Jednak Bloch w testamencie anulował darowiznę, a naziści wywłaszczyli obraz. Później galeria ledwie wykupiła Złotą Adele, ale wtedy pojawiła się spadkobierczyni – Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Maria Altman przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego obraz „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe środki: wynegocjowano pożyczki, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili procesu miała 79 lat, a do historii przeszła jako osoba, która zmieniła wolę Blocha-Bauera na rzecz dobra osobistego. Obraz zakupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edvard Munch

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który stał się sławny na całym świecie, „Chora dziewczyna” (występuje w pięciu egzemplarzach) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo przygnębiających wątków, jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weź przynajmniej „Krzyk”.

73,5x91 cm
1895
Cena £
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby’s

Pełna nazwa obrazu to Der Schrei der Natur (przetłumaczona z niemieckiego jako „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę - widz doświadcza tych samych emocji, patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył ją pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i był gotowy do ponownego pokazania w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię swoich odbitek-kopii, a maska ​​​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Dla jednej fabuły Munch napisał cztery wersje dzieła: ta w prywatnej kolekcji jest wykonana w pastelach. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 roku. Nabywcą został Leon Black, który na „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Museum of Modern Art, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów współczesnych artystów i klasycznych mistrzów minionych wieków.

6

"Akt na tle popiersia i zielonych liści"

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania to prawdziwy Francuz. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie wyjechał do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku jest podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu opinii, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162 cm
1932
Cena £
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie's

Podczas pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu, przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu uznanie znalazło bohatera, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która, jak zawsze u Picassa, trwała krótko. W 1927 roku zainteresował się młodą Marie-Therese Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Obraz został zakupiony przez nowojorskiego dealera Paula Rosenberga i sprzedany w 1951 roku Sidneyowi F. Brody'emu. Państwo Brody pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta miał 80 lat. Po śmierci męża pani Brody wystawiła dzieło na aukcję w Christie's w marcu 2010 roku. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie ujrzał on światło dzienne po raz drugi, ale nazwisko właściciela wciąż nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy'ego Warhole'a

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których musisz pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop, reżyser i jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla I.Millera. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208 cm
1963
Cena £
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola - tak zwana era pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w Factory Studio, gdzie zebrała się cała bohema Nowego Jorku. Jego najjaśniejsi przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol wypróbował technikę sitodruku - wielokrotne powtórzenia jednego obrazu. Metodę tę zastosował również przy tworzeniu „Osiem Elvisów”: widz zdaje się widzieć kadry z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wszyscy wygrywają, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główny przekaz.

Dziś na światowym rynku jest dwóch marszandów promujących dzieła Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Pierwszy w 2008 roku wydał 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tylko drożej. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant sztuki Philippe Segalo pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać Osiem Elvisów nieznanemu nabywcy za rekordowe 100 milionów dolarów Warhola.

8

"Pomarańczowy,Czerwony żółty"

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dźwińsku w Rosji (obecnie Daugavpils na Łotwie), w wielodzietnej rodzinie żydowskiego aptekarza. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale sztuki Uniwersytetu Yale, uzyskał stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki ubóstwiali artystę, a muzea ścigały go przez całe życie.

206x236 cm
1961
Cena £
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie's

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothko miały orientację surrealistyczną, z czasem jednak uprościł fabułę do barwnych plam, pozbawiając je jakiejkolwiek obiektywności. Początkowo miały jasne barwy, w latach 60. wypełniły się brązem, purpurą, gęstniejącą do czerni do czasu śmierci artysty. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się sensu w swoich obrazach. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor, który rozpuszcza się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, tak aby widz został „wciągnięty” w kolor jak do lejka. Uwaga: oglądanie zgodnie ze wszystkimi zasadami może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowo przychodzi świadomość nieskończoności, całkowite zanurzenie w sobie, odprężenie, oczyszczenie. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i silnie oddziałuje emocjonalnie (czasami mówi się, że leczy). Artysta mówił: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i rzeczywiście zdarzały się takie przypadki. Zgodnie z teorią Rothko, w tym momencie ludzie przeżywają to samo doświadczenie duchowe, które miał on podczas pracy nad obrazem. Jeśli udało ci się to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie dziw się, że te dzieła abstrakcjonizmu są często porównywane przez krytyków z ikonami.

Praca „Pomarańczowy, czerwony, żółty” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowy koszt na aukcji Christie's w Nowym Jorku to 35-45 milionów dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwa razy wyższą od szacunkowej. Nazwiska szczęśliwego posiadacza obrazu, jak to często bywa, nie ujawniono.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Zjednoczone Królestwo
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, pełnego imiennika, a ponadto dalekiego potomka wielkiego filozofa, zaczęły się, gdy jego ojciec wyparł się go, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego ślady są zagmatwane w całej Europie. Jeszcze za jego życia jego prace były wystawiane w czołowych ośrodkach kultury świata, w tym w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
Cena £
86,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s

Prestiżowe muzea zabiegały o posiadanie obrazów Bacona, ale prymitywna angielska publiczność nie spieszyła się z wydawaniem takich dzieł. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Za początkowy okres w swojej twórczości artysta sam uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył główne arcydzieła. Przed udziałem w aukcji „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W "Tryptyku, 1976" artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a furie to jego męki. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w zbiorach prywatnych i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale co to jest kilka milionów dla konesera sztuki, a nawet hojny po rosyjsku? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90., na co znaczący wpływ miała jego dziewczyna Dasha Zhukova, która stała się właścicielką modnej galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen jest w posiadaniu dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, kupionych za kwoty przekraczające 100 mln dolarów. W 2008 roku został właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejną cenną pracę Bacona - „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadievich.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich płótnach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Śniadanie na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża iw plenerze. W Paryżu prowadził cygański tryb życia i nie opuszczał go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100 cm
1919
Cena £
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także entuzjastycznie zaangażowany w ogrodnictwo, uwielbiał dziką przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, przedmioty wydają się rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże pociągnięcia, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazie zmarłego Moneta szczególne miejsce zajmuje temat wody i życia w niej. W miasteczku Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych przez niego z Japonii. Kiedy ich kwiaty zakwitły, zaczął malować. Cykl Lilie wodne to 60 prac, które artysta malował przez prawie 30 lat, aż do śmierci. Jego wzrok pogarszał się z wiekiem, ale nie przestawał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody widok stawu ciągle się zmieniał, a Monet chciał uchwycić te zmiany. Dzięki starannej pracy przyszło mu zrozumienie istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: National Museum of Western Art (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda t

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 roku Jones wstąpił do szkoły projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi jest uznawany za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
Cena £
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp, Jones pracował z prawdziwymi przedmiotami, przedstawiając je na płótnie iw rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał przedmioty proste i zrozumiałe dla każdego: butelkę piwa, flagę czy mapy. Na obrazie False Start nie ma wyraźnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” podpisując kolory na obrazie, wywracając samo pojęcie koloru do góry nogami: „Chciałem znaleźć sposób na zobrazowanie koloru, aby mógł być określony przez jakiś metoda." Jego najbardziej wybuchowy i „niepewny”, zdaniem krytyków, obraz nabył nieznany nabywca.

12

„Siedzącnagina kanapie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani często chorował od dzieciństwa, podczas gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysty. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, aw 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka kwitła.

