Zwycięstwo nad faszyzmem doprowadziło do rozłamów i zniszczenia systemu kolonialnego w wielu niegdyś zależnych krajach kontynentu afrykańskiego i Ameryki Łacińskiej. Wyzwolenie spod dominacji militarnej i gospodarczej, masowe migracje w czasie II wojny światowej doprowadziły do ​​wzrostu tożsamości narodowej. Wyzwolenie z zależności kolonialnej w drugiej połowie XX wieku doprowadziło do powstania nowych kontynentów literackich. W wyniku tych procesów takie koncepcje, jak nowa powieść latynoamerykańska, współczesna proza ​​afrykańska czy literatura etniczna w Stanach Zjednoczonych i Kanadzie weszły do ​​codziennego życia czytelnika i literatury. Innym ważnym czynnikiem był rozwój myślenia planetarnego, które nie pozwalało na „milczenie” całych kontynentów i wykluczanie doświadczenia kulturowego.

Warto zauważyć, że w latach 60. w Rosji kształtuje się tzw. „proza ​​wielonarodowa” – pisarze wywodzący się z rdzennej ludności Azji Środkowej, Kaukazu i Syberii.

Interakcja literatur tradycyjnych z nowymi realiami wzbogaciła literaturę światową i dała impuls do rozwoju nowych mitopoetycznych obrazów. Około połowy lat 60. stało się jasne, że literatury etniczne, wcześniej skazane na wyginięcie lub asymilację, mogą przetrwać i rozwijać się na swój własny sposób w ramach dominujących cywilizacji. Najbardziej uderzającym fenomenem relacji między czynnikiem etnokulturowym a literaturą był rozkwit prozy latynoamerykańskiej.

Jeszcze w pierwszej połowie XX wieku literatura krajów Ameryki Łacińskiej nie mogła konkurować z krajami Europy (a nawet Wschodu), bo. byli głównie epigonami estetycznymi. Jednak począwszy od drugiej połowy XX wieku wielu młodych pisarzy zaczęło budować swoją drogę twórczą, koncentrując się na lokalnych tradycjach. Pochłonąwszy doświadczenia europejskiej szkoły eksperymentalnej, byli w stanie wypracować oryginalny narodowy styl literacki.

Dla lat 60.-70. trwa okres tzw. „boomu” powieści latynoamerykańskiej. W tych latach termin „realizm magiczny” rozprzestrzeniał się w krytyce europejskiej i latynoamerykańskiej. W wąskim znaczeniu oznacza pewien nurt w literaturze latynoamerykańskiej drugiej połowy XX wieku. W szerokim znaczeniu rozumiana jest jako stała latynoamerykańskiej myśli artystycznej i wspólna cecha kultury kontynentu.

Koncepcja realizmu magicznego Ameryki Łacińskiej ma na celu podkreślenie i odróżnienie go od europejskiej mitologii i fantasy. Cechy te zostały wyraźnie ucieleśnione w pierwszych dziełach realizmu magicznego Ameryki Łacińskiej - opowiadaniu A. Carpentiera „Mroczne królestwo” (1949) i powieści M.A. Asturia „Ludzie kukurydzy” (1949).

W ich bohaterach osobisty początek jest stłumiony i nie interesuje pisarza. Bohaterowie działają jako nośniki zbiorowej mitologicznej świadomości. To właśnie staje się głównym tematem obrazu. Jednocześnie pisarze zmieniają swój pogląd na osobę cywilizowaną na osobę prymitywną. Realiści latynoamerykańscy naświetlają rzeczywistość przez pryzmat świadomości mitologicznej. W efekcie przedstawiona rzeczywistość ulega fantastycznym przemianom. Dzieła realizmu magicznego budowane są na interakcji środków artystycznych. Świadomość „cywilizowana” jest rozumiana i porównywana ze świadomością mitologiczną.

Ameryka Łacińska w XX wieku przeżywała rozkwit twórczości artystycznej. Na kontynencie rozwinęło się wiele różnych obszarów. Aktywnie rozwijał się realizm, elitarno-modernistyczny (z echem europejskiego egzystencjalizmu), a następnie powstał kierunek postmodernistyczny. Jorge Luis Borges, Julio Cartasar Octavio Paz rozwinęli technikę i techniki „strumienia świadomości” zapożyczone z Europy, ideę absurdalności świata, „alienację” oraz dyskurs gry.

Elitarni pisarze latynoamerykańscy – Octavio Paz, Juan Carlos Onetti, Mario Vergas Llos – rozmawiali ze sobą, starając się odsłonić osobistą wyjątkowość. Szukali tożsamości narodowej w granicach dobrze rozwiniętych europejskich technik narracyjnych. To dało im bardzo ograniczony rozgłos.

Zadanie „realistów magicznych” było inne: kierowali swoje przesłanie bezpośrednio do ludzkości, łącząc w jedynej syntezie to, co narodowe, z tym, co uniwersalne. To wyjaśnia ich fenomenalny sukces na całym świecie.

Poetyka i zasady artystyczne latynoamerykańskiego realizmu magicznego ukształtowały się pod wpływem europejskiej awangardy. Ogólne zainteresowanie prymitywnym myśleniem, magią, prymitywną sztuką, które ogarnęło Europejczyków w pierwszej połowie XX wieku, pobudziło zainteresowanie pisarzy latynoamerykańskich Indianami i Afroamerykanami. W łonie kultury europejskiej powstało pojęcie fundamentalnej różnicy między myśleniem przedracjonalnym a cywilizowanym. Ta koncepcja będzie aktywnie rozwijana przez pisarzy latynoamerykańskich.

