• ×

    • Odwilż w literaturze epoki sowieckiej. Dlaczego „odwilż”

    20.03.2019

    Treść artykułu

    LITERATURA ODWILŻENIA, nazwa warunkowa dla okresu literatury Związku Radzieckiego w latach 50.-pocz. 60. XX wieku. Śmierć Stalina w 1953 r., XX (1956) i XXII (1961) zjazd KPZR, potępiający „kult jednostki”, złagodzenie cenzury i ideologiczne ograniczenia – wydarzenia te zdeterminowały zmiany odzwierciedlone w twórczości pisarzy i poeci odwilży.

    Na początku lat pięćdziesiątych na łamach pism literackich zaczęły pojawiać się artykuły i utwory, które pełniły rolę pobudzającą opinię publiczną. Ostre kontrowersje wśród czytelników i krytyków wywołała historia Ilji Erenburga Odwilż. Wizerunki bohaterów zostały podane w nieoczekiwany sposób. Główny bohater, rozstając się z ukochaną osobą, dyrektorem zakładu, wyznawcą ideologii sowieckiej, w swojej osobie zrywa z przeszłością kraju. Oprócz głównego wątku fabularnego, opisującego losy dwóch malarzy, pisarka stawia pytanie o prawo artysty do niezależności od wszelkich postaw.

    W 1956 ukazała się powieść Władimira Dudincewa Nie samym chlebem i opowiadania Pavela Nilin Okrucieństwo Siergiej Antonow To było w Pieńkowie. Powieść Dudincewa kreśli tragiczną drogę wynalazcy w systemie biurokratycznym. Główni bohaterowie opowiadań, Nilin i Antonov, przyciągnęli żywiołowi bohaterowie, szczery stosunek do otaczających ich wydarzeń, poszukiwanie własnej prawdy.

    Najbardziej uderzające prace tego okresu dotyczyły udziału w rozwiązywaniu aktualnych problemów społeczno-politycznych dla kraju, rewizji roli jednostki w państwie. W społeczeństwie trwał proces opanowywania przestrzeni otwartej wolności. Większość uczestników sporów nie porzuciła idei socjalistycznych.

    W 1945 r. położono warunki do odwilży. Wielu pisarzy było żołnierzami na froncie. Proza o wojnie prawdziwych uczestników działań wojennych, czy, jak ją nazywano, „proza ​​oficerska”, niosła ważne zrozumienie prawdy o minionej wojnie.

    Pierwszym, który poruszył ten temat, który stał się centralny w prozie wojskowej lat 1950-1960, był Wiktor Niekrasow w opowiadaniu W okopach Stalingradu, opublikowanym w 1946 roku. Konstantin Simonov, który służył jako pierwszy dziennikarz, opisał swoje wrażenia w trylogii Żywe i martwe(1959-1979). W opowieściach pisarzy frontowych Grigorija Baklanowa rozpiętość ziemi(1959) i Zmarli nie mają wstydu(1961), Jurij Bondariew Bataliony proszą o ogień(1957) i Ostatnie salwy(1959), Konstantin Vorobyov Zabity pod Moskwą(1963) na tle szczegółowego, nielakierowanego opisu życia wojskowego po raz pierwszy pojawił się wątek świadomego osobistego wyboru w sytuacji między życiem a śmiercią. Znajomość życia na froncie i doświadczenie przetrwania w obozach stanowiły podstawę pracy Aleksandra Sołżenicyna, który poddał reżim sowiecki najbardziej konsekwentnej krytyce.

    Ważną rolę w procesie „ocieplania” odegrały wydania almanachów i czasopism literackich – różnych pism literackich. To oni najżywotniej reagowali na nowe trendy, przyczynili się do powstania nowych nazwisk, wydobyli z zapomnienia twórców lat 20.-1930.

    W latach 1950–1970 magazynem „Nowy Mir” kierował AT Tvardovsky. Jako redaktor naczelny przyczynił się do pojawienia się na łamach pisma błyskotliwych i odważnych publikacji, skupiając wokół siebie najlepszych pisarzy i publicystów. Proza Nowomirska zwróciła uwagę czytelników na poważne problemy społeczne i moralne.

    W 1952 w Nowym Mirze ukazała się seria esejów Walentyna Owieczkina. Dystrykt dni powszednie, gdzie po raz pierwszy zaczęto dyskutować na temat optymalnego zarządzania rolnictwem. Dyskutowano o tym, co jest lepsze: silna wola czy przyznanie niezbędnej samodzielności rolnictwu. Publikacja ta zapoczątkowała cały nurt w literaturze - "prozę wiejską". spokojne refleksje wiejski pamiętnik Jefim Dorosz o losach mieszkańców wsi obok nerwowej, naelektryzowanej prozy Władimira Tendryakowa – opowiadania dziury, Mayfly - krótki wiek. Proza wiejska ukazywała mądrość chłopów, żyjących z naturą w tym samym rytmie i wrażliwie reagujących na wszelkie kłamstwa. Jeden z najzdolniejszych późniejszych „wiosków”, Fiodor Abramow, zaczął być publikowany w „Nowym Świecie” jako krytyk. W 1954 ukazał się jego artykuł Ludzie ze wsi kołchozowej w powojennej prozie, gdzie namawiał do pisania „tylko prawdy – bezpośredniej i bezstronnej”.

    W 1956 roku ukazały się dwa numery antologii „Literacka Moskwa” pod redakcją Emmanuila Kazakevicha. I. Erenburga, K. Czukowskiego, P. Antokolskiego, W. Tendryakowa, A. Jaszyna i innych, a także poetów N. Zabolotskiego i A. Achmatowej opublikowano tu po raz pierwszy po 30-letniej przerwie, opublikowano prace M. Cwietajewej. W 1961 r. wydano almanach Tarusa Pages pod redakcją Nikołaja Ottena, w którym opublikowano M. Cwietajewę, B. Słuckiego, D. Samojłowa, M. Kazakowa, historię wojny Bułata Okudżawy Bądź zdrów, uczeń, rozdziały z złota Róża oraz eseje K. Paustowskiego.

    Mimo atmosfery odnowy, sprzeciw wobec nowych trendów był znaczący. Poeci i pisarze pracujący według zasad socrealizmu konsekwentnie bronili ich w literaturze. Wsiewołod Koczetow, redaktor naczelny magazynu Oktiabr, kłócił się z Nowym Mirem. Dyskusje toczone na łamach magazynów i periodyków wspierały atmosferę dialogu w społeczeństwie.

    W latach 1955-1956 pojawiło się wiele nowych czasopism - Młodzież, Moskwa, Młoda Gwardia, Przyjaźń Narodów, Ural, Wołga itp.

    „Proza młodzieżowa” ukazała się głównie w czasopiśmie „Młodzież”. Jej redaktor, Valentin Kataev, powołał się na młodych i nieznanych prozaików i poetów. Dzieła młodzieży charakteryzowały się konfesyjną intonacją, młodzieńczym slangiem, szczerym humorem.

    W opowiadaniach Anatolija Gladilina opublikowanych na łamach „Młodzieży” Kronika czasów Wiktora Podgurskiego(1956) i Anatolij Kuzniecow Kontynuacja legendy(1957) opisali poszukiwania przez młode pokolenie własnej drogi na „budowlach stulecia” iw życiu osobistym. Bohaterów pociągała także szczerość i odrzucenie fałszu. W historii Wasilija Aksenowa bilet gwiazda, opublikowanym w „Młodzieży”, opisano nowy typ sowieckiej młodzieży, nazwanej później przez krytyków „gwiazdowymi chłopcami”. To nowy romantyk, tęskniący za maksymalną wolnością, wierzący, że w poszukiwaniu siebie ma prawo popełniać błędy.

    W okresie odwilży w literaturze rosyjskiej pojawiło się wiele nowych jasnych nazwisk. Opowiadania Jurija Kazakowa charakteryzują się dbałością o niuanse stanu psychicznego zwykłych ludzi z ludu (historie Mańka, 1958, tralee wali, 1959). Listonosz, pijak boja śpiewający stare piosenki na rzece – ucieleśniają ich rozumienie życia, skupiając się na własnym wyobrażeniu o jego wartościach. ironiczna opowieść Gwiazdozbiór Kozłotur(1961) przyniósł popularność młodemu pisarzowi Fazilowi ​​Iskanderowi. Historia wyśmiewa wykastrowane biurokratyczne funkcjonowanie, tworząc zamieszanie wokół bezużytecznych „innowacyjnych przedsięwzięć”. Subtelna ironia stała się nie tylko charakterystyczną cechą autorskiego stylu Iskandera, ale przeniosła się także do mowy ustnej.

    Gatunek science fiction wciąż się rozwija, którego tradycje zostały ustanowione w latach 20. i 30. XX wieku. Znaczące prace napisał Ivan Efremov - Mgławica Andromedy (1958), Serce Węża(1959). Powieść utopijna Mgławica Andromedy przypomina traktat filozoficzny o kosmicznej komunistycznej przyszłości, do której doprowadzi rozwój społeczeństwa.

    W latach 50. do literatury przyszli bracia Arkady i Borys Strugacki - Z zewnątrz (1959), Kraj Karmazynowych Chmur (1959), Ścieżka do Amaltei (1960), południe, XXI wiek (1962), odległa tęcza (1962), Trudno być bogiem(1964). W przeciwieństwie do innych pisarzy science fiction, którzy w abstrakcyjny, heroiczny sposób rozwiązywali wątki kosmicznego mesjanizmu, problemy kosmicznych „postępców” zostały ujawnione przez Strugackich na poziomie filozoficznego rozumienia wzajemnych wpływów cywilizacji różnych poziomów. W historii Trudno być bogiem pojawia się pytanie, co jest lepsze: powolny, bolesny, ale naturalny rozwój społeczeństwa czy sztuczne wprowadzanie i rozszerzanie wartości społeczeństwa bardziej cywilizowanego na mniej rozwinięte w celu ukierunkowania jego ruchu w bardziej postępowym kierunku . W kolejnych książkach autorów refleksja nad tym zagadnieniem pogłębia się. Pojawia się świadomość odpowiedzialności moralnej za niemałe wyrzeczenia – zapłata tzw. społeczeństwa „prymitywne” za narzucony im postęp.

    W latach 60. i 80. Jurij Trifonow, Aleksander Sołżenicyn, Wenedykt Erofiejew, Józef Brodski zaczęli realizować się jako pisarze i poeci.

    Tak więc w 1950 roku historia Trifonova studenci. Sołżenicyn, w latach wygnania i nauczania w obwodzie riazańskim, pracował nad powieścią korpus nowotworowy, Badania Archipelag Gułag; w 1959 napisał opowiadanie Pewnego dnia Iwan Denisowicz, wydanej w 1962 roku. Wenedykt Erofiejew w latach 50. prowadził życie studenta wędrującego po różnych uczelniach. Spróbował swojego pióra w lirycznym dzienniku Notatki psychopaty(1956-1957), gdzie odczuwano już szczególny styl Erofiejewa.

    Okresowi odwilży towarzyszy rozkwit poezji. Euforia z otwartych możliwości wymagała emocjonalnego wybuchu. Od 1955 r. w kraju obchodzone jest Święto Poezji. Pewnej wrześniowej niedzieli w salach bibliotek i teatrów czytano wiersze w całym kraju. Od 1956 roku zaczął pojawiać się almanach o tej samej nazwie. Poeci przemawiali z trybun, gromadzili stadiony. Wieczory poetyckie w Muzeum Politechnicznym przyciągnęły tysiące entuzjastycznych słuchaczy. Od czasu uroczystego otwarcia pomnika poety na Placu Majakowskim w 1958 roku miejsce to stało się miejscem pielgrzymek i spotkań poetów i miłośników poezji. Tu czytano wiersze, wymieniano książki i czasopisma, odbywał się dialog o tym, co się dzieje w kraju i na świecie.

    Największą popularność w okresie poetyckiego boomu zdobyli poeci o jasnym dziennikarskim temperamencie - Robert Rozhdestvensky i Jewgienij Jewtuszenko. Ich obywatelskie teksty nasycone były patosem zrozumienia miejsca ich kraju na skali światowych osiągnięć. Stąd inne podejście do rozumienia obywatelskiego obowiązku i społecznego romansu. Zrewidowano wizerunki przywódców - wizerunek Lenina był romantyczny, Stalina krytykowano. Wiele piosenek zostało napisanych do wierszy Rozhdestvensky'ego, które stały się podstawą „wielkiego stylu” w gatunku sowieckich piosenek pop. Jewgienij Jewtuszenko oprócz wątków obywatelskich znany był z głębokich i dość szczerych tekstów miłosnych, cykli pisanych na podstawie wrażeń z podróży po całym świecie.

