Przygotuj dzieło o muzycznej poetyckiej dekoracji. Poznawanie

Rodzaj lekcji: Lekcja poprawiająca wiedzę, umiejętności i zdolności.

Rodzaj lekcji: Lekcja z dogłębnym zapoznaniem się z materiałem edukacyjnym.

Cel lekcji: Praktyczne poznanie metod pracy stosowanych do tworzenia obrazu muzycznego w sztuce S. S. Prokofiewa „Deszcz i tęcza”.

Cele Lekcji:

• edukacyjne: kształtowanie i doskonalenie umiejętności zawodowych niezbędnych do opanowania kultury wykonawstwa muzycznego;
• rozwijanie: rozwój wrażliwości emocjonalnej, wrażliwości na figuratywne rozumienie świata, rozwój aktywności twórczej i poznawczej;
• wychowanie: kształtowanie stałego zainteresowania zajęciami, kształtowanie gustu artystycznego i estetycznego.

Struktura lekcji:

1. Organizacja początku lekcji.
2. Motywacja do lekcji. Ustalanie celów.
3. Sprawdzam pracę domową.
4. Asymilacja nowej wiedzy.
5. Wstępny test zrozumienia.
6. Generalizacja i systematyzacja wiedzy.
7. Kontrola i samokontrola wiedzy.
8. Podsumowanie lekcji.
9. Informacje o pracy domowej.

Plan lekcji.

1. Organizowanie czasu.
2. Tematy wiadomości, cele i zadania lekcji. Główną częścią. Opanowanie w praktyce metod pracy, które są wykorzystywane do tworzenia obrazu muzycznego w sztuce S.S. Prokofiewa „Deszcz i tęcza”.
   2.1 Odsłuchiwanie prac domowych.
   2.2 Pojęcie „obrazu muzycznego”. Muzyka programowa.
   2.3 Muzyczne środki wyrazu jako główny warunek tworzenia obrazu muzycznego.
   2.4 Podstawowe metody pracy z dźwiękiem.
3. Podsumowanie lekcji.
4. Praca domowa.
5. Oglądanie filmu animowanego „Spacer”. Reżyseria I. Kovalevskaya. Muzyka S. S. Prokofiewa.

Nauczyciel: W trakcie poprzednich lekcji pracowaliśmy nad sztuką S. S. Prokofiewa „Deszcz i tęcza”. Pomyślnie przeszliśmy pierwszy etap prac nad pracą. Ty, Nastyo, dano pracę domową: pracuj nad tekstem, graj na pamięć. Posłuchajmy wyników Twojej pracy domowej.

Studentka wystawia sztukę, nad którą pracowała w domu.

Nauczyciel: Praca domowa jest wykonana. Sztuka jest zapamiętywana. Jakość pracy można ocenić jako dobrą. W przypadku samodzielnej pracy domowej postawiono zadanie twórcze: wybrać dzieło literackie, które Twoim zdaniem jest zgodne z treścią i nastrojem obecnym w spektaklu muzycznym „Deszcz i tęcza”.

Student: Tak, z pomocą mamy znalazłem dwa wiersze, które moim zdaniem odpowiadają nastrojowi sztuki. Teraz je przeczytam.

Nauczyciel: Zapoznałeś się z kompozycjami poetyckimi, a teraz porównajmy wersety z treścią muzyczną sztuki. Co czujesz, kiedy czytasz poezję?

Student: Czuję się świeżo i ciepło. Zamykam oczy i wyobrażam sobie deszcz szeleszczący na liściach. Radość z pojawienia się słońca i tęczy.

Nauczyciel:

W utworze muzycznym, tak jak w powieści, opowiadaniu, baśni, obrazie napisanym przez artystę, jest własna treść, odzwierciedla otaczający nas świat. Dzieje się to za pomocą obrazów muzycznych, które tworzy kompozytor. Obraz muzyczny to zespół środków muzycznych i wyrazowych, którymi kompozytor posługuje się w utworze i ma na celu wywołanie w słuchaczu pewnego zakresu skojarzeń ze zjawiskami rzeczywistości. Treść spektaklu ujawnia się poprzez przemianę i interakcję pomiędzy różnymi obrazami muzycznymi. Obraz muzyczny to sposób na życie dzieła.

W zależności od treści utwór muzyczny może zawierać jeden lub więcej obrazów.

Jak myślisz, ile obrazów muzycznych znajduje się w utworze, który studiujemy?

Student: Dwa obrazy, bo w tytule słyszymy deszcz i widzimy tęczę.

Nauczyciel: Dobra robota! Rzeczywiście, utwór zawiera dwa muzyczne obrazy, które osadzone są w samym tytule „Deszcz i tęcza”. Takie spektakle nazywane są spektaklami programowymi. Tytuł, wskazujący na pewien fenomen rzeczywistości, o którym miał na myśli kompozytor, może służyć jako program. Deszcz jest zwykle przedstawiany jako stały ruch szesnastych lub ósmych. W miniaturze „Deszcz i tęcza” tak nie jest.

Student: Tak, grałem sztukę „Summer Rain”. W nim deszcz różni się od deszczu w sztuce, której się uczymy.

Nauczyciel: Wizualnie namacalne środki muzyczne ujawniają obrazy natury w sztuce „Deszcz” V. Kosenko .

Słuchaj, zagram Ci sztukę V. Kosenko „Deszcz” (pokaz nauczycielski). Porównując sztuki „Deszcz i tęcza” i „Deszcz”, rozumiesz teraz Nastyo, jak to samo zjawisko naturalne można przedstawić w muzyce. A teraz powiedz mi, czy sztuka, nad którą pracujemy, ma taki deszcz, jak w sztuce V. Kosenko „Deszcz”?

Uczeń: Nie, tutaj deszcz jest inny.

Nauczyciel: Proszę zagraj mi początek utworu (uczeń gra dwie pierwsze linijki). Czy słyszysz różnicę?

Nauczyciel: Początkujący spektakl „krople deszczu” nie są oczywiście dokładnym szkicem dźwiękowo-obrazowym, ale jest uczucie letniego deszczu, jego świeżości, jest to poetyckie muzyczne odzwierciedlenie dobrze znanego prawdziwego obrazu. W drugiej części utworu kompozytor rysuje tęczę. Na koniec słyszymy deszcz padający pod słońcem, deszcz grzybów.

Nauczyciel: Powtórzmy pierwszą część (uczeń gra). Zwróć uwagę, że obok intonacji przyciągających deszcz słyszymy intonacje tęczy. Na lekcjach solfeggia zapoznałeś się już z koncepcją zmiany.

Uczeń: Tak, to jest zwiększenie lub zmniejszenie tonu. Ostre i mieszkania.

Nauczyciel: Dobra robota, dobrze opanowałeś ten materiał, ale zwróćmy uwagę na współbrzmienia z wieloma znakami, zmienione współbrzmienia. Proszę zagraj te akordy (uczeń gra) Spróbuj je zagrać, używając ciężaru ręki, opierając się na klawiaturze. „Pozycja palców powinna być lekko wysunięta, czubek palca styka się z klawiszem” - E. Lieberman. Spróbuj usłyszeć, jak te akordy tworzą napięcie emocjonalne. Proszę zagraj mi ten fragment utworu, zwracając uwagę na moje zalecenia (uczeń gra)

Nauczyciel: A teraz spróbujmy ocenić, jak przekonująco udało ci się przekazać obraz, o którym mówiliśmy.

Nauczyciel: Powiedziałeś mi, że druga sekcja to tęcza. Rzeczywiście, to cud wielobarwnej tęczy. Występuje jako opadająca skala C-dur, przynosząca oświecenie i spokój.

Nauczyciel: Na lekcję przygotowałem dwie artystyczne ilustracje naturalnego zjawiska tęczy: B. Kuzniecow „Tęcza. Jaśmin”, N. Dubowski „Tęcza”. Przyjrzyjmy się uważnie i poczujmy każdą z nich. Kolor, horyzont, powietrze, nastrój, bez których wykonanie spektaklu byłoby niemożliwe. Jak łuk tęczy pokrywający niebo, pojawia się w utworze szeroko rozlewana, typowa dla Prokofiewa melodia. G. Neuhaus powiedział, że „perspektywa dźwięku jest tak samo realna w muzyce dla ucha, jak w malarstwie dla oka”. W przyszłości ponownie słychać zmienione współbrzmienia, ale nie brzmią one tak intensywnie jak wcześniej. Stopniowo kolor muzyki coraz bardziej się rozjaśnia. Kolor to połączenie kolorów. Kolorystyczna sztuka „Deszcz i tęcza” odzwierciedlała dziecinnie entuzjastyczne podejście Prokofiewa do natury.

Według współczesnych Prokofiew był wybitnym pianistą, jego styl gry był swobodny i jasny, a mimo nowatorskiego stylu jego muzyki, jego gra była niezwykle czuła.

Zapamiętajmy temat lekcji. Powiedz mi proszę, środki muzyczne i wyraziste, które pomagają odsłonić obraz.

Student: Harmonia i melodia.