Od awangardzistów, głównie surrealistów, pisarze latynoamerykańscy zapożyczyli pewne zasady fantastycznej transformacji rzeczywistości. Europejski abstrakcyjny „dzikus” odnalazł etno-kulturową konkretność i klarowność w dziełach realizmu magicznego.

Koncepcja różnych typów myślenia została rzutowana na obszar kulturowej i cywilizacyjnej konfrontacji między Ameryką Łacińską a Europą. Europejski surrealistyczny sen został zastąpiony prawdziwym mitem. Jednocześnie pisarze latynoamerykańscy opierali się nie tylko na mitologii indyjskiej i południowoamerykańskiej, ale także na tradycjach kronik amerykańskich z XVI-XVII wieku. i ich obfitość cudownych pierwiastków.

Ideologiczną podstawą realizmu magicznego była chęć pisarza rozpoznania i potwierdzenia oryginalności rzeczywistości i kultury Ameryki Łacińskiej, która łączy się z mitologiczną świadomością Indian czy Afroamerykanów.

Latynoamerykański realizm magiczny wywarł znaczący wpływ na literaturę europejską i północnoamerykańską, aw szczególności na literaturę krajów Trzeciego Świata.

W 1964 roku kostarykański pisarz Joaquín Gutierrez w artykule „W przededniu wielkiego rozkwitu” rozważał losy powieści w Ameryce Łacińskiej: „Mówiąc o charakterystycznych cechach powieści latynoamerykańskiej, należy przede wszystkim zaznaczyć, że jest ona stosunkowo młoda. Od jej powstania minęło niewiele ponad sto lat, aw Ameryce Łacińskiej są kraje, w których pierwsza powieść pojawiła się dopiero w naszym stuleciu. W ciągu trzystuletniego kolonialnego okresu dziejów Ameryki Łacińskiej nie ukazała się ani jedna powieść – i, o ile nam wiadomo, nie została napisana! I chyba można śmiało przewidywać, że stoi on u progu ery wielkiego dobrobytu… W naszej literaturze jeszcze nie pojawił się kolosalny powieściopisarz, ale my nie pozostajemy w tyle. Przypomnijmy sobie, co zostało powiedziane na początku – że nasza powieść ma nieco ponad sto lat – i poczekajmy jeszcze trochę czasu”.

Te słowa stały się wizjonerskie dla powieści latynoamerykańskiej. W 1963 roku ukazała się powieść Gra w klasy Julio Cortazara, aw 1967 Sto lat samotności Gabriela Garcii Marqueza, które weszły do ​​klasyki literatury latynoamerykańskiej.

Temat: Literatura japońska.

W 1868 roku w Japonii miały miejsce wydarzenia, które nazwano Restauracją Meiji (przetłumaczoną jako „oświecone rządy”). Nastąpiło przywrócenie władzy cesarza i upadek systemu samurajskich rządów szogunatu. Wydarzenia te skłoniły Japonię do pójścia drogą mocarstw europejskich. Polityka zagraniczna zmienia się diametralnie, ogłasza się „otwarcie drzwi”, koniec trwającej ponad dwa wieki izolacji zewnętrznej i szereg reform. Te dramatyczne zmiany w życiu kraju znalazły odzwierciedlenie w literaturze okresu Meiji (1868-1912). W tym czasie Japończycy przeszli od nadmiernego entuzjazmu wobec wszystkiego, co europejskie, do rozczarowania, od bezgranicznej rozkoszy do rozpaczy.

Charakterystyczną cechą tradycyjnej metody japońskiej jest obojętność autora. Pisarz opisuje wszystko, co pojawia się w codziennej rzeczywistości, bez podawania szacunków. Pragnienie przedstawiania rzeczy bez przedstawiania siebie tłumaczy buddyjski stosunek do świata jako nieistniejącego, iluzorycznego. W ten sam sposób opisywane są ich własne doświadczenia. Istota tradycyjnej metody japońskiej polega właśnie na niewinności autora wobec tego, o co toczy się gra, autor „podąża za pędzlem”, ruchem swojej duszy. Tekst zawiera opis tego, co autor widział lub słyszał, czego doświadczył, ale nie ma chęci zrozumienia, co się dzieje. Nie ma w nich tradycyjnego europejskiego analityka. Słowa Daiseku Suzuki na temat sztuki zen można przypisać całej klasycznej literaturze japońskiej: „Starali się przekazać pędzlem to, co porusza ich od wewnątrz. Sami nie zdawali sobie sprawy, jak wyrazić wewnętrznego ducha i wyrażali go krzykiem lub pociągnięciem pędzla. Może to wcale nie jest sztuka, bo nie ma sztuki w tym, co zrobili. A jeśli już, to bardzo prymitywne. Ale czy tak jest? Czy udałoby się nam „cywilizacja”, czyli sztuczność, gdybyśmy dążyli do bezsztuczności? To był właśnie cel i podstawa wszelkich artystycznych poszukiwań.

W buddyjskim światopoglądzie, który jest podstawą literatury japońskiej, nie mogło zabraknąć chęci zgłębiania ludzkiego życia, zrozumienia jego sensu, ponieważ. prawda leży po drugiej stronie widzialnego świata i jest niedostępna dla zrozumienia. Można go doświadczyć tylko w szczególnym stanie umysłu, w stanie najwyższej koncentracji, kiedy człowiek stapia się ze światem. W tym systemie myślenia nie było idei stworzenia świata, Budda nie stworzył świata, ale go zrozumiał. Dlatego nie uważano człowieka za potencjalnego stwórcę. Z punktu widzenia teorii buddyjskiej istota żywa nie jest istotą żyjącą w świecie, ale istotą doświadczającą świata. W tym systemie wartości metoda analizy zakładająca podział nie mogła się pojawić. Stąd obojętny stosunek do przedstawianych, gdy pisarz czuje się zarówno uczestnikiem, jak i widzem opisywanych wydarzeń.

