Modernizm, nowy nurt, który przybył do Rosji z Europy, obejmuje głównie poezję, ale niektórzy prozaicy działają również w ramach modernizmu. Modernizm, starając się oddzielić od wszystkich dotychczasowych nurtów literackich, głosił odrzucenie wszelkich tradycji literackich i wzorców. Wszyscy pisarze i poeci początku wieku, którzy myśleli i wierzyli, że piszą w nowy sposób, uważali się za modernistów. Jako przeciwieństwo realizmu, modernizm w literaturze starał się przede wszystkim odejść od zasady wiarygodnego przedstawiania rzeczywistości. Stąd chęć modernistycznych pisarzy na fantastyczne elementy i wątki, chęć upiększenia istniejącej rzeczywistości, zmiany jej, przekształcenia.
Futuryzm (z łac. futurum - przyszłość) to ruch literacki, który powstał w Rosji na początku XX wieku jako protest przeciwko istniejącym zasadom społecznym. Twórczość futurystów wyróżniała się poszukiwaniem nowych środków wyrazu artystycznego, nowych form, obrazów.
Celem tej lekcji jest zrozumienie, jak różne gałęzie modernizmu różniły się od siebie.
Główną treścią nurtu symbolizmu jest próba znalezienia nowych wyrażeń językowych, stworzenie nowej filozofii w literaturze. Symboliści uważali, aby przypomnieć, że świat nie jest prosty i zrozumiały, ale pełen znaczeń, których głębi nie sposób odnaleźć.
Akmeizm powstał jako sposób na sprowadzenie poezji z niebios symbolizmu na ziemię. Nauczyciel zaprasza uczniów do porównania prac symbolistów i akmeistów.
Tematem przewodnim kolejnego kierunku modernizmu – futuryzmu – jest chęć zobaczenia przyszłości w nowoczesności, zaznaczenia przepaści między nimi.
Wszystkie te dziedziny modernizmu wprowadzały radykalne aktualizacje języka, oznaczały upadek epok i podkreślały, że dawna literatura nie jest w stanie oddać ducha nowoczesności.
Temat: Literatura rosyjska przełomu XIX i XX wieku.
Lekcja: Główne nurty rosyjskiego modernizmu: symbolizm, acmeizm, futuryzm
Modernizm to jeden nurt artystyczny. Gałęzie modernizmu: symbolizm, acmeizm i futuryzm - miały swoje własne cechy.
Symbolizm jako ruch literacki powstał we Francji w latach 80. 19 wiek Podstawą artystycznej metody francuskiego symbolizmu jest ostro subiektywna sensacja (zmysłowość). Symboliści odtwarzali rzeczywistość jako strumień wrażeń. Poezja unika uogólnień, szuka nie typowości, ale indywidualności, jedynej w swoim rodzaju.
Poezja przybiera charakter improwizacji, utrwalania „czystych wrażeń”. Przedmiot traci wyraźny zarys, rozpuszcza się w strumieniu odmiennych doznań, jakości; dominującą rolę odgrywa epitet, kolorowa plama. Emocje stają się bezprzedmiotowe i „niewyrażalne”. Poezja dąży do wzmocnienia zmysłowego bogactwa i emocjonalnego oddziaływania. Uprawia się samowystarczalną formę. Przedstawicielami francuskiej symboliki są P. Verlaine, A. Rimbaud, J. Laforgue.
Dominującym gatunkiem symboliki była „czysta” liryka, powieść, opowiadanie, dramat stały się liryczne.
W Rosji symbolizm powstał w latach 90. 19 wiek aw początkowej fazie (K. D. Balmont, wczesny V. Ya. Bryusov i A. Dobrolyubov, a później - B. Zaitsev, I. F. Annensky, Remizov) rozwija styl dekadenckiego impresjonizmu, podobny do francuskiego symbolizmu.
Rosyjscy symboliści XX wieku (V. Ivanov, A. Bely, A. A. Blok, a także D. S. Mereżkowski, S. Solovyov i inni), próbując przezwyciężyć pesymizm, bierność, głosili hasło skutecznej sztuki, przewagi kreatywności nad wiedzą.
Świat materialny rysowany jest przez symbolistów jako maska, przez którą prześwituje nieziemskie. Dualizm znajduje wyraz w dwuwymiarowej kompozycji powieści, dramatów i „symfonii”. Świat realnych zjawisk, codzienności czy warunkowej fantazji ukazany jest groteskowo, zdyskredytowany w świetle "transcendentalnej ironii". Sytuacje, obrazy, ich ruch nabierają podwójnego znaczenia: tego, co jest przedstawione, i tego, co jest naznaczone.
Symbol to wiązka znaczeń rozchodzących się w różnych kierunkach. Zadaniem symbolu_ jest przedstawienie korespondencji.
Wiersz (Baudelaire, „Korespondencje” w przekładzie K. Balmonta) ukazuje przykład tradycyjnych powiązań semantycznych, które dają początek symbolom.
Natura jest ścisłą świątynią, w której znajduje się system żywych kolumn
Czasami nieco zrozumiały dźwięk ukradkiem opada;
Wędruje po lasach symboli, tonie w ich gęstwinie
Zawstydzona osoba, wzruszona ich spojrzeniem.
Jak echo ech w jednym niejasnym akordzie,
Gdzie wszystko jest jednym, światło i ciemność w nocy,
Zapachy, dźwięki i kolory
Łączy się w harmonii ze spółgłoską.
Jest dziewiczy zapach; jak łąka jest czysta i święta,
Jak ciało dziecka, wysoki dźwięk oboju;
I jest uroczysty, zdeprawowany aromat -
Fuzja kadzidła, bursztynu i benzoesu:
W nim nieskończoność jest nam nagle dostępna,
Zawiera najwyższe myśli rozkoszy i najlepsze uczucia ekstazy!
Symbolika tworzy również własne słowa - symbole. Najpierw dla takich symboli używane są wysokie poetyckie słowa, a następnie proste. Symboliści uważali, że nie można wyczerpać znaczenia symbolu.
Symbolika unika logicznego ujawnienia tematu, odwołując się do symboliki form zmysłowych, których elementy otrzymują szczególne bogactwo semantyczne. Logicznie niewyrażalne „sekretne” znaczenia „świecą” w materialnym świecie sztuki. Wysuwając elementy sensoryczne, symbolizm odchodzi jednocześnie od impresjonistycznej kontemplacji odmiennych i samowystarczalnych wrażeń zmysłowych, w pstrokaty nurt, którego symbolika wprowadza pewną integralność, jedność i ciągłość.
Zadaniem symbolistów jest pokazanie, że świat jest pełen tajemnic, których nie da się odkryć.
Teksty symboliki są często udramatyzowane lub nabierają cech epickich, odsłaniając strukturę „ogólnie znaczących” symboli, przemyślejąc na nowo obrazy mitologii starożytnej i chrześcijańskiej. Powstał gatunek poematu religijnego, symbolicznie interpretowanej legendy (S. Sołowjow, D. S. Mereżkowski). Wiersz traci swoją intymność, staje się jak kazanie, proroctwo (V. Ivanov, A. Bely).
