Cechy charakterystyczne zespołu jazzowego. cały ja

Czym jest jazz, historia jazzu

Co to jest jazz? Te ekscytujące rytmy, przyjemna muzyka na żywo, która ciągle ewoluuje i porusza. Być może z tym kierunkiem nie można porównać żadnego innego i nie można go pomylić z żadnym innym gatunkiem, nawet dla początkującego. Co więcej, oto paradoks, łatwo to usłyszeć i rozpoznać, ale nie tak łatwo to opisać słowami, ponieważ jazz ciągle ewoluuje, a stosowane dziś koncepcje i cechy charakterystyczne dezaktualizują się w ciągu roku lub dwóch.

Jazz - co to jest

Jazz to kierunek w muzyce, który powstał na początku XX wieku. Ściśle splata afrykańskie rytmy, rytualne śpiewy, pieśni pracy i świeckie, muzykę amerykańską minionych wieków. Innymi słowy, jest to gatunek na wpół improwizowany, który powstał z połączenia muzyki zachodnioeuropejskiej i zachodnioafrykańskiej.

Skąd wziął się jazz

Powszechnie przyjmuje się, że pojawił się z Afryki, o czym świadczą złożone rytmy. Dodajmy do tego jeszcze taniec, wszelkiego rodzaju deptanie, klaskanie i mamy ragtime. Czyste rytmy tego gatunku w połączeniu z bluesowymi melodiami dały początek nowemu nurtowi, który nazywamy jazzem. Jeśli zastanawiasz się, skąd wzięła się ta nowa muzyka, każde źródło da ci odpowiedź, że pochodzi ona z pieśni czarnych niewolników, których sprowadzono do Ameryki na początku XVII wieku. Dopiero w muzyce znaleźli ukojenie.

Początkowo były to motywy czysto afrykańskie, jednak po kilku dekadach zaczęły one mieć charakter bardziej improwizacyjny i przerośnięte nowymi melodiami amerykańskimi, głównie melodiami religijnymi - spirituals. Później dodano do tego narzekania - blues i małe orkiestry dęte. I tak powstał nowy kierunek – jazz.

Jakie są cechy muzyki jazzowej

Pierwszą i najważniejszą cechą jest improwizacja. Muzycy muszą umieć improwizować zarówno w orkiestrze, jak i solo. Kolejną nie mniej istotną cechą jest polirytmia. Swoboda rytmiczna jest chyba najważniejszą cechą muzyki jazzowej. To właśnie ta swoboda sprawia, że ​​muzycy czują się lekko i ciągle idą do przodu. Pamiętasz jakąś jazzową kompozycję? Wydaje się, że wykonawcy z łatwością grają cudowną i przyjemną dla ucha melodię, nie ma sztywnych ram, jak w muzyce klasycznej, tylko niesamowita lekkość i odprężenie. Oczywiście utwory jazzowe, podobnie jak klasyczne, mają swój własny rytm, metrum itp., ale dzięki specjalnemu rytmowi zwanemu swingiem (od angielskiego swingu) jest takie poczucie wolności. Co jeszcze jest ważne dla tego kierunku? Z pewnością trochę lub w inny sposób regularne tętnienie.

Rozwój jazzu

Pochodzący z Nowego Orleanu jazz szybko się rozprzestrzenia, stając się coraz bardziej popularny. Grupy amatorskie, składające się głównie z Afrykanów i Kreoli, zaczynają występować nie tylko w restauracjach, ale objeżdżają też inne miasta. Tak więc na północy kraju powstaje kolejne centrum jazzowe - Chicago, gdzie nocne występy grup muzycznych są szczególnie poszukiwane. Wykonywane kompozycje komplikują aranżacje. Wśród wykonawców tego okresu wyróżnia się Louis Armstrong który przeniósł się do Chicago z miasta, w którym narodził się jazz. Później style tych miast zostały połączone w Dixieland, który charakteryzował się kolektywną improwizacją.

Ogromny szał na jazz w latach trzydziestych i czterdziestych XX wieku doprowadził do zapotrzebowania na większe orkiestry, które mogłyby grać różne melodie taneczne. Dzięki temu pojawił się swing, który jest pewnym odstępstwem od schematu rytmicznego. Stał się głównym nurtem tamtych czasów i zepchnął kolektywną improwizację na dalszy plan. Zespoły swingowe stały się znane jako big bandy.

Oczywiście takie odejście swingu od cech charakterystycznych dla wczesnego jazzu, od melodii narodowych, wywołało niezadowolenie wśród prawdziwych koneserów muzyki. Dlatego big-bandom i wykonawcom swingu zaczyna przeciwstawiać się gra małych składów, w skład których wchodzili czarnoskórzy muzycy. Tak więc w latach czterdziestych XX wieku wyłonił się nowy styl bebop, wyraźnie wyróżniający się na tle innych dziedzin muzyki. Charakteryzował się niewiarygodnie szybkimi melodiami, długimi improwizacjami i najbardziej złożonymi układami rytmicznymi. Wśród wykonawców tego czasu wyróżniają się postacie Charliego Parkera i Dizzy'ego Gillespiego.

Od 1950 roku jazz rozwijał się w dwóch różnych kierunkach. Z jednej strony zwolennicy klasyki powrócili do muzyki akademickiej, odsuwając na bok bebop. Powstały chłodny jazz stał się bardziej powściągliwy i suchy. Z drugiej strony, druga linia nadal rozwijała bebop. Na tym tle powstał hard bop, powracający do tradycyjnych ludowych intonacji, wyraźnej rytmiki i improwizacji. Styl ten rozwinął się w połączeniu z takimi dziedzinami jak soul jazz i jazz funk. Przede wszystkim zbliżyli muzykę do bluesa.

Darmowa muzyka

W latach 60. przeprowadzano różne eksperymenty i poszukiwanie nowych form. W efekcie pojawiają się jazz-rock i jazz-pop, łączące dwa różne kierunki, a także free jazz, w którym wykonawcy całkowicie rezygnują z regulacji schematu rytmicznego i tonu. Wśród muzyków tamtych czasów Ornette Coleman, Wayne Shorter, Pat Metheny zasłynęli.

radzieckiego jazzu

Początkowo radzieckie orkiestry jazzowe wykonywały głównie modne tańce, takie jak fokstrot, charleston. W latach 30. XX wieku coraz większą popularność zaczyna zdobywać nowy kierunek. Mimo dwuznacznego stosunku władz sowieckich do muzyki jazzowej nie została ona zakazana, ale jednocześnie ostro skrytykowana jako przynależność do kultury zachodniej. Pod koniec lat 40. zespoły jazzowe były całkowicie prześladowane. W latach 50. i 60. wznowiono działalność orkiestr Olega Lundstrema i Eddiego Rosnera, a nowym kierunkiem zainteresowało się coraz więcej muzyków.

Nawet dzisiaj jazz stale i dynamicznie się rozwija, istnieje wiele kierunków i stylów. Ta muzyka wciąż pochłania dźwięki i melodie ze wszystkich zakątków naszej planety, nasycając ją coraz większą ilością kolorów, rytmów i melodii.

Jazz to kierunek muzyczny, który narodził się na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych. Jej powstanie jest wynikiem przeplatania się dwóch kultur: afrykańskiej i europejskiej. Ten nurt połączy spirytualistykę (śpiewy kościelne) amerykańskich Murzynów, afrykańskie rytmy ludowe i europejską harmonijną melodię. Charakteryzuje się: elastycznym rytmem opartym na zasadzie synkopy, wykorzystaniem instrumentów perkusyjnych, improwizacją, ekspresyjnym sposobem wykonania, wyróżniającym się brzmieniem i napięciem dynamicznym, niekiedy dochodzącym do ekstazy. Początkowo jazz był połączeniem ragtime'u z elementami bluesa. W rzeczywistości wynikało to z tych dwóch kierunków. Cechą stylu jazzowego jest przede wszystkim indywidualna i niepowtarzalna gra wirtuoza jazzmana, a improwizacja nadaje temu ruchowi stałą aktualność.

Po powstaniu samego jazzu rozpoczął się ciągły proces jego rozwoju i modyfikacji, co doprowadziło do wyłonienia się różnych kierunków. Obecnie jest ich około trzydziestu.

Jazz nowoorleański (tradycyjny).

Ten styl zwykle oznacza dokładnie ten jazz, który był wykonywany w latach 1900-1917. Można powiedzieć, że jego geneza zbiegła się z otwarciem Storyville (dzielnica czerwonych latarni Nowego Orleanu), które zyskało popularność dzięki barom i tym podobnym lokalom, w których muzycy grający muzykę synkopowaną zawsze mogli znaleźć pracę. Popularne wcześniej zespoły uliczne zaczęły być wypierane przez tzw. „zespoły storyville”, których gra stawała się coraz bardziej indywidualna w porównaniu z poprzednikami. Zespoły te stały się później twórcami klasycznego jazzu nowoorleańskiego. Żywymi przykładami wykonawców tego stylu są: Jelly Roll Morton („His Red Hot Peppers”), Buddy Bolden („Funky Butt”), Kid Ory. To oni dokonali przejścia afrykańskiej muzyki ludowej w pierwsze formy jazzowe.

chicagowskiego jazzu.