65x100 cm
1917
Cena £
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Sotheby’s

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a później żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnią płytą przed sprzedażą Siedzącego nago na sofie w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksymalną w tej chwili cenę za Modiglianiego. Aktywna sprzedaż prac rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w nędzy, chorując na gruźlicę, a następnego dnia samobójstwo popełniła także Jeanne Hebuterne, która była w dziewiątym miesiącu ciąży.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua

Zainteresowanie kaligrafią skłoniło Qi Baishi do malowania. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuan. Ministerstwo Kultury Chin nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, w 1956 otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

10x26 cm
1946
Cena £
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Chiński strażnik

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i to jest jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do twojego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” jest uznawana za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za którą kupiono produkt, jest rekordowa - 425,5 miliona juanów. Tylko zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-# 1”

Autor

Clifforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedził Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i był rozczarowany. Później zapisał się na kurs studenckiej ligi artystycznej, ale wyszedł po 45 minutach od rozpoczęcia zajęć – okazało się, że to „nie jego”. Pierwsza indywidualna wystawa wywołała rezonans, w którym artysta się odnalazł, a wraz z nim uznanie

79x93 cm
1949
Cena £
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby’s

Wszystkie jego prace, czyli ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, wciąż zapisał amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum jego imienia. Denver stało się takim miastem, ale tylko budowa była kosztowna dla władz, a cztery prace wystawiono na aukcję, aby je ukończyć. Prace Stilla prawdopodobnie nigdy więcej nie trafią na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-No.1” sprzedał się za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż maksymalnie na 25-35 milionów dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, a następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (z łac. „dominacja”).

71x88,5 cm
1916
Cena £
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s

Obraz był przechowywany w muzeum miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, ale po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, co Manifest suprematyzmu, więc Sotheby's jeszcze przed aukcją ogłosił, że nie trafi do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli kolejną „kompozycję suprematystyczną” z Muzeum MoMA, aby sprzedać ją w Phillips za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paul Gauguin

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, potem wrócił z rodziną do Francji, ale wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować, przyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, dopóki Van Gogh nie odciął mu ucha podczas kłótni.

93,4x60,4 cm
1902
Cena £
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby’s

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby wykorzystać dochody na wyprawę w głąb wyspy Tahiti. Tam tworzył prace, w których wyczuwa się subtelny związek między naturą a człowiekiem. Gauguin mieszkał w chacie krytej strzechą, a na jego płótnach kwitł tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitian Tehura, co nie przeszkodziło artyście w angażowaniu się w rozwiązłość. Zarażony syfilisem wyjechał do Francji. Jednak Gauguinowi było tam ciasno i wrócił na Tahiti. Ten okres nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

„Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl fowizm

W 1889 roku Henri Matisse miał atak zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy doszedł do siebie po operacji, mama kupiła mu farby. Najpierw z nudów Matisse kopiował kolorowe pocztówki, potem dzieła wielkich malarzy, których widział w Luwrze, a na początku XX wieku wymyślił styl - fowizm.

65,2x81 cm
1911
Cena £
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie's

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas należał do Yves Saint Laurent. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre'a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie's. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast płótna. Jako przykład fowizmu jest wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze znanej serii obrazów na obrusach, dziś ta praca jako jedyna znajduje się w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyaZawietrzny

chtenstein

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 Liechtenstein otrzymał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność ironizowania uczyniły z niego kultowego artystę ubiegłego wieku.

91x91 cm
1964
Cena £
44,882 miliona dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby’s

Kiedyś guma do żucia wpadła w ręce Liechtensteinu. Przerysował obraz z wkładki na płótnie i stał się sławny. Ta fabuła z jego biografii zawiera całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, aw opakowaniu po gumie jest nie mniej piękna niż w Monie Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i kreskówki: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Jego prawdziwe imię – Cornelis – artysta zmienił na Mondrian, kiedy przeprowadził się do Paryża w 1912 roku. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet został nazwany na cześć Mondriana.

27x127 cm
1944
Cena £
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby’s

Najbardziej „muzykalny” z artystów XX wieku utrzymywał się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta neoplastyczny. W latach czterdziestych przeniósł się do USA i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork – to go inspirowało najbardziej! Obraz „Zwycięstwo. Boogie Woogie jest tego najlepszym przykładem. „Markowe” zgrabne kwadraty uzyskano dzięki zastosowaniu taśmy samoprzylepnej – ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wyprodukował słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużym kolorowym nadrukiem w kratę.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

WasilijKandyński

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z władzami sowieckimi, ale szybko zorientował się, że prawa proletariatu nie zostały stworzone dla niego i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190 cm
1911
Cena £
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby’s

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. Podczas nazizmu w Niemczech jego obrazy zostały sklasyfikowane jako „sztuka zdegenerowana” i nigdzie nie były wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsze powstało w 1910 r., ostatnie w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” brzmiało dla mnie jak modlitwa” – powiedział artysta. W przeciwieństwie do wielu wyznawców zaplanował, co przedstawi na wielkim płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernanda Legera

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Leger otrzymał wykształcenie architektoniczne, a następnie był studentem Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu. Artysta uważał się za następcę Cezanne'a, był apologetą kubizmu, aw XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5x129,5 cm
1912–1913
Cena £
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s

David Normann, prezes Sotheby's International Impressionism and Modernism, uważa, że ​​ogromna suma zapłacona za The Lady in Blue jest całkowicie uzasadniona. Obraz należy do słynnej kolekcji Legera (artysta namalował trzy obrazy na jednej działce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych - red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej postaci. Sam autor przekazał tę pracę do galerii Der Sturm, potem trafiła do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwikaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią przełomową. Lokalne władze oskarżyły go jednak o przywiązanie do „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121 cm
1913
Cena £
38,096 mln USD
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie's

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspirował go zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie, sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku, niepokój artysty jest szczególnie dotkliwy: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki - pełne wdzięku i niebezpieczne. Była ostatnią pracą ze słynnej serii, sprzedaną na aukcji, reszta jest przechowywana w muzeach. W 1937 r. naziści brutalnie potraktowali Kirchnera: 639 jego prac zostało skonfiskowanych z niemieckich galerii, zniszczonych lub sprzedanych za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Spoczynkowytancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od tego, że pracował jako kopista w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” iw końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchoniewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59 cm
1879
Cena £
37,043 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedział Degas. Sceny z życia tancerek wydają się być podglądane: dziewczyny nie pozują dla artysty, ale po prostu stają się częścią atmosfery uchwyconej spojrzeniem Degasa. Resting Dancer sprzedano za 28 milionów dolarów w 1999 roku, a niespełna 10 lat później zostało kupione za 37 milionów dolarów - dziś jest to najdroższe dzieło artysty, jakie kiedykolwiek zostało wystawione na aukcję. Degas przywiązywał dużą wagę do oprawek, sam je projektował i zabraniał ich zmieniać. Zastanawiam się jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Obraz"

Autor

Juana Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiadał się po stronie republikanów. W 1937 r. uciekł przed władzą faszystowską do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro maluje obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115 cm
1927
Cena £
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby’s

Drugie imię obrazu to „Niebieska gwiazda”. Artysta napisał ją w tym samym roku, kiedy ogłosił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie kpił z płócien, rysując farbę paznokciami, przyklejając pióra do płótna, zasypując dzieło śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, ale poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit - surrealistyczną abstrakcję. Jego „Malarstwo” nawiązuje do cyklu „obrazów-snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech kupców, ale jeden telefon incognito rozstrzygnął spór, a „Obraz” stał się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yves Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złocenia ram, buddyzm zen i wiele więcej. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16 cm
1960
Cena £
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie's

Pierwsza wystawa jednolicie żółtych, pomarańczowych, różowych prac nie wzbudziła zainteresowania opinii publicznej. Klein obraził się i następnym razem zaprezentował 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Opatentował nawet tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „International Klein Blue”. Artysta sprzedawał też pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na deszcz, podpalając tekturę, wykonując odbitki ludzkiego ciała na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem najlepiej jak mogłem. Do stworzenia "Błękitnej róży" użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyków i naturalnej gąbki.