    Nie mniej popularny Andrei Voznesensky był bardziej skupiony na estetyce nowej nowoczesności - lotniskach, neonach, nowych markach samochodów itp. Spłacił jednak swój dług za próby nowego zrozumienia wizerunków sowieckich przywódców. Z biegiem czasu w twórczości Wozniesieńskiego zaczął wybrzmiewać temat poszukiwania prawdziwych wartości bytu. Kameralne, intymne motywy Belli Akhmaduliny, jej specyficzny, melodyjny, autorski sposób gry subtelnie przypominał poetki Srebrnego Wieku, przyciągając do niej wielu wielbicieli.

    Na przełomie lat 50. i 60. popularny stał się gatunek piosenki artystycznej. Najwybitniejszym przedstawicielem i inicjatorem tego nurtu był Bułat Okudżawa. Wraz z Rozhdestvensky, Yevtushenko, Voznesensky i Akhmadulina występował w Muzeum Politechnicznym na hałaśliwych wieczorach poetyckich. Jego twórczość stała się punktem wyjścia, impulsem do powstania galaktyki popularnych bardów domowych - Wybora, Gorodnickiego, Galicza, Władimira Wysockiego i innych.Wielu bardów śpiewało pieśni nie tylko własnymi słowami, często wierszami poetów Srebrnego Wieku - Achmatowa, Cwietajewa, Mandelsztam zostały ustawione do muzyki.

    Cała paleta procesu poetyckiego okresu odwilży nie ograniczała się do jasnych, młodych głosów, dobrze znanych ogólnemu czytelnikowi. Kolekcje poetów starszego pokolenia - Nikołaja Asejewa - nasycone są przeczuciem zmiany refleksje(1955), Leonida Martynowa Poezja(1957). Zrozumienie lekcji wojny jest głównym tematem poetów frontowych Siemiona Gudzenko, Aleksandra Mieżyrowa, Olgi Berggolts, Julii Druniny. Motywy odważnej ascezy, która pomogła przetrwać w obozach, zabrzmiały w twórczości Jarosława Smeliakowa. „Cichy Lirycy” Władimir Sokołow i Nikołaj Rubcow zwrócili się ku naturze w poszukiwaniu autentyczności bytu i harmonii ze światem. David Samoilov i Boris Slutsky wyszli w swojej pracy z szerokiej refleksji kulturowej i historycznej.

    Oprócz ogólnie uznanych autorów publikowanych istniała znaczna liczba poetów i pisarzy, którzy nie publikowali. Zjednoczyli się w grupy - kręgi poetyckie ludzi o podobnych poglądach, które istniały albo jako stowarzyszenia prywatne, albo jako stowarzyszenia literackie na uniwersytetach. W Leningradzie stowarzyszenie poetów na uniwersytecie (V. Uflyand, M. Eremin, L. Vinogradov itp.) Zainspirowało się poezją Oberiutów. W kręgu Leningradzkiego Instytutu Technologicznego (E. Rein, D. Bobyshev, A. Naiman), którego wspólnym hobby był acmeizm, pojawił się młody poeta Joseph Brodsky. Zwrócił uwagę swoim brakiem konformizmu - niechęcią do grania według przyjętych reguł, za co w 1964 roku został postawiony przed sądem za "pasożytnictwo".

    Większość twórczego dziedzictwa moskiewskiej „grupy Lianozovo”, w skład której wchodzili G. Sapgir, I. Kholin, Vs. Nekrasov, została opublikowana zaledwie 30-40 lat po jej napisaniu. Lianozianie eksperymentowali z mową potoczną, potoczną, osiągając paradoksalne połączenia i współbrzmienia kosztem dysonansu. W Moskwie pod koniec lat 50. istniał też krąg studentów Instytutu Języków Obcych, w skład którego wchodził poeta Stanisław Krasowicki. W 1964 roku z inicjatywy poety Leonida Gubanowa powstało studenckie stowarzyszenie poetów i artystów SMOG (V. Aleinikov, V. Delone, A. Basilova, S. Morozov, V. Batshev, A. Sokolov, Yu. Kublanovsky itp. .) narodził się, który oprócz eksperymentów literackich przeprowadził radykalne działania, które przyspieszyły jego upadek.

    Bolesna i dotkliwa była reakcja władz na publikacje niektórych autorów za granicą. Nadano temu status niemal zdrady stanu, czemu towarzyszyły przymusowe wydalenia, skandale, postępowania sądowe itp. Państwo nadal uważało się za uprawnione do określania dla swoich obywateli norm i granic myślenia i kreatywności. Dlatego w 1958 roku wybuchł skandal związany z przyznaniem Borysowi Pasternakowi Nagrody Nobla za powieść wydaną za granicą. Doktor Żywago. Pisarz musiał odmówić nagrody. W 1965 r. wybuchł skandal z pisarzami Andriejem Siniawskim (powieści Nadchodzi sąd, Lubimów, traktat Czym jest realizm socjalistyczny) i Juliusz Daniel (powieści Moskwa mówi, Odkupienie), którzy swoje prace publikowali na Zachodzie od końca lat pięćdziesiątych. Zostali skazani „za antysowiecką agitację i propagandę” na pięć i siedem lat łagrów. Vladimir Voinovich po publikacji powieści na Zachodzie Życie i niezwykłe przygody żołnierza Iwana Chonkina musiał opuścić ZSRR, ponieważ. nie mógł już liczyć na publikację swoich książek w swojej ojczyźnie.

    Obok „tamizdatu” „samizdatem” stał się charakterystycznym zjawiskiem ówczesnego społeczeństwa. Wiele prac przechodziło z rąk do rąk, przedrukowywanych na maszynach do pisania lub najprostszej technice kopiowania. Już sam fakt zakazu podsycał zainteresowanie tymi publikacjami i przyczynił się do ich popularności.

    Po dojściu Breżniewa do władzy uważa się, że „odwilż” się skończyła. Krytyka była dozwolona w granicach, które nie podważały istniejącego systemu. Na nowo przemyśleno rolę Lenina - Stalina w historii - zaproponowano różne interpretacje. Krytyka Stalina słabła.

    Niezbędny dla zrozumienia granic wolności był stosunek do dziedzictwa literackiego początku wieku. Wydarzenie było ostatnim dziełem Ilyi Ehrenburga - wspomnieniami Ludzie, lata, życie(1961-1966). Po raz pierwszy wielu dowiedziało się o istnieniu takich postaci historycznych jak Mandelsztam, Balmont, Cwietajewa, Falk, Modigliani, Sawinkow itp. Nazwiska zagłuszane przez sowiecką ideologię, szczegółowo i obrazowo opisane, stały się rzeczywistością narodowej historii przywrócono sztucznie przerwany związek między epokami – przedrewolucyjną i sowiecką. Niektórzy z autorów Srebrnego Wieku, w szczególności Blok i Jesienin, zostali już wymienieni i opublikowani w latach 50. XX wieku. Inni autorzy byli nadal zakazani.

    Rozwinęła się autocenzura. Wewnętrzny cenzor powiedział autorowi, jakie tematy można poruszyć, a które nie. Poszczególne elementy ideologii były postrzegane jako formalność, konwencja, którą należy wziąć pod uwagę.

    Olga Łoszczilina

    DRAMATURGIA „ODWILŻENIE”

    „Odwilż” nie tylko obaliła mit świętości „ojca wszystkich narodów”. Po raz pierwszy pozwoliła wynieść ideową scenerię ponad sowiecką scenę i dramaturgię. Oczywiście nie wszystkie, ale bardzo znacząca ich część. Zanim zaczniemy mówić o szczęściu całej ludzkości, dobrze byłoby pomyśleć o szczęściu i nieszczęściu jednostki.

    Proces „humanizacji” przejawiał się w dramatopisarzach, zarówno w swojej własnej podstawie literackiej, jak i inscenizacji.

    Poszukiwanie środków artystycznych zdolnych oddać wiodące trendy tamtych czasów w ramach codziennego, kameralnego dramatu, doprowadziło do powstania tak znaczącego dzieła, jak sztuka Aleksieja Arbuzowa Historia Irkucka(1959–1960). Obraz codziennego dramatu ludzkiego wzniósł się w nim na wyżyny poetyckich rozważań na temat zasad moralnych współczesności, a rysy nowej epoki historycznej zostały żywo odciśnięte w wyglądzie samych bohaterów.

    Na początku bohaterka spektaklu, młoda dziewczyna Valya, doświadcza stanu głębokiej psychicznej samotności. Wierząc w istnienie prawdziwej miłości straciła wiarę w ludzi, w możliwość szczęścia dla siebie. Bolesną duchową pustkę, nudę i prozę codziennej pracy stara się nadrobić częstą zmianą romansów, iluzorycznym romansem bezmyślnego życia. Kochając Wiktora, cierpiąc z jego powodu upokorzenia, postanawia go „zemścić” – poślubia Siergieja.

    Rozpoczyna się kolejne życie, Siergiej pomaga bohaterce odnaleźć się ponownie. Ma silną wolę, silną, wytrwałą, a jednocześnie po ludzku czarującą, pełną ciepła postać. To właśnie ta postać sprawia, że ​​bez wahania rzuca się na pomoc tonącemu chłopcu. Chłopiec zostaje uratowany, ale Siergiej umiera. Tragiczny wstrząs, jakiego doznała bohaterka, dopełnia przełomu w jej duszy. Victor też się zmienia, śmierć przyjaciela zmusza go do przemyślenia swojego życia. Teraz, po prawdziwych próbach, prawdziwa miłość bohaterów staje się możliwa.

    Znamienne, że Arbuzow szeroko zastosował w sztuce konwencje sceniczne. Ostra mieszanka planów realnych i warunkowych, retrospektywny sposób organizacji akcji, przeniesienie wydarzeń z niedalekiej przeszłości na współczesność - wszystko to było potrzebne autorowi, aby zaktywizować czytelnika, widza, do nawiązania kontaktu z bohaterowie żywsi i bardziej bezpośredni, jakby sprowadzając problemy do otwartej przestrzeni do otwartej dyskusji.

    Chór zajmuje poczesne miejsce w strukturze artystycznej spektaklu. Wprowadza do tego dramatu, niezwykle popularnego w ówczesnym społeczeństwie, elementy dziennikarskie.

    „Nawet dzień przed śmiercią nie jest za późno, aby zacząć życie od nowa” - to główna teza sztuki Arbuzowa Mój biedny Marat(1064), którą bohaterowie dochodzą do finału po wielu latach duchowych poszukiwań. Zarówno pod względem fabuły, jak i zastosowanych tu technik dramatycznych Mój biedny Marat zbudowany jak kronika. Jednocześnie spektakl nosi podtytuł „dialogi w trzech częściach”. Każda taka część ma swoje dokładne, do miesiąca, oznaczenie czasu. Tymi stałymi datami autor stara się podkreślić związek bohaterów z otaczającym ich światem, oceniając ich przez cały okres historyczny.

    Główni bohaterowie są testowani pod kątem siły psychicznej. Mimo szczęśliwego zakończenia autor niejako mówi: codzienne życie, proste relacje międzyludzkie wymagają ogromnej siły duchowej, jeśli nie chcesz, aby Twoje marzenia o sukcesie i szczęściu się nie zawaliły.

    W najsłynniejszych dziełach dramatycznych tamtych lat problemy życia codziennego, rodziny, miłości nie są oddzielone od kwestii moralnego i obywatelskiego obowiązku. Jednocześnie oczywiście ostrość i aktualność problemów społecznych i moralnych sama w sobie nie była gwarantem twórczego sukcesu – osiągnięto go dopiero wtedy, gdy autorzy znaleźli nowe dramatyczne sposoby rozważania życiowych sprzeczności, starali się wzbogacić i rozwinąć estetykę. system.

    Bardzo interesująca jest praca Aleksandra Wampilowa. Jego głównym osiągnięciem jest złożona polifonia żywych postaci ludzkich, pod wieloma względami kontynuująca się dialektycznie, a jednocześnie obdarzona wyraźnymi cechami indywidualnymi.