W 1917 roku rozpoczyna się kolejny ważny etap w rozwoju muzyki jazzowej, naznaczony pojawieniem się w Chicago imigrantów z Nowego Orleanu. Powstają nowe orkiestry jazzowe, których gra wprowadza nowe elementy do wczesnego jazzu tradycyjnego. Tak powstaje niezależny styl chicagowskiej szkoły performansu, który dzieli się na dwa kierunki: gorący jazz czarnych muzyków i dixieland białych. Głównymi cechami tego stylu są: zindywidualizowane partie solowe, zmiana gorących inspiracji (oryginalne swobodne, ekstatyczne wykonanie stało się bardziej nerwowe, pełne napięcia), synth (muzyka zawiera nie tylko elementy tradycyjne, ale także ragtime, a także słynne amerykańskie przeboje ) oraz zmiany w grze instrumentalnej (zmieniła się rola instrumentów i techniki wykonawcze). Podstawowe postacie tego kierunku („What Wonderful World”, „Moon Rivers”) i („Someday Sweetheart”, „Ded Man Blues”).

Swing to orkiestrowy styl jazzu z lat 20. i 30. XX wieku, który wywodzi się bezpośrednio ze szkoły chicagowskiej i był wykonywany przez duże zespoły (The Original Dixieland Jazz Band). Charakteryzuje się przewagą muzyki zachodniej. W orkiestrach pojawiły się osobne sekcje saksofonów, trąbek i puzonów; banjo zostaje zastąpione przez gitarę, tubę i sazofon - kontrabas. Muzyka odchodzi od kolektywnej improwizacji, muzycy grają ściśle według ustalonych wcześniej partytur. Charakterystyczną techniką było współdziałanie sekcji rytmicznej z instrumentami melodycznymi. Przedstawiciele tego kierunku:, („Creole Love Call”, „The Mooche”), Fletcher Henderson („When Buddha Smiles”), Benny Goodman And His Orchestra,.

Bebop to nowoczesny jazz, który narodził się w latach 40. i był kierunkiem eksperymentalnym, antykomercyjnym. W przeciwieństwie do swingu, jest to styl bardziej intelektualny, z dużym naciskiem na złożoną improwizację i nacisk na harmonię, a nie melodię. Muzykę tego stylu wyróżnia również bardzo szybkie tempo. Najjaśniejszymi przedstawicielami są: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker („Noc w Tunezji”, „Manteca”) i Bud Powell.

Główny nurt. Obejmuje trzy nurty: Stride (Northeast Jazz), Kansas City Style i West Coast Jazz. W Chicago królował hot stride, prowadzony przez takich mistrzów jak Louis Armstrong, Andy Condon, Jimmy Mac Partland. Kansas City charakteryzuje się lirycznymi utworami w bluesowym stylu. Jazz z Zachodniego Wybrzeża rozwinął się w Los Angeles pod kierunkiem cool jazzu, a następnie zaowocował nim.

Cool Jazz (cool jazz) powstał w Los Angeles w latach 50. jako przeciwieństwo dynamicznego i impulsywnego swingu i bebopu. Za twórcę tego stylu uważa się Lestera Younga. To on wprowadził nietypowy dla jazzu sposób wydobywania dźwięku. Styl ten charakteryzuje się wykorzystaniem instrumentów symfonicznych i powściągliwością emocjonalną. W tym duchu swój ślad zostawili tacy mistrzowie jak Miles Davis („Niebieski w zieleni”), Gerry Mulligan („Walking Shoes”), Dave Brubeck („Pick Up Sticks”), Paul Desmond.

Awangarda zaczęła się rozwijać w latach 60. Ten awangardowy styl opiera się na zerwaniu z oryginalnymi, tradycyjnymi elementami i charakteryzuje się wykorzystaniem nowych technik i środków wyrazu. Dla muzyków tego nurtu autoekspresja, którą realizowali poprzez muzykę, była na pierwszym miejscu. Wśród wykonawców tego nurtu są: Sun Ra („Kosmos in Blue”, „Moon Dance”), Alice Coltrane („Ptah The El Daoud”), Archie Shepp.

Jazz progresywny powstał równolegle z bebopem w latach 40., ale wyróżniał się saksofonową techniką staccato, złożonym przeplataniem politonalności z pulsacją rytmiczną i elementami symfojazzu. Stana Kentona można nazwać założycielem tego kierunku. Wybitni przedstawiciele: Gil Evans i Boyd Ryburn.

Hard bop to rodzaj jazzu, który ma swoje korzenie w bebopie. Detroit, Nowy Jork, Filadelfia - w tych miastach narodził się ten styl. Pod względem agresywności bardzo przypomina bebop, ale nadal dominują w nim elementy bluesa. W rolach głównych występują Zachary Breaux („Uptown Groove”), Art Blakey i The Jass Messengers.

Soulowy jazz. Termin ten jest używany w odniesieniu do całej muzyki murzyńskiej. Opiera się na tradycyjnym bluesie i folklorze afroamerykańskim. Muzyka ta charakteryzuje się basowymi figurami ostinato i rytmicznie powtarzanymi samplami, dzięki czemu zyskała dużą popularność wśród różnych mas społeczeństwa. Do hitów tego kierunku należą kompozycje Ramseya Lewisa „The In Crowd” i Harris-McCain „Compared To What”.

Groove (aka funk) jest odgałęzieniem soulu, wyróżnia go jedynie rytmiczne skupienie. Zasadniczo muzyka tego kierunku ma główny koloryt, a pod względem struktury jest to wyraźnie określona część każdego instrumentu. Występy solowe harmonijnie wpisują się w całość brzmienia i nie są zbyt zindywidualizowane. Wykonawcami tego stylu są Shirley Scott, Richard „Groove” Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.

Free Jazz narodził się pod koniec lat 50. dzięki wysiłkom takich nowatorskich mistrzów, jak Ornette Coleman i Cecil Taylor. Jego cechą charakterystyczną jest atonalność, naruszenie kolejności akordów. Styl ten często nazywany jest „free jazzem”, a jego pochodnymi są loft jazz, modern creative i free funk. Do muzyków tego stylu należą: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier („Varech”), AMM („Sedimantari”).

Twórczość pojawiła się dzięki szeroko rozpowszechnionej awangardzie i eksperymentalizmowi form jazzowych. Trudno jednoznacznie scharakteryzować taką muzykę, gdyż jest zbyt wieloaspektowa i łączy w sobie wiele elementów poprzednich części. Pierwsi użytkownicy tego stylu to Lenny Tristano („Line Up”), Gunther Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cyril („The Big Time Stuff”).

Fuzja łączyła elementy prawie wszystkich istniejących wówczas ruchów muzycznych. Jego najbardziej aktywny rozwój rozpoczął się w latach 70. XX wieku. Fusion to usystematyzowany styl instrumentalny charakteryzujący się złożonymi metrum, rytmem, wydłużonymi kompozycjami i brakiem wokali. Ten styl jest przeznaczony dla mniej szerokich mas niż soul i jest jego całkowitym przeciwieństwem. Na czele tego ruchu stoją Larry Corell i Eleventh, Tony Williams i Lifetime („Bobby Truck Tricks”).

Acid jazz (groove jazz lub jazz klubowy) powstał w Wielkiej Brytanii pod koniec lat 80. (rozkwit 1990 - 1995) i łączył funk lat 70., hip-hop i muzykę taneczną lat 90. Pojawienie się tego stylu było podyktowane powszechnym stosowaniem sampli jazz-funk. Założycielem jest DJ Giles Peterson. Wśród wykonawców tego kierunku są Melvin Sparks („Dig Dis”), RAD, Smoke City („Flying Away”), Incognito i Brand New Heavies.

Post bop zaczął się rozwijać w latach 50. i 60. i ma podobną strukturę do hard bopu. Wyróżnia się obecnością elementów soul, funk i groove. Często, charakteryzując ten kierunek, rysują paralelę z blues-rockiem. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey („Jak ktoś zakochany”) i Lee Morgan („Yesterday”), Wayne Shorter pracowali w tym stylu.

Smooth jazz to nowoczesny styl jazzowy, który wywodzi się z ruchu fusion, ale różni się od niego celowo dopracowanym brzmieniem. Cechą tego kierunku jest powszechne stosowanie elektronarzędzi. Znani artyści: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater („All Of Me”, „God Bless The Child”), Larry Carlton („Dont Give It Up”).

Jazz manush (gypsy jazz) to kierunek jazzowy specjalizujący się w wykonawstwie gitarowym. Łączy w sobie technikę gry na gitarze cygańskich plemion grupy manush i swing. Założycielami tego kierunku są bracia Ferre i. Najsłynniejsi wykonawcy: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen („Stella By Starlight”, „Fiso Place”, „Autumn Leaves”).

Jazz jako forma sztuki muzycznej pojawił się w Stanach Zjednoczonych na przełomie XIX i XX wieku, łącząc tradycje muzyczne europejskich osadników i afrykańskie folklorystyczne wzorce melodyczne.

Charakterystyczna improwizacja, polirytmia melodyczna i ekspresyjność wykonania stały się znakiem rozpoznawczym pierwszych nowoorleańskich zespołów jazzowych (jazz-band) w pierwszych dekadach ubiegłego wieku.

Z biegiem czasu jazz przechodził okresy swojego rozwoju i formowania się, zmieniając schemat rytmiczny i orientację stylistyczną: od improwizowanego stylu ragtime (ragtime), przez taneczny swing orkiestrowy (swing) i niespieszny soft blues (blues).

Okres od początku lat 20. do lat 40. XX wieku związany jest z rozkwitem orkiestr jazzowych (big bandów), które składały się z kilku sekcji orkiestrowych saksofonów, puzonów, trąbek i sekcji rytmicznej. Szczyt popularności big bandów przypadł na połowę lat 30. ubiegłego wieku. Na parkietach iw radiu zabrzmiała muzyka w wykonaniu zespołów jazzowych Duke'a Ellingtona (Duke Ellington), Counta Basiego (Count Basie), Benny'ego Goodmana (Benny Goodman).

Bogate brzmienie orkiestry, jasne intonacje i improwizacje znakomitych solistów Colemana Hawkinsa, Teddy'ego Wilsona, Benny'ego Cartera i innych stworzyły rozpoznawalne i niepowtarzalne brzmienie big bandu, będącego klasyką muzyki jazzowej.

Za 40-50 lat. ubiegłego stulecia nastał czas nowoczesnego jazzu; taki style jazzowe jak wściekły bebop, liryczny cool jazz, soft west coast jazz, rytmiczny hard bop, serdeczny soul jazz podbił serca miłośników muzyki jazzowej.

W połowie lat 60. pojawił się nowy kierunek jazzowy - jazz-rock (jazz-rock), swoiste połączenie energii tkwiącej w muzyce rockowej i jazzowej improwizacji. założyciele stylu jazzowym- Rock to Miles Davis, Larry Coryell, Billy Cobham. W latach 70-tych jazz-rock stał się niezwykle popularny. Wykorzystanie schematu rytmicznego i harmonii muzyki rockowej, odcieni tradycyjnej melodii orientalnej i harmonii bluesowej, wykorzystanie instrumentów elektrycznych i syntezatorów doprowadziło ostatecznie do powstania terminu jazz fusion (jazz fusion), podkreślającego swoją nazwą połączenie z kilku muzycznych tradycji i wpływów.

W latach 70. i 80. muzyka jazzowa, zachowując nacisk na melodię i improwizację, nabrała cech muzyki pop, funku (funk), rytmu i bluesa (R&B) oraz crossover jazzu, znacznie poszerzając grono słuchaczy i odnosząc komercyjny sukces .

Nowoczesna muzyka jazzowa, która podkreśla klarowność, melodię i piękno brzmienia, jest zwykle określana jako smooth jazz lub współczesny jazz. Rytmiczne i melodyczne linie gitary i gitary basowej, saksofonu i trąbki, instrumentów klawiszowych, w dźwiękowej oprawie syntezatorów i samplerów tworzą luksusowe, łatwo rozpoznawalne kolorowe smooth jazzowe brzmienie.

Pomimo tego, że smooth jazz i jazz współczesny mają podobny styl muzyczny, wciąż są różne. style jazzowe. Powszechnie uważa się, że smooth jazz jest muzyką „w tle”, podczas gdy współczesny jazz jest bardziej indywidualny. stylu jazzowym i wymaga uwagi słuchacza. Dalszy rozwój smooth jazzu doprowadził do powstania liryki trendy współczesnego jazzu- dorosły współczesny i bardziej rytmiczny miejski jazz z nutami R&B, funku, hip-hopu.

Ponadto pojawiający się trend łączenia smooth jazzu z brzmieniem elektronicznym doprowadził do powstania tak popularnych dziedzin muzyki współczesnej, jak nu jazz, a także lounge, chill i lo-fi.

Następnie ragtime'owe rytmy połączone z elementami bluesa dały początek nowemu nurtowi muzycznemu - jazzowi.

Początki jazzu wiążą się z bluesem. Powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, ale jego korzeni należy szukać od momentu sprowadzenia niewolników z Afryki na tereny Nowego Świata. Sprowadzeni niewolnicy nie pochodzili z tego samego klanu i zwykle nawet się nie rozumieli. Potrzeba konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur, aw efekcie do powstania jednej kultury (w tym muzycznej) Afroamerykanów. Procesy mieszania się afrykańskiej kultury muzycznej i europejskiej (która również uległa poważnym zmianom w Nowym Świecie) miały miejsce począwszy od XVIII wieku, a w wieku XIX doprowadziły do ​​powstania „proto-jazzu”, a następnie jazzu w powszechnym przyjęty sens.

nowoorleański jazz

Termin Nowy Orlean lub jazz tradycyjny jest powszechnie używany w odniesieniu do stylu muzyków grających jazz w Nowym Orleanie w latach 1900-1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali w Chicago i nagrywali płyty od około 1917 do 1920 roku. . Ten okres w historii jazzu jest również znany jako Wiek Jazzu. Termin ten jest również używany do opisania muzyki granej w różnych okresach historycznych przez odrodzonych z Nowego Orleanu, którzy starali się grać jazz w tym samym stylu, co muzycy ze szkoły w Nowym Orleanie.

Rozwój jazzu w Stanach Zjednoczonych w pierwszej ćwierci XX wieku

Po zamknięciu Storyville jazz zaczął przekształcać się z regionalnego gatunku folkowego w ogólnokrajowy trend muzyczny, rozprzestrzeniając się na północne i północno-wschodnie prowincje Stanów Zjednoczonych. Ale jego szerokiej dystrybucji nie można było oczywiście ułatwić tylko przez zamknięcie jednej dzielnicy rozrywkowej. Obok Nowego Orleanu, St. Louis, Kansas City i Memphis od samego początku odgrywały ważną rolę w rozwoju jazzu. Ragtime narodził się w Memphis w XIX wieku, skąd następnie rozprzestrzenił się na cały kontynent północnoamerykański w okresie -1903. Z drugiej strony występy minstreli, z ich kolorową mozaiką wszelkiego rodzaju afroamerykańskiego folkloru, od jig po ragtime, szybko rozprzestrzeniły się wszędzie i przygotowały grunt pod nadejście jazzu. Wiele przyszłych gwiazd jazzu zaczynało swoją przygodę z minstrelem. Na długo przed zamknięciem Storyville muzycy z Nowego Orleanu koncertowali z tak zwanymi zespołami „wodewilowymi”. Jelly Roll Morton regularnie koncertował w Alabamie na Florydzie w Teksasie od 1904 roku. Od 1914 miał kontrakt na występy w Chicago. W 1915 przeniósł się do Chicago i dołączył do White Dixieland Orchestra Toma Browna. Główne trasy wodewilowe w Chicago odbyły również słynny Creole Band, prowadzony przez nowoorleańskiego kornecistę Freddiego Kepparda. Po pewnym czasie oddzieleni od Olympia Band, artyści Freddiego Kepparda już w 1914 roku z powodzeniem występowali w najlepszym teatrze w Chicago i otrzymali propozycję nagrania dźwiękowego swoich występów jeszcze przed Original Dixieland Jazz Band, który jednak Freddie Keppard krótkowzrocznie odrzucony.

Znacząco rozszerzył terytorium objęte wpływami jazzu, orkiestry grające na parowcach rekreacyjnych pływających po Mississippi. Od końca XIX wieku popularne stały się wycieczki rzeczne z Nowego Orleanu do St. Paul, najpierw na weekend, a później na cały tydzień. Od 1900 roku na tych rzecznych statkach występują nowoorleańskie orkiestry, których muzyka stała się najatrakcyjniejszą rozrywką dla pasażerów podczas rejsów po rzece. W jednej z tych orkiestr rozpoczęła się Suger Johnny, przyszła żona Louisa Armstronga, pierwszy pianista jazzowy Lil Hardin.

Wiele przyszłych gwiazd jazzu z Nowego Orleanu wystąpiło w orkiestrze rzecznej innego pianisty, Faiths Marable. Parowce, które pływały po rzece, często zatrzymywały się na mijanych stacjach, gdzie orkiestry urządzały koncerty dla miejscowej publiczności. To właśnie te koncerty stały się twórczymi debiutami Bixa Beiderbecka, Jessa Stacy'ego i wielu innych. Inna słynna trasa biegła wzdłuż Missouri do Kansas City. W tym mieście, gdzie dzięki silnym korzeniom folkloru afroamerykańskiego rozwijał się i ostatecznie ukształtował blues, wirtuozowska gra nowoorleańskich jazzmanów znalazła wyjątkowo żyzne środowisko. Głównym ośrodkiem rozwoju muzyki jazzowej stało się Chicago na początku lat 90., w którym staraniem wielu muzyków skupionych z różnych części Stanów Zjednoczonych powstał styl, który otrzymał przydomek Chicago jazz.

Huśtać się

Termin ma dwa znaczenia. Po pierwsze, jest środkiem wyrazu w jazzie. Charakterystyczny rodzaj pulsacji polegający na stałych odchyleniach rytmu od udziałów referencyjnych. Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi. Po drugie, styl jazzu orkiestrowego, który ukształtował się na przełomie lat 20. i 30. w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich form stylistycznych muzyki jazzowej.

Artyści: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli.

Bop

Styl jazzowy, który rozwinął się na początku - połowy lat 40. XX wieku i otworzył erę nowoczesnego jazzu. Charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami opartymi na zmianach harmonii, a nie melodii. Superszybkie tempo występu zostało wprowadzone przez Parkera i Gillespiego, aby powstrzymać nieprofesjonalistów od ich nowych improwizacji. Znakiem rozpoznawczym wszystkich beboperów stała się między innymi szokująca postawa i wygląd: zakrzywiona fajka „Dizzy” Gillespie, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monka itp. Powstały jako reakcja na wszechobecność swingu bebop nadal rozwijał swoje zasady w użyciu środków wyrazu, ale jednocześnie znalazł szereg przeciwnych tendencji.

W przeciwieństwie do swingu, który jest głównie muzyką dużych komercyjnych zespołów tanecznych, bebop jest eksperymentalnym kierunkiem twórczym w jazzie, kojarzonym głównie z praktyką małych składów (combos) i antykomercyjnym w jego kierunku. Faza bebopowa była znaczącym przesunięciem punktu ciężkości w jazzie z popularnej muzyki tanecznej na bardziej artystyczną, intelektualną, ale mniej mainstreamową „muzykę dla muzyków”. Muzycy bopowi woleli złożone improwizacje oparte na brzdąkaniu akordów zamiast melodii.

Głównymi inicjatorami narodzin byli: saksofonista Charlie Parker, trębacz Dizzy Gillespie, pianiści Bud Powell i Thelonious Monk, perkusista Max Roach. Posłuchaj też Chicka Corei, Michela Legranda, Joshua Redmana Elastic Band, Jana Garbarka, Charlesa Mingusa, Modern Jazz Quartet.

Wielkie zespoły

Klasyczna, ugruntowana forma big bandów znana jest w jazzie od początku lat 90. Forma ta zachowała swoją aktualność do końca lat 90. Muzycy, którzy wchodzili do większości big-bandów, z reguły prawie jako nastolatkowie, grali dość pewne partie, których uczyli się na próbach lub z notatek. Ostrożne orkiestracje, wraz z masywnymi sekcjami instrumentów dętych blaszanych i drewnianych, dały bogate jazzowe harmonie i rewelacyjnie głośne brzmienie, które stało się znane jako „brzmienie big bandu”.

Big band stał się muzyką popularną swoich czasów, osiągając szczyt sławy w połowie lat dwudziestych XX wieku. Ta muzyka stała się źródłem szaleństwa tańca swingowego. Liderzy słynnych orkiestr jazzowych Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet skomponowali lub zaaranżowali i nagrali na płytach prawdziwą paradę przebojów, które brzmiały nie tylko w radiu, ale także wszędzie w salach tanecznych. Wiele big bandów pokazało swoich solowych improwizatorów, którzy podczas głośnych „bitew orkiestr” wprowadzali publiczność w stan bliski histerii.

Chociaż popularność big bandów spadła po drugiej wojnie światowej, orkiestry prowadzone przez Basiego, Ellingtona, Woody'ego Hermana, Stana Kentona, Harry'ego Jamesa i wielu innych często koncertowały i nagrywały przez kilka następnych dziesięcioleci. Ich muzyka ulegała stopniowym przemianom pod wpływem nowych trendów. Grupy takie jak zespoły prowadzone przez Boyda Ryburna, Sun Ra, Olivera Nelsona, Charlesa Mingusa, Thada Jonesa-Mala Lewisa badały nowe koncepcje harmonii, instrumentacji i swobody improwizacji. Dziś big bandy są standardem w edukacji jazzowej. Orkiestry repertuarowe, takie jak Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra i Chicago Jazz Ensemble, regularnie grają oryginalne aranżacje kompozycji big-bandowych.

W 2008 roku po rosyjsku ukazała się kanoniczna książka George'a Simona Big Orchestras of the Swing Age, która jest w zasadzie niemal kompletną encyklopedią wszystkich big bandów złotego wieku od wczesnych lat 20. do 60. XX wieku.

Główny nurt

pianista Duke Ellington

Po zakończeniu mainstreamowej mody na big bandy w epoce big bandów, kiedy to muzyka big bandów zaczęła być wypierana na scenie przez małe składy jazzowe, nadal zabrzmiała muzyka swingowa. Wielu słynnych swingowych solistów, po graniu na salach balowych, lubiło grać dla zabawy na spontanicznych jamach w małych klubach na 52nd Street w Nowym Jorku. I to nie tylko ci, którzy pracowali jako „sideman” w dużych orkiestrach, tacy jak Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton i inni. Liderzy samych big bandów – Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa, będąc początkowo solistami, a nie tylko dyrygentami, również szukali możliwości grania w oderwaniu od swojego licznego zespołu, w niewielkim kompozycja. Nie akceptując nowatorskich technik nadchodzącego bebopu, muzycy ci trzymali się tradycyjnej swingowej maniery, wykazując jednocześnie niewyczerpaną wyobraźnię podczas wykonywania improwizowanych partii. Główne gwiazdy swingu nieustannie występowały i nagrywały w małych kompozycjach, zwanych „combosami”, w ramach których było znacznie więcej miejsca na improwizację. Styl tego kierunku klubowego jazzu końca lat 20. XX wieku otrzymał nazwę mainstream, czyli nurt główny, wraz z początkiem rozkwitu bebopu. Niektórych z najlepszych wykonawców tej epoki można było usłyszeć w świetnej formie na jamach, kiedy improwizacja akordów miała już pierwszeństwo przed melodyjnym kolorytem ery swingu. Powracający jako styl freestyle w późnych latach, mainstream wchłonął elementy fajnego jazzu, bebopu i hard bopu. Termin „współczesny mainstream” lub post-bop jest dziś używany w odniesieniu do prawie każdego stylu, który nie ma ścisłego związku z historycznymi stylami muzyki jazzowej.

Jazz północno-wschodni. Krok

Louis Armstrong, trębacz i śpiewak

Choć historia jazzu zaczęła się w Nowym Orleanie wraz z nadejściem XX wieku, prawdziwy rozkwit tej muzyki nastąpił na początku lat 90., kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, by tworzyć nową, rewolucyjną muzykę w Chicago. Migracja mistrzów jazzu z Nowego Orleanu do Nowego Jorku, która rozpoczęła się wkrótce potem, wyznaczyła trend ciągłego przemieszczania się muzyków jazzowych z południa na północ. Chicago przyjęło muzykę Nowego Orleanu i uczyniło ją gorącą, podnosząc temperaturę nie tylko dzięki wysiłkom słynnych zespołów Armstronga Hot Five i Hot Seven, ale także innych, w tym takich mistrzów jak Eddie Condon i Jimmy McPartland, których ekipa z Austin High School pomogła ożywić szkół Nowego Orleanu. Inni znani mieszkańcy Chicago, którzy przesunęli granice klasycznego nowoorleańskiego stylu jazzowego, to pianista Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman. Armstrong i Goodman, którzy ostatecznie przenieśli się do Nowego Jorku, stworzyli tam swoistą masę krytyczną, która pomogła temu miastu zamienić się w prawdziwą światową stolicę jazzu. Podczas gdy Chicago pozostawało przede wszystkim centrum nagrań dźwiękowych w pierwszej ćwierci XX wieku, Nowy Jork stał się również czołowym klubem jazzowym, goszcząc takie legendarne kluby jak Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy i Village Vengeward, a także arenach, takich jak Carnegie Hall.

Styl Kansas City

W czasach Wielkiego Kryzysu i Prohibicji scena jazzowa Kansas City stała się swego rodzaju mekką dla nowomodnych brzmień późnych lat. Styl, który rozkwitł w Kansas City, charakteryzuje się uduchowionymi utworami z nutą bluesa, wykonywanymi zarówno przez duże zespoły, jak i małe zespoły swingowe, demonstrując bardzo energetyczne solówki, wykonywane dla bywalców tawern z nielegalnie sprzedawanym alkoholem. To właśnie w tych pubach krystalizował się styl wielkiego Counta Basiego, zaczynając w Kansas City z orkiestrą Waltera Page'a, a później z Bennym Motenem. Obie te orkiestry były typowymi przedstawicielami stylu Kansas City, który opierał się na swoistej formie bluesa, zwanej „city blues” i ukształtował się w grze powyższych orkiestr. Scena jazzowa Kansas City wyróżniała się także całą plejadą wybitnych mistrzów wokalnego bluesa, wśród których za „króla” uznano wieloletniego solistę Count Basie Orchestra, słynnego wokalistę bluesowego Jimmy’ego Rushinga. Słynny saksofonista altowy Charlie Parker, urodzony w Kansas City, po przybyciu do Nowego Jorku szeroko stosował charakterystyczne techniki bluesowe, których nauczył się w orkiestrach Kansas City, a później stał się jednym z punktów wyjścia w eksperymentach bopperów w - mi.

Jazz z Zachodniego Wybrzeża

Artyści uchwyceni przez ruch cool jazz w latach 50. intensywnie pracowali w studiach nagraniowych w Los Angeles. Znajdujący się pod dużym wpływem noneta Milesa Davisa ci artyści z Los Angeles stworzyli to, co jest obecnie znane jako „West Coast Jazz”, czyli jazz z zachodniego wybrzeża. Jako studia nagraniowe, kluby takie jak The Lighthouse na Hermosa Beach i The Haig w Los Angeles często prezentowały jego najlepszych artystów, w tym trębacza Shorty'ego Rogersa, saksofonistów Arta Peppera i Buda Shenka, perkusistę Shelley Mann i klarnecistę Jimmy'ego Giuffreya.

Fajny (fajny jazz)

Wysoka temperatura i presja bebopu zaczęły słabnąć wraz z rozwojem fajnego jazzu. Począwszy od późnych lat 1900 i wczesnych 1900, muzycy zaczęli rozwijać mniej gwałtowne, płynniejsze podejście do improwizacji, wzorowane na lekkiej, suchej grze saksofonisty tenorowego Lestera Younga w okresie jego swingu. Rezultatem jest zdystansowany i jednolicie płaski dźwięk oparty na emocjonalnym „chłodzie”. Trębacz Miles Davis, jeden z pierwszych graczy bebopowych, którzy ochłonęli, stał się największym innowatorem tego gatunku. Jego nonet, który nagrał album „Birth of the Cool” w latach 50., był uosobieniem liryzmu i powściągliwości cool jazzu. Inni wybitni muzycy szkoły fajnego jazzu to trębacz Chet Baker, pianiści George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck i Lenny Tristano, wibrafonista Milt Jackson oraz saksofoniści Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims i Paul Desmond. Aranżatorzy wnieśli również znaczący wkład w ruch cool jazz, zwłaszcza Thad Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans i saksofonista barytonowy Gerry Mulligan. Ich kompozycje skupiały się na instrumentalnej kolorystyce i powolności ruchu, na zamrożonej harmonii, która tworzyła iluzję przestrzeni. Dysonans również odegrał rolę w ich muzyce, ale o łagodniejszym, wyciszonym charakterze. Format fajnego jazzu pozostawił miejsce dla nieco większych zespołów, takich jak nonety i tentety, które stały się bardziej powszechne w tym okresie niż we wczesnym okresie bebop. Niektórzy aranżerzy eksperymentowali ze zmodyfikowaną instrumentacją, w tym instrumentami dętymi blaszanymi w kształcie stożka, takimi jak róg i tuba.

jazzu progresywnego

Równolegle z pojawieniem się bebopu w środowisku jazzowym rozwija się nowy gatunek – jazz progresywny, czy po prostu progresywny. Główną różnicą tego gatunku jest chęć odejścia od zamrożonej kliszy big bandów i przestarzałych, wysłużonych technik tzw. symphojazz, wprowadzony w -e przez Paula Whitemana. W przeciwieństwie do bopperów, twórcy progressive nie dążyli do radykalnego porzucenia rozwijających się wówczas tradycji jazzowych. Starali się raczej zaktualizować i udoskonalić wzorce fraz swingowych, wprowadzając do praktyki kompozytorskiej najnowsze osiągnięcia europejskiego symfonizmu w zakresie tonacji i harmonii.