26

„Szukam Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Kraj Zjednoczone Królestwo
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał przedrostek „alma” do swojego nazwiska, aby pojawiać się jako pierwszy w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy były tak poszukiwane, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
Cena £
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby’s

Głównym tematem prac Alma-Tadema była starożytność. Na obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu zaangażował się nawet w wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, aw swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrze tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego opowieści mitologiczne. Artysta był bardzo poszukiwany za życia, ale po śmierci szybko został zapomniany. Teraz zainteresowanie odżywa, o czym świadczy koszt obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, siedmiokrotnie wyższy niż szacowany przedsprzedaż.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Zjednoczone Królestwo
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
Cena £
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's

Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je jeszcze drożej. „Uchwytuję krzyki duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane iz powodzeniem sprzedawane, że eksperci mieli wątpliwości: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret śpiącego nagiego urzędnika”, według The Sun, został nabyty przez konesera piękna i miliardera Romana Abramowicza.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył School of Arts and Crafts. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł w krąg najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Legera, współpracował także z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100 cm
1913
Cena £
28,642 miliona dolarów
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie's

Gris, jak sam mówi, zajmował się „planarną, kolorową architekturą”. Jego obrazy są dokładnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co sprawia, że ​​twórczość związana jest z geometrią. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze kubistyczne dzieło, Tribute to Picasso. Obraz „Skrzypce i gitara” jest uznawany za wybitny w twórczości artysty. Za życia Gris był znany, faworyzowany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace wystawiane są w największych muzeach świata oraz znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda »

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja”, powiedział Dali, kiedy został wyrzucony z grupy surrealistów. Z czasem stał się najsłynniejszym surrealistą. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. Na przykład to on wymyślił opakowanie dla Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
Cena £
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby’s

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali odwiedzić wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Obraz „Portret Paula Eluarda” został namalowany właśnie podczas tej historycznej wizyty. „Czułem, że powierzono mi obowiązek uchwycenia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony na myśl o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marca Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Mojsze Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych tamtej epoki. W latach 30., gdy władzę przejęli naziści, z pomocą konsula amerykańskiego wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji wrócił dopiero w 1948 roku.

80x103 cm
1923
Cena £
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 roku
na aukcji Sotheby's

Obraz „Jubileusz” jest uznawany za jedno z najlepszych dzieł artysty. Ma wszystkie cechy jego dzieła: prawa fizyczne świata są wymazane, klimat bajki zachowany w scenerii drobnomieszczańskiego życia, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie rysował ludzi z natury, a jedynie z pamięci lub fantazji. Obraz „Jubileusz” przedstawia samego artystę z żoną Belą. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, nowojorskie Museum of Modern Art MoMA przechowuje dokładnie to samo, tylko pod nazwą „Birthday”. Nawiasem mówiąc, napisano to wcześniej - w 1915 r.

projekt przygotowany
Tatiana Pałasowa
ocena skompilowana
zgodnie z listą www.art-spb.ru
magazyn tmn №13 (maj-czerwiec 2013)

La douleur passe, la beauté reste (c) Pierre-Auguste Renoir

Karola Gustawa Carusa(01.03.1789-1869) - jeden z największych przedstawicieli niemieckiego krajobrazu romantycznego.
Pochodzący z Lipska Carl Gustav otrzymał doskonałe wykształcenie, najpierw w szkole, a następnie na uniwersytecie w Lipsku. Malarstwo towarzyszyło mu od najmłodszych lat, mimo to Carus wybrał jako swój zawód ginekologię i położnictwo. W Dreźnie został profesorem na oddziale położnictwa, a klinika uniwersytecka nosi teraz jego imię.
Sam Carus miał „filozofujące” podejście do sztuki w znacznie większym stopniu niż którykolwiek z pejzażystów tamtej epoki. Carus nie był z wykształcenia artystą i do malarstwa doszedł z ugruntowanych już poglądów naukowych i filozoficznych. Znany drezdeński przyrodnik, myśliciel i lekarz, podobnie jak wielu wybitnych ludzi tamtych czasów, posiadał duchowy uniwersalizm, który pozwalał mu zwracać się ku różnym rodzajom działalności - nauce, sztuce, literaturze - i wypowiadać się w każdym z nich.
Świetnym przykładem takiego uniwersalizmu był wówczas Goethe, który łączył poetę, artystę i naukowca. Ale sam Goethe napisał do Carusa w jednym ze swoich listów: „Naprawdę, w swojej działalności łączysz tak wiele cech osobowości, zdolności, umiejętności, których głębokie żywe połączenie jest zaskakujące”. Ich przyjaźń i komunikacja naukowa, która rozpoczęła się, gdy Carus był jeszcze młodym profesorem położnictwa w Dreźnie, trwała aż do śmierci Goethego. Jak wiadomo, scalanie, wzbogacające przenikanie się sztuki i nauki, było nie mniej charakterystyczne dla epoki romantyzmu niż przekształcenie sztuki w baśń, mit, fantazję. Romantyczna filozofia przyrody wywróciła ideę wszechświata do góry nogami, nadała wszystkiemu nowe, inspirujące uzasadnienie – a w oczach romantyków, konkretne nauki przyrodnicze napełniły się nowym, tajemniczym, a nawet poetyckim znaczeniem. Poeta Novalis zajmował się strukturą skał, artysta Runge zajmował się fizyczną teorią koloru, Carus, w związku ze swoimi zadaniami malarskimi, zajął się naukowym badaniem zjawisk atmosferycznych, prawami powstawania i struktury chmur . ..
Romantyczny światopogląd postawił naturę i człowieka twarzą w twarz, widząc zarówno w przejawie jednej, jak i nieskończonej zasady duchowej. Zdaniem romantyków duch, który żyje nieświadomie twórczym życiem w przyrodzie, dając początek całej rozmaitości jej form, objawia się w człowieku jako świadomość, różnorodność uczuć, myśli i działań. Człowiek czuje w przyrodzie byt związany z sobą, poznaje go i wyraża – zarówno w nauce, jak iw sztuce; duchowa esencja osoby ma tendencję do łączenia się z duchową esencją świata. Dlatego nie bez powodu przyrodnik i artysta w tamtej epoce tak się do siebie zbliżyli, a pejzaż stał się najbardziej owocnym kierunkiem sztuki romantycznej w Niemczech.
Carus, w duchu filozofii romantycznej, tak określał stosunek sztuki do nauki: nauka poznaje części, sztuka podlega duchowi całości, ponieważ w sztuce sam człowiek jest po części porównywany do nieświadomie twórczej natury. Prawda tkwi w ich połączeniu. Dane naukowe nabierają ostatecznego znaczenia w całościowym wyrazie artystycznym, a sztuka, jeśli spełnia swój cel, musi opierać się na głębokiej wiedzy naukowej. To połączenie zdeterminowało romantyczną osobowość Karusa.
Jak już wspomniano, Carus nie studiował malarstwa, był samoukiem. Jego pierwsze prace są bezpośrednio związane z jego badaniami naukowymi – są to pracownie anatomiczne i botaniczne. I dopiero stopniowo pojawia się zainteresowanie krajobrazem. Ale Carus naprawdę odnalazł się w sztuce, kiedy przeniósł się z Lipska, gdzie ukończył uniwersytet, do Drezna i poznał Caspara Davida Friedricha (w 1817 r.). Friedrich jako pierwszy odkrył specyficzny język romantycznego krajobrazu. Prawdopodobnie jego obrazów nie można nazwać pejzażami w tradycyjnym znaczeniu tego słowa, w którym ten gatunek powstał i istniał przed nim w sztuce europejskiej. Nie jest to obraz terenu - rzeczywisty czy idealny - ale w języku romantyzmu filozoficzna, duchowa kontemplacja w formach widzialnej natury. Carus znalazł określenie dla tego nowego rodzaju sztuki – zaproponował nazwanie go nie pejzażem, ale „obrazem życia ziemi”. Tak głęboko zaakceptował zasady sztuki Friedricha, że ​​wciąż istnieją wątpliwości co do niektórych obrazów - należą one do „nauczyciela” lub „ucznia”.
Zafascynowany Friedrichem, w jego ślady Carus wyruszył w 1819 roku w podróż na wyspę Rugię, gdzie podobnie jak Fryderyk malował pejzaże morskie. Morze i niebo na tych płótnach służą artyście, jakby chciały dać wyobrażenie o nieskończoności natury. Na obrazie „Surfowanie na Rugii” pokazany jest tylko wąski pas skalistego brzegu i duże, monotonnie falujące aż po horyzont fale. Krajobraz uderza swoją majestatyczną dezercją; artysta chciał oddać naturę wielkiego, potężnego i głuchego, takiego, jaki jest sam w sobie, a nie taki, jaki jest zwykle postrzegany i dostosowywany do jego potrzeb przez bezrefleksyjnego człowieka. W obrazie „Księżycowa noc na Rugii” artysta usuwa także ostatnią podporę – wybrzeże; morze widzimy tak, jak człowiek w ogóle go nie widzi – pośrodku wodnej pustyni, z góry, jak przelatujące obok mewy; i nie możemy oderwać oczu od oświetlonych księżycem falistych zmarszczek pod nami. Artysta wpatruje się w nieskończony element natury z uwagą i oczekiwaniem, tak jak zaglądałby w twarz człowieka.
O tym, że obdarzona duchem natura, podobnie jak człowiek, może mieć swój własny „wyraz”, zgodny z ludzkimi uczuciami, to przekonanie wyraził Carus w swojej pracy teoretyczno-filozoficznej „Dziewięć listów o malarstwie pejzażowym”. Takie wyrażenia - smutek, spokój, odnowa itp. - nadają obrazowi natury porę dnia, porę roku. Wrażliwość artysty romantycznego, przekonanego o wewnętrznym związku natury z człowiekiem, widzi w pewnym zestawieniu motywów naturalnych nie przypadek, lecz symbole stanu duchowego. Przesiąknięci takim nastawieniem zrozumiemy np. myśl artysty na obrazie „Cmentarz klasztoru Oybin” (1828): ruiny cerkwi, groby pod śniegiem – to rozkład, odrętwienie, niebyt; potężne zielone jodły wznoszące się w centrum kompozycji - przeczucie nadchodzącego ożywienia.