Dlatego tradycyjna literatura japońska nie charakteryzuje się udręką, lamentem, zwątpieniem. Nie ma w niej wewnętrznych zmagań, chęci zmiany losu, rzucenia mu wyzwania, tego wszystkiego, co przenika literaturę europejską, poczynając od tragedii antycznej.

Przez wiele stuleci ideał estetyczny był ucieleśniony w poezji japońskiej.

Yasunari Kawabata (1899-1975) jest klasyką literatury japońskiej. W 1968 roku otrzymał Nagrodę Nobla za „pisarstwo, które z wielką siłą wyraża istotę myśli japońskiej”.

Yasunari Kawabata urodził się w Osace w rodzinie lekarza. Wcześnie stracił rodziców, a potem dziadka, który był zaangażowany w jego wychowanie. Mieszkał z krewnymi, gorzko czując się osierocony. W latach szkolnych marzył o zostaniu artystą, ale jego pasja do literatury okazała się silniejsza. Jego pierwszym doświadczeniem pisarskim był „Pamiętnik szesnastolatka”, w którym wybrzmiewały nastroje smutku i samotności.

Lata studenckie spędził na Uniwersytecie Tokijskim, gdzie Kawabata Yasunari studiował filologię angielską i japońską. W tym czasie miało miejsce zapoznanie się z twórczością głównych pisarzy japońskich i europejskich, z literaturą rosyjską. Po ukończeniu studiów pracuje jako recenzent, publikuje recenzje wydanych książek. W tych latach należał do grupy pisarzy „neosensualistycznych”, wrażliwych na nowe trendy w literaturze europejskiego modernizmu. Jedno z opowiadań Kawabata Yasunariego, „Crystal Fantasy” (1930), było często określane jako „Joyceowskie”; w swojej strukturze i stylu pisania wyczuwalny był wpływ autora „Ulissesa”. Opowieść jest strumieniem wspomnień bohaterki, całe jej życie jawi się jako ciąg „krystalicznych” momentów przebłyskujących w jej pamięci. Odtwarzając strumień świadomości, przekazując pracę pamięci, Kawabata w dużej mierze kierował się Joyce'em i Proustem. Podobnie jak inni pisarze XX wieku nie lekceważył modernistycznych eksperymentów. Ale jednocześnie pozostaje rzecznikiem oryginalności i oryginalności japońskiego myślenia. Kawabata zachowuje silne powiązania z narodową tradycją japońską. Kawabata napisała: Zainspirowany współczesną literaturą zachodnią, czasami próbowałem naśladować jej obrazy. Ale zasadniczo jestem Orientalistą i nigdy nie straciłem z oczu własnej ścieżki. ».

Poetykę twórczości Kawabaty Yasunari charakteryzują następujące tradycyjne motywy japońskie:

Bezpośredniość i klarowność przekazu przenikliwego uczucia do natury i człowieka;

Połączenie z naturą

Ścisła dbałość o szczegóły;

Umiejętność odkrywania urzekającego piękna w codziennych i małych rzeczach;

Lakonizm w odtwarzaniu niuansów nastroju;

Cichy smutek, mądrość dana przez życie.

Wszystko to pozwala poczuć harmonię życia z jego odwiecznymi tajemnicami.

Osobliwość poetyckiej prozy Kawabat Yasunari przejawiała się w opowiadaniach „Tancerz z Izydy” (1926), „Śnieżny kraj” (1937), „Tysiąc żurawi” (1949), „Jezioro” (1954), w powieściach „ Jęk góry" (1954), "Stara stolica" (1962). Wszystkie prace są nasycone liryzmem, wysokim poziomem psychologizmu. Opisują japońskie tradycje, zwyczaje, cechy życia i zachowania ludzi. Tak więc na przykład w opowiadaniu „Tysiąc żurawi” rytuał picia herbaty, „ceremonia parzenia herbaty”, które mają ogromne znaczenie w życiu Japończyków, są odtworzone we wszystkich szczegółach. Estetyka ceremonii parzenia herbaty, a także inne, zawsze szczegółowe zwyczaje, wcale nie odgradzają Kawabata od problemów współczesności. Przeżył dwie wojny światowe, zniszczenie Hiroszimy i Nagasaki wybuchami bomb atomowych, pamięta wojny japońsko-chińskie. Dlatego szczególnie bliskie są mu tradycje związane z pojęciem pokoju, harmonii i piękna, a nie z wywyższaniem potęgi militarnej i samurajskiej waleczności. Kawabata chroni dusze ludzi przed okrucieństwem konfrontacji

Twórczość Kawabaty rozwijała się pod wpływem estetyki zen. Zgodnie z naukami zen rzeczywistość pojmowana jest jako niepodzielna całość, a prawdziwą naturę rzeczy można pojąć jedynie intuicyjnie. Nie analiza i logika, ale wyczucie i intuicja przybliżają nas do ujawnienia istoty zjawisk, odwiecznej tajemnicy. Nie wszystko da się wyrazić słowami i nie wszystko trzeba powiedzieć do końca. Dość wzmianki, podpowiedzi. Urok niedopowiedzenia ma imponującą moc. Zasady te, wypracowane przez wieki w poezji japońskiej, są realizowane także w twórczości Kawabaty.