Największy wkład w rozwój koncepcji „progresywnej” wniósł pianista i dyrygent Stan Kenton. Jazz progresywny początku lat 90. wywodzi się właściwie z jego pierwszych utworów. Pod względem brzmieniowym muzyka wykonywana przez jego pierwszą orkiestrę była bliska Rachmaninowowi, a kompozycje nosiły cechy późnego romantyzmu. Jednak gatunkowo najbliżej mu do symphojazzu. Później, w latach powstawania słynnej serii jego albumów „Artistry”, elementy jazzu nie pełniły już roli kreowania koloru, ale były już organicznie wplecione w materiał muzyczny. Wraz z Kentonem zasługa w tym zasługa jego najlepszego aranżera, Pete'a Rugolo, ucznia Dariusa Milhauda. Nowoczesne (jak na tamte lata) symfoniczne brzmienie, specyficzna technika staccato w grze na saksofonie, odważne harmonie, częste sekundy i bloki, a także politonalność i jazzowa pulsacja rytmiczna – to cechy wyróżniające tę muzykę, z którą Stan Kenton wszedł do historii jazzu przez wiele lat jako jeden z jego innowatorów, który znalazł wspólną płaszczyznę dla europejskiej kultury symfonicznej i elementów bebopu, szczególnie widocznych w utworach, w których instrumentaliści solowi zdawali się przeciwstawiać dźwiękom reszty orkiestry. Należy również zauważyć, że Kenton przywiązywał dużą wagę do improwizowanych partii solistów w swoich kompozycjach, w tym światowej sławy perkusisty Shelley Maine, kontrabasisty Eda Safransky'ego, puzonisty Kay Winding, June Christie, jednej z najlepszych wokalistek jazzowych tamtych lat . Stan Kenton przez całą swoją karierę był wierny wybranemu gatunkowi.

Oprócz Stana Kentona do rozwoju gatunku przyczynili się także interesujący aranżerzy i instrumentaliści Boyd Ryburn i Gil Evans. Za swoistą apoteozę progresywnego rozwoju, obok wspomnianej już serii „Artistry”, uznać można także serie albumów nagranych przez big band Gila Evansa wraz z zespołem Milesa Davisa w latach – np. „Miles Ahead ”, „Porgy and Bess” oraz „Rysunki hiszpańskie”. Krótko przed śmiercią Miles Davis ponownie zwrócił się ku temu gatunkowi, nagrywając stare aranżacje Gila Evansa z zespołem Quincy Jones Big Band.

twardy bop

Hard bop (angielski - hard, hard bop) to rodzaj jazzu, który powstał w latach 50. XX wiek z bopa. Różni się wyrazistą, okrutną rytmiką, polegając na bluesie. Nawiązuje do stylów modern jazzu. Mniej więcej w tym samym czasie, gdy na Zachodnim Wybrzeżu zakorzeniał się fajny jazz, muzycy jazzowi z Detroit, Filadelfii i Nowego Jorku zaczęli opracowywać ostrzejsze, cięższe wariacje na temat starej formuły bebopu, nazwanej Hard bop lub hard bebop. Bardzo przypominający tradycyjny bebop w swojej agresywności i wymaganiach technicznych, hard bop z lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych w mniejszym stopniu polegał na standardowych formach piosenek i zaczął kłaść większy nacisk na elementy bluesa i rytmikę. Zapalające solówki czy mistrzostwo w improwizacji, wraz z silnym poczuciem harmonii, były cechami nadrzędnymi dla dętych, udział perkusji i fortepianu stał się bardziej zauważalny w sekcji rytmicznej, a bas nabrał bardziej płynnego, funkowego charakteru. zaczerpnięte ze źródła „Literatura muzyczna” Kołomiec Maria)

Jazz modalny (modalny).

soulowy jazz

Rowek

Odgałęzienie soul jazzu, styl groove kreśli melodie z bluesowymi nutami i wyróżnia się wyjątkowym skupieniem rytmicznym. Czasami nazywany także „funk”, groove koncentruje się na utrzymaniu ciągłego charakterystycznego wzoru rytmicznego, doprawiając go lekkimi instrumentalnymi, a czasem lirycznymi ozdobami.

Utwory utrzymane w stylu groove są pełne radosnych emocji, zapraszając słuchaczy do tańca, zarówno w wolnej, bluesowej odsłonie, jak iw szybkim tempie. Improwizacje solowe zachowują ścisłe podporządkowanie beatowi i zbiorowemu brzmieniu. Najbardziej znanymi przedstawicielami tego stylu są organiści Richard „Groove” Holmes i Shirley Scott, tenorsaksofonista Jean Emmons oraz flecista/altosaksofonista Leo Wright.

wolny jazz

saksofonista Ornette Coleman

Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z nadejściem free jazzu, czyli „New Thing”, jak go później nazwano. Chociaż elementy free jazzu istniały w muzycznej strukturze jazzu na długo przed powstaniem samego terminu, najbardziej oryginalne w „eksperymentach” takich innowatorów jak Coleman Hawkins, Pee Wee Russell i Lenny Tristano, ale dopiero pod koniec lat 90. dzięki wysiłkom takich pionierów, jak saksofonista Ornette Coleman i pianista Cecil Taylor, kierunek ten ukształtował się jako niezależny styl.

To, czego dokonali ci dwaj muzycy, wraz z innymi, w tym Johnem Coltrane'em, Albertem Aylerem i społecznościami takimi jak Sun Ra Arkestra i grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble, to różnorodne zmiany strukturalne i wyczucie muzyki. Wśród innowacji, które zostały wprowadzone z wyobraźnią i wielką muzykalnością, była rezygnacja z progresji akordów, co pozwoliło muzyce poruszać się w dowolnym kierunku. Kolejna fundamentalna zmiana została znaleziona w obszarze rytmu, gdzie „swing” został albo przedefiniowany, albo całkowicie zignorowany. Innymi słowy, pulsacja, metrum i groove nie były już istotnym elementem takiego odczytania jazzu. Inny kluczowy składnik został powiązany z atonalnością. Teraz powiedzenie muzyczne nie było już zbudowane na zwykłym systemie tonalnym. Przenikliwe, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat.

Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już tak kontrowersyjnym stylem, jak u zarania jego powstania.

twórczy

Pojawienie się kierunku „Kreatywnego” naznaczone było przenikaniem do jazzu elementów eksperymentalizmu i awangardy. Początek tego procesu częściowo zbiegł się z powstaniem free jazzu. Elementy awangardowego jazzu, rozumiane jako zmiany i innowacje wprowadzane do muzyki, zawsze miały charakter „eksperymentalny”. Tak więc nowe formy eksperymentalizmu oferowane przez jazz w latach 50., 60. i 70. były najbardziej radykalnym odejściem od tradycji, wprowadzając do praktyki nowe elementy rytmu, tonacji i struktury.W istocie muzyka awangardowa stała się synonimem form otwartych, bardziej trudny do scharakteryzowania nawet free jazz. Z góry zaplanowana struktura powiedzeń została zmieszana z bardziej swobodnymi frazami solowymi, przypominającymi częściowo free jazz. Elementy kompozycyjne tak zlały się z improwizacją, że trudno było już określić, gdzie kończy się pierwsza, a zaczyna druga. W rzeczywistości struktura muzyczna utworów została zaprojektowana w taki sposób, aby solo było produktem aranżacji, logicznie wprowadzając proces muzyczny w coś, co normalnie byłoby postrzegane jako forma abstrakcji, a nawet chaosu. wokalista Lenny Tristano, saksofonista Jimmy Joffrey i kompozytor/aranżer/dyrygent Günter Schuller. Do nowszych mistrzów należą pianiści Paul Blay i Andrew Hill, saksofoniści Anthony Braxton i Sam Rivers, perkusiści Sunny Murray i Andrew Cyrill oraz członkowie społeczności AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians), na przykład Art Ensemble of Chicago.