W twórczości Carusa znajduje się wiele obrazów bezpośrednio poświęconych tematowi duchowego pokrewieństwa i cichego, tajemnego dialogu między człowiekiem a naturą. Na tych obrazach człowiek nie jest naturalnie umiejscowiony na łonie natury, jak sztafaż w klasycznym pejzażu. Zawsze jest poza nią, patrzy na nią z okna, z otworu, z tarasu, ale z pejzażem łączy się w inny sposób - empatią, wspólnym stanem duchowym. Taka jest „Dama na tarasie” (1824), wpatrująca się w niebieskawą dal świtu. To jeden z najsłynniejszych obrazów Karusa „Przeprawa barką przez Łabę” (1827). Z ciemnej przestrzeni zadaszonej barki, oczami siedzącej tu młodej, dobrze ubranej dziewczyny, patrzymy na rzekę i rozświetlający się w oddali krajobraz na przeciwległym brzegu, z sylwetką Drezna i przepojona stanem radosnego oczekiwania, pędem z ciemności do światła, z codzienności do cudu. I wreszcie jeden z najdziwniejszych obrazów Carusa - "Taras Brühla w Dreźnie" (1830). Zmierzch. Mokra mgła. Z samej mgły, niczym cudowna wizja, wyłania się spiczasta sylwetka drezdeńskiego Hofkirche. Na pierwszym planie, w pobliżu parapetu tarasu, figury włóczęgów lub wędrowców: siedzący jak w oszołomieniu zgarbiony starzec z dzieckiem przyciśniętym do kolan, u ich stóp leży pies. Człowiek śni, a miasto tonie we mgle, jak we śnie. O tej godzinie zdają się zlewać ze sobą w nieznanej nikomu cichej rozmowie, pełnej tajemnego znaczenia.
W obraz Karusa wpleciony jest szczególny motyw, motyw sztuki, twórczości. Obraz „Balkon w Neapolu” (1829-1830) przypomina nieco „Przeprawę przez Łabę”: z pokoju, przez otwarte drzwi balkonowe, widzimy skąpane w słońcu miasto po drugiej stronie zatoki. Wydaje się, że brakuje tylko jednego - osoby patrzącej w tę dal; co prawda nie ma tu człowieka, ale jest jego pieśń - skrzypce ustawione pod samymi drzwiami. Nie ma też osoby na innym obrazie Carusa, „Pracownia artysty w świetle księżyca” (1826). Jasne kwadraty okna na przezroczystej firance przekreśla ciemna sylwetka sztalugi i byka. I nie ma już kontrastów, wszystko pogrąża się w otaczającej ciemności, spokoju. Czuje się ten niejasny, niejasny, ale napięty duchowo stan, w którym rodzą się obrazy, podczas gdy umysł i wola artysty śpią. Niewielu ludzi było w stanie przekazać z taką siłą bardzo tajemniczą atmosferę twórczości niż ten naukowiec-przyrodnik, profesor i filozof, który został poruszony i przemieniony w artystę przez duchowy impuls romantyzmu.

Franz von Stuck (niem. Franz von Stuck; 23 lutego 1863, Tettenweiss - 30 sierpnia 1928, Monachium) był niemieckim malarzem i rzeźbiarzem.
Syn wiejskiego młynarza Franz von Stuck studiował w Królewskiej Szkole Sztuk i Rzemiosł w Monachium, a następnie w monachijskiej Akademii Sztuk Pięknych. Von Stuck lubił nowe techniki i gatunki artystyczne i wraz z Wilhelmem Trübnerem założył w 1892 monachijską secesję.
Od 1895 Stuck jest profesorem Akademii Sztuk Pięknych, wśród jego uczniów byli Wassily Kandinsky, Paul Klee, Joseph Hengge, Georg Kars, Paul Stollreiter i Heinrich Striffler. W 1906 r. Franz von Stuck otrzymał tytuł szlachecki. Obok Franza von Lenbacha i Friedricha Augusta von Kaulbach von Stuck jest wybitnym przedstawicielem monachijskiej szkoły sztuk pięknych.
Zainspirowany twórczością Arnolda Böcklina, Stuck malował zwiewnie nierealistyczne obrazy oparte na scenach ze świata fantazji i alegorii, symbolicznych obrazach, takich jak Grzech (1893) i Wojna (1894). Wiele jego wielkoformatowych prac odznacza się niejednoznaczną erotyczną atmosferą. Obrazy Von Stuck, które przedstawiały często nagie kobiece i męskie ciała, spotkały się z niezwykle silnym odbiorem artystycznym publiczności w epoce wiktoriańskiej, z nieco „histerycznymi” cechami.

Najbardziej znanym artystą w Niemczech końca XIX i początku XX wieku był pejzażysta Hans Thoma. Malował naturalistycznie i prosto, głównie Schwarzwald – las w południowych Niemczech, z którym związany jest szereg mitów i tradycji niemieckiego folkloru. Współcześni nazywali go największym niemieckim artystą, a Adolf Hitler uważał Toma za największego artystę wszechczasów. Jego imieniem nazwano dziesiątki ulic i placów w niemieckich miastach, którym za życia został uhonorowany.
Po 1945 roku sława Hansa Thomy zaczęła szybko przygasać, a dziś jego obrazy wywołują bardziej sceptyczny uśmiech niż zachwyt, jeśli ktoś je w ogóle pamięta.

