Ogólna charakterystyka technologii komputerowo-muzycznych. Streszczenie: Technologie informacyjne w muzyce

Federalna Agencja ds. Edukacji

Państwowa instytucja edukacyjna wyższej edukacji zawodowej

UNIWERSYTET EKONOMICZNY I FINANSOWY W ŚW. PETERSBURGU

Wydział Ogólnoekonomiczny

Streszczenie na temat:

Technologia informacyjna w muzyce

Petersburg 2009

Wstęp

1. Nowe technologie i muzyka

2. Nagrywanie dźwięku

3. Perspektywy rozwoju technologii informacyjnych w muzyce

Bibliografia

Wstęp

Za jedną z głównych cech okresu postindustrialnego należy uznać szybki rozwój technologii elektronicznych, które przyczyniły się do automatyzacji przechowywania i przetwarzania informacji za pomocą komputerów.

Pojawienie się wystarczająco wydajnych komputerów i nowych technologii komputerowych miało ogromny wpływ na kształtowanie się współczesnej kultury muzycznej. Możliwości nowoczesnych komputerów rosną każdego dnia wraz z postępem w dziedzinie nauki i techniki oraz rozwojem w dziedzinie programowania.

Nadszedł czas na dojrzałą konstruktywną relację, czas budowy wspólnego budynku, w którym obie strony będą odczuwać coraz większą potrzebę wzajemnie wzbogacających się projektów. Tak różne i niegdyś pozornie odległe sfery ludzkiej aktywności intelektualnej na przestrzeni ostatnich dziesięcioleci minionego stulecia nie tylko przesycone zostały wzajemnym szacunkiem, ale już można śmiało przewidywać błyskotliwy, owocny rozwój ich współpracy.

Oczywistość fundamentalnie nowych możliwości, jakie daje komputer muzyczny w rozwoju profesjonalnego myślenia muzyka we wszystkich obszarach twórczości muzycznej, nieuchronnie doprowadzi do coraz częstszego wprowadzania technologii muzycznych i komputerowych, co znacząco uzupełni, a nawet zmieni bardzo charakter pracy kompozytora, muzykologa, wykonawcy i pedagoga.

Liczne eksperymenty z elektronicznymi (i nie tylko) maszynami zdolnymi do wydobycia dźwięku doprowadziły do ​​powstania różnych sposobów pisania muzyki, a co za tym idzie do powstania różnych stylów i kierunków. Nowe brzmienie, niezwykłe i nieprzyzwyczajone do ucha, stało się innowacją w muzyce. Wielu znanych współczesnych kompozytorów, np. K. Stockhausen, O. Messiaen, A. Schnittke, mimo złożoności pracy z technologią, tworzyło utwory przy użyciu nowych instrumentów elektronicznych lub tylko na nich.

Sam rozwój komputerów elektronicznych już na wczesnym etapie doprowadził ją do „inwazji” muzyki. Już w latach 50., przy użyciu pierwszych komputerów, naukowcy podejmowali próby syntezy muzyki: komponowania melodii lub aranżowania jej ze sztucznymi barwami. Tak powstała muzyka algorytmiczna, której zasadę zaproponował jeszcze w 1206 roku Guido Marzano, a następnie zastosował V.A. Mozart automatyzuje komponowanie menuetów - pisanie muzyki według utraty liczb losowych. Kompozycje algorytmiczne stworzyli K. Shannon, R. Zaripov, J. Xenakis i inni. W latach 80. kompozytorzy mieli możliwość korzystania z komputerów wyposażonych w specjalne programy, które potrafiły zapamiętywać, odtwarzać i edytować muzykę, a także umożliwiały tworzenie nowych brzmień, drukowanie partytur własnych dzieł. Stało się możliwe wykorzystanie komputera w praktyce koncertowej.

Tak więc komputer jest dziś instrumentem wielobarwowym i integralną częścią każdego studia nagraniowego. Niewątpliwie samo słowo „studio” wielu osobom kojarzy się z pojęciem „kultury masowej” czy „trzeciej warstwy”, czyli z przejawami popkultury i współczesnego show-biznesu. Być może jest to jeden z głównych czynników, który przyciąga kandydatów na studia inżynierskie lub inne kierunki, w taki czy inny sposób związane z muzyką i technologiami komputerowymi. Powstaje pytanie: jaką rolę odgrywa wprowadzenie komputerów w kształceniu przyszłych nauczycieli muzyki?

Całkiem możliwe, że pewien kod barwowo-rytmiczny muzyki komputerowej pomoże wyleczyć niektóre choroby. Dostępność technologii komputerowej i wygoda oprogramowania stworzą bezprecedensowe warunki dla muzycznej kreatywności (muzycznej „szydełkowania”), po części porównywalne z obecnym lawinowym rozprzestrzenianiem się amatorskiego muzykowania w stylach pop i rock. Wyrażenia: „moja muzyka”, „moje domowe studio”, „moje płyty CD”, „moje teledyski”, „moja strona muzyczna” (wszędzie „moje” znaczy „stworzone przeze mnie”) również staną się znanymi pojęciami masowymi. Każdy będzie mógł spróbować siebie jako kompozytor, aranżer, realizator dźwięku, kompozytor nowych barw, efektów dźwiękowych.

1. Nowe technologie i muzyka

Wpływ nowych technologii na muzykę można prześledzić od czasów starożytnych. Muzyka ewoluowała wraz z rozwojem środków jej wykonania, czyli instrumentów muzycznych. Nie można sobie wyobrazić na przykład czterdziestej symfonii Mozarta granej, powiedzmy, na gałęzi wystającej z pnia. I stąd pochodzi muzyka. Jakiś troglodyta tam w erze mezozoicznej siedział i wyciągnął gałąź z nic do zrobienia. Kolejny troglodyta przeszedł obok, usłyszał dźwięki, wychwycił w nich harmonię i postanowił spróbować. Trzeci, najinteligentniejszy troglodyta, domyślił się, że lepiej nie ciągnąć gałęzi, ale jakieś włókno, na przykład końskie włosie, zrobiło mu ramę z drewna i przeciągnęło przez nią te same włosy. Jest to mniej więcej historia narodzin pierwszego strunowego szarpanego instrumentu muzycznego. Zaznaczam, że gdyby trzeci troglodyta nie znał technologii obróbki drewna, to nic by z tego nie wyszło.

W przyszłości, wraz z rozwojem głównie technologii obróbki drewna i metalurgii, zaczęto dostrzegać zależność dźwięku od rodzaju drewna, z którego wykonana jest rama. Również kruche końskie włosie ustąpiło miejsca metalowemu sznurkowi. A gdzieś na dwa tysiące lat przed naszą erą pojawiają się takie instrumenty jak lira czy harfa.

Przez cały okres historii ludzkości od wynalezienia liry do dnia dzisiejszego powstała ogromna liczba instrumentów muzycznych. Ale trzy grupy były najbardziej pod wpływem nowych technologii w ciągu ostatnich stu pięćdziesięciu lat - klawisze, perkusja i smyczki (głównie gitara).

Kiedy odkryto elektryczność, ludzie zaczęli próbować ją stosować w prawie wszystkich obszarach swojej działalności. Pianino klasyczne nie było wyjątkiem. Ludzie starali się, aby drgania strun nie były tłumione, to znaczy chcieli, aby głośność dźwięku nie zmniejszała się z czasem, jak w przypadku instrumentów dętych. W rezultacie wynaleziono następującą konstrukcję: pod kluczem założono styk, który włączał elektromagnes. W tym samym czasie, jak w zwykłym pianinie, młoteczek uderzał w strunę, zaczął wibrować, a gdy dotarł do magnesu, został wyłączony przez naciśnięcie struny na innym styku. Kiedy struna pod działaniem sił sprężystych odchyliła się z powrotem, styk się otworzył, a magnes ponownie zaczął działać i przyciągać strunę do siebie. Ze względu na to, że struna okresowo dotykała styku z elektromagnesem, instrument ten miał bardzo ostry dźwięk i dlatego nie był powszechnie stosowany.

Inny instrument klawiszowy - organy - cierpiał na inny problem: wysoki koszt i rozmiar. Wszakże każda częstotliwość potrzebowała tam własnej piszczałki, więc klasyczne organy zajmowały całe sale. Tak, a futra dla niego musiały być ciągle pompowane. Wraz z wynalezieniem generatora elektrycznego pojawiło się pytanie o jego zastosowanie w instrumentach muzycznych - w końcu, jeśli obracasz go z różnymi prędkościami kątowymi, to po podłączeniu go do głośnika możesz usłyszeć dźwięki o różnych częstotliwościach. Pierwszy instrument wykorzystujący tę zasadę został wynaleziony w Chicago pod koniec lat osiemdziesiątych ubiegłego wieku. Nazwano go Telharmonium. Ponieważ dla każdej częstotliwości był osobny generator, zajmował on całą piwnicę. W tej piwnicy siedział i grał muzyk, zazwyczaj doświadczony organista. W tym samym czasie wynaleziono telefon i pierwsze głośniki.

I tak, żeby posłuchać muzyki, mieszkańcy Chicago zadzwonili pod określony numer i połączyli się z Telharmonium. Ze względu na swoją objętość i złożoność produkcji i regulacji, telharmonium nie otrzymało wystarczająco szerokiej dystrybucji. Jednak później, na bazie telharmonium, w latach trzydziestych ubiegłego wieku, amerykański inżynier Hammond stworzył instrument bardzo przypominający brzmienie organów. Nazywali to organami Hammonda. Stał się bardzo popularny ze względu na niski koszt i dobry dźwięk. Również organy Hammonda zaczęły być wykorzystywane nie tylko w muzyce klasycznej, ale także w muzyce rockowej, która wówczas nabierała rozpędu.

Współczesne instrumenty klawiszowe - syntezatory - wywodzą się w zasadzie z organów Hammonda. Wraz z rozwojem elektroniki ludzie próbowali jakoś poprawić jej brzmienie. Stopniowo oscylatory mechaniczne zostały zastąpione najpierw multiwibratorami, a następnie układami scalonymi.