Połączenie

Wychodząc nie tylko z fuzji jazzu z popem i rockiem, ale także z muzyką wywodzącą się z takich dziedzin, jak soul, funk czy Rhythm and Blues, fusion (lub dosłownie fusion), jako gatunek muzyczny, pojawił się na końcu – x, pierwotnie zwany jazz-rockiem. Osoby i zespoły, takie jak Eleventh House gitarzysty Larry’ego Coryella, perkusista Tony Williams’ Lifetime i Miles Davis, poszły na czele tego trendu, wprowadzając elementy takie jak elektronika, rockowe rytmy i rozbudowane utwory, unieważniając wiele z tego, czym jazz był od czasów swojego powstania, czyli rytmu swingowego, a opierała się przede wszystkim na muzyce bluesowej, której repertuar obejmował zarówno materiał bluesowy, jak i popularne standardy. Termin fusion wszedł do użytku wkrótce po pojawieniu się różnych orkiestr, takich jak Mahavishnu Orchestra, Weather Report i Return To Forever Ensemble Chicka Corei. W całej muzyce tych zespołów kładziono stały nacisk na improwizację i melodię, co mocno łączyło ich praktykę z historią jazzu, pomimo krytyków, którzy twierdzili, że „sprzedali się” kupcom muzycznym. W rzeczywistości, kiedy dziś słucha się tych wczesnych eksperymentów, nie wydają się one komercyjne, oferując słuchaczowi udział w czymś, co było muzyką o wysoce rozwiniętej konwersacyjnej naturze. W połowie lat fusion przekształciło się w wariant łatwego słuchania i / lub muzyki rytmicznej i bluesowej. Kompozycyjnie czy też z punktu widzenia wykonawczego stracił znaczną część swojej ostrości, jeśli nie całkowicie. W -e muzycy jazzowi przekształcili muzyczną formę fusion w prawdziwie ekspresyjne medium. Artyści tacy jak perkusista Ronald Shannon Jackson, gitarzyści Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie i James „Blood” Ulmer, a także doświadczony saksofonista/trębacz Ornette Coleman twórczo opanowali tę muzykę w różnych wymiarach.

Postbop

Perkusista Art Blakey

Okres post-bop obejmuje muzykę graną przez muzyków jazzowych, którzy kontynuowali pracę w dziedzinie bebop, unikając eksperymentów z free jazzem, które rozwinęły się w tym samym okresie lat 60. Podobnie jak wspomniany już hard bop, forma ta opierała się na rytmach, strukturze zespołowej i energii bebopu, na tych samych kombinacjach instrumentów dętych blaszanych i na tym samym repertuarze muzycznym, w tym na wykorzystaniu elementów latynoskich. Tym, co wyróżniało muzykę post-bop, było wykorzystanie elementów funku, groove'u czy soulu, przekształconych w duchu new age, naznaczonego dominacją muzyki pop, często eksperymentującej z blues rockiem. Tacy mistrzowie, jak saksofonista Hank Mobley, pianista Horace Silver, perkusista Art Blakey i trębacz Lee Morgan zapoczątkowali tę muzykę w połowie XX wieku i zapowiedzieli to, co obecnie stało się dominującą formą jazzu. Oprócz prostszych melodii i bardziej serdecznych bitów, słuchacz mógł usłyszeć zmieszane razem ślady gospel i rytmu i bluesa. Styl ten, który ulegał pewnym zmianom w latach '', był w pewnym stopniu wykorzystywany do tworzenia nowych struktur jako element kompozycyjny. Saksofonista Joe Henderson, pianista McCoy Tyner, a nawet tak wybitny bopper jak Dizzy Gillespie, tworzyli muzykę w tym gatunku, która była zarówno ludzka, jak i interesująca harmonicznie. Jednym z najbardziej znaczących kompozytorów, którzy pojawili się w tym okresie, był saksofonista Wayne Shorter. Shorter, który ukończył szkołę w Art Blakey Ensemble, nagrał kilka mocnych albumów pod własnym nazwiskiem. Wraz z klawiszowcem Herbiem Hancockiem Shorter pomógł Milesowi Davisowi założyć kwintet (najbardziej eksperymentalną i wpływową grupą post-bopową był Davis Quintet z udziałem Johna Coltrane'a), który stał się jedną z najważniejszych grup w historii jazzu.

kwasowy jazz

Jazzmanush

Rozprzestrzenianie się jazzu

Jazz zawsze budził zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy'ego Gillespiego i jego syntezę tradycji jazzowych z muzyką czarnych Kubańczyków w czy późniejszym połączeniu jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią, znaną w twórczości pianisty Dave'a Brubecka, a także genialnego kompozytora i lidera jazzowej orkiestry Duke'a Ellingtona, która łączyła muzyczne dziedzictwo Afryki, Ameryki Łacińskiej i Dalekiego Wschodu. Jazz nieustannie wchłaniał i to nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Na przykład, kiedy różni artyści zaczęli próbować pracować z muzycznymi elementami Indii. Przykład tego wysiłku można usłyszeć w nagraniach flecisty Paula Horna w Taj Mahal, czy w nurcie „world music” reprezentowanym chociażby przez zespół Oregon czy projekt Shakti Johna McLaughlina. Muzyka McLaughlina, dawniej w dużej mierze oparta na jazzie, zaczęła wykorzystywać nowe instrumenty pochodzenia indyjskiego, takie jak khatam czy tabla, podczas jego pracy z Shakti zabrzmiały zawiłe rytmy, a forma indyjskiej ragi była szeroko stosowana. The Art Ensemble of Chicago był wczesnym pionierem fuzji form afrykańskich i jazzowych. Później świat poznał saksofonistę/kompozytora Johna Zorna i jego eksplorację żydowskiej kultury muzycznej, zarówno w Orkiestrze Masady, jak i poza nią. Prace te zainspirowały całe grupy innych muzyków jazzowych, takich jak klawiszowiec John Medeski, który nagrywał z afrykańskim muzykiem Salifem Keitą, gitarzysta Marc Ribot i basista Anthony Coleman. Trębacz Dave Douglas czerpie inspiracje z Bałkanów do swojej muzyki, podczas gdy Asian-American Jazz Orchestra stała się czołowym orędownikiem konwergencji jazzu i azjatyckich form muzycznych. W miarę postępującej globalizacji świata, na jazz nieustannie wpływają inne tradycje muzyczne, dostarczając dojrzałego pożywienia dla przyszłych badań i udowadniając, że jazz jest naprawdę muzyką świata.

Jazz w ZSRR i Rosji

Pierwszy w RSFSR
ekscentryczna orkiestra
jazzowy zespół Valentina Parnakh

W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać dużą popularność w latach 30., w dużej mierze dzięki leningradzkiemu zespołowi kierowanemu przez aktora i piosenkarza Leonida Utiosowa oraz trębacza Jakuba B. Skomorowskiego. Popularna komedia filmowa z jego udziałem „Merry Fellows” (1934, pierwotnie zatytułowana „Jazz Comedy”) była poświęcona historii muzyka jazzowego i miała odpowiednią ścieżkę dźwiękową (autorstwa Isaaka Dunaevsky'ego). Utyosow i Skomorowski stworzyli oryginalny styl „tea-jazz” (jazz teatralny), oparty na mieszance muzyki z teatrem, operetką, numerami wokalnymi, a dużą rolę odegrał w nim element performansu.

Znaczący wkład w rozwój radzieckiego jazzu wniósł Eddie Rosner, kompozytor, muzyk i lider orkiestr. Po rozpoczęciu kariery w Niemczech, Polsce i innych krajach europejskich Rozner przeniósł się do ZSRR i stał się jednym z pionierów swingu w ZSRR i inicjatorem białoruskiego jazzu. Ważną rolę w popularyzacji i rozwoju stylu swingowego odegrały również moskiewskie zespoły lat 30. i 40., na czele z Aleksandrem Tsfasmanem i Aleksandrem Warlamowem. Jazzowa Orkiestra Radia Wszechzwiązkowego pod dyrekcją A. Varlamova wzięła udział w pierwszym sowieckim programie telewizyjnym. Jedyną zachowaną kompozycją z tamtych czasów okazała się orkiestra Olega Lundstrema. Ten znany obecnie big band należał do nielicznych i najlepszych zespołów jazzowych diaspory rosyjskiej, występował w latach 1935-1947. w Chinach.

Stosunek władz sowieckich do jazzu był niejednoznaczny: rodzimych wykonawców jazzowych z reguły nie zakazywano, ale ostra krytyka jazzu jako takiego była szeroko rozpowszechniona w kontekście kontrowania kultury Zachodu w ogóle. Pod koniec lat 40., podczas walki z kosmopolityzmem, jazz w ZSRR przeżywał szczególnie trudny okres, kiedy prześladowano zespoły wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z nadejściem „odwilży” prześladowania muzyków ustały, ale krytyka trwała nadal.

Według badań profesor historii i kultury amerykańskiej Penny Van Eschen Departament Stanu USA próbował użyć jazzu jako ideologicznej broni przeciwko ZSRR i ekspansji sowieckich wpływów w Trzecim Świecie.

Pierwsza książka o jazzie w ZSRR została opublikowana przez Leningradzkie wydawnictwo Academia w 1926 roku. Został opracowany przez muzykologa Siemiona Ginzburga na podstawie tłumaczeń artykułów zachodnich kompozytorów i krytyków muzycznych, a także jego własnych materiałów i nosił tytuł „ Zespół jazzowy i muzyka współczesna» .
Następna książka o jazzie ukazała się w ZSRR dopiero na początku lat 60. Został napisany przez Valery Mysovsky i Vladimir Feyertag, zatytułowany „ Jazz” i był zasadniczo kompilacją informacji, które można było uzyskać z różnych źródeł w tamtym czasie. Od tego czasu rozpoczęto prace nad pierwszą encyklopedią jazzu w języku rosyjskim, która została opublikowana dopiero w 2001 roku przez petersburskie wydawnictwo „Skifia”. Encyklopedia " Jazz. XX wiek. Odniesienie encyklopedyczne” została przygotowana przez jednego z najbardziej autorytatywnych krytyków jazzowych Vladimira Feiertaga, liczyła ponad tysiąc nazwisk jazzowych osobistości i została jednogłośnie uznana za główną rosyjskojęzyczną książkę o jazzie. W 2008 roku ukazało się drugie wydanie encyklopedii „ Jazz. Odniesienie encyklopedyczne”, gdzie historia jazzu toczy się aż do XXI wieku, dodano setki najrzadszych fotografii, a listę jazzowych nazwisk powiększono o prawie jedną czwartą.