Nauczyciel: Zwróćmy ponownie uwagę na harmonię. Harmonia to akordy i ich progresja. Harmonia to polifoniczny muzyczny kolor, który tworzą akordy. . Proszę zagrać pierwszą część spektaklu (uczeń gra).

Komentarz nauczyciela: Podczas występu nauczyciel zwraca uwagę na ekspresyjne możliwości harmonii, potrzebę wsłuchiwania się w poszczególne harmonie i ich kombinacje, potrzebę dążenia do zrozumienia ich ekspresyjnego znaczenia. Rola harmonii w tworzeniu stanu niestabilności (harmonie dysonansowe) i pokoju (ich jasne rozwiązania) jest jasna. Dysonansowe harmonie mogą brzmieć delikatniej lub ostrzej, ale w tym przypadku uczeń i ja uzyskujemy mniej ostry dźwięk.

Diagnostyka.

Nauczyciel: Właśnie rozmawialiśmy o znaczeniu i możliwości harmonii jako jednego z muzycznych środków wyrazu. Proszę, powiedz mi, jak zrozumiałeś znaczenie słowa harmonia.

Student: Harmonia to akordy i ich kolejność.

Nauczyciel: Słowami wielkiego rosyjskiego pianisty i nauczyciela G. Neuhausa: „Muzyka to sztuka dźwięku”.

Ekspresja dźwiękowa jest najważniejszym środkiem wykonawczym do realizacji projektu muzycznego i artystycznego. Proszę zagrać środkową część utworu (uczeń gra środkową część utworu).

Komentarz nauczyciela: Melodia Prokofiewa ma najszerszy zakres rejestrów. Przejrzysty, dźwięczny dźwięk implikuje klarowność ataku i dokładność zakończenia każdego tonu. Kolorystyka dźwięku sugeruje najlepsze malarstwo akwarelowe. Powrót do ilustracji i pracy nad drugą częścią podyktowany jest koniecznością pracy nad technikami ekstrakcji dźwięku. Ekspresja dźwiękowa jest najważniejszym środkiem wykonawczym do realizacji projektu muzycznego i artystycznego. W pracy wykorzystano praktyczne techniki i metody, które pomagają rozwijać melodyjne ucho, a co za tym idzie, barwność brzmienia ucznia.

Ucho melodyczne to reprezentacja i słyszenie melodii jako całości i każdej jej nuty, każdego interwału osobno. Melodię trzeba usłyszeć nie tylko w wysokości, ale także wyraziście, dynamicznie i rytmicznie. Praca nad uchem melodycznym to praca nad intonacją. Intonacja nadaje muzyce objętość, ożywia ją, nadaje jej kolor. Ucho melodyczne jest intensywnie kształtowane w procesie emocjonalnego przeżywania melodii, a następnie odtwarzania tego, co zostało usłyszane. Im głębsze doświadczenie melodii, tym bardziej elastyczny i wyrazisty będzie jej rysunek.

Metody pracy:

1. Granie schematu melodycznego na instrumencie niezależnie od akompaniamentu.
2. Reprodukcja melodii z akompaniamentem przez ucznia i nauczyciela.
3. Wykonanie na fortepianie oddzielnie od akompaniamentu ze śpiewaniem melodii „do siebie”.
4. Najbardziej szczegółowa praca nad frazowaniem utworu muzycznego.

Nauczyciel: Ważnym elementem pracy nad melodią jest praca nad frazą. Zademonstrowanie przez prowadzącego dwóch wersji wykonania odcinka w celu rozwinięcia umiejętności słyszenia i doboru dźwięku niezbędnego do stworzenia odpowiedniego obrazu muzycznego. (Nauczyciel występuje) Uczeń aktywnie słucha i dokonuje właściwego wyboru. Ta metoda pracy aktywizuje percepcję ucznia i pomaga stworzyć wizerunek, do którego należy dążyć.

Pracując nad frazą, która jest jednym ze sposobów wyrażania artystycznego wizerunku utworu muzycznego, omawialiśmy z uczniem budowę fraz, szczyty intonacyjne i kulminacyjne, zwracaliśmy uwagę na wdech we frazie muzycznej, ustalaliśmy momenty oddychania. „Żywy oddech odgrywa wiodącą rolę w muzyce” – A. Goldenweiser.

Nauczyciel: A teraz przypomnijmy sobie, czym jest kantylena?

Student: Cantilena to melodyjna, szeroka melodia.

Nauczyciel: Proszę zagraj długą linię melodyczną, która zaczyna się w środku utworu. Uczeń gra.

Tarasowa Dina Wiaczesławowna
Stanowisko: nauczyciel
Instytucja edukacyjna: MBU DO "Szkoła Plastyki Dziecka nr 19"
Miejscowość: Region Astrachań, z. Sasykoli
Nazwa materiału: Rozwój metodyczny
Temat:„Praca nad wizerunkiem artystycznym w programowych utworach fortepianowych”
Data publikacji: 12.05.2016
Rozdział: dodatkowa edukacja

Lekcja otwarta w klasie fortepianu

Temat: „Praca nad obrazem artystycznym w fortepianie programowym

Pracuje"

Nauczyciel wydziału muzycznego Tarasova D.V.

uch. Kunasheva Amina - 4 klasa

Temat lekcji:
„Praca nad wizerunkiem artystycznym w utworach fortepianowych”.
Cel

lekcja:
Ujawnianie i wyrażanie w wykonaniu figuratywnej treści utworu muzycznego.
Cele Lekcji:
 Kształtowanie umiejętności i umiejętności pianistycznych poprzez integrowanie wrażeń figuratywnych;  Praca nad wyrazistością języka muzycznego, pokonywanie trudności wykonawczych.  Kształtowanie umiejętności dokonywania analizy i syntezy utworu muzycznego.  Praca nad osiągnięciem poziomu figuratywnej kompletności interpretacji.
Rodzaj lekcji:
tradycyjny.
Rodzaj lekcji:
lekcja generalizacji i systematyzacji badanych.
Bibliografia:
1. Zbiór utworów jazzowych na fortepian. N. Mordasowa. Druga edycja. Rostov n / a: Phoenix, 2001 2. Tupot na fortepian. 50 ćwiczeń rozwijających płynność palców. T.Simonowa. Petersburg: „Kompozytor”, 2004. 3. Zasoby internetowe. jeden

Podczas zajęć:
Ta lekcja pokaże pracę nad obrazem artystycznym w programie utwory fortepianowe. Zakres lekcji pozwala zademonstrować cały materiał w zwięzły, uogólniony, ale usystematyzowany sposób. Amina, dziś na lekcji porozmawiamy o artystycznym wizerunku dzieła. Co to za pojęcie „obrazu artystycznego”? - To pomysł kompozytora. To jest to, co jest ukazane w muzyce… to są przemyślenia, odczucia autora, stosunek do jego kompozycji. Obraz artystyczny w muzyce ujawnia się za pomocą środków wyrazu muzycznego. Praca nad stworzeniem wizerunku artystycznego to złożony proces. Narodziny artystycznego wizerunku dzieła to ujawnienie jego charakterystycznych cech, jego „twarzy”. A obraz ujawnia się, jak już powiedzieliśmy, za pomocą ekspresyjnych środków. Otóż ​​dzisiaj na lekcji prześledzimy powstawanie i ekspresję obrazu muzycznego na przykładzie Twoich utworów.
Zacznijmy od jasnej, pomysłowej sztuki „Taniec dzikich”.
Przed rozpoczęciem pracy Amina wykona ćwiczenia przygotowawcze, które rozgrzeją ręce i przygotują się do lekcji. Ćwiczenie 6 ze zbioru "Patters for Piano" Do wykonywania naprzemiennych rąk, ćwiczenia staccato i szerokich interwałów. Ćwiczenie 10 jest przydatne do rozwijania koordynacji ruchów, do szybkiej rytmicznej zmiany rąk. Wypracowujemy dynamiczne odcienie, stopniowe narastanie i opadanie (crescendo i diminuendo) brzmienia. Te same odcienie znajdziemy w sztuce „Taniec dzikich” Ćwiczenie 49 ma na celu wypracowanie podwójnych nut i akordów. Konieczne jest monitorowanie jednoczesnego odbierania dwóch i trzech dźwięków. Utwór „Taniec dzikich” napisał Yoshinao Nakada, znany kompozytor współczesnej Japonii, o którym niewiele osób w naszym kraju wie. Podstawą jego twórczości kompozytorskiej jest muzyka wokalna, ulubionym instrumentem muzycznym jest fortepian. Nakada dał dużo siły i energii pedagogice fortepianowej. Szereg zbiorów utworów fortepianowych dla dzieci - 1955, 1977 - Komponuje specjalnie dla celów pedagogicznych. Obecnie utwory te są z powodzeniem wykorzystywane w repertuarze pedagogicznym muzycznych instytucji edukacyjnych. 2
Twórcze dziedzictwo kompozytora jest wielkie. Pisał utwory fortepianowe, kameralne i instrumentalne, muzykę dla radia i telewizji, piosenki dla dzieci. Istotną część twórczości Y. Nakady stanowią utwory chóralne i wokalne, a japoński gatunek DOYO (doyo) miał w tej działalności kompozytora szczególne znaczenie i znaczenie. To były piosenki, które mógł zaśpiewać każdy. Wiele z tych piosenek stało się dziś integralną częścią japońskiej kultury. Zagrajmy ten kawałek od razu, a potem porozmawiamy. Powiedz mi proszę, jaki obraz artystyczny pokazał autor w swoim eseju?
Odpowiadać:
- Muzyka wiernie oddaje wizerunki dzikusów, a raczej ich taniec. Przyjrzyjmy się bliżej, jakie środki wyrazu muzycznego służą do osiągnięcia artystycznego wizerunku w naszej sztuce. Najpierw spójrzmy na formę pracy. Ma 3 części, a 1 i 3 części są prawie takie same. Co dzieje się w
1 części
? Jakimi środkami wyrazu posługuje się autor? (melodia szarpana, tonacja molowa, ale dzięki dużej ilości przypadkowych przecinków, brzmi dur, ostry rytm, obecność wielu akcentów, zróżnicowana dynamika.
2

