Poświęcony pamięci Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa, Zasłużonego Działacza Kultury Obwodu Moskiewskiego, laureata międzynarodowych i ogólnorosyjskich festiwali i konkursów, twórcy i dyrektora muzycznego wiodącego zespołu kreatywnego miasta Moskwy, młodzieżowego zespołu folklorystycznego „Kladets ” oraz rosyjski chór pieśni ludowej „Strona Moskwy” Pałacu Kultury i Sportu „Jakowlewskoje » Moskwa.
Wiaczesław Nikiforowicz był niesamowitą osobą, bezinteresownie zakochaną w swojej pracy, oddającą mu całą swoją kipiącą energię, wszystkie swoje myśli! Skromny i czarujący, fascynował swoją pogodną otwartością i życzliwością.
Strasznie gorzko jest, gdy tacy ludzie odchodzą z ziemskiego życia...
Prawdziwy nosiciel ludowej kultury muzycznej. Talent nadany z góry, wysoka skuteczność, umiejętność wyczucia każdej nuty i przeciągnięcia jej cienką nicią przez serce i duszę pozwoliły Wiaczesławowi Nikiforowiczowi Urskowowi zostać profesjonalistą. Niedawno przyznał, że rozważa utworzenie Centrum Narodowej Kultury Śpiewu Ludowego na bazie Wiodącej Grupy Twórczej Miasta Moskwy, Młodzieżowego Zespołu Ludowego „Kladets” i Rosyjskiego Chóru Pieśni Ludowej „Po stronie Moskwy” Pałacu Kultury i Sportu „Jakowlewskoje” jako główny projekt jego twórczości.
Wiaczesław Nikiforowicz żyje teraz w czynach, które pozostawił na Ziemi, w swoich uczniach, w licznych nagraniach muzycznych i projektach - we wszystkim, co można zobaczyć i usłyszeć! A także w pamięci i miłości wszystkich, którzy go znali, w pamięci i miłości, którą można odczuć tylko po to, aby zrozumieć i połączyć wszystko duchowe i niewyrażalne, co Wiaczesław Nikiforowicz przyniósł na ten świat i co z nim nie odeszło, ale pozostał w duszy i myślach tych, którzy się z nim zetknęli… „nie wszystko umiera…”
Pozostawione przez niego duchowe dziedzictwo to ciężka, ale pełna łaski i radości, codzienna, błogosławiona praca każdego, kto jest godzien tego „brzemienia”. Realizację tej wzniosłej misji mają kontynuować jego współpracownicy i studenci, gdyż taki jest sens ich działalności zawodowej.
Wiaczesław Nikiforowicz Urskow to muzyczny skarb Rosji, chwała osady Nowo-Fiodorowski, dusza strony moskiewskiej i Rosji, nauczyciel, który stał się mentorem i ojcem setek dzieci.
Rosyjska ludowa sztuka instrumentalna straciła błyskotliwą osobowość, wybitną postać muzyczną, wirtuoza, Nauczyciela, człowieka o wielkiej duszy.
Założyciele festiwalu
Giennadij Pantelejmonowicz Penzow
Szef administracji osiedla Nowofedorowskoje w Moskwie
Szczerze się cieszę, że nasza gościnna kraina osiedla Novofedorovsky gości utalentowanych wykonawców, kreatywne zespoły na festiwalu muzyki ludowej Golden Placers.
Nasz festiwal jest poświęcony pamięci genialnego muzyka, nauczyciela, założyciela i kierownika muzycznego rosyjskiego chóru pieśni ludowej „Strona Moskwy” i młodzieżowego zespołu folklorystycznego „Kladets”, Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa.
Niech nasz festiwal „Gold Placers” stanie się wydarzeniem kulturalnym, długo wyczekiwanym spotkaniem szczerych i prawdziwych przyjaciół, których tradycje, muzyka, pieśni, tańce zbliżają nas do siebie.
Twórczość polega na odnajdywaniu siebie, uczeniu się wiary, nadziei i miłości, daje możliwość ufnego i z nadzieją patrzenia w przyszłość, pomaga pamiętać ludzi bezinteresownie oddanych sztuce ludowej, pomaga żyć pamięcią Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa, który od nas odszedł. Wiedział, jak rozpalić zespół, kolegów muzyków swoim entuzjazmem i oddaniem kreatywności. Przypominam sobie wiersze Pasternaka - „Celem kreatywności jest poświęcenie, a nie szum, nie sukces…”. Wiaczesław Nikiforowicz Urskow żyje teraz sprawami, które pozostawił na Ziemi. W jego uczniach, w pamięci i miłości wszystkich, którzy go znali, to, co z nim nie odchodziło, ale pozostało w duszy i myślach tych, którzy się z nim zetknęli.
Z całego serca życzę wszystkim uczestnikom festiwalu sukcesów, nowych twórczych odkryć i osiągnięć.
Nikita Igorewicz Frołow
Dyrektor GBUK Moskwa „DKiS” Jakowlewskoje”
Bardzo się cieszę, że w instytucji kulturalnej organizowany jest festiwal sztuki ludowej – z własnym głębokim znaczeniem, z odniesieniem do akademizmu i z chęcią ukazania kultury rosyjskiej w całej jej głębokiej wspaniałości oczami różnych kreatywne projekty.
Znana postać nauki rosyjskiej Grigorij Landau sformułował ważną cechę kultury: „W kulturze szczyt jest podstawą”. A ja z kolei bardzo się cieszę, że ten festiwal przenika refren osobowości muzyka i nauczyciela Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa - „fundamentu i szczytu”, którego osobiście nie znałem, ale którym byłem nasycony ciepło i niekończący się szacunek. W szczególności po dotknięciu sztuki rosyjskiego chóru pieśni ludowej „Strona moskiewska” i zespołu folklorystycznego „Kladets”, które zostały utworzone przez Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa i Tatianę Nikołajewną Razbojewą i istnieją od prawie 40 lat.
Dziś staramy się troskliwie dbać o te projekty kulturalne, ponieważ zawierają w sobie historię, połączenie pokoleń, złożoną filozofię, szczerość, czystość i głęboką rosyjską duszę o wysokiej moralności i duchowości. Dopóki te projekty żyją, żyje pamięć o wybitnej osobie, którą chcemy tym festiwalem upamiętnić i serdecznie podziękować za całe dobro i realność, jakie zrobił dla nas i dla rozwoju gatunku folklorystycznego. W tym roku zespół folklorystyczny „Kladets” był w trasie koncertowej po Katarze i była to pierwsza trasa grupy bez Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa.
Z woli losu, obserwując empatię artystów na próbach i koncertach, w życiu codziennym, zdałem sobie sprawę, że folklor Wiaczesława Nikiforowicza wcale nie jest sztuką ani kulturą w swoich klasycznych formach i przejawach. To coś więcej. Jest to szczególny i złożony świat, którego dychotomia występuje w sztuce i religii; świat, w którym ludzie współczują sobie nawzajem, przekazują darowizny, zbierają obrazy, a następnie tworzą - zgodnie z prawdą i szczerze, odsłaniając całą istotę Rosjanina cienką koronką. Poświęcony temu człowiekowi - Wiaczesławowi Nikiforowiczowi Urskowowi.
Jewgienij Juriewicz Klepałow.
Dyrektor GBUDO Moscow „Dziecięca Szkoła Muzyczna Novo-Fyodorovskaya”.
Serdecznie pozdrawiam uczestników I Otwartego Festiwalu Sztuki Ludowej „Złociści”, poświęconego pamięci muzyka-pedagoga, nauczyciela Wiaczesława Nikiforowicza Urskowa.
Był kochany przez wszystkich, z którymi pracował, był przyjaciółmi. I uczniowie szkoły muzycznej, którzy od razu zasilili szeregi błyskotliwych wielbicieli i oddanych miłośników sztuki ludowej; i ich rodziców, szczęśliwych, że ich dzieci odkrywają nowy muzyczny świat z taką radością i pragnieniem zanurzenia się w nim raz po raz - naprawdę rzadki stan umysłu zarówno dla dzieci, jak i rodziców. Był kochany przez kolegów i muzyków, którzy byli zainteresowani współpracą z nim. Gdyby tak nie było, ludzie nie potrzebowaliby sztuki, aby wyrazić niewyrażalne, przekazać niewytłumaczalne, odkryć tajemnicę. Muzyka jest sztuką, która bez słów ujawnia czystość w najlepszych intencjach - Miłość, Dobroć, Piękno.
Niech nasz festiwal stanie się miejscem tradycyjnych spotkań muzyków, rozwoju dialogu kulturowego między osadami rejonów Troitsky i Nowomoskovsky w Moskwie a Obwodem Naro-Fomińskim.
Jestem pewien, że festiwal stanie się jasnym wydarzeniem kulturalnym, wyraźnym dowodem zbliżania się zespołów kreatywnych do osiągnięcia wysokiego poziomu sztuk performatywnych.
Powodzenia, powodzenia dla was wszystkich!
Ksiądz Siergiej Bajdakow
Rektor kościoła Michała Archanioła we wsi Biełousowo
Serdecznie pozdrawiam wszystkich uczestników, którzy zgromadzili się teraz w Pałacu Kultury Jakowlewskoje na I Otwartym Festiwalu Sztuki Ludowej „Złote Placery”.
Cieszy fakt, że prezentowane ludowe inicjatywy muzyczne mają przyczynić się do zachowania i wzmocnienia bogatego dziedzictwa historycznego, duchowego i kulturowego naszej Ojczyzny.
Jestem głęboko przekonany, że dziś trzeba aktywnie popularyzować twórcze projekty młodych ludzi, ponieważ dobry przykład rówieśników może zainspirować innych młodych ludzi do samorealizacji i patriotyzmu.
Oczywiście dzieła muzyczne mogą silnie oddziaływać na umysły i serca ludzi, a zatem na ich myśli, uczucia i wolę. Muzyka została nam dana przez Wszechmocnego, abyśmy poprzez nią zbliżali się do Niego. Realizując twórcze idee stajemy się jak Stwórca – Twórca pięknego otaczającego nas świata.
Wyrażam nadzieję, że muzyka ludowa, która z Waszą pomocą powraca do naszego życia, przyczyni się do harmonijnego rozwoju jednostki, wychowania duchowego, moralnego i patriotycznego ludzi. Wykorzystując swoje talenty, wolę i umysł dla dobra, starajcie się nadal ożywiać to, do czego Stwórca przeznaczył każdego z was.
Życzę wszystkim sił, Bożej pomocy i dalszych twórczych sukcesów.
Życzenia od Ministerstwa Kultury
Piotr Aleksiejewicz Sorokin,
Kierownik Katedry Sztuki Śpiewu Ludowego Państwowego Rosyjskiego Domu Sztuki Ludowej im. V.D. Polenova, Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej.
Alewtina Georgiewna Kondratijewa,
Przewodniczący Zarządu Regionalnej Organizacji Społecznej „Towarzystwo Muzyczne” Obwodu Moskiewskiego Zasłużony Pracownik Wszechrosyjskiego Towarzystwa Muzycznego Członek Zarządu Ministerstwa Kultury Obwodu Moskiewskiego Zasłużony Pracownik Kultury Federacji Rosyjskiej.
Emma Georgiewna Kryukowa,
metodolog centrum naukowo-metodologicznego Moskiewskiego Prowincjonalnego Kolegium Sztuki Obwodu Moskiewskiego, Zasłużony Pracownik Kultury Federacji Rosyjskiej.
Wiaczesław Nikiforowicz Urskow, wspaniały akompaniator, aranżer, muzyk z dużej litery, mógłby zrobić wybitną karierę na profesjonalnej scenie. Jednak prawie całe swoje świadome życie, w sojuszu z Tatianą Nikołajewną Razbojewą, poświęcił złożoną i szlachetną pracę ze stowarzyszeniami amatorskimi, które stały się szeroko znane nie tylko w regionie moskiewskim, ale także w innych regionach Rosji, za granicą.
Nie raz mieliśmy okazję uczestniczyć w reportażowych koncertach, obserwować etapy twórczego rozwoju zarówno chóru Moskovskaya Storonushka, jak i zespołu dziecięcego i młodzieżowego Kladets, oceniać ich programy na ogólnorosyjskich i regionalnych konkursach i festiwalach w ramach jury.
Zawsze uderzała mnie jakaś szczególna umiejętność prowadzących, wychowanych przez nich wykonawców, tworzenia atmosfery prawdziwego święta ludowego dla otaczających ich ludzi, sprawiania im radości, empatii, uczenia ich nowych rzeczy, szacunku i kochają tradycje kulturowe swojego ludu.
Serdecznie życzymy uczestnikom i organizatorom tego festiwalu zdrowia, pomyślności w rodzinie, pomyślnej realizacji nowych kreatywnych projektów!
Uczestnicy festiwalu
GBUK Moskwa „DKiS” Jakowlewskoje „
Chór pieśni rosyjskiej „Strona moskiewska”
Nie można sobie wyobrazić wsi bez piosenek, dlatego nie jest zaskakujące, że to tutaj rodzą się utalentowane zespoły śpiewacze, takie jak „Strona Moskowska” ze wsi Jakowlewskoje. Twórcą i liderem zespołu był Wiaczesław Nikiforowicz Urskow. Chór „Strona moskiewska” jest zwycięzcą ogólnorosyjskich festiwali i konkursów. To chór o niesamowitym, wspaniałym, ciekawym losie ... To długowieczny Pałac Kultury Pałacu Kultury i Kultury „Jakowlewskoje”. Zespół prowadzi szeroko zakrojoną działalność koncertową.
Chrzest bojowy artystów to pierwsza trasa koncertowa. Po „stronie moskiewskiej” odbyły się one w Czarnobylu w 1986 roku.
Artyści, laureaci wielu ogólnorosyjskich konkursów i festiwali, od dawna są znani daleko poza granicami naszego regionu. To chór o niezwykle ciekawych losach...
Młodzieżowy zespół folklorystyczny moskiewskiego miasta „Kladets”
Zespół folklorystyczny „Kladets” powstał w 1995 roku w Jakowlewskim Pałacu Kultury i Sportu. Laureat ogólnorosyjskich i międzynarodowych festiwali i konkursów. W 2000 roku otrzymał tytuł Wzorowy. W skład zespołu wchodzą 4 grupy wiekowe: junior, średnia, senior, koncert. Repertuar zespołu jest bogaty i różnorodny. Co roku zespół bierze udział w międzynarodowych festiwalach (Ukraina, Białoruś, Turcja, Rumunia, Włochy, Portugalia, Węgry, Bułgaria, Czechy, Francja, Hiszpania, Katar).
W 2017 roku zespół potwierdził wysoki tytuł - Moscow City Creative Team. Członkowie kolektywu „Kladets” są strażnikami historii i dziedzictwa kulturowego sztuki muzycznej Rosji z jej duchowymi i wielowiekowymi tradycjami ludowymi.