Ponadto, wraz z dalszym rozwojem mikroelektroniki, możliwe stało się uzyskanie niemal dowolnej barwy. We współczesnej muzyce popularnej syntezator jest dziś królem i bogiem. Ze względu na łatwość użytkowania jest teraz używany przez każdego, kto potrafi choć trochę grać na pianinie. Wystarczą trzy klasy zwykłej szkoły muzycznej, by grać mniej lub bardziej znośnie.

W ostatniej dekadzie syntezator zyskał potężnego sojusznika – komputer. Jak wiesz, nowoczesne komputery pozwalają robić wszystko, czego dusza zapragnie. Wraz z wynalezieniem kart dźwiękowych do komputera, stało się możliwe wstawianie na nie chipów z bankiem instrumentów z dowolnego nowoczesnego syntezatora. Za pomocą specjalnych programów sekwencera możesz nagrać dowolną melodię na swój komputer i ją odtworzyć. Wygląda jak syntezator. Niedawno pojawiły się tak zwane samplery oprogramowania. Sampler to urządzenie, które pozwala nagrać próbkę dźwięku (w języku angielskim sampla, skąd pochodzi nazwa), wskazać, której nuty odpowiada i po podłączeniu do syntezatora odtworzyć tę barwę. Samplery sprzętowe były drogie i trudne w obsłudze, więc napisanie samplera programowego wywołało sensację wśród muzyków. Teraz ogólnie można było się obejść tylko z komputerem, znając trochę umiejętności muzycznych i nie mogąc na niczym grać. Stosunek ceny do dźwięku syntezatora i komputera uczynił z nich niezastąpione instrumenty dla muzyków rockowych i popowych.

2. Nagrywanie dźwięku

Od czasów starożytnych ludzie próbowali jakoś uwiecznić utwory muzyczne.

Przecież dla kompozytora, który za każdym razem gra jakąś ze swoich kompozycji, jest to to samo, co dla artysty, który za każdym razem przemalowuje swój obraz. Dlatego muzycy niejako myśleli o utrwaleniu własnych utworów. Najprostszą technicznie, a więc najstarszą metodą jest notacja muzyczna.

Nie wymaga żadnych urządzeń technicznych poza długopisem z atramentem i kawałkiem pergaminu, a następnie papieru. Notacja muzyczna polega na konwencjonalnym oznaczeniu dźwięków muzycznych na kartce. Doświadczony muzyk, widząc te znaki, natychmiast gra w głowie melodię i potrafi ją odtworzyć prawie tak samo jak oryginał.

Wynalezienie notacji muzycznej, oczywiście, w dużym stopniu przyczyniło się do rozwoju muzyki jako sztuki, ale początkowo była ona naturalnie inna w różnych krajach. W procesie rozprzestrzeniania się cywilizowanych ludzi na ziemi, pisarstwo muzyczne osiągnęło pewien poziom. Jednak pismo, którego teraz używamy, nadaje się do nagrywania muzyki, której korzenie tkwią całkowicie w klasycznej muzyce europejskiej. Trudno im nagrywać np. muzykę chińską, indyjską czy afrykańską.

W procesie kształtowania się muzyki jako sztuki pojawiła się potrzeba doskonalszej metody rejestracji dźwięku niż nuty. W końcu nie każdy, kto kochał muzykę, wiedział, jak coś zagrać. Oczywiście bogaci mogli sobie pozwolić na utrzymanie nadwornego muzyka lub chodzenie do teatru na koncerty jakiegoś sławnego muzyka. A co z biednymi, których nie stać ani na jednego, ani na drugiego? To oni wymyślili pierwsze urządzenia, które umożliwiały odtwarzanie muzyki bez możliwości odtwarzania czegokolwiek. To były liry korbowe. Tak naprawdę, aby grać na organach beczkowych, nie jest wymagana żadna wiedza muzyczna i umiejętności, wystarczy przekręcić gałkę.

Mechaniczna metoda rejestracji dźwięku jest stosowana od kilku stuleci. Mogli na przykład nagrać utwór na organy. W niektórych miejscach na rolce papieru robiono szczeliny, następnie rolkę tę przewijano między piszczałkami organowymi a miechem. Tam, gdzie były szczeliny, powietrze przechodziło do rur i powstawał dźwięk. Jednak ta metoda rejestracji dźwięku miała szereg wad, w szczególności złożoność wykonania takiej rolki, nierówność jej ruchu powodowała nierówny dźwięk. Ta metoda nie jest powszechnie stosowana.

Pod koniec XIX wieku Amerykanin Thomas Edison wynalazł fonograf. Wynalazek ten uważany jest za punkt zwrotny w historii rejestracji dźwięku. Zastosowano nową metodę rejestracji dźwięków – falę, czyli ze względu na to, że dźwięk jest falą mechaniczną, wywołuje drgania membrany, które rejestrowane są na dowolnym nośniku. Podczas odtwarzania zarejestrowane drgania z nośnika przekazywane są na membranę, która oscyluje i wibruje powietrze, w którym powstają fale.

Wynalezienie rejestracji dźwięku falowego umożliwiło nagranie dowolnego instrumentu, ale co to jest instrument, w ogóle, teraz można nagrać dowolny dźwięk. Jednak od wynalezienia fonografu do wynalezienia wysokiej jakości odtwarzaczy i magnetofonów minęło sporo czasu. Z początku fonograf nie znalazł uznania ze względu na fatalną jakość dźwięku. Jednak dalsze udoskonalanie tej metody rejestracji dźwięku i wynalezienie wysokiej jakości odtwarzaczy elektrycznych i magnetofonów zakreśliło i. Pojawiły się w latach czterdziestych i pięćdziesiątych ubiegłego wieku.

W takich warunkach powstała muzyka rockowa - pierwsza prawdziwie masowa. Stał się ogromny właśnie dzięki wynalezieniu prostych, wysokiej jakości i tanich urządzeń do rejestracji dźwięku. Nie myl muzyki rockowej z popem. Pops, także produkt nowych technologii, poświęciłem osobny rozdział. Muzyka rockowa to przede wszystkim sztuka. Stworzenie wysokiej jakości pracy w tym gatunku wymaga nie mniej umiejętności i talentu, a także innej formy sztuki.

Rozwój muzyki rockowej jest najściślej związany z wprowadzaniem nowych technologii w instrumentarium i rejestracji dźwięku. Jednym z żywych przykładów, które już podałem, jest poprawa gitary prowadzącej do poziomu Fender Stratocaster czy Gibsona Les Paula. Innym imponującym przykładem jest wynalezienie odtwarzaczy stereo i magnetofonów stereo. Odtwarzacze monofoniczne nie pozwalały na osiągnięcie takiej jakości dźwięku, nawet jeśli zespół rockowy stworzył coś naprawdę okazałego, nie dało się tego przekazać masom, wiele stracono.

Mniej więcej natychmiast po wynalezieniu odtwarzacza stereo pojawiły się takie arcydzieła rocka, album The Beatles „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, opera rockowa Jesus Christ Superstar to pierwszy i jak dotąd jedyny udany projekt, który łączy rock z klasyką. Również w tym czasie (koniec lat sześćdziesiątych) pojawiły się tzw. "gadżety" na gitary elektryczne, które sprawiły, że ich brzmienie było jak na tamte czasy naprawdę fantastyczne iw pewnym stopniu przyczyniło się do powstania nowych stylów, takich jak np. heavy metal. W zasadzie heavy metal to ten sam rock, tylko bardzo głośny i szybszy.

Czasami rock jest niesłusznie nazywany muzyką pokolenia lat sześćdziesiątych i siedemdziesiątych, złe języki mówią, że jest już martwy. Właściwie tak nie jest. Z naprawdę wspaniałymi utworami rockowymi wydarzy się mniej więcej to samo, co z Czterdziestą Symfonią Mozarta, Sonatą Księżycową Beethovena czy Jeziorem łabędzim Czajkowskiego - nigdy nie zostaną zapomniane. W związku z tym, że rozkwit rocka nie trwał długo, ponownie częściowo winne są nowe technologie. Mniej więcej w połowie lat siedemdziesiątych rozpoczęła się nowa generacja instrumentów muzycznych: mikroprocesor - w zasadzie były to różnego rodzaju syntezatory, a nieco później komputery. Kolejne pokolenie młodzieży się zmieniło, a jak wiecie, młodość jest siłą napędową wszystkiego, co nowe i zaprzecza wszystkiemu staremu. Rock stał się muzyką ojców, a przez to niemodną. Jednak to nowe pokolenie nie zaoferowało nic nowego, ale uparcie twierdziło, że „rock and roll jest martwy, ale ja jeszcze nie jestem” (B.B. Grebenshchikov). Łatwość użycia syntezatorów i komputerów uczyniła je dostępnymi dla każdego głupca, a teraz może, jeśli za jakieś pięćdziesiąt lat przyjrzymy się dzisiejszej muzyce, to może uda się znaleźć jakieś arcydzieła, które są teraz mocno zapchane popem.

3. Perspektywy rozwoju technologii informacyjnych w muzyce

Niemniej jednak postaramy się „przewidzieć” kierunki, które wydają się najbardziej obiecujące z punktu widzenia przyszłego zastosowania komputera muzycznego. Najbardziej realistyczne jest dla nas założenie, że technologia edukacji muzycznej na odległość będzie powszechnie stosowana. Oznacza to, że przede wszystkim historia i teoria muzyki, ale po części porady praktyczne, będą dostępne w każdym punkcie geograficznym oddalonym od renomowanych instytucji edukacyjnych. W konsekwencji możemy liczyć na to, że znacznie większa liczba pasjonatów muzyki, tej pięknej i potężnej sztuki, będzie posiadać rzetelną naukowo i praktyczną wiedzę muzyczną. Komputer jest już dziś gotowy do zaoferowania wielu rzeczy, które pozwolą wreszcie zrealizować dojrzałe historycznie i społecznie hasło „Muzyka dla każdego!”.