    Już w pierwszej komedii lirycznej Pożegnanie w czerwcu(1965) znaki bohatera zostały wyraźnie zidentyfikowane, który później przeszedł przez inne sztuki Wampiłowa w różnych postaciach.

    Busygin, bohater dramatu Wampilowa, przechodzi przez skomplikowane psychologiczne ścieżki do duchowej integralności. najstarszy syn(1967). Fabuła sztuki jest bardzo nietypowa. Busygin i jego przypadkowy towarzysz Sevostyanov, nazywany Silvą, trafiają do nieznanej rodziny Sarafanowów, którzy przeżywają dla siebie trudne czasy. Busygin nieświadomie staje się odpowiedzialny za to, co dzieje się z „krewnymi”. Gdy przestaje być obcym w domu Sarafanowów, dawny związek z Silvą, który okazał się zwyczajnym wulgarem, stopniowo zanika. Z drugiej strony sam Busygin jest coraz bardziej zmęczony grą, którą rozpoczął, swoim frywolnym, ale okrutnym czynem. Odkrywa duchowe pokrewieństwo z Sarafanowem, dla którego, nawiasem mówiąc, nie ma znaczenia, czy protagonista jest jego krewnym. Dlatego długo oczekiwana ekspozycja prowadzi do szczęśliwego zakończenia całej zabawy. Busygin czyni trudny, a przez to świadomy, celowy krok naprzód w swoim duchowym rozwoju.

    Problem wyboru moralnego w sztuce zostaje rozwiązany jeszcze bardziej skomplikowany i dramatyczny. polowanie na kaczki(1967). Komiks, tak naturalny we wcześniejszych sztukach Wampilowa, jest tu zredukowany do minimum. Autor szczegółowo bada charakter człowieka, który utonął w zgiełku życia, i pokazuje, jak czyniąc niemoralność normą postępowania, nie myśląc o dobru innych, człowiek zabija człowieka w sobie.

    Polowanie na kaczki, na które bohater dramatu Wiktor Ziłow udaje się przez całą akcję, nie jest bynajmniej wyrazem jego duchowej istoty. Jest kiepskim strzelcem, bo przyznaje, że przeprasza za zabijanie kaczek. Jak się okazuje, żal mu siebie, choć gdy znalazł się w ślepym zaułku w bezsensownym krążeniu wśród kobiet, które wydaje się kochać, i mężczyzn, którzy wydają się mu przyjaźnie, stara się wszystko jednym strzałem zatrzymać. Siły do ​​tego oczywiście nie wystarczały.

    Z jednej strony komiczne, wyraźnie wymyślone, a z drugiej małostkowe codzienne sytuacje, w których Wampiłow umieszcza swoich bohaterów, przy poważniejszym zapoznaniu się z nimi, za każdym razem okazują się poważnym egzaminem dla współczesnego próbującego odpowiedzieć pytanie: „Kim jesteś, człowieku?”

    Problemy etyczne z dużą pewnością ujawniły się w dramacie Wiktora Rozowa W dniu ślubu(1964). Tutaj całkiem młodzi ludzie wciąż są poddawani próbie dojrzałości moralnej. W dniu ślubu panna młoda nagle oświadcza, że ​​ślubu nie będzie i że na zawsze rozstaje się z panem młodym, choć kocha go bezgranicznie. Mimo całej nieoczekiwaności tak decydującego aktu zachowanie bohaterki - Nyury Salovej, córki stróża nocnego w małym mieście Wołgi - ma swoją nieubłaganą wewnętrzną logikę, która doprowadza ją do punktu rezygnacji ze szczęścia. W trakcie akcji Nyura przekonuje się o gorzkiej, ale niepodważalnej prawdzie: mężczyzna, którego poślubia, od dawna kocha inną kobietę.

    Specyfika sytuacji konfliktowej, która pojawia się w spektaklu, polega na tym, że walka między bohaterami nie wybucha w ramach zamkniętego i raczej tradycyjnego trójkąta miłosnego. Rozov, po retrospektywnym nakreśleniu prawdziwych źródeł ostrego konfliktu, który się pojawił, następuje przede wszystkim napięta konfrontacja, która ma miejsce w duszy bohaterki, ponieważ w końcu ona sama musi dokonać świadomego wyboru, wypowiedzieć decydujący słowo.

    Rozow sprzeciwiał się dogmatycznej koncepcji „idealnego bohatera”, który z pewnością manifestuje się na tle historycznym i społecznym. Akcja jego sztuk zawsze toczy się w wąskim kręgu postaci. Jeśli to nie jest rodzina, to grupa kolegów z klasy, którzy po wielu latach rozłąki zebrali się w szkole na wieczór. Siergiej Usow, bohater spektaklu Kolekcja tradycyjna(1967), mówi wprost o wartości jednostki, która nie zależy od osiągnięć zawodowych, stanowisk, ról społecznych – ważne są dla niego podstawowe zasady duchowości człowieka. Staje się więc swoistym arbitrem w sporze dorosłych absolwentów, którzy w ocenie realności konkretnego losu próbują oddzielić pszenicę od plew. Zjazd absolwentów staje się przeglądem ich osiągnięć moralnych.

    W ten sam sposób oddzielają się, wyłączają swoje postacie z licznych public relations Alexander Volodin - Starsza siostra(1961),Zamiar(1963); Edwarda Radzińskiego - 104 strony o miłości(1964),Kręcenie filmu (1965).

    Jest to szczególnie charakterystyczne dla obrazów kobiecych, którym autorka darzy sympatiami niepodzielnie. Bohaterki są wzruszająco romantyczne i mimo bardzo trudnych relacji z innymi, jakby zmuszając je do porzucenia jakichkolwiek marzeń, zawsze pozostają wierne swoim ideałom. Są ciche, mało zauważalne, ale rozgrzewając dusze bliskich, znajdują dla siebie siłę do życia z wiarą i miłością. dziewczyna ze stewardesy 104 strony o miłości), przypadkowe spotkanie, z którym nie zapowiadało się, jak się wydaje, bohaterowi, młodemu i utalentowanemu fizykowi Electronowi, żadnych zmian w jego racjonalnie poprawnym życiu, w rzeczywistości pokazało, że osoba bez miłości, bez uczucia, bez odczuwania swojej codziennej potrzeby inna osoba wcale nie jest człowiekiem. W finale bohater otrzymuje niespodziewaną wiadomość o śmierci swojej dziewczyny i uświadamia sobie, że już nigdy nie będzie mógł poczuć życia takim, jakim było kiedyś – czyli zaledwie trzy i pół miesiąca temu…

    Co ciekawe, w latach 60. wiele się zmieniło nawet w przypadku tak zwanego dramatu rewolucyjnego. Z jednej strony zaczęła uciekać się do możliwości dokumentu, co w dużej mierze wynika z chęci autorów, by być rzetelnymi w najmniejszym szczególe. Z drugiej strony wizerunki postaci historycznych przybierały cechy ludzi całkowicie „żywych”, czyli sprzecznych, wątpiących, przechodzących wewnętrzną walkę duchową.

    W sztuce Michaiła Szatrowa szósty lipca(1964), nazwany w podtytule „dokumentalnym doświadczeniem dramatu”, sama historia rewolucji została odtworzona bezpośrednio w dramatycznej grze okoliczności i postaci. Autor postawił sobie za zadanie odkrycie tego dramatu i wprowadzenie go w ramy akcji teatralnej. Szatrow nie podążał jednak ścieżką prostego odtwarzania kroniki wydarzeń, starał się ujawnić ich wewnętrzną logikę, odsłaniając społeczno-psychologiczne motywy zachowań ich uczestników.

    Fakty historyczne leżące u podstaw spektaklu - bunt lewicowych eserowców w Moskwie 6 lipca 1918 r. - dały autorowi szerokie możliwości poszukiwania pasjonujących sytuacji scenicznych, swobodnego lotu twórczej wyobraźni. Jednak kierując się wybraną przez siebie zasadą, Szatrow starał się odkryć siłę dramatu w samej prawdziwej historii. Intensywność akcji dramatycznej nasila się w miarę nasilania się politycznego i moralnego pojedynku dwóch polityków, Lenina i przywódczyni lewicowych eserowców Marii Spiridonowej.

    Ale w innej sztuce bolszewicy(1967), Szatrow już pod wieloma względami, jak sam przyznaje, odchodzi od dokumentu, od dokładnej chronologii „w celu stworzenia bardziej integralnego artystycznego obrazu epoki”. Akcja rozgrywa się w ciągu zaledwie kilku godzin wieczorem 30 sierpnia 1918 roku (czas sceniczny mniej więcej odpowiada czasowi rzeczywistemu). Uricky zginął w Piotrogrodzie, a w Moskwie dokonano zamachu na Lenina. Jeśli w szósty lipca główną sprężyną akcji scenicznej był szybki, skondensowany ruch wydarzeń, rozwinięcie się faktu historycznego, następnie in bolszewicy nacisk kładziony jest na artystyczne zrozumienie faktu, na wnikanie w jego głęboką filozoficzną istotę. Nie same tragiczne wydarzenia (dokonują się za kulisami), ale ich odbicie w życiu duchowym ludzi, wysuwane przez nich problemy moralne stanowią podstawę ideowej i artystycznej koncepcji spektaklu.

    Zderzenie różnych poglądów na moralne obowiązki jednostki w społeczeństwie, procesy wewnętrznego, duchowego rozwoju bohatera, kształtowanie się jego zasad etycznych, które odbywa się w intensywnych i ostrych zmaganiach umysłowych, w trudnych poszukiwaniach, w konfliktach z innymi - te sprzeczności tworzą zasadę przewodnią większości sztuk z lat 60. XX wieku. Zwracając treść utworów przede wszystkim na kwestie moralności, osobistych zachowań, dramaturdzy znacznie poszerzyli wachlarz rozwiązań artystycznych i gatunkowych. U podstaw takich poszukiwań i eksperymentów leżała chęć wzmocnienia intelektualnego początku dramatu, a co najważniejsze, znalezienia nowych możliwości ujawnienia duchowych, moralnych możliwości w charakterze człowieka.

    Elena Sirotkina

    Literatura:

    Goldstein A. Pożegnanie Narcyza. M., UFO, 1997
    Matusewicz V. Notatki redaktora radzieckiego. M., UFO, 2000
    Weil P., Genis A. lata 60.: świat sowieckiego człowieka. M., UFO, 2001
    Wojnowicz W. Antysowiecki Związek Radziecki. M., kontynent, 2002
    Kara-Murza S. „Sowok” pamięta. M., Eksmo, 2002
    Sawicki C. pod ziemią. M., UFO, 2002
    bogactwo sowieckie. Petersburg, Projekt akademicki, 2002

    

    W klubie dużego przemysłowego miasta - fulla. Hala jest pełna, ludzie stoją w przejściach. Niezwykłe wydarzenie: ukazuje się powieść młodego lokalnego pisarza. Uczestnicy konferencji czytelniczej chwalą debiutantkę: codzienna praca odbija się dokładnie i obrazowo. Bohaterowie książki są prawdziwymi bohaterami naszych czasów.

    Ale można spierać się o ich „życie osobiste”, mówi jeden z czołowych inżynierów zakładu Dmitrij Korotejew. Ani grosz nie jest tu typowy: poważny i uczciwy agronom nie mógłby zakochać się w wietrznej i zalotnej kobiecie, z którą nie ma wspólnych duchowych zainteresowań, w dodatku - żonie swojego towarzysza! Miłość opisana w powieści wydaje się mechanicznie przeniesiona z kart literatury burżuazyjnej!

    Przemówienie Korotejewa wywołuje gorącą debatę. Bardziej zniechęceni niż inni – choć nie wyrażają tego głośno – są jego najbliżsi przyjaciele: młoda inżynier Grisha Savchenko i nauczycielka Lena Zhuravleva (jej mąż jest dyrektorem zakładu, zasiada w prezydium konferencji i szczerze zadowolony z ostrość krytyki Korotejewa).