Dyrektor muzyczny Kułakow Władimir Siergiejewicz
Koncertmistrz Sklyarov Jurij Władimirowicz
Choreograf Gwozdiewa Tatiana Nikołajewna
GBUK Moskwa „Dziecięca Szkoła Muzyczna Novo-Fedorovskaya”
Maksym Putilin
Maxim Putilin, uczeń Państwowej Budżetowej Placówki Edukacyjnej w Moskwie „Novo-Fyodorovskaya Children's Music School”. Stał się właścicielem 1. nagrody na międzynarodowym festiwalu-konkursie „Black Sea Olympus”. Laureat I Powiatowego Konkursu-Festiwalu Zespołów. W 2017 roku został laureatem dyplomu na 15. moskiewskim otwartym festiwalu „Northern Stars”. Aleksander Sverdel
Alexander Sverdel, uczeń Państwowej Budżetowej Instytucji Edukacyjnej „Novo-Fyodorovskaya Children's Music School”. Stał się właścicielem 1. nagrody na międzynarodowym festiwalu-konkursie „Black Sea Olympus”. Laureat I Powiatowego Konkursu-Festiwalu Zespołów. W 2017 roku został laureatem dyplomu na 15. Moskiewskim Otwartym Festiwalu Studentów Wydziałów Instrumentów Ludowych, Folkloru i Śpiewu Ludowego Dziecięcej Szkoły Muzycznej i Dziecięcej Szkoły Artystycznej „Northern Stars”. Nauczyciel Kułakow Władimir Siergiejewicz
Zespół harfistów „Tenderness”
Zespół Guslars „Tenderness” powstał w 2013 roku w Państwowej Budżetowej Instytucji Edukacyjnej Edukacji w Moskwie „Novo-Fyodorovskaya Music School”. Dziś zespół kontynuuje swoją twórczą działalność. W zespole działają trzy grupy - junior, medium i senior. Na festiwalu prezentowana jest grupa seniorów zespołu. W 2017 roku grupa seniorów zespołu została laureatem dyplomu 15. Moskiewskiego Otwartego Festiwalu Studentów Wydziałów Instrumentów Ludowych, Folkloru i Śpiewu Ludowego Dziecięcej Szkoły Muzycznej i Dziecięcej Szkoły Artystycznej „Gwiazdy Północy”.
MAUK „Dom Kultury„ Sen ”, s. Selyatino.
Zespół folklorystyczny Zespół muzyki ludowej „Vecherka”
Żałosna grupa orkiestry zespołu ludowego zespołu muzyki ludowej „Vecherka”
Soliści Zespołu Orkiestrowego Zespołu Folklorystycznego Zespołu Muzyki Ludowej Vecherka Timofey i Roman Bakhrevski
Zespół muzyki ludowej „Vechorka” powstał w 1987 roku. W 1995 roku zespół otrzymał honorowy tytuł „Zbioru Ludowego”. W 2016 roku tytuł został pomyślnie potwierdzony 7 razy. W grupie koncertowej wiek artystów wynosi od 7 do 45 lat, dlatego zajęcia prowadzone są zgodnie z zasadą pracowni „od starszego do młodszego”. W skład zespołu wchodzi grupa orkiestrowa i młodsza grupa przygotowawcza.
Szef Czczony Pracownik Kultury Federacji Rosyjskiej Rostam Jakowlewicz MuchajewWzorowy zespół chóru seniorów „Capel”
Zespół wokalny „Lady Capel”
Od tysięcy lat ludzie poszukiwali idealnej społeczności ludzkiej. I wydaje się, że nie ma nic bardziej idealnego niż chór. Chór jest wzorem społeczeństwa ludzkiego w służbie światowej harmonii, gdzie każdy, mając własny głos, sprzeciwia się dysharmonii, nie bojąc się jej.
Chór realizuje marzenie wspólnoty ludzkiej. A sen staje się dźwiękiem – wielkim i potężnym, gigantycznym zewem, wywołującym u słuchaczy gęsią skórkę.
Chór z powodzeniem łączy to, co ważne osobiście, z tym, co ważne społecznie. Osoba nabywa piękny głos, rozwinięte ucho do muzyki, otwartość emocjonalną, krąg podobnie myślących ludzi, przyjaciół, komunikuje się z wysoką muzyką. Społeczeństwo wzbogaca grupa artystyczna, wyspa duchowości i kultury wysokiej” „Kultura podstawą dobrobytu”.
Wzorowy chór zbiorowy „Capel” powstał w 2000 roku i obecnie liczy około 170 dzieci i dorosłych, których łączy zamiłowanie do sztuki chóralnej.
Chór "Capel" stale bierze udział w festiwalach i konkursach różnego szczebla, od regionalnego po międzynarodowy, otrzymując tytuły laureatów i dyplomatów. Prowadzi aktywną działalność koncertową z niezbędnym udziałem wszystkich grup wiekowych.
Kapel współpracuje ze znanymi kompozytorami i profesjonalnymi zespołami kreatywnymi.
Równolegle z edukacją chóralną zespół przykłada dużą wagę do rozwoju dzieci w klasie: umiejętności scenicznych, rozwijania solfeżu, rytmiki, a także gry na instrumentach muzycznych.
Koncertmistrz Jelena Michajłowna Gromowa
Zespół Pieśni Ludowej „Sudarushka”
Zespół „Sudarushka”, oparty na członkach rosyjskiego chóru pieśni, rozpoczął swoją twórczą działalność na początku lat osiemdziesiątych.
Zadaniem zespołu jest stworzenie zespołu amatorskiego, który wykonywałby rosyjskie pieśni ludowe, kompozycje z gier rytualnych, popularne stylizowane pieśni ludowe oraz oryginalne instrumenty muzyczne: łyżki, zhaleyka, grzechotki, rubel, dzwonki, tamburyn itp.
W tym czasie zespół „Sudarushka” przeszedł przez różne etapy swojego powstania i rozwoju. Zespół dał wiele koncertów nie tylko we wsi Selyatino i osadach osady miejskiej, ale także w innych salach koncertowych regionu, a także w Moskwie.
W tym okresie nie zmienił się ani jeden skład. Artyści z różnych powodów odchodzili, ale na ich miejsce przychodzili nowi, przejmując najlepsze tradycje i sposób wykonywania zespołu.
„Sudarushka” zgromadził własny, charakterystyczny dla siebie repertuar. Prezentacje mają różną tematykę. Każde przedstawienie odpowiada kierunkowi wydarzenia, niezależnie od tego, czy jest to Dzień Zwycięstwa, Maslenitsa, 8 marca, czas Bożego Narodzenia itp.
W zespole panuje twórcza, luźna atmosfera. W takim środowisku uczestnicy chętnie ćwiczą, ujawniając swoje zdolności muzyczne. Zawsze chętnie przyjmujemy nowicjuszy do naszej kreatywnej rodziny, pomagamy im zaadaptować się w naszym zespole.
Chciałbym powiedzieć: „Wszystkim, którym nie jest obojętna rosyjska piosenka i ludowe wokale, przyjdźcie! Popracujmy razem!"
Wzorowa grupa „Teatr Tańca „Sen”: grupy seniorów i juniorów
Grupa choreograficzna „Teatr Tańca” Dream” powstała w 1990 roku. W 1995 roku zespół otrzymał tytuł „Wzorowego Kolektywu”, który z powodzeniem potwierdził już 5 razy.
Od 2002 roku pracami zespołu kieruje T.E. Pietrow. Tatyana Evgenievna Petrova jest absolwentką szkoły choreograficznej w Samarkandzie.
Jest doświadczoną nauczycielką i korepetytorką, błyskotliwą reżyserką, autorką szkiców kostiumów. Wraz z pojawieniem się nowego lidera praca zespołu otrzymała szereg nowych kierunków. Repertuar zespołu obejmuje kompozycje utrzymane w stylistyce demi-klasycznej, jazz-modern, innych dziedzin nowoczesnej choreografii, a także taniec ludowy, skecze rodzajowe. Do najbardziej uderzających dzieł grupy i choreografa należą „Różowy walc”, „Iwuszka”, „Tango”, „Fiesta”, „Rosyjska pamiątka”, „Flok”, „Motyle”, „Kodo”, „Georgia” i wiele innych.
Zespół starannie prowadzi pracę na sali - ćwiczenia przy drążku, ćwiczenia na środku, w tym allegro, gimnastyka w parterze, aktorstwo, rytmika.
Członkowie zespołu z liderami i rodzicami często uczestniczą razem w przedstawieniach baletowych, koncertach grup zawodowych. Świąteczne „światła” i wycieczki terenowe są w zespole jasne.
Obecnie w skład zespołu zaangażowanych jest ponad 60 dzieci i młodzieży w wieku od 4 do 18 lat. Stały repertuar koncertowy jest stale uzupełniany o nowych wychowanków, w których z powodzeniem zaszczepia się miłość do tańca i kultury narodowej, pracowitość i twórcze współdziałanie.
Teatr Tańca „Sen” - zwycięzca konkursów regionalnych, ogólnorosyjskich i międzynarodowych.
Choreograf Wiktor Aleksiejewicz Filajew
MBU "DKiS g.p. Aprelewka"
Dziecięcy zespół folklorystyczny nosicieli łyżek „Peresvet”
Zespół powstał w marcu 2015 roku. Skład wiekowy zespołu jest mieszany, w zespole grają dzieci w wieku od 7 do 17 lat. Zespół Łyżnikowców "Pereswiety" bierze czynny udział w działalności koncertowej Pałacu Kultury i Sportu osady. Aprelewka.
10 grudnia 2017 r. dziecięcy zespół folklorystyczny nosicieli łyżek „Peresvets” wziął udział w VI Moskiewskim Międzynarodowym Konkursie-Festiwalu „Złota Koronka”, który odbył się w teatrze folklorystycznym „Rosyjska piosenka” N. Babkiny i został laureat I stopnia.
Szef Aleksander Jurjewicz Iksztadt
Chór Zespołu Ludowego Rosyjskiej Pieśni „Melodia”
Chór MBU Pałacu Kultury i Sportu w Aprelewce powstał w listopadzie 1949 roku na bazie wytwórni płytowej Aprelewka. Jest to jeden z najstarszych zespołów śpiewu ludowego nie tylko w regionie, ale także w Rosji. Chór od wielu lat potwierdza wysoki tytuł Chóru Ludowego Pieśni Rosyjskiej „Melodia”. Członkami chóru są osoby różnych zawodów: robotnicy, robotnicy, inżynierowie i technicy, nauczyciele, pracownicy medyczni, emeryci i renciści. W skład zespołu wchodzą osoby z 30-letnim stażem, weterani chóru oraz młodzi członkowie. Chór jest wielonarodowy. Repertuar chóru jest bardzo różnorodny: liryczny, okrągły, taneczny, kozacki, pieśni autorów radzieckich, rosyjskich i lokalnych, utwory o tematyce duchowej, folklor, współczesne pieśni ludowe i solowe. Zespół ma ogromny potencjał twórczy, chęć do pracy, aby swoją twórczością dawać radość mieszkańcom nie tylko miasta, ale i regionu, propagując kulturę rosyjskich pieśni ludowych.
Przywódca Tatiana Aleksiejewna ŁucakKoncertmistrz Aleksiej Juriewicz Manoszyn,
Władimir Aleksandrowicz Sizicew,
Aleksander Juriewicz Iksztad
MAUK TsDK „Zvezda”
Zespół Pieśni Ludowej „Owsen”
Dziecięcy zespół pieśni ludowej „Owsen” Centralnego Domu Kultury „Zwiezda” w Naro-Fominsku swoją historię liczy od 2005 roku. Od pierwszych dni kieruje nią Tatiana Aleksiejewna Łucak. Specyfika zespołu: skład wykonawców w różnym wieku: od 5 do 20 lat, w którym młodsi wraz ze starszymi z przyjemnością studiują kulturę ludową i ucieleśniają najśmielsze pomysły twórcze na scenie. A ciągłość pokoleń jest oczywista: śpiewają całe rodziny. Repertuar zespołu obejmuje taniec, taniec okrągły, grę, kalendarzowe piosenki z różnych regionów Rosji. Szczególnie ulubiona jest tradycja kozacka.
Zespół „Ovsen” trzykrotny zwycięzca różnych stopni ogólnorosyjskiego festiwalu-konkursu sztuki ludowej „Strażnicy dziedzictwa Rosji” Krasnogorsk 2013-2016. Ogólnorosyjski festiwal „Róża wiatrów”, otwarte międzygminne festiwale „Tęcza talentów”, zwycięzca ogólnorosyjskiego festiwalu „Chwała Ojczyzno!”. Zespół jest stałym uczestnikiem wielu wydarzeń kulturalnych miasta i regionu, zachwycając swoim występem słuchaczy w każdym wieku io różnych preferencjach muzycznych.
Zespół Wokalny Pieśni Ludowej „Bereginya”
Zespół wokalny pieśni ludowej „Bereginya” powstał latem 2008 roku na bazie Centralnego Domu Kultury Zvezda w mieście Naro-Fominsk, liderem jest Tatiana Aleksiejewna Łucak. Miłość do rosyjskiej piosenki łączy i jednoczy ludzi różnych zawodów w jeden przyjazny zespół: nauczycieli, ekonomistów, lekarzy. pracowników, emerytów i studentów. Podstawą zespołu są nasze piękne kobiety w różnym wieku (od 18 do 60 lat). Natychmiastowość, entuzjazm, psoty i entuzjazm - takie cechy są nieodłączne dla wszystkich członków zespołu.
Repertuar zespołu obejmuje ponad 30 pieśni różnych gatunków: akademicką pieśń ludową, pieśń ludową i kozacką, utwory wokalne, mało znane szerokiej publiczności, nagrane nad Donem. Zachowanie tego niewyczerpanego źródła duchowości jest jednym z najważniejszych zadań, jakie stawia przed sobą zespół wokalny Bereginya. Repertuar zespołu obejmuje utwory urodzone w regionie Ryazan, w regionach Stawropola i Wołgogradu, nad Górnym Donem. „Bereginya” - dwukrotny zwycięzca różnych stopni Ogólnorosyjskiego Festiwalu-Konkursu Sztuki Ludowej „Strażnicy Dziedzictwa Rosji”, regionalnego festiwalu „Pamięć pokoleń”, dyplom zdobywca Ogólnorosyjskiego Festiwalu „Słowiański Mieszanina".
Koncertmistrz Igor Wasiljewicz Rudenko
MUK "DK" Moskowski "
Etniczny Zespół Wokalno-Instrumentalny „Lotos”
Etniczny Zespół Wokalno-Instrumentalny „Lotos” powstał w 2016 roku dla dzieci w wieku od 3 do 12+ lat. Zajęcia mają na celu poznanie i wykonanie repertuaru folklorystycznego, a także poznanie tradycji muzycznych narodów świata. Wiele uwagi poświęca się rozwojowi warsztatu artystycznego każdego solisty.
Mimo, że zespół powstał w październiku 2016 roku, młodzi artyści występowali już na scenie przed liczną publicznością. Zespół bierze czynny udział w regionalnych, miejskich i powiatowych festiwalach i koncertach, posiada dyplomy i podziękowania.
Wiodący zespół kreatywny moskiewskiego, rosyjskiego chóru pieśni ludowej „Okolitsa”
Chór powstał w 1999 roku dla osób dorosłych powyżej 30 roku życia w celu popularyzacji tradycyjnego dziedzictwa rosyjskiej pieśni. Repertuar chóru obejmuje dawne pieśni rosyjskie z wielu regionów Rosji.
Wśród międzynarodowych osiągnięć zespołu warto wymienić Grand Prix międzynarodowego festiwalu „Paris Stars” (Francja, 2012), Grand Prix międzynarodowego festiwalu „Stars of the Costa Brava” (Hiszpania, 2013), dyplom II stopnia Festiwalu „Różowa noc nad Adriatykiem” (Włochy, 2014).
Koncertmistrz Andriej Michajłowicz Łukowski
GBUDO Moskwa „Pierwomajskaja Dziecięca Szkoła Muzyczna”
Zespół folklorystyczny „Osyata”
Zespół folklorystyczny „Osyata” powstał na bazie Państwowej Budżetowej Instytucji Edukacyjnej Edukacji Dzieci w Moskwie „Pierwomajskaja Dziecięca Szkoła Muzyczna” w 2011 roku. Podstawą kolektywu są uczniowie dziecięcej szkoły muzycznej Pervomaisky.
Zespół jest wielokrotnym zwycięzcą międzynarodowego wielkanocnego dziecięcego festiwalu wokalno-chóralnego „Jasny Tydzień”, a także międzynarodowych festiwali: „Moresol” (2016), „Jaryłowo Sletie” Briańsk (2017), „Firebird” (2017) i innych .