Niemiecka symbolika przełomu XIX i XX wieku. (S. Gheorghe i jego grupa, R. Demel i inni poeci) był ideologicznym rzecznikiem reakcyjnego bloku junkrów i wielkiej przemysłowej burżuazji. W symbolice niemieckiej z wyraźną ulgą wybijają się aspiracje agresywne i toniczne, próby walki z własną dekadencją, chęć odcięcia się od dekadencji i impresjonizmu. Świadomość dekadencji, końca kultury, niemieckiej symboliki próbuje rozwiązać w tragicznej afirmacji życia, w swoistym "heroizmie" schyłku. W walce z materializmem, odwołując się do symbolizmu, mitu, niemiecki symbolizm nie dochodzi do ostro zarysowanego dualizmu metafizycznego, zachowuje nietzscheańską „lojalność wobec ziemi” (Nietzsche, George, Demel).
Nowy ruch modernistyczny acmizm, pojawił się w poezji rosyjskiej w latach 1910. w przeciwieństwie do skrajnej symboliki. W tłumaczeniu z języka greckiego słowo „akme” oznacza najwyższy stopień czegoś, rozkwit, dojrzałość. Akmeiści opowiadali się za przywróceniem obrazom i słowom ich pierwotnego znaczenia, za sztuką dla sztuki, za poetyzacją ludzkich uczuć. Odrzucenie mistycyzmu - to była główna cecha acmeistów.
Dla symbolistów najważniejszy jest rytm i muzyka, dźwięk słowa, dla akmeistów forma i wieczność, obiektywność.
W 1912 r. poeci S. Gorodecki, N. Gumilow, O. Mandelsztam, W. Narbut, A. Achmatowa, M. Zenkiewicz i kilku innych zjednoczyło się w kręgu „Warsztatów Poetów”.
Założycielami acmeizmu byli N. Gumilow i S. Gorodetsky. Akmeiści nazywali swoją pracę najwyższym punktem osiągnięcia artystycznej prawdy. Nie zaprzeczali symbolizmowi, ale byli przeciwni temu, by symboliści przywiązywali tak dużą wagę do świata tajemniczego i nieznanego. Akmeiści wskazywali, że niepoznawalne w ścisłym tego słowa znaczeniu nie może być poznane. Stąd pragnienie akmeistów, aby uwolnić literaturę od niejasności kultywowanych przez symbolistów i przywrócić jej przejrzystość i dostępność. Akmeiści ze wszystkich sił starali się przywrócić literaturę do życia, do rzeczy, do człowieka, do natury. Tak więc Gumilow zwrócił się do opisu egzotycznych zwierząt i przyrody, Zenkiewicz - do prehistorycznego życia ziemi i człowieka, Narbut - do życia codziennego, Anna Achmatowa - do dogłębnych przeżyć miłosnych.
Pragnienie natury, „ziemi” doprowadziło acmeistów do stylu naturalistycznego, do konkretnego obrazowania, obiektywnego realizmu, który zdeterminował szereg technik artystycznych. W poezji akmeistów przeważają „ciężkie, ważkie słowa”, liczba rzeczowników znacznie przekracza liczbę czasowników.
Dokonawszy tej reformy, Akmeiści inaczej zgodzili się z symbolistami, deklarując się jako ich uczniowie. Inny świat dla ameistów pozostaje prawdziwy; tylko nie czynią z niej centrum swojej poezji, choć ta ostatnia nie jest czasem obca pierwiastkom mistycznym. Dzieła Gumilowa „Zagubiony tramwaj” i „U Cyganów” są całkowicie przesiąknięte mistycyzmem, aw zbiorach Achmatowej, jak „Różaniec”, dominują przeżycia miłosno-religijne.
Wiersz A. Achmatowej „Pieśń o ostatnim spotkaniu”:
Tak bezradnie moja pierś stała się zimna,
Ale moje kroki były lekkie.
Założyłem prawą rękę
Rękawica na lewą rękę.
Wydawało się, że wiele kroków
A wiedziałem, że było ich tylko trzech!
Akmeiści zwrócili codzienne sceny.
Akmeiści bynajmniej nie byli rewolucjonistami w odniesieniu do symboliki, nigdy nie uważali się za takich; za swoje główne zadanie postawili sobie jedynie wygładzanie sprzeczności, wprowadzanie poprawek.
W części, w której acmeiści buntowali się przeciwko mistycyzmowi symbolizmu, nie przeciwstawiali go prawdziwemu życiu. Odrzucając mistycyzm jako główny motyw przewodni twórczości, ameiści zaczęli fetyszyzować rzeczy jako takie, nie potrafiąc syntetycznie podejść do rzeczywistości, zrozumieć jej dynamiki. Dla akmeistów rzeczy rzeczywistości mają znaczenie same w sobie, w stanie statycznym. Podziwiają poszczególne obiekty bytu i postrzegają je takimi, jakie są, bez krytyki, bez próby zrozumienia ich w relacji, ale wprost, po zwierzęciu.
Podstawowe zasady acmeizmu:
Odrzucenie symbolistycznych odwołań do idealnej, mistycznej mgławicy;
Akceptacja ziemskiego świata takim, jakim jest, w całym jego pięknie i różnorodności;
Przywrócenie słowu jego pierwotnego znaczenia;
Obraz osoby z jej prawdziwymi uczuciami;
Poetyzowanie świata;
Włączenie do poezji skojarzeń z poprzednimi epokami.
Ryż. 6. Umberto Boccioniego. Ulica wchodzi do domu ()
Akmeizm nie trwał zbyt długo, ale wniósł wielki wkład w rozwój poezji.
Futuryzm(w tłumaczeniu oznacza przyszłość) - jeden z nurtów modernizmu, który narodził się w latach 1910-tych. Najwyraźniej jest to reprezentowane w literaturze włoskiej i rosyjskiej. 20 lutego 1909 r. w paryskiej gazecie Le Figaro ukazał się artykuł T. F. Marinettiego „Manifest futuryzmu”. Marinetti w swoim manifeście wzywał do porzucenia duchowych i kulturowych wartości przeszłości i budowania nowej sztuki. Głównym zadaniem futurystów jest zaznaczenie przepaści między teraźniejszością a przyszłością, zniszczenie wszystkiego co stare i zbudowanie nowego. W ich życie wkroczyły prowokacje. Sprzeciwiali się społeczeństwu burżuazyjnemu.
W Rosji artykuł Marinettiego został opublikowany już 8 marca 1909 roku i zapoczątkował rozwój własnego futuryzmu. Założycielami nowego nurtu w literaturze rosyjskiej byli bracia D. i N. Burliuk, M. Larionov, N. Goncharova, A. Exter, N. Kulbin. W 1910 r. w zbiorze The Impressionist Studio ukazał się jeden z pierwszych futurystycznych wierszy W. Chlebnikowa, Zaklęcie śmiechu. W tym samym roku ukazał się zbiór futurystycznych poetów Ogród sędziów. Zawierała wiersze D. Burliuka, N. Burliuka, E. Guro, W. Chlebnikowa, W. Kamenskiego.