    Kłótnia o książkę toczy się dalej na przyjęciu urodzinowym Sonyi Pukhowej, skąd pochodzi prosto z klubu Savchenko. „Mądry człowiek, ale działał według szablonu! Grisha jest podekscytowany. - Okazuje się, że w literaturze nie ma miejsca na osobiste. A książka poruszyła wszystkich do żywego: zbyt często wciąż mówimy jedno, ale w życiu osobistym zachowujemy się inaczej. Czytelnik tęsknił za takimi książkami! - „Masz rację”, kiwa głową jeden z gości, artysta Saburov. „Czas przypomnieć sobie, czym jest sztuka!” - „Ale moim zdaniem Koroteev ma rację”, sprzeciwia się Sonya. „Ludzie radzieccy nauczyli się kontrolować przyrodę, ale muszą też nauczyć się kontrolować swoje uczucia…”

    Lena Zhuravleva nie ma z kim wymienić opinii na temat tego, co usłyszała na konferencji: straciła zainteresowanie mężem na długi czas, wydaje się, że od dnia, w którym u szczytu „sprawy lekarzy” usłyszała od niego: „Nie można im za bardzo ufać, to bezdyskusyjne”. Lekceważący i bezlitosny „on” zszokował Lenę. A kiedy po pożarze w fabryce, w której Zhuravlev okazał się fajnym facetem, Koroteev mówił o nim z pochwałami, chciała krzyczeć: „Nic o nim nie wiesz. To bezduszna osoba!”

    Dlatego też przemowa Korotejewa w klubie ją zdenerwowała: wydawał się jej taki pełny, niezwykle szczery zarówno publicznie, jak i w rozmowie twarzą w twarz, i sam z własnym sumieniem ...

    Wybór między prawdą a kłamstwem, umiejętność odróżniania jednego od drugiego – to wymaga od wszystkich bohaterów bez wyjątku prowadzenia czasu „odwilży”. Odwilż trwa nie tylko w klimacie społecznym (ojczym Korotejewa wraca po siedemnastu latach więzienia; na uczcie otwarcie dyskutuje się o stosunkach z Zachodem, o okazji spotkania z obcokrajowcami; na spotkaniu zawsze są dusze odważne, gotowe zaprzeczyć władz, opinia większości). Jest to odwilż wszystkiego, co „osobiste”, co przez tak długi czas było zwyczajem ukrywać przed ludźmi, nie wypuszczać drzwi swojego domu. Koroteev jest żołnierzem na pierwszej linii, w jego życiu było dużo goryczy, ale ten wybór jest mu dany boleśnie. W biurze partyjnym nie znalazł odwagi, by stanąć w obronie czołowego inżyniera Sokołowskiego, do którego Żurawlew czuje wrogość. I chociaż po nieszczęsnym biurze partii Koroteev zmienił zdanie i bezpośrednio oświadczył to szefowi wydziału komitetu miejskiego KPZR, jego sumienie nie uspokoiło się: „Nie mam prawa osądzać Żurawlewa, jestem tak samo jak on. Mówię jedno, ale żyję inaczej. Prawdopodobnie dzisiaj potrzebujemy innych, nowych ludzi - romantyków, takich jak Savchenko. Gdzie mogę je zdobyć? Gorki powiedział kiedyś, że potrzebujemy naszego sowieckiego humanizmu. A Gorkiego od dawna nie ma, a słowo „humanizm” zniknęło z obiegu - ale zadanie pozostaje. I rozwiąż to - już dziś.

    Powodem konfliktu między Żurawlewem a Sokołowskim jest to, że dyrektor zakłóca plan budownictwa mieszkaniowego. Burza, która przetoczyła się nad miastem w pierwszych dniach wiosny, niszcząc kilka zrujnowanych baraków, wywołuje burzę odpowiedzi - w Moskwie. Żurawlew jedzie do Moskwy z pilnym wezwaniem na nowe spotkanie (oczywiście z degradacją). W upadku kariery nie obwinia burzy, a tym bardziej siebie - Leny, która go opuściła: odejście jego żony jest niemoralne! W dawnych czasach za to ... A Sokołowski jest również odpowiedzialny za to, co się stało (niemal spieszył się, aby zgłosić burzę do stolicy): „Szkoda, w końcu, że go nie zabiłem ...”

    Była burza - i już jej nie było. Kto ją zapamięta? Kto będzie pamiętał reżysera Iwana Wasiljewicza Żurawlewa? Kto pamięta minioną zimę, kiedy z sopli spadają głośne krople, aż do wiosny o rzut beretem?...

    Trudna i długa była - podobnie jak droga przez śnieżną zimę do odwilży - droga do szczęścia Sokołowskiego i "pestykarza" Wiery Grigoriewny, Sawczenki i Soni Puchowej, aktorki teatru dramatycznego Taneczki i brata Sonii artystki Wołodyi. Wołodia pokonuje swoją pokusę kłamstwem i tchórzostwem: podczas dyskusji o wystawie sztuki rzuca się na swojego przyjaciela z dzieciństwa Saburowa - "za formalizm". Żałując swojej podłości, prosząc o przebaczenie Saburowa, Wołodia przyznaje przed sobą najważniejszą rzecz, z której zbyt długo nie zdawał sobie sprawy: nie ma talentu. W sztuce, podobnie jak w życiu, najważniejszy jest talent, a nie głośne słowa o ideologii i żądaniach ludu.

    Lena stara się być potrzebna ludziom, odnalazła się ponownie z Koroteevem. Sonya Pukhova również doświadcza tego uczucia - wyznaje sobie, że kocha Savchenko. Zakochani, pokonujący próby zarówno w czasie, jak i przestrzeni: ledwo zdołali przyzwyczaić się do jednego rozstania z Griszą (po instytucie Sonya została przydzielona do zakładu w Penzie) - a tutaj Grisha ma przed sobą długą drogę, do Paryża, na staż, w grupie młodych specjalistów.

    Wiosna. Odwilż. Czuje się ją wszędzie, wszyscy ją czują: zarówno ci, którzy w nią nie wierzyli, jak i ci, którzy na nią czekali - jak Sokołowski jadący do Moskwy, by spotkać swoją córkę Maszę, Marię, baletnicę z Brukseli, która była zupełnie nieznana jemu i bardzo drogiemu, z którym marzył o zobaczeniu przez całe życie.

    Zawsze chciałem przeczytać Odwilż Ilji Ehrenburga, ale nie miałem czasu, a ostatnio znalazłem ją w Internecie. Muszę od razu powiedzieć: historia wydawała się słaba, nudna. Bohaterowie są bez życia, fabuła jest wysysana z palca. Oczywiście pojawiło się pytanie: dlaczego ta rzecz nadała nazwę całemu okresowi historycznemu?
    I chciałem zobaczyć, jak przyjęto Odwilż, kiedy została opublikowana, co o niej napisano. Czy była podziwiana?

    Opowieść została opublikowana w maju 1954 w Znamya. Jednym z pierwszych, który na to zareagował, był Konstantin Simonov. W tym czasie był u szczytu popularności, druga osoba w kierownictwie Związku Pisarzy ZSRR, kierował „Nowym Światem”.

    Konstantin Simonov opublikował obszerny artykuł „Nowa opowieść o Ilji Erenburgu” w dwóch numerach „Literaturnaya Gazeta” (nr 85, 86 z 17 i 20 lipca 1954). Oto, co mówi o fabule: „Historia Leny Zhuravlevy opowiedziana w historii i problemy z nią związane zasługują na uwagę. Ehrenburg opowiada, jak młoda kobieta, nauczycielka, która wyszła za mąż jako studentka, stopniowo zaczyna rozumieć, że jej mąż stał się karierowiczem, obojętnym na ludzi, a nawet gotowym przekroczyć ich interesy i prawa w imię swojej kariery. Lena Zhuravleva opuszcza męża, zabiera dziecko, rozpoczyna samodzielne życie, a pisarka rości sobie prawo do tego kroku; Deformacja moralna Żurawlewa zniszczyła ich miłość, rodzinę, a dalsze wspólne życie dwojga obcych sobie ludzi przestaje odpowiadać normom moralności socjalistycznej. Wraz z tym, tworząc negatywny wizerunek Żurawlewa, który okazał się dyrektorem zakładu, Ehrenburg słusznie pyta: czy człowiek może prowadzić ludzi, którzy ich nie kocha, osoba, która bluźnierczo ukrywa swoją niechęć do opieki nad ludźmi z rzekomo interesami państwowymi, czyli kto kompletnie tych interesów państwowych nie rozumie? A on odpowiada: nie, nie może!

    Jak inne postacie odnoszą się do działania Leny? Czy myślą, że jest głupcem, który zrujnował jej szczęście? Konstantin Simonov również pyta: „Dlaczego, pamiętając o pozytywnych bohaterach I. Ehrenburga, wraz z sympatią dla nich, odczuwasz również uczucie niezadowolenia, gdy okiem robisz duży obraz?”

    Czy to oznacza, że ​​autor recenzji również wątpił w słuszność działania Leny? Nie! Coś jeszcze go niepokoiło: „Oto Lena, dobra młoda, inteligentna kobieta. Tak wygląda w historii. Jednak gdy mówią o niej inne postacie, te cechy zaczynają nabierać odcienia ekskluzywności, nacisku. "Sprytny kobieta, rzadko widujesz taką kobietę w Moskwie, - Koroteev myśli o niej ... ”

    I tak Konstantin Simonov ogólnie ocenia historię „Odwilż”: „Daleki od artyzmu, fragmentaryczny zapis protokołu jest charakterystyczny dla wielu stron Odwilży, dzieła, w którym płynność i powierzchowność obserwacji najbardziej uderzająco wpłynęła nie tylko na jej stronę ideową, ale z nie mniej negatywną siłą po stronie artystycznej. I w końcu mamy historię, która moim zdaniem jest znacznie słabsza niż wszystko, co Ilya Ehrenburg stworzył w ciągu ostatnich półtorej dekady swojej pracy w literaturze ... W końcu cała historia, pomimo niektórych dobrych stron, wydaje się być rozczarowującą porażką autora dla naszej literatury”.

    Na II Kongresie Pisarzy, który odbył się w tym samym 1954 roku, gdzie zarówno w raporcie, jak i w współraporcie nazwali historię „Odwilżą” nieudaną, Ilya Erenburg powiedział w swoim przemówieniu: „Jeśli nadal będę mógł napisać nową książkę, postaram się, aby była to krok naprzód w stosunku do mojej ostatniej historii, a nie krok w bok”.

    Michaił Szołochow w swoim przemówieniu na tym Kongresie ironicznie skomentował słowa Erenburga: „W porównaniu z Burzą i Dziewiątą falą (nagrodzonymi Nagrodą Stalina powieściami Ilji Erenburga) Odwilż niewątpliwie stanowi krok wstecz. Teraz Ehrenburg obiecuje zrobić krok naprzód. Nie wiem, jak te kroki taneczne nazywa się w innym języku, ale po rosyjsku brzmi to: „znaczenie czasu”. Obiecałeś nam małą pociechę, droga Ilja Grigorievich!

    Dlaczego krótki, ale tak znaczący fragment naszej historii został nazwany imieniem tej powszechnie uznanej, słabej historii, pozostał dla mnie zagadką... Ale od dziś można taką wersję oferować. Oceny literackiej Odwilży można chyba odnieść także do politycznej Odwilży - płynność i powierzchowność, niepowodzenie mimo dobrych stronic.

    Tatiana ŻARIKOWA

    Roman Silantiev.

    Odwilż Chruszczowa.

    O tym czasie chcę napisać szczególnie. W moim sercu jest teraz takie zamieszanie

    co może czuć wierzący, gdy ma zamiar pisać o „Narodzeniu Chrystusa”. To prawda, że ​​pospieszyli z napisaniem ogromnej ilości negatywności o epoce Chruszczowa, że ​​ludzie zaczęli zapominać o dobru i dobru, a pamiętać tylko o zabawnych. Wiesz, co robią krytycy, gdy chcą oczernić jakąś postać historyczną, która jakoś im nie odpowiadała. Zrobiono to z Leninem, z Marksem, nawet z nauczycielem Makarenko Antonem Siemionowiczem.

    Ale zostawmy wszystkie ich oszczerstwa na ich sumieniu. Ludzie powinni mówić o swoich czynach, a nie swoich krytyków. A ponieważ piszę o Nikita Siergiejewiczu Chruszczowie, od razu powiem najważniejsze. W czasie jego rządów (od 1956 do 1964 r.) kraj przeżył drugie plany pięcioletnie i oba zrealizował w ciągu 4 lat zamiast pięciu. W ciągu tych 8 lat wielkość produkcji w ZSRR wzrosła 2,5-krotnie. Jest to średni roczny wzrost wielkości produkcji o około 18%.

    Po usunięciu Chruszczowa w ciągu następnych pięciu lat obniżyliśmy się o 7% rocznie – czy to nie jest przekonujące? (7% vs 18%?!).