Wilhelma Heinricha Otto Dixa(Niem. Wilhelm Heinrich Otto Dix, 2 grudnia 1891, Gera, Turyngia, Cesarstwo Niemieckie – 25 lipca 1969, Singen, Baden, Niemcy) – niemiecki ekspresjonista i grafik, autor intensywnych emocjonalnie, wstrząsających obrazów.
Artysta awangardowy, w latach 20. związany z dadaizmem i ekspresjonizmem. Wraz z Georgiem Grossem Dix ​​był przedstawicielem tzw. „nowej materialności”. Płótna Dixa wyróżniają się motywami społecznymi i pacyfistycznymi, bolesnymi duchowymi poszukiwaniami.
-
Śmierć i wojna idą ramię w ramię. Są dwoma najlepszymi przyjaciółmi. Jeden przygotowuje pole pod dobrze naostrzoną kosę drugiego. Jeśli zgadza się z tezą, że historia ludzkości jest historią wojen, to ta ostatnia jest jednym z ważnych i wpływowych środków interakcji międzyludzkich. Zjawisko wojny odbija się w konstrukcjach ideologicznych, doktrynerstwie politycznym, w traktatach i debatach filozoficznych i oczywiście w zwierciadle sztuki.
Przez długi czas w zwyczaju było przedstawianie śmierci na wojnie jako heroicznej, czystej i symbolicznej. Ale teraz, zmiatając wszystko na swojej drodze, ćwierkając karabinami maszynowymi, brzęcząc hukiem tysięcy dział, chmurami chloru i potworami gąsienicowymi, pierwsza wojna światowa wdarła się do historii ludzkości. Zmieniła całkowicie cały świat, zmieniła stosunek ludzi do samej wojny i postrzegania na niej śmierci. Naturalnie media i sztuka odegrały przy tej okazji pierwszorzędną rolę w tworzeniu i upowszechnianiu nowych znaczeń (nie licząc samej I wojny światowej, w którą zaangażowały się miliony ludzi na całym świecie). Oczywiście natychmiast przychodzą na myśl powieści Remarque'a i Hemingwaya, które w dużej mierze zdeterminowały stosunek do wojny w masowej świadomości współczesnego „cywilizowanego świata”. Porozmawiamy o innym przedstawicielu pokolenia, które wywołało wojnę światową, ale niezwiązanym z twórczością literacką.
Wojna i śmierć oczami niemieckiego artysty ekspresjonistycznego Otto Dixa... Jego malarstwo wciąż budzi wiele kontrowersji i podlega najbardziej oryginalnym interpretacjom. Wojskowy cykl akwafort, wydany w 1924 r. (w latach 30. powstało jeszcze kilka prac o tematyce wojennej, np. tryptyk „Wojna” 1929-1932), artysta jeszcze na froncie planuje, w niekończących się okopach frontu zachodniego (na którym nie ma „nic nowego”, jeśli dosłownie przetłumaczyć tytuł słynnej powieści Remarque’a). Jak wielu młodych mężczyzn z jego pokolenia, którzy ulegli, zgodnie z trafnym określeniem Ernsta Jungera, „chmielowi wojennemu”, Otto idzie na front jako ochotnik. Później przypisał swoją decyzję naturalnej ciekawości: „Oczywiście, jestem po prostu zbyt ciekawy. Powinienem był widzieć to wszystko - głód, wszy, brud i inne obrzydliwości. Te straszne głębie życia musiałem przeżyć na własnej skórze, dlatego dobrowolnie poszedłem na wojnę. Dix widział już tego wszystkiego w pełni, uwikłany w wir „wielkiej wojny”, walczy przez cztery długie lata, zostaje ranny i Żelazny Krzyż. A tego obrazu dopełnia jeszcze jeden ciekawy fakt: całą wojnę przeszedł z tomem Nietzschego i Biblią. Na froncie kieruje się nie tylko przepisami wojskowymi, ale i wskazówkami Nietzschego dla artystów: „Przedstawianie rzeczy strasznych i kontrowersyjnych jest instynktem woli i wielkości artysty, nie powinien się tego bać”.
Mrożący krew w żyłach horror, nieuchronność i poczucie nieustannej obecności śmierci – tym charakteryzuje się twórczość militarnych seriali Dixa. Jednocześnie śmierć w jego pracach jest zawsze odrażająca i przerażająca swoją rutyną.
Wojna i jej towarzyszka – śmierć w uniwersum Otto Dixa jawi się przed nami jako niesamowity kataklizm, żywioł, który nikogo nie oszczędza, wywraca świadomość i pogrąża w stan odurzenia i nierzeczywistości tego, co się dzieje. Śmierć przestaje być wydarzeniem niezwykłym, traci swoją heroiczną aureolę, zostaje wywrócona do poziomu codzienności i ukazuje się nam w najbardziej nieatrakcyjnym świetle.
W Trzeciej Rzeszy twórczość Dixa uznano za „zdegenerowaną” i „zdegenerowaną”. Zostanie również wydalony z Akademii Drezdeńskiej. Artysta miał znowu iść na wojnę. W wieku 53 lat Otto Dix został powołany do Volkssturmu (milicji ludowej) w 1945 roku. Ale nie musiał długo uczestniczyć w bitwach, tylko kilka dni. Następnie zostanie schwytany przez wojska francuskie i zostanie zwolniony dopiero w 1946 roku. D. Zhitinev: „Otto Dix: śmierć i wojna”

Richard Müller (1874-1954) - profesor drezdeńskiej Akademii Sztuk Pięknych w latach 1900-1935
Wraz z dojściem do władzy nazistów został usunięty z urzędu, bo. był żonaty z amerykańską piosenkarką Lilian Sanderson, która nie zrzekła się obywatelstwa amerykańskiego.

Sasza Schneider , Karl Alexander Schneider (niem. Sascha Schneider, Karl Alexander Schneider, 21 września 1870, St. Petersburg – 18 sierpnia 1927, Swinemünde, obecnie Świnoujście) – niemiecki artysta secesyjny, znany z ilustracji do powieści Karola Maya. Wczesne lata przyszłego artysty spędził w Petersburgu. Po śmierci ojca matka przeniosła się z dziećmi do Drezna. W 1881 r. Schneiderowie osiedlili się w Zurychu. Karl Alexander studiował w gimnazjum, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych w Dreźnie. W 1903 roku poznał Karla Maya i zaczął ilustrować swoje książki. Od 1904 - nauczyciel w szkole artystycznej w Weimarze. Ze względu na groźby partnera ujawnienia jego skłonności homoseksualnych, ścigane wówczas na gruncie prawa niemieckiego, przeniósł się do Włoch, gdzie takie skłonności nie należały do ​​przestępstw. Podróżował, w tym - na Kaukazie. Chorował na cukrzycę. Chcąc się napić na statku zbliżającym się do Świnoujścia, omyłkowo wypił trujący odplamiacz. Pochowany został w Loschwitz - obecnie Dreźnie.

Oskara Zwintschera

Oskara Zvinchera(niemiecki Oskar Zwintscher; 2 maja 1870, Lipsk - 12 lutego 1916, Drezno) - niemiecki malarz-symbolista.
Syn nauczyciela muzyki Bruno Zvintschera, brat pianisty Rudolfa Zvintschera. Edukację artystyczną zdobył w Akademii Sztuk Pięknych w Lipsku (1887-1890) oraz - pod kierunkiem Leona Fielda i Ferdinanda Pauwelsa - w Akademii Sztuk Pięknych w Dreźnie (1890-1892). Po ukończeniu studiów przez trzy lata mieszkał jako niezależny artysta w Miśni, otrzymując stypendium Fundacji Munkelcha dla Artystów Saksońskich. W 1898 roku po raz pierwszy wystawił swoje prace, zdobywając nagrodę czekoladowego magnata Ludwiga Stollwerka. W 1898 r. ukazała się seria jego prac „Pory roku”, w 1900 r. seria „Zła pogoda”. Sam w 1904 r. był członkiem komisji przyznającej nagrody „wytwórcy czekolady, kakao i szampana firmy Stollwerk”. Od 1903 roku artysta jest profesorem Akademii Sztuk Pięknych w Dreźnie.
Płótna Zvintschera naśladują manierę dawnych mistrzów niemieckich - Lucasa Cranacha Starszego, Hansa Holbeina Młodszego i innych. Duży wpływ na jego twórczość mieli symboliści niemieccy: Arnold Böcklin, Ludwig Richter, Moritz von Schwind. Swoje prace spisywał starannie w najdrobniejszych szczegółach; był fundamentalnym przeciwnikiem impresjonizmu. Był bliskim przyjacielem artysty i rzeźbiarza Sashy Schneider, który był autorem stworzenia rzeźby efeba z pochodnią, zainstalowanej na grobie O. Zvinchera na cmentarzu Loschwitz w Dreźnie.

