Chłopiec Pablo Picasso prowadzący konia. Biografia Pabla Picassa

Pablo Picasso - wielki hiszpański artysta, kubista, rzeźbiarz, artysta, zapamiętany z niepowtarzalnego stylu swoich obrazów i wyznaczający trendy w późniejszej modzie na sztukę. Pełne imię i nazwisko tego genialnego artysty to Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz.

Picasso pracował bardzo ciężko i wraz z George'em Braque'em stworzył tak zwany styl malarstwa - kubizm. Nie ulega wątpliwości, że wywarł on niebagatelny wpływ na całą sztukę, która po nim nastąpiła, gdyż wciąż ma wielu naśladowców i uczniów, którzy śledzą jego twórczość.

Najwcześniejszym obrazem Pabla Picassa jest Picador, który został namalowany w wieku 8 lat. Nauczył się rysować Picassa od swojego ojca, który był nauczycielem plastyki. Następnie studiował w różnych szkołach artystycznych, wśród których były takie jak: szkoła sztuk pięknych w Barcelonie, szkoła w A Coruña. Pierwsza wystawa prac odbyła się w Barcelonie w czerwcu 1989 roku, w kawiarni „Els Quatre Gats”. Pablo zetknął się z twórczością impresjonistów później, po wyjeździe do Paryża. Już tutaj, po samobójstwie jego najlepszego przyjaciela i z powodu jakiejś depresji w jego życiu, następuje okres, który później wszyscy krytycy sztuki na świecie nazwą „ niebieski okres". Ten styl rozwinie się już w Barcelonie, kiedy artysta powróci. Ten okres w życiu obrazów Picassa charakteryzuje przygnębienie, ekspresja śmierci i starości, depresja, melancholia, smutek. Prace należące do okresu niebieskiego to Absynt Pijący, Data, Żebrak staruszek z chłopcem. Nazywano go również niebieskim ze względu na dominację niebieskich odcieni na obrazach z tego okresu.

W 1904 roku, gdy wielki hiszpański artysta osiedla się w Paryżu w schronisku dla biednych artystów, okres niebieski ustępuje miejsca różowi, w którym żałoba i obrazy śmierci ustępują bardziej żywotnym scenom teatralnym, opowieściom z życia wędrownych komików , życie aktorów i akrobatów. W jego obrazach dominowały odcienie różu, dlatego otrzymały nazwę „okres różowy”.

Jak wspomniano wcześniej u George'a Braque'a, gdzieś około 1907 roku zostaje on założycielem kubizmu ze względu na to, że w swojej twórczości przeszedł od obrazu do analizy formy i komponentów. Kubizm na wszelkie sposoby odrzucał naturalizm i według wielu historyków sztuki inspirował się Pablo Picasso w wyniku jego zamiłowania do rzeźby afrykańskiej, wyróżniającej się kanciastością, groteskowym zaawansowaniem form i charakterystycznym ornamentem. Rzeźba afrykańska generalnie wpłynęła na wiele trendów w sztuce, na przykład, oprócz Picassa, pomogła Matisse'owi w stworzeniu fowizmu.

W 1925 roku różowe i wesołe obrazy ustąpiły miejsca najtrudniejszemu i najtrudniejszemu okresowi w życiu artysty. Kubizm rozwija się w absolutnie surrealistyczne i surrealistyczne obrazy. Jego potwory i kreatury, krzyczące i rozszarpane, inspirowane są rewolucją surrealizmu, jaka wybuchła wówczas w malarstwie i literaturze. Potem nad całą Europą zawisł strach przed faszyzmem, który wpłynął także na twórczość Pabla: Nocne łowienie ryb w Antibes, Maja i jej lalka Guernica. Z ostatnim obrazem, który przedstawia okropności wojny, związana jest jedna znana historia. Pewnego dnia nazistowski oficer, widząc fotografię Guerniki, zapytał Picassa: „Zrobiłeś to?”, na co odpowiedział: „Zrobiłeś to!”

Po wojnie ogarnia go nowy nastrój, jako seria przyjemnych wydarzeń: miłość do Francoise Gilot, narodziny dwojga dzieci, dają mu szczęśliwy i jasny okres w jego twórczości, zamieszkiwany życiem, rodziną, szczęściem.

Pablo Ruiz Picasso zmarł w 1973 roku w swojej willi we Francji. Wielki artysta został pochowany w pobliżu zamku, który należał do niego osobiście i nazywał się Vovenart.

obrazy Pabla Picassa

Wszystkie zdjęcia otwierają się w pełnym rozmiarze z opisami! (MOŻLIWE DO KLIKNIĘCIA)

W latach 1892-1895 studiował w Szkole Sztuk Pięknych w A Coruña, w latach 1895-1897 – w Szkole Sztuk Pięknych w Barcelonie, gdzie otrzymał złoty medal za obraz „Nauka i Miłosierdzie” (1897).

W 1950 roku Picasso został wybrany do Światowej Rady Pokoju.

W latach 50. artysta namalował wiele wariacji na temat słynnych mistrzów przeszłości, odwołując się do kubistycznego stylu pisania: „Kobiety algierskie. Według Delacroix” (1955), „Śniadanie na trawie. Według Maneta” ( 1960), "Dziewczyny nad brzegiem Sekwany. Według Courbeta" (1950), "Menins. Według Velazqueza" (1957).

W 1958 roku Picasso stworzył kompozycję „Upadek Ikara” dla paryskiego budynku UNESCO.

W latach 60. Picasso stworzył monumentalną rzeźbę o wysokości 15 metrów dla domu kultury w Chicago.

- jeden z najdroższych artystów świata - wycena (szacunek przedsprzedażowy) jego pracy przekracza setki milionów dolarów.

Pablo Picasso był dwukrotnie żonaty. W 1918 ożenił się z Olgą Chochłową (1891-1955), baletnicą z trupy Diagilewa. W tym małżeństwie artysta miał syna Paula (1921-1975). Po śmierci Olgi w 1961 roku artysta poślubił Jacqueline Rock (1927-1986). Picasso miał także nieślubne dzieci - córkę Mayę z Marie-Thérèse Walter, syna Claude'a i córkę Palomę z artysty Francoise Gilot.