część
- kulminacja, intensyfikuje się dynamika (FF), obecność synkopów, kwarty, nadając dźwiękowi ostrość i ostrość. Szybkie tempo, szybka zmiana i przenoszenie rąk, elastyczne, aktywne staccato, wyraźna pulsacja rytmiczna. Taką muzykę wykonuje się bardzo aktywnymi, elastycznymi palcami. Nasze uderzenie jest staccato, elastyczne, odbijające. Dźwięk jest mocny i jasny.
część 3
- znak się powtarza
1 część
, zakończenie: dzikusi po zatańczeniu swojego tańca stopniowo się oddalają, tutaj przyjrzeliśmy się środkom wyrazu, które pomagają odsłonić artystyczny obraz. A teraz ty, Amina, grasz sztukę i próbujesz przekazać nam, słuchaczom, obrazy, o których przed chwilą rozmawialiśmy. To taka ciekawa sztuka. Amina, jesteś świetna. To oczywiste, że lubisz tę sztukę. Grasz pewnie, jasno, kolorowo. W domu graj w różnych tempach, na przemian szybko-wolno, uważaj na równość (graj na „ta-ta”)
Kolejny utwór nazywa się „Stary motyw”
3
Amina, sztuka jest jeszcze trochę niedokończona, więc spójrz na notatki. Postaraj się zapamiętać i zrobić wszystko, o czym rozmawialiśmy na zajęciach. Nikołaj Mordasow - rosyjski nauczyciel, kompozytor XX wieku; autor wielu dziecięcych sztuk jazzowych, teoretyk z wykształcenia, autor jazzowych aranżacji-stylizacji i ogromnej ilości kompozycji, których autorstwo bezpowrotnie ginie: cierpiąc na patologiczną nieśmiałość, nauczyciel uważał swoje sztuki za „konieczność produkcyjną” i nie złożył podpisu. Muzyczne instytucje edukacyjne nadal stosują zalecenia metodologiczne N.V. Mordasov o rytmie, rozwoju umiejętności twórczych w muzykowaniu i funkcjonalnym słyszeniu. A w 1999 roku Nikołaj Wasiliewicz Mordasow ostatecznie opublikował dwie kolekcje utworów jazzowych dla dzieci na fortepian i zespół „na cztery ręce”. Jazz zaczął pisać „dużo” tylko dlatego, że wymagała tego praca pedagogiczna. N. Mordasov jest nie tylko muzykiem jazzowym, ale przede wszystkim nauczycielem, a wszystkie jego osiągnięcia twórcze są aktualizowane w praktyce pedagogicznej. Amina gra sztukę
"Stary

motyw
”ze zbioru „Utwory jazzowe na fortepian” N. Mordasova. . W tej kolekcji znajdują się również ciekawe spektakle „Dawno temu”, „Niebieska odległość”, „Droga do domu”, „Do zobaczenia jutro” itp. Czyli wszystkie spektakle mają nazwy, w których ukryty jest obraz artystyczny.
"Stary

motyw"
- jasna, ciekawa gra. Przyjrzyjmy się naszej pracy, zajmijmy się środkami wyrazu, aby odsłonić obraz. Ile części i kogo przedstawia w nich autor? (jednoczęściowa) Wyobraźmy sobie. (Letni wieczór, park miejski. Gdzieś w oddali rozbrzmiewa znajoma stara melodia. Starsza para siedząca na ławce nad stawem, patrząca na młodzież, wspomina ich młode lata). Tempo jest umiarkowane. Tryb Major zdradza czystość i lekkość. Akompaniament akordowy w lewej ręce jest elastyczny, akcenty i synkopy w melodii sprawiają, że wygląda jak tango (
Ta

ngo
(Hiszpański)
tango
) - argentyński taniec ludowy; taniec par o dowolnej kompozycji, charakteryzujący się energicznym i wyraźnym rytmem). Zachowana przez cały utwór dynamika Mf nadaje dźwiękowi pewną równomierność. cztery
Melodia składa się z krótkich motywów, z których każdy ma inne rodzaje akcentów (odmiennie wykonywane). Wiele wiązanych notatek tworzy synkopy. Wymaga to zwiększonej rytmicznej uwagi. Pod tym względem zagramy bardzo ekspresyjnie, ale jednocześnie – delikatnie. W prawej ręce melodia, w lewej akompaniament. Zagramy linię melodyczną w krótkich frazach. Dotyk klawiszy jest głęboki, trzymamy się każdego dźwięku. Pracuj nad wyrazistością motywów i krótkich fraz: Poproś o zaśpiewanie do siebie (przerwa, ruch), a następnie to samo „śpiewaj” na instrumencie. W domu poucz zabawę jak na lekcji. Wykonuj ćwiczenia, aby pracować nad dźwiękiem. Naucz się grać. Najwyższym celem wykonawcy muzyka jest rzetelne, przekonujące ucieleśnienie intencji kompozytora, czyli stworzenie artystycznego wizerunku dzieła. Dziś przekonaliśmy się, że na charakter dzieła muzycznego, jego obraz najbardziej bezpośrednio wpływają środki wyrazu muzycznego. Na koniec lekcji chciałbym podziękować Aminie za jej pracę, za uwagę i reagowanie. Myślę, że wyobrażasz sobie, żyjesz, muzycznie obrazy i grasz te utwory z radością. 5

MIEJSKA INSTYTUCJA EDUKACYJNA

EDUKACJA DODATKOWA DLA DZIECI

„SZKOŁA ARTYSTYCZNA UNECH DLA DZIECI”

na temat: „Tworzenie i rozwój wizerunku artystycznego

w trakcie pracy nad utworem muzycznym"

Zaprojektowany przez:

Skoda T.G.

Omówione i zatwierdzone przez Unechsky

strefowe stowarzyszenie metodyczne

Protokół nr _____

Unecha 2014

MUZYCZNY JĘZYK KOMUNIKACJI 3

KREATYWNA WYOBRAŹNIA I KREATYWNA UWAGA……………………………………………………………………….4

KONCEPCJA „TREŚCI UTWORU MUZYCZNEGO”………………………………………………………………..5

ANALIZA UTWORU MUZYCZNEGO JEST PIERWSZYM KROKEM DO TWORZENIA WIZERUNKU ARTYSTYCZNEGO……………………………………………………………………………………………… ………… …………………………………………5

PROCES SŁUCHANIA MUZYKI………………………………………………………………………………………………………………………8

POZIOM ODPOWIEDZIALNOŚCI EMOCJONALNEJ UCZNIA………………………………………………………………………………………………………9

MYŚLENIE MUZYCZNO-FIGULACYJNE………………………………………………………………………………………………..9

WNIOSEK………………………………………………………………………………………………………………………………… …….jedenaście

Załącznik nr 1……………………………………………………………………………………………………………………………… …….13

Załącznik nr 2……………………………………………………………………………………………………………………………… …….16

Załącznik nr 3……………………………………………………………………………………………………………………………… …….osiemnaście

Załącznik nr 4……………………………………………………………………………………………………………………………… …….20

Załącznik nr 5……………………………………………………………………………………………………………………………… … …….22

WPROWADZANIE

Obecnie edukacja muzyczna jest integralną częścią kształtowania kultury duchowej jednostki, opartej na rozwijaniu jej umiejętności muzycznych i umiejętności opanowania uniwersalnych wartości kulturowych. Celem edukacji muzycznej dzisiejszej młodzieży szkolnej jest wprowadzenie uczniów w świat wielkiej sztuki, nauczenie ich miłości do muzyki w całym bogactwie jej form i gatunków, innymi słowy kształcenie uczniów w kulturze muzycznej w ramach ich całą kulturę duchową, aby wyrosnąć na kompetentnego słuchacza, konesera muzyki w szczególności i sztuki w ogóle, osoby twórczo wykształconej, rozwiniętej intelektualnie.