Duże znaczenie w twórczości Klingera miała grafika, w której był mistrzem-wirtuozem i której w wydanej w 1891 r. książce „Malarstwo i rysunek” przywiązuje szczególne, niezależne znaczenie w ukazywaniu świata zewnętrznego. Jednocześnie Klinger uważał, że grafika ma tendencję do oddawania demoniczno-mrocznych aspektów życia, adekwatnie wyrażonych w liniowy i kontrastowy sposób, co pozwala uznać Klingera za jednego z prekursorów surrealizmu. Obraz „cykli” akcji z obrazem fantastyczno-symbolistycznych rzeczywistości urojonych sam Klinger porównał z utworem muzycznym („opus”). Samo malarstwo pozostawało dla artysty realistyczno-pozytywnym środkiem wyrazu. Pod szczególnym wpływem Klingera znalazł się Puvis de Chavannes, który stworzył w Paryżu serię alegorycznych, monumentalnych malowideł ściennych. Klinger widział swój cel w sztuce jako unifikację malarstwa, sztuk plastycznych i architektury. Religijne obrazy namalowane przez Klingera ukazują wpływy na mistrza włoskiego renesansu.
„Żyję w sobie i chodzę między refleksami moich oczu: światło gazowe – lustro – ludzie.” Klinger, który zapisał to zdanie w swoim dzienniku w 1883 roku, chłonął wzrokiem wszystko wokół siebie. Malarstwo było w jego umyśle sposobem na powstrzymanie „świata zewnętrznego”. Fantazję można było wyrazić tylko w rysunku i rycinie. W tym sensie Klinger pracował w obu technikach, do których później dodał talent rzeźbiarza. Świat zewnętrzny i świat wewnętrzny ekscytowały go w ten sam sposób i zawsze postrzegał je jako przeciwieństwa.

Śmierć i piękno
Die Schonheit. Niedaleko brzegu morza, na kwitnącej łące, wysokie drzewa splatają się w koronkowe wzory. Jak sny o pustynnej krainie, wznoszą się do nieba i słuchają delikatnych dźwięków fal. Tam, w radosny, słoneczny dzień, przyszedł Człowiek i zobaczył, że świat jest piękny. Ukląkł i zaczął się modlić, zakrywając twarz dłońmi. A z jego oczu płynęły łzy, niekontrolowane łzy rozkoszy i udręki przed tajemnicą piękna. Każdy, kto uwielbiał naturę, kto poddawał się całym porywem serca i myślał o wielkich urokach jej niezrozumiałości, zrozumie, dlaczego Max Klinger zakończył tym pojednawczym akordem ostatnią serię swoich rycin: „O śmierci”.
Śmierć…
Żaden ze współczesnych artystów nie zaczął myśleć o śmierci częściej i bardziej skoncentrowanie niż Klinger. Nikt nie zagłębiał się głębiej w ciszę nieziemskiego losu, strzegącego grozy ludzi.
Śmierć. Ona nie zna litości. Ona jest na końcu wszystkich dróg. Jej nieubłagana bliskość wyrównuje wszystkie losy. Szczęśliwa i cierpiąca, mądra i szalona. Przed nią stoją równie nieistotni: kuszony duchem chwały wojownik, pan w złocie i purpurze, umierający jak niewolnik u stóp wspaniałego tronu, i marynarz rzucony przez burzę na skały, i dziewczynka przy pracy na rodzinnym polu i dziecko w kołysce, obok matki, śpiące beztrosko na ławce, nad wieczornym stawem...
Śmierć czai się wszędzie. Ma tysiące form i symboli. Zakrada się do człowieka, kiedy najmniej się tego spodziewa i kiedy ma już dość czekania – śmierć bezwzględna, niema, potem kpiąco złośliwa, jak szkielet w monastycznej szacie, jak stado kruków wdzierających się do szpitalnych sal, potem smutno cicha, jak biały anioł...
A artysta upiera się przy proroczych obrazach uparcie, metodycznie, z bezlitosną subtelnością kogoś, kto nie oszczędza innych, bo nie oszczędza siebie. Te ryciny o śmierci pojawiają się naprzemiennie przed nami, kompletne, nieuchronne, jak wizje „Melancholii” Dürera, czytające na niebie słowo Vanitas, a z nich wyłania się poezja sugestywnego smutku i ciszy, przypominająca wersety Verlaine’a:
Je suis un berceau
Qu „une główne saldo
Au fond określone „un caveau.
Cisza, cisza…
Ale czy to oznacza, że ​​śmierć jest zaprzeczeniem życia? Czy to oznacza, że ​​ludzie powinni rozpaczać w oczekiwaniu na ostatnią godzinę?
Nie. Konieczne jest przezwyciężenie żałobnej wiedzy o strasznym, nieuchronnym końcu. Artysta mówi nam: „Formy śmierci są straszne, ale nie sama śmierć”. Nie, ponieważ jest coś silniejszego niż prawda śmierci, prawda piękna.
Piękno zwycięża śmierć. W promieniach piękna duch człowieka łączy się z wiecznością. W pięknie - jego przeczuciu o niezrozumiałym powiązaniu bytu ziemskiego - słabego, tymczasowego, przypadkowego z tym nie mającym początku i trwałym bytem, ​​który nazywa: Wszechświatem.
W ten sposób objawia się nam sens tej modlitwy. Ta sama modlitwa rozbrzmiewa w całym dziele Klingera. Dlatego większość jego utworów emanuje tak surowym spokojem, tak uroczystym pojednaniem, mimo przewagi w nich posępnych melodii.
(Z)