Futuryści wymyślili także nowe słowa.
Wieczór. Cienie.
Daszek. Leniego.
Siedzieliśmy, pijąc wieczorem.
W każdym oku biegnie jeleń.
Futuryści deformują swój język i gramatykę. Słowa nakładają się na siebie, spiesząc się, by oddać chwilowe uczucia autora, dzięki czemu praca wygląda jak tekst telegraficzny. Futuryści zrezygnowali ze składni i strofiki, wymyślili nowe słowa, które ich zdaniem lepiej i pełniej odzwierciedlały rzeczywistość.
Futuryści przywiązywali szczególną wagę do pozornie nic nieznaczącego tytułu kolekcji. Klatka symbolizowała dla nich klatkę, do której wpędzano poetów, a oni nazywali siebie sędziami.
W 1910 roku Cubo-futuryści utworzyli grupę. W jej skład wchodzili bracia Burliuk, W. Chlebnikow, W. Majakowski, E. Guro, A. E. Kruchenykh. Kubofuturyści wystąpili w obronie słowa jako takiego, „słowa są ważniejsze niż znaczenie”, „słowa zawiłe”. Kubo-futuryści zniszczyli rosyjską gramatykę, zastąpili frazy kombinacją dźwięków. Uważali, że im więcej bałaganu w zdaniu, tym lepiej.
W 1911 r. I. Severyanin jako jeden z pierwszych w Rosji ogłosił się ego-futurystą. Do terminu „futuryzm” dodał słowo „ego”. Egofuturyzm można dosłownie przetłumaczyć jako „Jestem przyszłością”. Krąg zwolenników ego-futuryzmu skupił się wokół I. Siewieryanina, proklamując w styczniu 1912 r. „Akademię Ego Poezji”. Egofuturyści wzbogacili swoje słownictwo o dużą liczbę obcych wyrazów i nowotworów.
W 1912 roku futuryści zjednoczyli się wokół wydawnictwa „Petersburg Herald”. W skład tej grupy weszli: D. Kryuchkov, I. Severyanin, K. Olimpov, P. Shirokov, R. Ivnev, V. Gnedov, V. Shershenevich.
W Rosji futuryści nazywali siebie „budetlanami”, poetami przyszłości. Futuryści, porwani dynamizmem, nie zadowalali się już składnią i słownictwem poprzedniej epoki, kiedy nie było samochodów, telefonów, fonografów, kin, samolotów, kolei elektrycznych, drapaczy chmur, metra. Poeta przepełniony nowym poczuciem świata ma bezprzewodową wyobraźnię. Poeta wkłada w stos słów ulotne doznania.
Futuryści pasjonowali się polityką.
Wszystkie te kierunki radykalnie odnawiają język, poczucie, że stara literatura nie jest w stanie oddać ducha nowoczesności.
Bibliografia
1. Chalmaev VA, Zinin SA Literatura rosyjska XX wieku.: Podręcznik do klasy 11: W 2 godziny - wyd. - M .: OOO 2TID „Rosyjskie słowo - RS”, 2008.
2. Agenosow V.V. . Literatura rosyjska XX wieku. Podręcznik metodyczny M. „Buddy Bustard”, 2002
3. Literatura rosyjska XX wieku. Podręcznik dla kandydatów na uniwersytety M. uch.-naukowe. Centrum „Liceum Moskiewskie”, 1995.
Arkusze kalkulacyjne i prezentacje
Literatura w tabelach i schematach ().
Modernizm jest charakterystyczną cechą estetyki XX wieku, niezależną od warstw społecznych, krajów i narodów.
W swoich najlepszych przykładach sztuka modernizmu wzbogaca kulturę światową o nowe środki wyrazu.
W procesie literackim XX wieku. nastąpiły zmiany ze względów społeczno-ekonomicznych i politycznych. Wśród głównych cech literatury tego czasu można zidentyfikować:
upolitycznienie, wzmocnienie związku ruchów literackich z różnymi ruchami politycznymi,
wzmacnianie wzajemnych wpływów i przenikania się literatur narodowych, internacjonalizacja,
odrzucenie tradycji literackich,
intelektualizacja, wpływ idei filozoficznych, chęć analizy naukowej i filozoficznej,
fuzja i mieszanie gatunków, różnorodność form i stylów.
W historii literatury XX wieku. Zwyczajowo wyróżnia się dwa główne okresy:
1) 1917-1945
2) po 1945 roku
Literatura XX wieku rozwijała się zgodnie z dwoma głównymi kierunkami – realizmem i modernizmem.
Realizm pozwalał na śmiałe eksperymenty, stosowanie nowych technik artystycznych w jednym celu: głębsze zrozumienie rzeczywistości (B. Brecht, W. Faulkner, T. Mann).
Kafków, których charakteryzuje idea świata jako absurdalnego początku, wrogo nastawieni do człowieka, niewiara w człowieka, odrzucenie idei postępu we wszystkich jego postaciach, pesymizm.
Z wiodących ruchów literackich połowy XX wieku. należy nazwać egzystencjalizmem, który jako nurt literacki powstał we Francji (J-P. Sartre, A Camus).
Cechy tego kierunku to:
stwierdzenie „czystego” nieumotywowanego działania,
afirmacja indywidualizmu
odbicie samotności człowieka w absurdalnym, wrogim mu świecie.
Literatura awangardowa była produktem wyłaniającej się ery przemian społecznych i kataklizmów. Polegała ona na kategorycznym odrzuceniu rzeczywistości, zaprzeczeniu mieszczańskim wartościom i energicznemu łamaniu tradycji. Aby w pełni scharakteryzować literaturę awangardową, należy zatrzymać się na takich nurtach, jak ekspresjonizm, futuryzm i surrealizm.
Dla estetyki ekspresjonizm charakterystyczny jest prymat ekspresji nad obrazem, na pierwszy plan wysuwa się krzyczące „ja” artysty, które wypiera przedmiot obrazu.
futuryści całkowicie zaprzeczali wszelkiej dotychczasowej sztuce, głosili wulgarność, bezduszny ideał społeczeństwa technokratycznego. Estetyczne zasady futurystów opierały się na łamaniu składni, negowaniu logiki, tworzeniu słów, swobodnych skojarzeniach i odrzucaniu interpunkcji.
Surrealizm wiodącą zasadą estetyczną było pismo automatyczne, oparte na teorii 3. Freuda. Pisanie automatyczne – kreatywność bez kontroli umysłu, zapisywanie swobodnych skojarzeń, marzeń, snów. Ulubioną techniką surrealistów jest „oszałamiający obraz” składający się z odmiennych elementów.
Modernizm rozwijał się wieloetapowo i przejawiał w wielu nurtach. Począwszy od lat 60. modernizm wkracza w fazę postmodernizmu.