Kawabata dostrzega piękno zwyczajności, środowiska swojego życia. Przedstawia przyrodę, świat roślin, sceny z życia codziennego w sposób liryczny, z przenikliwą mądrością człowieczeństwa. Pisarz ukazuje życie natury i życie człowieka w ich wspólnocie, w stopionym przenikaniu się. Ujawnia to poczucie przynależności do absolutu natury, wszechświata. Kawabata ma umiejętność odtwarzania atmosfery rzeczywistości, do tego trafnie dobiera autentyczne kolory, zapachy swojej ojczyzny.

Jednym z centralnych punktów estetyki sztuki japońskiej jest pojęcie smutnego uroku rzeczy. Piękno w klasycznej literaturze japońskiej ma elegijny koloryt, poetyckie obrazy nasycone są nastrojem smutku i melancholii. W poezji, jak w tradycyjnym ogrodzie, nie ma nic zbędnego, nic zbędnego, ale zawsze jest wyobraźnia, nuta, jakaś niekompletność i zaskoczenie. To samo uczucie pojawia się podczas czytania książek Kawabata, czytelnik odkrywa złożony stosunek autora do swoich bohaterów: współczucie i współczucie, miłosierdzie i czułość, gorycz, ból. Kreatywność Kawabata jest pełna tradycyjnej japońskiej kontemplacji, humoru, subtelnego zrozumienia natury i jej wpływu na ludzką duszę. Odsłania wewnętrzny świat człowieka dążącego do szczęścia. Jednym z głównych tematów jego twórczości jest smutek, samotność, niemożność miłości.

W najzwyklejszym, drobnym szczególe nudnej codzienności ujawnia się coś istotnego, odsłaniającego stan umysłu człowieka. Szczegóły są stale w centrum uwagi Kawabata. Jednak obiektywny świat nie tłumi ruchu postaci, narracja zawiera analizę psychologiczną i wyróżnia się dużym gustem artystycznym.

Wiele rozdziałów prac Kawabaty zaczyna się od wersów o naturze, co niejako nadaje ton dalszej narracji. Czasami przyroda jest tylko tłem, na którym toczy się życie bohaterów. Ale czasami wydaje się, że nabiera to niezależnego znaczenia. Autorka zdaje się nakłaniać do uczenia się od niej, do zrozumienia jej nieznanych tajemnic, dostrzegania w obcowaniu z naturą swoistych dróg moralnego, estetycznego doskonalenia człowieka. Twórczość Kawabata charakteryzuje poczucie wielkości natury, wyrafinowanie percepcji wizualnej. Poprzez obrazy natury odsłania poruszenia ludzkiej duszy, dlatego wiele jego prac jest wieloaspektowych, ma ukryty podtekst. Język Kawabata jest przykładem stylu japońskiego. Krótki, pojemny, głęboki, ma obrazowość i nienaganność metafory.

Poezja róży, wysoki kunszt pisarski, humanistyczna idea troski o przyrodę i człowieka, o tradycje sztuki narodowej – wszystko to sprawia, że ​​sztuka Kawabaty jest wybitnym fenomenem w literaturze japońskiej i w światowej sztuce słowa .

BBK 83,3 (2 rosy = rus)

Anastazja Michajłowna Krasilnikowa,

student studiów podyplomowych, St. Petersburg State University of Technology and Design (St. Petersburg, Rosja), e-mail: [e-mail chroniony]

Literatura latynoamerykańska w rosyjskim wydawnictwie książkowym

Literatura latynoamerykańska jest popularna na całym świecie, historia jej wydawania w Rosji sięga 80 lat wstecz, w tym czasie zgromadzono wiele doświadczeń redakcyjnych, które należy przeanalizować. W artykule rozważono przyczyny pojawienia się pierwszych wydań literatury latynoamerykańskiej w ZSRR, zmiany w doborze autorów, nakładzie, przygotowaniu aparatu wydawniczego w okresie sowieckim i pieriestrojki, a także stan wydawniczy literatury latynoamerykańskiej we współczesnej Rosji. Wyniki pracy mogą posłużyć do przygotowania nowych wydań autorów latynoamerykańskich, a także mogą stać się podstawą do badania zainteresowań czytelnika literaturą latynoamerykańską w Rosji. W artykule podsumowano utrzymujące się zainteresowanie czytelników literaturą latynoamerykańską i zasugerowano kilka kierunków rozwoju jej publikacji.

Słowa kluczowe: literatura latynoamerykańska, wydawnictwa książkowe, historia wydawnicza, edytorstwo.

Anastazja Michajłowna Krasilnikowa,

Absolwent studiów podyplomowych, st. Petersburski Państwowy Uniwersytet Technologii i Projektowania (St. Petersburg, Rosja), e-mail: [e-mail chroniony]

Literatura latynoamerykańska w rosyjskim wydawnictwie książkowym

Literatura latynoamerykańska jest popularna na całym świecie, historia jej wydawania w Rosji liczy 80 lat, w tym czasie zgromadzono wielkie doświadczenie edytorskie, które należy przeanalizować. Artykuł dotyczy przyczyn pojawienia się pierwszych publikacji literatury latynoamerykańskiej w Związku Sowieckim, zmian w doborze autorów, liczbie drukowanych egzemplarzy i redagowaniu drugorzędnej materii publikacji w okresie sowieckim, a także stanu publikowania literatury latynoamerykańskiej we współczesnej Rosji. Wyniki badań mogą posłużyć do przygotowania nowych publikacji autorów latynoamerykańskich, a także stać się podstawą do badań zainteresowania czytelnika literaturą latynoamerykańską w Rosji.W artykule stwierdzono, że zainteresowanie czytelnika literaturą latynoamerykańską jest duże i zaproponowano kilka sposoby, w jakie może rozwijać się wydawanie literatury latynoamerykańskiej.

Słowa kluczowe: literatura latynoamerykańska, wydawnictwo książkowe, historia wydawnicza, edytorstwo.