Soliści zespołu to laureaci I stopnia Ogólnorosyjskiego Festiwalu Tańca Rosyjskiego „Pereplyas” (2017), laureaci I stopnia międzynarodowego festiwalu muzyki i tańca „Tradycja” (2016), laureaci I stopnia miejskiego etnograficznego festiwalu muzyki, tańca, sztuki użytkowej i dekoracyjnej „Timonya” (2017).
Szef Nazarova Venera KhushinovnaZespół Folklorystyczny „Kalinka”
Zespół folklorystyczny „Kalinka” powstał w 2013 roku. Zespół jest stałym uczestnikiem festiwali folklorystycznych Beresten, Na drogach dobroci, Moja Rodzina.
Kierownik Własowa Tatiana NikołajewnaKoncertmistrzowie Shepilov Alexander Nikolaevich, Kovaleva Evgenia Viktorovna
Duet Kovaleva Maria i Sidorova Varvara
Duet Maria i Barbara powstał w 2016 roku. Duet jest laureatem I stopnia międzynarodowego wielkanocnego dziecięcego festiwalu wokalno-chóralnego „Jasny Tydzień” (2017), laureatem Powiatowego Festiwalu Sztuki Ludowej „Ognisty Ptak” (2017), laureatem I stopnia im. Ogólnorosyjski festiwal tańca rosyjskiego „Pereplyas” (2017) 2016), laureat I stopnia międzynarodowego festiwalu muzyki i tańca „Tradycja” (2016), laureat I stopnia miejskiego etnograficznego festiwalu muzyki, taniec, plastyka i rękodzieło „Timonya” (2017).
Kierownik i chórmistrz Nazarova Venera KhushinovnaChoreograf Sivkova Maria Alexandrovna
Koncertmistrzowie Shepilov Alexander Nikolaevich, Kovaleva Evgenia Viktorovna
Rodzaje i gatunki amatorskiej twórczości ludowej. Ich charakterystyka. specyficzne cechy.
Życie współczesnego człowieka jest wielopłaszczyznowe i różnorodne w swoich przejawach. To, jak człowiek odpoczywa, w dużej mierze decyduje o jego samopoczuciu, zdrowiu, a ostatecznie o wydajności. Wysoki rytm życia, przepływ wrażeń i różnorodnych informacji ma bezpośredni wpływ na charakter rekreacji, sposób wykorzystania czasu wolnego, gusta i potrzeby ludzi, ich potrzeby estetyczne. Dlatego wśród ważnych elementów wypoczynku istotne miejsce zajmuje sztuka amatorska. Zawsze znajdzie się miejsce dla tego rodzaju zajęć w szkołach, szkołach średnich i wyższych, przedsiębiorstwach, pałacach i domach kultury, kołach wiejskich itp.
Potrzeba komunikacji, wyrażania siebie, chęć uczestniczenia w życiu publicznym, chęć włączenia się w sztukę, zachęca wiele osób w różnym wieku do udziału w amatorskich przedstawieniach. Twórczość amatorska jest różnorodna, każdy może wybrać taki, jaki mu się podoba. Niektórym bliskie są mobilne i energiczne zajęcia w grupie tanecznej, innym bliskie spokojne i niespieszne tworzenie przedmiotów sztuki i rzemiosła.
Głównym zadaniem performansu amatorskiego jest rozwijanie aktywności społecznej i potencjału twórczego jednostki, organizowanie różnych form wypoczynku i rekreacji, tworzenie warunków do pełnej samorealizacji w zakresie wypoczynku.
Amatorska grupa artystyczna – twórcze stowarzyszenie miłośników jednej z form sztuki, działające na zasadzie wolontariatu w klubach lub innych instytucjach kultury. Zbiorowa inicjatywa ma wiele cech. Jest to obecność jednego celu, liderów, organów samorządowych, a także połączenie publicznych i osobistych aspiracji i zainteresowań członków kolektywu amatorskiego.
Istotne cechy twórczości amatorskiej: dobrowolność uczestnictwa w grupie amatorskiej, inicjatywa i aktywność uczestników zajęć amatorskich, motywacja duchowa uczestników grup amatorskich, funkcjonowanie zajęć amatorskich w zakresie czasu wolnego. Specyficzne przejawy twórczości amatorskiej: organizacja, brak specjalnego przygotowania do działania wśród uczestników zajęć amatorskich, niższy poziom aktywności niż w zespołach zawodowych, bezinteresowność itp.
Można zauważyć, że sztuka amatorska powtarza typy i gatunki, które istnieją w sztuce profesjonalnej. Cecha ta pozwala na twórcze zapożyczenie metod pracy i procesu edukacyjnego oraz w pewnym stopniu repertuaru profesjonalnych wykonawców i zespołów. Etapy zbliżania sztuki amatorskiej do profesjonalnej mogą być różne.
Jeśli profesjonalną sztukę można nazwać pracą, to występ amatorski jest nieodpłatny. Ludzi przyciąga nie materialna korzyść z wykonywania tego czy innego rodzaju twórczości, ale sam udział, przyjemność czerpana z procesu twórczego.
Samozatrudnienie z własnej inicjatywy. Przyczynia się do kształtowania niezależnej osobowości twórczej. Kreatywność jest nie do pomyślenia bez występów amatorskich. Pozwala poznać siebie, rozwinąć swoje zdolności. Amatorski zespół artystyczny to dobrowolne stowarzyszenie miłośników (muzyki, choreografii, teatru itp.) oparte na wspólnych zainteresowaniach i wspólnej twórczości, które przyczynia się do rozwoju talentów jego członków.
Uczestnictwo w amatorskich kołach plastycznych, ćwiczenia w czasie wolnym od pracy, nauka. Jest aktywną formą aktywności społecznej.
Uznaje się, że sztuka amatorska przyczynia się do:
Poszerzenie horyzontów uczestników, kształtowanie cech moralnych i gustu estetycznego.
Aby promować dalszy rozwój masowej twórczości artystycznej, szerokie zaangażowanie w nią nowych uczestników.
Kultura służy ludności.
Promuj rozsądny pełnoprawny wypoczynek, organizację ich rekreacji.
Dziś sztuka amatorska i twórczość techniczna mają zróżnicowaną treść i obejmują wszystkie rodzaje i gatunki:
Aktywność wokalna (śpiew chóralny, solowy).
Muzyczne występy amatorskie (orkiestry, zespoły itp.).
Przedstawienia teatralne amatorskie (teatry ludowe).
Występ choreograficzny.
Sztuki piękne (malarstwo, sztuka użytkowa).
Amator filmowy.
Amator fotografii.
Najwyższą formą manifestacji sztuki amatorskiej jest miano „kolektywu ludowego” i „wzorowego”.
Ta sekcja internetowego portalu artystów Artist.ru „Folklore” zawiera informacje od artystów i zespołów kreatywnych działających w gatunku rosyjskiego folkloru.
Folklor to sztuka ludowa, dzięki której można zrozumieć psychologię ludzi w tych czasach. Z reguły w dziełach folklorystycznych znajdują odzwierciedlenie najważniejsze wartości człowieka i jego życia: rodzina i praca, obowiązek publiczny i miłość do ojczyzny. Znajomość folkloru danego kraju da wyobrażenie o jego mieszkańcach i historii, a także kulturze. Zapraszając zespół folklorystyczny na wakacje, które organizujesz, wzbogacisz tym samym wydarzenie kulturalnie.
Zespoły Folklorystyczne Moskwy
Zespoły folklorystyczne w Moskwie mogą wykonywać różnorodne programy: folklor dla dzieci i folklor muzyczny, folklor nowoczesny i ślub. Rosyjski folklor będzie nieodzowny przy organizowaniu rozrywkowego programu rozrywkowego dla zagranicznych turystów. Cudzoziemcy docenią zarówno piosenki, rymowanki i tańce, jak i liryczne rosyjskie pieśni ludowe. Rosja, będąc największym krajem na świecie, jest bogata w żywy rosyjski folklor. Zespoły folklorystyczne Moskwy nie tylko wykonują dzieła rosyjskiego folkloru, ale także wchłonęły wielowiekowe tradycje ich wykonania. Ponieważ żadna pierwotnie rosyjska uczta nie jest kompletna bez śpiewania pieśni, dlatego święto można wzbogacić występem moskiewskiego zespołu folklorystycznego.
Jeśli reprezentujesz zespół folklorystyczny Moskwy i szukasz pracy związanej z udziałem w imprezach świątecznych i programach rozrywkowych, zarejestruj się na portalu internetowym Artist.ru, a Twoje dane będą dostępne w katalogu artystów w sekcji „Folklor” . Odwiedzający naszą stronę będą mogli w łatwy sposób skontaktować się z Tobą i zaprosić Cię do wzięcia udziału w imprezie świątecznej.
Pojęcie „sztuki ludowej” jest szerokie, pojemne i bardzo niejednorodne co do istoty i poziomu. Obejmuje sztukę chłopską, rękodzieło artystyczne, pracę rzemieślników i tradycję pieśni. Na terytorium Gubkinskaya, ze względu na położenie geograficzne, historyczne i kulturowe, rozpowszechniło się rzemiosło domowe: tkactwo, haft, szydełkowanie, tkanie z wikliny i łyka, skóra, bednarstwo i kowalstwo.
Dziś widzimy efekty wielkiej pracy rozpoczętej w latach 80-tych ubiegłego wieku na rzecz ożywienia tradycyjnej kultury. Kawałek po kawałku pasjonaci i miłośnicy starożytności gromadzili to, co zostało utracone w latach partokracji i prześladowań ludowych tradycji. Miłość do sztuki ludowej i tradycyjnego rzemiosła przekazuje młodszemu pokoleniu 132 rzemieślników i 17 rzemieślników. Uczą dzieci i młodzież podstaw tkania dywanów, haftowania, robienia na drutach, toczenia drewna, rzeźbienia w drewnie i koralików.
Wyobraźnia koronkarki E. Bobylevy tworzy niepowtarzalne wzory ze zwykłych nici. Młody mistrz Teologicznego Domu Rzemiosł A. Lisyutin uczy dzieci zawiłości rzeźbienia w drewnie. W Domu Konszyńskich mistrzowie dzieci przejmują umiejętności tkackie od S. Potiomkina. Dziś zabawka jest zabawna. A w dawnych czasach była talizmanem, chroniącym dzieci przed złymi duchami. Według opowieści starców mistrzowi Domu Rzemieślniczego z Bogosłowki E. Zakharowej udało się przywrócić technologię robienia szmacianej lalki.
W ciągu ostatnich kilku lat tradycją stało się organizowanie regionalnego przeglądu twórczego-konkursu mistrzów sztuki i rzemiosła ludowego „Żywa Ruś”. Odbywa się w celu promowania najlepszych przykładów ludowej sztuki użytkowej, wspierania mistrzów sztuki zdobniczej i użytkowej. Aby ludzie mogli lepiej poznać oryginalnych rzemieślników, Muzeum Sztuki Ludowej w Biełgorodzie zorganizowało wystawę tradycyjnej kultury Gubkińskiego powiatu, gdzie zwiedzający zapoznali się z takimi rzemiosłami jak tkanie dywanów, tkanie na trzcinie, malowanie drewna. Umiejętności dekoracyjnej obróbki drewna zachowały się do dziś dzięki staraniom rzemieślników z Istobnego, Konszyna, Bogosłowki, Siergiejewki.
Badanie najbogatszego dziedzictwa duchowego, odrodzenie i promocja tradycyjnej kultury ludowej pozostawiają żyzny ślad w sercach dzieci, młodzieży, wszystkich mieszkańców terytorium Gubkińskiego, dają nam możliwość dotknięcia prawdziwej sztuki, zachowania ducha tradycje ludowe.
Na początku lat osiemdziesiątych XX wieku sięgają historyczne korzenie zespołu folklorystycznego „Zmartwychwstanie”, dziecięcego zespołu folklorystycznego „Ładuszki”, klubów „Zatajnik” i „Słowiańska Trawnica”, muzeum „Żywy starożytność”. Stanowią podstawę tradycyjnej kultury ludowej terytorium Gubkinskaya.
Zespół Folklorystyczny „Zmartwychwstanie” prowadzi wiele prac badawczych, aby poznać i zachować unikalny styl pieśni naszego regionu, który niestrudzenie wskrzeszając piękne przykłady pieśni ludowych, daje im nowe życie na scenie koncertowej. Zespół czerpie materiał do pracy z wypraw do wiosek obwodu biełgorodzkiego. Każdy członek zespołu współpracuje z wykonawcami pieśni ludowych. Rozszyfrowano ponad 1400 starych pieśni, zebrano unikalne materiały badawcze dotyczące wsi powiatu gubkińskiego: Prisynki, Teply Kolodez, Melavoe itp. Wyprawy pomagają tworzyć nowe zapisy tradycji, rytuałów i pisania piosenek. Cenne jest to, że cały materiał jest aktywnie wykorzystywany podczas seminariów na temat odrodzenia kultury tradycyjnej, w repertuarze zespołu folklorystycznego „Zmartwychwstanie” i dziecięcego zespołu folklorystycznego „Ładuszki”. Twórczość „Zmartwychwstanie” znana jest daleko poza regionem. Zespół jest dwukrotnym laureatem ogólnorosyjskiego konkursu telewizyjnego i radiowego „Głosy Rosji”. Otrzymał pierwszą nagrodę na Międzynarodowym Konkursie „Krasnaja Górka” (Briańsk).
Klub „Zateynik” powstał z myślą o dzieciach i młodzieży, gdzie zapoznają się z kalendarzem i świętami obrzędowymi, poznają dawne zabawy ludowe, kolędy, szewrowki, muchówki, zaklęcia.
W celu ożywienia i wspierania tradycyjnej kultury, w ramach obchodów Dni Literatury i Kultury Słowiańskiej organizowany jest dziecięcy festiwal sztuki ludowej „Majowy Karagod”, który przyczynia się do rozwoju umiejętności wykonawstwa ludowego, rozpoznawania nowych zespoły folklorystyczne.
Przez wiele stuleci na terytorium Gubkinskaja historycznie rozwijały się etniczno-kulturowe więzi i tradycje pieśni. Dziś tradycję pieśniarską reprezentują 23 zespoły folklorystyczne i etnograficzne, w tym 11 dziecięcych. Ich działalność opiera się na odradzaniu i propagowaniu folkloru pieśniowego, oryginalnych tańców i ustnej sztuki ludowej. Życiodajne źródło prastarych pieśni znajduje się we wsi Czujewo, gdzie dziedzictwo pieśni jest pielęgnowane i przekazywane młodszemu pokoleniu przez członków grupy folklorystyczno-etnograficznej Posidelki. Członkowie zespołu folklorystycznego „Rodnik” Teologicznego Domu Kultury krok po kroku odtworzyli starą ceremonię zaślubin. A teraz na terytorium Gubkinskaya stopniowo staje się tradycją organizowanie nowoczesnych wesel w stary sposób.
Chór „Pieśń Rosyjska" powstał na bazie Pałacu Kultury „Budowniczy" - w lutym 1986 r. u początków jego powstania byli liderka Walentyna Grigorowa i koncertmistrz Iwan Czentsow. Wkrótce powstał stabilny zespół liczący 27 osób , której znakiem rozpoznawczym była celowość, chęć wzniesienia się na wyżyny sztuki wokalnej, a na owoce pracy nie trzeba było długo czekać. najbardziej oczekiwany tytuł „ludowy”, przyznany chórowi w 1990 roku.
Przyjazna chóralna rodzina zrzeszała nie tylko profesjonalistów, ale także miłośników pieśni ludowych w różnym wieku: najstarszy uczestnik ma około 80 lat, najmłodszy nieco ponad 20 lat.