wiki

Back into Nothingness, tablica piętnasta z A Life
Sikająca śmierć
Nieuprawny

Karola Wilhelma Diefenbacha(Niemcy Karl Wilhelm Diefenbach; 21 lutego 1851, Hadamar – 15 grudnia 1913, Capri) – niemiecki artysta, przedstawiciel symbolizmu i secesji. Znany był także jako osoba publiczna, założyciel osady gminnej Himmelhof w Ober St. Veit.
Życie i sztuka
Karl Diefenbach urodził się w rodzinie artysty, nauczyciela plastyki w gimnazjum Leonarda Diefenbacha. Studiował malarstwo w Akademii Sztuk Pięknych w Monachium, początkowo pod twórczym wpływem Arnolda Böcklina i Franza von Stucka. Obrazy stworzone przez Karla Diefenbacha zasłynęły jeszcze w latach jego młodości.
Artysta, który zachorował na tyfus w ciężkiej postaci, stał się inwalidą - jego prawa ręka pozostała kaleką. Ponieważ Karl Diefenbach wierzył, że tylko powrót do naturalnego, bliskiego naturze stylu życia i naturalnych produktów może go wyleczyć, znalazł się pod wpływem Arnolda Rikli i Eduarda Balzera, znanych popularyzatorów tej teorii w Niemczech. W 1881 r. Diefenbach zrywa również z oficjalnym kościołem. Ubrany w sutannę i sandały głosił swoją doktrynę w Monachium.
Główne idee Karla Diefenbacha były następujące: żyć w zgodzie z prawami natury, odrzucenie monogamii, wegetarianizmu, odrzucenie jakiejkolwiek religii, więcej ruchu na świeżym powietrzu i kult nagiego ciała. Wszystko to budziło kpiny współczesnych, którzy nazywali Diefenbacha „apostołem Kolrabiego”. Po inwigilacji przez policję artysta opuszcza Monachium i osiedla się w opuszczonym kamieniołomie. Jego asystentem zostaje młody artysta Hugo Hoeppener („Fidus”). Ich wspólnym dziełem jest wielki fryz Przez ciernie do gwiazd (Per aspera ad astra). W 1892 Diefenbach wystawiał swoje prace w Wiedniu. Ta ekspozycja odniosła ogromny sukces i rozsławiła jego nazwisko, ale z powodu oszustwa kierownictwa Austriackiego Towarzystwa Artystycznego Diefenbach stracił wszystkie swoje obrazy. Po tej katastrofie artysta wyjeżdża do Egiptu, gdzie studiuje starożytne egipskie świątynie. Następnie, aby zwrócić swoje obrazy, w 1897 r. wraca do Wiednia, planuje tu wydawać pismo „Humanitas” i organizuje nową dużą wystawę. Artysta znajduje poparcie wśród elity intelektualnej stolicy Austrii, w tym pacyfistki Berthy von Sutner i publicysty Michaela Conrada. Diefenbach osiedlił się w osadzie Himmelhof pod Wiedniem, a wraz z nim osiedliło się tam około 20 jego uczniów. Byli wśród nich artyści Konstantinos Parthenis i Gustav Greser, a także działacz na rzecz praw zwierząt Magnus Schwantje.
W swoim „nauczaniu” Karl Diefenbach był wyraźnie niekonsekwentny. W kolonii Himmelhof czynił sobie liczne odpusty, żył jednocześnie z dwiema „żonami”, a jednocześnie wymagał od swoich uczniów skromności i całkowitej uległości. Osobiście nadzorował korespondencję każdego z nich. Po roku istnienia gmina zbankrutowała, a Diefenbach udał się na wyspę Capri, gdzie zasłynął jako wybitny artysta, podczas gdy w domu jego twórczość poszła w zapomnienie. Zmarł na Capri z powodu volvulus.

Karola Friedricha Lessinga(Niemiecki Karl Friedrich Lessing; 15 lutego 1808, Breslau - 5 czerwca 1880, Karlsruhe) - niemiecki artysta romantycznego kierunku.

Fredinand Keller (1842-1922) - "Grób Becklina"

Wilhelm Scheuchzer „Der Alte Südfriedhof” 1830

Rudolfa Wiegmana. Das Grab des Lederfabrikanten Söhlmann auf dem St.-Nicolai-Kirchhof w Hanowerze. W dem Aquarell von 1835

Franciszka Reinholda

Marie Egner „Alter Friedhof ok. 1883-1884”

Petera Heinricha Happela

Kapelle im Mondschein przez Fritza von Wille, 1912

Carl Strathmann (1866-1939)

Maks Wislicenus (1861-1957)

Ferdynand Staeger (1880-1976)

Rudolfa Schiestla(8 sierpnia 1878, Würzburg – 30 listopada 1931, Norymberga) – niemiecki malarz, rytownik, dmuchacz szkła i jeden z pionierów ekspresjonizmu. Ryciny z cyklu Bazylea Śmierć (ok. 1910 r.) oparte są na średniowiecznej pieśni ludowej z 1539 r., 8 rycin po 7 wersów. Piosenka śpiewa o tym, jak pewien młodzieniec z Bazylei ożenił się ze starą kobietą, która „uderzyła” go trzeciego dnia, po czym udał się na cmentarz i poprosił Śmierć, by zabrała zrzędliwą kobietę. Kiedy wrócił, jego żona już nie żyła. Młodzieniec zaprzągł konie i zawiózł zmarłą staruszkę na cmentarz, gdzie przygotowany był już grób, w którym miała zamknąć się na zawsze. Potem wrócił do domu i wziął sobie młodą żonę, która trzeciego dnia go pobiła. Cóż, modlił się do Śmierci: „Byłoby lepiej, gdyby był stary!”

To więcej niż ładne zdjęcia, to odzwierciedlenie rzeczywistości. W pracach wielkich artystów widać, jak zmienił się świat i świadomość ludzi.

Sztuka to także próba stworzenia alternatywnej rzeczywistości, w której można ukryć się przed okropnościami swojego czasu, czy pragnieniem zmiany świata. Sztuka XX wieku słusznie zajmuje szczególne miejsce w historii. Ludzie żyjący i pracujący w tamtych czasach przeżyli przewroty społeczne, wojny i bezprecedensowy rozwój nauki; a wszystko to znalazło odcisk na ich płótnach. Artyści XX wieku brali udział w tworzeniu nowoczesnej wizji świata.

Niektóre nazwiska są nadal wymawiane z oddechem, a niektóre są niesprawiedliwie zapomniane. Ktoś miał tak kontrowersyjną drogę twórczą, że do dziś nie możemy wystawić mu jednoznacznej oceny. Niniejszy przegląd skupia się na 20 największych artystach XX wieku. Kamila Pizarra— Malarz francuski. Wybitny przedstawiciel impresjonizmu. Na twórczość artysty wpływ mieli John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Urodzony 10 lipca 1830 w Saint Thomas, zmarł 13 listopada 1903 w Paryżu.

Pustelnia w Pontoise, 1868

Pasaż operowy w Paryżu, 1898

Zachód słońca w Varengeville, 1899

Edgara Degasa - Artysta francuski, jeden z największych impresjonistów. Na twórczość Degasa prześledzono wpływ grafiki japońskiej.Urodzony 19 lipca 1834 w Paryżu, zmarł 27 września 1917 w Paryżu.

Absynt, 1876

Gwiazda, 1877

Kobieta czesząca włosy, 1885 r

Paweł Cezanne- Malarz francuski, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu. W swojej twórczości starał się ukazać harmonię i równowagę natury. Jego twórczość wywarła ogromny wpływ na światopogląd artystów XX wieku.
Urodzony 19 stycznia 1839 w Aix-en-Provence we Francji, zmarł 22 października 1906 w Aix-en-Provence.

Hazardziści, 1893

Współczesna Olimpia, 1873

Martwa natura z czaszkami, 1900 r

Claude Monet- wybitny malarz francuski. Jeden z twórców impresjonizmu. W swoich pracach Monet starał się przekazać bogactwo otaczającego go świata. Jego późny okres charakteryzuje się dekoracyjnością i
Późny okres twórczości Moneta charakteryzuje się dekoracyjnością, postępującym rozpuszczaniem się obiektywnych form w wyrafinowanych zestawieniach plam barwnych.
Urodzony 14 listopada 1840 w Paryżu, zmarł 5 grudnia 1926 w Żwernyjach.

Klif Welk w Pourville, 1882

Po obiedzie, 1873-1876

Etretat, zachód słońca, 1883

Arkhip Kuindzhi - słynny rosyjski artysta, mistrz malarstwa pejzażowego. Wcześnie stracił rodziców. Od najmłodszych lat zaczęła przejawiać się miłość do malarstwa. Praca Arkhipa Kuindzhiego wywarła ogromny wpływ na Mikołaja Roericha.
Urodzony 15 stycznia 1841 r. w Mariupolu, zmarł 11 lipca 1910 r. w Petersburgu.

„Wołga”, 1890-1895

„Północ”, 1879

„Widok Kremla z Zamoskvorechye”, 1882

Pierre Auguste Renoir – Francuski malarz, grafik, rzeźbiarz, jeden z czołowych przedstawicieli impresjonizmu. Był również znany jako mistrz portretu świeckiego. Auguste Rodin stał się pierwszym impresjonistą, który stał się popularny wśród bogatych Paryżan.
Urodzony 25 lutego 1841 w Limoges we Francji, zmarł 2 grudnia 1919 w Paryżu.