Literatura latynoamerykańska zadeklarowała się całemu światu w połowie XX wieku. Powodów popularności „nowej” powieści latynoamerykańskiej jest wiele; Oprócz względów kulturowych były też przyczyny ekonomiczne. Dopiero w latach 30. ubiegłego stulecia w Ameryce Łacińskiej zaczął pojawiać się rozbudowany system wydawniczy i, co najważniejsze, dystrybucji książek. Do tego momentu, gdyby coś ciekawego mogło się pojawić, nikt by o tym nie wiedział: książki nie wychodziły poza granice kontynentu – poza granice odrębnego kraju.

Jednak z czasem zaczęły pojawiać się pisma i wydawnictwa literackie. Dzięki największemu argentyńskiemu wydawnictwu Suamericana, wielu autorów zyskało sławę: na przykład z tego wydawnictwa

Rozpoczęła się światowa sława Garcii Marqueza. Jednym z kanałów, przez który literatura latynoamerykańska penetrowała Europę była oczywiście Hiszpania: który śledził wszystkie procesy zachodzące w literaturze i był wizytówką pisarzy boomu, z których większość publikowała w zajmującym w tym sensie wiodącą pozycję wydawnictwo Seik-Barral. Niektórzy pisarze mieszkali w tym mieście przez długi czas: Garcia Marquez, Vargas Llosa, Donoso, Edwards, Bruce Echenike, Benedetti i wreszcie Onetti. Nie bez znaczenia jest też rola Biblioteki Pre-myo Brive, założonej przez to wydawnictwo w Barcelonie: odkąd w Hiszpanii

© A. M. Krasilnikova, 2012

Nie było znaczących autorów, zwycięzców wybrano z krajów hiszpańskojęzycznych (laureatami tej prestiżowej nagrody byli Vargas Llosa, Cabrera Infante, Haroldo Conti, Carlos Fu-Entos). Wielu pisarzy latynoamerykańskich dużo podróżowało, niektórzy z nich mieszkali w Europie od dłuższego czasu. Tak więc Julio Cortazar mieszkał przez 30 lat w Paryżu, a francuskie wydawnictwo Gallimard również przyczyniło się do rozpowszechnienia literatury latynoamerykańskiej.

Jeśli z Europą wszystko jest mniej więcej jasne: po przetłumaczeniu książka stała się znana i przetłumaczona na inne języki europejskie, to wraz z przenikaniem literatury latynoamerykańskiej do ZSRR sytuacja jest znacznie bardziej skomplikowana. Europejskie uznanie tego czy innego autora nie było miarodajne dla Związku Sowieckiego, wręcz przeciwnie – aprobata ideologicznych wrogów raczej nie mogła mieć pozytywnego wpływu na losy wydawnicze pisarza w ZSRR

Nie oznacza to jednak, że Latynosi zostali zbanowani. Pierwsze wydanie książkowe ukazało się już w 1932 roku - była to powieść Cesara Vallejo "Tungsten" - dzieło utrzymane w duchu socrealizmu. Rewolucja Październikowa przykuła wzrok pisarzy latynoamerykańskich do Związku Radzieckiego: „W Ameryce Łacińskiej lewicowe ruchy perswazji komunistycznej powstały niezależnie, praktycznie bez emisariuszy z ZSRR, a ideologia lewicowa zajmowała szczególnie silne pozycje wśród twórców inteligencja." Cesar Vallejo trzykrotnie odwiedził ZSRR – w 1928, 1929 i 1931 roku, a swoimi wrażeniami dzielił się na łamach paryskich gazet: „Poeta kierowany pasją, entuzjazmem i szczerością broni zdobyczy socjalizmu naciskiem propagandowym i dogmatyzmem, jakby zapożyczonym z strony gazety Prawda » .

Innym zwolennikiem Związku Radzieckiego był Pablo Neruda, o którym tłumaczka Ella Braginskaja powiedziała: „Neruda jest jedną z tych wielkich postaci dramatycznych XX wieku.<...>którzy stali się ideologicznymi przyjaciółmi ZSRR iw jakiś niezrozumiały, fatalny sposób cieszyli się, że zostali oszukani, jak wielu ich rówieśników w naszym kraju, i zobaczyli z nami to, o czym marzyli. Książki Nerudy były aktywnie wydawane w ZSRR od 1939 do 1989 roku.

z reguły nie można ich było jednak utożsamiać z wzorcowymi dziełami socrealizmu, ale poglądy polityczne ich autorów umożliwiły tłumaczom i redaktorom publikowanie takich dzieł. Pod tym względem bardzo wymowne są wspomnienia L. Ospovata, który napisał pierwszą po rosyjsku książkę o twórczości Nerudy: „Zapytany, czy można go nazwać socrealistą, chilijski poeta uśmiechnął się i powiedział ze zrozumieniem:„ Jeśli naprawdę tego potrzebujesz, to możesz.

Jeśli w latach 30. i 40. ukazało się tylko kilka publikacji, to w latach 50. wydano ponad 10 książek pisarzy latynoamerykańskich, a następnie liczba ta wzrosła.

Większość publikacji, które powstały w czasach sowieckich, wyróżnia się wysoką jakością przygotowania. W odniesieniu do literatury latynoamerykańskiej jest to ważne z dwóch względów. Po pierwsze, należy skomentować nieznane, a przez to niezrozumiałe dla sowieckiego czytelnika, realia latynoamerykańskie. Po drugie, kulturę latynoamerykańską jako całość charakteryzuje koncepcja „transkulturacji” zaproponowana przez kubańskiego antropologa Fernando Ortiza, „… co nie oznacza asymilacji jednej kultury przez inną ani wprowadzania obcych elementów do jednej z ich od innej, ale wyłonienie się w wyniku interakcji kulturowej nowej kultury”. W praktyce oznacza to, że każdy autor z Ameryki Łacińskiej zwraca się w swojej twórczości do światowego dziedzictwa kulturowego: twórczości europejskich pisarzy i filozofów, światowej epopei, dogmatów religijnych, przemyśla je i tworzy własny świat. Te odniesienia do różnych prac wymagają intertekstualnego komentarza.