2. Powieść P. Suskinda „Perfumiarz”: historyzm powieści, wątki i problemy, intertekst
Akcja powieści toczy się we Francji w połowie XVIII wieku, w epoce oświecenia.
Technika zastosowana przez autora w „Perfumach” to zasada pseudohistorycyzmu. Wydaje się przekonywać czytelnika, że to, co jest opisane, zdarzyło się kiedyś naprawdę, nadając wydarzeniom powieści chronologiczną poprawność. Tekst jest pełen dat. Tak więc między dwiema datami mija całe życie bohatera (datowane są wszystkie wydarzenia: spotkanie z dziewczyną ze śliwkami, wyrok na Grenouille'a, śmierć, narodziny).
Odnosząc się do postaci, z którymi spotyka się Grenouille, Suskind odnotowuje czas i okoliczności ich śmierci. Tak więc czytelnik, obserwując w czasie rzeczywistym powieść o śmierci garbarza Grimala i perfumiarza Baldiniego, dowiaduje się, że Madame Gaillard umrze ze starości w 1799 roku, a markiz Taillade-Espinasse zniknie w górach w 1764 roku.
W wyobraźni Grenouille'a, naznaczonej datami, jak butelki starzonego wina, przechowywane są aromaty, które wyczuł: „kieliszek aromatu z 1752 roku”, „butelka z 1744 roku”.
Daty, których pełno jest w powieści, dają namacalne poczucie, że mamy do czynienia z Francją w przededniu Wielkiej Rewolucji. Suskind pamięta, że Francja epoki przedstawionej to nie tylko kraj przyszłych rewolucjonistów, włóczęgów i żebraków, ale także magików, czarowników, trucicieli, hipnotyzerów i innych szarlatanów, poszukiwaczy przygód, przestępców.
Równolegle z kreatywnością (?)
Intertekst: 1) Tak samo nieoczekiwanie odczytywane są cytaty Hoffmanna w ogólnym kontekście Historii mordercy. Skojarzenia Grenouille'a z małym Tsakhesem, zwanym Zinnoberem, z opowiadania E.T.A. Hoffmanna (1819) pod tym samym tytułem są dość oczywiste. Słowo grenouille, podobnie jak nazwisko głównego bohatera „Perfumiarza”, tłumaczone jest z francuskiego jako „żaba”. 2) Suskind dopełnia dosłowną treścią metaforyczną frazę Jezusa, którą wypowiedział swoim uczniom podczas legendarnej wieczerzy: „A wziąwszy chleb i dzięki czyniąc, połamał go i dał im, mówiąc: to jest Ciało moje, które jest dane dla ciebie; czyńcie to na moją pamiątkę. Podobnie kielich po wieczerzy, mówiąc: To jest Nowy Testament we krwi mojej, która za was będzie wylana (Łk 22,19-20). Chrześcijański sakrament komunii – Eucharystia – jest dosłowny i interpretowany na kartach powieści jako rodzaj kanibalistycznego aktu zainscenizowanego przez samego Grenouille'a.
100 r premia za pierwsze zamówienie
Wybierz rodzaj pracy Praca dyplomowa Praca zaliczeniowa Streszczenie Praca magisterska Sprawozdanie z praktyki Artykuł Sprawozdanie Recenzja Praca testowa Monografia Rozwiązywanie problemów Biznesplan Odpowiedzi na pytania Praca twórcza Esej Rysunek Kompozycje Tłumaczenie Prezentacje Pisanie na maszynie Inne Zwiększenie unikalności tekstu Praca dyplomowa Praca laboratoryjna Pomoc w- linia
Zapytaj o cenę
Wiek XX wszedł do historii kultury jako wiek eksperymentu, który wówczas często stawał się normą. To czas powstawania różnych deklaracji, szkół, często naruszających światowe tradycje. Powiedzmy więc, że nieuchronność naśladowania piękna, o której pisał G. Lessing w swoim dziele „Laocoon, czyli o granicach malarstwa i poezji”, została skrytykowana. Wręcz przeciwnie, artysta zaczął naśladować obrzydliwość, co w starożytności było zabronione pod groźbą kary.
Punktem wyjścia estetyki była brzydota; odrzucenie harmonicznych proporcji naruszyło obraz sztuki, w której nacisk kładziony jest na deformację, geometryczne kształty.
Termin „modernizm” pojawia się pod koniec XIX wieku i jest zwykle przypisywany nierealistycznym zjawiskom w sztuce, które następują po dekadencji. Jednak idee, które nadały jej treść, zostały spełnione wcześniej. Wystarczy przypomnieć „Kwiaty zła” Charlesa Baudelaire'a.
Modernizm (fr. modernisme – od moderne – najnowszy, modo – właśnie) jako ruch filozoficzno-estetyczny ma następujące etapy (wybieramy warunkowo):
Awangarda, umiejscowiona w okresie międzywojennym;
Neoawangardyzm (lata 50.-60.);
Postmodernizm (70. – 80.).
Mówiąc o awangardzie jako części modernizmu, zauważamy, że zachodnia krytyka często nie używa tych terminów, preferując „awangardę”.
Modernizm kontynuuje nierealistyczny nurt w literaturze przeszłości i wkracza w literaturę drugiej połowy XX wieku.
Modernizm jest zarówno metodą twórczą, jak i systemem estetycznym, co znajduje odzwierciedlenie w działalności literackiej wielu szkół, często bardzo różniących się w swoich programach.
Wspólne cechy:
1) utrata punktu podparcia;
2) zerwanie z tradycyjnym światopoglądem chrześcijańskiej Europy;
3) subiektywizm, deformacja świata lub tekstu literackiego;
4) utrata integralnego modelu świata, tworzenie modelu świata za każdym razem na nowo na zasadzie arbitralności artysty;
5) formalizm.
Modernizm to różnorodny pod względem składu, aspiracji politycznych i manifestów ruch literacki, który obejmuje wiele różnych szkół, ugrupowań, które łączy pesymistyczny światopogląd, pragnienie artysty nie odzwierciedlania obiektywnej rzeczywistości, ale wyrażania siebie, stawiając na subiektywizm, deformację.
Filozoficzne źródła modernizmu można odnaleźć w pracach Z. Freuda, A. Bergsona, W. Jamesa.
Modernizm może być decydujący w twórczości pisarza jako całości (F. Kafka, D. Joyce) lub może być odczuwany jako jedna z technik, która miała znaczący wpływ na styl artysty (M. Proust, W. Wolfe ).
Modernizm jako ruch literacki, który przetoczył się przez Europę na początku wieku, ma następujące odmiany narodowe:
surrealizm francuski i czeski;
futuryzm włoski i rosyjski;
Angielski Imagizm i szkoła „strumienia świadomości”;
niemiecki ekspresjonizm;
hermetyzm amerykański i włoski;
szwedzki prymitywizm;
francuski unanimizm i konstruktywizm;
hiszpański ultraizm;
Kreacjonizm latynoamerykański.