Lider zespołu BC Grigorova uważa za główne zadanie nie tylko zachowanie tradycji ludowych, ale także zaszczepienie w młodszym pokoleniu miłości do rosyjskiej piosenki. Jak nie być dumnym z naszych solistów. Na przykład Valentina Besedina zawsze robi zaskakująco interesujące odcienie i biegle posługuje się grzechotkami i łyżkami. Prawdziwą ozdobą wykonywanych utworów jest tamburyn, który w rękach Lidii Sirotkiny brzmi szczególnie głośno i wesoło.
W 1986 roku powstał chór Domu Kultury „Budowniczy” „Rosyjska piosenka”. „Przez 20 lat działalności koncertowej chór objechał wiele miast i regionów. Pamięć, jak klisza fotograficzna, zachowuje najżywsze wrażenia” – mówi Siergiej Szczuplow, koncertmistrz chóru Russian Song. Zabawnych przypadków było więcej niż raz, ale wzajemna pomoc zawsze oszczędzała. w chórze nikt nie pracuje, bo każdy czuje się odpowiedzialny przed publicznością, a repertuar chóru wymaga poważnego podejścia. Są to nie tylko utwory z naszego regionu i różnych regionów Rosji, które pozwalają na pewną improwizację, ale także utwory zapożyczone z repertuaru profesjonalnych grup Woroneskiego Rosyjskiego Chóru Ludowego i Kubańskiego Chóru Kozackiego.
Od ponad 20 lat Gubkintsy jest zadowolony z pracy Akademickiego Chóru Ludowego Weteranów Wielkiej Wojny Ojczyźnianej „Żywa Pamięć”, kierowanego przez Zasłużonego Pracownika Kultury N.N. Nowik. Natalya Nikolaevna ma specjalne wykształcenie muzyczne, a sukces chóru zapewnia właśnie szczęśliwe połączenie profesjonalizmu jego lidera i zamiłowania członków chóru do śpiewu chóralnego.
W placówkach klubowych organizowane są zespoły sztuki ludowej. Ale silniejsze i ciekawsze są powiązania utalentowanych ludzi, którzy odnaleźli się na wakacjach. Dyrektor miejskiego parku kultury i rekreacji V.G. Gdadkikh, z natury swojej działalności urzędowej iz polecenia serca, obchodziła doroczne i ulubione święta mieszczan „Złotą Jesień”. Oto, co zaobserwowała: „Tradycyjny festiwal folklorystyczny Złota Jesień zamienił się w wielkie święto folkloru. I improwizowane występy sprawiły, że tak się stało (5 akordeonistów i bałałajka, którzy przybyli na Zabawę, zawody akordeonowe). Jesienny pracownik pogotowia górskiego BV Abakumow:
„Graj, graj, harmonijko!
Bawcie się dobrze, uczciwi ludzie,
Jeśli nogi się zmęczą
Chodźmy do domu na rękach!”
Ale nikt nie mógł sobie nawet wyobrazić, że powstanie improwizowana konkurencja. Pracownik NIIKMA NF czytał jego wiersze. Iowlew. Emeryt N.Ya. Strażnik czytał także jego wiersze o swoim rodzinnym Gubkinie. A pomyślany konkurs akordeonistów zamienił się w prawdziwe święto folkloru.
Jesteśmy na jesiennych wakacjach -
Baw się dobrze, akordeonie!
Zwabimy Cię naszym śpiewem.
W serce w ogniu!
Zespół folklorystyczny zakładu JBI-2 rozpoczął swój występ od żarliwych, kunsztownych przyśpiewek własnej kompozycji. Eleganckie kostiumy, dźwięczne głosy - nie mogły nie wywołać aplauzu i uśmiechów publiczności.
A tutaj przed publicznością jest zespół folklorystyczny, który przybył na wakacje z pilotażowego zakładu produkcyjnego Siergiejewskoje. Jego przemówienie było, jak mówią, punktem kulminacyjnym programu. W jasnych sukienkach, z bałałajkami, wyszli członkowie zespołu. Pięknie zaśpiewali rosyjskie pieśni ludowe „Łąkowa kaczka” i „Daj mi bałałajkę”. A ditties braci Zavolokin zostały rozrzucone po całej dzielnicy przez M.A. Ovsyannikova.
Święto wprowadzone, święto zaprzyjaźnione... To czyni je jeszcze bardziej atrakcyjnymi dla wszystkich jego uczestników. Obecna „Złota Jesień” wprowadzona, zaprzyjaźniła się z małżonkami emerytowanych Arkhipovów i proca z oddziału KMAelektromontazh A.F. Matsyna. Okazało się, że to wspaniałe trio: Tatiana Prochorowna gra na tamburynie, Michaił Fiodorowicz gra na bałałajce, a Aleksander Fiodorowicz jest akordeonistą.Często takie spotkania kończyły się wieloletnią przyjaźnią i wspólną twórczością.
Sztuka ludowa zostanie zachowana w rodzinach miłośników i wielbicieli starożytności, tradycyjnej kultury ludowej. Ludzie kochają oryginalne przyśpiewki, bałałajkarzy, harmonistów, lamentów na pogrzebach (na weselach już nie krzyczą, te tradycje minęły). Tak więc w Gubkinie znany jest rodzinny zespół miłośników pieśni ludowych Własowów. Babcia, córka, synowa, syn i mała wnuczka zachwycali mieszczan podczas miejskich świąt.
Tak więc twórczość folklorystyczna i pieśniarska jest żywym źródłem duszy ludu. Na terytorium Gubkinskaya zespoły ludowe otrzymały zezwolenie na pobyt stały i zieloną ulicę.
Rozwój sztuki amatorskiej w latach 30
W 1936 Centralny Dom Sztuki Amatorskiej im. NK Krupska została przekształcona w Wszechrosyjski Dom Sztuki Ludowej. NK Krupskaya, który przeniósł swoją główną pracę na wiejskie występy amatorskie. Do wojny rozwijała się i stabilizowała sieć regionalnych i regionalnych domów sztuki ludowej oraz amatorskich domów plastycznych związków zawodowych. Pokazy sztuki amatorskiej stały się bardziej regularne w republikach, regionach i dystryktach. Nadal odbywały się słynne coroczne Leningradzkie Olimpiady twórczości amatorskiej (1933 - 7., 1934 - 8. Olimpiada itp.). Te same olimpiady odbywały się w wielu regionach kraju - na Uralu, Ukrainie, Syberii.
Duże znaczenie dla sztuki amatorskiej miało zorganizowanie Pierwszej Ogólnounijnej Olimpiady Chóralnej latem 1936 roku w Moskwie. Poprzedziły go przeglądy terenowe.
W finale Olimpiady w Moskwie wzięło udział 29 najlepszych chórów, wśród nich DK im. M. Gorkiego i DK im. Pierwszy pięcioletni plan miasta Leningradu, chór tkaczy Vychug, chór budowniczych w Kazaniu. Chóry te, jak zanotowano w jednej z recenzji, „występowały nie tylko nie gorzej, ale czasem nawet lepiej niż chóry zawodowe”.
Recenzje, konkursy, olimpiady spotkały się z wielkim oburzeniem opinii publicznej. W ich trakcie powstały nowe kręgi, opanowano i rozwinięto nowe gatunki. Przede wszystkim aktywnie opanowano nowe gatunki, w szczególności szybko rosła liczba grup popowych i jazzowych, wzbogacano i rozszerzano skład instrumentalny orkiestr ludowych. Znacząco wzrósł „przeciętny” poziom występów kół teatralnych.
W tym czasie zintensyfikowano zainteresowanie ludową sztuką chóralną i instrumentalną. O ile w latach 20. toczyły się dyskusje o wartości chórów ludowych, potrzebnych i zbędnych ludowych instrumentów muzycznych, o tyle w latach 30. stopniowo usuwano te retoryczne pytania. Trwały prace nad organizacją grup tych gatunków, ich modernizacją, poszukiwaniem nowych środków wyrazu, repertuaru. Ludowe chóry i orkiestry pozostały w wielu miejscowościach głównymi dyrygentami muzyki dla mas.
Równie ważne jest to, że od tego czasu sięgają próby odtwarzania i wprowadzania na scenę zespołów folklorystycznych. Po długim „chłodnym” stosunku do tej rozpowszechnionej wówczas formy sztuki ludowej podjęto praktyczne działania w celu „pielęgnowania” i odtwarzania próbek folkloru na scenie klubowej. Jednym ze znanych zespołów folklorystycznych, powstałych w połowie lat 30., był zespół Gdovskaya Starina. Powstał w rejonie gdowskim w obwodzie pskowskim. Zespół zrzeszał miłośników dawnego śpiewu, gry na harmonijkach ustnych i bałałajkach, tańca i nie tylko.
Co ciekawe, członkowie zespołu byli inicjatorami budowy klubu, w którym się osiedlili. W repertuarze zespołu szeroko stosowane były wykonania pieśni ludowych i starożytnych obrzędów. Zespół ten zyskał dużą popularność, wielokrotnie występował w Moskwie w centralnym radiu.
Wiele prac badawczych wykonał Teatr Sztuki Ludowej w Moskwie, założony w marcu 1936 roku. Biorąc pod uwagę doświadczenia tego teatru, w 1937 roku w Kujbyszewie i kilku innych miastach otwarto teatry sztuki ludowej.
Nieocenioną pomoc w rozwoju amatorskiej działalności artystycznej zapewnił Teatr Sztuki Ludowej w Moskwie. Teatr prezentował osiągnięcia najlepszych zespołów w kraju, przygotowywał specjalne programy twórcze, takie jak festyny masowe, zbiegające się w czasie z najważniejszymi wydarzeniami w życiu kraju - świętami pierwszomajowymi, dniami Lenina itp. Dyrektor Teatru B.M. Filippow w artykule opublikowanym w gazecie Trud 18 marca 1937 r. Napisał: „Aby pokazać twórczość narodów ZSRR w całości i różnorodności, potrzebujemy pomocy największych mistrzów sztuki. Wierzymy w wielkie perspektywy teatru, który swoje kadry aktorskie czerpie z mas ludowych”.
Scena teatru była przewidziana do przeprowadzania olimpiad, przeglądów, finałowych koncertów amatorskich. Na bazie teatru działała duża liczba amatorskich kółek demonstracyjnych, kierowanych przez wybitnych mistrzów sztuki. Koło taneczne prowadził I. Moiseev, orkiestrę jazzową - L. Utyosov. Środowisko teatralne stało się swoistym laboratorium twórczym, którego działania przyciągało poszukiwanie nowych form i środków wyrazu.
W omawianych latach występy amatorskie nadal wzbogacały się na linii repertuarowej. Działo się to w różnych kierunkach: po pierwsze, wzdłuż linii zwrócenia znacznej części kręgów ku klasykom rosyjskim i zagranicznym, ku najlepszym dziełom A. Puszkina, A. Glinki, M. Gribojedowa, A. Ostrowskiego, W. Szekspira, M. Musorgski, N. Rimski-Korsakow; sztuk M. Gorkiego, W. Wiszniewskiego, W. Billa-Belotserkowskiego, K. Trainera itp. Po drugie, w kierunku głębszego ujawnienia treści sztuk, ich wyższego poziomu artystycznego i technicznego. Po trzecie, w ramach społecznego przemyślenia próbek sztuki ludowej, coraz bardziej obiektywnego stosunku do nich, wykluczenia ich wulgarno-krytycznej oceny; po czwarte, zgodnie z linią aktywnego odwoływania się do nowego repertuaru sowieckiego.
Do pozytywnych momentów w zakresie repertuaru zaliczyć można także fakt, że przypadki subiektywnej interpretacji i zniekształcania sztuk na życzenie prowadzącego uległy znacznemu zmniejszeniu, wzrosło zainteresowanie folklorem i ostro brzmiącymi utworami społecznymi. Stało się to szczególnie zauważalne od dziesięcioleci organizowanych corocznie w Moskwie sztuki i literatury narodowej.
W ich ramach zademonstrowano również dorobek sztuki amatorskiej. W 1936 roku odbyły się dziesięciolecia sztuki na Ukrainie iw Kazachstanie, w 1937 - Gruzja, Uzbekistan, w 1938 - Azerbejdżan, w 1939 - Kirgistan i Armenia, w 1940 - Białoruś i Buriacja, w 1941 - Tadżykistan.
1 sierpnia 1939 r. otwarto Ogólnounijną Wystawę Rolniczą, na terenie której zaczęły występować najlepsze zespoły amatorskie. Dopiero w 1939 roku szereg rosyjskich zespołów pieśni i tańca, kołchozowy zespół pieśni i tańca Uzbekistanu, chór kołchozów Kazachstanu, zespół komuzów Kirgistanu, zespół aszugów i zurnaczów Azerbejdżanu i inne grupy wystąpił na wystawie.
Wzrosła rola amatorskiej twórczości artystycznej w sferze duchowej, zwiększył się jej wpływ na życie gospodarcze, kształcenie mas, umocnienie obronności kraju.
Sztuka amatorska pomagała w walce z analfabetyzmem, religijnością, które szczególnie mocno dawały się odczuć na wsi. Przedstawienia amatorskie spełniały zadania estetyczne i edukacyjne tam, gdzie profesjonalna sztuka nie docierała i nie mogła aktywnie oddziaływać na ludność.
Na początku lat 30. w Leningradzie po raz pierwszy pojawiły się zespoły muzyczne, które później przybrały formę zespołów pieśni i tańca. W 1932 r. W Domu Kultury Rejonu Wasiljewskiego (obecnie Dom Kultury im. Kirowa) wystawiono wiersz „Akordeon” N. Kuzniecowa. Wykonywał go chór roboczy, orkiestra instrumentów ludowych, czytelnicy i zespół taneczny. W Domu Kultury Współpracy Przemysłowej (obecnie Lensowiecki Pałac Kultury) odbył się szereg ciekawych występów muzycznych. Z okazji 19-lecia października amatorski zespół pieśni i tańca przygotował utwór muzyczny „Ojczyzna”.
W drugiej połowie lat 30. pojawiły się amatorskie koła fotograficzne, a amatorskie występy taneczne i artystyczne znacznie się wzmocniły. Skład instrumentalny rosyjskiej orkiestry ludowej rozszerzył się dzięki wprowadzeniu akordeonów guzikowych, aw republikach powstały pierwsze orkiestry narodowych instrumentów muzycznych.
Wybitny radziecki kompozytor, dyrygent, twórca i lider Krasnoarmejskiego Zespołu Pieśni i Tańca A. Aleksandrow napisał w 1938 r., że zespołowa forma pracy artystycznej powinna się upowszechnić. Duże przedsiębiorstwa mają wszelkie możliwości tworzenia fabrycznych zespołów pieśni i tańca. Jednocześnie wcale nie jest konieczne, aby zespół liczył 150 - 170 osób. Możesz zorganizować małe zespoły 20-30 osób. A. Aleksandrow wyraził szereg fundamentalnych rozważań na temat problemów tej formy, podał zalecenia metodologiczne. W szczególności poruszył organizację badania uczestników, problem repertuaru. Według niego zespół ma możliwość „pracy nad różnorodnym repertuarem ludowym i klasycznym.
Kierownictwo artystyczne zespołu powinno dobrać taki repertuar, który pozwoli na pełne wykorzystanie wszystkich środków artystycznych zespołu, tj. chór i tancerze. Wdzięczny materiał może służyć jako pieśni ludowe i okrągłe, a także pieśni ludów ZSRR w ogóle.
Do 20. rocznicy października podsumowano efekty rozwoju amatorskiej działalności artystycznej na przestrzeni dwóch dekad. Do tego czasu proces ten wyróżniał się wszechstronnością, różnorodnością form, typów i gatunków. Jedynie w zakresie wykonawstwa amatorskiego działały chóry czterogłosowe, chóry pieśni ludowej, chóry teatralne, zespoły pieśni i tańca, studia operowe, śpiewacy-soliści, imitatorzy dźwięku, gwizdacze, duety i tria wokalne; orkiestry - symfoniczne, rosyjskie instrumenty ludowe, dęte, domra, noise, orkiestry jazzowe; zespoły instrumentów narodowych – grający na kanteli, grający na bandurze itp.; kwartety domra i tzw. tria wiejskie - mandolina, bałałajka, gitara; harmoniści, litościwi itp. Sztuka amatorska przekształciła się w rozległą sieć kół dramatycznych, choreograficznych i pracowni. Ich występy gromadziły tysiące widzów i były transmitowane w radiu.