Materiał został przygotowany na podstawie informacji z RIA Novosti oraz otwartych źródeł

Ze strony http://www.pablo-ruiz-picasso.ru/

Biografia

1. Dzieciństwo i lata nauki (1881-1900)

Pablo Picasso urodził się 25 października 1881 roku w mieście Malaga, w andaluzyjskiej prowincji Hiszpanii. Na chrzcie Picasso otrzymał pełne imię i nazwisko Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Crispin Crispignano de la Santisima Trinidad Ruiz y Picasso – które zgodnie z hiszpańskim zwyczajem było serią imion czczonych świętych i krewnych rodzina. Picasso to nazwisko matki, które przyjął Pablo, ponieważ nazwisko ojca wydawało mu się zbyt zwyczajne, poza tym ojciec Picassa, Jose Ruiz, sam był artystą.

Pablo wcześnie wykazywał talent do rysowania. Już od 7 roku życia uczył się u ojca techniki rysowania, który początkowo polecił mu wykańczać łapy gołębi na swoich obrazach. Ale pewnego dnia, powierzając trzynastoletniemu Pablo dokończenie dość dużej martwej natury, był tak zachwycony techniką syna, że ​​według legendy sam przestał malować.

W wieku 13 lat Pablo Picasso znakomicie wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Barcelonie. Przygotowanie do egzaminu zajęło Picasso tydzień, co zwykle studentom zajmowało miesiąc. Zaimponował komisji swoimi umiejętnościami i mimo młodego wieku został przyjęty do Akademii. Ojciec Picassa wraz z wujem postanowili wysłać Pabla do Akademii San Fernando w Madrycie, która w tamtym czasie była uważana za najbardziej zaawansowaną szkołę artystyczną w całej Hiszpanii. Tak więc Pablo w 1897 roku w wieku 16 lat przybył do Madrytu. Zajęcia w Szkole Sztuk Pięknych nie trwały jednak długo, bo niespełna rok, a Pabla pochłonęły wszystkie inne rozkosze madryckiego życia, a także studiowanie dzieł artystów, którzy wywarli na nim wówczas wrażenie - Diego Velasqueza, Francisco Goya, a zwłaszcza El Greco.

Portret matki artysty, 1896

Kolekcja wczesnych prac Picassa znajduje się w Barcelonie, w Muzeum Picassa. Najsłynniejsze z nich: „Pierwsza Komunia” (1896) – duży obraz przedstawiający siostrę Picassa Lolę, „Autoportret” (1896), „Portret matki” (1896). Jako dorosły i odwiedzając kiedyś wystawę rysunków dzieci, Picasso powiedział: „W ich wieku rysowałem jak Rafael, ale całe życie zajęło mi nauczenie się rysować jak oni”.

Podczas studiów w Madrycie Picasso odbył pierwszą podróż do Paryża – uznanej wówczas europejskiej stolicy sztuki. Tam przez kilka miesięcy zwiedził wszystkie muzea bez wyjątku, studiując obrazy wielkich mistrzów: Delacroix, Toulouse-Lautreca, Van Gogha, Gauguina i wielu innych. Lubił też sztukę Fenicjan i Egipcjan, rzeźbę gotycką, rytownictwo japońskie. Pabla interesowało absolutnie wszystko. Następnie, w pierwszych latach swojego życia w Paryżu, poznał kolekcjonera i handlarza dziełami sztuki Ambroise'a Vollarda, poetów Maxa Jacoba i Guillaume'a Apollinaire'a oraz wielu innych. Ponownie odwiedził Paryż w 1901 i 1902 roku i ostatecznie przeniósł się tam w 1904 roku.
2. Okres „niebieski” (1901-1904)

Życie 1903

Okres „niebieski” obejmuje prace powstałe w latach 1901-1904. Stale obecne są w nich barwy szaroniebieskie i niebieskozielone, głęboko zimne, barwy smutku i przygnębienia. Picasso nazwał niebieski „kolorem wszystkich kolorów”. Częstymi bohaterami tych obrazów są wychudzone matki z dziećmi, włóczędzy, żebracy i niewidomi. Najsłynniejsze dzieła tego okresu: „Życie” (1903), „Śniadanie dla niewidomych” (1903), „Skromny posiłek” (1904), „Pijący Absynt” (1901), „Data” (1902), „Matka i dziecko” (1903), „Staruszek żebrak z chłopcem” (1903, „Prasownik” (1904), „Dwójka” (1904).

3. Okres „różowy” (1904 - 1906)

Arlekin siedzący na czerwonej ławce, 1905 r
papier, tusz, akwarela

„Okres różowy” charakteryzuje się bardziej wesołymi tonami - ochry i różu, a także stabilnymi motywami obrazu - arlekinami, wędrownymi aktorami, akrobatami („Rodzina komików” (1905), „Akrobata i młody arlekin” (1905), „ Jester" (1905) Zafascynowany komikami, którzy stali się modelami do jego obrazów, często odwiedzał cyrk Medrano, w którym arlekin jest ulubioną postacią Picassa. W 1904 roku Picasso poznał modela Fernando Oliviera, który zainspirował go do stworzenia wielu znaczące dzieła tego okresu. Żyli w centrum cyganerii paryskiej i mekce paryskich artystów Bato Lavoir. Ten dziwny, zniszczony budynek z ciemnymi schodami i krętymi korytarzami był domem bardzo pstrokatego towarzystwa: artystów, poetów, kupców, woźnych ... Tutaj, w idealnej nędzy na skraju ubóstwa i nieopisanego twórczego nieładu, Picasso nieustannie pisał swoją Fernandę i szukał własnej drogi.