Jeśli komentarz intertekstualny jest ważny w publikacjach naukowych, to prawdziwy komentarz jest niezbędną potrzebą każdej publikacji masowej. Niekoniecznie muszą to być notatki, artykuł wprowadzający może również przygotować czytelnika do zapoznania się z dziełem.

Sowieckim publikacjom można zarzucić, że są zbyt ideologiczne, ale zostały wykonane bardzo profesjonalnie. W przygotowaniu książek brali udział znani tłumacze i krytycy literaccy, którzy pasjonowali się tym, co robili, więc większość przekładów wykonanych w czasach sowieckich, choć niedoskonałych, pod wieloma względami przewyższa późniejsze. To samo dotyczy

uwagi. Nad wydaniami autorów latynoamerykańskich pracowali tak znani tłumacze, jak E. Braginskaya, M. Bylinkina, B. Dubin, V. Stolbov, I. Terteryan, V. Kuteishchikova, L. Sinyanskaya i inni.

Prace ponad trzydziestu pisarzy latynoamerykańskich zostały przetłumaczone na język rosyjski i opublikowane w osobnych wydaniach. Większość autorów jest reprezentowana przez dwie lub trzy książki, na przykład Augusto Roa Bastos, autor słynnej powieści antydyktatorskiej Ja, Najwyższy, opublikował w Związku Radzieckim tylko dwie książki: Syn Człowieczy (M., 1967 ) i Ja Najwyższy” (M., 1980). Są jednak autorzy, którzy publikują do dziś, na przykład pierwsza książka Jorge Amado ukazała się w 1951 r., a ostatnia w 2011 r. Jego prace ukazują się od sześćdziesięciu lat bez większych przerw. Ale takich autorów jest niewielu: Miguel Angel Asturias był publikowany w ZSRR i Rosji w latach 1958-2003, Mario Vargas Llosa w latach 1965-2011, Alejo Carpentier w latach 1968-2000, Gabriel Garcia Marquez w latach 1971-2012, Julio Cortazar w latach 1971- 2011, Carlos Fuentes w latach 1974-2011, Jorge Luis Borges w latach 1984-2011, Bioy Casares w latach 1987-2010.

Zasada wyboru autorów jest często niejasna. Przede wszystkim oczywiście opublikowano pisarzy „boomu”, ale jak dotąd nie wszystkie ich dzieła zostały przetłumaczone, a nawet daleko od wszystkich autorów. I tak Luis Harss Into the mainstream; Rozmowy z pisarzami latynoamerykańskimi, która jest uważana za pierwszą pracę, która ukształtowała samą koncepcję „boomu” literatury latynoamerykańskiej, obejmuje dziesięciu autorów. Dziewięć z nich zostało przetłumaczonych na język rosyjski i opublikowanych, podczas gdy prace Juana Guimarãesa Rosy pozostają nieprzetłumaczone na język rosyjski.

Sam „boom” miał miejsce w latach 60., podczas gdy publikacje pisarzy latynoamerykańskich w ZSRR, jak już wspomniano, zaczęły pojawiać się znacznie wcześniej. „Nową” powieść poprzedził długi rozwój. Już w pierwszej połowie XX wieku. pracowali tak czcigodni pisarze, jak Jorge Luis Borges, Jorge Amado, przewidując „boom”. Więcej oczywiście publikują pisarze XX wieku, ale nie tylko. Tak więc w 1964 roku wiersze brazylijskiego poety z XVIII wieku zostały przetłumaczone na język rosyjski i opublikowane. Tomasza Antonia Gonzagę.

przyznane mu inne nagrody. Wśród pisarzy latynoamerykańskich jest sześciu laureatów Nagrody Nobla: Gabriela Mistral (1945), Miguel Angel Asturias Rosales (1967), Pablo Neruda (1971), Gabriel Garcia Marquez (1982), Octavio Paz (1990), Mario Vargas Llosa (2010 ). Wszystkie są tłumaczone na język rosyjski. Jednak twórczość Gabrieli Mistral jest reprezentowana tylko przez dwie książki, Octavio Paz opublikował cztery z nich. Można to wytłumaczyć przede wszystkim faktem, że poezja hiszpańskojęzyczna jest generalnie mniej popularna w Rosji niż proza.

W latach 80. zaczęli pojawiać się dotychczas zakazani autorzy, którzy nie podzielali poglądów komunistycznych. W 1984 roku ukazuje się pierwsze wydanie Jorge Luisa Borgesa.

O ile do lat 90. liczba publikacji pisarzy latynoamerykańskich stale rosła (w latach 80. opublikowano ponad 50 książek), o tyle w latach 90. nastąpił zauważalny spadek wszystkiego: liczba publikacji gwałtownie spadła, nakłady spadły, a pogorszyła się wydajność druku książek. W pierwszej połowie lat 90. nakłady 50, 100 tysięcy, znane ZSRR, były nadal możliwe, w drugiej połowie nakłady wynosiły pięć, dziesięć tysięcy i pozostają takie do dziś.

w latach 90. następuje gwałtowne przewartościowanie wartości: pozostaje tylko kilku autorów, którzy nadal bardzo aktywnie publikują. Pojawiają się dzieła zebrane Marqueza, Cortazara, Borgesa. Pierwsze dzieła zebrane Borgesa, wydane w 1994 r. (Riga: Polaris), odznaczają się dość wysokim poziomem przygotowania: obejmowały wszystkie ówczesne tłumaczenia, opatrzone szczegółowym komentarzem.