Podczas przeglądów, konkursów, najwyżej oceniono umiejętności zawodowe uczestników, kopiowanie form, repertuar, treść działań grup zawodowych. Zmusiło to liderów do rezygnacji z masowego zaangażowania chcących śpiewać, tańczyć, bawić się, rozwijania prawdziwie amatorskich początków w pracy i skupienia się na wyłanianiu najzdolniejszych spośród uczestników.
Mimo podjętych działań większość liderów środowisk pozostawała niedostatecznie przygotowana. Kontynuowali szkolenie głównie na kursach, które nie wystarczały. I tak w pierwszej połowie 1938 r. na 153 kursach związkowych przeszkolono 445 osób. Spośród nich 185 - na kursach trzymiesięcznych, a reszta - na krótkich kursach i seminariach. Biorąc pod uwagę liczbę kręgów, liczoną wówczas w dziesiątkach tysięcy, przygotowanych było wyraźnie niewiele. Jakość szkoleń w ramach krótkoterminowych kursów i seminariów była niska.
Liczba uczniów w placówkach oświaty specjalnej – technikach muzycznych, plastycznych, teatralnych oraz szkołach w oddziałach organizatorów i instruktorów amatorskich zajęć plastycznych pozostawała niewielka. Ich zwolnienia nie mogły znacząco poprawić składu kadry kierowniczej. Ponadto pod koniec lat 30. nastąpiło dalsze ograniczenie przyjęć na te wydziały.
Mimo wszystko sztuka amatorska pozostawała głównym źródłem zaspokojenia potrzeb estetycznych ludności, zwłaszcza na wsi iw małych miastach. Niezmiernie wzrosła sztuka amatorska i ilościowa. Od początku lat 30., kiedy uczestników było około trzech milionów, ich liczba wzrosła do początku 1941 roku do 5 milionów. Można zauważyć następujący szczegół: jeśli w 1933 r. w jednym klubie związkowym funkcjonowało średnio 6-7 kół (około 160 uczestników), to w 1938 r. – 10 kół (około 200 uczestników). Umiejętności wykonawcze uczestników znacznie wzrosły. Nie tylko poszczególne zespoły i wykonawcy wykazali się wysokim profesjonalizmem podczas przeglądów i olimpiad. W większości sztuka amatorska zrobiła znaczący krok w kierunku mistrzostwa, opanowania zapisu muzycznego.
Dominuje idea organizowania różnorodnej pracy edukacyjnej i twórczej w sztuce amatorskiej, dalszego rozwijania jej specyficznej metodologii. Systematyczny i pełnoprawny proces wychowawczo-twórczy uznano za jeden z głównych czynników zapewniających rozwój amatorskiej działalności artystycznej, opanowanie nowego, coraz bardziej złożonego repertuaru. Rozwój kultury aktorskiej, chóralnej, tanecznej, instrumentalnej i wykonawczej, nowe rytmy, nowe treści, nowe techniki artystyczne i techniczne znalazły się w centrum wszystkich działań kół.
Baza materialna kół została znacznie wzmocniona. Takich gigantów jak Pałac Kultury im. Kirowa w Leningradzie, Pałac Kultury. Stalina w Moskwie, Rybiński Pałac Kultury. Znacznie wzrosły nakłady związków zawodowych na rozwój amatorskich przedstawień i pracę klubów. Znacząco wzmocniono status klubów związkowych. III Ogólnozwiązkowa Konferencja w sprawie pracy klubów związkowych, która odbyła się w kwietniu 1939 r., uchwaliła Regulamin klubu związkowego, który określał jego prawa i obowiązki w stosunku do masowej twórczości artystycznej. Wszystko to stwarzało sprzyjające warunki do rozwoju różnych gatunków twórczości masowej, zwłaszcza w mieście. Szeroko rozwijały się płatne pracownie: instrumentalna, chóralna, literacka, choreograficzna, plastyczna.
Szybko rozwijały się masowe formy występów amatorskich. Tylko od 1935 do 1938 roku liczba uczestników kół muzycznych w klubach związkowych wzrosła ze 197 tysięcy do 600 tysięcy osób, w kołach dramatycznych - z 213 tysięcy do 369 tysięcy.
Ogółem w amatorskich działaniach związkowych uczestniczyło ponad milion osób.
Przeglądy regionalne, które odbyły się przed wojną, a następnie Ogólnozwiązkowy Przegląd Spektakli Amatorskich (grudzień 1940 - styczeń 1941), zorganizowany przez Komitet Sztuki, w pełni pokazały zdobycze i ogromne perspektywy masowej twórczości artystycznej. W Ogólnounijnym Przeglądzie wzięło udział 30 000 zespołów (z czego 22 000 pochodziło ze wsi), w których wzięło udział ponad 417 000 uczestników.
W planach pracy grup teatralnych było zapoznanie się z aktorstwem, mową sceniczną; zespoły muzyczne i chóralne - nauka zapisu nutowego, techniki gry na instrumentach, oprawy głosu; grupy sztuk plastycznych - nauka rysunku, malarstwa, kompozycji; grupy taneczne - zapoznanie z podstawami i metodami tańca ludowego i klasycznego, aktorstwem. Do prowadzenia pracy edukacyjno-wychowawczej w zespołach zaproponowano szerokie wykorzystanie konsultacji korespondencyjnych i korespondencyjnej edukacji artystycznej organizowanej przez amatorskie domy artystyczne i domy sztuki ludowej.
Zwrócono uwagę na konieczność usprawnienia przeglądów, koncertów amatorskich. Przeglądy, olimpiady proponowano organizować w przedsiębiorstwach corocznie, aw całym kraju - zgodnie ze specjalną uchwałą organów partyjnych i państwowych.
Podnoszono kwestie kadrowe, materialne i repertuarowe, na których rozwiązaniu skupiała się uwaga organów związkowych, domów, sztuki ludowej i występów amatorskich.
Instytucje kultury zaczęły realizować ten program amatorskich przedstawień pod koniec lat 30. XX wieku. Nie udało się jednak w pełni rozwinąć. Zaostrzenie sytuacji międzynarodowej, perfidny atak faszystowskich Niemiec na nasz kraj przerwały pokojową pracę twórczą narodu radzieckiego. Sztuka amatorska, jak cała sztuka radziecka, wkroczyła do walki z wrogiem.
Sztuka amatorska podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej
W pierwszych dniach wojny wielu artystów uważało, że ich działalność artystyczna dobiegła końca i byli gotowi do podjęcia wszelkich prac potrzebnych Ojczyźnie. Okazało się jednak, że szczera piosenka, namiętny monolog i taniec pomogły ludziom przekroczyć zgubną linię oddzielającą ich dawne życie od przyszłości, w którą jedni weszli przekraczając próg urzędów werbunkowych, inni – odprowadzając swoich ukochanych te do przodu.
Początek wojny znacznie skomplikował działalność kół. Wynikało to z ogólnych trudności wojny, gwałtownego ograniczenia liczby amatorskich działań artystycznych i konieczności restrukturyzacji jej na wojennych torach. Musiało własnymi środkami pomóc ludowi w walce z najeźdźcami, zdemaskować nieludzką istotę faszyzmu, jego patologiczną nienawiść do socjalizmu.
Pomimo trudności wojny, ujawniła się głęboka natura zainteresowania ludzi twórczością amatorską.
Rozwój amatorskiej działalności artystycznej odbywał się niejako w trzech nurtach - na tyłach, w jednostkach i formacjach czynnych, w oddziałach i strefach partyzanckich. Najpotężniejsza przez wszystkie lata wojny była sieć kółek amatorskich na tyłach, wśród ludności cywilnej, w fabrykach, fabrykach, sowchozach i kołchozach.
Przede wszystkim w pierwszych miesiącach wojny większość kół drastycznie ograniczyła swoją działalność, wiele się rozpadło i przestało działać. Stało się tak z kilku powodów. Po pierwsze, w związku z mobilizacją znacznej części ludności, zwłaszcza mężczyzn, na front; po drugie, z powodu tymczasowej, ale szybko rozprzestrzeniającej się okupacji części terytorium kraju; po trzecie, w związku ze zniszczeniem i przekazaniem na inne potrzeby (wykorzystanie na szpitale, kursy wojskowe, dowództwa formacji itp.) części instytucji klubowych, w wyniku czego koła zmuszone były do zmiany dotychczasowego miejsca pracy i przenieść się do warsztatów, czerwonych zaułków, hosteli itp.; po czwarte, w związku z restrukturyzacją życia codziennego, całego życia na reżim wojskowy, wzrostem zatrudnienia ludności i długością czasu pracy; po piąte, wpływ miał także niekorzystny klimat psychologiczny w kraju, który ukształtował się w pierwszych miesiącach wojny.
Jednym z ekscytujących epizodów wojny jest historia powstania zespołu tanecznego Frontu Leningradzkiego, w skład którego wchodzili nastolatkowie, którzy przed wojną studiowali w pracowni Leningradzkiego Pałacu Pionierów. Kierował nią R. A. Varshavskaya i Arkady Efimovich Obrant (1906 - 1973), inteligentni, wrażliwi nauczyciele, którzy zachęcali dzieci do twórczej inicjatywy, przyczynili się do rozwoju ich uczuć patriotycznych.
W pierwszych dniach wojny Obrant wstąpił do milicji ludowej, aw lutym 1942 r. otrzymał od wydziału politycznego frontu rozkaz odnalezienia swoich byłych uczniów w celu uzupełnienia zespołu propagandowego 55 Armii. Udało mu się zebrać tylko 9 skrajnie wychudzonych chłopaków. Ale miesiąc później Obrant przygotował z nimi kilka numerów tanecznych.
„… 30 marca 1942 r. chłopaki wzięli udział w koncercie na wiecu pielęgniarek i lekarzy… Chłopaki tańczyli, pokonując słabość… A na auli pielęgniarki płakały, nie można było oprzeć się łzom na widok wyczerpanych blokad dzieci, które do ostatka sił próbują wesoło i temperamentnie tańczyć” – wspomina A.E. Obrant.
Po odpoczynku i leczeniu w szpitalu polowym młodzież z zapałem przystąpiła do pracy iw krótkim czasie uzyskała doskonałą formę taneczną. W każdym numerze - a wykonywali głównie tańce o heroicznej treści: tańce Armii Czerwonej i inne - chłopaki włożyli tyle temperamentu i pasji, jakby walczyli w prawdziwej bitwie.
Zespół dał ponad trzy tysiące koncertów dla żołnierzy Frontu Leningradzkiego i mieszkańców miasta. 9 maja 1945 roku podczas uroczystości, które odbyły się na Placu Pałacowym, młodzi tancerze wykonali triumfalny „Marsz Zwycięstwa”. Słusznie zasłużyli na wysoki zaszczyt uczestniczenia w tym święcie. Wyróżnienie to przypadło wielu artystom, którzy wystąpili tego niezapomnianego dnia na placach naszego kraju przed tysiącami widzów. Wojna Ojczyźniana potwierdziła, że radzieccy artyści byli zawsze z narodem – zarówno w czasach klęski, jak iw dniach zwycięstw.
Po zakończeniu wojny wszyscy członkowie zespołu (liczącego już 18 osób) otrzymali ordery i medale oraz zostali zdemobilizowani z wojska.
W 1945 roku zespół został przeniesiony do Lengosestrady, gdzie na jego bazie powstał Leningradzki Młodzieżowy Zespół Taneczny. W trudnych latach wojny sztuka tańca wywarła silny wpływ emocjonalny i ideologiczny na ówczesną publiczność, która pilnie potrzebowała jasnych, radosnych wrażeń. I ten nierozerwalny związek z życiem ludowym nadał nowy impuls rozwojowi radzieckiej choreografii, w tym tańcu różnorodnym, prowokując zarówno nowe tematy, jak i nowe formy ich realizacji.
Amatorska działalność artystyczna lat wojny przestawiła się głównie na pracę w małych zespołach. To pozwoliło im być bardzo mobilnymi, łatwymi do przenoszenia. Łatwo było organizować ich występy w małej sali, na oddziale szpitalnym, na dworcu kolejowym, w miejscu propagandy, na obozie polowym, w czerwonym kącie itp.
Moskiewskie kręgi artystyczne dały ponad trzy tysiące koncertów w jednostkach Armii Czerwonej broniących Moskwy, przy budowie bliższych i dalszych granic. Kolektywy Leningradu wykonały tę samą pracę.
Grupy amatorskie prowadziły wielką pracę koncertową i twórczą wśród żołnierzy Armii Czerwonej zarówno na froncie, jak i na tyłach, przemawiając do nich w miejscach formowania formacji wojskowych, w szpitalach.
Według dostępnych niepełnych danych, tylko w 1943 r. uczestnicy amatorskich występów klubów związkowych dali koncerty dla 1 165 000 żołnierzy, dowódców i pracowników politycznych.
Wśród brygad koncertowych w wielu rejonach odbywały się przeglądy i konkursy o prawo do występów przed żołnierzami pierwszej linii. Do brygad wybrano prawdziwych mistrzów, którzy znali sztukę śpiewu, gry na instrumentach, dane aktorskie, którzy wiedzieli, jak swoją sztuką podnieść ducha bojowników, ich nastrój.
Latem 1942 r. odbył się w Moskwie przegląd miejski zespołów propagandowych, w którym uczestniczyło 50 zespołów. Od 27 grudnia 1942 do 5 stycznia 1943 odbywały się w stolicy występy najlepszych zespołów propagandowych, kół i solistów sztuki amatorskiej.
Szczególnie aktywnie od 1943 r. zaczęto organizować różne przeglądy. Miały ogromne znaczenie. Po pierwsze, umożliwiły aktywniejsze odtwarzanie kół już istniejących i tworzenie nowych, angażowanie nowych członków; po drugie, przeglądy pozwoliły znacznie zintensyfikować działalność artystyczną i twórczą środowisk, zwiększyć liczbę ich występów przed ludnością, w szpitalach, w czerwonych zaułkach itp.; po trzecie, podczas przeglądów lepiej rozwiązano zadania ideowe i wychowawcze; po czwarte, recenzje przyczyniły się do skutecznego rozwiązania problemów samej sztuki amatorskiej, jej kultury wykonawczej, opanowania nowego repertuaru, poszukiwania nowych środków wyrazu i ich upowszechnienia.
W marcu 1943 r. komitet miejski Ogólnounijnej Komunistycznej Partii Bolszewików Leningradu wezwał do organizowania kółek amatorskich przy domach kultury, klubach, czerwonych zaułkach oraz do systematycznego organizowania przeglądów Kh.S. W kwietniu-czerwcu 1943 r. odbył się w oblężonym mieście przegląd amatorskich występów artystycznych, w którym wzięło udział 112 zespołów i 2100 uczestników. Pod koniec roku w sali Małego Teatru Opery w Leningradzie odbył się ogólnomiejski przegląd przedstawień amatorskich. W czasie blokady leningradzkie zespoły amatorskie dały ponad 15 tys. koncertów.
W wojsku rady wojskowe zaczęły organizować przeglądy amatorskich występów w pułkach, dywizjach, armiach i na frontach. Recenzje spotkały się z entuzjazmem żołnierzy. We wszystkich częściach zaczęto tworzyć grupy tancerzy, śpiewaków, muzyków, recytatorów itp.