    A teraz chciałabym napisać punkt po punkcie dla tych, którzy nie wiedzą, co robiono w kraju od 8 lat. Piszę z pamięci:

    Zakończono program nuklearny, na podstawie którego stworzono parasol nuklearny nad ZSRR.

    Dokonano całkowitego przezbrojenia naszej armii w najnowszą broń, ponieważ z Zachodu ponownie groziły nam tylko bomby atomowe.

    Kraj opanował dziewicze odłogi, dzięki czemu uzyskano niewidzialny plon zbóż, który zapewnił bezpieczeństwo żywnościowe naszego kraju. I tylko z winy szkodników, które były na Kremlu, które teraz znamy z pierwszej ręki, dziewicze ziemie zostały następnie praktycznie zniszczone.

    Uruchomiono wspaniały program chemizacji kraju.

    Zbudowano dużą kaskadę elektrowni syberyjskich, co zapoczątkowało ponowne wyposażenie energetyczne kraju. Rozpoczęła się elektryfikacja kolei.

    Rozpoczęło się tworzenie zunifikowanego systemu energetycznego tak ogromnego państwa.

    Reforma cen skupu produktów rolnych sprawiła, że ​​kołchozy i PGR stały się opłacalne.

    Wdrożono cały program budowy standardowych gospodarstw hodowlanych na wsi według najnowocześniejszych projektów.

    Powstał zupełnie nowy dział inżynierii rolniczej, który dał wsi zupełnie nowe traktory, kombajny, pługi i kultywatory.

    Nowy ciągnik „Kirovets” nie miał analogów na świecie pod względem wydajności i możliwości technicznych.

    We wsi rozpoczęto budowę mieszkań kapitałowych. Wieś po raz pierwszy otrzymała zabudowę murowaną i nowoczesny poziom podtrzymywania życia. Ludzie przestali uciekać z wioski. Na każdym podwórku pojawiły się sprzęty: samochody i motocykle. Mieszkańcy wsi otrzymali paszporty. Każde z tych wydarzeń w szczegółach zapewniało zupełnie inny standard życia na wsi.

    Ogólnie rzecz biorąc, w kraju rozpoczęła się przyspieszona budowa kompleksu mieszkalnego. Przez 8 lat przesiedlano wszystkich ludzi z piwnic, czego Stalin nie mógł zrobić przez 36 lat swojego panowania. W końcu to jest fakt.

    W kraju rozpoczęła się prawdziwa rewolucja kulturalna: zreorganizowano system edukacji publicznej; uruchomiono masową produkcję pism popularnonaukowych: „Wiedza to potęga”, „Nauka i życie”, „Fizyka rozrywkowa”, „Młody technik”, „Skrzydła ojczyzny” i wielu innych, w których naukowcy mieli okazję poznać ludzi z jego odkryciami we wszystkich dziedzinach nauki i techniki.

    W dziedzinie sztuki i literatury otwarto ten punkt wyjścia, który uwolnił wszystkich najbardziej zaawansowanych i fascynujących, najbardziej estetycznych i rozwijających się, jakie były tylko w ówczesnym narodzie sowieckim. Dlatego książki i filmy z tamtych czasów będą żyć wiecznie i będą przekazywane z pokolenia na pokolenie.

    Powstały najbardziej zaawansowane gałęzie nauki. Zaległości w biologii i genetyce zostały wyeliminowane. Ale to opóźnienie było inspirowane przez tych wrogów ludzi, którzy siedzieli nigdzie poza Kremlem.

    I wreszcie główne wydarzenie organizowane przez Chruszczowa, ale które jest szczególnie pilnie wyciszane, podobnie jak cała historia jego panowania. Podjął jedyną w czasach sowieckich próbę rzeczywistej demokratyzacji władzy w kraju. W tym celu nasze rozległe terytorium zostało podzielone na podziały terytorialne, zjednoczone wspólnymi więzami gospodarczymi. Do zarządzania tymi jednostkami utworzono „Sovnarhozy” (Rady Gospodarki Narodowej). Dzięki temu cała władza wykonawcza została przeniesiona na region. I dzięki temu wszystkie zaplanowane programy reorganizacji społeczno-gospodarczej kraju zaczęły być realizowane. Region sam zarabiał pieniądze i sam je wydawał.

    Wyobraź sobie, asfalt zaczął pojawiać się nie tylko w Moskwie i Leningradzie, ale także w regionach. Budownictwo mieszkaniowe rozpoczęło się nie tylko w stolicy, ale także w regionach. Transfery zniknęły. A życie w regionach zaczęło rozwijać się samo, niezależnie od życzeń moskiewskich urzędników. Na to nie można było pozwolić w stolicy. Są już przyzwyczajeni do pozbycia się wszystkiego i czerpią ze wszystkiego „zyski”. Za Stalina pieniądze ludowe płynęły przez stolicę jak rzeka, a dokąd płynęły?... I nagle wszystko zniknęło. Wyobraź sobie, kim dla moskiewskich urzędników stał się Chruszczow – wrogiem numer jeden.

    Ale jeśli Chruszczow stał się przyjacielem ludzi żyjących w regionach, to kim byli moskiewskie urzędy dla tych samych ludzi? Mam nadzieję, że teraz nie trzeba wiele wyjaśniać, dlaczego i skąd wzięła się „pierestrojka”?

    Oczywiście nie wymieniłem wszystkiego - nie napisałem eseju, ale po prostu przypomniałem sobie z pamięci, przypominając, jak żył ten kraj w tamtych latach, jak żyłem, w którym sam uczestniczyłem. W tamtych latach każdy mógł tak o sobie powiedzieć, bo cały kraj budował, rozwijał, wznosił, układał, łączył, otwierał. Przestrzeń, morza, przestrzeń powietrzna, nowe lądy – wszystko podlegało narodowi sowieckiemu i wszystko było w ich zasięgu. Kręcono o tym filmy, pisano wiersze i piosenki, niezapomniane książki - wszystko to pozostało w historii na wieki i nikt tego nie zlekceważy, nie zniszczy. Ludzie, jeśli tylko są ludźmi, powinni o tym pamiętać. Chociaż oczywiście byli inni, jak zawsze. Ale piszę o takich ludziach, którzy wygrali II wojnę światową, pokonali dewastację, opanowali dziewicze ziemie i zbudowali elektrownie. Cały ciężar dokonanego wyczynu zawsze spoczywa na barkach takich prostych ludzi. To prości, normalni ludzie. Bez przechwałek i ambicji wykonują swoją pracę, bez względu na to, jak trudne może być. Jeśli kraj tego potrzebuje, to on tego potrzebuje.

    W tamtych latach powojennych dojście do władzy tak niejednoznacznej postaci jak Chruszczow było darem dla naszego kraju, dla jego przyszłego przeznaczenia. Przez jakieś 8 lat ludzie nauczyli się, kim naprawdę są i co potrafią – każdy, jeśli działają razem… To jest moralna i duchowa wartość tamtych lat.

    Chruszczow otworzył tylko małe drzwi do demokracji ludowej, o której marzyli Marks i Lenin, a ludzie, nawet na ten drobiazg, odpowiadali z niesłychanym entuzjazmem, wierzyli, że kraj Sowietów może zrobić wszystko, że mogą zrobić wszystko. Co to było za czas! A my nagle staliśmy się „MY”. Błagam moich rówieśników - powiedzmy naszej młodzieży prawdę o tamtych czasach, a nie te "bajki" o kukurydzy i bucie Chruszczowa. Wrogowie naszego ludu (tak naprawdę są wrogami) po prostu potrzebowali czegoś, aby oczernić tę budzącą zastrzeżenia osobę. I zrobili to, a miliony uwierzyły, tak jak kiedyś wierzyli Stalinowi i jego sługom o fikcyjnych „wrogach ludu”. Czy nasi ludzie jeszcze niczego się nie nauczyli?

    Intrygować: http://briefly.ru/erenburg/ottepel/

    Ehrenburg (1891-1967) - poeta, prozaik, dziennikarz międzynarodowy. Był w podziemnej organizacji bolszewickiej. Geniusz formy i odkrywca nowych środków literackich. Wymyślił sowiecką epopeję jako gatunek. „Burza” – 1949. Gatunek powieści łotrzykowskiej. Julio Chorenito. Pierwszy zaczął używać aluzji biblijnych (później Bułhakow). Starałam się zastosować efekt artystyczny pisząc utwory poetyckie w jednym wierszu. To wynalazek Marii Szkapskiej, ale Ehrenburg go zastosował. Ehrenburg posiadał niemal zwierzęcą wrażliwość społeczną.

    "Odwilż". Główna idea związana jest z wydarzeniami kształtującymi społeczeństwo. Wygląd osoby, która ma odwagę powiedzieć, co myśli. Przedstawia amnestię Chruszczowa, konsekwencje tego. Przedstawiał zmienione stosunki z Zachodem. Bohater kłóci się z władzami. On jest pisarzem. Jego prace są dyskutowane, przekonuje.

    Erenburg umiał znaleźć słowa na nazwanie zjawisk społecznych. Odwilż - najczęściej chwilowe ocieplenie, potem ponownie zamarznie. Zasługą Ehrenburga jest poczucie czasu i umiejętności językowe. Erenburg był bardzo kontrowersyjny. Powieść „Burza” była bardzo krytykowana. Dla niego ważniejsza była opinia czytelników, a nie krytyków. Stalin bardzo go kochał. Nazywano go ostatnim rosyjskim Europejczykiem.

    Po historii „Odwilż” pojawiła się historia Panova „Serieozha”. Kilka historii z życia małego chłopca. 1955. Dziecko postrzega świat dobrodusznie i mówi wszystko, co myśli (wujku Petya, jesteś głupcem!). Trzeba nadawać rzeczom ich nazwy, wtedy życie wróci do normy.

    1956 - A. Yashin "Dźwignie"- fabuła. Pisarz Wołogdy. W tej historii ludzie w partii chcą mieć wolę podejmowania decyzji, ale czekają na wydanie im rozkazu.

    Paweł Nilin „Okrucieństwo”. Po wsiach podróżuje funkcjonariusz kryminalny. Problem sprawiedliwości jest niezwykle trudny. Kończy się samobójstwem bohatera.

    Władimir Dudincew „Nie łączy nas chleb”. Dla osoby kreatywnej nie ma możliwości pełnej realizacji woli.

    1956-57 - Szołochow „Los człowieka”. Z socrealizmu było tylko szczęśliwe zakończenie, z punktu widzenia współczesnych analityków. Andrei Sokolov jest w tym samym wieku co wiek (1900). Może to autobiograficzne. W wojnie domowej traci wszystkich swoich bliskich. W latach 20. został kierowcą - zaawansowany zawód. Małżeństwa, dwoje dzieci. Syn Anatolij - bardzo utalentowany, umiera 9 maja 1945 r. Sokołow trafił do obozu koncentracyjnego, pił wódkę z Mullerem. Wojna zabrała mu wszystko. Opuszcza Woroneż i mieszka w mieszkaniu. Odebrał bezdomną sierotę Vanyushkę. Sokolov boi się umrzeć we śnie - przestraszy Waniuszkę. To historia wielkiej nadziei. Musimy pozostać ludźmi, uczuciowymi i wrażliwymi.

    Era Stalina wykluczyła czynnik ludzki. Nie ma ludzi niezastąpionych. Według Stalina jeńców wojennych uważano za zdrajców, więc Szołochow otworzył nowy temat. Nie można było o nich pisać.

    Zmiany cech językowych literatury w Szołochowie i Nilinie. Szołochow ma unikalne cechy mowy postaci.

    Według Szołochowa życie ludzkie zależy od miłości. Sokołow walcząc, pamięta swoją rodzinę, nie Stalina. Martwi się, że przed wyjazdem popchnął swoją żonę Irinę.

    Znaczącym osiągnięciem artystycznym pisarza była fabuła „Przeznaczenie człowieka” opublikowany na łamach Prawdy w 1957 roku. Historia szybko stała się znana całemu światu. Na tej podstawie utalentowany radziecki reżyser i aktor S. Bondarczuk stworzył wspaniały film pod tym samym tytułem.

    Roman Abramova „Bracia i siostry ».

    Jasna koncentracja systemu administracyjnego.

    Pery poruszył problem odpowiedzialności państwa na jednostkę.

    Abramov nie zauważył żadnych zmian w literaturze po artykule z 1952 roku. Postanowiłem rzucić pracę na uniwersytecie. Zaczął pisać własną powieść według własnych kryteriów. 1958 - powieść „Bracia i siostry”.