W latach 1991-1998 wydano tylko 19 książek, tyle samo wydano w samym 1999 roku. Rok 1999 był zwiastunem lat 2000., kiedy nastąpił bezprecedensowy wzrost liczby publikacji: w okresie od 2000 do 2009 roku. Opublikowano ponad 200 książek autorów latynoamerykańskich. Całkowity nakład był jednak nieporównywalnie mniejszy niż w latach 80., gdyż średni nakład w latach 2000. wynosił pięć tysięcy egzemplarzy.

Stałymi faworytami są Marquez i Cortazar. Dziełem, które zostało opublikowane w Rosji częściej niż jakiekolwiek inne dzieło autora z Ameryki Łacińskiej, jest niewątpliwie Sto lat samotności. Borges i Vargas Llosa nadal dość aktywnie publikują. Popularność wg

To ostatnie ułatwiło otrzymanie w 2010 roku Nagrody Nobla: w 2011 roku od razu ukazało się 5 jego książek.

Wydania z początku XXI wieku. wyróżnia się minimum przygotowania: z reguły w książkach nie ma artykułów wprowadzających ani komentarzy – wydawcy wolą wydawać tekst „nagi”, pozbawiony aparatury towarzyszącej. Wynika to z chęci obniżenia kosztów publikacji oraz skrócenia czasu jej przygotowania. Kolejną innowacją jest wydawanie tych samych książek w różnych wzorach – w różnych seriach. W rezultacie pojawia się złudzenie wyboru: na półce w księgarni jest kilka wydań Gry klasycznej, ale w rzeczywistości okazuje się, że to ten sam przekład, ten sam tekst bez artykułu wprowadzającego i bez komentarzy. Można powiedzieć, że duże wydawnictwa (AST, Eksmo) posługują się nazwami i tytułami znanymi czytelnikom jako marki i nie zależy im na szerszym zapoznawaniu czytelników z literaturą Ameryki Łacińskiej.

Kolejnym tematem, który należy poruszyć, jest kilkuletnie opóźnienie w publikacji prac. Początkowo wielu pisarzy zaczęło publikować w ZSRR, kiedy stali się już znani na całym świecie. Tak więc „Sto lat samotności” zostało opublikowane w Argentynie w 1967 r., w ZSRR w 1971 r. i była to pierwsza książka Marqueza w Rosji. Takie opóźnienie jest typowe dla publikacji wszystkich Latynosów, ale dla ZSRR było normalne i zostało wyjaśnione złożoną organizacją wydawania książek. Jednak znacznie później, nawet gdy pisarze byli dobrze znani w Rosji i tworzyli nowe dzieła, nastąpiło opóźnienie w publikacji: tak więc ostatnia powieść Cortazara, Farewell, Robinson, została napisana w 1995 roku, ale została wydana w Rosji dopiero w 2001 roku.

W tym samym czasie ostatnia powieść Marqueza „Remembering My Sad Whores”, wydana po hiszpańsku w 2004 roku, ukazała się w Rosji rok później - w 2005 roku. To samo stało się z ukończoną powieścią Vargasa Llosy „Przygody złej dziewczyny” w 2006 r. i opublikowana w Rosji już w 2007 r. Jednak powieść tego samego autora „Raj na drugim rogu”, napisana w 2003 r., nigdy nie została przetłumaczona. Zainteresowanie wydawców dziełami przesiąkniętymi erotyzmem tłumaczy się próbą dodania skandalizmu twórczości pisarzy, przyciągnięcia uwagi nieprzygotowanych czytelników. Często takie podejście prowadzi do uproszczenia problemu, błędnej prezentacji prac.

O tym, że zainteresowanie literaturą latynoamerykańską utrzymuje się nawet bez sztucznego podgrzania ze strony wydawców, świadczy pojawienie się książek autorów, którzy nie byli publikowani w ZSRR. To na przykład pisarz z początku XX wieku. Leopolda Lugonesa; dwóch autorów, którzy antycypowali pojawienie się „nowej” powieści latynoamerykańskiej – Juan José Arreola i Juan Rulfo; poeta Octavio Paz i prozaik Ernesto Sabato - autorzy połowy XX wieku. Książki te wydawane były także przez wydawnictwa publikujące okresowo literaturę latynoamerykańską (Amphora, ABC, Symposium, Terra Book Club) oraz przez te, które nigdy wcześniej nie interesowały się pisarzami latynoamerykańskimi (Makhaon). , Don Kichot, Wydawnictwo Ivan Limbach Dom).

Dziś literaturę Ameryki Łacińskiej reprezentują w Rosji dzieła prozaików (Mario Vargas Llosa, Ernesto Sabato, Juan Rulfo), poetów (Gabriela Mistral, Octavio Paz, Leopoldo Lugones), dramaturgów (Emilio Carballido, Julio Cortazar). Zdecydowana większość to autorzy hiszpańskojęzyczni. Jedynym aktywnie publikowanym autorem mówiącym po portugalsku jest Jorge Amado.

Pierwsze publikacje autorów latynoamerykańskich w ZSRR spowodowane były względami ideologicznymi – lojalnością pisarzy wobec władz komunistycznych, ale dzięki temu radzieccy czytelnicy odkryli świat literatury latynoamerykańskiej i zakochali się w nim, co potwierdzają m.in. fakt, że Latynosi nadal są aktywnie drukowani we współczesnej Rosji.