Słynna „Dziewczyna na balu” (1905) jest przypisywana obrazom przejściowym między okresami „niebieskim” i „różowym”. Artystka gra na kontraście i równowadze form lub linii, ciężkości i lekkości, stabilności-niestabilności. Również pod koniec „okresu różowego” pojawiły się obrazy „antyczne” - „Chłopiec prowadzący konia” (1906), „Dziewczyna z kozą” (1906) i inne.
4. Okres „afrykański” (1907 - 1909)

Dziewczyny z Awinionu 1907
płótno, olej

W 1906 roku Picasso pracował nad portretem Gertrudy Stein. Przepisał to około osiemdziesiąt razy, a według wspomnień samej Gertrudy Stein w końcu Picasso powiedział jej z wściekłością: „Przestałem cię widzieć, kiedy na ciebie patrzę”. i pozostawił pracę nad portretem. Był to punkt zwrotny w jego twórczości i stąd zaczęła się droga Picassa od obrazu konkretnych osób do obrazu osoby jako takiej i uformowania się jako samodzielna struktura. Picasso potrzebował potwierdzenia swojej drogi w ogólnym rozwoju sztuki światowej i nowych wrażeń, aby nabrać nowej energii twórczej, a odkrycie przez ówczesną naukę całej warstwy kultury afrykańskiej stało się impulsem do twórczości artysty. Szczególnie interesowała go rzeźba i maski afrykańskie, uważał je za obdarzone magiczną mocą i znajdował w nich zmysłową prostotę form. Najprawdopodobniej to właśnie te „wpływy afrykańskie” zadecydowały o ostatecznej wersji portretu.

W 1907 roku pojawiły się słynne „Dziewczyny z Awinionu”. Artysta pracował nad nimi ponad rok - długo i starannie, tak jak nie pracował wcześniej nad innymi swoimi obrazami. Pierwszą reakcją opinii publicznej jest szok. Matisse był wściekły. Nawet większość moich znajomych nie przyjęła tej pracy. „Wygląda na to, że chciałeś nas nakarmić holowaniem lub napić się benzyny” - powiedział artysta Georges Braque, nowy przyjaciel Picassa. Skandaliczny obraz, którego imię nadał poeta A. Salmon, był pierwszym krokiem w malarstwie na drodze do kubizmu, a wielu krytyków sztuki uważa go za punkt wyjścia dla sztuki nowoczesnej.

5. Kubizm (1909 - 1917)

Trzej muzycy lub zamaskowani muzycy, 1921

Akt, 1909
płótno, olej

Kobieta z wachlarzem, 1908 r
płótno, olej

W „sześciennym” okresie Picassa jest kilka etapów. Kubizm „Cezanne'a”, reprezentowany w utworach „Puszka i miski” (1908), „Trzy kobiety” (1908), „Kobieta z wachlarzem” (1909) i innych, charakteryzuje się tonami „Cezanne'a” - ochra, zielonkawy, brązowy, ale bardziej rozmyty, zabłocony oraz zastosowanie prostych geometrycznych kształtów, z których zbudowany jest obraz. Kubizm „analityczny”: przedmiot jest podzielony na małe części, które są wyraźnie od siebie oddzielone, forma przedmiotu wydaje się rozmywać na płótnie. „Portret Ambroise Vollarda” (1910), „Fabryka w Horta de San Juan” (1909), „Portret Fernandy Oliviera” (1909), „Portret Kahnweilera” (1910). Na etapie kubizmu „syntetycznego” prace Picassa nabierają dekoracyjnego i kontrastowego charakteru. Malowidła przedstawiają głównie martwe natury z różnymi przedmiotami: instrumentami muzycznymi, notatkami, butelkami wina, fajkami, sztućcami, plakatami... Ponadto, obawiając się przekształcenia kubizmu w czysto abstrakcyjne ćwiczenia estetyczne, zrozumiałe tylko dla wąskiego kręgu, Picasso i Braque używał w swoich pracach prawdziwych przedmiotów: tapet, piasku, lin itp. Prace z okresu „syntetycznego”: „Martwa natura z wiklinowym krzesłem” (1911-1912), Butelka Pernodu (stolik w kawiarni) ”( 1912) „Skrzypce i gitara” (1913).

Pomimo odrzucenia kubizmu przez większość, obrazy Picassa są bardzo dobrze kupowane. Nędzna egzystencja wreszcie się kończy i we wrześniu 1909 roku Pablo i Fernanda przeprowadzili się do przestronnej i jasnej pracowni przy Clichy 11. Matisse, Cezanne, Rousseau, kolekcja afrykańskich masek... Zawsze powtarzał, że przeraża go harmonia i dobro smak. Kupował rzeczy, które mu się podobały, nie dbając o to, jak razem wyglądają.

Jesienią 1911 roku Picasso zerwał z Fernandą. Jego nową muzą była Eva (Marcel Humbert), z którą mieszkał i tworzył swoje sześcienne dzieła na Montparnasse iw Awinionie. Jedną z prac poświęconych Ewie jest „Akt, kocham Ewę” (1912). Potem przyszły smutne lata: wojna, mobilizacja i rozstanie z wieloma przyjaciółmi, niespodziewana choroba i tragiczna śmierć Ewy.

6. Neoklasycyzm (1918 - 1925)

siedzący arlekin, 1923
płótno, olej

Wiosną 1917 roku poeta Jean Cocteau, który współpracował z Siergiejem Diagilewem, zaprosił Picassa do naszkicowania kostiumów i scenografii do przyszłego baletu. Artysta wyjechał do pracy do Rzymu, gdzie zakochał się w jednej z tancerek trupy Diagilewa - Oldze Khokhlovej. Pobrali się w 1918 r., aw 1921 r. urodził się ich syn Paweł.