W związku z tym pojawia się pytanie: czego my, nauczyciele - muzycy, uczymy naszych uczniów? Jaki jest oczekiwany efekt nauczania dzieci w szkole muzycznej? Co należy zrobić, aby sztuka nie była wyobcowana dziecku, ale stała się częścią jego duszy? Jak sprawić, by lekcja specjalności była lekcją poznawania siebie i otaczającego świata, lekcją kreatywności? Na to pytanie będziemy mogli odpowiedzieć, gdy będziemy uczyć kochać muzykę, kiedy dzieci zaczną odczuwać i rozumieć jej głęboki sens. Oraz nauczycielowi, kierującemu się mottem „Przenikaj duszę przez muzykę! Poprzez muzykę do zrozumienia siebie i otaczającego świata!” należy stworzyć dzieciom wszelkie warunki do poznania tajemnicy tej formy sztuki.

Ogólne zadanie nauczania w szkole muzycznej można określić jako rozwijanie w uczniach zamiłowania do muzyki, umiejętności emocjonalnego reagowania na utwory muzyczne, jasności ich percepcji oraz zapewnienie wszechstronnego treningu muzycznego, który umożliwiłby im wykonywanie utworów różnych stylów i gatunków, odsłaniając przed słuchaczem ich artystyczną treść. Jednym z najważniejszych zadań nauczyciela-muzyka jest kształtowanie w uczniu wizerunku artystycznego podczas odtwarzania utworów muzycznych.

MUZYCZNY JĘZYK KOMUNIKACJI

Koncepcja, że ​​muzyka jest szczególnym językiem komunikacji, językiem muzycznym, jest bezdyskusyjna, podobnie jak język komunikacji między ludźmi. Staram się przekazać ten punkt widzenia moim uczniom, stworzyć skojarzeniowy łącznik między utworami muzycznymi i artystycznymi, porównując sztuki z wierszami, bajkami, opowieściami, wydarzeniami i nastrojami otaczającego życia. Oczywiście nie należy rozumieć języka muzyki w sensie dosłownym jako języka literackiego. Środki wyrazu i obrazy w muzyce nie są tak wyraźne i konkretne jak obrazy literatury, teatru i malarstwa. Muzyka działa poprzez oddziaływanie czysto emocjonalne, odnosi się głównie do uczuć i nastrojów ludzi. „Jeśli wszystko, co dzieje się w duszy człowieka, można przekazać słowami” – napisał rosyjski krytyk muzyczny i kompozytor A.N. Serov, - nie byłoby muzyki na świecie! Nie należy stawiać znaku równości między językiem muzyki a zwykłym językiem literackim, a ponieważ różni muzycy - wykonawcy na różne sposoby odbierają i wykonują ten sam tekst muzyczny, wprowadzając do tekstu muzycznego swoje artystyczne obrazy, uczucia, myśli.

Muzyka instrumentalna nie jest w stanie wyrazić konkretnych pojęć tak konkretnie jak język mówiony, ale czasami osiąga tak zniewalającą moc, że jest trudna lub niemożliwa do osiągnięcia za pomocą języka mówionego. „Mówisz, że potrzebne są tu słowa. O nie! To właśnie tutaj słowa nie są potrzebne, a tam, gdzie są bezsilne, „język muzyki” pojawia się w pełni uzbrojony, powiedział wielki P. I. Czajkowski.

Świat obrazów muzycznych jest niezwykle rozległy: każde pełnowartościowe artystycznie dzieło ma niepowtarzalną treść, ujawnia własną gamę obrazów – od najprostszych po te, które zadziwiają głębią i wymową. Cokolwiek uczeń gra – pieśni ludowe, tańce, sztuki współczesnych kompozytorów czy muzykę klasyczną – musi rozumieć to dzieło, zdawać sobie sprawę z ekspresyjnego znaczenia każdego szczegółu i umieć je wykonać, tj. przekazywać treści artystyczne w swojej grze. Nauczyciel będzie mógł rozwinąć w uczniu umiejętność takiego rozumienia muzyki tylko wtedy, gdy przez wszystkie lata zajęć będzie poważnie pracował w tym kierunku i nigdy nie dopuści do bezsensownego wykonania.

KREATYWNA WYOBRAŹNIA I KREATYWNA UWAGA

Podczas pracy nad artystycznym wizerunkiem dzieła muzycznego głównym zadaniem nauczyciela jest rozwinięcie w uczniu szeregu umiejętności, które przyczyniają się do jego „entuzjastycznego” grania. Należą do nich twórcza wyobraźnia i twórcza uwaga. Edukacja twórczej wyobraźni ma na celu rozwijanie jej jasności, elastyczności, inicjatywy. Na pierwszych lekcjach, po wykonaniu „Kołysanki” uczniowi, proszę go o wyjaśnienie celu piosenki, opisanie jej charakteru. Albo wręcz przeciwnie, wykonując dla niego wesołą taneczną piosenkę, proponuję powiedzieć, co może pokazać, proszę o narysowanie kilku momentów jej wykonania. Kolejnym krokiem w pracy jest określenie cech emocjonalnych głównych (lekki, radosny, optymistyczny) i mniejszych (przytłumiony, smutny, smutny), co dodatkowo przyczynia się do dokładniejszego postrzegania charakteru utworu muzycznego. Proszę o wykonanie ilustracji do utworów muzycznych - rysunków, na których dziecko pokazuje swoje postrzeganie wykonywanej muzyki.

Fantazję muzyczną trzeba rozwijać za pomocą udanych metafor, obrazów poetyckich, analogii ze zjawiskami natury i życia, aby w wyobraźni gracza powstawały skojarzenia figuratywne, na żywo bardziej zmysłowe i konkretne obrazy dźwiękowe, różnorodne barwy i kolory.

Podam kilka przykładów z mojej praktyki.

Dodatek #1 - 3

Umiejętność żywego i wyrazistego wyobrażenia obrazu artystycznego jest charakterystyczna nie tylko dla wykonawców, ale także dla pisarzy, kompozytorów i artystów. Ale dostają materiał z życia codziennego, a muzyk nie ma gotowego materiału muzycznego dla wyobraźni. Potrzebuje ciągłego zdobywania specjalnych doświadczeń, musi umieć słyszeć i dokonywać selekcji. Dlatego niezbędnym warunkiem rozwijania wyobraźni twórczej muzyka jest wysoki poziom kultury słuchowej.

Przykład (Załącznik nr 4) - B. Samoilenko „Raz, dwa - w lewo!”

Skoro mówimy o tworzeniu i rozwoju wizerunku artystycznego, konieczne jest zdefiniowanie, co należy rozumieć pod pojęciem „treści utworu muzycznego”. Powszechnie przyjętą koncepcją jest to, że treść w muzyce jest artystycznym odzwierciedleniem za pomocą muzycznych środków ludzkich uczuć, doświadczeń, idei, postaw człowieka wobec otaczającej go rzeczywistości. Każdy utwór muzyczny wywołuje określone emocje, myśli, określone nastroje, przeżycia, idee. Jest to artystyczny składnik kompozycji muzycznej. Ale oczywiście przy jej wykonywaniu nie należy tracić z oczu technicznej strony muzykowania, gdyż niestaranne wykonanie utworu muzycznego nie przyczynia się do wytworzenia pożądanego obrazu w słuchaczu. Oznacza to, że nauczyciel i uczeń stają przed dość trudnym zadaniem – połączyć te dwa obszary podczas pracy nad utworem muzycznym, zsyntetyzować je w jedno systematyczne, holistyczne podejście, metodę, w której ujawnianie treści artystycznych jest nierozerwalnie związane z skuteczne przezwyciężenie ewentualnych trudności technicznych.

ANALIZA UTWORU MUZYCZNEGO JEST PIERWSZYM KROKEM DO TWORZENIA WIZERUNKU ARTYSTYCZNEGO

Niewątpliwie najciekawszym zajęciem dla uczniów na lekcjach specjalności jest praca nad artystycznym utworem muzycznym.

Rozpoczynając pracę nad przedstawieniem, analizując treść pracy z uczniem, wielu nauczycieli często popełnia błędy w dwóch przeciwnych kierunkach. Dla pierwszego charakterystyczne jest to, że nauczyciel stara się nauczyć dzieci „widzieć” szczegółowo analizowane dzieło, stara się opowiedzieć jego treść słowami, stworzyć „literacką fabułę”. W efekcie uczeń aktywnie fantazjuje, rysuje kolorowe obrazy, nie zwracając uwagi na techniczną stronę spektaklu, przez co nie może przekazać słuchaczowi swoich obrazów ze względu na techniczną niedoskonałość spektaklu. Do drugiego kierunku dołączają nauczyciele, którzy kierując się tym, że muzyka jest sztuką dźwięków i oddziałuje bezpośrednio na nasze uczucia, generalnie zaniedbują przedstawienia figuratywne, uważają za niepotrzebne mówienie o muzyce i ograniczają się do „czystego dźwięku”, technicznie doskonałych i nie potrzebujące żadnego działania skojarzeń. Który z tych kierunków jest najbardziej akceptowalny w rozwoju muzycznym ucznia? Prawdopodobnie – prawda, jak zawsze, jest gdzieś pośrodku, a to, czy wykonawca znajdzie „złoty punkt przekroju”, zależy od tego, czy odniesie sukces z publicznością.