W latach sowieckich powstały najlepsze przekłady i komentarze dzieł latynoamerykańskich, wraz z pierestrojką zaczęto przywiązywać znacznie mniejszą wagę do przygotowania publikacji. Wydawnictwa stanęły przed nowym problemem zarabiania pieniędzy, w związku z czym całkowicie zmieniło się podejście do wydawania książek, w tym zmiany w wydawaniu literatury latynoamerykańskiej: zaczęto preferować publikacje masowe przy minimalnym przygotowaniu.

Wydania drukowane konkurują dziś z coraz popularniejszymi e-bookami. Tekst niemal każdej opublikowanej pracy można pobrać za darmo z Internetu, więc jest mało prawdopodobne, aby wydawcy mogli istnieć bez zmiany strategii przygotowywania książek. Jednym ze sposobów jest poprawa wydajności druku, wydanie drogich ekskluzywnych wydań. Więc,

na przykład wydawnictwo Vita Nova wydało w 2011 roku luksusowe, oprawne w skórę wydanie deluxe Stu lat samotności Gabriela Marqueza. Innym sposobem jest tworzenie wysokiej jakości publikacji o szczegółowej, wygodnej strukturze

Przejdźmy do innej, nie mniej utalentowanej literatury - latynoamerykańskiej. Wydanie Telegraf stworzył wybór 10 najlepszych powieści pisarzy latynoamerykańskich i dzieł tam osadzonych. Zbiór naprawdę warty letniej lektury. Których autorów już czytałeś?

Grahama Greena „Moc i chwała” (1940)

Tym razem powieść brytyjskiego pisarza Grahama Greene'a o katolickim księdzu w Meksyku w latach 20. i 30. XX wieku. W tym samym czasie kraj był dotkliwie prześladowany przez Kościół katolicki przez wojskową organizację Czerwone Koszule. Bohater, wbrew zarządzeniom władz, pod groźbą rozstrzelania bez procesu i śledztwa, nadal włóczy się po odległych wioskach (w jednej z nich mieszka jego żona i dziecko), odprawia msze, chrzci, spowiada się i udziela komunii jego parafianie. W 1947 roku powieść została sfilmowana przez Johna Forda.

Ernesto Che Guevary „Dzienniki motocyklowe” (1993)

Opowieść o tym, jak młody Che Guevara, 23-letni student medycyny, wyrusza z Argentyny w motocyklową wyprawę. Powraca jako człowiek z misją. Według jego córki wrócił stamtąd jeszcze bardziej wrażliwy na problemy Ameryki Łacińskiej. Podróż trwała dziewięć miesięcy. W tym czasie pokonał osiem tysięcy kilometrów. Oprócz motocykla podróżował konno, parowcem, promem, autobusem i autostopem. Książka jest opowieścią o podróży do poznania siebie.

Octavio Paz „Labirynt samotności” (1950)

Samotność jest głębokim sensem ludzkiej egzystencji,- napisał meksykański poeta Octavio Paz w tym słynnym zbiorze wierszy. „Człowiek jest zawsze tęsknotą i poszukiwaniem przynależności. Dlatego za każdym razem, czując się jak osoba, odczuwamy brak drugiej osoby, czujemy się samotni. I wiele innych pięknych i głębokich rzeczy o samotności, które Paz zrozumiała i zamieniła w wiersze.

Izabela Allende „Dom duchów” (1982)

Pomysł na tę powieść w Isabel Allende pojawił się, gdy otrzymała wiadomość, że umiera jej 100-letni dziadek. Postanowiła napisać do niego list. Ten list stał się rękopisem debiutanckiej powieści. „Dom duchów” Powieściopisarz stworzył w nim historię Chile na przykładzie sagi rodzinnej poprzez historie kobiecej heroiny. "Pięć lat" mówi Allende. Byłam już feministką, ale w Chile nikt nie znał tego słowa”. Ta powieść napisana jest w najlepszych tradycjach realizmu magicznego. Zanim stała się światowym bestsellerem, została porzucona przez kilku wydawców.

Paulo Coelho "Alchemik" (1988)

Książka, która trafiła do Księgi Rekordów Guinnessa za liczbę tłumaczeń współczesnego autora. Alegoryczna powieść brazylijskiego pisarza opowiada o podróży pasterza andaluzyjskiego do Egiptu. Główną ideą książki jest to, że jeśli czegoś naprawdę chcesz, to się stanie.

Roberto Bolagno „Dzicy detektywi” (1998)

„Urodzony w 1953 roku, w którym zmarli Stalin i Dylan Thomas” – napisał Bolagno w swojej biografii. To opowieść o poszukiwaniach meksykańskiego poety lat 20. XX wieku przez dwóch innych poetów – Arturo Bolano (pierwowzór autora) i meksykańskiego Ulyssesa Limę. Za niego chilijski autor otrzymał Nagrodę im. Rómulo Gallegosa.

Laura Esquivel „Jak woda do czekolady” (1989)

„Wszyscy rodzimy się z pudełkiem zapałek w środku, a ponieważ sami nie możemy ich zapalić, potrzebujemy, jak to bywa podczas eksperymentu, tlenu i płomienia świecy” pisze Esquivel w tym czarującym i realistycznym meksykańskim melodramacie. Główną cechą pracy jest to, że emocje głównej bohaterki Tity wpadają we wszystkie pyszne potrawy, które gotuje.

Literatura zagraniczna XX wieku. 1940–1990: podręcznik Loshakov Alexander Gennadievich

Temat 9 Fenomen „nowej” prozy latynoamerykańskiej

Fenomen „nowej” prozy latynoamerykańskiej