Od 15 czerwca do 15 września 1943 r. odbywał się Ogólnounijny Przegląd Sztuki Amatorskiej. Zorganizowały ją Ogólnozwiązkowa Centralna Rada Związków Zawodowych i Komitet ds. Sztuki. Przegląd miał ogromne znaczenie dla rozwoju twórczości, obejmował niemal wszystkie regiony kraju. Przeglądy odbywały się w oblężonym Leningradzie, w jednostkach wojskowych, na wielu terenach wyzwolonych spod okupacji. Aktywnie działał komitet organizacyjny przeglądu, który na bieżąco kontrolował jego przebieg, organizował pomoc metodyczną, wizyty magistrów, studentów artystycznych placówek oświatowych, udzielał pomocy patronackiej kołom.
26 czerwca 1943 r. komitet organizacyjny na swoim posiedzeniu wysłuchał sprawozdania z amatorskiego pokazu sztuki w Leningradzie. W decyzji komitetu organizacyjnego zauważono, że zorganizowany w Leningradzie przegląd sztuki ludowej był wydarzeniem, które przyczyniło się do odbudowy i dalszego rozwoju sztuki amatorskiej w bohaterskim mieście. W przeglądzie wzięły udział 122 zespoły, w tym 25 teatralnych, 23 choreograficzne, 22 chóralne, 39 koncertowych, 3 orkiestry smyczkowe, w sumie ponad 2 tys. osób.
W całym kraju, według niepełnych danych, w przeglądzie wzięło udział około 600 tysięcy robotników, kołchozów, pracowników, zrzeszonych w 48,5 tysiącach kołchozów.
25 września 1944 r. sekretariat Ogólnozwiązkowej Centralnej Rady Związków Zawodowych podjął uchwałę „O przeprowadzeniu Ogólnozwiązkowego Przeglądu Chórów Amatorskich i Wokalistów”, który odbył się wspólnie z Komisją Sztuki przy Radzie Ludowej Komisarze ZSRR. Był to ostatni przegląd amatorskich występów artystycznych z okresu wojny.
W celu pomyślnego przeprowadzenia przeglądu chórów i solistów, rozwiązania powierzonych im zadań, Ogólnozwiązkowa Centralna Rada Związków Zawodowych, Komitet Centralny Wszechzwiązkowej Leninowskiej Młodej Ligi Komunistycznej, Komitet Sztuki i inne działy opracowały i wdrożyły poważne działania organizacyjne i metodyczne, przeznaczyły dodatkowe środki finansowe na rozwój kół, zakup strojów, sprzętu, instrumentów muzycznych.
Zaproszono najlepsze zespoły amatorskie do wystąpień w radiu i rozpoczęto inne prace popularyzatorskie. Szczególną uwagę zwrócono na zapewnienie amatorskim chórom i solistom pełnego repertuaru sowieckiego i jego wysokiej jakości wykonania.
Wszystkie zadania przypisane do tego przeglądu zostały wykonane. Amatorskie występy chóralne znacznie odbudowały swoje szeregi, uaktywniła się twórczość w innych gatunkach. Jeśli w połowie 1944 r. było około 5 tys. chórów z 80 tys. uczestników, to rok później było już 9315 chórów i 162 tys. 273 uczestników.
Od 20 sierpnia do 6 września 1945 r. odbył się w Moskwie przegląd końcowy. Wzięło w nim udział 40 najlepszych chórów wyłonionych na konkursach republikańskich i regionalnych, 3325 chórzystów, 29 solistów. Ostatnie występy odbyły się w Sali Kolumnowej, Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego, najlepszych Pałacach Kultury. Koncert finałowy, który odbył się we wrześniu 1945 roku w Teatrze Bolszoj, zaowocował prawdziwym świętem radzieckiej sztuki amatorskiej, wzbudził ogromne zainteresowanie i przyciągnął tysiące nowych uczestników.
W latach 1943 - 1944 swoją działalność wznowiły utworzone przed wojną regionalne domy sztuki ludowej, regionalne domy przedstawień amatorskich. Wkrótce po zniesieniu blokady przywrócono Leningradzki Regionalny Dom Sztuki Ludowej. Te ośrodki metodyczne podjęły różnorodną pracę wspomagającą amatorską działalność artystyczną, celowo ukierunkowały jej rozwój, wzmocniły zasady mecenatu w praktyce chórów, kół teatralnych i orkiestr.
Do 1 stycznia 1945 r. (przebadano 2131 klubów) w klubowych instytucjach związków zawodowych funkcjonowało 39 621 kół zrzeszających 519 682 członków.
W warunkach gwałtownego ubytku profesjonalnych zespołów twórczych swoje funkcje spełniała sztuka amatorska. W najodleglejszych zakątkach kraju, w warsztatach fabryk, w czerwonych zakątkach jej głos brzmiał pełnokrwiście. Sztuka amatorska wraz z całym narodem radzieckim wykuła zwycięstwo w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej.
Sztuka amatorska w okresie powojennej odbudowy
Cechą twórczości amatorskiej w tym czasie było jej przeniesienie na tory czasu pokoju, rozwój i wzbogacenie tych partii w repertuar, treść, formy organizacji, które miały służyć rozwiązywaniu pokojowych problemów związanych z przywróceniem narodowej ekonomia, zaspokojenie nowych potrzeb duchowych i estetycznych ludności.
W procesie tej pierestrojki trudne zadanie przywrócenia rangi amatorskiej działalności artystycznej, wzbogacenia jej treści, mobilizacji nie tylko do gloryfikacji waleczności, bohaterstwa pracy, patriotyzmu i męstwa ducha narodu radzieckiego, ale także dla odzwierciedlenia pokojowych zadań, dla obrony pokoju i ustanowienia ideałów socjalizmu zostały rozwiązane. Wymagało to znacznych wysiłków w celu poprawy stanu i kierownictwa metodologicznego występów amatorskich, szkolenia i przekwalifikowania personelu, stworzenia nowego repertuaru, wzmocnienia jego bazy materialnej itp.
Prace nad rozwiązaniem tych problemów rozpoczęły się od pierwszych pokojowych miesięcy. Odrestaurowano istniejące przed wojną i powstały nowe regionalne i regionalne domy sztuki ludowej, ponownie zaczęto organizować kursy dla liderów, uwolniono je od nadużyć i ponownie budowano kołchozy, sowchozy, państwowe, związkowe kluby . Twórcze związki zwróciły większą uwagę na stworzenie nowego repertuaru.
Poważne wysiłki skierowano na przywrócenie sieci placówek klubowych. W wyniku podjętych działań do końca lat 40. XX wieku liczba placówek klubowych nie tylko osiągnęła poziom przedwojenny (118 tys. klubów, w tym 108 tys. na wsi), ale także znacznie go przekroczyła. W 1951 r. w kraju działało 125,4 tys. placówek klubowych, w tym na wsi 116,1 tys. A pod koniec lat pięćdziesiątych istniało 127 000 instytucji klubowych.
Od czerwca do października 1946 r. odbywał się Ogólnounijny Przegląd Amatorskich Występów Muzycznych i Choreograficznych Robotników i Pracowników. Wzięło w nim udział ponad 770 tysięcy osób. Przeglądu dokonała Ogólnounijna Centralna Rada Związków Zawodowych i Komitet ds. Sztuki przy Radzie Ministrów ZSRR. Przegląd pokazał szybki rozwój gatunków, aktywne poszukiwanie środków wyrazu w wykonaniach amatorskich, jego restrukturyzację w warunkach pokojowych. W koncertach finałowych przeglądu, które odbyły się w Moskwie od 1 października do 9 listopada 1946 r., wzięło udział około 1800 uczestników z różnych miast i regionów kraju. W sumie na początku 1947 roku w amatorskich przedstawieniach uczestniczyło około 3 mln osób.
W repertuarze przedstawień amatorskich dominujące miejsce zaczęły zajmować utwory gloryfikujące powrót do pokojowej pracy, pokojowe budownictwo, walkę o pokój i zjednoczenie wszystkich sił miłujących pokój.
W 1948 r. odbył się pierwszy powojenny ogólnorosyjski przegląd amatorskich przedstawień wiejskich. Podczas przeglądu zorganizowano ponad 11 tysięcy nowych kół. W przeglądzie wzięło udział około 1,5 miliona kolektywnych rolników, pracowników MTS, sowchozów, przedstawicieli inteligencji wiejskiej. Koncert finałowy odbył się w Teatrze Bolszoj w Moskwie, film dokumentalny o nim „Pieśni z pól kołchozowych” został z wielkim sukcesem pokazany na ekranach kinowych kraju.
Osiągnięcia kół amatorskich corocznie prezentowano na przeglądach powiatowych i wojewódzkich, co zaowocowało prawdziwymi świętami sztuki ludowej.
Od stycznia 1951 r. podjęto szereg działań mających na celu wyłonienie najzdolniejszych wykonawców-amatorów i skierowanie ich na studia do konserwatorium i innych placówek oświaty artystycznej.
Krok ten przewidywał nie tylko wzmocnienie grup zawodowych utalentowanymi specjalistami, ale także skierowanie części z nich do pracy z amatorskimi chórami, orkiestrami, zespołami i pracowniami.
Na początku lat pięćdziesiątych na wydziałach pracy kulturalno-oświatowej w moskiewskim, leningradzkim i charkowskim Instytucie Kultury zaczęto kształcić specjalistów, którzy opanowali także pewne umiejętności pracy z grupami amatorskimi.
Tak więc na początku lat pięćdziesiątych amatorska działalność artystyczna z powodzeniem odbudowała swoje szeregi, prowadzono poważne prace nad poprawą wszystkich jej aspektów, zapewnieniem specjalistów.
Pod koniec lat 50. ponownie odrodziły się studia operowe, wielkie orkiestry symfoniczne i ludowe, zespoły teatralne i choreograficzne, które nabrały zdolności wykonywania skomplikowanych dzieł. Wszystko to świadczyło o jakościowo nowym poziomie wykonawstwa i ogólnej kultury twórczości amatorskiej i rzeczywiście odzwierciedlało dynamiczny proces jej rozwoju.
Dalszy rozwój zdobywa amatorski występ bezpośrednio w miejscu zamieszkania, w czerwonych zakamarkach, w warsztatach fabryk, fabryk, gospodarstw. Organy gospodarcze i partyjne sprzyjały działalności kół, udzielały im pomocy i uważały je za jedną z cennych form organizacji wypoczynku ludności.
Na przełomie lat 40. i 50. kompozytorzy-amatorzy otrzymali nowy impuls w rozwoju, pojawiły się pierwsze grupy powojenne, odrodziły się przedwojenne. Członkowie kół aktywnie uczyli się umiejętności pisania, opanowali specjalną wiedzę.
Domy sztuki ludowej, domy występów amatorskich podejmowały różne działania, by pomóc kompozytorom-samoukom. W rezultacie kreatywność staje się jeszcze bardziej masowa i profesjonalna. Wielu z nich było polecanych do nauki w szkołach muzycznych. Jednocześnie amatorska działalność kompozytorska została uzupełniona o osoby po specjalnym przeszkoleniu. Wielu akordeonistów, domrystów, wokalistów itp. zwrócił się do pisania. Kierownicy gospodarstw często prosili ich o napisanie piosenki o roślinie, na rocznicę itp.
Po drugie, brakowało współczesnego, aktualnego repertuaru, odzwierciedlającego nie tylko ogólnospołeczne, państwowe problemy i rytmy, ale także lokalne – regionalne, miejskie, powiatowe. Potrzebowaliśmy piosenek opartych na lokalnych materiałach. A wyszły głównie spod pióra kompozytorów-amatorów.
Po trzecie, ogólnie zwiększona kultura muzyczna i edukacja liderów wykonawstwa amatorskiego, otwarcie specjalnych muzycznych placówek oświatowych w prawie wszystkich ośrodkach regionalnych - szkołach, aw wielu - konserwatoriach również przyczyniło się do rozwoju twórczości amatorskiej.
Jeszcze bardziej wzbogacił się repertuar środowisk muzycznych Leningradu, Moskwy i innych dużych miast. I dotyczyło to nie tylko czołowych grup, ale większości z nich, masowych występów amatorskich.
Na przełomie lat 50. i 60. powszechnie praktykowano organizowanie przeglądów, konkursów, festiwali twórczości amatorskiej w regionach, rejonach i powiatach. Umożliwiły one utrzymanie wysokiego ogólnego tonu jego rozwoju, terminowe eliminowanie pojawiających się „wąskich gardeł”, skuteczne rozwiązywanie zadań społecznych postawionych przez partię narodowi radzieckiemu. Najlepsi przedstawiciele amatorskiego wykonawstwa brali udział w republikańskich, ogólnounijnych konkursach, przeglądach i wystawach.
W latach 1959 - 1960. w regionach, w republikach odbył się przegląd prac artystów-amatorów, a po jego wynikach zorganizowano II Ogólnounijną Wystawę prac artystów-amatorów. Na końcowym etapie przeglądu w Moskwie wystawiono około 5 tysięcy najlepszych dzieł malarstwa, grafiki, rzeźby, sztuki i rzemiosła artystycznego. To prawie 2,5 razy więcej niż na I Ogólnounijnej Wystawie w 1954 roku. W sumie wystawiono do oglądania ponad 500 tysięcy prac w dystryktach, regionach, terytoriach, republikach.
Dalszy rozwój przyniosły pracownie plastyczne, które stały się głównymi formami nauczania rzemiosła amatorskiego. W trakcie przeglądu powstały nowe formy pracy pracowni, kół z ludnością i uczestnikami. Artyści-amatorzy zorganizowali znaczną liczbę galerii sztuki, zarówno w muzeach, jak iw miejscach publicznych i instytucjach kultury. Wykładali sztukę na uniwersytetach publicznych, w salach wykładowych i w pismach ustnych.
W podobny sposób przeprowadzono go na przełomie 1961 i 1962 roku. Ogólnorosyjski przegląd teatrów ludowych.
We wszystkich republikach, terytoriach i regionach Unii odbywały się przeglądy przedstawień amatorskich, które odegrały dużą rolę w jej rozwoju. Na przykład na Białorusi w 1958 roku w Mińsku odbyła się dekada sztuki amatorskiej; w 1959 roku - przegląd amatorskich występów młodzieży szkolnej, kołchozów i sowchozów; w 1961 roku - znowu dekada sztuki amatorskiej w Mińsku.
Ministerstwo Kultury Ukraińskiej SRR jako jedno z pierwszych w kraju otworzyło trzyletnie wydziały zawodów społecznych, na które przyjmowano młodzież na podstawie talonów dla Komsomołu i związków zawodowych. Na wydziałach kształcono liderów kół muzycznych, chóralnych, teatralnych i tanecznych według zatwierdzonego programu nauczania.
W drugiej połowie lat 50. miały miejsce pierwsze wyjazdy sowieckich chórów amatorskich, zespołów pieśni i tańca, zespołów folklorystycznych do NRD, Węgier i Finlandii. Wyjazdy te służyły zacieśnianiu przyjaźni między narodami i przybliżały zagranicznym widzom dorobek sztuki ludowej w pierwszym kraju socjalizmu.
Na międzynarodowych zawodach w 1957 r. 7 radzieckich grup amatorskich otrzymało złote medale laureatów, 8 - srebrne i 7 - brązowe. Wśród nich jest chór ludowy Shestakovskaya MTS regionu Woroneż, zespół pieśni i tańca z Baku itp.
Zaobserwowano poważne trudności z repertuarem kół. Niewiele publikowano i ponownie publikowano dzieła klasyczne. Nie było celowych prac nad wyborem i rekomendacjami, uwzględniającymi cechy i możliwości amatorskich wykonań nowych sztuk.
Domy sztuki ludowej, domy sztuki amatorskiej wyprodukowały przed wojną znaczną liczbę zbiorów sztuk teatralnych, pieśni, instrukcji i podręczników metodycznych, nagrań tańców itp. za pośrednictwem wydawców rządowych. Podobne materiały ukazywały się w dużych ilościach w czasopismach „Sztuka Amatorska”, „Praca Kulturalna Związków Zawodowych” itp. Ich wydawanie ustało w latach wojny. Odrestaurowano je dopiero pod koniec lat 50.
W tym okresie nastąpił wyraźny spadek rozwoju gatunków tradycyjnych. Stopniowo zmniejszała się liczba zespołów ludowych, symfonicznych, orkiestr dętych, chórów ludowych. w 1952 roku Na 6000 domów kultury i klubów związkowych 1123 nie posiadało chórów, 1566 nie posiadało orkiestr, a ponad 3000 nie posiadało zespołów tanecznych. Kolektywy tych gatunków borykały się z poważnymi trudnościami twórczymi, organizacyjnymi i materialnymi.
Wskazywano także na poważne trudności w rozwoju instrumentów dętych blaszanych, muzyki rozrywkowej i sztuki tanecznej.
Zapotrzebowanie na wykwalifikowany personel było odczuwalne we wszystkich gatunkach. Trudności kadrowe, repertuarowe, niewystarczająca pomoc metodyczna wpłynęły na wzrost alfabetyzmu ogólnego i muzycznego uczestników, ucząc ich umiejętności zawodowych w zakresie dramatu, choreografii i innych rodzajów sztuki.
Zadanie polegało na opracowaniu metodyki nauczania, wychowania w wykonaniu amatorskim z uwzględnieniem jego specyfiki, odpowiednich programów i programów, podręczników i pomocy dydaktycznych.
Rozwój amatorskiej działalności artystycznej w okresie od końca lat 30. do końca lat 50. XX wieku, jej wzbogacenie i odbudowa kolektywów, które zostały znacznie zredukowane w latach wojny, zapewniły różne praktyczne działania ze strony instytucji kulturalnych, partyjnych i organizacje publiczne, kierownictwo przedsiębiorstw i kołchozy. Odegrali ważną rolę w powstaniu wysoce artystycznych chórów, orkiestr, teatrów i innych grup, w rozwoju kultury wykonawczej jako całości wśród całej masy kręgów. Publiczny prestiż twórczości amatorskiej wzrastał, coraz aktywniej przenikała ona do praktyki społecznej, sfery wypoczynku ludności. W jego rozwoju zaobserwowano jakościowo nowe procesy, odzwierciedlające zmiany zachodzące w społeczno-ekonomicznej i duchowej sferze życia społeczeństwa radzieckiego.
Sztuka amatorska w latach 60-80
Na początku lat 60. w ramach sztuki amatorskiej działało ok. 550 tys. teatrów, chórów, orkiestr, zespołów innych gatunków, obejmujących ok. 10 mln osób w różnym wieku, wykonujących różne zawody i o różnym statusie społecznym.
Godnym uwagi wydarzeniem w życiu tanecznym na scenie początku lat 60. było pojawienie się na plakacie nowego nazwiska: Vladimir Shubarin.
W artykule Ya Varshavsky'ego, napisanym przez niego w tych samych latach (kiedy krytycy zaczęli przywiązywać dużą wagę do różnorodności sztuki), jest ciekawa obserwacja natury ogólnej, tłumacząca w pewnym stopniu niezwykłą popularność Szubarina. Porównując tancerza popowego z akademickim, krytyk napisał: „Wygląda bardziej powszednio, „ziemsko”, nawet jeśli ma skomplikowaną technikę. Artysta niejako pokazuje widzowi samego siebie - „zwykłą osobę”, drażni w nim twórczy początek, pokazuje, ile w istocie ma talentów.
Wygląd Szubarina jest zwyczajny - rosyjski chłopak, niskiego wzrostu, dobrze zbudowany, choć nie bez skazy. Ale od pierwszego pojawienia się na scenie staje się jasne, że urodził się na scenie.
Głównym urokiem tancerza jest swoboda. Ukłoniwszy się po przyjacielsku i od razu sympatią publiczności zaskarbiwszy przyjaznym uśmiechem, zaczyna opowiadać, to znaczy pokazywać, choć nie bez powodu to zastrzeżenie, jak sprytny, ruchliwy, elegancki jest nasz współczesny, jak lekki charakterystyczna jest dla niego ironia iz jaką zniewalającą prostotą potrafi nieoczekiwanie dokonać tego, co niespotykane.
Twórczość Shubarina, który jest też reżyserem większości wykonywanych przez siebie numerów, idzie w tym samym kierunku, co cała radziecka choreografia. Poszukuje silnej fuzji wirtuozowskiego tańca klasycznego z nowoczesną plastycznością - takiej fuzji technologii i estetyki, z której można tworzyć różnorodne i złożone obrazy. Oczywiście z dodatkiem wyrazistości aktorskiej i fantazji - Shubarin też jest nimi obdarzony.
Vladimir Alexandrovich Shubarin (1934) wszedł na scenę w 1963 roku, mając już tytuł Zasłużonego Artysty RFSRR, który otrzymał jako solista Zespołu Pieśni i Tańca Czerwonego Sztandaru. Wcześniej Shubarin pracował w Zespole Moskiewskiego Okręgu Wojskowego, jeszcze wcześniej - od 1951 do 1954 roku w Chórze Piatnickim, po mistrzowsku wykonując rosyjskie tańce.
Po raz pierwszy Shubarin dołączył do tańca w amatorskim kręgu Klubu Budowniczych miasta Nowokuźnieck, gdzie studiował w technikum metalurgicznym. W kółku kładziono nacisk na naukę tańców ludowych, choć przekazywano też pewne podstawy treningu klasycznego – jednym słowem podano zwykły program zajęć w kółku. Ale jeden z nauczycieli w przeszłości prowadził zajęcia z przemówień. Ale jeden z nauczycieli, który wcześniej występował w orkiestrze jazzowej, wprowadził Shubarina w techniki tańca ekscentrycznego, techniki stepowania i stepowania, które szybko opanował. I tak, zachorowałem na jazz.
Na początku po prostu lubił fantazjować o ruchach do popularnych melodii. Świadomość rytmicznego bogactwa muzyki jazzowej, jej improwizacyjnego charakteru, który daje ogromne pole do twórczości, przyszła do niego później, kiedy stał się dojrzałym tancerzem.
W latach 60. wreszcie zrozumieno, że jazz, choć jest zjawiskiem sprzecznym, korzeniami związany jest ze sztuką ludową, głównie z muzyką murzyńską. Pogląd, który dominował przez wiele lat na jazzie jako „muzyce grubych” przestał przesłaniać „prawdziwą wartość jazzu: jego kolektywność, świętość, widowiskowość, otwartość na bezpośredni udział słuchaczy w muzycznej akcji”.
W 1962 roku kolejne plenum zarządu Związku Kompozytorów RFSRR poświęcone zostało problemom muzyki pieśniowej i rozrywkowej (w tym tanecznej). Otwierając plenum, D.D. Szostakowicz podkreślał: „W ostatnich latach pojawiło się wiele jazzu improwizowanego. Mają szeroką młodzieżową publiczność, wnoszą w muzyczne życie specyficzny muzyczny początek, ale działają bez krytyki i wsparcia. Ich działalność zasługuje na obszerne omówienie, ponieważ zawiera w sobie wiele rzeczy niejasnych, sprzecznych, ale jednocześnie odpowiada na realne potrzeby”. Szostakowicz namawiał kompozytorów do pracy we wszystkich gatunkach i formach muzyki popularnej, pamiętając, że jest to „własność milionów”.
W kolejnych latach nie tylko ten genialny muzyk, ale także wielu utalentowanych kompozytorów tworzyło utwory instrumentalne i popowe piosenki przeznaczone do jazzu. Gorzej było z muzyką taneczną, a co za tym idzie z samym tańcem.
Nieśmiałe próby stworzenia własnego, sowieckiego tańca codziennego nie przyniosły sukcesu, a młodzież z uporem zapragnęła zatańczyć coś nowego. Wraz z melodiami rock and rolla, twista, szyi itp. wyciekły informacje o tym, jak powinny być wykonywane. Najczęściej informacje te okazywały się nietrafne, uzupełniała je własna wyobraźnia tancerzy, którzy nie byli przygotowani estetycznie, nie posiadali elementarnych technik tanecznych. Shubarin wytrwale pogłębiał swoją wiedzę i rozumienie muzyki jazzowej. Uczył się nawet gry na instrumentach perkusyjnych, co pomagało mu w pracy, ucząc go „ułożyć” rytmicznie każdy utwór napisany z myślą o jazzie.
Podczas zagranicznych tras koncertowych Red Banner Ensemble Shubarin nie przegapił okazji do bliższego zapoznania się z jazzowym stylem tańca, który opiera się na wielu elementach nie tylko murzyńskich tańców ludowych, ale także latynoamerykańskich. W Meksykańskiej Akademii Tańca uczęszczał na 10 lekcji na wydziale tańca współczesnego. W Los Angeles, trenując z trupą J. Balanchine'a, Shubarin odkrył zrozumienie i umiejętność łączenia tańca klasycznego ze stylem jazzowym i otrzymał cenne rady od amerykańskiego choreografa. W ten sposób stopniowo gromadziła się wiedza, która stworzyła fundament indywidualnego stylu tańca odmiany stworzonego przez Shubarina.
Orkiestra wykonuje utwór jazzowy, a widz przenosi się w klimat początku stulecia, kiedy melodie jazzowe były jeszcze melodyjne i naiwne, dandysi nosili pasiaki i marynarki, a modne były tańce cake-walk, matchish i charleston. Shubarin nie przywraca tych tańców. Akcentuje tylko ich najbardziej charakterystyczne cechy: synkopę rytmu, pewną manierę wykonawczą, lekką ekscentryczność ruchów. Zręcznie bawi się dodatkami: laską, cylindrem - i kilkoma zupełnie nieuchwytnymi pociągnięciami nagle przywołuje znajome obrazy Chaplina, Harolda Lloyda - pierwszych bohaterów filmów komiksowych, którzy niegdyś podbijali serca widzów.
Niestety Shubarin nie posłuchał opinii profesjonalistów, którzy radzili mu angażować reżyserów w tworzenie swoich programów. Ponadto na scenie zaczęli pojawiać się młodzi choreografowie czujący klimat muzyki jazzowej. Ponadto, będąc ciągle w trasie, czasami występując w ciągu dnia na kilku koncertach, Shubarin był po prostu zmęczony fizycznie i jakoś wyszedł wewnętrznie.
Czując najwyraźniej pewne kłopoty, Shubarin zaczął szukać nowych form budowania programu (kiedyś występował z grupą taneczną, która nie wniosła nic fundamentalnego do jego twórczości). Niestety nie zdawał sobie sprawy, że najważniejsze dla niego było znalezienie choreografa bliskiego zrozumienia zadań popowej choreografii, który mógłby pomóc wyrazić jego ciekawe pomysły w figuratywnym języku tańca. W szczególności rozwój syntezy jazzowych form tańca z elementami narodowymi, tak ciekawie zapowiadany wcześniej przez tego utalentowanego tancerza, który wyznaczył na scenie nowe, wysokie standardy warsztatu wykonawczego, tworząc swój własny, niepowtarzalny gatunek.
W tym czasie nastąpiła promocja i nadanie miana „ludowych” zespołów muzycznych, kręgów innych gatunków. W 1959 r. działały cztery ludowe zespoły muzyczne, aw 1965 r. było ich już 455. Ponadto funkcjonowało 128 zespołów pieśni i tańca oraz 134 zespoły taneczne noszące miano „ludowych”. W sumie w tym czasie było ponad 1600 zespołów folklorystycznych.
Spośród 455 ludowych zespołów muzycznych funkcjonowało 137 orkiestr i 318 chórów.
Pojawienie się zespołów folklorystycznych słusznie uznano za najważniejszy kamień milowy w rozwoju twórczości amatorskiej. Będąc w pewnym sensie wzorcowymi, zespoły ludowe stały się ośrodkami metodycznymi, doradczymi, kołami pomocy i grupami warsztatów, czerwonych zakątków itp.
Ilościowy rozwój sztuki amatorskiej w drugiej połowie lat 60. - na początku lat 70. był szczególnie intensywny. Dość powiedzieć, że w 1970 roku w grupach amatorskich uczestniczyło 13 milionów dorosłych i 10 milionów uczniów. W 1975 roku ponad 25 milionów ludzi zjednoczyło się w działaniach amatorskich. W tym czasie ponad 9 tysięcy grup amatorskich nosiło tytuł „folk”.
Pod koniec lat 60. amatorskie występy klubów systemu Ministerstwa Kultury i spektakle teatralne, które obejrzało około 250 milionów widzów. W połowie lat 70. liczba widzów amatorskich przedstawień zaczęła przekraczać 500 milionów rocznie.
Okres ten obejmuje szeroki rozwój zasad wielogatunkowości w uprawianiu sztuki amatorskiej. Mówimy o powstaniu i szybkim rozwoju takich organizacji amatorskich jak filharmonie ludowe, konserwatoria ludowe, szkoły śpiewu ludowego. Łączyły zarówno całe zespoły amatorskie, muzyczne, chóralne, jak i indywidualnych wykonawców. W każdej republice opracowano Regulamin Towarzystwa Filharmonii Ludowej, który regulował całość organizacyjną, twórczą, finansową itp. praktyki tego typu stowarzyszeń amatorskich. Filharmonie ludowe, konserwatoria, szkoły śpiewu prowadziły poważną, systematyczną pracę wychowawczą, organizowały cykl koncertów, spektakli tematycznych, ukierunkowywały proces twórczego rozwoju chórów, orkiestr, organizowały pomoc metodyczną itp.
W tym okresie nadal rozwijały się amatorskie orkiestry ludowe, zespoły instrumentalne i rosyjskie chóry pieśni.
Warto zauważyć, że orkiestry rosyjskich instrumentów ludowych nadal powstawały nie tylko w Rosji, ale także w wielu republikach związkowych - przede wszystkim na Ukrainie, na Białorusi. W tych latach na Litwie oprócz orkiestr instrumentów narodowych istniało 11 orkiestr rosyjskich instrumentów ludowych.
Organizowane w latach 60. konkursy, festiwale, przeglądy, zarówno w skali kraju, jak i republik, terytoriów, regionów i powiatów, odegrały ważną rolę w doskonaleniu sztuki amatorskiej, doskonaleniu warsztatu uczestników, opanowaniu nowego repertuaru i rozwoju różnych gatunków.
W latach 1963 - 1965 we wszystkich republikach odbywały się konkursy wiejskich występów amatorskich. Wzięło w nich udział ponad 3 miliony osób. Około 5000 chórów, orkiestr, kół teatralnych i zespołów innych gatunków otrzymało różne nagrody. Aktywnie wystąpiły wiejskie chóry ludowe i akademickie, orkiestry ludowe i dęte, na scenie pojawiły się pierwsze rodzinne zespoły muzyczne.
W przeglądzie brały udział zespoły propagandowe, teatry ludowe, chóry i zespoły, orkiestry i zespoły instrumentalne, zespoły taneczne, kompozytorzy-amatorzy, poeci, filmowcy-amatorzy. W trakcie przeglądu w RSFSR ponownie zorganizowano ponad 13 000 kół wiejskich. Ten ogólnorosyjski przegląd wsi Kh.S. Lata 1963 - 1965, zakończone koncertem w Kremlowskim Pałacu Kongresów, zintensyfikowały działalność wiejskich kół amatorskich, podniosły poziom twórczości ideowej i artystycznej, włączyły nowe warstwy mas pracujących w występy amatorskie.
Po zakończeniu przeglądu wiejskich występów amatorskich, podsumowującego jego wyniki w latach 1966 - 1967. Odbył się Ogólnounijny Festiwal Sztuki Amatorskiej, poświęcony 50. rocznicy Wielkiej Socjalistycznej Rewolucji Październikowej. Było to jedno z najbardziej masowych i reprezentatywnych wydarzeń w historii sztuki ludowej: uczestnicy zostali zaproszeni do stworzenia spektakli o tematyce współczesnej i heroicznej.
Ogólnounijny Festiwal Sztuki Amatorskiej zorganizowali wspólnie Państwowy Komitet Rady Ministrów ZSRR ds. Szkolnictwa Zawodowego, Komitet Radiofonii i Telewizji, Związek Kompozytorów ZSRR, Związek Pisarzy ZSRR , Związek Artystów ZSRR, Związek Operatorów ZSRR, towarzystwa teatralne, taneczne i chóralne. W tym 200 tancerzy, 46 choreografów, 13 teatrów, moskiewskie i leningradzkie organizacje koncertowe oraz najstarsze szkoły choreograficzne - Leningrad im. Vaganova i Moskwa.
W uchwale ogłoszono główne zadania przeglądu: dalszy rozwój sztuki amatorskiej, zasilenie szeregów jej uczestników świeżymi siłami, podniesienie ideowego i artystycznego poziomu twórczości mas, rozwój wszystkich rodzajów i gatunków sztuki amatorskiej w kluby, domy i pałace kultury, w miejscu pracy i zamieszkania, nauki, usług; propagowanie sztuką światowo-historycznego znaczenia Wielkiej Socjalistycznej Rewolucji Październikowej, dorobku narodu radzieckiego i narodów innych krajów socjalistycznych; uzupełnienie repertuaru najlepszymi dziełami literatury, muzyki, dramaturgii radzieckich i postępowych autorów zagranicznych; doskonalenie pracy edukacyjnej; wzmacnianie więzi twórczych między masową sztuką amatorską a profesjonalną, systematyczna pomoc grupom amatorskim ze związków twórczych; promocja wśród ludności dorobku sztuki amatorskiej itp.
Zadanie polegało na przyciągnięciu inteligencji twórczej do udziału w organizacji i przeprowadzeniu Ogólnounijnego Festiwalu. Tysiące profesjonalnych pracowników sztuki uczestniczyło w próbach, występach i programach koncertowych chórów amatorskich, orkiestr, organizowało seminaria, konferencje twórcze itp.
Szeroką propagandę osiągnięć sztuki ludowej prowadzono za pomocą radia, telewizji i prasy. Dziesiątki amatorskich grup artystycznych ze wszystkich republik związkowych tworzyło kreatywne reportaże w Telewizji Centralnej. Nawet koncert finałowy Ogólnounijnego Festiwalu był transmitowany z Kremlowskiego Pałacu Kongresów.
Utworzono Ogólnounijny Komitet Organizacyjny, biuro, sekretariat, dyrekcję festiwalu do bezpośredniego zarządzania festiwalem, utworzono sekcje artystyczne, a także sekcję organizacji festiwalu wśród młodzieży szkolnej. Międzywydziałowy charakter wydarzenia pozwolił na wzmocnienie środowiska biznesowego podmiotów kultury, związków twórczych, instytucji artystycznych, związków zawodowych, komsomołu i organizacji wojskowych.
Ogólnounijny Festiwal stał się wielkim wydarzeniem o politycznym i kulturalnym znaczeniu w życiu kraju i wywarł głęboki wpływ na dalszy jakościowy i ilościowy rozwój sztuki amatorskiej.
Od połowy lat sześćdziesiątych występy amatorskie uległy dalszemu znacznemu rozwojowi. Działały kluby piosenki politycznej, studenckiej i turystycznej.
Wiele utworów autorów-amatorów znalazło się w różnych zbiorach repertuarowych, wykonywanych przez zespoły amatorskie. Podczas ogólnorosyjskiego przeglądu sztuki amatorskiej w 1967 r. Na samych tylko przeglądach strefowych wykonano około 500 dzieł stworzonych przez autorów amatorów - kompozytorów, dramaturgów, poetów. Stanowiło to około jednej trzeciej (!) wszystkich wykonanych prac.
Od 11 maja do 21 sierpnia 1972 r. W WOGN ZSRR odbył się konkurs przeglądowy amatorskich zespołów pieśni i tańca republik związkowych, poświęcony 50. rocznicy powstania ZSRR. Zwycięzcom konkursu przeglądowego - zespołom i indywidualnym wykonawcom przyznano złote, srebrne i brązowe medale WOGNu ZSRR, dyplomy honorowe.
Przez dwa lata odbywał się Ogólnounijny Telewizyjny Festiwal Sztuki Ludowej poświęcony 50. rocznicy powstania ZSRR. Odbyło się 18 programów telewizyjnych, w których wystąpiło ponad 12 tysięcy wykonawców-amatorów. Koncert finałowy festiwalu odbył się 29 listopada 1972 roku w Kremlowskim Pałacu Kongresów. Wzięło w nim udział ponad 500 wykonawców-amatorów. Koncert był transmitowany w programie Intervision. W wyniku festiwalu 17 muzyków z 17 zespołów tanecznych otrzymało nagrody i wyróżnienia specjalne.
Ogólnounijnemu jury festiwalu przewodniczył Artysta Ludowy ZSRR S.Ya. Lemieszew. Członkami jury byli znani mistrzowie kultury muzycznej A. Prokoshina, V. Fedoseev, T. Khanum, G. Ots, T. Chaban i inni, którzy jednocześnie przewodniczyli jury festiwalu telewizyjnego w republikach.
W połowie lat 70. było około 23 milionów uczestników H.S. Działało ponad 160 tysięcy chórów akademickich i ludowych, 100 tysięcy zespołów muzycznych, orkiestr i zespołów, ogromna liczba kręgów innych gatunków.
W wyniku działań podejmowanych przez organy państwowe i gospodarcze znacznie wzmocniona została baza materialna klubów, a ich siatka powiększyła się.
W 1970 roku w kraju było 134 tysiące klubów. Znacząco wzrosła liczba wiejskich klubów i domów kultury. Jeśli na początku lat 70. było ich nieco ponad 18 tys., to pod koniec 1975 r. było ich już 34 tys.. Wiejskie domy kultury prowadziły znaczną pracę w zakresie organizowania amatorskiej działalności artystycznej.
Jeszcze korzystniejsze warunki zaczęły się kształtować od 1974 roku w związku z centralizacją klubów i tworzeniem kompleksów kulturalnych. Stworzenie scentralizowanych systemów klubowych umożliwiło zjednoczenie całej pracy wokół klubów bazowych, wiejskich domów kultury, których pracownicy nie tylko prowadzili koła amatorskie w swojej placówce, ale także pomagali oddziałom.
Domy sztuki ludowej, amatorskie domy artystyczne udzielały różnorodnej i systematycznej pomocy amatorskim grupom artystycznym i kółkom wszystkich gatunków: metodycznym, organizacyjno-instruktorskim, twórczym, kadrowym.
Dozwolone było nieuzasadnione przywłaszczanie sobie miana „ludowego” wielu chórów, orkiestr, zespołów tanecznych i teatralnych. Wiele z nich nie spełniało wymagań stawianych zespołom ludowym, nie prowadziło należytej pracy twórczej i wychowawczej.
Druga połowa lat 70. to szereg ważnych wydarzeń w rozwoju sztuki ludowej. Na początku 1976 r. Odbył się XXV Zjazd KPZR. W decyzjach kongresu główne kierunki rozwoju gospodarki narodowej ZSRR na lata 1976-1980. postawiono zadanie dalszego podnoszenia poziomu pracy instytucji kulturalnych i oświatowych, uczelni publicznych oraz rozwijania twórczości artystycznej mas.
W maju - wrześniu 1975 r. W WOGN ZSRR odbył się konkurs przeglądowy amatorskich grup artystycznych poświęcony 30. rocznicy Zwycięstwa. Wzięły w nim udział najlepsze zespoły z republik związkowych – laureaci Ogólnounijnego Festiwalu Sztuki Amatorskiej.
Oprócz występów na otwartej scenie WOGN-u ZSRR zespoły koncertowały w parkach kultury, zakładach i klubach. Zwycięzcom konkursu wręczono dyplomy, a ich liderom i solistom – złote, srebrne i brązowe medale oraz nagrody pieniężne.
Szczególną uwagę poświęcono chórom i orkiestrom ludowym, orkiestrom dętym, zespołom folklorystycznym. Podczas festiwalu powstało ponad tysiąc nowych orkiestr dętych.
W dziedzinie muzyki instrumentalnej nieznaczny wzrost liczby orkiestr amatorskich – symfonicznych, dętych, ludowych itp. – stał się pożądanym zjawiskiem. Rozpowszechniły się również małe zespoły instrumentalne - kwartety, kwintety, duety, tria itp., Zespoły akordeonistów, bandurystów, skrzypków, komuzów, domrystów, kompozycje mieszane, grupy wokalne i instrumentalne. Zgodnie z wynikami pokazu najlepsze zespoły zostały zarekomendowane na finałowy koncert w Moskwie.
W tym okresie znacznie wzmocniono sponsoring amatorskiej działalności artystycznej ze strony sztuki profesjonalnej. Ta praca rozpadła się niejako na dwa rodzaje - pomoc artystyczną i edukacyjną oraz metodyczną. Teatry, zespoły muzyczne objęły patronat nad amatorskimi przedstawieniami sowchozów i kołchozów. Doświadczeni rzemieślnicy prowadzili grupy amatorskie, stowarzyszenia literackie, teatry ludowe.
Zaczęły się kształtować nowe formy współpracy. W drugiej połowie lat 70. zostały zawarte umowy o bezpośredniej współpracy pomiędzy Centralnym Domem Sztuki Ludowej im. N.K. Krupskiej (przesłał partnerom znaczną ilość literatury repertuarowej i metodologicznej opublikowanej w ZSRR), Centralny Dom Pracy Kulturalnej NRD i Centrum Sztuki Amatorskiej NRB.
Zreorganizowano system metodycznego kierowania amatorskimi działaniami artystycznymi. Na bazie działającego od 1976 roku Ogólnounijnego Domu Sztuki Ludowej, w 1978 roku powstał Ogólnozwiązkowy Ośrodek Naukowo-Metodologiczny Sztuki Ludowej i Pracy Kulturalno-Oświatowej.
W republikach, terytoriach i regionach, na bazie odpowiednio domów sztuki ludowej i pracowni metodycznych pracy kulturalnej i oświatowej, zorganizowano republikańskie, regionalne i regionalne ośrodki naukowe i metodyczne sztuki ludowej oraz pracy kulturalno-oświatowej.
Wzmocniono aspekt wydawniczy, kadrowy i finansowy działalności ośrodków. Zaczęli głębiej i bardziej profesjonalnie zagłębiać się w istotę procesów zachodzących w przedstawieniach amatorskich. Wiele wydawnictw, centralnych i republikańskich, zwiększyło produkcję utworów do przedstawień amatorskich. Wydawnictwa „Muzyka” i „Kompozytor radziecki” zaczęły wydawać specjalne serie, aby pomóc sztuce amatorskiej.
Na początku lat 80. w kraju wydano ponad 40 wydawnictw seryjnych, bibliotek, zbiorów do przedstawień amatorskich. Ogólnounijna firma „Melody” rozpoczęła wydawanie albumów i indywidualnych płyt dla dyskotek, VIA i innych grup amatorskich.
Bardzo ważne jest, aby te kreatywne zespoły i stowarzyszenia działały na rzecz kształtowania zdrowych potrzeb kulturalnych ludzi, wysokich obywatelskich ideałów estetycznych. Ponieważ każda forma wypoczynku powinna duchowo wzbogacać człowieka, sprzyjać twórczemu rozwojowi człowieka, jego autoafirmacji i autoekspresji.
Wśród młodzieży dużą popularnością cieszy się VIA i dyskoteki. Te formy spędzania wolnego czasu szczególnie przyciągają ludzi młodych. Każdy z nich ma niezaprzeczalne zalety. Gatunek VIA to fascynujący rodzaj sztuki amatorskiej, zdolny do głębokiego ujawnienia potencjału twórczego jednostki, odpowiedzi na aktualne, palące problemy czasu.
Czas mijał, zespoły dojrzewały, zmieniała się publiczność. Wykonawcy też dojrzeli. Pojawił się też sprzęt wyższej jakości, zniknęły zniekształcenia i sapanie, które wielu irytowały, realizatorzy dźwięku nauczyli się dokładniej budować równowagę na koncertach. Programy większości VIA zawierają wiele lekkich, tanecznych piosenek. Jest wiele piosenek poświęconych problemom moralnym, zrozumieniu życia. Temat ten został dodany do wątków antywojennych, społecznych i patriotycznych, wzbogacając tym samym i poszerzając gatunek.
W tym zakresie działalność amatorskich zespołów muzycznych i ich najbardziej masowego typu, popowych zespołów wokalno-instrumentalnych, należy uznać za jeden z najskuteczniejszych obszarów edukacji ideowej i estetycznej młodzieży. Skuteczny przede wszystkim ze względu na popularność tego typu twórczości – można powiedzieć, że większość nastolatków przechodzi przez to hobby. Dlatego problemy organizacyjne i twórcze amatorskich popowych zespołów wokalno-instrumentalnych są przedmiotem szczególnej uwagi autorytetów kultury, mediów i środowiska muzycznego.
W dyskotece młodych ludzi przyciąga możliwość nieuregulowanej komunikacji, manifestacja twórczej wyobraźni, aktywny udział w akcji nie tylko organizatorów wieczorów, ale także ich gości.
W dyskotece odbywają się również występy śpiewaków, poetów i muzyków.
Dyskoteka to kreatywny zespół skupiający ludzi o różnych specjalnościach, upodobaniach, uzdolnieniach opartych na zainteresowaniach muzycznych i artystycznych; ośrodek aktywnej propagandy ideologicznej, wychowania moralnego i estetycznego młodzieży przy użyciu skutecznych środków technicznych; niezastąpiony uczestnik wielu wydarzeń w mieście, powiecie, przedsiębiorstwie; kreatywne laboratorium, w którym dokonuje się synteza różnych gatunków sztuki; mały „instytut badań socjologicznych”, w którym bada się gusta i potrzeby młodych ludzi za pomocą kwestionariuszy i ankiet. bezpośredni dialog; „biuro projektowe”, w którym opracowuje się, projektuje i produkuje szeroką gamę urządzeń technicznych; „ośrodek edukacyjno-metodyczny”, w którym wiedzę zdobywa się poprzez samokształcenie oraz w procesie komunikowania się z doświadczonymi specjalistami.
W rzeczywistości członkowie grupy dyskotekowej — meloman, który przygotowuje fonogram, inżynier, który składa kolorowe urządzenie muzyczne, fotograf, który robi ramki na zdjęcia niezbędne do programu, oraz inżynier, który wynalazł automatyczne sterowanie rzutnik slajdów – wszyscy pracują nad tym samym zadaniem: tworzą swój kolejny program, w którym łączą się ich umiejętności i czyny.
Wiele grup, które zaczynały swoją działalność jako tancerze disco, stopniowo przekształciło się w kluby disco. W klubie uruchomiono sekcje muzyki rozrywkowej i jazzowej, muzyki klasycznej i ludowej oraz piosenki amatorskiej.
Dyskoteki składają się z 11 osób. Są to robotnicy, pracownicy, inżynierowie zakładu. Ludzie są entuzjastyczni, kreatywni, ciągle wymyślają i wymyślają coś.
W ruchu disco jest TMT - są to zespoły teatralno-muzyczne. Ich uczestnicy starają się zsyntetyzować różne rodzaje sztuki w jednym programie dyskotekowym: teatr, kino, poezję, taniec i oczywiście muzykę.
Tę sytuację VIA i dyskotek tłumaczy się przede wszystkim dotkliwym brakiem wykwalifikowanego personelu. Wielu szefom instytucji kultury i organizatorom stowarzyszeń amatorskich brakuje wiedzy, doświadczenia i gustu artystycznego. Dlatego najważniejsze dla dalszego
