Pop-art to kierunek w sztuce oparty na przedmiotach kultury masowej i nastawiony na rozrywkę, komercję, a nie na poszukiwanie głębokiego sensu, filozofii i duchowości. Wiodącą rolę w rozwoju kierunku odegrały: reklama, moda, trendy, ikony stylu, różne środki popularyzacji i promocji handlowej. Pop-art był reakcją na powagę sztuki abstrakcyjnej i innych stylów sztuki XX wieku. Styl ten nazywany jest jednym z odgałęzień sztuki awangardowej.
Historia rozwoju stylu
Był to jeden z najbardziej znaczących i wpływowych ruchów artystycznych w malarstwie i innych nurtach artystycznych XX wieku, charakteryzujący się specyficznym doborem tematów i metod zaczerpniętych z popularnej kultury popularnej. Styl jest skierowany do szerokiego grona odbiorców, ponieważ wykorzystuje popularne obrazy. Dzięki swojej dostępności i prostocie pop-art był popularny.
Symbolizm jako styl w malarstwie
Ruch powstał w latach pięćdziesiątych, a osiągnął szczyt w latach sześćdziesiątych. Kolebką pop-artu jest Wielka Brytania, ale największy rozwój ruch ten osiągnął w USA, gdzie stolicą tego nurtu kulturowego stał się Nowy Jork. Założycielami i najbardziej znanymi twórcami pop-artu byli Andy Warhol i Jasper Johns.
Niezależna grupa
Pierwsze kroki nowego stylu w malarstwie związane były z działalnością „Grupy Niezależnej” artystów i architektów, założonej w 1952 roku w Londynie. Jako pierwsi zastosowali nowoczesne technologie do stworzenia płócien z wiodącymi motywami masowej i miejskiej kultury ludowej. Podstawą badań stała się kultura amerykańska. Pionierzy stylu E. Paolozzi i R. Hamilton badali psychologiczne wpływy kultury masowej, jej znaczenie, treść językową. Interesowały ich przede wszystkim metody reklamy przemysłowej, nowoczesne technologie wykonywania reklamy oraz technika tworzenia kolaży.
styl malarski art déco
To jest jutro
W 1956 roku odbyła się wystawa „To jest jutro”. Malarze prezentowali publiczności obrazy w stylu pop-artu, przedstawiające gwiazdy Hollywood, ujęcia ze znanych filmów w powiększeniu. To właśnie po wystawie wielu absolwentów uczelni artystycznych przyłączyło się do ruchu zainspirowanego nowym stylem. 
USA
W Stanach Zjednoczonych styl ten rozwinął się i spopularyzował. Tutaj wiele uwagi poświęcono estetyzacji tego, co banalne - opakowań, dóbr konsumpcyjnych. Istota amerykańskiego pop-artu: konsumowane przez ludzi przedmioty zrównują przedstawicieli różnych warstw społecznych. Tak więc pop-art jest sztuką równości społecznej. 
Jak termin
Termin określający styl pojawił się w latach 1955-1957 za sprawą brytyjskiego krytyka L. Allowaya. Samego autora koncepcji zdziwił fakt, że terminem tym zaczęto określać cały ruch kulturowy. Sam Allowoway miał na myśli produkty mające cel komercyjny, należące do elementów masowego przekazu.
Abstrakcjonizm jako styl w malarstwie
Artyści
Najbardziej znani przedstawiciele kierunku:
Keitha Garinga
Nowojorski artysta znany z karykatur. Na jego twórczość miała wpływ sztuka graffiti. 
Davida Hockneya
Uważany za jednego z najsłynniejszych angielskich artystów XX wieku. Hockney był jednym z liderów rozwoju pop-artu w Wielkiej Brytanii. 
Jaspera Johnsa
Znany z obrazów amerykańskiej flagi. Jednym z najbardziej znanych dzieł są Liczby w kolorze. 
Roya Lichtensteina
Jeden ze słynnych twórców komiksów. 
Wayne'a Thiebauda
Zasłynął dzięki obrazom przedstawiającym ciasta, ciastka, zabawki. 