Analizując utwór muzyczny, staram się zanurzyć umysł dziecka w atmosferze, w której ten utwór został napisany, szczegółowo przeanalizować jego strukturę, ustalić plan tonalny, określić kulminację, określić jakimi środkami wyrazu i technikami temat przewodni , zostaną pokazane odmiany. Należy zauważyć, że większość informacji o utworze muzycznym przekazywanym uczniom przez nauczyciela ma formę opisów słownych, obrazków i pewnych skojarzeń. Na ich podstawie uczniowie odtwarzają sobie wymowny obraz analizowanej kompozycji muzycznej (wygląd bohatera utworu muzycznego, przeszłe wydarzenia, bezprecedensowe pejzaże, bajkowe obrazy, przyroda itp.). I tutaj jest bardzo ważne – czy nauczyciel będzie w stanie rozbudzić i rozwinąć zainteresowanie muzyką swoją ekspresyjną i emocjonalną historią. To na tym etapie określana jest dalsza ścieżka rozwoju początkującego wykonawcy: czy będzie podążał ścieżką twórczego myślenia, czy ścisłego wykonania tekstu muzycznego. Należy przy tym zwracać uwagę tylko na: często, chcąc jak najpełniej wyjaśnić uczniowi znaczenie muzyki, nawet doświadczeni nauczyciele-muzycy podążają ścieżką nadmiernego dookreślania wizerunku, dobrowolnie lub mimowolnie zastępując muzykę z opowieścią o tym. Jednocześnie to nie nastrój muzyki wysuwa się na pierwszy plan, nie stan psychiczny, który zawiera, ale wszelkiego rodzaju detale, zapewne ciekawe, ale odbiegające od muzyki.

W grze jakościowej konieczne jest studiowanie pracy „od środka”, dlatego analiza odgrywa znaczącą rolę w mojej pracy nad pracą. Trzeba wszystko zrozumieć, ponieważ zrozumienie to zrobienie pierwszego kroku w kierunku zakochania się. Postrzeganie muzyki jest nierozerwalnie związane z formą. Gorące emocjonalne reakcje na muzykę nie tylko nie są w konflikcie, ale wręcz przeciwnie, są ugruntowane dzięki sprytnej analizie logicznej. Naciąganie gasi twórczy płomień, namysł - pobudza emocjonalne siły twórcze.

W analizie nie może być określonego schematu. Każda praca posiada unikalne cechy, które nadają jej indywidualności i uroku. Odnalezienie ich i zaprezentowanie to zadanie nauczyciela. Właściwe wykorzystanie metod i technik przez ucznia jest kluczem do profesjonalnej i emocjonalnej gry. Zadaniem nauczyciela jest pomóc odsłonić pracę, skierować ją we „właściwym kierunku”, ale jednocześnie dać mu możliwość samodzielnego przedstawienia treści pracy, poznania swoich myśli i pragnień.

Wielu praktykujących nauczycieli przywiązuje niewystarczającą uwagę do rozwoju procesów myślowych podczas pracy nad materiałem muzycznym. Analiza utworu muzycznego jest często po prostu pomijana, skupiając się na czystym wykonaniu tekstu muzycznego. W efekcie uczniowie mają słabo rozwinięte myślenie muzyczne i artystyczne, niezbędne do intelektualnego i intuicyjnego odbioru muzyki. Tymczasem, jak kształtowanie obrazu artystycznego opiera się na wszechstronnym zrozumieniu dzieła, co jest niemożliwe bez emocjonalnego i intelektualnego początku. Wnikliwa analiza artystyczna i teoretyczna badanej kompozycji pobudza wzmożone zainteresowanie, aktywuje emocjonalny stosunek do niej. Na tym etapie oryginalnie wykreowany obraz artystyczny rozwija się, nabiera jaśniejszych kolorów, staje się obszerny, żywy.

Wyobraźnia odtwarzająca (reprodukcyjna), która jest „odpowiedzialna” za tworzenie i rozwój obrazów artystycznych, rozwija się u uczniów w procesie nauki gry na instrumentach muzycznych poprzez kształtowanie umiejętności rozpoznawania i przedstawiania implikowanych stanów obrazów muzycznych, umiejętności zrozumieć ich pewną umowność, czasem niedopowiedzenie, umiejętność wnoszenia własnych emocji w przeżycia podane nam przez kompozytora.

Już na etapie zapoznawania się z dziełem nakreślam pierwsze dotknięcia ewentualnego obrazu artystycznego, opowiadając uczniowi o kompozytorze, jego twórczości, czasie powstania konkretnego spektaklu. Nauczyciel musi posiadać nie tylko głęboką wiedzę muzyczną i teoretyczną, ale także bardzo wysoką technikę pracy pedagogicznej: potrafić odpowiednio podejść do każdego ucznia, uwzględniając jego indywidualne możliwości, w celu udzielenia niezbędnej pomocy w pracy nad treścią muzyczną i możliwe trudności techniczne. Od nauczyciela wymaga się zatem stałej wysokiej wrażliwości emocjonalnej na treść artystyczną utworów muzycznych, nad którymi pracuje jego uczeń, kreatywnego podejścia do ich interpretacji i sposobów na opanowanie ich specyficznych trudności. Ważne jest, aby za każdym razem móc spojrzeć świeżym okiem na kompozycję muzyczną, nawet w przypadkach, gdy trudno jest znaleźć nowy szczegół interpretacji w dawno znanym utworze. Niemal zawsze można, bazując na wcześniejszych doświadczeniach, dokonać pewnych usprawnień w procesie opanowania tej pracy przez ucznia, przyspieszyć opanowanie jej trudności, a przez to uczynić pracę interesującą zarówno dla siebie, jak i dla ucznia.

Nauczyciel musi opanować instrument i umieć pokazać analizowany utwór w jego artystycznej interpretacji. Oczywiście występ w klasie musi być dla ucznia równie jasny, ekscytujący, emocjonalny, jak na dużej scenie.

Zasada: „Najpierw graj tak jak ja, a potem jak uznasz za stosowne” nie powinna w żaden sposób wpływać na samodzielność twórczą ucznia. Każdy z uczestników procesu edukacyjnego, zarówno nauczyciel, jak i uczeń, ma prawo do własnej wizji wizerunku muzycznego i artystycznego.

PROCES SŁUCHANIA MUZYKI

Pracując nad utworem muzycznym, staram się nauczyć dziecko słuchania samego siebie, ponieważ umiejętność słyszenia, rozumienia, rozumienia tego, co tkwi w utworze muzycznym, jest podstawą umiejętności wykonawczych. Często mamy do czynienia z tym, że uczeń po prostu bawi się ogólnym dźwiękiem, nie słuchając i nie skupiając się na tym, co na tym etapie jest głównym zadaniem. Praca nad dziełem powinna zmuszać ucznia do słuchania siebie z zewnątrz. Trzeba dążyć po pierwsze do pełnego, miękkiego, a po drugie do jak najbardziej melodyjnego brzmienia. Nie bez powodu jedną z najwyższych pochwał dla wykonawcy jest „jego instrument śpiewa”. Śpiew, melodyjność jest głównym prawem wykonawstwa muzycznego, siłą napędową muzyki.

Bardzo ważny jest proces słuchania muzyki. Powinny to być określone przez określone zadania: wsłuchanie się w schemat rytmiczny, ruchy melodyczne, melizmaty, zmiana uderzeń, techniki wydobywania dźwięku, cisza, przystanki, pauzy. A nawet pauz trzeba słuchać! To też jest muzyka, a słuchanie muzyki nie zatrzymuje się ani na minutę. Bardzo przydatna jest gra z zamkniętymi oczami. To pomaga skupić ucho. Analiza jakości gry będzie ostrzejsza. Wszystkie istniejące „błędy” będą lepiej słyszane, ponieważ przy takim szkoleniu pogarsza się percepcja słuchowa. Oglądając grę ucznia często słyszymy takie mankamenty jak niesłuchanie długich dźwięków, nieumiejętność wyodrębnienia głównego głosu i zmiękczenia innych, nieumiejętność dobrania odpowiedniego tempa, ułożenia frazowania, narysowania poprawnej emocjonalnie linii dynamicznej. Dotyczy to zwłaszcza gry w kantylenę.

POZIOM ODPOWIEDZIALNOŚCI EMOCJONALNEJ UCZNIA

Staram się kierować myśli ucznia we właściwym kierunku rozumowania, pomagam zrozumieć treść pracy, prawie zawsze potrafię określić poziom wrażliwości emocjonalnej mojego ucznia. Jeśli nie wystarczy ucieleśnienie obrazu artystycznego, to szukam sposobów, aby go w nim obudzić.

Zdarza się, że uczeń jest uczuciowy, ale nie rozumie, nie czuje tej konkretnej muzyki. Tak jak w muzyce czasami trudno jest wyrazić spokój w całej jego głębi, tak trudno jest okazywać radość. Najczęściej „nacisk” się udaje, a jego odwrotną stroną jest letarg i obojętność. Często zdarza się, że uczeń nie ma żadnych pozorów nastroju. Nauczyciel „skleja” cały „nastrój” staranną pracą, a podczas wystąpień publicznych szybko „odlatuje”, odsłaniając istotę ucznia.