Pont des Arts w Paryżu, 1867

Bal w Moulin de la Galette, 1876

Joanna Samary, 1877

Paul Gauguin- francuski artysta, rzeźbiarz ceramiczny, grafik. Obok Paula Cezana i Vincenta van Gogha jest jednym z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu. Artysta żył w biedzie, ponieważ jego obrazy nie były poszukiwane.
Urodzony 7 czerwca 1848 w Paryżu, zmarł 8 maja 1903 na wyspie Hiva Oa w Polinezji Francuskiej.

Krajobraz bretoński, 1894

Bretońska wioska w śniegu, 1888

Czy jesteś zazdrosny? 1892

Dzień Świętych, 1894

Wasilij Kandinsky - Rosyjski i niemiecki artysta, poeta, teoretyk sztuki. Uważany za jednego z liderów awangardy I połowy XX wieku. Jeden z twórców sztuki abstrakcyjnej.
Urodzony 22 listopada 1866 w Moskwie, zmarł 13 grudnia 1944 w Neuilly-sur-Seine we Francji.

Para na koniach, 1918 r

Pstrokate życie, 1907

Moskwa 1, 1916

W kolorze szarym, 1919 r

Henri Matisse- jeden z najwybitniejszych francuskich malarzy i rzeźbiarzy. Jeden z założycieli ruchu fowistycznego. W swojej twórczości starał się przekazać emocje poprzez kolor. W swojej twórczości pozostawał pod wpływem kultury islamskiej zachodniego Maghrebu. Urodzony 31 grudnia 1869 w mieście Le Cateau, zmarł 3 listopada 1954 w mieście Cimiez.

Plac w Saint-Tropez, 1904

Zarys Notre Dame nocą, 1902 r

Kobieta w kapeluszu, 1905 r

Taniec, 1909

włoski, 1919

Portret Delektorskiej, 1934

Mikołaj Roerich- rosyjski artysta, pisarz, naukowiec, mistyk. W ciągu swojego życia namalował ponad 7000 obrazów. Jedna z najwybitniejszych postaci kultury XX wieku, założycielka ruchu „Pokój przez kulturę”.
Urodzony 27 października 1874 w Petersburgu, zmarł 13 grudnia 1947 w Kullu, Himachal Pradesh, Indie.

Goście z zagranicy, 1901

Wielki Duch Himalajów, 1923

Przesłanie z Szambali, 1933

Kuźma Pietrow-Wódkin - Rosyjski artysta, grafik, teoretyk, pisarz, pedagog. Był jednym z ideologów reorganizacji szkolnictwa artystycznego w ZSRR.
Urodzony 5 listopada 1878 r. W mieście Khvalynsk w obwodzie saratowskim, zmarł 15 lutego 1939 r. W Leningradzie.

„1918 w Piotrogrodzie”, 1920

„Bawiący się chłopcy”, 1911

Kąpiel czerwonego konia, 1912

Portret Anny Achmatowej

Kazimierz Malewicz- rosyjski artysta, twórca suprematyzmu - nurtu sztuki abstrakcyjnej, pedagog, teoretyk sztuki i filozof
Urodzony 23 lutego 1879 w Kijowie, zmarł 15 maja 1935 w Moskwie.

Odpoczynek (Towarzystwo w cylindrach), 1908

„Wieśniaczki z wiadrami”, 1912-1913

Plac Czarnych Suprematystów, 1915 r

Malarstwo suprematyczne, 1916

Na bulwarze, 1903

Pablo Picasso- hiszpański malarz, rzeźbiarz, rzeźbiarz, projektant ceramik. Jeden z twórców kubizmu. Twórczość Pabla Picassa miała znaczący wpływ na rozwój malarstwa w XX wieku. Według sondażu przeprowadzonego wśród czytelników magazynu Time
Urodzony 25 października 1881 w Maladze w Hiszpanii, zmarł 8 kwietnia 1973 w Mougins we Francji.

Dziewczyna na balu, 1905 r

Portret Ambroise'a Vallora, 1910

Trzy Gracje

Portret Olgi

Taniec, 1919

Kobieta z kwiatem, 1930 r

Amadeo Modiglianiego- włoski malarz i rzeźbiarz. Jeden z najjaśniejszych przedstawicieli ekspresjonizmu. Za życia miał tylko jedną wystawę w grudniu 1917 roku w Paryżu. Urodzony 12 lipca 1884 w Livorno we Włoszech, zmarł 24 stycznia 1920 na gruźlicę. Otrzymał światowe uznanie pośmiertnie Światowe uznanie otrzymało pośmiertnie.

Wiolonczelista, 1909

Małżonkowie, 1917

Joan Hebuterne, 1918

Krajobraz śródziemnomorski, 1918 r

Diego Rivery- Meksykański malarz, muralista, polityk. Był mężem Fridy Kahlo. Leon Trocki na krótko znalazł schronienie w ich domu.
Urodzony 8 grudnia 1886 w Guanajuato, zmarł 21 grudnia 1957 w Mexico City.

Notre Dame de Paris w deszczu, 1909 r

Kobieta przy studni, 1913 r

Związek Chłopów i Robotników, 1924

Przemysł Detroit, 1932

Marca Chagalla- rosyjski i francuski malarz, grafik, ilustrator, artysta teatralny. Jeden z najwybitniejszych przedstawicieli awangardy.
Urodzony 24 czerwca 1887 r. W mieście Liozno w obwodzie mohylewskim, zmarł 28 marca 1985 r. W Saint-Paul-de-Provence.

Anyuta (Portret siostry), 1910

Panna młoda z wachlarzem, 1911 r

Ja i wieś, 1911

Adam i Ewa, 1912

Marek Rothko(obecny Mark Rotkovich) to amerykański artysta, jeden z twórców ekspresjonizmu abstrakcyjnego i twórca malarstwa kolorowego.
Pierwsze prace artysty powstały w duchu realizmu, jednak w połowie lat 40. Mark Rothko zwrócił się ku surrealizmowi. Do 1947 roku następuje najważniejszy punkt zwrotny w twórczości Marka Rothko, tworzy on własny styl – ekspresjonizm abstrakcyjny, w którym odchodzi od elementów obiektywnych.
Urodzony 25 września 1903 r. w Dźwińsku (obecnie Daugavpils), zmarł 25 lutego 1970 r. w Nowym Jorku.

Nieuprawny

Numer 7 lub 11

pomarańczowy i żółty

Salvador Dali- malarz, grafik, rzeźbiarz, pisarz, projektant, reżyser. Być może najsłynniejszy przedstawiciel surrealizmu i jeden z najwybitniejszych artystów XX wieku.
Zaprojektowany przez Chupa-Chups.
Urodzony 11 maja 1904 w Figueres w Hiszpanii, zmarł 23 stycznia 1989 w Hiszpanii.

Kuszenie świętego Antoniego, 1946

Ostatnia wieczerza, 1955

Kobieta z głową z róż, 1935

Moja żona Gala, naga, patrząca na swoje ciało, 1945 r

Frida Kahlo - Meksykański artysta i grafik, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli surrealizmu.
Frida Kahlo zaczęła malować po wypadku samochodowym, w wyniku którego przez rok była przykuta do łóżka.
Była żoną słynnego meksykańskiego komunistycznego artysty Diego Rivery. Leon Trocki na krótko znalazł schronienie w ich domu.
Urodzony 6 lipca 1907 w Coyoacan w Meksyku, zmarł 13 lipca 1954 w Coyoacan.

Uścisk uniwersalnej miłości, Ziemia, ja, Diego i Coatl, 1949

Mojżesz (rdzeń stworzenia), 1945

Dwie Fridy, 1939

Andy'ego Warhole'a(prawdziwy Andrey Varhola) – amerykański artysta, projektant, reżyser, producent, wydawca, scenarzysta, kolekcjoner. Twórca pop-artu, jest jedną z najbardziej kontrowersyjnych postaci w historii kultury. Na podstawie życia artysty nakręcono kilka filmów.
Urodzony 6 sierpnia 1928 w Pittsburghu w Pensylwanii, zmarł w 1963 w Nowym Jorku.