Z łatwością i ekscytująco wszyscy ludzie opanują muzyczne umiejętności, jakby uczyli się swojego ojczystego języka, jakby przejmowali melodie swoich ulubionych piosenek od matki, a komputer muzyczny stanie się niezawodnym przewodnikiem dla każdego dociekliwego podróżnika po świecie dźwięków. Dzięki komputerowi wyposażonemu w programy treningu muzycznego oparte na metodach medycznych i pedagogicznych, np. głusi i niemi będą słyszeć muzykę, a na końcu nawet mówić (w tym kierunku już dzisiaj nastąpił rozwój metodologiczny).

Dzięki komputerowi wyposażonemu w programy treningu muzycznego oparte na metodach medycznych i pedagogicznych, np. głusi i niemi będą słyszeć muzykę, a na końcu nawet mówić (w tym kierunku już dzisiaj nastąpił rozwój metodologiczny). Całkiem możliwe, że pewien kod barwowo-rytmiczny muzyki komputerowej pomoże wyleczyć niektóre choroby.

Dostępność technologii komputerowej i wygoda oprogramowania stworzą bezprecedensowe warunki dla muzycznej kreatywności (muzycznej „szydełkowania”), po części porównywalne z obecnym lawinowym rozprzestrzenianiem się amatorskiego muzykowania w stylach pop i rock. Wyrażenia: „moja muzyka”, „moje domowe studio”, „moje płyty CD”, „moje teledyski”, „moja strona muzyczna” (wszędzie „moje” znaczy „stworzone przeze mnie”) również staną się znanymi pojęciami masowymi. Każdy będzie mógł spróbować siebie jako kompozytor, aranżer, realizator dźwięku, kompozytor nowych barw, efektów dźwiękowych.

Na tle takiego masowego entuzjazmu wielokrotnie wzrośnie prestiż i jakość edukacji muzycznej, której treść dzięki komputerowi zmieni się znacząco, stanie się bardziej zaawansowana technologicznie i intensywna, elastycznie dostosowywana do konkretnych zadań . Każdy nauczyciel muzyki w liceum specjalnym lub liceum ogólnokształcącym (nieważne) będzie biegle posługiwał się muzyką i technologiami komputerowymi. Oczywiście będzie mógł w ciekawy i ekscytujący sposób poprowadzić swój temat, nie będzie mu trudno skomponować piosenkę czy taniec, dokonać pełnobrzmiących aranżacji, stworzyć jasny szkolny koncert, nagrać go na płytę cyfrową o wysokiej jakości, a następnie dać swoim podopiecznym taki rekord jak wspomnienie wspaniałego czasu dzieciństwa i młodości.

Niewykluczone, że technologie muzyczno-komputerowe jeszcze bardziej ograniczą pracochłonne zawody muzyczne, przez co pod przymusem rodziców niezbyt pilni chłopcy i dziewczęta są często pozbawieni szczęścia z dzieciństwa przez 10-15 lat z rzędu . Radość chwilowego, bezpośredniego muzykowania przyniosą im jeszcze bardziej pomysłowo zaprojektowane syntezatory i komputery muzyczne. I tylko prawdziwie utalentowani, entuzjastyczni i cierpliwi muzycy zostaną wirtuozami (skrzypkowie, pianiści, klarneciści, trębacze).

Bibliografia

1. Informatyka i inteligencja komputerowa / A.V. Timofiejew. - M. Pedagogika, 1991.

2. Technologia informacyjna. Yu.A. Szafryna. - M. Lab. podstawowa wiedza, 1998.

3. Informatyka: podręcznik. dla studentów kierunków technicznych. kierunki i specjalności uczelni / V.A. Ostrejkowski. - Wyd. 2., s.r. - M.: Wyższe. szkoła, 2004.

4. Ciągły kurs informatyki / S.A. Beszenkow. - M. BINOM. Laboratorium. wiedza, 2008.

5. S. Kastalsky. Encyklopedia rocka / M. Peer, 1997.

Lekcja muzyki współczesnej to lekcja, podczas której wykorzystuje się nowoczesne technologie pedagogiczne, technologie komputerowe, elektroniczne instrumenty muzyczne. Lekcja muzyczna charakteryzuje się tworzeniem twórczego środowiska, gdyż na treść lekcji muzycznych składają się emocje i ich subiektywne przeżycie. Tak specyficzna treść determinuje wybór różnych metod, rodzajów pracy i nowych narzędzi multimedialnych.

Komputer daje duże możliwości w twórczym procesie uczenia się muzyki, zarówno na poziomie zawodowym, jak i amatorskim.

Muzyczne technologie komputerowe otworzyły całkowicie nowy etap w technicznej reprodukcji produktów muzycznych: w notacji muzycznej, w gatunkach muzyki użytkowej, w nośnikach nagrań, w możliwościach jakościowych sprzętu do odtwarzania dźwięku, w działaniach teatralnych i koncertowych, w dźwięku projektowanie i nadawanie muzyki (w tym nadawanie przez Internet) .

Jednym z wiodących kierunków w dziedzinie pedagogiki muzycznej XXI wieku jest zapoznanie studentów z technologiami informatycznymi i komputerowymi. Rozwój technologii informacyjnych i komputerowych jest obiektywnie niezbędny:

Po pierwsze, do profesjonalnego przygotowania kompozytorów i wykonawców,

· po drugie, do wykorzystania jako źródło pomocniczego materiału edukacyjnego (podręcznik, szkolenie, montaż, nagranie dźwięku, odtwarzanie dźwięku itp.).

Na niektórych uniwersytetach w Rosji technologie elektroniczne związane z kreatywnością muzyczną są przedmiotem programu nauczania. W takich placówkach edukacyjnych na podstawie systemów komputerowych opracowywane są „słowniki” dźwiękowe, tworzone są kompozycje muzyczne za pomocą świetlnych i kolorowych efektów specjalnych, sekwencji filmowych i wideo, pantomimy aktorskiej.

Programy komputerowe wykorzystywane są również w nauczaniu gry na instrumentach, w rozwijaniu słuchu muzycznego, w prowadzeniu słuchania utworów muzycznych, w doborze melodii, w aranżacji, improwizacji, pisaniu i redagowaniu tekstu muzycznego. Programy komputerowe pozwalają określić zakres instrumentu, płynność wykonawcy w pasażach, wykonanie pociągnięć i odcieni dynamicznych, artykulację itp. Dodatkowo komputer umożliwia naukę utworów z „orkiestrą”. Może również pełnić funkcję „symulatora” do prowadzenia (przy użyciu sprzętu telewizyjnego). Programy komputerowe umożliwiają przeprowadzenie analizy muzycznej i słuchowej melodii (tematów) utworów na przestrzeni historii muzyki. Dla wielu dyscyplin muzycznych komputer jest cennym źródłem informacji bibliograficznych i encyklopedycznych.

Powszechne zadania projektowe z prezentacjami komputerowymi, które pozwalają na bardziej wizualną prezentację lub ilustrację materiału.

Należy zauważyć, że wykorzystanie technologii komputerowej ma na celu indywidualny charakter pracy, co na ogół odpowiada specyfice lekcji muzyki. Komputer osobisty pozwala na różnicowanie indywidualnego trybu pracy muzyka zgodnie z jego rytmem tempa, a także ilością wykonywanej pracy.

Zwycięzca ogólnorosyjskiego konkursu „Najbardziej pożądany artykuł miesiąca” GRUDZIEŃ 2017

Atlasova Elena Andreevna, dyrektor muzyczny ANO DO „Planeta dzieciństwa” Łada” przedszkole №194 „Kapitoszka” Togliatti

Muzyka zajmuje szczególne, niepowtarzalne miejsce w edukacji dzieci w wieku przedszkolnym. Wynika to ze specyfiki tego rodzaju sztuki oraz psychologicznych cech przedszkolaków. Muzyka nazywa się „zwierciadło duszy ludzkiej” , „świadomość emocjonalna” (B.M. Teplow), „model ludzkich emocji” (W. W. Mieduszewski): odzwierciedla stosunek człowieka do całego świata, do wszystkiego, co dzieje się wokół i w samej osobie. Podstawowa edukacja muzyczna ma odgrywać bardzo ważną rolę w życiu człowieka. „Wczesna reakcja emocjonalna pozwala dzieciom na zapoznanie się z muzyką od pierwszych miesięcy życia, aby stała się aktywnym asystentem edukacji estetycznej” - napisał N.A. Wetlugin.

Edukacja muzyczna w rozumieniu społeczeństwa przestała pełnić jedynie wąsko wyspecjalizowaną rolę: nauki gry na instrumentach muzycznych i zdobywania wiedzy muzycznej. Jej głównym i najważniejszym celem jest rozwój osobowości i myślenia poprzez lekcje muzyki, kształcenie profesjonalnie nastawionego melomana. „Kimkolwiek dziecko stanie się w przyszłości - muzykiem lub lekarzem, naukowcem lub pracownikiem”, pisze słynny austriacki kompozytor i nauczyciel K. Orff w swoim podręczniku metodologicznym „Schulwerk” , - zadaniem nauczyciela jest wykształcenie w nim twórczego początku, twórczego myślenia. W świecie industrialnym człowiek instynktownie chce tworzyć i trzeba temu pomóc. Ale wpojone pragnienie i umiejętność tworzenia wpłynie na każdy obszar przyszłych działań dziecka.

„Program edukacji i szkoleń w przedszkolu” pod redakcją mgr inż. Wasiljewa, W.W. Gerbovoy, T.S. Komarova zapewnia rozwój dzieci w trakcie różnych czynności: ucho do muzyki, śpiew głosu, umiejętności taneczne, gra na dziecięcych instrumentach muzycznych. Wraz z istniejącymi celami i zadaniami istnieją inne, które zaspokajają pilne potrzeby dziecka. Najważniejsze z nich można zdefiniować w następujący sposób:

• stworzenie przez dyrektora muzycznego warunków, które dają każdemu dziecku możliwość wykazania się indywidualnymi zdolnościami w komunikowaniu się z muzyką;
• twórczy rozwój naturalnej muzykalności dziecka;
• uwolnienie pierwotnej kreatywności, stworzenie warunków do spontanicznych manifestacji twórczych;
• pomoc w kształtowaniu wewnętrznego spokoju i samopoznania (rozwój emocjonalny i umysłowy oraz psychokorekcja).

Osoba ma estetyczną potrzebę wyrażania siebie emocjonalnego i motorycznego, najbardziej adekwatnego sposobu zaspokojenia, który nauki psychologiczne uważają za aktywność muzyczną i twórczą. Rozumienie istoty i znaczenia edukacji muzycznej we współczesnym świecie, pod wpływem różnych nauk humanistycznych, stopniowo zmierza w kierunku rozumienia go nie jako dodatkowego, ale jako koniecznego. Dziś mówimy o tym, że edukacja muzyczna i twórcza człowieka, rozwój jego naturalnej muzykalności to nie tylko droga do edukacji estetycznej czy sposób na zapoznanie się z wartościami kultury, ale bardzo skuteczny sposób na rozwijać najróżniejsze zdolności ludzi, drogę do ich samorealizacji jako osoby.

Nowe podejścia do edukacji muzycznej wymagają również zastosowania zupełnie innych, najskuteczniejszych technologii pedagogicznych w rozwoju muzykalności dzieci. Działając jako specyficzny typ ludzkiego myślenia, muzyka pełni główną funkcję - funkcję komunikacji międzyludzkiej. W tej perspektywie prawdziwa rola i cel muzyki polega, jak pisze L. S. Wygotski, na „równoważeniu ciała ze środowiskiem”. W tym kontekście zasadna wydaje się główna teza pedagogiki wychowania muzycznego ostatnich dziesięcioleci: „Lekcja muzyki to lekcja sztuki”. Oznacza to dominację duchowo-praktycznego, twórczego, indywidualnego stosunku człowieka do świata na takich lekcjach, co sprawia, że ​​podejście autorytarne i odpowiadające mu metody nauczania są nie do przyjęcia. Kształtowanie się takiej postawy jest możliwe w warunkach wychowania przez twórczość, czyli organizowanie działalności artystycznej dzieci jako trójcy słuchania muzyki, jej wykonywania i tworzenia. Zwrócenie się więc ku muzyce jako środka edukacji dorastającego człowieka opiera się na zrozumieniu istoty tego rodzaju sztuki, nazywanego przez B. V. Asafiewa „sztuką intonowanego znaczenia”. Głównym celem muzyki, która organicznie łączy wszystkie funkcje społeczne z wiodącą funkcją komunikacyjną, jest organizowanie komunikacji artystycznej dzieci. A twórczość muzyczna w rzeczywistości powinna być radosną, ekscytującą czynnością, otwierać dzieciom możliwości komunikowania się poprzez muzykę. Jak pisał M. Montaigne: „Gdzie jest korzyść dla dzieci, powinna być dla nich przyjemność” .

Podstawowe pytanie pedagogiki wychowania muzycznego, istotne na różnych etapach jej rozwoju – jak zainteresować i zniewolić dziecko muzyką, wymaga wyeksponowania tych metod nauczania, które pozwalają dzieciom zrozumieć i poczuć, że muzyka jest integralną częścią część ich życia, fenomen świata stworzonego przez człowieka. Uzasadnia to dominację zintegrowanych metod nauczania, będących swoistym połączeniem ogólnopedagogicznych i specjalnych metod kształcenia i wychowania muzycznego. Wprowadzenie do sztuki, edukacja muzyczna to bardzo indywidualne zajęcie, związane z wyjątkowym samookreśleniem się jednostki. Dlatego ścieżka do muzyki musi być uzasadniona z punktu widzenia osoby i pochodzić od niego. W związku z tym, wybierając formy i metody pracy muzycznej i artystycznej, konieczne wydaje się ukierunkowanie ich na rozwój dzieci:

• umiejętność wyczuwania percepcji świata, jego obserwacji
• asocjatywność myślenia artystycznego
• ekspresja intonacji: mowa, wokal, plastyka, instrumentalne poczucie rytmu: czasowe, przestrzenne, plastyczne, muzyczne;
• umiejętność rozróżniania i odbijania za pomocą środków plastycznych duże - małe, wysokie - niskie, przybliżenie - usuwanie, jasne - ciemne, jasne - przyćmione, lekkie - ciężkie, ciepłe - zimne, głośne - ciche, szybkie - wolne, płynne - szarpane, równoczesne - sekwencyjny, dobry - zły
• palety ruchów ekspresyjnych, gesty dźwiękowe, onomatopeje, kolorystyka własnego głosu, metody elementarnego muzykowania, działania artystyczne i wizualne
• radosna, współwinna, zabawna postawa.

Nieustanne poszukiwanie odpowiedzi na pytania, które pojawiają się w trakcie pracy nad edukacją muzyczną dzieci, skłoniło mnie do zapoznania się z różnymi metodami i praktykami kolegów i badaczy. Metody i rozwój T. Borovika, A. Bureniny i T. Sauko, T. Tyutyunnikova, O. Radynova, M. Kartushiny, ciągłe czytanie i studiowanie fachowych czasopism "Dyrektor muzyczny" , "Obręcz" , "Edukacja przedszkolna" - wszystko to oczywiście okazało się dla mnie bardzo interesujące i przydatne, poszerzyło moje horyzonty zawodowe i znalazło odzwierciedlenie w praktycznych działaniach. W technologiach tych metod oczywiste są:

• ścisły związek między psychologią rozwoju dziecka związaną z wiekiem a działaniami edukacyjnymi i muzycznymi
• rozwinięta przez T. Borovika praktyka teorii intonacyjnej natury muzyki
• idee tworzenia muzyki elementarnej K. Orff
• techniki rozwijania kontemplacji, partycypacji, współczucia u dzieci
• dając dyrektorowi muzycznemu możliwość odnalezienia własnego stylu pracy, modyfikacji preferencji metodycznych, eksperymentowania z pedagogiką muzyczną oraz rozkoszowania się komunikacją z dziećmi i muzyką.

„System formacji i rozwoju percepcji i intonacji, stworzony przez T. Borovika, można słusznie nazwać uniwersalnym. Techniki aktywowania przedstawień artystycznych i asocjacyjnych związanych z integralnością mowy, obrazów muzycznych i dźwiękowych oraz ruchów ekspresyjnych są równie przydatne dla nauczycieli muzyki wszystkich specjalności do poznania i wykorzystania, ponieważ ich wspólnym celem jest rozwój (międzynarodowy) myślenie o uczniu”, napisał M. M. Berlyanchik, profesor, doktor historii sztuki, zasłużony robotnik sztuki Rosji, jego wrażenie.

Nowatorskie technologie edukacji muzycznej dzieci opierają się na zbiorowych działaniach łączących: śpiew, rytmiczną mowę, grę na dziecięcych instrumentach muzycznych, taniec, ruch improwizowany do muzyki, udźwiękowienie wierszy i bajek, pantomimę, improwizowane teatralizację.

Formy rozwoju muzykalności, które stosuję w praktyce to:

Tańce komunikacyjne

Zaangażowanie dziecka w proces tworzenia muzyki polega na tworzeniu atmosfery wzajemnej akceptacji oraz emocjonalnego i psychicznego wyzwolenia. Tutaj tańce komunikacyjne są niezbędnymi pomocnikami, których użycie rozwiązuje następujące problemy:

• rozwój umiejętności komunikacyjnych
• praca nad wyczuciem formy
• rozwój koordynacji ruchowej
• rozwijanie poczucia rytmu.

Gry koordynacyjne na świeżym powietrzu (muzyka i mowa)

Takie gry na dużą skalę (przez całe ciało) dają poczucie dynamiki muzycznej, tempa, uderzenia wykonawczego, mowy i intonacji plastycznej, która jest ich treścią muzyczną.

Te gry przesiąknięte są ideą koordynacji, która działa w nich jak motor "akompaniament" stymuluje rozwój zręczności, dokładności, reakcji, wywołuje spójność zespołu.

gry palcowe (muzyka i mowa)

Wartość gier palcowych w kontekście rozwoju muzykalności dzieci polega na tym, że są one pierwszymi doświadczeniami artyzmu wykonawczego, w których istotnie intonowany jest charakter spektaklu, wzbogacony o modulacje rytmiczno-dźwiękowe mowy potocznej. Praca nad tekstami z rysunkami gestami również przyczynia się do aktywizacji myślenia abstrakcyjnego i figuratywno-skojarzeniowego. Gry na palec są oryginalne i ciekawe, ponieważ są miniaturowym teatrem, w którym aktorzy są palcami. Tekst nie jest tu dosłowny: pewna symbolika gestykulacyjna i semantyczna "powołanie" do jego interpretacji i interpretacji. gry palcowe

• rozwijać aparat mięśniowy, zdolności motoryczne, wrażliwość dotykową;
• przewidywać świadomość, jej reaktywność (ze względu na szybkość zmiany ruchów)
• zwiększyć ogólny poziom organizacji dziecka.
• mające na celu rozwijanie poczucia rytmu, dykcyjnych zdolności motorycznych mowy, ekspresyjnej intonacji mowy, koordynacji ruchów.

Deklamacja rytmiczna do muzyki

Deklamacja rytmiczna to synteza muzyki i poezji. Można go określić jako model muzyczno-pedagogiczny, w którym tekst nie jest śpiewany, lecz rytmicznie recytowany. Jednak wykonanie rytmicznej recytacji wyróżnia się wyraźniejszą wymową i przesadną intonacją. Jednocześnie poetycka tkanka dźwiękowa wchodzi w interakcję z wzorcami muzycznych czasów trwania i pauz, co znacznie wzmacnia emocjonalny efekt słuchania i niewątpliwie jest ważnym czynnikiem rozwojowym dziecka. Wycofanie się ze śpiewu w rytmicznej recytacji wiąże się z jednej strony z uproszczeniem procesu intonacji (łatwiej i bardziej naturalnie mówić dziecku) z drugiej zaś ma na celu rozwinięcie mechanizmów myślenia intonacyjnego, w którym ucho muzyczne współdziała z mową. Dopóki dziecko nie usłyszy, jak mówi i nie nauczy się panować nad mową, trudno mieć nadzieję, że będzie potrafiło śpiewać poprawnie i ekspresyjnie.

Gry dźwiękowe

Pracując z grami z dźwiękami, warunkowo wyróżniam następujące obszary:

• brzmiące gesty i muzyka mojego ciała
• instrumenty dźwiękowe (tradycyjne i domowe) i muzyka zrodzona z hałasu.

Wpisz gry "Posłuchaj siebie" pozwalają dzieciom poczuć radość z odkrywania, że ​​natura obdarowała człowieka ogromną różnorodnością dźwięków. Można je odtworzyć wykorzystując możliwości własnego ciała. (głos, ręce, stopy, usta) jako unikalny i oryginalny instrument. Zrozumienie przez dziecko bliskiego związku między nim a naturą jest głównym celem gry.

Podstawowe tworzenie muzyki

W zajęciach muzycznych z dziećmi uważam za konieczne korzystanie z dziecięcych instrumentów muzycznych, głównie instrumentów dźwiękowych, ponieważ instrumenty te są proste i najbardziej dostępne dla dzieci w tym wieku. Ponadto stanowią najbardziej atrakcyjną rzecz dla małych dzieci w muzyce. Ale ta forma pracy nad rozwojem muzykalności nie ogranicza się do korzystania z tradycyjnych instrumentów dźwiękowych. We współczesnej metodologii muzycznej jest to badanie dźwięku i poznawanie Świata przez dzieci poprzez dźwięk, tworzenie innego obrazu szerokiej gamy przedmiotów codziennego użytku, które są coraz bardziej rozwijane. To członkowie niesamowitej orkiestry!

Komunikacja dzieci z podstawowymi instrumentami rozwija się:

• muzykalność
• słyszenie barwy
• subtelność percepcji
• stowarzyszenie
• kunszt.

Wszystkie powyższe formy można łączyć w takim czy innym stopniu i występować w jednym modelu. Mogą one zostać odrzucone lub uzupełnione przez nauczyciela, w zależności od celów i zadań. Model, przekształcany, modyfikowany, wzbogacany, na długo pozostaje w repertuarze. Takie metodyczne modelowanie materiału jest bardzo cenne: dla dzieci jest "znajoma osoba" (piosenka, rytmiczna recytacja, gra), co przyjemnie się powtarza, ale w nowej, nieznanej wersji. Taka zmienność przedłuża żywotność nie tylko modelu, ale i metody, poszerzając jej granice i otwierając nowe możliwości twórczości pedagogicznej. Istnienie modeli pozwala na wiele rozwiązań, w zależności od fantazji muzycznej i pedagogicznej dyrektora muzycznego, poziomu rozwoju muzycznego i ogólnego dzieci, ich upodobań artystycznych. Ważna i niezbędna jest umiejętność nauczyciela inspirowania dzieci do zabawy, tworzenia wesołej atmosfery baśni, zagadek, przygód, tajemnic, magii. Wymaga to artyzmu, intonacji-mowy, plastycznej, mimicznej ekspresji, umiejętności zanurzania dzieci w różnych stanach emocjonalnych.

Zastosowanie tych innowacyjnych technologii i form metodologicznych w praktyce pozwala na osiągnięcie następujących rezultatów:

• udaje się stworzyć atmosferę radosnej komunikacji, dobrego humoru i harmonijnej samoświadomości na lekcjach muzyki, wakacjach
• dzieci są aktywne i wyzwolone, strach i niepewność stopniowo zanikają w ich działaniach
• udaje się zainteresować dzieci, nie musi uciekać się do przymusu
• dzieci uczą się elementarnej wiedzy muzycznej, rozwijają zdolności muzyczne i twórcze, poznają siebie i otaczający ich świat w procesie wesołej, radosnej i naturalnej komunikacji z muzyką, bez zbędnych „coaching” i żmudne zapamiętywanie; zadania edukacyjne są realizowane po drodze, dominują zadania edukacyjne i rozwojowe
• dyrektor muzyczny jest w ciągłych poszukiwaniach twórczych; proces tworzenia nowych wariantów modeli i radosna reakcja dzieci przynoszą przyjemność i uczucie "odrzut" .

LITERATURA

1. Vetlugina N.A., Keneman A.V. Teoria i metodyka edukacji muzycznej w przedszkolu. - M: Oświecenie. 1983
2. Barenboim LA System edukacji muzycznej K.Orff. M.-L., 1970
3. Borovik T.A. Sposoby twórczości pedagogicznej. Dyrektor muzyczny. - M.: Wydawnictwo LLC „Wychowanie przedszkolaka” . 2004 #1 s.9-25, #2 s.18-33, #4 s.29-41, #5 s. 23-28, nr 6 s. 9-14.
4. Tyutyunnikova T. Podstawowe tworzenie muzyki - „znajomy nieznajomy” . Edukacja przedszkolna. 1997 nr 8 s. 116-120, 2000 r. nr 5 s.133-141.
5. Burenina A. Komunikatywne gry taneczne dla dzieci. - St.P.: Leningradzki Regionalny Instytut Rozwoju Edukacji. 2004
6. Bogodyazh O. Innowacyjne technologie w rozwoju muzykalności dzieci w wieku przedszkolnym.

Wydawać by się mogło, że nie minęło tak wiele lat od czasu, gdy pierwsze komputery, które zajmowały całe pomieszczenia i jednocześnie absolutnie nie były przeznaczone do pisania muzyki, zamieniły się w małe komputery osobiste, łączące możliwości pracy nie tylko z obliczeniami , ale także z grafiką, wideo, dźwiękiem i nie tylko. W kontekście rozwoju we wszystkich obszarach działalności wydaje się absolutnie logiczne wprowadzenie komputera do procesu edukacyjnego, nie tylko jako takiego, ale także jako pomocy w nauce.

Zróbmy krótką dygresję w historię pierwszych prób połączenia bezdusznych maszyn ze sztuką.

Dawno temu, od czasów Pitagorasa, a może nawet wcześniej, matematycy zwracali uwagę na formalną stronę organizacji muzyki – skale czasu i częstotliwości. Jednak mechanizmy odtwarzające muzykę zgodnie z programem pojawiły się przed mechanizmami kalkulatora, więc zaryzykowalibyśmy nazwanie muzyków pierwszymi programistami. Być może jednak w pisemnym dziedzictwie kultur antycznych notacje muzyczne jako opis chwilowego procesu są najbliższe tekstom programów. W obu formach istnieją bloki, warunki, pętle i etykiety, ale nie wszyscy programiści i muzycy są świadomi tych podobieństw. Ale jeśli je pamiętasz, nie możesz się już dziwić, że tworząc pierwsze komputery inżynierowie zmusili je do grania melodii. To prawda, że ​​muzycy nie mogli przypisywać muzyki maszynowej prawdziwej muzyce, być może dlatego, że nie było w niej nic poza „martwymi” dźwiękami lub planem. A sam dźwięk maszyny, który w pierwszych krokach był prostym meandrem, był niezwykle daleki od brzmienia instrumentów akustycznych. Jednak liczne eksperymenty z elektronicznymi maszynami zdolnymi do wydobycia dźwięku doprowadziły do ​​pojawienia się różnych sposobów pisania muzyki, a co za tym idzie do pojawienia się różnych stylów i kierunków. Nowe brzmienie, niezwykłe i nieprzyzwyczajone do ucha, stało się innowacją w muzyce. Wielu znanych współczesnych kompozytorów, np. K. Stockhausen, O. Messiaen, A. Schnittke, mimo złożoności pracy z technologią, tworzyło utwory przy użyciu nowych instrumentów elektronicznych lub tylko na nich.

Kolejnym etapem rozwoju muzycznych technologii komputerowych były badania i rozwój metod syntezy dźwięku.

Inżynierowie zajęli się analizą widm instrumentów akustycznych oraz algorytmami syntezy barw elektronicznych. Początkowo obliczenia drgań dźwięku wykonywał procesor centralny, ale z reguły nie w czasie rzeczywistym. Dlatego na pierwszych komputerach tworzenie utworu muzycznego było bardzo żmudnym procesem. Trzeba było zakodować nuty i przypisać barwy, następnie uruchomić program do obliczenia fali dźwiękowej i poczekać kilka godzin na odsłuchanie wyniku. Jeśli muzyk, a raczej programista-operator, dokonywał jakichś zmian w programie partyturowym, znowu musiał czekać kilka godzin przed słuchaniem. Jasne jest, że taka praktyka muzyczna nie mogła być masowa, ale badacze fenomenu muzyki chcieli pójść dalej niż zwykłe użycie maszyny jako elektronicznej pozytywki. W ten sposób powstał inny - całkiem naturalny - kierunek muzycznego wykorzystania komputerów: generowanie, generowanie samego tekstu muzycznego.

Już w latach 50., przy użyciu pierwszych komputerów, naukowcy podejmowali próby syntezy muzyki: komponowania melodii lub aranżowania jej ze sztucznymi barwami. Tak powstała muzyka algorytmiczna, której zasadę zaproponował jeszcze w 1206 roku Guido Marzano, a następnie zastosował W. Mozart do automatyzacji komponowania menuetów - pisania muzyki według utraty liczb losowych.

Kompozycje algorytmiczne tworzyli P. Boulez, J. Xenakis, K. Shannon itp. Autorem słynnej „Suity Illiac” (1957) był przede wszystkim komputer, a współautorami kompozytor Leyaren Hiller oraz programista Leonard Isaacson. Trzy części są bliskie muzyce ścisłej, a czwarta wykorzystuje formuły matematyczne, które nie mają nic wspólnego ze stylami muzycznymi. P. Boulez i J. Xenakis stworzyli do swoich utworów specjalne programy, każdy dla określonej kompozycji. Pierwszą pracą J. Xenakisa, demonstrującą stochastyczną (algorytmiczną) metodę kompozycji muzycznej, była „Metastasis” (1954) – praca, w której J. Xenakis obliczył algorytm, który następnie zastosował do realizacji projektu architektonicznego Corbusiera w forma Pawilonu Philipsa na Wystawie Światowej w 1958 roku.

Historia rozwoju muzycznych technologii komputerowych jest w dużej mierze związana z rosyjskimi naukowcami i badaczami. L. Theremin, E. Murzin, A. Volodin stworzyli unikalne sposoby syntezy dźwięku nie „po”, ale „przed” swoimi zachodnimi kolegami. A. Tangyan pracował nad problemami rozpoznawania i autonotacji. R. Zaripov, który „komponował” utwory muzyczne na maszynie uralskiej, swoje badania poświęcił analizie i generowaniu tekstów muzycznych, tworzeniu kompozycji algorytmicznych. Podstawą takich algorytmów był szczegółowy proces dla różnych elementów tekstury muzycznej (kształt, rytm, wysokość itp.). Zaripov wydedukował cały zestaw matematycznych zasad komponowania takich melodii. Melodie uralskie, jak nazywał te melodie, były monofoniczne i były albo walcem, albo marszem.

Co więcej, są to tylko nazwiska badaczy, których prace są rozpoznawane poza Rosją. Było jednak wiele innych, lokalnych wydarzeń. Nie jedyną, ale jedną z godnych uwagi jest pierwsza domowa karta dźwiękowa i interfejs MIDI do komputera Agat-7 (analogicznie do Apple II) z własnym oprogramowaniem muzycznym. Wszystko to miało miejsce w połowie lat 80-tych. XX wiek, kiedy IBM-XT był jeszcze daleko od wszystkich uczelni technicznych, a przeciętny użytkownik nie miał pojęcia o znakach towarowych Sound Blaster (Creative Labs, http://www.creat.com) i Voyetra (Voyetra Technologies, http://www.voyetra.com).

Podobnie jak w innych dziedzinach (na przykład w grafice i animacji), w muzycznej technologii komputerowej opracowano dwa zasadniczo różne podejścia. Pierwsza związana jest ze sterowaniem parametrycznym modelem dźwięku, części, pracy, druga - z działaniem analogu rzeczywistego obiektu. Oba podejścia mają zarówno zalety, jak i wady i stale ewoluują. Podczas gdy niektórzy inżynierowie starali się osiągnąć maksymalną wiarygodność w syntezie barw akustycznych, inni opracowywali metody operowania prawdziwym dźwiękiem. Jeśli ta pierwsza rozwiązywała problemy optymalizacji parametrów syntezy i kontroli wydajności, to ta druga zajmowała się kompresją i dekompresją danych, czyli problemami fal dźwiękowych. Ale parametryczne modele obiektów są zawsze bardziej atrakcyjne dla inżyniera, znacznie lepiej nadają się do obsługi i transformacji. Całe pytanie dotyczy tego, jak dokładnie modele opisują rzeczywisty obiekt, jeśli celem jest osiągnięcie wiarygodności. Z badań z zakresu psychologii percepcji wiadomo, że w procesie rozpoznawania wzorców szczególną rolę odgrywają progi rzetelności i mechanizmy przywracania obrazów. Nieprofesjonalista nie będzie już w stanie odróżnić zsyntetyzowanej barwy fortepianu od rzeczywistej właśnie dlatego, że nie ma ona wysokiego progu niezawodności. I całkiem możliwe, że przyszłość muzycznych technologii komputerowych leży w modelowaniu parametrycznym.

Ogromna liczba programów/środowisk, które istnieją dzisiaj, opiera się na trzech podstawowych metodach: stochastycznej, pewnym ustalonym algorytmie i systemach ze sztuczną inteligencją.

Metoda stochastyczna opiera się na generowaniu dowolnych serii dźwięków lub fragmentów muzycznych i może być prezentowana zarówno z komputerem, jak i bez, jak na przykład w pracy Stockhausena.

Sama metoda algorytmiczna jest zbiorem pewnych algorytmów realizujących intencję kompozytora. Algorytm może być przedstawiony jako technika kompozytorska lub jako model generujący dźwięk. Możliwe jest również połączenie tych dwóch funkcji. Unikalnym systemem programowania dźwięku jest program CSound, który jest głównym instrumentem muzyków elektroakustycznych. Program wykorzystuje prawie każdy rodzaj syntezy, w tym FM, AM, subtraktywną i addytywną, modelowanie fizyczne, resyntezę, granulację, a także każdą inną metodę cyfrową. Wiele innych systemów zostało stworzonych w oparciu o CSound (AC Toolbox, CYBIL, Silence, itp.). Dla muzyka tworzenie kompozycji w takim środowisku jest nieco trudne, gdyż wymaga umiejętności i znajomości programowania (choć twórcy twierdzą inaczej). Kompozytor wpisuje polecenia do dwóch plików tekstowych, z których jeden odpowiada za opis samej barwy/instrumentu, drugi powinien zawierać aktualną partyturę. W programie jest niezliczona ilość operatorów, tych cegiełek, które składają się na programowaną przez nas przestrzeń dźwiękową.

Nie mniej popularnym środowiskiem do programowania wirtualnych instrumentów i tworzenia algorytmów do interaktywnego wykonania jest program MAX/MSP opracowany przez paryski Instytut Muzyki Elektronicznej (IRCAM). Jest zaimplementowany jako aplikacja z interfejsem użytkownika zorientowanym obiektowo. Możliwości takiego środowiska to przede wszystkim tworzenie interaktywnej muzyki (podczas występu napisany wcześniej moduł oprogramowania wchodzi w interakcję z odtwarzaną muzyką poprzez interfejs MIDI). Praca w takim środowisku to przyjemność, ponieważ daje to pełną swobodę działania zarówno kompozytorowi, jak i wykonawcy. Program ten jest szeroko stosowany podczas koncertów na żywo – dźwięk tego samego utworu na różnych koncertach będzie inny, jedynie algorytm interakcji między komputerem a wykonawcą pozostaje niezmieniony. Z programu korzysta wielu wybitnych kompozytorów, takich jak Richard Boulanger i Dror Feiler.

Wreszcie możliwe jest wykorzystanie systemów wykorzystujących sztuczną inteligencję. Są to również systemy oparte na regułach, ale ich główną cechą jest umiejętność uczenia się. Celem jest tworzenie kompozycji, które mają uczucie, subtelność i intelektualny urok. Powstający w wyniku algorytm może być albo autonomicznym, ale sztucznie stworzonym systemem muzycznym, albo opartym na analizie pracy kompozytora. Analizując tę ​​lub inną kompozycję, wyprowadza się pewien zestaw reguł kompozycyjnych, instrukcje rozwoju tematycznego, barwę, fakturę. I tu pojawia się paradoksalny przypadek, z jednej strony mamy maszynę zdolną do wytworzenia produktu mniej lub bardziej zbliżonego do ludzkiego standardu, ale z drugiej noszącego piętno warsztatu kompozytora. To samo można powiedzieć o kompozytorach, którzy stworzyli własne programy algorytmiczne. W takich kompozycjach funkcje kompozytora i właściwy „proces komponowania” programu są wyraźnie rozdzielone.

Dziś maszyna nie jest jeszcze w stanie prześcignąć ludzkiej inteligencji i zamienić swojego produktu w sztukę. Ten czy inny system nie jest w stanie samodzielnie generować myśli, uczuć. Z jakimkolwiek stopniem perfekcji nigdy nie zostanie nie tylko „genialną”, ale także „utalentowaną” kompozytorką. Nawet idealna maszyna nie będzie w stanie zdobyć tej nieuchwytnej rzeczy, która zawsze będzie odróżniać naturę ożywioną od nieożywionej (choć doprowadzoną do idealnego stopnia doskonałości). Stała się jednak dobrą pomocą w rękach mistrza, kompozytora, oszczędzając mu marnowania ogromnej ilości czasu na obliczenia i konstrukcje technologiczne, które w miarę rozszerzania się sfery środków wyrazowych w muzyce komplikują się coraz bardziej.

Tak więc dzisiaj dla muzyków komputer otwiera szerokie możliwości twórczych poszukiwań. W tak specyficznej działalności, jaką jest sztuka muzyczna, komputer jest nie tylko doskonałym pomocnikiem, ale w niektórych przypadkach doradcą i nauczycielem. Można wymienić tylko niektóre możliwości komputera muzycznego: nagrywanie, edycja i drukowanie partytur; nagrywanie, edycja i dalsze wykonywanie partytur za pomocą komputerowych kart dźwiękowych lub zewnętrznych syntezatorów połączonych interfejsem MIDI; digitalizacja dźwięków, szumów o różnym charakterze oraz ich dalsza obróbka i transformacja za pomocą programów sekwencerowych; harmonizacja i aranżacja gotowej melodii z wykorzystaniem wybranych stylów muzycznych oraz możliwość ich edycji do własnego wymyślenia (stylów); komponowanie melodii na zasadzie losowej poprzez sekwencyjny dobór dźwięków muzycznych; kontrolować dźwięk instrumentów elektronicznych, wprowadzając określone parametry przed rozpoczęciem występu; nagrywanie części instrumentów akustycznych i akompaniamentu głosu w formacie cyfrowym z ich późniejszym przechowywaniem i przetwarzaniem w programach do edycji dźwięku; programowa synteza nowych dźwięków z wykorzystaniem algorytmów matematycznych; nagrywanie płyt audio CD.

Wszystkie te różnorodne możliwości komputera pozwalają na jego wykorzystanie zarówno w edukacji muzycznej, jak i w zakresie twórczości zawodowej kompozytorów, realizatorów dźwięku i aranżerów.

Irina Biriukowa
Nowoczesne technologie edukacyjne w pracy dyrektora muzycznego przedszkolnej instytucji edukacyjnej

Miejskie Przedszkole Autonomiczne instytucja edukacyjna

dzielnica miejska przedszkola Korolev MO nr 39 o typie ogólnorozwojowym

"Słoneczne miasto"

"Nowoczesne technologie edukacyjne w pracy dyrektora muzycznego przedszkolnej instytucji edukacyjnej. "

Muzy. ręce Biryukova I. A.

iść. Korolew 2015

Wstęp

Lista źródeł literackich

Aplikacja

Wstęp.

Realizując metodologię musical rozwój dzieci w wieku przedszkolnym, stwierdziłam, że dziecko i muzyka jest niezwykle podobna, przestrzenie dzieciństwa i muzyka są nierozerwalnie związane z pojęciem zabawy. Ten wniosek stał się dla mnie punktem wyjścia, określającym istotę pedagogiki technologie muzyczne edukacja i rozwój dzieci w wieku wczesnoszkolnym i przedszkolnym. Ścieżką, którą pokonuje dziecko, odkrywając świat dla siebie muzyka, a przy jego pomocy on sam i otaczający go świat jest dla niego niezwykle ważny. To bardzo ciekawa i niezwykła trasa, pomaga dziecku w jego musical dokonań i poszukiwań artystycznych, w realizacji licznych i różne odkrycia.

Dotrzymywać kroku nowoczesne procesy edukacyjne, nauczycielka przedszkolna Edukacja musisz być w stanie nawigować różnorodność integracyjne podejścia do rozwoju dziecka, w szerokim zakresie nowoczesne technologie. Stosowanie nowoczesne technologie w muzyce rozwój przedszkolaka wymaga nowego podejścia do edukacja muzyczna.

Muzyka a zabawa jest źródłem radości dzieci. Składanie wniosku musical zajęcia, różne metody gry, rozwiązuję ważny problem wczesnego musical wychowywanie dzieci - rozwijam wrażliwość emocjonalną na muzyka. W jego praca, używam nowych programów i technologie w różnych rodzajach działalności muzycznej.

Wykorzystanie informacji i komunikacji technologia w muzyce zajęcia pozwalają mi jako nauczycielowi znacznie ożywić stawy edukacyjna relacja z dziećmi, rozszerzając możliwość prezentacji musical i materiał dydaktyczny. Zajęcia z wykorzystaniem ICT aktywizują uwagę przedszkolaka, zwiększają zainteresowanie poznawcze muzyka. Zajęcia stają się bardziej znaczące i harmonijne.

Zadania musical edukacja odbywa się w kilku typach aktywność muzyczna: przesłuchanie muzyka, śpiewanie, muzycznie- rytmiczne ruchy gry muzyczno - dydaktyczne, gry dla dzieci instrumenty muzyczne. Środki nowej informacji technologie zaliczam do wszystkich rodzajów aktywność muzyczna:

W rozdziale "Przesłuchanie muzyka» - prezentacje komputerowe służą do emocjonalnego wzbogacenia procesu - poznanie figuratywne dziecka, powodując chęć wielokrotnego słuchania kompozycja muzyczna.

W rozdziale "Śpiewanie"- umiejętności śpiewania nabywane są w procesie nauki piosenek (bawiąc się dźwiękami Twojego głosu, intonacjami mowy). Pokazanie komputerowej prezentacji piosenki pomaga zainteresować dzieci rozmową, która pasuje do tematu piosenki.

W rozdziale « Muzycznie- ćwiczenia rytmiczne- proces nauki tańców za pomocą filmów edukacyjnych staje się dla dziecka ekscytujący i interesujący.

W rozdziale « Muzycznie– gry dydaktyczne»- wykorzystanie prezentacji dźwięcznych ( „Dobry Mistrz”, „Leśna Orkiestra”, "Czyj dom", „Zgadnij melodię i nastrój”, „Jabłonka” itp.) pomóż dziecku najpierw nauczyć się zadania, a następnie sprawdzić poprawność jego wykonania.

Wykorzystanie technologii ICT pozwala nauczycielowi w jasny i jasny sposób przekazać dziecku informacje o różnych rodzajach sztuki, takich jak teatr, balet, opera.

Kształtowanie fundamentów musical kultura przedszkolaków, gromadzenie doświadczeń musical percepcja przyczynia się technologia rozwój percepcji muzyka. P. Radynova. Algorytm aplikacji technologia w praktyce zajęcia:

Gradacja:

I etap: ustawienie słuchania (rozmowa o utworze muzycznym, znajomość z autorem, tytuł);

II etap: wydajność musical pracuje przez nauczyciela lub słucha nagrania audio;

III etap: definicja emocji - treści figuratywne muzyki("Jakie uczucia mają? muzyka?» );

4 etap: wyróżnianie funkcji oprogramowania i figuratywność, jeśli w ogóle(„O czym on mówi muzyka?» )

5 etap: określenie środków wyrazu, za pomocą których obraz muzyczny(„Jak mówi… muzyka?» );

Co więcej, etapy te można nakładać na siebie na każdej kolejnej lekcji. Pierwszy etap jest kluczowy.

6 etap: Połączenie percepcji muzyka z praktycznymi i kreatywnymi działaniami, które pomagają przedszkolakowi wyrazić swoje doświadczenia w zewnętrznych przejawach, głębiej poczuć postać muzyka aktywnie doświadczać swoich doświadczeń.

Użyj w klasie technologia kształtowanie zdolności motorycznych przez A. I. Bureninę proponuje zmienne formy organizacji procesu pedagogicznego oparte na współpracy dziecka i osoby dorosłej i obejmuje: gradacja:

I etap: imitacja dzieci przykładowy wykonywanie ruchów przez nauczyciela ( "wciągające przedstawienie")

II etap: rozwijanie umiejętności samodzielnego wykonywania poszczególnych ruchów, ćwiczeń i całych kompozycji. (Odbiór jest używany my: pokazywanie wykonania przez dziecko, pokazywanie warunkowych gestów i mimiki, instrukcje słowne, „prowokacje”, tj. specjalne błędy nauczyciela, aby aktywować uwagę dzieci).

III etap: kreatywne wyrażanie siebie.

(Kształtowanie umiejętności samodzielnego wybierania i łączenia znanych ruchów oraz wymyślania własnych, oryginalnych).

hazard technologia kształtowanie kreatywnych umiejętności muzykowania przez T. E. Tyutyunnikova pozwala zachować i rozwijać naturalne muzykalność przedszkolaki na zasadzie równej, interpersonalnej, kreatywnej, wspólnej gry, nieoceniającej proces muzyczny.

Gradacja:

I etap: nauka najprostszych elementów gry musical narzędzia i umiejętność ich zastosowania w praktyce;

II etap: kreatywne tworzenie muzyki - improwizacja odwołanie ze znanym materiałem, umiejętność wykorzystania go na swój sposób, łączenia go na różne sposoby, eksperymentowania i fantazjowania;

III etap: muzyka koncertowa - wykonanie przez zespół dziecięcy niektórych utworów muzyki klasycznej, dziecięcej i folklorystycznej muzyka.

Stosowanie technologia muzycznie- zajęcia teatralne (A. S. Burenina, M. Rodina, M. D. Makhaneva, E. G. Churilova) na musical zajęcia pomagają wprowadzić dzieci w kulturę teatralną, wzbudzają zainteresowanie zajęciami teatralnymi i grami.

Gradacja:

I etap: Poszerzenie i usystematyzowanie wiedzy dzieci o teatrze tematy:

Cechy sztuki teatralnej,

Rodzaje sztuki teatralnej,

Narodziny sztuki

Teatr wewnątrz i na zewnątrz

Kultura zachowań w teatrze.

II etap: „Gra teatralna”- ma na celu nie tyle nabywanie umiejętności i zdolności zawodowych jako dziecko, ale rozwijanie zabawnych zachowań, zmysłu estetycznego, umiejętności kreatywności w każdym biznesie, umiejętności komunikowania się z rówieśnikami i dorosłymi w różnych sytuacjach. Zawiera:

Gry dla rozwoju uwagi słuchowej, kreatywne wyobraźnia i fantazje

Gry z improwizowanymi instrumentami dźwiękowymi;

Trening gry na palcach;

Gry dla rozwoju percepcji natury i treści muzyki. Pracuje

Gry rozwijające uwagę wzrokową

Gry z przedmiotami gospodarstwa domowego i zabawkami

Ćwiczenia z atrybutami rozwoju motoryki małej, uwagi, pamięci, wyobraźnia

Gry akcji z wyobrażony przedmioty lub pamięć czynności fizycznych

Ćwiczenia kształtujące ekspresję wykonania (rozwój mimiki, pantomima)

Etiudy dla rozwoju emocji

Gry szkicowe dla rozwoju kreatywności wyobraźnia

Gry-etiudy do komunikacji

Ćwiczenia i gry dla rozwoju kultury i techniki mowy(ćwiczenia oddechowe i stawowe)

Łamańce językowe

Ćwiczenia rozwijające ekspresję intonacyjną

Kreatywne gry słowne

Dramatyzacja wierszy

Przygotowanie i odgrywanie różne mini-dialogi rymowanki, pieśni, wiersze, różnorodny bajki i dramatyzacje

III etap: Pracuj nad spektaklem(dziewięć podstawowych kroków):

1. Wybór sztuki lub inscenizacji i przedyskutowanie tego z dziećmi.

2. Podział sztuki na odcinki i opowiedzenie ich przez dzieci.

3. Praca nad poszczególnymi odcinkami w formie szkiców z improwizowanym tekstem.

4. Zadanie muzycznie- plastyczne rozwiązanie poszczególnych odcinków, inscenizacja tańców. Tworzenie szkiców scenografii i kostiumów z dziećmi.

5. Przejście do tekstu gra: pracujemy nad odcinkami. Wyjaśnienie proponowanych okoliczności i motywów zachowania poszczególnych postaci.

6. Praca nad wyrazistością mowy i autentycznością zachowania w warunkach scenicznych; konsolidacja poszczególnych scen mise-en-scen.

7. Próby poszczególnych obrazów w różnych kompozycjach ze szczegółami scenografii i rekwizytów (mogą być warunkowe, z aranżacja muzyczna.

8. Próba całości spektaklu z elementami kostiumów, rekwizytów i scenografii. Określanie tempa spektaklu. Wyznaczenie osób odpowiedzialnych za zmianę scenerii i rekwizytów.

9. Premiera sztuki. Dyskusja z publicznością i dziećmi, przygotowanie wystawy rysunków dziecięcych na podstawie spektaklu.

Aplikacja nowoczesne technologie edukacyjne na OD w muzyce edukacja rozwiązuje problem ogólnego rozwoju dzieci poprzez: muzyka, wzbogacają wewnętrzny i duchowy świat dziecka, rozwijają reakcję emocjonalną, tworzą elementarną ideę sztuki, tradycji narodowych i świąt. Zastosowanie tych technologie odpowiadają GEF DO w edukacji proces edukacyjny.

Stosowanie technik i metod zabawy w sytuacjach niestandardowych, problemowych, wymagających wyboru rozwiązań z wielu alternatyw, kształtuje u dzieci elastyczne, oryginalne myślenie. Na przykład w klasie pisanie muzyczne historie, bajek, uczniowie zdobywają doświadczenie, które pozwoli im następnie grać w gry – wynalazki, gry – fantazje. Więc droga, nowoczesne technologie gamingowe są ściśle związane ze wszystkimi aspektami edukacji i praca edukacyjna przedszkole i rozwiązanie jego głównych zadań.

Wniosek: Stosowanie nowoczesne technologie edukacyjne niewątpliwie dał pozytywny wynik. Dzieci mają chęć aktywność muzyczna, a nie tylko śpiewać, tańczyć, ale także słuchać utwory muzyczne. Mówią dość umiejętnie o charakterze, gatunku utworu, znają i używają specjalnego terminologia muzyczna(w twoim wieku). Dzieci samodzielnie monitorują swoją postawę podczas zajęć, obserwują ochronę głosu, są aktywne podczas zabaw i ćwiczeń.

muzyczna rozrywka

„Wycieczka do "Zagraj - miasto"

(dla dzieci z grupy średniej)

Cel: zachęcać dzieci do aktywnego udziału we wszystkich zajęciach.

Zadania:

Edukacyjny: rozwijanie umiejętności wykonywania ruchów zgodnie z charakterem muzyka; śpiewać ekspresyjnie, oddając charakter piosenki.

Edukacyjny: utrwalenie umiejętności wykonywania najprostszego wzoru rytmicznego za pomocą klaśnięć; graj dalej instrumenty muzyczne; kontynuuj naukę śpiewania naturalnym głosem, bez napięcia, wspólnie rozpoczynaj i kończ piosenkę, słuchaj intro; wykonywać razem ruchy taneczne, jak pokazuje osoba dorosła.

Edukacyjny: rozwijać zainteresowanie muzyka.

wstępny Praca: czytanie bajki „Teremok”; nauka krok po kroku z dziećmi na temat ról z bajki; przesłuchanie utwory muzyczne, o innym charakterze; tworzenie kart "Emocje".

Ekwipunek: instrumenty muzyczne, karty z emocjami, sprzęt multimedialny, Centrum muzyki, Teatr lalkowy, "pudełko zadań".

Przebieg zajęć edukacyjnych:

Dzieci mogą wejść do sali z nauczycielem.

Muzy rąk: Cześć chłopaki!

Dzieci: Witam!

Muzy. ręce: Cieszę się, że cię widzę! Dziś mamy gości w klasie, przywitajmy się ze wszystkimi.

Dzieci: Dzień dobry!

Dzień dobry!

Tak miło żyjemy! Witam!

Muzy. ręce: Chłopaki, chciałbym wiedzieć, czy lubisz grać?

(odpowiedzi dzieci)

Muzy. ręce P: W jakie gry lubisz grać?

(odpowiedzi dzieci)

Muzy. ręce: Pytałem Cię o grę nieprzypadkową. Dziś rano otrzymałem list od mojego przyjaciela muzyk kto żyje w magii „Zagraj w miasto”. Jego mieszkańcy uwielbiają się bawić, śpiewać i bawić. Najzabawniejsza z nich wszystkich to Księżniczka Igrul. Ale ostatnio zrobiła się smutna, nie bawi się z nikim, tylko płacze. Mieszkańcy miasta byli z tego powodu zmartwieni i smutni. Mój przyjaciel prosi nas o pomoc, rozweselenie księżniczki i przywrócenie śmiechu i radości miastu. Pomóżmy mieszkańcom "Zagraj - miasta"? Ale mogą to zrobić tylko przyjaźni i mili faceci. Jak myślisz, jak poradzisz sobie z tym zadaniem? Dlaczego tak myślisz?

(odpowiedzi dzieci)

Muzy. ręce: wtedy możesz iść. Znam drogę i poprowadzę Cię. Niestety, w "Zagraj - Miasto" tylko dzieci mogą wejść, więc musicie trzaskać (schemat rytmów) i wypowiadaj magiczne sylaby, abym zamienił się w dziecko. I tak gotowy.

Schemat rhythmoslogów (Gra technologia

Dzieci: (klaskać)

(muzyczna ręka zakłada smyczek)

Muzy. ręce: Cóż, jestem gotowy! Przejdźmy teraz do miasta, w którym głównym gościem jest GRA! Wszedł…

Taniec - rozgrzewka „Czym jest życzliwość” (Technologia

Muzy. ręce: chłopaki, patrzcie, a oto brama "Zagraj - miasta". Bramy są zamknięte. Mój przyjaciel muzyk ostrzegałże na bramie jest zamek, a powinien być w pobliżu „Skrzynia zadań”. Zamek otworzy się, jeśli wykonasz zadanie.

Znajdują skrzynię z muzyką. narzędzia i lalki. Otwarte i kompletne zadania.

1 zadanie:

Opowiedz historię z tymi instrumenty muzyczne, a lalki ci pomogą (bajka „Teremok”)

(Technologia rozwój zdolności twórczych przedszkolaków w muzycznie-działalność teatralna A. S. Burenina, M. Rodina, M. D. Makhaniewa, E. G. Churiłowa)

Muzy. ręce: dobra robota! Bramy są otwarte, można wejść do miasta. A oto „Ścieżka emocji”. Mieszkają tu mieszkańcy „Zagraj - Miasta” i wyjrzyj przez okna, a ich nastrój jest inny. Ustalmy wspólnie w jakim nastroju ktoś jest, to nam pomoże muzyka. Posłuchajmy 1 melodii i wybierzmy odpowiednią kartę.

Dzieci słuchają muzyka D. Kabalewski „Rezwuszka”

Słuchamy 2 melodii i wybieramy żądaną kartę.

Dzieci słuchają muzyka D. Kabalewski "Beksa"

Słuchamy 3 melodii i wybieramy żądaną kartę.

Dzieci słuchają muzyka D. Kabalewski "Zło"

(Technologia rozwój percepcji muzyka. P. Radynowa)

Muzy rąk: dobra robota, odgadliśmy nastrój mieszkańców „Zagraj - Miasta”. Aby nastrój wszystkich mieszkańców był radosny, nauczmy ich gry „Mysz i myszy”

Gra „Mysz i myszy” (gra rytmiczna)

Muzyczne ręce: kontynuujemy naszą podróż. A oto obszar „Radości” oraz „Pałac Szczęścia”. I sama księżniczka Igrul. Ale spójrz, jest smutna. Rozweselmy ją i zatańczmy „Poleczka”.

Taniec "Polka"

(Technologia kształtowanie umiejętności motorycznych przez A. I. Bureninę)

Muzy rąk: patrz, nasza księżniczka uśmiechnęła się i mieszkańcy "Zagraj - miasta" radujcie się też! Klaskaj dla ciebie! Weźmy musical instrumenty i razem wszyscy będziemy się radować, grać na nich.

(Hazard technologia kształtowanie umiejętności kreatywnego muzykowania przez T. E. Tyutyunnikova)

Muzy. ręce: chłopaki, kibicowaliśmy księżniczce Igrulya, a teraz w "Zagraj - miasto" wszyscy znów się bawią. I czas wracać do przedszkola, spóźniliśmy się. A jesienna piosenka nam w tym pomoże. Zaśpiewamy i znajdziemy się w przedszkolu.

Utwór muzyczny "Jesień"

Muzy. ręce: Tu jesteśmy w domu. Och chłopaki, zapomnieli o mnie, muszę zmienić się w dorosłego. Raczej obróć mnie tam, gdzie nasze schematy muzyczne, trzeba klaskać i wypowiadać magiczne sylaby. Gotowy?

(schemat rytmów)

Muzy. ręce zdejmuje łuk.

Muzy. ręce: Dziękuję. Powiedz mi, gdzie byliśmy dzisiaj? Co dobrego zrobili?

Dobra robota chłopcy. Nasza podróż dobiegła końca. Pożegnajmy się z naszymi gośćmi. Do zobaczenia chłopcy!

Bibliografia

1. Merzlyakova, S.I. „Rola klas zintegrowanych w rozwoju przedszkolaków” //« Dyrektor muzyczny» 2010.- nr 2.- str. 2

2. Radynova, O. P. „Przedszkole wiek: jak kształtować fundamenty kultura muzyczna» // « Dyrektor muzyczny» 2005.- №1. -Z. 3

3. Radynowa O.P. „Wiek przedszkolny – zadania edukacja muzyczna» // Edukacja przedszkolna 1994.- nr 2, s. 24 - 30

4. Skopintseva, O. A. Development muzycznie- twórczość artystyczna starszych przedszkolaków” / Skopintseva O. A. - Wołgograd, 2010

5. Tarasova, KV „Rozwój musical umiejętności w dzieciństwie przedszkolnym" // « Dyrektor muzyczny» 2010 - nr 1. - Z. dziesięć

6. Tyutyunnikova, T. MI. „Proste, zabawne, łatwe” // « Dyrektor muzyczny» 2009.- nr 5.-p. cztery

7. A. I. Burenina „Rytmiczna mozaika” 2012 « paleta muzyczna» Petersburg.