W tej chwili jego płótna są bardzo dalekie od kubizmu; na nich: wyraźne i zrozumiałe formy, jasne kolory, regularne twarze. Najbardziej wyrazisty obraz tych lat - „Portret Olgi w fotelu” (1917). Picasso był szeroko krytykowany za zmianę stylu, tak jak wcześniej krytykowano go za kubizm. Na te zarzuty odpowiedział w jednym z wywiadów: „Kiedy chcę coś powiedzieć, mówię tak, jak moim zdaniem należy to powiedzieć”. Inne obrazy okresu „realistycznego”: „Kąpiący się” (1918), „Kobiety biegające po plaży” (1922), „Portret dziecięcy Paula Picassa” (1923).

7. Surrealizm (1925 - 1936)

nago na plaży, 1929
płótno, olej

„Piękno będzie konwulsyjne, albo go nie będzie” – powiedział Andre Breton, twórca surrealizmu, nurtu w sztuce, którego celem było zrozumienie prawdziwej głębi twórczości artystycznej poprzez penetrację świata snów i nieświadomości.
W 1925 roku Picasso namalował obraz „Taniec”. Agresywna, bolesna, ze zdeformowanymi postaciami odzwierciedla trudny okres w życiu rodzinnym artysty i jednocześnie zapowiada nowy punkt zwrotny w jego twórczości. Picasso jest bliski surrealistom, ale zawsze idzie po swojemu.
Prace z tego okresu: „Kąpiel otwierająca kabinę” (1928), „Postaci na plaży” (1931), „Kobieta z kwiatem” (1932) itp.

W zimny styczniowy dzień 1927 roku Picasso spotkał siedemnastoletnią Marię Teresę Walter. Kupił dla niej Château de Bouagelou i tam stała się jego jedyną modelką i bohaterką kilku jego słynnych dzieł, takich jak Lustro (1932, kolekcja prywatna), Dziewczyna przed lustrem (1932, Muzeum Sztuki Nowoczesnej , Nowy Jork); wykonano z niego również rzeźbę „Kobieta z wazonem” (obecnie ta rzeźba stoi na grobie artysty)). W 1935 roku Maria Teresa urodziła córkę Mayę, ale w 1936 roku Picasso rozstał się z obiema kobietami, chociaż oficjalnie rozwiódł się z Olgą Khokhlovą aż do jej śmierci w 1955 roku.

W latach 1930-1934 Picasso upodobał sobie rzeźbę i stworzył szereg dzieł rzeźbiarskich w duchu surrealizmu: „Kobieta leżąca” (1932), „Mężczyzna z bukietem” (1934), a przy pomocy swojego hiszpańskiego przyjaciel rzeźbiarza Julio Gonzalez konstruuje różne metalowe abstrakcyjne konstrukcje. W tych samych latach 30. tworzy szereg rycin-ilustracji do „Metamorfoz” Owidiusza (1930) i dzieł Arystofanesa (1934), wskazując, że klasyka zawsze była dla niego silnym źródłem inspiracji.

8. Wojna w Hiszpanii. Guernica. II wojna światowa (1937-1945)

Guernica 1937
płótno, olej

Od lat 30. XX wieku w twórczości Picassa pojawia się tak kluczowy dla niego temat i obraz, jak byk, Minotaur. Artysta tworzy z tą postacią szereg prac („Minotauromachia”, 1935), a Picasso interpretuje mit Minotaura po swojemu. Dla Picassa byk i Minotaur to niszczycielskie siły, wojna i śmierć.
Apogeum rozwoju tego tematu stanowił słynny obraz Picassa „Guernica” (1937). Guernica to małe baskijskie miasteczko w północnej Hiszpanii, prawie zmiecione z powierzchni ziemi przez niemieckie samoloty 1 maja 1937 roku. Ten ogromny (prawie osiem metrów długości i trzy i pół wysokości) monochromatyczny (czarny, biały, szary) obraz został po raz pierwszy wystawiony w Pawilonie Republikańskim Hiszpanii na Wystawie Światowej w Paryżu.
Pewnego dnia gestapo splądrowało dom Picassa. Nazistowski oficer, widząc na stole fotografię Guerniki, zapytał: „Zrobiłeś to?” „Nie”, odpowiedział artysta, „zrobiłeś to”.
W tym samym okresie powstał cykl potworów „Sny i kłamstwa generała Franco” (1937) (w 1936, podczas hiszpańskiej wojny domowej, Picasso popierał republikanów i przeciwstawiał się zwolennikom generała Franco) oraz szereg obrazów na podobne tematy: „Nocne łowienie na Antibach” (1939), „Płacząca kobieta” (1937) (ostatni obraz namalował z Dorą Maar, jugosłowiańską fotografką, którą Picasso poznał w 1936 roku; zasłynęła z uwieczniania etapów twórczości Picassa na „Guernicy”).

W czasie II wojny światowej Picasso mieszka we Francji, gdzie zbliża się do komunistycznych członków ruchu oporu (w 1944 Picasso wstępuje nawet do Francuskiej Partii Komunistycznej). W tym czasie tworzy takie obrazy z tym samym motywem przewodnim byka, wojny i śmierci: „Martwa natura z czaszką byka” (1942), „Poranna serenada” (1942, Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Centre Pompidou, Paryż) , „Rzeźnia” (1944-1945, Museum of Modern Art, Nowy Jork) oraz rzeźbę Człowiek z barankiem (1944), którą następnie ustawiono przed starą romańską katedrą na rynku Vallauris w południowej Francji.
9. Okres powojenny (1945 - 1960e)
Już w czasie pokoju, w 1946 roku, Picasso wykonał malowniczy zespół 27 paneli i obrazów dla zamku książęcej rodziny Grimaldi w Antibes, miejscowości wypoczynkowej na śródziemnomorskim wybrzeżu Francji. Panel w pierwszej sali nosi tytuł „Radość Bycia”, a cała seria utrzymana jest w tym samym duchu harmonii z naturą i bytem - wizerunki faunów, nagich dziewczyn, centaurów, baśniowych stworzeń...

portret Franciszki, 1946
papier, ołówek

W 1946 roku Picasso poznał młodą artystkę Francoise Gilot i przeprowadził się z nią do zamku Grimaldi. Francoise wkrótce daje mu syna Claude'a i córkę Palomę. Obraz „Kobieta-kwiat” poświęcony jest Franciszce. (W 1953 roku Françoise uciekła od Picassa z dwójką dzieci z powodu jego złożonej natury i ciągłych zdrad, artysta był bardzo zdenerwowany tą separacją, co znalazło odzwierciedlenie w wielu jego ówczesnych pracach - na przykład w serii rysunki tuszem przedstawiające obrzydliwego, starego krasnala w bufonadzie kontrastującego z młodą i piękną dziewczyną).

W 1949 Picasso namalował swój słynny „Gołąb pokoju” na plakacie Światowego Kongresu Pokoju w Paryżu, aw 1951 stworzył obraz polityczny „Masakra w Korei” (Muzeum Picassa, Paryż). Od 1947 roku Picasso mieszka na południu Francji, w mieście Vallauris, gdzie w 1952 roku maluje ściany starej kaplicy alegorycznymi symbolami wojny i pokoju, a sam nazywa to wszystko „Świątynią Pokoju” . W Vallauris Picasso zajął się ceramiką. Tworzy swoje ulubione postacie - centaury, fauny, byki, gołębie, kobiety, wykonuje antropomorficzne dzbany. Do tej pory w tym miasteczku na południu Francji zachowały się tzw. „warsztaty ceramiczne”, które nadal utrzymują markę Picasso i powielają wyroby wymyślone przez artystę. W 1958 roku uznany już i wybitny artysta stworzył monumentalną kompozycję „Upadek Ikara” dla budynku UNESCO w Paryżu. W 1961 roku prawie 80-letni Picasso poślubia 34-letnią piękność Jacqueline Rock. Ona inspiruje go do stworzenia serii portretów, które przedstawiają jej wyrzeźbiony profil sfinksa. Dla niej i dla siebie kupuje willę w Cannes.
10. Ostatnie lata (koniec lat 60. - 1973)

W latach 60. Picasso pisał różne wariacje na tematy słynnych mistrzów - Velasqueza, Goyi, Maneta w swobodny, skandaliczny kubistyczny sposób: „Dziewczyny nad brzegiem Sekwany. Według Courbeta” (1950, Muzeum Sztuki, Bazylea), „Kobiety algierskie. Według Delacroix” (1955), „Mężczyźni. Według Velazqueza” (1957), „Śniadanie na trawie. Według Maneta” (1960).

Również w późniejszej twórczości artysta często sięga po portret kobiecy (portrety Jacqueline Roque). Jacqueline pozostaje ostatnią i wierną kobietą Picassa i opiekuje się nim, już chorym, niewidomym i niedosłyszącym, aż do śmierci. Picasso zmarł 8 kwietnia 1973 roku w wieku 92 lat jako multimilioner w mieście Mougins we Francji i został pochowany w pobliżu należącego do niego zamku Vauvenargues. Pozostawił po sobie ponad 80 tys. dzieł (według innych źródeł ok. 20 tys.). Sam Picasso mówił o śmierci w ten sposób: „Cały czas myślę o Śmierci. To po prostu kobieta, która nigdy mnie nie opuści”. Jeszcze za życia artysty, w 1970 roku otwarto Muzeum Picassa w Barcelonie (obrazy do tego muzeum przekazał sam Picasso), a w 1985 staraniem spadkobierców artysty powstało już Muzeum Picassa w Paryżu, z ponad 200 obrazami, ponad 150 rzeźbami i kilkoma tysiącami rysunków, kolaży, grafik, dokumentów.

Twórczość Picassa radykalnie wpłynęła na rozwój sztuki i kultury w XX wieku. A na światowych aukcjach wciąż znajduje się i wystawia na sprzedaż coraz więcej nowych, wciąż mało znanych dzieł słynnego mistrza z jego ogromnego dziedzictwa.

"Autoportret". 1972

Technika: kolorowe kredki

Kolekcja: Tokio, Fuji Television Gallery

1906

Technika: olej na płótnie

Więcej dzieł roku

Uwagi

Aleksandra, Władywostok
05 stycznia
moim zdaniem wizerunek konia to wizerunek kobiety, dziewczyny. jeśli zmrużysz oczy, zobacz, jak jasna skóra konia kontrastuje z śniadą cerą chłopca. a wyrafinowanie i harmonia przednich nóg konia tworzą obraz kobiecych bioder. ręka chłopca spoczywa gdzieś na „łonie” tego obrazu. wydaje się, jakby ta ręka wyciągała się z „brzucha” wizerunku kobiety, zrodzonej stamtąd…

2011

Marka, Petersburg
06 marca
świetne zdjęcie. Picasso potrafił rysować w każdym stylu. Lubię bardziej realistyczny styl.

Małgorzata, Kirow
22 lutego
być może zrobię kopię tego zdjęcia ... fascynujące))

Natalii, Moskwa
21 stycznia
Stanisławie, podsunąłeś mi myśl, że być może ideą obrazu jest prosta szczerość, która bez żadnych sztuczek i trudności, bez wysiłku i przemocy może wzbudzić zainteresowanie, zrobić prawdziwego przywódcę. Koń czuje siłę, ale nie słucha, a mianowicie chce iść za chłopcem

Stanisław,
11 stycznia
Zaskakujące jest to, że chłopiec wydaje się trzymać konia za wodze, ale w rzeczywistości ich nie ma.

2010

Anna, Nowosybirsk
12 grudnia
Prawdopodobnie Picasso chciał przekazać pierwotną czystość osoby, wolnej od wszelkich rzeczy materialnych. Artysta usuwa z niego to, co zbędne, stawia go na równi z koniem bez siodła, tym samym obalając ideę o nim jako „koronie natury”.

Aleksander, Ałmaty
grudzień 08
Niesamowicie harmonijna kompozycja!

Valentina Borkovskaya, Ryazan
25 stycznia
Świetne zdjęcie. Zarówno koń, jak i chłopiec żyją.

Jedna z najbardziej kontrowersyjnych postaci sztuki współczesnej, która nieustannie się zmieniała, nikogo nie naśladując, niosąc ze sobą świat sztuki, od klasycznych kanonów piękna linii i kompozycji po całkowitą deformację przestrzeni.

Wiedza i Miłosierdzie, 1897

Salon Prado, 1897

Od najmłodszych lat Picasso zaczął zapowiadać się jako przyszły wielki artysta, w którym jego matka niestrudzenie go wspierała, a jego ojciec, jako nauczyciel malarstwa, pomagał opanować podstawy umiejętności.

Pablo z siostrą Lolą, 1889 r

Podczas szkolenia Picassa jego siostra była stałym wzorem do obrazów. Namalował wiele jej portretów.

Siostra artysty Lola, 1900

żółty pikador

Ten obraz jest uważany za jeden z pierwszych obrazów Picassa, który chłopiec namalował pod wrażeniem walki byków. Walki byków pozostały jego pasją przez całe życie.

Walka byków, 1901

Walka byków, czyli śmierć matadora, 1933

Nawiasem mówiąc, prawdziwe nazwisko artysty to Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Clito Ruiz i Picasso, ale ponieważ Ruiz jest jednym z najczęstszych nazwisk w Hiszpanii, Pablo odszedł nazwisko po matce Picassa. Jeśli słuchasz dźwięków, skojarzenia z pikador(od pikar- ukłucie) i walki byków, i będziesz miał rację!

Ale to uczestnik walki byków na koniu, uzbrojony w specjalną pikę, którą uderza w kark walczącego byka, aby osłabić mięśnie karku i upewnić się, że zareaguje na ból. I co jeszcze, pasja Picassa do tego okrutnego, ale nie mniej ekscytującego pojedynku dwóch stworzeń, łączy go z jednym z najsłynniejszych artystów Francisco de Goya, który również skłaniał się ku tej akcji, widząc coś prymitywnego, urzekającego.

Francisco de Goya „Pikador”

Francisco de Goya, Śmierć Picadora, 1793

Pablo inspirował się twórczością wielu wielkich mistrzów, m.in El Greco, Velasquez, Rembrandt, Cranach, Poussin, Ingres, Tycjan, Courbet, Delacroix, Cezanne, Gauguin, Renoir, Manet. Kopiował, a potem tworzył portrety w stylu wielkich mistrzów i mógł być dość tradycyjnym artystą, wysokiej klasy realistą, ale jak później stwierdził, „nie ma sensu powielać w swoich obrazach świata widzialnego”.

Pablo Picasso: „Sztuka jest kłamstwem prowadzącym do prawdy”.

Pablo Picasso, Gwałt na Sabinkach, 1963

Pablo Picasso, Gwałt na Sabinkach, 1962

Pablo Picasso, Gwałt na Sabinkach, 1962

Peter Paul Rubens „Gwałt na Sabinkach”

Nicolas Poussin „Gwałt na Sabinkach”, 1537. Luwr, Paryż

Las Meninas (według Velasqueza), 1957

Inna opcja.

Porównywalne do oryginalnego malarstwa Diego Velázquez Las Meninas (1656).

Picasso studiował twórczość wielu swoich poprzedników, ale być może żadnemu obrazowi z przeszłości nie poświęcono takiej uwagi jak Obiad na trawie – Edouard Manet. W ciągu dwóch lat (1961-1962) Pablo Picasso stworzył 26 obrazów (14 z nich w Musée d'Orsay w Paryżu), sześć linorytów i 140 rysunków swoich wersji malarstwa Maneta.

Edouard Manet „Obiad na trawie”, 1863

Ale nawet w wieku 12 lat Pablo malował w ten sposób ...

Tułów męski, gips, 1893

W wieku 15 lat wstępuje do Madryckiej Akademii Sztuk Pięknych, najbardziej prestiżowej instytucji artystycznej w kraju, ale po sześciu miesiącach nauki zdaje sobie sprawę, że nie dostaje nic nowego i porzuca studia, by samodzielnie studiować obrazy wielcy hiszpańscy artyści w Muzeum Prado, głównie Velazquez i El Greco.

Kopia portretu Filipa IV (z obrazu Velázqueza, 1653), 1898

Diego Velázquez, Portret króla Hiszpanii Filipa IV, 1656

Styl El Greco jest rozpoznawalny w wydłużonych postaciach i odcieniach szarej farby.

Portret nieznajomego, 1899

Portret Loli Ruiz Picasso, 1901

Portret Carlosa Casagemasa, 1899

Portret Josepa Cardony, 1899

W wieku 17 lat wraca do Barcelony, gdzie odnajduje się wśród awangardowych artystów, prowadzi bohemiczny styl życia i jest przesiąknięty nowymi trendami. Włączony w krąg artystów i pisarzy skupionych wokół kawiarni-baru-kabaretu „Cztery koty”, otwartego analogicznie do paryskiej bohemy establishmentu „Czarny kot”. Teraz pisze pod wpływem impresjonistów, w szczególności, Toulouse-Lautrec, Degas.

Sofa, 1899

W szatni, 1900

W tym czasie Picasso poznał początkującego artystę Carlosa Casagemasa, z którym prawie nigdy się nie rozstawał, bawiąc się razem, robiąc wystawy sztuki. W 1900 roku po raz pierwszy wyjeżdżają do Paryża, zapoznają się z życiem artystycznym stolicy. Picasso odwiedza wszystkie paryskie muzea, na żywo studiuje sztukę impresjonistów, poznaje handlarzy dziełami sztuki, otrzymuje pierwsze pieniądze za swoje obrazy i zamawia nowe. Pablo zaczyna rozumieć, że jego artystyczne życie musi być związane z Paryżem.
Eksploruje życie artystyczne stolicy świata, ale także życie miasta – nocne życie barów, kabaretów i burdeli, będąc pod wrażeniem luzu i swobody tego miasta, a także pod wpływem impresjonistów. Rozpoczęła się tradycja Degas, Manet, Toulouse-Lautrec, Pablo fotografuje Moulin de la Galette, słynną wówczas paryską salę balową.

„Moulin de la Galette”, 1900

Jednak po samobójstwie swojego najlepszego przyjaciela Carlosa Casagemasa, który z powodu nieszczęśliwej miłości strzelił sobie w głowę na oczach przyjaciół i gości kawiarni, Picasso poczuł się winny, że nie zapobiegł tragedii, nie pojechał z nim do Paryża, ale pozostał w Barcelonie, aby zrobić swoją wystawę. Tak to się zaczęło „niebieski okres”, która trwała od 1901 do 1905 roku. Zimna, ponura kolorystyka jego prac, niemal monochromatyczne malarstwo z tragicznymi, depresyjnymi postaciami, współgrała z jego ówczesnym światopoglądem.

Ponura rozpacz

Celestyna (Kobieta z zaćmą), 1904

Takiego smutku, rozpaczy, beznadziei, cichego cierpienia nie widziano w sztuce światowej, tworzył dzieła w niespotykanym wcześniej stylu. Nawiasem mówiąc, słynny amerykański trębacz jazzowy Miles Davis, który miał znaczący wpływ na rozwój muzyki XX wieku, inspirował się twórczością „niebieskiego okresu”, co widać po projektowaniu jego albumów i kreatywność.

W 1904 roku Pablo Picasso ostatecznie przeniósł się do Paryża i zamieszkał na Montmartre, w hostelu artystów, tzw. Bateau Lavoir.

Oprócz sympatycznych młodych ludzi, Pablo poznaje tutaj Fernande Oliviera, który czasami przyjeżdża do Bateau Lavoir, by pozować artystom.

Pablo Picasso i Fernanda Olivier na Montmartre z psami, 1904 r

Pablo Picasso, Fernanda Olivier i Jaquin Reventos, Barcelona, ​​1906

Żyli razem przez prawie dekadę. Według badaczy była wzorem do stworzenia Dziewic z Awinionu, jednego z głównych obrazów Picassa. Te pozytywne zmiany doprowadziły do ​​nowej rundy w twórczości Picassa – tzw „okres róż” (1904-1906) kiedy maluje obrazy pełne wdzięku, subtelności i wdzięku, głównie w wesołych barwach odcienie czerwieni, pomarańczy, różu i szarości.
Wśród jego prac jest wiele tematów z artystami cyrkowymi, francuskimi komikami(on i jego przyjaciele często odwiedzają cyrk, który znajduje się obok ich hostelu). Nawiasem mówiąc, zainteresowanie artystami cyrkowymi było bardzo powszechne w sztuce początku XX wieku - artyści wędrowni byli biednymi, ale kreatywnymi i niezależnymi ludźmi, jak artyści awangardowi. Dla ludzi sztuki motyw cyrku symbolizował wolność i niezależność. Uważa się, że Picasso często przedstawia się jako Arlekin, a jako inne postacie - jego przyjaciele.

W kabarecie Lapin Agil, czyli Arlekin ze szklanką, 1905

Siedzący arlekin, 1905

Akrobata i młody arlekin, 1905

Dziewczyna na balu, 1905 r

Rodzina komików, 1905

Jednym z jego najsłynniejszych dzieł z „okresu różowego” jest obraz „Chłopiec z fajką” (1905).

W tym czasie Picasso znajduje swoich wieloletnich patronów - Gertruda Stein i jej brat Leo– kolekcjonerzy, którzy zaczynają kupować obrazy niemal żebraczego artysty i wystawiać je w swojej galerii. Następnie Gertruda Stein pisze: „W 1904 ponownie przyjechał do Paryża. Tam znów zaczął stawać się trochę Francuzem, to znaczy Francja znowu go urzekła i uwiodła… I to osłabiło jego hiszpańską powagę i… uwolnił się od niebieskiego okresu, od odrodzonego w nim hiszpańskiego ducha, i kiedy to się skończyło, rozpoczęło się malowanie, które teraz nazywa się okresem różu lub arlekina. Tutaj ściśle komunikował się z Guillaume Apollinaire, Maxem Jacobem i André Salmonem i wszyscy oni stale się widywali. Artyści zawsze kochali cyrk, nawet teraz, gdy został on zastąpiony przez kino i kluby nocne, lubią wspominać cyrkowych klaunów i akrobatów. W tym czasie odwiedzali cyrk Medrano przynajmniej raz w tygodniu i bardzo schlebiał im bliski kontakt z klaunami, żonglerami, końmi i jeźdźcami… Wtedy byłby od tego uwolniony, od cyrku i eleganckiej francuskiej poezji, by uwolnić się od nich, tak jak wcześniej uwolniłem się od niebieskiego okresu.

Wielu znalazło inspirację u Picassa, na przykład słynnego amerykańskiego piosenkarza, muzyka rockowego David Bowie.

Jedna z ostatnich prac tego czasu „Chłopiec prowadzący konia” (1906), który poraża monumentalnością i rozmachem, a jednocześnie artysta podąża tu za klasycznymi kanonami.

Dlatego jego największe dzieło „Dziewczyny z Awinionu”, utworzony w 1907 r.,

wyznacza początek nowego „Okres afrykański” (1907-1909) w twórczości artysty, pod wpływem sztuki antycznej Afryki i Hiszpanii.

Hiszpania

Jeśli przyjrzysz się uważnie obrazowi, dwie postacie po prawej zdecydowanie odsyłają nas do obrazów afrykańskich masek, które zawładnęły wyobraźnią Picassa swoją pierwotną siłą i niesamowitą mocą. Nie mogę nie zauważyć, że to zdjęcie bardzo przypomina Paweł Cezanne i jego „kąpiący się”.