Co jest charakterystyczne dla awangardy jako etapu modernizmu? Samo słowo awangarda (z francuskiego avant-garde – oddział wysunięty) pochodzi ze słownika wojskowego, gdzie oznacza mały elitarny oddział, który przed główną armią wdziera się na terytorium wroga i toruje mu drogę, a historyczne znaczenie tego terminu, jako neologizmu, zostało użyte przez Alexandra Benois (1910), nabytego w pierwszych dziesięcioleciach XX wieku. Od tego czasu klasyczną awangardę nazywa się całością heterogenicznych i różnie znaczących ruchów, nurtów i szkół artystycznych.
Nieuchwytne są też zarysy awangardy, łączącej historycznie różne nurty – od symbolizmu i kubizmu po surrealizm i pop-art; cechuje ich psychologiczna atmosfera buntu, poczucie pustki i osamotnienia, orientacja na przyszłość, która nie zawsze jest jasno przedstawiona.
Jak zauważył czeski uczony Jan Mukařovski, „awangarda dąży do wyzbycia się przeszłości i tradycji”.
Znamienny jest fakt, że szybko rozwijająca się w latach dziesiątych i dwudziestych sztuka awangardowa okazała się wzbogacona o ideę rewolucyjną (niekiedy tylko warunkowo symboliczną, jak to było w przypadku ekspresjonistów, którzy pisali o rewolucji w sferze ducha, rewolucja w ogóle). Dodawało to optymizmu awangardzie, malując jej płótna na czerwono i przyciągało uwagę rewolucyjnych artystów, którzy widzieli w awangardzie przykład antyburżuazyjnego protestu (B. Brecht, L. Aragon, V. Nezval, P. Eluarda). Awangarda nie tylko przekreśla rzeczywistość - zmierza ku własnej rzeczywistości, opierając się na immanentnych prawach sztuki. Awangarda odrzucała stereotypowe formy masowej świadomości, nie akceptowała wojny, szaleństwa technokracji, zniewolenia człowieka. Awangarda przeciwstawiała bunt, chaos i deformację przeciętności i burżuazyjnemu porządkowi, kanonizowanej logice realistów, moralności filistrów – wolności uczuć i nieograniczonej wyobraźni. Awangarda wyprzedzając czas unowocześniła sztukę XX wieku, wprowadziła do poezji motywy miejskie i nowe techniki, nowe zasady kompozycji i różne funkcjonalne style wypowiedzi, grafikę (ideogramy, odrzucenie interpunkcji), wiersz wolny i jego odmiany.
3. Główne nurty artystyczne i estetyczne pierwszej połowy XX wieku
Przyjrzyjmy się dadaizmowi, surrealizmowi, ekspresjonizmowi, futuryzmowi i imagizmowi jako najbardziej wyrazistym nurtom awangardowym w literaturze obcej pierwszej połowy XX wieku.
DADAIZM (z francuskiego dada - mowa dziecięca bez znaczenia) jest bezpośrednim poprzednikiem surrealizmu. Ukształtowała się w Zurychu, stolicy neutralnej Szwajcarii, dzięki staraniom poetów-emigrantów z walczących krajów (T. Tzara, R. Gulzenbeck), którzy wydawali pismo „Cabaret Voltaire” (1916–1917). Dadaiści deklarowali absurd i atmosferę skandalu, dezercji, protestu przeciwko I wojnie światowej, chęć wyrwania społeczeństwa z samozadowolenia. Estetyczną formą ich protestu była sztuka nielogiczna i irracjonalna, często bezsensowne zestawy słów i dźwięków, zestawione metodą dadaistycznego kolażu. „Te dwie sylaby osiągnęły swój cel, osiągnęły „rezonujący nonsens”, absolutną nicość, napisał André Gide w artykule Dada. – Najwyższa wdzięczność w stosunku do sztuki przeszłości i jej doskonałych arcydzieł – zastanawia się pisarz francuski – polega na rezygnacji z wszelkich pretensji do ich odnowienia. Doskonałe jest to, czego nie da się już odtworzyć, a stawianie przeszłości przed sobą oznacza blokowanie drogi do przyszłości.
Najwybitniejszym spośród dadaistów jest szwajcarski poeta Tristan Tzara (1896–1963), autor książek Siedem manifestów dadaistycznych (1924), Przybliżony człowiek (1931), słynnych Dada Songs, w których przypadkowe obrazy, nieoczekiwane skojarzenia a jednocześnie pojawia się element parodii powieści bulwarowej i poezji naturalistycznej. W pewnym stopniu sens poezji Tzary i dadaistów jako całości oddają jego słowa: „Piszę manifest i nic mi się nie chce, w międzyczasie coś mówię i w zasadzie jestem przeciwko manifestom, tak jak ja jestem przeciwko zasadom”. W tych słowach jest negacja, która znajdzie swój dalszy rozwój we francuskim surrealizmie i niemieckim ekspresjonizmie, do którego programów przyłączą się dadaiści.
SURREALIZM (z francuskiego Sure?alite - nadrzeczywistość) rozwinął się we Francji; jego program zarysowuje „Manifest surrealizmu”, napisany przez A. Bretona z udziałem L. Aragona w 1924 r., oraz manifest, który ukazał się w styczniu 1925 r. Zamiast przedstawiania obiektywnej rzeczywistości, celem sztuki jest w nich proklamowanie ponadzmysłowej nadrzeczywistości i świata podświadomości oraz „pisanie automatyczne”, metoda niekontrolowanej ekspresji i łączenia niekompatybilnego jako główna metoda tworzenia.
Surrealizm dążył do wyzwolenia stłumionej przez cywilizację istoty człowieka i komunikowania się poprzez oddziaływanie na podświadome impulsy. „Manifest surrealizmu” oddał hołd odkryciom Freuda w dziedzinie ludzkiej psychiki i zwrócił uwagę na sny jako ważny aspekt aktywności umysłowej. A. Breton zauważył w swojej pracy: „Surrealizm… Czysty automatyzm umysłowy, który ma na celu wyrażenie ustnie, pisemnie lub w jakikolwiek inny sposób rzeczywistego funkcjonowania myśli. Dyktowanie myśli jest poza jakąkolwiek kontrolą ze strony umysłu, poza wszelkimi względami estetycznymi czy moralnymi. Samo słowo „surrealizm” zostało po raz pierwszy użyte przez G. Apollinaire'a we wstępie do dramatu „Piersi Tejrezjasza”, w którym autor przeprasza za wymyślony przez siebie neologizm. Potrzebował go, aby odnowić teatr, przywrócić go samej naturze, bez powtarzania: „Kiedy człowiek postanowił naśladować chodzenie, stworzył koło - przedmiot niepodobny do stopy. To był nieświadomy surrealizm”. Składnikami surrealistycznego obrazu jest deformacja, połączenie niepasującej, swobodnej asocjatywności. Słowo to było używane przez surrealistów w funkcji gry.