Jak pomóc uczniowi w przezwyciężeniu niskiej emocjonalności? Wyjaśniając uczniowi, co ma robić, od razu pokazuję, jak to się robi, znowu i znów wracam do akcji, pewnego ruchu.

Często zdarza się, że pokazując ruch i oczywiście grając go samemu, można „obudzić” ucznia. Nauczyciel wymaga maksymalnej wytrzymałości i cierpliwości, aby osiągnąć od ucznia sensowne działanie. W końcu uczeń nie powinien zamieniać się w „marionetkę”. Każdy jego ruch powinien być wypełniony uczuciem, a także świadomością, że on sam tego chce.

MYŚLENIE MUZYCZNO-FIGULACYJNE

Dzięki dobrej znajomości tekstu można całkowicie oddać się potędze muzycznego i figuratywnego myślenia, ekspresji własnej wyobraźni, temperamentu, charakteru, innymi słowy - wszelkiej integralności osobistej. Obraz artystyczny ma dostęp nie do struktury tekstu muzycznego, ale do sfery osobistej wykonawcy, gdy sam człowiek staje się niejako kontynuacją dzieła muzycznego. Jeśli chodzi o wysokie motywy zwrócenia się ku muzyce, to widoczna jest emocjonalna i estetyczna aktywność wykonawcy. To jest myślenie muzyczno-figuratywne.

Wyobrażeniowe myślenie ucznia to nowa formacja jego świadomości, która implikuje zasadniczo nowe podejście do gry muzycznej.

Muzyczny obraz performera-artysty jest tym uogólnionym „obrazem” jego wyobraźni, który „kieruje” bezpośrednim wykonaniem poprzez swoje uniwersalne składniki. Zarówno w kompozycji, jak i wykonaniu decydującym ogniwem jest intuicja. Oczywiście technika i rozum są niezwykle istotne. Im bardziej subtelne doświadczenia duchowe wykonawca musi ujawnić, tym bardziej czuły i rozwinięty musi być jego aparat techniczny. Ale palce będą milczeć, jeśli dusza milczy. Potrzebny jest rozsądek, aby dokładnie określić każdy aspekt pracy. Ostatecznie jednak główna rola przypada intuicji, warunkiem determinującym twórczość jest wyczucie muzyczne, polot muzyczny.

WNIOSEK

Widząc więc budynek muzyczny dzieła jako całość, określając jego elementy, nakreślając rozwój, kulminację, finał, rozkładając każdy element na frazy, rozumiemy, że największy, najpiękniejszy, majestatyczny budynek składa się z małych cegieł (dosłownie - słupy). I każda z tych cegieł jest piękna sama w sobie i jako całość. Wykonawca rozróżnia poszczególne motywy-postacie, ich wzajemny rozwój, kontrast i podobieństwo obrazów. Należy zauważyć, że praca nad treściami artystycznymi z konieczności odbywa się poprzez zrozumienie struktury, logiki planu tonalnego, harmonii, prowadzenia głosu, faktury badanego utworu, tj. cały zespół środków artystycznych, wyrazowych i technicznych, którymi posługuje się kompozytor. Jednocześnie opracowanie obrazu obejmuje nie tylko analizę jego struktury, ale także identyfikację roli każdego elementu struktury muzycznej w ujawnianiu idei i emocji tkwiących w tym dziele zgodnie z intencją kompozytora. Biorąc to pod uwagę zdajemy sobie sprawę, że rozwijając myślenie artystyczne i figuratywne nie należy w żaden sposób tracić z pola widzenia jego intelektualnego komponentu.

Tak więc, po uważnym przestudiowaniu dzieła z punktu widzenia formy muzycznej, ponownie, cegła po cegle, składamy je w całość, w pełni rozumiejąc cel każdego ceglanego taktu, każdą nutę-literę w słowie, ich rolę w całości. budowa prezentacji muzycznej. Jednocześnie praktycznie nie ma problemu zapamiętywania na pamięć. Student pokonuje każdy takt, interwał, nawet jedną nutę (zwłaszcza w utworze kantylenowym), nie zapamiętując tekstu, ale "przyzwyczajając się" do niego, rozwijając i doskonaląc swój muzyczny i artystyczny wizerunek.

W tym raporcie nie rozważam technologicznej strony pracy nad tekstem utworu muzycznego. Mówimy o emocjonalnym i artystycznym rozumieniu materiału muzycznego, który obejmuje:

1. ogólne wrażenie pierwszego odtworzenia utworu,

2. podział na części, które są znaczącym, logicznie wypełnionym elementem badanego dzieła,

3. sensowne połączenie części, epizodów poprzez ustalenie między nimi podobieństw i różnic pod względem emocjonalnym i technicznym, porównanie języka tonalnego i harmonicznego, akompaniamentu, cech prowadzenia głosu, faktury itp., a w efekcie - a połączenie różnych obrazów artystycznych, rozwój powiązań skojarzeniowych .

Oczywiście taka praca wymaga dużo czasu. Wielu nauczycieli, realizując program, nie pozwala sobie i uczniowi zagłębić się w artystyczny komponent utworu muzycznego, budując swoją pracę na ścisłym wykonaniu tekstu muzycznego, jego wielokrotnych, monotonnych powtórzeniach. W wyniku takiej pracy materiał muzyczny jest stopniowo poznawany na pamięć, „wchodzi w palce”. Rzeczywiście, całe obciążenie podczas takich czynności spada na pamięć ruchowo-ruchową (pamięć palców). Zapamiętywanie jest mechaniczne, nieświadome. Wykonanie tak wyuczonego na pamięć utworu pozbawione jest sensu, uczniowie grają „jedną nutę”, nie rozumiejąc znaczenia muzyki. Być może młody muzyk wykonuje utwór dość czysto, ale czy ma to jakiś sens?

Głównym zadaniem w pracy nad figuratywną strukturą utworów muzycznych jest stworzenie uczniowi warunków do artystycznego wykonania poznanych utworów, aby dziecko mogło poczuć się jak muzyk-artysta. Idealnie, inspiracja powinna pojawiać się, gdy dziecko zwraca się do muzyki. Udane, błyskotliwe, przepełnione emocjami, a jednocześnie głęboko przemyślane przedstawienie kończące pracę nad dziełem zawsze będzie dla ucznia ważne, a czasem może okazać się dużym osiągnięciem, swego rodzaju twórczym kamieniem milowym na pewien etap jego edukacji.

Dlatego praca nad artystycznym wizerunkiem utworu muzycznego powinna być wieloaspektowa. Uczeń i nauczyciel są pełni entuzjazmu i miłości do swojej pracy. To z kolei dopełnia indywidualność ucznia i wielki urok osobowości nauczyciela. W tym wiecznym zjednoczeniu rodzi się wielka różnorodność form i metod pracy nad artystycznymi obrazami dzieł muzycznych.

Wniosek nr 5

Załącznik 1.

Oto tematyczna piosenka dla dzieci „Wesołych gęsi”.

Odtwarzam tę piosenkę uczniowi i pytam, jaki to charakter, co reprezentuje, jaki obraz można narysować. Skoro spektakl jest wesoły, komiczny, jasny (dur), to musi być wykonany w taki sposób, aby słuchacz odczuł nastrój tej piosenki. Bas i akordy w lewej ręce grane są krótko i łatwo. Pierwsze dwie frazy (połączona melodia) to opowieść o życiu i sztuczkach gęsi, a kolejne dwie to gęsi niezdarne, przedstawione w piosence z przewiązanymi ósemkami, z których pierwsza jest podkładem.

Aplikacja №2

Kolejna piosenka dla dzieci - M. Kachurbina „Niedźwiedź z lalką tańczy pole”

Słowa tej piosenki od razu ujawniają cały charakter: wesoło, tańcząc, wykonujemy swobodnie i naturalnie.

Wniosek nr 3

Kolejna piosenka dla dzieci - G. Kryłowa „Nasz kogut zachorował”

Pieśń smutna, żałosna, napisana w tonacji molowej. Dźwięki mówią nam o chorym kogutku, który stracił głos...

Wniosek nr 4

Pierwsze zdanie to marsz dzieci, wyraźny rytm akompaniamentu i poszczególne dźwięki w melodii oddają stukot formacji marszowej.

Drugie zdanie to ćwiczenie palców na jednym dźwięku (fa) w odpowiednim rytmie, naśladując bębnienie.

Trzecie zdanie - mały trębacz zwołuje chłopaków do dobrych uczynków.

Wniosek nr 5

R. n.p. przyb. A. Sudarikova „Jak pod wzgórzem, pod górą”

Aleksander Fiodorowicz Sudarikow jest znanym moskiewskim pedagogiem, kompozytorem, przez 30 lat był redaktorem muzycznym wydawnictwa Composer, jest autorem i kompilatorem literatury muzycznej i metodycznej na bajan i akordeon.

Często praca nad dziełem zaczyna się od słów piosenki. Oto on: „Jak pod wzgórzem, pod górą, stary człowiek handlował popiołem…” A dlaczego popiół? Można powiedzieć, że popiół jest dobrym nawozem dla ziemniaków, ale dokładniejszym wyjaśnieniem jest to, że w czasie, gdy pisano tę piosenkę, popiół był doskonałym detergentem i wybielaczem, dlatego stary człowiek handlował raczej „handlowym” produktem. Forma utworu to temat z wariacjami, pisany w tonacji C-dur.

Tak więc staruszek i jego wnuk udają się na jarmark, żeby sprzedać prochy. Wprowadzenie to przejażdżka wózkiem. Akordy w lewej ręce brzmią spójnie, oddając skrzypienie kół… Tematem przewodnim jest zejście z góry na jarmark, potem – budka, bufony śpiewają i tańczą. Rytmiczny wzór melodii podkreśla świąteczny nastrój. Błazen gra na harmonijce - futerku tremolo. Niedźwiedź tańczy - ruch basu. Kolejna odmiana to uniwersalna radość i taniec. Ale wakacje to święto i musisz wrócić do domu. Tempo zwalnia, fermata... A potem rozbrzmiewająca melodia opowiada o smutku starca, który mimo ogólnego święta został zmuszony do opuszczenia jarmarku. Szkoda oczywiście, że wszystko się kończy... Znowu Fermata. I ostatnia wariacja tempa Allegro – „Ale i tak było super!”

Jak pod wzgórzem, pod górą...
Jak pod wzgórzem, pod górą
Stary człowiek handlował prochami!
Moje ziemniaki, wszystkie smażone!

Dziewczyna przyszła
"Sprzedaj popiół, dziadku!" -
"Jak szalony, dziewczyno?" -
"Za grosz, dziadku!" -

– O co się złościsz, dziewczyno? -
„Wybiel płótno, dziadku!” -
„Co wybielić, dziewczyno?” -
„Musisz sprzedać, dziadku!” -

– Za co sprzedać, dziewczyno? -
"Potrzebujemy pieniędzy, dziadku!" -
– Na co są pieniądze, dziewczyno? -
„Kup pierścionek, dziadku!” -

– Do czego służy pierścionek, dziewczyno? -
„Daj chłopaki, dziadku!” -
– Za co dać, dziewczyno? -
„To boli, dziadku!” -

Przed chłopcami
Pójdę z palcami!
Przed starymi ludźmi
Pójdę z białym biustem!

Odsuńcie się ludzie
Taniec mnie zabiera!

Lekcja gry na pianinie

Temat:

Cel lekcji: Ujawnianie artystycznego wizerunku za pomocą środków wyrazu muzycznego.

Cel lekcji:

1.Edukacyjne:

- nauczyć technik produkcji dźwięku, które przyczyniają się do ujawnienia utworu muzycznego.

2. Opracowanie:

- rozwój myślenia muzycznego i artystycznego, aktywności twórczej, emocjonalnych i wolicjonalnych sfer osobowości, tworzenie motywacji do zdobywania wiedzy i umiejętności do osiągnięcia celu.

Rozwijaj wyobraźnię muzyczną i wydajność.

3. Edukacyjne:

Stałe zainteresowanie zajęciami, zamiłowanie do sztuki we wszystkich formach, kształtowanie gustu artystycznego i estetycznego.

Metody lekcji:

Wyjaśnienie

Pytania do ucznia i odpowiedzi na nie

Student grający na instrumencie

Rodzaj lekcji:

- utrwalenie nabytych umiejętności

Ekwipunek:

fortepian

Uwagi

Plan lekcji

Etapy pracy:

1. CZAS ORGANIZACYJNY

Prezentacja i psychologiczny moment przystosowania się ucznia, sprawdzenie prawidłowego dopasowania za instrumentem.

2. KONTROLA WIEDZY

Słuchanie pracy i dialog z uczniem.

3. PRZEKAZYWANIE NOWEJ WIEDZY

Dialog z uczniem: analiza formy, analiza planu tonalnego, analiza interwałowej kompozycji melodii, wokalizacja muzyki instrumentalnej, barwa melodii, praca nad kantyleną, praca nad akompaniamentem, praca na pedale , znalezienie obrazu muzycznego i odpowiedniego wydobycia dźwięku w utworze. Słuchanie nagranego utworu.

Ilustracja nauczyciela przy instrumencie.

Tempo-rytm: określenie tempa odpowiadającego możliwościom technicznym ucznia i charakterowi pracy.

4. MOCOWANIE

Uogólnienie zdobytej wiedzy, fragmentaryczne wykonywanie pracy z wykorzystaniem nowej wiedzy.

5. PRACA DOMOWA

Utrwalenie nabytych umiejętności i zdolności mentalna reprezentacja każdego zadania przed jego wykonaniem. Realizacja wszystkich zaplanowanych zadań w ramach przygotowań do lekcji.

6. PODSUMOWANIE

Podsumowanie lekcji i ocena.

Podczas zajęć:

Dziś mamy uczennicę czwartej klasy. wydział fortepianu Abdikarim Madina uogólniający lekcję na ten temat:„Obraz artystyczny w utworze muzycznym”

Na przykład wzięliśmy sztukę M. Partskhaladze „W starym stylu”

Dzisiejszą lekcję chciałbym rozpocząć słowami Neuhausa: „Muzyka to sztuka dźwięku”, a ponieważ to jest sztuka dźwięku, to naszym głównym zadaniem jest nad nią pracować. Sama muzyka, jak wiemy, nie przemawia słowami i pojęciami, ale muzycznymi dźwiękami.

I tak praca nad dźwiękiem jest nierozerwalnie związana z pracą nad obrazem artystycznym. I to właśnie za pomocą dźwięków muzycznych uczeń musi ujawnić poetycką treść dzieła.

Nasza praca nad wizerunkiem artystycznym będzie się składać z kilku etapów:

1. parsowanie formy

2.analiza planu tonalnego

3. analiza składu interwałowego melodii

4.wokalizacja melodii instrumentalnej

5. kolor barwy melodii;

6. praca na kantelenie, technologiczna. techniki wykonawcze

7. prace konserwacyjne

8. pracuj na pedale

9.wniosek etap - uogólnianie, gdy wydajność jako całość jest już poprawiana.

I tu ważną rolę odgrywa kunszt i emocjonalność ucznia.

Teraz Madina i ja jesteśmy właśnie na ostatnim etapie, a celem naszej lekcji jest powtórzenie i utrwalenie wszystkich etapów. I dom. temu właśnie celowi poświęcono zadanie, tj. powtórzenie i utrwalenie materiału objętego.

To wszystkie te etapy chcemy pokrótce pokazać w naszej dzisiejszej lekcji.

Madinochko, zagraj teraz cały utwór, ale zanim zaczniesz go wykonywać, przypomnij nam, jak nazywa się twoje dzieło i kto jest kompozytorem? Co o nim wiesz?

Tak, Merab Alekseevich Partskhaladze to kompozytor sowiecki i gruziński, absolwent Konserwatorium Moskiewskiego. Znany jako kompozytor piosenek dziecięcych i utworów fortepianowych.

Proszę…

Pokrótce przejdziemy przez wszystkie nasze etapy.

Scena 1 To jest parsowanie formularza. Jaka jest forma utworu?

Student: Jednoczęściowy formularz z kodem

OK, ile jest ofert?

Uczeń: Dwa

Powiedz mi, czym one są? Taki sam, inny, podobny?

W drugim zdaniu pojawia się nowy motyw, którego nie było w zdaniu pierwszym, ale generalnie podstawa melodii jest taka sama.

Ten motyw w drugim zdaniu, co nam w ogóle daje?

Prowadzi do miejsca głównego, do punktu kulminacyjnego.

Przy okazji, jaki jest punkt kulminacyjny?

Student: To jest główne miejsce w pracy.

Tych. ten motyw nie pojawia się przypadkowo. Kim jest pierwszy? Powiela temat (gra nauczyciela)

Stopniowo motyw ten staje się aktywny, decydujący i doprowadza nas do kulminacji.

Oznacza to, że ta analiza formy daje nam sensowne wykonanie, a to jest 1 krok do sensownego wykonania, czyli do wyrazistości chudego. Obraz.

Etap 2 - To jest analiza tonalna. Jaki jest ton naszej pracy?

Student: nieletni.

Prawidłowo. Według Neuhausa analizowaliśmy każdą tonację i jej kolorystykę. Swoją drogą, kim jest Neuhaus, wspominam o nim już po raz drugi.

Heinrich Stanislavovich Neuhaus to przede wszystkim osobowość. Osobowość jest głęboka i wieloaspektowa. Pianista, organizator centrum muzycznegoNeuhaus , pisarz - jest swoistym fenomenem współczesnej kultury.

A teraz proszę powiedz mi, jakim kluczem jest a-moll?

Uczeń: delikatny, kruchy.

To właśnie daje nam impuls, abyśmy rozumieli, jak zacząć grać utwór.

Jeśli a-moll jest kruche, delikatne., to powinno brzmieć tak

(pokaz nauczyciela)

Tak, 2 znaki - to jest tonacja płaska, daje ciemniejszy kolor, dlatego wykonanie powinno być już bardziej nasycone (pokaz), potem przechodzimy do d-moll, a jeszcze dalej do c-moll, jeszcze ciemniejsza, namiętna tonalność. Co nam to daje? To daje nam dramat. Jest to więc już nasz drugi krok do ekspresyjnego wykonania.

Etap 3 analiza struktury interwałowej melodii

Cała nasza melodia podzielona jest na motywy. Oto pierwszy motyw, jak jest zbudowany?

(gra nauczyciela)

Tak, ruch progresywny.

Tak dobry, drugi motyw? Mniej więcej to samo, tylko na końcu jest skok, szeroka interwał szósty, musi też być słyszalny.

Trzeci motyw jest z siódmym.

Jaki jest siódmy interwał w charakterze?

Tak, groźny, spięty, a ponieważ jest spięty, musimy to wymówić, prawda?

Słychać mentalnie, a to też krok w stronę ekspresyjnego wykonania, to kolejna część, z której kształtuje się nasz wizerunek.

Tak, sekundy, co to za intonacje?

Pytające, płaczące, narzekające, czyli tu trzeba usłyszeć, zapytać o dźwięk, ale co będzie dalej?

Etap 4- wokalizacja melodii

Do czego to służy i do czego służy?

Oznacza to, że uczeń próbuje śpiewać melodię z nutami. Co nam to daje?

To daje nam słyszenie każdego dźwięku i przewidywanie następnego. Uczeń stara się prowadzić melodię dzięki wokalizacji tej melodii.

Teraz spróbujmy z dyrygowaniem. Dyrygowanie daje nam rytmiczną organizację.

Jaki mamy tu rozmiar? Tak, 4 kwarty i zagram z tobą.

Dostrój a-moll, dam ci strojenie.

Więc przestańmy, wyciągasz nutę „do”, a potem bierzesz oddech przed „re”, myślisz, że to prawda?

Nie dlaczego nie? Ponieważ linia melodyczna się zerwała, czyli te dwa dźwięki muszą być połączone. (pokazać)

(student śpiewa do kulminacji)

Spróbuj narysować dźwięki, śpiewaj.

Bardzo dobrze! Ale tylko wszystkie 16 muszą być zaśpiewane.

Tutaj spróbuj grać teraz osobno tylko prawą rączką, nie spiesz się 16, bardziej melodyjnie. (wyświetlacz nauczyciela, potem uczeń)

Szczotka bierze oddech, dobra robota!

Tych. po raz kolejny nawiązując do tego bardzo ważnego etapu pracy, jakim jest śpiewanie melodii z nut.

W ten sposób pojawia się główna zasada pracy nad kantyleną - jest to płynność. A kiedy uczeń w myślach śpiewa melodię, gra nie staje się mechaniczna, ale bardziej ekspresyjna.

Etap 5- To jest barwa melodii.

Tych. Wcześniej malowaliśmy klawisze na różne kolory, teraz pomyśl o tym i powiedz, na jakim instrumencie poleciłbyś śpiewać naszą melodię.

Skrzypce, co jeszcze? Jaki jest stary styl? Taniec, piosenka? Aria.

Czym jest aria? Zgadza się, to utwór wokalny, nawet z towarzyszeniem orkiestry. Dobra, kto śpiewa arię?

Tak, kobieto, dlaczego tak myślisz? Ponieważ wysoki głos.

W ten sposób spróbujemy teraz wyobrazić sobie ciepło głosu, ekspresję.

Odtwórz 1 ofertę.

(pokaż nauczycielowi, potem uczniowi)

Dobra robota, teraz jest lepiej!

(pokaz nauczyciela)

Ale w drugim zdaniu ostateczne motywy można powierzyć śpiewaczce lub skrzypkom, którzy doprowadzą nas do kulminacji.

Etap 6- praca nad kantyleną.

A teraz musimy pamiętać o podstawowych technikach, które są wykorzystywane w pracy nad kantyleną.

1 technika - polega na tym, że dźwięk jest pobierany bez akcentu (pokazu), w przeciwnym razie fraza jest natychmiast gubiona, z powietrza, a następnie prowadzimy i oddychamy.

W tej pracy nasze motywy zaczynają się od pauz i to właśnie te pauzy dają dłoni możliwość oddychania.

Spróbujmy prawą ręką (uczeń gra) - w kantylenie zdecydowanie ważne są palce, grasz zrelaksowany. Pióro oddycha, nie zamarza, żyje. Plastyczność ręki, jak najszerszy ruch, wtedy melodia nie staje się zamrożona, ale bardziej wyrazista.

Wystarczająco dobry!

Oto podstawowe zasady, a tu też jest reguła – prawo długiej nuty (pokazu) do – długiego dźwięku, późniejszego re nie da się skasować, stąd wynika, słuchaj uszami, spróbuj sam ( student)

Wystarczy, oto podstawowe zasady pracy nad kantyleną.

Etap 7- wspierać pracę. Proszę grać osobno w lwa. ręka z pedałem. Zatrzymaj się, powiedz mi, jak interpretujesz lewą rękę, co to jest?

Jest zbyt płaska i statyczna. Spraw, żeby była trochę podekscytowana, bo przy takim akompaniamencie trudno śpiewać.

(student gra)

Połącz więcej i cały czas poczuj pulsację, bicie serca, ruchem do przodu, zapamiętaj kolor, pomóż melodii.

Te ósemki to już napięte palce, a ten si most, a potem nasza dominanta.

OK, teraz zagraj melodię, a ja zagram melodię dla Ciebie (grajcie razem).

Usuń ruch szczotki.

Dosyć, dobra robota!

Oznacza to, że w akompaniamencie najważniejsze jest przeniesienie ciężaru ręki na 5,3 palca i usunięcie 1, aby nie wypełzło na przód, ponieważ mamy go duży i mocny.

Przejdźmy do następnego kroku

Etap 8 - praca pedału.

Proszę zacząć grać, a tu pedał powinien być trochę suchy, bo po pierwsze utwór jest w starym stylu, można go interpretować jako wykonanie na klawesynie, prawda?

Dlatego nie damy się tu ponieść głębokiemu romantycznemu pedałowi, ale z opóźnionym, na drugich ruchach szliśmy dwójkami tak często, jak to możliwe, bo sama sekunda to brudny interwał, a jeśli nadal jest z pedał, będzie huk. Ogólnie rzecz biorąc, pedał zależy również w dużej mierze od słuchu, więc ucho powinno być zawsze aktywne.

Dobra, wystarczy, twój pedał nie był teraz zły.

Etap 9 - Ostatni etap, wykonanie jako całość, biorąc pod uwagę wszystkie te etapy, przez które właśnie przeszliśmy.

Celem nauczyciela jest ustawienie ucznia, zmuszenie go do bardziej wyrazistego wykonania określonego programu.

Załóżmy, że mamy senny, subtelny początek, wtedy należy przypomnieć obrazy artystów przyrodniczych, na przykład wczesną wiosną. Tak, to wtedy, gdy budzi się zieleń, a my malujemy nie jasnymi, gęstymi kolorami, ale bladymi, ciepłymi tonami.

Na początku naszej pracy dźwięk subtelny, delikatny, kruchy, później kolory stają się bardziej nasycone.

Tych. takie skojarzenia dają uczniowi jaśniejsze określenie brzmienia, jakie ma wykonać ten utwór.

(nauczyciel podaje 2 rysunki natury i prosi o ułożenie ich w tej samej kolejności kolorów, w jakiej powstaje nasza praca).

Następne zdanie 2 nie powinno brzmieć monotonnie. Będzie bardziej podekscytowany i naturalnie dynamika będzie tutaj intensywniejsza. A potem te motywy zabrzmią na fortepianie w kontraście. Konieczne jest zbudowanie punktu kulminacyjnego i koniecznie ogólnego ruchu.

Dlatego teraz dostrajasz się, pamiętasz wszystko, o czym rozmawialiśmy, narysuj sobie obrazek i wykonaj swoją grę z uczuciem, ekspresyjnie.

Dziękuję mądra dziewczyno!

To w zasadzie wszystko, o czym chcieliśmy porozmawiać i pokazać na naszej dzisiejszej lekcji. Wypracować wszystkie etapy, które pomagają uczniowi osiągnąć bardziej emocjonalne wykonanie i ujawnienie treści artystycznej pracy.

Praca domowa będzie również polegała na ponownym naprawieniu wszystkich tych etapów i ponownym zastanowieniu się nad obrazem, może uczeń wyobraża sobie obraz w inny sposób, a nie tak, jak radzi nauczyciel. Może coś własnego.

Kończąc naszą dzisiejszą lekcję, chciałbym podziękować Wam, drodzy koledzy, za poświęcenie czasu na odwiedzenie naszej lekcji. Dziękuję Ci!

Dziękuję bardzo, Madinochko, za aktywną pracę na lekcji.