Andy'ego Warhole'a
Najsłynniejszy twórca w stylu pop-artu. Rozpoznawalny dzięki zastosowaniu powtarzających się portretów i żywych barw w pracy.
Cechy prac w stylu pop-artu
Używamy obrazów i ikon, które są popularne we współczesnym świecie. Są to portrety celebrytów, gwiazd filmowych i muzycznych, przedmioty takie jak napoje bezalkoholowe, komiksy oraz wszelkie inne emblematy i produkty popularne w świecie komercyjnym.
- Obraz wykorzystuje jasne kolory, technikę tworzenia kolaży, łączy kilka logicznie niepowiązanych obiektów w jednym obrazie.
- Płócien pop-art trudno przegapić we wnętrzu - staną się jasnym akcentem w pokoju urządzonym w nowoczesnym stylu. Styl pop-art polega na wykorzystaniu różnych tekstur.
- Obraz może zawierać napisy, hasła, motta - przypomina plakat reklamowy.
- Do tworzenia prac wykorzystano techniki druku fotograficznego, zestawienia z rzeczywistymi obiektami oraz wzornictwo.
- Ideały estetyczne zostały zapożyczone z kultury popularnej, spopularyzowanej przez media.
- Artyści zapożyczyli techniki z reklamy przemysłowej.
Dadaizm jako styl w malarstwie
Styl był wielokrotnie krytykowany. W 1962 roku Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku zorganizowało sympozjum na temat pop-artu. Znany krytyk H. Kramer przekonywał, że należy przeciwstawić się rozwojowi pop-artu, ponieważ popularyzuje on banalność, wulgarność i zły gust. Według krytyka pop-art to tylko reklama, którą ludzie próbują przebrać za formę sztuki.
Według innego krytyka, S. Kunitsy, pop-art jest produktem propagandy i ma na celu ukształtowanie społeczeństwa konformistycznego, realizującego czysto konsumpcyjne cele. Wszystkie te symbole i hasła, według Kunitsa, zmieniły plakaty reklamowe w pseudosztukę.
Celem pop-artu, który artyści postawili na swoją twórczość, był powrót do rzeczywistości, od której abstrakcjoniści się wycofali. Głównym ogniwem twórczości była tematyka związana z kulturą przemysłową, kinem, prasą, telewizją.
Teraz przez termin „pop-art” rozumiemy cztery portrety Marilyn Monroe w kwaśnych kolorach lub inne podobne obrazy. Ktoś zapamięta również ogromne płótna z obrazami w stylu komiksów. Ale niewiele osób potrafi wyjaśnić, czym naprawdę jest pop-art. Jednak historia ruchu pop-art jest bardzo interesująca. Przedstawiciele tego kierunku są tacy sami jak ich potomstwo: dziwni, ale atrakcyjni na swój sposób.
Początek historii pop-artu
To był koniec lat 50. W tamtych latach, aby uchodzić za intelektualistę i znawcę sztuki, wystarczyło spojrzeć na obraz przez jakiś czas iw końcu wyciągnąć jakiś „głęboki” wniosek. I w tym niesamowitym okresie każdy był koneserem: w końcu głównym kierunkiem tamtych czasów był abstrakcyjny ekspresjonizm.
Jaki on był? Szczerze mówiąc, pociągnięcia, pociągnięcia, krople farby na dużym płótnie. I w tym wszystkim ludzie starali się dostrzec ukryty sens. Oczywiście wpatrywanie się, jak ktoś rozlał farbę na płótno, prędzej czy później się znudzi i tak też się stało.
Pop-art narodził się w Anglii w 1952 roku, a jego pierwszymi przedstawicielami było trzech studentów King's College. Ale teraz raczej nie znajdziesz o nich informacji, ponieważ ten kierunek artystyczny zyskał prawdziwą popularność w Ameryce. Jedną z pierwszych prac w stylu pop-artu był kolaż „Co sprawia, że nasze domy są dziś tak różne, tak atrakcyjne?”.