    Lew Abramowicz Dodin - zagraj w "Bracia i siostry". Ma już 40 lat. Teatr Europy na Rubinsteinie w Petersburgu.

    W „odwilży” pojawia się rosyjska proza ​​liryczna. Historie Jurija Kazakowa („Jesień w dębowych lasach”).

    Proza młodzieżowa: Granin, Trifonov, Wasilij Aksenow. Proza miejska.

    Tragiczny konflikt między ideałem a rzeczywistością w opowiadaniu P. Nilin „Okrucieństwo” (1956).

    Jeśli V. Dudintsev w swojej powieści „Nie tylko chlebem” był jednym z pierwszych, którzy próbowali odpowiedzieć na pytanie „jaka jest istota systemu?”, „Na czym się opiera?”, to inny rosyjski pisarz P. Nilin w swoim opowiadaniu „Okrucieństwo” najpierw zadał niezwykle ważne pytanie: kiedy to się zaczęło, kiedy narodził się system oparty na kłamstwach, strachu i hipokryzji? W 1937 czy dużo wcześniej? Czas trwania opowieści P. Nilina to zima 1922 - lato 1923. Lokalizacja - Syberia, Terytorium Krasnojarskie. Bohaterami dzieła są pracownicy wydziału kryminalnego, funkcjonariusze ochrony, którzy toczą wojnę z gangami złożonymi z miejscowych chłopów, którzy nie chcą podporządkować się sowieckiemu reżimowi. Nie bez powodu pisarz umieszcza w tytule opowiadania słowo „okrucieństwo”. To okrucieństwo było pierwszym owocem systemu. Czy konieczne jest okrucieństwo, pyta 18-letnia czekistka Venka Malyshev i czy konieczne jest kłamstwo? Pavel Nilin tworzy obraz idealisty, który wierzy w słuszność sprawy rewolucyjnej, przekonanego, że prawdy rewolucyjnej nie trzeba oszukiwać i upiększać. Venka Malyshev, wierząc w naprawienie bandyty Baukina, wykorzystał jego pomoc, by schwytać atamana gangu Konstantina Woroncowa. Ale zwycięstwo odniesione przez Małyszewa przy pomocy wojskowej przebiegłości i rewolucyjnej prawdy zamienia się w kłamstwa, zdradę i oszustwo w rękach szefa wydziału kryminalnego i dziennikarza Uzelkowa, którzy sprzeciwiają się Małyszewowi. Ci drudzy widzą kłamstwa jako narzędzie polityczne niezbędne do osiągnięcia zwycięstwa. Jeśli dla idealisty Wenki Małyszewa ważne jest nie tylko zwycięstwo, ale także walka, to dla jego przeciwników ważne jest tylko zwycięstwo. Główny konflikt wiąże się z różnymi postawami wobec ludzi, wobec osoby. Venka Malyshev wierzy w ludzi, uznaje ich prawo do błędów, a co za tym idzie potrzebę perswazji. Dla jego przeciwników ludzie jako jednostki nie istnieją, są „goździkami”, których „nie zauważysz w ogromnym stanie”. Szef wydziału kryminalnego aresztuje Baukina, a uczciwy Małyszew znajduje się w sytuacji oszusta. Wstydzi się spojrzeć Baukinowi w oczy, boli go za podważoną autorytet władz sowieckich. Nie widząc dla siebie miejsca w powstającym systemie, Venka strzela do siebie. Odwołując się do obrazu „skruszonego czekisty”, P. Nilin wyraża tragiczny konflikt między ideałem a rzeczywistością, między wiarą w moc idei a wiarą w samą siłę, między zaufaniem a podejrzliwością, między człowieczeństwem a okrucieństwem. Tak więc znaczenie opowieści P. Nilina polega na tym, że pokazuje ona, że ​​„zło” narodziło się we wczesnych latach rewolucji…

    21. Oryginalność ideowa i artystyczna V.G. Rasputin „Pożegnanie Matery”

    Valentin Grigoryevich Rasputin urodził się w 1937 roku we wsi Ust-Uda, która stoi nad Angarą, prawie w połowie drogi między Irkuckiem a Brackiem. Po szkole w 1959 ukończył szkołę wydział historyczno-filologiczny Uniwersytetu w Irkucku, następnie zajął się dziennikarstwem. Pierwsze eseje i opowiadania Rasputina powstały w wyniku pracy korespondencyjnej, bliskich jego sercu wyjazdów na Syberię, w których zdeponowano obserwacje i wrażenia, które stały się podstawą do refleksji pisarza na temat losów jego ojczyzny. Rasputin kocha swoją ojczyznę. Nie wyobraża sobie życia bez Syberii, bez tych gorzkich mrozów, bez tego oślepiającego oka słońca. Dlatego w swoich pracach pisarz ujawnia romans tajgi, jedność ludzi z naturą, przedstawia postacie, które fascynują swoją siłą, pierwotnością, naturalnością. Rasputin odkrył takie postacie w syberyjskich wioskach. Na podstawie syberyjskiej wsi powstały takie powieści jak Termin* (1970), Pieniądze dla Maryi (1967), Upstream i Downstream. Autorka porusza tu wysokie moralne problemy dobroci i sprawiedliwości, wrażliwości i wielkoduszności ludzkiego serca, czystości i szczerości w stosunkach międzyludzkich. Jednak Rasputina interesowała nie tylko osobowość ze swoim duchowym światem, ale także przyszłość tej osobowości. A ja chciałbym opowiedzieć właśnie o takiej pracy, w której pojawia się problem ludzkiej egzystencji na Ziemi, problem życia pokoleń, które zastępując się nawzajem, nie powinny tracić kontaktu. Oto opowieść „Pożegnanie z Materą”. Chciałbym zauważyć, że Rasputin próbował przywrócić zainteresowanie starym rosyjskim gatunkiem narracji, opowieścią.

    „Pożegnanie z Materą” – rodzaj dramatu ludzkiego życia – powstało w 1976 roku. Mówimy tu o ludzkiej pamięci i lojalności wobec własnej rodziny.

    Akcja opowieści rozgrywa się w wiosce Matera, która ma umrzeć: buduje się tamę na rzece, aby zbudować elektrownię, więc „woda wzdłuż rzeki i rzek wzniesie się i rozleje, zaleje… ”, oczywiście Matera. Los wsi jest przesądzony. Młodzi ludzie bez wahania wyjeżdżają do miasta. Nowe pokolenie nie ma ochoty na ziemię, do Ojczyzny zawsze dąży do „przejścia do nowego życia”. Oczywiście to, że życie jest ciągłym ruchem, zmianą, że nie można przez wieki pozostawać bez ruchu w jednym miejscu, że postęp jest konieczny. Ale ludzie, którzy weszli w erę rewolucji naukowej i technologicznej, nie powinny tracić kontaktu ze swoimi korzeniami niszczą i zapominają wielowiekowe tradycje, przekreślają tysiące lat historii, na błędach których powinni się uczyć, a nie popełniać własnych, czasem nieodwracalnych.

    Wszystkie postacie w opowieści można warunkowo podzielić na „ojców” i „dzieci”.„Ojcowie* to ludzie, dla których zerwanie z ziemią jest zgubne, dorastali na niej i chłonęli miłość do niej mlekiem matki. To Bogodul, dziadek Jegor, Nastazja, Sima i Katerina.

    „Dzieci” to młodzież, która tak łatwo pozostawiła wioskę na pastwę losu, wioskę z trzystuletnią historią. To jest Andrey, Petruha i Klavka Strigunova. Jak wiemy, poglądy „ojców” znacznie odbiegają od poglądów „dzieci”, dlatego konflikt między nimi jest wieczny i nieunikniony. A jeśli w powieści Turgieniewa „Ojcowie i synowie” prawda była po stronie „dzieci”, po stronie nowego pokolenia, które starało się wykorzenić moralnie gnijącą szlachtę, to w opowiadaniu „Pożegnanie z Materą” sytuacja jest zupełnie odwrotnie: młodość niszczy jedyne, co umożliwia zachowanie życia na ziemi (obyczaje, tradycje, narodowe korzenie).

    Główny ideologiczny bohater opowieści - staruszka Daria. To osoba, która do końca życia, do ostatniej chwili pozostała oddana swojej ojczyźnie, Daria formułuje główną ideę dzieła, którą sam autor chce przekazać czytelnikowi: „ Prawda jest w pamięci. Kto nie ma pamięci, nie ma życia." Ta kobieta jest rodzajem strażnika wieczności. Daria to prawdziwie narodowa postać. Myśli tej kochanej staruszki są bardzo bliskie pisarzowi. Rasputin daje jej tylko pozytywne cechy, prostą i bezpretensjonalną mowę. Muszę powiedzieć, że autorka ciepło opisuje wszystkich weteranów Matery. Jak umiejętnie przedstawia Rasputina sceny rozstania ludzi z wioską. Przeczytajmy jeszcze raz, jak Jegor i Nastazja raz po raz odkładają swój wyjazd, jak nie chcą opuszczać swojej ojczyzny, jak Bogodul rozpaczliwie walczy o zachowanie cmentarza, ponieważ jest on święty dla mieszkańców Matery: „... I stare kobiety pełzały po cmentarzu, wtykały krzyże do tyłu, instalowały stoliki nocne.

    Wszystko to po raz kolejny dowodzi, że nie można oderwać ludzi od ziemi, od jej korzeni, aby takie działania można było utożsamiać z brutalnym mordem.

    Autor bardzo głęboko pojął problem, przed którym stanęło społeczeństwo w dobie rewolucji naukowo-technicznej - problem utraty kultury narodowej. Z całej historii jasno wynika, że ​​ten temat niepokoił Rasputina i był istotny również w jego ojczyźnie: nie bez powodu umieszcza Materę nad brzegami Angary,

    Matera to symbol życia. Tak, została zalana, ale pamięć jej pozostała, będzie żyć wiecznie.

    "Pożegnanie Matery" - uogólniony symboliczny w znaczeniu dramat, w którym mówimy o ludzkiej pamięci, lojalności wobec własnej uprzejmy . Główną bohaterką jest Daria. Jedną z jej głównych cech charakteru jest poczucie pamięci, odpowiedzialność zaprzodkowie. To samo pytanie, skierowane do niej samej i jej dzieci, do przeszłych i przyszłych pokoleń, postawione przez Annę Stiepanowną („Termin realizacji”), brzmi teraz z nową energią w przemówieniach Darii i w całej treści dzieła: „A kto zna prawda o człowieku: ... Jak powinien się czuć człowiek, dla którego żyło wiele pokoleń? Nic nie czuje. On nic nie rozumie." Daria znajduje główną część odpowiedzi: „Prawda jest w pamięci. Kto nie ma pamięci, nie ma życia." Historia opisuje konflikt między „ojcami idzieci”, ponieważ moralny dom Darii jest przeciwnypozycja wnuka Andrieja, inspirowana wszystkim, co nowe, postępowe. Historia jest pełna symboliki: w Materze domyślamy się sim wół życia, a może i nasza ziemia; w Darii - opiekun to życie, matka, przez którą przemawia sama prawda. Ta historia jest rodzajem ostrzeżenia o zagrożenie, zagrażająca matce ziemi, „jak wyspa”, zagubiona „w kosmicznym oceanie”. W historii jest wiele innych symbolicznych obrazów: symboliczniewizerunek chaty, którą Daria ozdabia przed spaleniem; żeczłowiek, który ukrywa wyspę. I tylko odchodząc od rzeczywistej konkretności treści, staje się jasne, że Daria i jej przyjaciele nie chcą rozstawać się z Materą (ziemia) i dzielić jej los. Ogólnie rzecz biorąc, historia charakteryzuje się ostrym publicystykiem, wysokim tołstojowym podbudowaniem, apokaliptycznym światopoglądem. Dźwięk głównego tematu niesie ze sobą wielką biblijną tragedię. Finał opowieści był krytykowany, koncepcja dzieła, która była sprzeczna z ideami postępu, wywołała sprzeciw.

    22. Oryginalność ideowa i artystyczna V.P. Astafiew „Pasterz i pasterka”.

    Nieco ponad pół wieku, które minęło po Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej, nie osłabiło zainteresowania społeczeństwa tym historycznym wydarzeniem. Czas demokracji i głasnosti, który oświetlił światło prawdy wiele kart naszej przeszłości, stawia przed historykami i pisarzami coraz więcej pytań. Wraz z tradycyjnie uważanymi dziełami Y. Bondareva, V. Bykova, V. Bogomolova nasze życie obejmuje powieści „nie tolerujące półprawd” V. Astafieva „Pasterz i pasterka”, V. Grossman „Życie i los ”, powieści i opowiadania V. Niekrasowa, K. Vorobyova, V. Kondratieva.