„Dziewczyny z Awinionu” Pablo pisał w ciągu roku z wielką starannością. I na pewno zrobiła furorę jak na tamte czasy, bo ten styl okazał się śmiałym eksperymentem, a poza tym stała się pierwszym krokiem w malarstwie na drodze do kubizmu, w dodatku wielu krytyków sztuki uważa to za punkt wyjścia do Sztuka współczesna. Wydaje się, że obraz jest pozbawiony fabuły, ale jednocześnie wypełniony jest zupełnie innym, mistycznym, „lustrzanym” znaczeniem. Całkowite przekształcenie ludzkiego ciała, w którym nie ma piękna, gładkości kątów, spójrz przynajmniej w te potworne oczy. Rośnie od tego napięcie, a wewnątrz obrazu już dojrzewa starcie aniołów i demonów, dobra i zła, widziane przez artystę przez odłamki szkła. Kolejnym ciekawym detalem jest ręka poruszająca zasłoną w tle, która ma podwójne znaczenie: odsłania widzowi przestrzeń kubizmu, a także świadczy o teatralności tego, co dzieje się na płótnie. Malarstwo i teatr to dwa hobby Picassa, które można znaleźć na tym obrazie.

Twarz jego patronki Gertrudy na obrazie o tym samym tytule „Portret Gertrudy Stein” (1905-1906), już wyraźnie przypomina nam afrykańską maskę z szerokimi i wąskimi otworami na oczy.

Nadchodzi nowy okres „kubizm analityczny” (1909-1912) Kiedy obiekt jest rozdrabniany na małe części, które są wyraźnie od siebie oddzielone, forma obiektu wydaje się rozmywać na płótnie. Poszukiwania Picassa opierały się na jego przekonaniu, że malarstwo jest w stanie pokazać coś więcej niż tylko pokazanie tego, co widzi oko. Musi istnieć sposób, aby pokazać świat takim, jaki jest naprawdę. Trzeba pisać „nie to, co widzę, ale to, co wiem”, jak powiedział Picasso. Pokazać to, czego nie widać, ale co jest.

Wachlarz, solniczka, melon, 1909 r

Kobieta siedząca w fotelu, 1910 r

Jedną z wyróżniających cech malarstwa w okresie kubizmu analitycznego jest monochromia. „Kolor słabnie!” - mówi Picasso, obserwując eksperymenty Matisse'a w malarstwie. I skupia się na kształcie i objętości przedmiotów. Drugą rzeczą, której odmówił, była odrębność rzeczy, ich różnice w fakturze i materiale. Ponadto w kubizmie zanika jakakolwiek perspektywa, więc koncepcja, gdzie znajduje się przedmiot, daleko lub blisko, nie ma żadnego znaczenia. W rezultacie w obrazach kubistycznych mamy do czynienia z bardzo dziwnym, fantastycznym, monochromatycznym obrazem, stwarzającym złudzenie jakiejś metafizycznej przestrzeni wystającej z płaszczyzny płótna. Obiekt i otaczające go tło to jedno i to samo, a poszczególne obiekty w tej jednej strukturze rzeczywistości nie mają jasno określonych granic. Widzimy tylko niezrozumiałą, lodową, rozdrobnioną, jednorodną masę, która nie ma faktury, wewnętrznych różnic, a tego, co jest przedstawione, możemy odgadnąć tylko za pomocą oddzielnych szczegółów-wskazówek. Picasso nazwał je „atrybutami”. Gdzieś widać rękę, gdzieś wąsy, klawisz, gryf gitary, ale wszystkie są stworzone z tej samej uwarunkowanej „substancji”. Ale to tylko symbole i znaki przedmiotów, a nie one same. W ten sposób kubizm postawił sobie nie zadanie obrazowe, ale filozoficzne.

Mężczyzna z klarnetem, 1911

Torero, 1912

Słynny francuski malarz, grafik, scenograf, rzeźbiarz i dekorator George'a Braque'a Od 1907 roku włączył się w artystyczne poszukiwania Picassa, a następnie stał się równorzędnym partnerem w ich twórczym związku. Rzućmy okiem na niektóre obrazy Georgesa Braque'a.

A teraz rozważ ich wspólne projekty.

Dziewczyna z mandoliną (Fanny Tellier), 1910

Postać dziewczyny i tło są jak jeden malarski świat, zbudowany przez artystę z tego samego typu "klocków". Przestrzeń jako rzeźba. Artysta rozkłada świat na elementy i składa nową rzeczywistość - rzeczywistość dzieła sztuki.

Mandolista, 1911

Jednocześnie objętość, użycie prawdziwego światła i cienia na rzeźbiarskich bryłach, przestrzeniach, przesunięciach płaszczyzn, kształtach, objętościach, zmieniających się pustkach i pełniach w przyszłości otworzyło drzwi nowemu kierunkowi w malarstwie - na przykład abstrakcjonizmowi, wybitnym przedstawicielem tego kierunku jest Marek Rothko.

Kubizm miał zauważalny wpływ na wygląd stylu art deco (lub art deco), zwłaszcza jego sposób preparowania obiektów i analizowania ich składowych geometrycznych. Charakterystycznymi cechami tego stylu są ścisła regularność, odważne geometryczne kształty, etniczne wzory geometryczne, bogactwo kolorów, hojne zdobienia, luksus, drogie materiały.

Wieżowiec Chryslera w Nowym Jorku

Meble od Jacques-Emile Ruhlmann.

Albo kreacje Emila Brandta.

Robili nawet samochody.

Słynny francuski projektant mody Coco Chanel, wywarły ogromny wpływ na modę XX wieku, wprowadzając do mody damskiej dopasowany żakiet i małą czarną, przyczyniając się przede wszystkim do unowocześnienia mody damskiej, zapożyczając wiele elementów tradycyjnej garderoby męskiej i kierując się zasadą luksusowej prostoty. Do swojej twórczości wniosła również elementy kubizmu.

Prosta sylwetka mody lat 20. kontynuuje tradycję kubizmu.

ORAZ Muzeum Guggenheima, Muzeum Sztuki Współczesnej w Bilbao, Hiszpania – włączył elementy kubizmu, ucieleśniając abstrakcyjną ideę futurystycznego statku.