Poetykę surrealizmu charakteryzują: dezintegracja przedmiotu na części składowe i ich „przestawianie”, uwarunkowana przestrzeń kosmiczna, bezczasowość i kolażowa statyka. Wszystko to łatwo zobaczyć na obrazach S. Dali, w poezji F. Soupo, J. Cocteau. Oto wiersz „Z bajki” czeskiego poety Vitezslava Nezvala, który tworzy surrealistyczne wrażenie na podstawie zwykłych realiów, dziwacznie połączonych wbrew logice i znaczeniu, ale zgodnie z prawem fantazji:
Ktoś na starym pianinie
Kłamstwo kłuje w ucho.
A ja jestem w szklanym zamku
Pokonuję ognistoskrzydłe muchy.
alabastrowy uchwyt
Nie przytuliłem się.
Księżniczka się starzeje.
Stała się starą kobietą...
Fortepian płacze głucho:
przepraszam, przepraszam..
A moje serce sennie śpiewa:
Było - nie
Było - nie
Bim - Bam.
(Przetłumaczone przez V. Iwanowa)
Historia szkoły surrealizmu była krótka. Szkoła francuska, podobnie jak czeska, polska, a jeszcze wcześniej hiszpańska i wiele innych, które powstały w różnych krajach Europy, poczuła swoją porażkę w obliczu zagrożenia faszyzmem i zbliżającą się II wojną światową i rozwiązała się. Surrealizm wpłynął jednak na sztukę XX wieku: poezję P. Eluarda, L. Aragona, V. Nezvala, F. Lorki, malarstwo i rzemiosło artystyczne, kino i całą przestrzeń otaczającą współczesnego człowieka.
EKSPRESJONIZM (fr. wyrażenie – wyrażenie). W latach przedwojennych i podczas pierwszej wojny światowej ekspresjonizm, sztuka ekspresji, przeżywał krótki, ale jasny rozkwit. Głównym postulatem estetycznym ekspresjonistów nie jest naśladowanie rzeczywistości, ale wyrażanie swojego negatywnego stosunku do niej. Poeta i teoretyk ekspresjonizmu Kazimierz Edschmid przekonywał: „Świat istnieje. Nie ma sensu tego powtarzać”. W ten sposób on i jego zwolennicy rzucili wyzwanie realizmowi i naturalizmowi. Artyści, muzycy i poeci skupieni wokół rosyjskiego malarza V. Kandinsky'ego wydali w Monachium almanach Błękitnego Jeźdźca. Stawiają sobie za zadanie uwolnienie się od uzależnienia przedmiotowego i fabularnego, odwołując się kolorem lub dźwiękiem bezpośrednio do duchowego świata człowieka. W literaturze idee ekspresjonizmu podchwycili poeci, którzy starali się wyrazić przeżycia lirycznego bohatera w stanie namiętności. Stąd przerośnięta figuratywność wiersza, pomieszanie słownictwa i dowolność składni, histeryczny rytm. Poeci, dramatopisarze i artyści bliscy ekspresjonizmowi byli buntownikami w sztuce iw życiu. Szukali nowych, skandalicznych form autoekspresji, świat w ich twórczości pojawiał się w groteskowym przebraniu, mieszczańska rzeczywistość - w postaci karykatur.
Tym samym, głosząc tezę o priorytecie samego artysty, a nie rzeczywistości, ekspresjonizm kładł nacisk na ekspresję duszy artysty, jego wewnętrznego „ja”. Ekspresja zamiast obrazu, intuicja zamiast logiki - te zasady oczywiście nie mogły nie wpłynąć na wygląd literatury i sztuki.
Przedstawiciele ekspresjonizmu: w sztuce (E. Barlach, E. Kirchner, O. Kokoschka, A. Schönberg, B. Bartok), w literaturze (F. Werfel, G. Grakl, G. Game i in.).
Styl poezji ekspresjonistycznej cechuje patos, hiperbola i symbolizm.
Twórczość artystów ekspresjonistycznych została zakazana w nazistowskich Niemczech jako bolesna, dekadencka, niezdolna do służenia polityce nazizmu. Tymczasem doświadczenie ekspresjonizmu jest owocne dla wielu artystów, nie mówiąc już o tych, na których jego program miał bezpośredni wpływ (F. Kafka, I. Becher, B. Kellerman, L. Frank, G. Hesse). W twórczości tego ostatniego odzwierciedlono istotną cechę ekspresjonizmu - myślenie w kategoriach filozoficznych. Jeden z najważniejszych tematów sztuki XX wieku - wyobcowanie w wyniku cywilizacji burżuazyjnej, która stłumiła człowieka w państwie, temat filozoficzny i centralny światopogląd Kafki - został szczegółowo rozwinięty przez ekspresjonistów.
FUTURYZM (włoski futurismo z łac. futurum - przyszłość) to awangardowy ruch artystyczny lat 1910-tych - wczesnych 1920-tych XX wieku, najpełniej przejawiający się we Włoszech (kolebce futuryzmu) i Rosji. Futuryści byli także w innych krajach europejskich - Niemczech, Anglii, Francji, Polsce. Futuryzm zadeklarował się w literaturze, malarstwie, rzeźbie iw mniejszym stopniu w muzyce.
włoski futuryzm. Za datę narodzin futuryzmu uważa się 20 lutego 1909 r., kiedy to w paryskiej gazecie Le Figaro ukazał się Manifest futurystyczny napisany przez T. F. Marinettiego. To właśnie T. Marinetti został teoretykiem i liderem pierwszej, mediolańskiej grupy futurystów.
To nie przypadek, że futuryzm narodził się we Włoszech, kraju-muzeum. „Nie mamy życia, a jedynie wspomnienia z bardziej chwalebnej przeszłości… Żyjemy we wspaniałym sarkofagu, w którym wieko jest mocno zakręcone, aby świeże powietrze nie dostało się” – narzekał T. Marinetti. Sprowadzenie rodaków na Olimp współczesnej kultury europejskiej – oto niewątpliwie kryło się za oburzającym i głośnym tonem manifestu. Grupa młodych artystów z Mediolanu, a potem z innych miast, od razu odpowiedziała na wezwanie Marinettiego – zarówno swoją twórczością, jak i własnymi manifestami. 11 lutego 1910 r. ukazuje się „Manifest artystów futurystów”, a 11 kwietnia tego samego roku „Manifest techniczny malarstwa futurystycznego”, podpisany przez U. Boccioniego, J. Ballę, C. Carrę, L. Russolo , J. Severeni, przez największych artystów – futurystów. We wszystkich swoich dziełach, zarówno teoretycznych, jak i artystycznych (poezja, powieść Mafarka futurysta), T. Marinetti, podobnie jak jego współpracownicy, zaprzeczał nie tylko artystycznym, ale i etycznym wartościom przeszłości.
Litość, szacunek dla osoby ludzkiej, romantyczna miłość zostały uznane za przestarzałe. Upojeni najnowszymi zdobyczami techniki futuryści starali się wyciąć „raka” dawnej kultury nożem technizmu i najnowszych zdobyczy nauki. Futuryści argumentowali, że nowa technika zmienia także ludzką psychikę, a to wymaga zmiany wszystkich wizualnych i ekspresyjnych środków sztuki. We współczesnym świecie szczególnie fascynowała ich szybkość, mobilność, dynamika i energia. Poświęcili swoje wiersze i obrazy samochodom, pociągom i elektryczności. „Ciepło emanujące z kawałka drewna lub żelaza podnieca nas bardziej niż uśmiech i łzy kobiety” „Nowa sztuka może być tylko przemocą, okrucieństwem” – powiedział Marinetti.