Jazz latynoamerykański

Połączenie latynoskich elementów rytmicznych było obecne w jazzie niemal od początków kulturowej fuzji zapoczątkowanej w Nowym Orleanie. Jelly Roll Morton mówił o „hiszpańskich podtekstach” w swoich nagraniach od połowy do końca lat 90. Duke Ellington i inni liderzy zespołów jazzowych również używali form łacińskich. Główny (choć mało rozpoznawalny) prekursor latynoskiego jazzu, trębacz/aranżer Mario Bausa, sprowadził w latach 90. Orkiestry Hendersona i Caba Callowaya. Pracując z trębaczem Dizzy Gillespie w Calloway Orchestra od końca XX wieku, Bausa wprowadził kierunek, z którego istniał już bezpośredni związek z big bandami Gillespiego z połowy XX wieku. Ten „romans” Gillespiego z latynoskimi formami muzycznymi trwał do końca jego długiej kariery. Bausa kontynuował karierę, zostając dyrektorem muzycznym Afro-Cuban Machito Orchestra, na czele której stał jego szwagier, perkusista Frank Grillo, nazywany Machito. Lata 50. i 60. to długi flirt jazzu z latynoskimi rytmami, głównie w kierunku bossa novy, wzbogacający tę syntezę o elementy brazylijskiej samby. Łącząc styl cool jazzu wypracowany przez muzyków z Zachodniego Wybrzeża, europejskie proporcje klasyki i uwodzicielskie brazylijskie rytmy, bossa nova, a właściwie „brazylijski jazz”, zyskała dużą popularność w Stanach Zjednoczonych ok. Subtelne, ale hipnotyzujące rytmy gitary akustycznej przerywane były prostymi melodiami śpiewanymi zarówno po portugalsku, jak i po angielsku. Wprowadzony przez Brazylijczyków Joao Gilberto i Antonio Carlosa Jobina, styl ten stał się taneczną alternatywą dla hard bop i free jazzu w latach pięćdziesiątych XX wieku, znacznie zwiększając jego popularność dzięki nagraniom i występom muzyków z zachodniego wybrzeża, w szczególności gitarzysty Charliego Byrda i saksofonisty Stana Getza . Muzyczna mieszanka wpływów latynoskich rozprzestrzeniła się w jazzie i poza nim, w latach i XX wieku, obejmując nie tylko orkiestry i grupy z pierwszorzędnymi improwizatorami z Ameryki Łacińskiej, ale także łącząc lokalnych i latynoskich wykonawców, tworząc przykłady najbardziej ekscytującej muzyki scenicznej . Ten nowy renesans latynoskiego jazzu był napędzany przez ciągły napływ zagranicznych wykonawców spośród kubańskich uciekinierów, takich jak trębacz Arturo Sandoval, saksofonista i klarnecista Paquito D'Rivera i inni. którzy uciekli przed reżimem Fidela Castro w poszukiwaniu większych możliwości, jakie spodziewali się znaleźć w Nowym Jorku i na Florydzie. Istnieje również opinia, że ​​​​bardziej intensywne, bardziej taneczne cechy muzyki polirytmicznej latynoskiego jazzu znacznie poszerzyły jazzową publiczność. To prawda, zachowując jedynie minimum intuicyjności, dla percepcji intelektualnej.

Jazz we współczesnym świecie

Zrozumienie, kto jest kim w jazzie, nie jest takie proste. Kierunek odnosi sukcesy komercyjne, dlatego często o „jedynym koncercie legendarnego Vasyi Pupkina” krzyczą ze wszystkich szczelin, a naprawdę ważne postacie schodzą w cień. Pod presją zdobywców Grammy i reklam radia Jazz łatwo stracić koncentrację i pozostać obojętnym na styl. Jeśli chcesz nauczyć się rozumieć taką muzykę, a może nawet ją pokochać, naucz się najważniejszej zasady: nikomu nie ufaj.

Trzeba ostrożnie oceniać nowe zjawiska, albo jak Hugues Panasier – słynny muzykolog, który wytyczył granicę i piętnował cały jazz po latach 50., nazywając go „fałszywym”. Ostatecznie okazało się, że się mylił, ale nie wpłynęło to na popularność jego książki The History of Genuine Jazz.

Lepiej traktować nowe zjawisko z cichą podejrzliwością, więc na pewno ujdziesz za własne: snobizm i przywiązanie do starego to jedna z najjaśniejszych cech subkultury.

W rozmowach o jazzie często wymienia się Louisa Armstronga i Ellę Fitzgerald – wydawałoby się, że nie można się tu pomylić. Ale takie uwagi zdradzają neofitę. Są to postacie emblematyczne i jeśli nadal można mówić o Fitzgeraldzie w odpowiednim kontekście, to Armstrong jest Charliem Chaplinem jazzu. Nie porozmawiasz z maniakiem kina studyjnego o Charliem Chaplinie, prawda? A jeśli tak, to przynajmniej nie w pierwszej kolejności. Wymienienie obu słynnych nazwisk jest możliwe w niektórych przypadkach, ale jeśli nie masz nic w kieszeni poza tymi dwoma asami, trzymaj je i czekaj na odpowiednią sytuację.

W wielu kierunkach pojawiają się zjawiska modne i niezbyt modne, ale w największym stopniu jest to charakterystyczne dla jazzu. Dojrzały hipster, przyzwyczajony do szukania rzadkich i dziwnych rzeczy, nie zrozumie, dlaczego czeski jazz lat 40. nie jest interesujący. Nie będzie można znaleźć tutaj czegoś warunkowo „niezwykłego” i przebić się swoją „głęboką erudycją”. Aby ogólnie wyobrazić sobie styl, należy wymienić jego główne kierunki od końca XIX wieku.

Ragtime i blues są czasami nazywane proto-jazzem, a jeśli ten pierwszy, nie będąc formą kompletną z dzisiejszego punktu widzenia, jest interesujący po prostu jako fakt z historii muzyki, to blues jest nadal aktualny.

Ragtime Scotta Joplina

I choć przyczyną takiego przypływu miłości do bluesa w latach 90. badacze nazywają stan psychiczny Rosjan i totalne poczucie beznadziejności, to w rzeczywistości wszystko może być znacznie prostsze.

Wybór 100 popularnych piosenek bluesowych

Klasyczne boogie-woogie

Podobnie jak w kulturze europejskiej, Afroamerykanie dzielili muzykę na świecką i duchową, a jeśli blues należał do pierwszej grupy, to duchowa i gospel do drugiej.

Utwory spirytualistyczne są bardziej surowe niż ewangelie i są wykonywane przez chór wiernych, często przy akompaniamencie parzystych oklasków – ważna cecha wszystkich stylów jazzowych i problem wielu europejskich słuchaczy, którzy klaszczą nie na miejscu. Muzyka Starego Świata najczęściej sprawia, że ​​kiwamy głową w rytm dziwnych bitów. W jazzie jest odwrotnie. Dlatego jeśli nie jesteś pewien, czy czujesz te drugie i czwarte uderzenie, które są niezwykłe dla Europejczyka, lepiej powstrzymać się od klaskania. Lub zobacz, jak robią to sami wykonawcy, a następnie spróbuj ponownie.

Scena z filmu „12 Years a Slave” z wykonaniem klasycznej duchowości

Współczesna duchowość autorstwa Take 6

Piosenki gospel były częściej wykonywane przez jednego śpiewaka, mają większą swobodę niż spirytualizacje, dlatego stały się popularne jako gatunek koncertowy.

Klasyczna muzyka gospel w wykonaniu Mahalii Jackson

Współczesna muzyka gospel z filmu Joyful Noise

W latach 1910-tych ukształtował się jazz tradycyjny lub nowoorleański. Muzykę, z której się wywodziła, wykonywały wówczas bardzo popularne orkiestry uliczne. Dramatycznie wzrasta znaczenie instrumentów, ważnym wydarzeniem epoki jest pojawienie się zespołów jazzowych, małych orkiestr liczących 9–15 osób. Sukces zespołów murzyńskich zmotywował białych Amerykanów do stworzenia tzw. Dixielands.

Tradycyjny jazz kojarzy się z filmami o amerykańskich gangsterach. Wynika to z faktu, że jego rozkwit przypadł na czasy prohibicji i Wielkiego Kryzysu. Jednym z najjaśniejszych przedstawicieli tego stylu jest wspomniany już Louis Armstrong.

Charakterystycznymi cechami tradycyjnego zespołu jazzowego są stabilna pozycja banjo, wiodąca pozycja trąbki i pełny udział klarnetu. Dwa ostatnie instrumenty z czasem zastąpią saksofon, który stanie się stałym liderem takiej orkiestry. Z natury muzyki jazz tradycyjny jest bardziej statyczny.

Zespół jazzowy Jelly Roll Morton

Dixieland Jazz Band współczesnego Dixieland Marshalla

Co jest nie tak z jazzem i dlaczego zwykło się mówić, że tej muzyki nikt nie umie grać?

Chodzi o jej afrykańskie pochodzenie. Pomimo faktu, że do połowy XX wieku biali bronili swojego prawa do tego stylu, nadal powszechnie uważa się, że Afroamerykanie mają szczególne poczucie rytmu, które pozwala im stworzyć wrażenie kołysania, które nazywa się „swingiem”. (z angielskiego na huśtawkę - „huśtać się”). Dyskusja z tym jest ryzykowna: większość wielkich białych pianistów od lat 50. do naszych czasów stała się sławna dzięki reżyserii lub intelektualnym improwizacjom zdradzającym głęboką muzyczną erudycję.

Dlatego jeśli w rozmowie wspomniałeś o białym jazzie, nie powinieneś mówić czegoś w stylu „jak on świetnie swinguje” – w końcu swinguje albo normalnie, albo wcale, to jest odwrotny rasizm.

A samo słowo „huśtawka” jest zbyt zużyte, lepiej wymawiać je na ostatnim miejscu, kiedy prawdopodobnie jest to właściwe.

Każdy jazzman musi umieć wykonać „standardy jazzowe” (główne melodie, czyli inaczej evergreeny), które jednak dzielą się na orkiestrowe i zespołowe. Na przykład In the Mood jest raczej jednym z pierwszych.

W nastroju. Wykonywane przez Glenn Miller Orchestra

W tym samym czasie pojawiają się słynne dzieła George'a Gershwina, które uważane są jednocześnie za jazzowe i akademickie. Są to Blues Rhapsody (lub Blue Rhapsody), napisana w 1924 roku, oraz opera Porgy and Bess (1935), słynąca z arii Summertime. Przed Gershwinem jazzowe harmonie wykorzystywali tacy kompozytorzy jak Charles Ives i Antonin Dvorak (symfonia „Z Nowego Świata”).

George’a Gershwina. Porgy i Bess. Aria Summertime. Akademickie wykonanie Marii Callas

George’a Gershwina. Porgy i Bess. Aria Summertime. Jazzed autorstwa Franka Sinatry

George’a Gershwina. Porgy i Bess. Aria Summertime. Wersja rockowa. Wykonywane przez Janis Joplin

George’a Gershwina. Rapsodia bluesowa. Wykonywane przez Leonarda Bernsteina i jego orkiestrę

Jednym z najbardziej znanych kompozytorów rosyjskich, podobnie jak Gershwin, piszących w stylu jazzowym, jest Nikołaj Kapustin. .

Oba obozy patrzą z ukosa na takie eksperymenty: muzycy jazzowi są przekonani, że utwór pisany bez improwizacji nie jest już jazzem „z definicji”, a kompozytorzy akademiccy uważają jazzowe środki wyrazu za zbyt trywialne, by traktować je poważnie.

Jednak klasyczni wykonawcy z przyjemnością grają Kapustina, a nawet próbują improwizować, podczas gdy ich odpowiednicy działają mądrzej, nie wkraczając na cudze terytorium. Akademiccy pianiści, którzy wystawiają publicznie swoje improwizacje, od dawna są memem w kręgach jazzowych.

Od lat 20. XX wieku liczba kultowych i ikonicznych postaci w historii kierunku rośnie i coraz trudniej poukładać sobie w głowie te liczne nazwiska. Jednak niektóre można rozpoznać po charakterystycznej barwie lub sposobie wykonania. Jedną z tych pamiętnych piosenkarek była Billie Holiday.

Cały ja. Wykonywane przez Billie Holiday

W latach 50. rozpoczyna się nowa era, zwana „modern jazzem”. Wspomniany wyżej muzykolog Yug Panasier zaprzeczył jej. Kierunek ten otwiera styl bebop: jego cechą charakterystyczną jest duża szybkość i częste zmiany harmonii, a co za tym idzie wymaga wyjątkowych umiejętności wykonawczych, które posiadały tak wybitne osobowości jak Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk czy John Coltrane.

Bebop powstał jako gatunek elitarny. Na jam session – wieczór improwizacji mógł przyjść każdy muzyk z ulicy, więc pionierzy bebopu wprowadzili szybkie tempa, żeby pozbyć się amatorów i słabych profesjonalistów. Ten snobizm jest po części nieodłączny od fanów takiej muzyki, którzy swój ulubiony kierunek uważają za szczyt rozwoju jazzu. Zwyczajem jest traktowanie bebopu z szacunkiem, nawet jeśli nic z niego nie rozumiesz.

Gigantyczne kroki. Wykonywane przez Johna Coltrane'a

Szczególnym szykiem jest podziwianie oburzającej, celowo niegrzecznej maniery Theloniousa Monka, który według plotek doskonale grał złożone utwory akademickie, ale starannie to ukrywał.

Okrągła północ. Wykonywane przez Theloniousa Monka

Nawiasem mówiąc, dyskusja o plotkach na temat wykonawców jazzowych nie jest haniebna - wręcz przeciwnie, wskazuje na głębokie zaangażowanie i wskazuje na wspaniałe wrażenia odsłuchowe. Dlatego warto wiedzieć, że uzależnienie od narkotyków Milesa Davisa wpłynęło na jego zachowanie sceniczne, Frank Sinatra miał powiązania z mafią, aw San Francisco znajduje się kościół nazwany imieniem Johna Coltrane'a.

Mural „Tańczący święci” z kościoła w San Francisco.

Wraz z bebopem narodził się inny styl w ramach tego samego kierunku - fajny jazzik(cool jazz), który wyróżnia się „zimnym” brzmieniem, umiarkowanym charakterem i niespiesznym tempem. Jednym z jej założycieli był Lestera Younga, ale w tej niszy jest też wielu białych muzyków: Dave'a Brubecka , Billa Evansa(nie mylić z Gila Evansa), Stana Getza itd.

Weź pięć. Wykonywane przez Dave Brubeck Ensemble

Jeśli lata 50., wbrew zarzutom konserwatystów, otworzyły drogę do eksperymentów, to w latach 60. stały się one normą. W tym czasie Bill Evans nagrywa dwa albumy z aranżacjami dzieł klasycznych z orkiestrą symfoniczną, Stanem Kentonem, przedstawicielem jazzu progresywnego, tworzy bogate orkiestracje, których harmonię porównuje się z Rachmaninowem, aw Brazylii istnieje własna wersja jazzu, zupełnie odmienna od innych stylów - bossanowa .

granaty. Jazzowa aranżacja utworu „Maja i słowik” hiszpańskiego kompozytora Granadosa. Wykonywane przez Billa Evansa z orkiestrą symfoniczną

Malaguena. Wykonywana przez Orkiestrę Stana Kentona

Dziewczyna z Ipanemy. Wykonywane przez Astrud Gilberto i Stana Getza

Kochać bossanova jest tak proste, jak kochanie minimalizm we współczesnej muzyce akademickiej.

Dzięki dyskretnemu i „neutralnemu” brzmieniu brazylijski jazz znalazł się w windach i hotelowych lobby jako podkład muzyczny, choć nie umniejsza to znaczenia tego stylu jako takiego. Twierdzenie, że kochasz bossa novę, jest tego warte tylko wtedy, gdy naprawdę dobrze znasz jej przedstawicieli.

Ważny zwrot został zarysowany w popularnym stylu orkiestrowym - symphojazz. W latach 40. jazz, przypudrowany akademickim brzmieniem symfonicznym, stał się modnym zjawiskiem i standardem złotego środka między dwoma stylami o zupełnie odmiennym podłożu.

Szczęście Bądź damą. Wykonywane przez Franka Sinatrę z Jazz Symphony Orchestra

W latach 60. brzmienie orkiestry symfo-jazzowej straciło na nowości, co doprowadziło Stana Kentona do eksperymentów z harmonią, aranżacji Billa Evansa i albumów tematycznych Gila Evansa, takich jak Sketches of Spain i Miles Ahead.

Szkice Hiszpanii. Wykonywane przez Milesa Davisa z Gil Evans Orchestra

Eksperymenty w dziedzinie jazzu symfonicznego są nadal aktualne, najciekawszymi projektami ostatnich lat w tej niszy są Metropole Orkest, The Сinematic Orchestra i Snarky Puppy.

Oddychać. Wykonywana przez The Cinematic Orchestra

Gretel. Wykonywane przez Snarky Puppy i Metropole Orkest (nagroda Grammy, 2014)

Tradycje bebopu i fajnego jazzu połączyły się w hard bop, ulepszoną wersję bebopu, chociaż odróżnienie jednego od drugiego na słuch może być trudne. Wybitnymi wykonawcami tego stylu są The Jazz Messengers, Sonny Rollins, Art Blakey i kilku innych muzyków, którzy pierwotnie grali bebop.

twardy bop. Wykonywane przez The Jazz Messengers Orchestra

Jęczenie. Wykonywane przez Arta Blakeya i The Jazz Messengers

Bogate improwizacje w szybkim tempie wymagały pomysłowości, co skłoniło do poszukiwań w terenie denerwować. Tak urodzony jazz modalny. Często jest wyróżniany jako styl niezależny, chociaż podobne improwizacje można znaleźć także w innych gatunkach. Najpopularniejszym utworem modalnym był „So What?” Milesa Davisa.

Więc co? Wykonywane przez Milesa Davisa

Podczas gdy znakomici jazzmani zastanawiali się, jak jeszcze bardziej skomplikować i tak już złożoną muzykę, niewidomi autorzy i wykonawcy Ray Charles i kroczyli ścieżką serca, łącząc w swojej twórczości jazz, soul, gospel oraz rytm i blues.

koniuszki palców. Wykonywane przez Steviego Wondera

Co powiedziałem. Wykonywane przez Raya Charlesa

W tym samym czasie organiści jazzowi głośno się deklarują, grając muzykę na organach elektrycznych Hammonda.

Jimmy'ego Smitha

W połowie lat 60. pojawił się soul jazz, który łączył demokratyzm soulu z intelektualizmem bebopu, ale historycznie utożsamiany jest zazwyczaj z tym drugim, przemilczając znaczenie pierwszego. Najpopularniejszą postacią soul jazzu był Ramsey Lewis.

W tłumie. Wykonywane przez Ramsey Lewis Trio

O ile od początku lat 50. tylko odczuwano podział jazzu na dwie gałęzie, to już w latach 70. można było mówić o tym jako o niepodważalnym fakcie. Szczytem elitarnego kierunku był