Jak widać, wartość artystyczna kolażu jest dość kontrowersyjna, trudno go przypisać sztuce wysokiej. Niemniej jednak była to swego rodzaju wypowiedź, protest przeciwko sztuce nowoczesnej. I zadziałało. Pop-art zaczął mieć nowych i nowych artystów, którzy wnieśli coś własnego w tym kierunku. W rezultacie pod koniec lat 70., kiedy w Ameryce pop-art dobiegł końca, jego fenomen rozprzestrzenił się już w Anglii, Europie, a nawet trochę w Związku Radzieckim. To prawda, że \u200b\u200bw tym ostatnim nie było to oficjalne iz czasem wszyscy wielbiciele i twórcy obrazów pop-artu opuścili kraj.
cechy pop-artu
Specyfika pop-artu ujawnia się w jego nazwie: pop (popularny) - popularny; sztuka - sztuka. Krótko mówiąc, jest to sztuka, w której nacisk kładzie się na małe rzeczy, które każdy może znaleźć w swoim otoczeniu. Zwolennicy tego ruchu starali się przywrócić sztuce materialność i namacalność. Czerpali inspirację ze współczesnego życia, swojego środowiska i codziennego życia zwykłych Amerykanów.
Zrobili to, każdy na swój sposób. Na przykład pop-art może obejmować zarówno kolaże, jak ten, który pokazaliśmy powyżej, jak i obrazy z komiksem. Niektórzy przenosili fotografie na ogromne jedwabne płótna. Niektóre malowały płaskie kobiety otoczone niemal trójwymiarowymi przedmiotami gospodarstwa domowego. Niektórzy wycinają dziury w obrazie i wkładają w nie swoje telewizory (nie, to nie żart, poniżej będą przykłady). W pop-arcie każdy wniósł coś od siebie, dlatego ten kierunek jest tak różnorodny i niejednoznaczny.
Przedstawiciele pop-artu
Poniżej porozmawiamy o najjaśniejszych i najważniejszych przedstawicielach ruchu pop-art.
1 Andy'ego Warhola
„Dyptyk Marilyn”, E. Warhol
Ten sam Andy Warhol, który malował Marilyn Monroe. Nawiasem mówiąc, „namalował” nie tylko ją, ale także inne znane osobistości. Oprócz rysowania celebrytów zasłynął także malowaniem dwustu puszek zupy. Co, nawiasem mówiąc, przyniosło mu ogromną sumę pieniędzy. Właściwie wszystkie obrazy przynosiły mu ogromne zyski, bo drukowano 50-80 egzemplarzy dziennie, przez cały rok. Portretował wszystko: konserwy, celebrytów, zdjęcia z wypadków samochodowych, portrety przestępców i wiele więcej. I wszystko kupili.
Nawiasem mówiąc, Warhol był także reżyserem, który nakręcił 24-godzinny film. Ten film był jednak pozbawiony specjalnej fabuły: kamera po prostu sfilmowała śpiącą osobę.
2 Roya Lichtensteina
„M-może”, R. Lichtenstein
Słynie z tego, że daje nam dwumetrowe komiksy. Zrobił wszystko jeszcze łatwiej niż Warhol: zrobił zdjęcie, które mu się podobało, powiększył je i przeniósł na jedwabne płótna o wymiarach 2x3 metry (czasami nawet więcej). Teraz, idąc za jego przykładem, wykonują wiele obrazów przedstawiających superbohaterów lub superbohaterki. Czasami na jego obrazach oprócz obrazów błyskały słowa.
3 Toma Wesselmana
Kolaż do kąpieli, T. Wesselman
Zasłynął z przedstawiania płaskich, narysowanych postaci (często kobiet) na rzeczywistych przedmiotach. Kiedyś namalował też martwą naturę przedstawiającą stół z owocami oraz dwa obrazy: gwiazdę i portret Abrahama Lincolna. Ale główną cechą tego obrazu było to, że artysta zrobił w nim dziurę w okolicy stołu i umieścił tam telewizor. Nawiasem mówiąc, w latach 80. pracował z metalem i rzeźbił na nim swoje rysunki.