Na światopogląd futurystów duży wpływ miały idee Nietzschego z jego kultem „nadczłowieka”; filozofia Bergsona, która głosi, że umysł jest w stanie pojąć tylko to, co skostniałe i martwe; buntownicze hasła anarchistów. Hymn siły i bohaterstwa – w prawie wszystkich dziełach włoskich futurystów. Człowiek przyszłości to według nich „człowiek mechaniczny z wymiennymi częściami”, wszechmocny, ale bezduszny, cyniczny i okrutny.
Widzieli oczyszczanie świata ze „śmieci” w wojnach i rewolucjach. „Wojna jest jedyną higieną świata”, „Słowo „wolność” musi być zgodne ze słowem Włochy” – głosił Marinetti. Nawet tytuły tomików poetyckich – „Strzały pistoletowe” Luchiniego, „Poematy elektryczne” Govoniego, „Bajonety” A. D. Alby, „Samoloty” Buzziego, „Song of Motors” L. Folgore'a, „Pyro” Palazzeschiego - mówić za siebie.
Kluczowym hasłem włoskich futurystów w literaturze było hasło – „Słowa na wolności!” - nie wyrażać sensu słowami, ale pozwolić, by samo słowo kontrolowało znaczenie (lub nonsens) wiersza. W malarstwie i rzeźbie futuryzm włoski stał się prekursorem wielu późniejszych odkryć i nurtów artystycznych. Tak więc Boccioni, który w jednej rzeźbie wykorzystał różnorodne materiały (szkło, drewno, tekturę, żelazo, skórę, włosie końskie, ubrania, lustra, żarówki itp.), stał się zwiastunem pop-artu.
IMAGIZM pojawił się jako trend w 1908 roku w trzewiach Londyńskiego Klubu Poetów. Fosylizacja znanych form poetyckich zmusiła młodych pisarzy do poszukiwania nowych dróg w poezji. Pierwszymi imagistami byli Thomas Ernest Hume i Francis Flint. W 1908 roku ukazał się słynny wiersz Hume'a „Jesień”, który zaskoczył wszystkich nieoczekiwanymi porównaniami: „Księżyc stał przy płocie z plecionki, // Jak rumiany rolnik”, „Czując wokół gwiazdy stłoczone, // Podobny do miejskich dzieci " (przetłumaczone przez I. Romanowicza) . W 1909 roku do grupy dołączył amerykański poeta Ezra Pound.
Liderem i niekwestionowanym autorytetem w grupie był Thomas Ernest Hume. Już wtedy miał silne przekonania: „Obrazy w wierszu nie są tylko ozdobą, ale samą istotą intuicyjnego języka”, podczas gdy celem poety jest poszukiwanie „nagłości, nieoczekiwanego kąta”. Według Hume'a „nowe wiersze bardziej przypominają rzeźbę niż muzykę i są bardziej skierowane na wzrok niż na słuch”. Rytmiczne eksperymenty Imagistów są interesujące. Hume wzywał do „zburzenia kanonicznego rymu”, porzucenia poprawnych konstrukcji metrycznych. To właśnie w „Klubie Poetów” narodziły się tradycje angielskiego pustego wiersza i wolnego wiersza. Jednak do 1910 roku spotkania „Klubu Poetów” stawały się stopniowo coraz rzadsze, po czym przestał on istnieć. Hume zginął kilka lat później na jednym z frontów I wojny światowej.
Druga grupa Imagistów zebrała się wokół Ezry Pounda. W październiku 1912 roku Ezra Pound otrzymał od młodej amerykańskiej poetki Hildy Doolittle, która rok temu przeprowadziła się do Anglii, wybór jej wierszy, które uderzyły go „obrazową zwięzłością”. Hilda Doolittle przyciągnęła do grupy swojego kochanka i przyszłego męża. Był to późniejszy słynny angielski powieściopisarz Richard Aldington. Znakiem drugiego etapu imagizmu było odwoływanie się do starożytności (R. Aldington był także tłumaczem poezji antycznej Grecji). Pound w ciągu tych lat sformułował swoje słynne "Kilka Zakazów" - przykazanie Imagizmu, wyjaśniające, jak należy, a raczej jak nie należy pisać poezji. Podkreślał, że „poezja figuratywna jest jak rzeźba zamrożona w słowie” (przypomnijmy: o tym samym pisał Hume).
Efektem drugiego etapu w historii imagizmu była antologia poetycka Des Imagistes (1915) zebrana przez Pounda, po czym Pound opuścił grupę i wyjechał do Francji. Rozpoczęła się wojna i centrum imagizmu zaczęło przenosić się z walczącej Anglii do Ameryki.
Trzeci etap w rozwoju imagizmu jest amerykański. Liderem grupy imagistów była amerykańska poetka Amy Lowell (1874-1925) ze wybitnej rodziny Lowellów w Bostonie, która już w XIX wieku wydała słynnego poetę Jamesa Russella Lowella. Głównym tematem wierszy Amy Lowell jest zachwyt nad naturą. Zasługą poetki są przygotowane przez nią kolejno trzy antologie imagistyczne.
Znani powieściopisarze David Herbert Lawrence, James Joyce i Ford Madox Ford (1873-1939) pojawili się z wierszami w antologiach Imagist, są też wiersze Thomasa Stearnsa Eliota, a także dwa inne przyszłe filary poezji amerykańskiej - Carl Sandburg (1878-1967 ..) i bardzo młodego Williama Carlosa Williamsa (1883–1963).
Kompilator Antologii Imagizmu opublikowanej w Rosji w 2001 roku, Anatolij Kudriawicki, napisał we wstępie do niej:
„W poezji krajów anglojęzycznych prawie półtorej dekady upłynęło pod znakiem imagizmu - prawie cały początek wieku. Poeci imagiści walczyli o odnowienie języka poetyckiego, uwolnili poezję z klatki zwykłego wiersza, wzbogacili literaturę o nowe formy poetyckie, z szeroką rozpiętością rytmiczną, różnorodnością strof i wielkości wersów, nieoczekiwanymi obrazami.