    „Wojna była i pozostaje śmiertelną przeszkodą na szlachetnej drodze człowieka - najbardziej niemoralnym aktem ze wszystkiego, co człowiek stworzył *. I dlatego wojna nie kończy się na twórczości Wiktora Astafiewa. O tych młodych chłopakach, z którymi pisarz musiał walczyć, ale którzy nie mieli szansy dożyć Zwycięstwa, napisał jedną z najlepszych, moim zdaniem, jedną z „najtrudniejszych i bardziej bolesnych rzeczy, jakie dostał” - opowiadanie „Pasterz i pasterka”. W tej historii odtworzone obraz czystej miłości, życia ludzkich dusz, nie zmiażdżonych ani zmiażdżonych wojną.

    „Nowoczesne duszpasterstwo” (Pastorał – gatunek w literaturze, malarstwie, muzyce i teatrze, poetyzujący spokojne i proste życie na wsi) - taki podtytuł, który wiele determinuje i wyjaśnia w ideowym brzmieniu utworu, podał pisarz swojej opowieści, w której jest miłość, jest szczęście - to główne znaki tradycyjnego duszpasterstwa.

    Ale nie bez powodu pisarz umieścił słowo „nowoczesny” obok słowa „duszpasterski”, jakby podkreślając okrutną pewność czasu, bezwzględną wobec ludzkich losów, najbardziej subtelnych i rozedrganych impulsów duszy.

    W opowieści jest bardzo ważny sprzeciw - wspomnienie z dzieciństwa bohatera, porucznika Borysa Kostiajewa, o teatrze z kolumnami i muzyką, o białych owcach pasących się na zielonym trawniku, o tańczących młodych pasterzach i pasterzach, którzy się kochali, "nie wstydzili się tej miłości, a którzy nie bali się o nią, ostro, krzykliwie kontrastują, zewnętrznie powściągliwi, ale wewnętrznie zadziwiająco głębocy i emocjonalni, z zaostrzonym bólem i rozbolanym smutkiem sceny napisanej o zamordowanych starcach, gospodarstwie pasterz i pasterka „obejmujący wiernie godzinę śmierci”.

    „Salwa przygotowania artyleryjskiego wepchnęła starców za łaźnię – omal ich nie zabili. Leżą, zakrywając się nawzajem. Stara kobieta ukryła twarz pod ramieniem starca. A umarłych bito szrapnelami, krojono ich szaty...”. Ta krótka scena, której symbolika jest szczególnie widoczna w kontraście do teatralnej sielanki, jest być może centralną sceną. Wydaje się być skoncentrowany tragedia wojny, jej nieludzkość. A teraz nie możemy dostrzec dalszej narracji, śledzić krótką, niczym błysk rakiety, historię miłosną Borysa i Lucy, losy innych postaci, inaczej przez pryzmat tej sceny.

    Ukazanie nieludzkiej istoty wojny, łamanie i wypaczanie losów, a nie ratowanie życia, to główne zadanie, jakie postawił sobie W. Astafiew w opowieści.

    Pisarz pogrąża nas w atmosferze wojny, gęsto przesiąkniętej bólem, wściekłością, goryczą, cierpieniem, krwią. Oto obraz nocnej bitwy: „Rozpoczęła się walka wręcz. Głodni, zdemoralizowani otoczeniem i zimnem Niemcy szaleńczo i na ślepo pięli się naprzód. Szybko wykończono ich bagnetami. Ale po tej fali przyszła kolejna, trzecia. Wszystko się zmieniło, drżenie ziemi, odrzuty noszonych z piskiem armat, które teraz uderzały zarówno we własne, jak i Niemców, nie rozumiejąc, gdzie jest. Tak, i nie można było niczego zdemontować ”. Ta scena ma na celu przybliżenie czytelnikowi głównej idei opowieści: nienaturalności, która sprawia, że ​​ludzie zabijają się nawzajem.

    Poza tą główną ideą nie można zrozumieć tragedii historii zmarłego w szpitalu sanitarnym porucznika Borysa Kostajewa, któremu wojna obdarzyła miłością i natychmiast ją odebrała. „Nic nie można było poprawić i zwrócić. Wszystko było i wszystko zniknęło”.

    W opowiadaniu „Pasterz i pasterka”, dziele o wielkim znaczeniu filozoficznym, wraz z ludźmi o wysokim duchu i silnych uczuciach, pisarz tworzy obraz majstra Mochnakowa, zdolnego do przemocy, gotowego przekroczyć linię ludzkości, zaniedbania ból innych. Tragedia Borysa Kostajewa staje się jeszcze wyraźniejsza, jeśli przyjrzymy się bliżej jednemu z centralnych obrazów - brygadziście Mochnakowowi, który nieprzypadkowo przechodzi obok głównego bohatera.

    Kiedyś w rozmowie z Lyusyą Borys wypowie bardzo ważne słowa, że ​​strasznie jest przyzwyczaić się do śmierci, pogodzić się z nią. A z Borysem i Mochnakowem, którzy byli na linii frontu, ciągle widząc śmierć we wszystkich jej przejawach, dzieje się coś, czego bał się Kostaev, Są przyzwyczajeni do śmierci.

    Historia W. Astafiewa ostrzega: "Ludzie! To nie może się powtórzyć! »

    23. Ideologiczna i artystyczna oryginalność opowiadania Y. Trifonova „Wymiana”.

    W centrum opowieści Jurija Trifonowa „Wymiana” znajdują się próby bohatera, zwykłego moskiewskiego intelektualisty Wiktora Georgiewicza Dmitrijewa, zamiany mieszkania i poprawy warunków życia. Aby to zrobić, musi zamieszkać z ciężko chorą matką, która domyśla się, że nie pożyje zbyt długo. Syn zapewnia ją, że naprawdę chce z nią mieszkać, aby lepiej się nią opiekować, ale matka domyśla się, że interesuje go przede wszystkim nie ona, ale przestrzeń życiowa i spieszy mu się z wymianą, ponieważ Z obawy, że w razie jej śmierci straci pokój matki. Zainteresowanie materialne zastąpiło uczucie miłości synów Dmitrieva. I to nie przypadek, że na końcu opowieści jego matka mówi mu, że kiedyś chciała z nim mieszkać, ale teraz nie chce, bo: „Już się wymieniłeś, Vitya. Wymiana miała miejsce... To było bardzo dawno temu. I to się zawsze dzieje, każdego dnia, więc nie zdziw się, Vitya. I nie złość się. To po prostu takie niedostrzegalne ... ”Dmitriev, początkowo dobry człowiek, stopniowo, pod wpływem egoizmu żony, a nawet własnego, wymienili zasady moralne na dobro filisterskie. To prawda, że ​​udało mu się zamieszkać z matką dosłownie w przeddzień jej śmierci, ta śmierć, być może nieco przyspieszona pospieszną wymianą, przechodzi ciężko: „Po śmierci Kseni Fiodorowna Dmitriew miał kryzys nadciśnieniowy i leżał w domu przez trzy tygodnie w ścisłym leżeniu w łóżku. Po tym wszystkim minął i wyglądał jak „jeszcze nie stary człowiek, ale już w podeszłym wieku”. Jaki jest powód moralnego upadku Dmitrieva?

    W trakcie opowieści dziadek, stary rewolucjonista, mówi do Wiktora: „Nie jesteś złym człowiekiem. Ale też nie jest to niesamowite”. W Dmitriev nie ma wzniosłej idei, która inspiruje jego życie, nie ma pasji do żadnego biznesu. Nie, co okazuje się w tym przypadku bardzo ważne, oraz siła woli, Dmitriew nie może oprzeć się presji żony Leny, która za wszelką cenę stara się o błogosławieństwo życia. Czasem protestuje, robi skandale, ale tylko po to, by oczyścić sumienie, bo prawie zawsze w końcu kapituluje i robi to, co chce Lena. Żona Dmitrieva od dawna stawia na pierwszym miejscu własny dobrobyt. I wie, że jej mąż będzie posłusznym narzędziem w osiąganiu jej celów: „... Mówiła tak, jakby wszystko było z góry określone i jakby było dla niego jasne, Dmitriew, że wszystko było z góry określone i rozumieją się bez słów ”. O ludziach takich jak Lena Trifonov powiedział w wywiadzie z krytykiem A. Bocharovem: „Egoizm jest tym, co w ludzkości jest najtrudniejsze do pokonania”. A jednocześnie pisarz nie jest pewien, czy można w zasadzie całkowicie pokonać ludzki egoizm, czy też nie byłoby rozsądniej próbować wprowadzić go w jakieś moralne granice, ustalić dla niego pewne granice . Na przykład takie: pragnienie każdej osoby zaspokojenia własnych potrzeb jest uzasadnione i sprawiedliwe, o ile nie krzywdzi innych ludzi. Egoizm jest przecież jednym z najpotężniejszych czynników rozwoju człowieka i społeczeństwa i nie można tego ignorować. Przypomnijmy, że Nikołaj Gawriłowicz Czernyszewski pisał o „rozsądnym egoizmie” z sympatią i prawie jako ideałem zachowania w powieści Co robić? Kłopot polega jednak na tym, że w prawdziwym życiu bardzo trudno jest znaleźć linię oddzielającą „rozsądny egoizm” od „nierozsądnego”. Trifonov podkreślił we wspomnianym wywiadzie: „Egoizm znika tam, gdzie pojawia się pomysł”. Dmitriev i Lena nie mają takiego pomysłu, więc egoizm staje się ich jedyną wartością moralną. Ale ten pomysł i wygody tych, którzy się im sprzeciwiają, nie istnieją - Ksenia Fiodorowna, siostra Wiktora Laura, kuzynka bohaterki Mariny ... I to nie przypadek, że w rozmowie z innym krytykiem, L. Anninskim, pisarz sprzeciwił się do niego: „Udawałeś, że ubóstwiam Dmitriewów (czyli wszystkich przedstawicieli tej rodziny, z wyjątkiem Wiktora Georgiewicza. - B.S.) i kpię z nich ”. Dmitriev, w przeciwieństwie do rodziny Leny, Łukjanowa, nie są zbyt przystosowane do życia, nie wiedzą, jak czerpać korzyści ani w pracy, ani w domu. Nie wiedzą jak i nie chcą żyć kosztem innych. Jednak matka Dmitrieva i jego krewni wcale nie są idealnymi ludźmi. Charakteryzują się jedną bardzo niepokojącą wadą Trifonova - nietolerancją. Ksenia Fiodorowna nazywa Lenę burżuazją, jest hipokrytką. W rzeczywistości matkę Dmitrieva trudno uznać za hipokrytkę, ale niemożność zaakceptowania i zrozumienia ludzi o różnych postawach behawioralnych utrudnia jej komunikację, a tego typu ludzie nie są opłacalne na dłuższą metę. Dziadek Dmitriew wciąż był inspirowany rewolucyjną ideą. Dla następnych pokoleń mocno wyblakła w porównaniu z rzeczywistością porewolucyjną, która jest bardzo daleka od ideału. Trifonov rozumie, że pod koniec lat 60., kiedy pisano „Exchange”, ten pomysł już nie żyje, a Dmitrievowie nie mają nowego. To jest tragedia sytuacji.Z jednej strony są nabywcy Łukjanowa, którzy wiedzą, jak dobrze pracować (w opowiadaniu podkreśla się, że Lena jest ceniona w pracy),wiedzą, jak wyposażyć życie, ale nie myślą o niczym innym niż to. Z drugiej strony Dmitriewowie, którzy wciąż zachowują inercję intelektualnej przyzwoitości, ale z czasem coraz bardziej ją tracą, nie popartą ideą. Ten sam Viktor Georgievich już „stał się głupcem” - prawdopodobnie w nowym pokoleniu proces ten przyspieszy.Jedyną nadzieją jest to, że sumienie obudzi się w głównym bohaterze. Mimo to śmierć matki spowodowała u niego jakiś moralny szok, z którym najwyraźniej związana była również fizyczna dolegliwość Dmitrieva. Jednak szanse na jego moralne odrodzenie są niewielkie. Robak konsumpcjonizmu już głęboko osuszył jego duszę, a słabość woli uniemożliwia podjęcie zdecydowanych kroków w kierunku fundamentalnych zmian w jego życiu. I nie bez powodu w ostatnich linijkach opowiadania autor donosi, że całej historii nauczył się od samego Wiktora Georgiewicza, który teraz wygląda jak chory, przygnieciony życiem. Wymiana wartości moralnych na materialne, która miała miejsce w jego duszy, doprowadziła do smutnego rezultatu. Odwrotna wymiana jest prawie niemożliwa dla Dmitrieva.

    24. Ideologiczna i artystyczna oryginalność opowiadania A. Płatonowa „Powrót”.

    Biografia Płatonowa, napisana przez Brodskiego:

    „Andriej Płatonowicz Płatonow urodził się w 1899 r., zmarł w 1951 r. na gruźlicę, zarażony przez syna, którego uwolnienie z więzienia udało mu się osiągnąć po wielu wysiłkach, tylko po to, by syn zginął w jego ramionach. Z wykształcenia inżynier-ameliorator (Płatonow pracował przez kilka lat przy różnych projektach irygacyjnych), zaczął pisać dość wcześnie, w wieku dwudziestu kilku lat, czyli w latach dwudziestych naszego wieku. Brał udział w wojnie domowej, pracował w różnych gazetach i choć niechętnie drukował, w latach trzydziestych zyskał sławę. Następnie jego syn został aresztowany pod zarzutem spisku antysowieckiego, potem pojawiły się pierwsze oznaki oficjalnego ostracyzmu, potem rozpoczęła się II wojna światowa, podczas której Płatonow służył w wojsku, pracując w gazecie wojskowej. Po wojnie został zmuszony do milczenia; jego historia, opublikowana w 1946 roku, posłużyła jako pretekst do druzgocącego artykułu do całej strony Gazety Literackiej, napisanej przez czołowego krytyka, i na tym się skończył. Potem tylko od czasu do czasu pozwolono mu robić cokolwiek jako niezależny anonimowy pracownik literacki, na przykład - edytować bajki dla dzieci. Nic więcej. Ale do tego czasu jego gruźlica się pogorszyła, więc i tak nie mógł nic zrobić. On, jego żona i córka żyli z pensji żony, która pracowała jako redaktor; czasami pracował jako woźny lub inscenizator w pobliskim teatrze”.

    Oryginalność gatunkowa opowiadań A. Płatonowa przejawia się także w sposobie konstruowania wizerunku bohatera i organizacji w nich akcji narracyjnej. W wielu opowiadaniach A. Płatonowa konflikt opierał się na przeciwstawieniu nieprawdziwego rozumienia życia prawdzie. Akcja narracyjna w opowiadaniach A. Płatonowa z reguły skupiony na zobrazowaniu przejścia bohatera z jednego sposobu rozumienia życia na inny Jednocześnie w najbardziej radykalny sposób odbudowuje się świadomość bohatera, a wraz z nią zmienia się sama skala pojmowania życia i głębia jego pojmowania. W duchowym wyczynie przebaczenia i filantropii, wracając do prawdziwych moralnych podstaw życia, bohater opowieści „Powrót” (1946), Rosjanin Aleksiej Iwanow, ostatecznie pokonuje niszczycielskie konsekwencje wojny, zyskuje duchową integralność . Nie tyle powrót bohatera do domu do jego rodziny, ale "wróć do siebie" przegrał cztery lata temu.

    Straszna próba, jaką człowiek przechodzi na wojnie, nie ogranicza się do bólu fizycznego, deprywacji, przerażenia, ciągłej obecności śmierci. W opowiadaniu „Powrót” powiedział Płatonow o głównym złu, jakie przynosi wojna - goryczy. Utrata więzi emocjonalnych z bliskimi stała się tragedią Iwanowa . Widzi żałosną Pietruszkę, potrzebującą miłości i troski, ale czuje tylko chłód, obojętność i irytację. Dziecko, które z winy wojny musiało szybko i boleśnie dorosnąć, nie rozumie, dlaczego ojciec odmawia mu szczerej miłości. I Iwanow opuszcza rodzinę i tylko biegnące za nim dzieci, a potem padające, wyczerpane, przełamują mur obojętności.Miłość własna, zainteresowanie - wszystko idzie gdzieś daleko i pozostaje tylko „nagie serce”, otwarte na miłość.

    Dusza Iwanowa nie jest w stanie dotknąć czyjejś duszy. Długa nieobecność w domu oddzieliła go od rodziny. Wierzy, że dokonał wyczynów na wojnie, podczas gdy oni żyli tutaj „normalnym” życiem. Iwanow postanawia odejść, ostre dialogi Iwanowa z krewnymi zastępuje w środku pracy monolog autora (jak na początku opowieści), ale autor wymienia swojego bohatera nie tak, jak na początku opowieści - „Iwanow”, ale „ich ojciec”.

    Kiedy dzieci biegną za nim: A potem znowu padły na ziemię, „i nagle sam Iwanow” poczuł, jak gorąco zrobiło mu się w piersi, jakby serce, zamknięte w nim i marniejące, biło długo i na próżno wszystko jego życie i dopiero teraz uwolniło się, wypełniając całą jego istotę ciepłem i dreszczem."

    Trzeba budować przyszłość nie kosztem tych, którzy żyją w teraźniejszości.

    25. Dramaturgia drugiej połowy XX wieku. Ogólna charakterystyka. Analiza jednej pracy (do wyboru studenta).

    Dramat (inne greckieδρᾶμα - czyn, akcja) - jeden z trzech rodzajów literatury, obok epiki i tekstów, należy jednocześnie do dwóch rodzajów sztuki: literatury i teatru. Przeznaczony do grania na scenie dramat różni się formalnie od epiki i poezji lirycznej tym, że zawarty w nim tekst przedstawiony jest w formie replik postaci, a uwagi autora z reguły dzieli się na działania i zjawiska.

    Wyjątkowy rodzaj literatury. Najpierw były teksty, potem epicka sztuka, a potem dramaturgia. Tłumaczyć monolog do dialogu to bardzo trudne zadanie. Intermedialność tekstu polega na wykorzystaniu różnych systemów znaków. Jeden z krytyków uważał, że przed Ostrowskim w Rosji było tylko trzech dramaturgów: Fonvizin, Griboyedov, Sumarokov. Plus Generalny Inspektor Gogola. Potem Czechow, Gorki, Andreev, Błok, Majakowski, Bułhakow, a potem nadeszła cisza. W latach pięćdziesiątych rozpoczęło się odrodzenie dramaturgii.

    Kilka kierunków . Najsławniejszy -dramat produkcyjny :Ignatius Dvoretsky "Człowiek z zewnątrz", Bokarev "Haltownia", Alexander Gelman "Minuty jednego spotkania" (adaptacja filmowa "Nagrody" Panfilova). Protokół z jednego posiedzenia komitetu partyjnego. Brygada otrzymuje premię kwartalną, ale cała brygada przychodzi i odmawia. Pracownicy mówią, że nie zrealizowali planu i chcą uczciwie pracować. Problem odpowiedzialności każdego człowieka za to, co dzieje się na tym świecie. Nie ma zwykłych ludzi. W tym około była esencją industrialnej dramaturgii . Demokracja w kuchni – dyskusje są odważne w kuchniach, ale nigdzie indziej. Przedmiotem publicznej dyskusji okazały się poważne problemy społeczne. Sygnał, że prawdziwa demokracja może się rozpocząć. Osobliwości:

      Ale wszystkie sztuki miały tylko charakter dziennikarski.

      Wyeliminuj konflikty rodzinne

      Taka dramaturgia mocno ograniczała ideę przestrzeni artystycznej, czyli wydarzenia odbywały się w pomieszczeniach oficjalnych spotkań, w gabinetach szefów

      Największą wadą jest podnoszenie konkretnego przypadku do bezpodstawnych uogólnień. Jeden przypadek zamienił się w rzekomą typowość, choć tak nie jest.

    Ten dramat był krokiem w kierunku teorii niekonfliktu.

    Drugi kierunek to melodramat liryczny . Alexander Volodin jest dramatopisarzem leningradzkim. Jego klasyczne pięć wieczorów. W Teatrze Młodzieży na Fontance są jego produkcje. Leonid Zorin „Warszawska Melodia” w Teatrze Aleksandryńskim. Osobliwości:

      Zawężenie przestrzeni i zawężenie czasu. W „Pięciu Wieczorach” wszystko dzieje się we wspólnym mieszkaniu

      Odmowa istotnych społecznie kwestii. Wołodin powiedział: „Porzucamy biurokrację”

      Postawione pytania o sens życia człowieka i sposób jego egzystencji

      Unikanie szczęśliwych zakończeń. Było to bezpośrednie wyzwanie dla teorii bezkonfliktowej.

    Trzeci kierunek - dramat wojskowy. Otwarcie - Viktor Rozov „Forever Alive” (1956). To sztuka o wojnie, napisana w nurcie prozy wojskowej. Ani jednego strzału. O wydarzeniach z tyłu. O miłości, oczekiwaniu, wierności. Wojnę wygrał wysiłek woli ogromnej liczby ludzi, których zjednoczyło fantastyczne pragnienie zwycięstwa.

    Czwarty kierunek dramat satyryczny . Satyra radziecka - Shukshin. Spektakl „Energetyczni ludzie”. Energetyczni ludzie to Chichikovowie z czasów sowieckich.

    Analiza jednej pracy (do wyboru studenta):

    Aleksander Walentynowicz Wampiłow (1937-1972). Kocha Gogola, Czechowa. Był kolegą z klasy Valentina Rasputina. Wydział Historii i Filologii Uniwersytetu w Irkucku. Wampiłow napisał 10 humorystycznych historii. Zasłynął jako komik. Potem miał anegdoty prowincjalne. Wszyscy zaczęli wierzyć, że był satyrycznym dramatopisarzem. On sam był postacią głęboko tragiczną. Był utalentowany i niesamowicie dumny. W przybliżeniu ta sama aura, którą posiada teraz Zakhar Prilepin. Sztuki Wampilowa wystawiane są w każdym mieście w Rosji. Zginął tragicznie na Bajkale z częstymi wizytami w Moskwie. Poszedłem na ryby z przyjacielem nad Bajkał. Łódź wywróciła się na lodowatej wodzie. Towarzysz trzymał się krawędzi łodzi i wezwał pomoc. Ale Wampiłow nie lubił wzywać pomocy, ponieważ zapaśnik zaczął płynąć do brzegu, a nogi mu się skurczyły i zmarł na oczach wszystkich. Uważał, że każdy powinien wybrać dla siebie. Jego osobowość jako dramaturg:

      W jego sztukach to zawsze przypadek, drobiazg, splot okoliczności staje się najbardziej dramatycznym momentem w życiu człowieka. Sytuacja jest testem.

      Człowiek Wampiłowa - zwyczajna osoba. Jego bohaterami są z reguły bohaterowie rosyjskiego buszu. Wprowadził pojęcie prowincji. Przypomina Czechowa koncepcja prowincji. W tym czasie moskiewski snobizm był na wielką skalę.

      Wampiłow w mikroscenie, w szczegółach, w geście, w krótkim monologu potrafił przekazać uczucie całego poprzedniego życia bohatera.

      Duży zakres gatunkowy: od liryczno-komedii po tragikomedię

    Kiedy życie się rozpada, nadzieja człowieka jest tylko w nim samym. Wampiłow był dla takich ludzi. Kto może się oprzeć całemu światu. Co jest nie tak z dzisiejszym światem? To jedno z pytań Vampilova.„Anegdoty prowincjonalne”. Anegdota nie jest fikcyjnym, niezwykłym przypadkiem z paradoksalnym zakończeniem. Dla Wampilowa są to anegdoty stworzone na lokalnym materiale w lokalnej przestrzeni. Głównymi bohaterami są postacie nieoznaczony czasem. „Dwadzieścia minut z aniołem”.

    „Prowincjonalne dowcipy”- są to dwie sztuki jednoaktowe: „Historia metra” i „Dwadzieścia minut z aniołem”, których autorami są Aleksander Wampiłow na początku lat sześćdziesiątych, znacznie wcześniej niż połączono je w Prowincjonalne Żarty, co prawdopodobnie miało miejsce w pierwszej połowie 1968 roku.



    Podobne artykuły
     
    Kategorie
    Materiał wideo
    Popularny
    Nowy