4 Roberta Rauschenberga
„Droga do nieba”, R. Rauschenberg
Twórca „obrazów kombinowanych”, łączących rysunek i przedmiot rzeczywisty. To prawda, jeśli Wesselmann zastosował tę technikę na płótnie, Rauschenberg zrobił to inaczej: dosłownie wystawiał przedmioty w galeriach. Na przykład jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest łóżko. Dosłownie jego łóżko, pokryte farbą i ustawione pionowo. To prawda, najczęściej w podobnym kierunku działał za pomocą wypchanych zwierząt. Ponadto miał trzy etapy, według których tworzył swoje pierwsze prace: na białym tle liczby i cyfry były przedstawiane na czarno (pierwszy); na płótno przyklejono zmięte gazety (druga), na to wszystko położono przedmioty (gwoździe, gazety, fotografie itp.), a obraz pokryto czerwienią. Zasłynął z tego, że wymazał obraz Willema de Kooninga (jednego z liderów abstrakcyjnego ekspresjonizmu) i wystawił go, nazywając go „Wymazanym rysunkiem Willema de Kooninga”. Później, w latach 60. i 70., przestał rysować i zajął się akcjami teatralnymi, których zrodził się pop-art.
5 Jaspera Johnsa
„Dwa banki” D. Jones
Artysta, który maluje flagi i odlewa w brązie szczoteczki do zębów i puszki po piwie. Swoją drogę twórczą rozpoczął od namalowania obrazu „Flaga”, śpiąc na amerykańskiej fladze. Prawie wszystkie jego obrazy w tym kierunku przedstawiają amerykańską flagę w różnych kolorach. Co ciekawe, najdroższym żyjącym artystą jest Jasper Johns. A jego obraz „Biała flaga” został kupiony przez muzeum w 1998 roku za ponad 20 milionów dolarów.
Wniosek
Pop-art przyjął swoją prostotą, nieskomplikowaniem i niezwykłością. Zastąpił abstrakcyjny i niezrozumiały styl, a był tak „żywy” i zrozumiały dla każdego, że dosłownie od razu stał się częścią kultury masowej. Oczywiście wszystko prędzej czy później się kończy i upada, ale w tej chwili powstają obrazy pop-artu, chociaż ich twórcy raczej nie zrozumieją prawdziwej istoty tego ruchu.
„200 puszek zupy Campbella” E. Warhola
(ang. sztuka popularna - sztuka popularna; lub z popu - szarpany dźwięk, klaskanie, trzask korka, dosłownie - sztuka wywołująca wybuchowy, szokujący efekt) - kierunek w sztuce lat 50.-60. XX wieku, który charakteryzuje się wykorzystaniem i przetwarzania obrazów kultury masowej. Był swego rodzaju reakcją na sztukę abstrakcyjną, choć odnajdywał swoje związki z dadaizmem i surrealizmem. Pop Art rozpoczął się w 1952 roku, kiedy londyńska Independent Group zaczęła badać obrazy sztuki masowej. Popularność zyskał jednak pop-art w wersji amerykańskiej, w działalności R. Rauschenberga, K. Oldenberga, D. Rosenquista, D. Jonesa, R. Lichtensteina. Jako swoje cele ogłosili powrót do rzeczywistości, ujawnienie walorów estetycznych masowej produkcji i środków masowego przekazu (reklama, fotografia, reprodukcja, komiks), całego sztucznego środowiska materialnego otaczającego człowieka. W tym celu do obrazów wprowadzano elementy kultury popularnej w postaci kolażu, bezpośredniego cytatu lub fotoreprodukcji (obrazy Rauschenberga, Warhola, Hamiltona). Rosenquist i Wesselman naśladowali w obrazach techniki i techniki billboardów. Lichtenstein powiększył komiks do rozmiarów dużego płótna. Oldenberg tworzył repliki gablot o dużych rozmiarach z nietypowych materiałów. Tym samym do sztuki weszły artykuły gospodarstwa domowego, opakowania towarów, fragmenty wnętrz, części maszyn, popularne drukowane wizerunki znanych osobistości i wydarzeń.