Biorąc pod uwagę kilka nurtów awangardowych i twórczość czołowych pisarzy, można stwierdzić, że sztukę awangardową jako ruch artystyczny charakteryzuje subiektywizm i ogólnie pesymistyczne spojrzenie na postęp i historię, pozaspołeczny stosunek do osoba, naruszenie holistycznej koncepcji osobowości, harmonii życia zewnętrznego i wewnętrznego, społecznego i biologicznego w niej. Światopoglądowo modernizm spierał się z apologetycznym obrazem świata, był antyburżuazyjny; jednocześnie zaniepokoiła go nieludzkość praktycznej działalności rewolucyjnej. Modernizm bronił osobowości, głosił jej samoocenę i suwerenność, immanentny charakter sztuki. W poetyce testował nietradycyjne metody i formy przeciwstawne realizmowi, nastawione na wolną wolę twórcy, a tym samym wpływał na sztukę realistyczną. Granica między modernizmem a realizmem w wielu konkretnych przykładach z twórczości współczesnych autorów jest dość problematyczna, gdyż według obserwacji znanego krytyka literackiego D. Zatońskiego „modernizm… nie występuje w sposób chemiczny czysta forma." Stanowi integralną część artystycznej panoramy XX wieku.
Mówiąc o literaturze rosyjskiej przełomu XIX i XX wieku, pamiętają przede wszystkim trzy nurty, które najbardziej rzucały się w oczy: symbolizm, acmeizm i futuryzm. Łączy ich przynależność do modernizmu. Nurty modernistyczne powstały jako sprzeciw wobec sztuki tradycyjnej, ideolodzy tych nurtów zaprzeczali klasycznemu dziedzictwu, przeciwstawiali się ich kierunkom ku realizmowi i głosili poszukiwanie nowych sposobów przedstawiania rzeczywistości. W tych poszukiwaniach każdy z kierunków poszedł swoją drogą.
Symbolizm
Symboliści uważali za swój cel sztukę intuicyjnego rozumienia jedności świata poprzez symbole. Sama nazwa prądu pochodzi od greckiego Symbolon, co tłumaczy się jako konwencjonalny znak. Życia duchowego nie da się pojąć w sposób racjonalny, tylko sztuka może przeniknąć w jego sferę. Dlatego symboliści rozumieli proces twórczy jako podświadome, intuicyjne wnikanie w tajemne znaczenia, które może dokonać tylko artysta-twórca. A tych tajemnych znaczeń nie da się przekazać bezpośrednio, ale tylko za pomocą symbolu, bo tajemnicy bytu nie da się przekazać zwykłym słowem.
Za teoretyczną podstawę rosyjskiej symboliki uważa się artykuł D. Mereżkowskiego „O przyczynach upadku i nowych trendach we współczesnej literaturze rosyjskiej”.
W symbolice rosyjskiej zwykle wyróżnia się dwa etapy: twórczość starszych i młodszych symbolistów.
Symbolizm wzbogacił literaturę rosyjską o wiele odkryć artystycznych. Poetyckie słowo otrzymało jasne niuanse semantyczne, stało się niezwykle niejednoznaczne. „Młodzi Symboliści” byli przekonani, że poprzez „słowo prorocze” można zmienić świat, że poeta jest „demiurgiem”, twórcą świata. Ta utopia nie mogła się urzeczywistnić, dlatego w latach 1910. nastąpił kryzys symbolizmu, jego upadek jako systemu.
ameizm
Taki kierunek modernizmu w literaturze jak acmeizm powstał w opozycji do symbolizmu i głosił pragnienie jasnego widzenia świata, co jest wartościowe samo w sobie. Zadeklarowali powrót do pierwotnego słowa, a nie do jego symbolicznego znaczenia. Narodziny acmeizmu związane są z działalnością stowarzyszenia literackiego „Warsztat Poetów”, którego liderami byli N. Gumilyov i S. Gorodetsky. A teoretyczną podstawą tego trendu był artykuł N. Gumilowa „Dziedzictwo symbolizmu i acmeizmu”. Nazwa nurtu pochodzi od greckiego słowa acme – najwyższy stopień, kwitnący, szczyt. Według teoretyków acmeizmu głównym zadaniem poezji jest poetyckie rozumienie różnorodnego i tętniącego życiem ziemskiego świata. Jego zwolennicy przestrzegali pewnych zasad:
- daj słowu dokładność i pewność;
- porzućcie mistyczne znaczenia i dojdźcie do jasności słowa;
- wyrazistość obrazów i dopracowane szczegóły obiektów;
- echa minionych epok. Wielu uważa poezję akmeistów za odrodzenie „złotego wieku” Baratyńskiego i Puszkina.
Najbardziej znaczącymi poetami tego nurtu byli N. Gumilow, A. Achmatowa, O. Mandelstam.
Futuryzm
Po łacinie futurum oznacza przyszłość. Za powstanie rosyjskiego futuryzmu uważa się rok 1910, kiedy opublikowano pierwszy futurystyczny zbiór „Ogród sędziów”. Jej twórcami byli D. Burliuk, W. Chlebnikow i W. Kamenski. Futuryści marzyli o pojawieniu się supersztuki, która radykalnie zmieni świat. Ten ruch awangardowy wyróżniał się kategorycznym odrzuceniem sztuki dawnej i współczesnej, śmiałymi eksperymentami w zakresie formy i skandalicznymi zachowaniami jej przedstawicieli.
Futuryzm, podobnie jak inne nurty modernizmu, był heterogeniczny i obejmował kilka ugrupowań, które zaciekle ze sobą walczyły.
- Cubo-futuryści (lub „Gilea”) nazywali siebie również „Budetlyane” - najbardziej wpływową z grup. To oni są twórcami skandalizującego manifestu „Uderzenie w twarz gustu publicznego”, a także dzięki ich wysokiej kreacji słownej powstała teoria „języka zawiłego” – zaumi. Należeli do nich D. Burliuk, W. Chlebnikow, W. Majakowski, A. Kruchenykh.
- Ego-futuryści, którzy są członkami kręgu „Ego”. Człowiek został ogłoszony egoistą, ułamkiem Boga. Popierali egoistyczne poglądy, przez które nie mogli istnieć jako grupa, a nurt szybko zakończył swoje istnienie. Najwybitniejszymi przedstawicielami ego-futurystów są: I. Severyanin, I. Ignatiev, V. Gnedov i inni.
- Poezja Mezzanine to stowarzyszenie zorganizowane przez kilku ego-futurystów na czele z W. Szerszniewiczem. W ciągu swojego krótkiego istnienia (około roku) autorzy wydali trzy almanachy: „Krematorium poczytalności”, „Uczta w czasie zarazy” i „Wernisaż” oraz kilka zbiorów wierszy. Oprócz W. Szerszniewicza do stowarzyszenia należeli R. Iwniew, S. Trietiakow, L. Zak i inni.
- Centrifuge to grupa literacka, która powstała na początku 1914 roku. Jego organizatorem był S. Bobrov. Pierwsza edycja to kolekcja „Rukonog”. Aktywnymi członkami grupy od pierwszych dni jej istnienia byli B. Pasternak, N. Asejew, I. Zdanevich. Później dołączyli do nich niektórzy ego-futuryści (Olympov, Kryuchkov, Shirokov), a także Trietiakow, Ivnev i Bolshakov, członkowie upadłej wówczas Antresoli Poezji.
Modernizm w literaturze rosyjskiej dał światu całą plejadę wielkich poetów: A. Błok, N. Gumilow, A. Achmatowa, O. Mandelstam, W. Majakowski, B. Pasternak.