Pop-art był reakcją artystów na nowe środowisko miejskie stworzone przez kulturę popularną. Jej obrazy zostały umieszczone w innym kontekście, zastosowano inną skalę i materiał, ujawniono techniki wykonania i ich wady. W rezultacie oryginalny obraz został paradoksalnie zmieniony, zreinterpretowany i zdeprecjonowany. Twórcy pop-artu byli wśród inicjatorów takich form jak happening (impreza niezorganizowana, ale sprowokowana przez jej autorów, odbywająca się bezpośrednio w mieście lub w naturze, której ważną częścią jest publiczność i jej reakcja na to wydarzenie; odzwierciedla dążenie artystów awangardowych do łączenia sztuki z życiem), obiektowa instalacja (kompozycja przestrzenna stworzona przez artystę z różnych przedmiotów gospodarstwa domowego, przemysłu, przedmiotów przyrodniczych, informacji tekstowych i wizualnych), environment (kompozycja obejmująca widza jak prawdziwy environment, często imitacja wnętrz z postaciami ludzi), montaż (rozszerzony typ kolażu), sztuka wideo (eksperymenty ze sprzętem wideo, obrazem komputerowym i telewizyjnym). Techniki te następnie rozpowszechniły się szeroko zarówno w Europie, jak iw innych regionach świata.
Pop Art
Kierunek
Pop art (angielski pop art, skrót od popularnej sztuki – popularnej lub naturalnej sztuki) – nurt w sztukach plastycznych Europy Zachodniej i USA na przełomie lat 50. Jako główny temat i obraz pop-art wykorzystywał obrazy produktów konsumenckich. W rzeczywistości ten kierunek w sztuce zastąpił tradycyjne sztuki piękne - demonstracją niektórych obiektów kultury masowej lub świata materialnego.
Obraz zapożyczony z kultury popularnej osadzony jest w innym kontekście:
Termin „pop-art” po raz pierwszy pojawił się w prasie w artykule angielskiego krytyka Lawrence’a Allowaya, w 1966 roku Alloway otwarcie przyznał: „Wtedy nie nadałem temu pojęciu znaczenia, jakie ono zawiera dzisiaj. Użyłem tego słowa wraz z określeniem „popkultura” na określenie wytworów środków masowego przekazu, a nie dzieł sztuki, w których wykorzystano elementy tej „kultury ludowej”. W każdym razie koncepcja weszła do użytku gdzieś między zimą 1954/55 a 1957 r.
Pierwsze prace „Part” stworzyło trzech artystów, którzy studiowali w Royal College of Art w Londynie – Peter Blake, Joe Tilson i Richard Smith. Ale pierwszą pracą, która osiągnęła status ikony pop-artu, był kolaż Richarda Hamiltona „Co sprawia, że nasze domy są dziś tak różne, tak zachęcające?” (1956)
Pop-art był wielokrotnie krytykowany przez artystów i krytyków sztuki. 13 września 1962 roku Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku zorganizowało sympozjum na temat pop-artu. W późniejszej dyskusji wpływowy konserwatywny krytyk Hilton Kramer z The New York Times wyraził opinię, że w swej istocie pop-art „nie różni się od sztuki reklamy”. Według Kramera oba te zjawiska mają na celu „pogodzenie nas ze światem towarów, frazesów i wulgaryzmów”. Krytyk podkreślał potrzebę zdecydowanego sprzeciwu wobec pop-artu.
Obecny na sympozjum poeta, krytyk i zdobywca nagrody Pulitzera Stanley Kunitz również potępiał pop-art, zarzucając przedstawicielom tego ruchu artystycznego dążenie do przypodobania się rządzącej warstwie społecznej: według poety wyrażają oni „ducha konformizmu i burżuazja”. Ponadto Kunitz sugerował, że pop-artowe „znaki, hasła i techniki pochodzą bezpośrednio z cytadeli burżuazyjnego społeczeństwa, z bastionu, w którym kształtują się obrazy i potrzeby mas”.
Mario Amaya (angielski)
To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełna treść artykułu tutaj →
Wikipedia:
