O czym mówiła martwa natura Nauczyciel sztuk pięknych MBOU „TsO nr 32” Kamenskaya Alena Igorevna

Jeśli widzisz na obrazie Filiżankę kawy na stole, Lub napój owocowy w dużej karafce, Lub różę w krysztale, Lub wazę z brązu, Lub gruszkę lub ciasto, Lub wszystkie przedmioty naraz, wiedz, że to jest... MARTWA NATURA

STILL NATURA to jeden z gatunków sztuk plastycznych, głównie malarstwa. W martwej naturze przedstawione są tylko rzeczy codziennego użytku, tj. przedmioty codziennego użytku, przedmioty nieożywione.

Francuskie „nature morte” – dosłownie oznacza „martwą naturę”. Wszystko, co żywe, naturalne, naturalne staje się nieożywione, martwe w martwej naturze i jest utożsamiane z rzeczami. Tak więc, aby stać się tematem martwej natury, owoce i owoce muszą zostać oskubane, zwierzęta i ptaki muszą zostać zabite, ryby, zwierzęta morskie muszą zostać złowione, kwiaty muszą zostać ścięte.

Martwa natura wyraża stosunek człowieka do otaczającego go świata. Ujawnia zrozumienie piękna, jakie tkwi w artyście jako człowieku swoich czasów. Jednak ważne jest nie tylko to, co jest przedstawione, ale także jak. Te same przedmioty, ułożone inaczej, malowane jasnymi soczystymi pociągnięciami lub miękko i cicho, mogą opowiadać o wakacjach i smutku, szczęściu lub samotności.

Grafika malarska

Rodzaje martwych natur Tematyczna martwa natura oznacza zjednoczenie obiektów według tematu, fabuły. Tematyczna martwa natura to złożone dzieło sztuki, za pomocą którego można opowiedzieć o hobby, poglądach, światopoglądzie właściciela przedmiotów.

przedmioty, edukacyjne martwa natura. W nim konieczne jest skoordynowanie obiektów pod względem wielkości, tonu, koloru i tekstury, ujawnienie cech projektowych, zidentyfikowanie wzorów plastyczności różnych form. Edukacyjna martwa natura jest również nazywana akademicką lub inscenizowaną. Edukacyjna martwa natura różni się od twórczej ściśle określonym celem: wręczenie dyplomów, aktywizacja ich zdolności poznawczych i zaangażowanie ich w samodzielną pracę twórczą. uczący się obrazków do nauki proporcji i podstaw

tworzenie wspólnego W dekoracyjnej lub twórczej martwej naturze głównym zadaniem jest określenie dekoracyjnych walorów natury, elegancji „Dekoracyjna martwa natura nie jest dokładnym obrazem natury, ale refleksją nad tą naturą: jest to wybór i uchwycenie najbardziej charakterystyczne, odrzucenie wszystkiego, co przypadkowe, podporządkowanie struktury martwej natury konkretnemu zadaniu artysty”. wrażenie

Wyróżnia się martwe natury: według koloru (ciepły, zimny); według koloru (blisko, kontrastowo); przez oświetlenie (oświetlenie bezpośrednie, oświetlenie boczne, pod światło); według lokalizacji (martwa natura we wnętrzu, w krajobrazie); według czasu wykonania (krótkoterminowe „policzek” i długoterminowe wielogodzinne produkcje); na sformułowaniu zadania edukacyjnego (realistyczny, dekoracyjny itp.).

Co oznaczają martwe natury, ich tajne znaki? Co oznaczają kwiaty w martwych naturach? konwalie, fiołki, niezapominajki otoczone różami, goździki, ukwiały to symbole skromności i czystości; w centrum kompozycji duży kwiat „korona cnót”; kruszące się płatki w pobliżu wazonu są oznaką słabości; zwiędły kwiat jest oznaką zniknięcia uczuć.

Co oznaczają owoce i owady w martwych naturach? dojrzałe owoce są symbolem płodności, obfitości, bogactwa i dobrobytu; granat jest symbolem zmartwychwstania, symbolem czystości; wiśnia - „rajska jagoda”, symbolizuje miękkość natury, życzliwość osoby; truskawki są symbolem prawości i pracowitości; oliwka jest symbolem pokoju; cytryna - zdrada, zmysłowe przyjemności; ptaki, motyle i różne owady są oznakami różnych etapów ziemskiego życia, uosobieniem boskiego cyklu, śmierci i zmartwychwstania; fruwający motyl jest symbolem nieśmiertelności duszy, zmartwychwstania;

Praca dyplomowa

1.1 Pojęcie martwej natury, jej główne metody, techniki i techniki pisania materiałami obrazkowymi

Cóż to za dziwny obraz - martwa natura: budzi podziw dla kopii tych rzeczy, których oryginałów nie podziwiasz.

Celem tego akapitu jest wprowadzenie do gatunku – martwa natura, rozważenie takich pojęć jak „metoda”, „malarstwo”, „malarstwo martwej natury”, „technika malarska”, „technika pracy z materiałami obrazkowymi” oraz, na na tej podstawie określenie głównych metod i technik opanowania techniki pracy z materiałami obrazkowymi na przykładzie malarstwa martwej natury.

Martwa natura (fr. nature morte dosł. martwa natura) - w sztukach wizualnych - obraz przedmiotów nieożywionych, w przeciwieństwie do portretu, gatunku, tematyki historycznej i pejzażowej.

Martwa natura to jeden z gatunków sztuki poświęcony reprodukcji artykułów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp. Zadaniem artysty przedstawiającego martwą naturę jest przekazanie kolorystycznego piękna przedmiotów otaczających osobę, ich objętości i materialnej istoty, a także wyrażenie ich stosunku do przedstawionych przedmiotów. Rysowanie martwej natury jest szczególnie przydatne w praktyce edukacyjnej do doskonalenia umiejętności malarskich, ponieważ w nim początkujący artysta rozumie prawa harmonii kolorów, nabywa umiejętności techniczne modelowania form malarskich

Martwa natura jako niezależny gatunek w sztuce pojawiła się na przełomie XVI i XVII wieku. w Holandii i Flandrii i od tego czasu był używany przez wielu artystów do przekazywania bezpośredniego związku sztuki z życiem i życiem ludzi. To czas artystów, którzy zasłynęli w gatunku martwej natury, P. Klasa, V. Hedy, A. Beierena i V. Kalfa, Snydersa i innych.

Martwa natura to najbardziej ulubiony gatunek w sztuce wielu współczesnych artystów. Malowane są martwe natury w plenerze, we wnętrzach, realizacje proste i złożone, tradycyjne i ostro nowoczesne zaaranżowane zestawy przedmiotów z życia codziennego człowieka.

Istnieje kilka rodzajów martwych natur:

Działka tematyczna;

Szkolenie;

Edukacyjny i kreatywny;

Twórczy.

Martwe natury wyróżniają:

Według koloru (ciepły, zimny);

Według koloru (bliski, kontrastowy);

Przez oświetlenie (oświetlenie bezpośrednie, oświetlenie boczne, pod światło);

Według lokalizacji (martwa natura we wnętrzu, w krajobrazie);

Do czasu wykonania (krótkoterminowe – „policzek” i długoterminowe – wielogodzinne występy);

Zgodnie z ustawieniem zadania edukacyjnego (realistyczne, dekoracyjne itp.).

Martwa natura w pejzażu (plener) może być dwojakiego rodzaju: jedna – skomponowana zgodnie z wybranym tematem, druga – naturalna, „przypadkowa”. Może być samodzielny lub stanowić integralną część malarstwa rodzajowego lub pejzażu. Często sam pejzaż lub scena rodzajowa jest jedynie uzupełnieniem martwej natury.

Martwa natura we wnętrzu polega na rozmieszczeniu obiektów otoczonych dużą przestrzenią, w której martwe natury są fabularnie podporządkowane wnętrzu.

Tematyczna martwa natura fabularna implikuje unifikację przedmiotów przez temat, fabułę.

Edukacyjne martwa natura (akademickie). W nim, podobnie jak w wątku fabularnym, konieczne jest skoordynowanie obiektów pod względem wielkości, tonu, koloru i faktury, ujawnienie cech konstrukcyjnych obiektów, zbadanie proporcji i zidentyfikowanie wzorców plastyczności różnych form. Edukacyjna martwa natura różni się od twórczej ściśle określonym celem: przekazanie uczniom podstaw umiejętności wizualnych, aktywizacja ich zdolności poznawczych i zaangażowanie w samodzielną pracę twórczą.

Dekoracyjna martwa natura nie jest dokładnym przedstawieniem natury, ale refleksją nad daną naturą: jest selekcją i uchwyceniem tego, co najbardziej charakterystyczne, odrzuceniem wszystkiego, co przypadkowe, podporządkowaniem struktury martwej natury specyficznemu zadaniu artysta. Podstawową zasadą rozwiązania dekoracyjnej martwej natury jest przekształcenie przestrzennej głębi obrazu w warunkową płaską przestrzeń. Jednocześnie możliwe jest użycie kilku planów, które muszą znajdować się na niewielkiej głębokości. Zadaniem wychowawczym stojącym przed uczniem w procesie pracy nad dekoracyjną martwą naturą jest „ujawnienie charakterystycznej, najbardziej wyrazistej jakości i utrwalenie jej w jej zdobniczej obróbce.

Termin "metoda" - oznacza sposób działania, technikę, metodę realizacji, osiągnięcia czegoś. W praktyce pedagogicznej, zgodnie z tradycją, zwyczajowo rozumie się uporządkowany sposób działania w celu osiągnięcia celów edukacyjnych. Jednocześnie zauważa się, że metody realizacji działalności edukacyjnej nauczyciela i tryb działania aktywności edukacyjnej uczniów są ze sobą ściśle powiązane i wzajemnie na siebie oddziałują. Metodę nauczania charakteryzują trzy cechy. Oznacza cel uczenia się, sposób realizacji asymilacji oraz charakter interakcji uczących się podmiotów. Pojęcie metody nauczania odzwierciedla zatem: sposób działania pracy dydaktycznej nauczyciela i metody pracy wychowawczej uczniów w ich relacji; specyfikę swojej pracy, aby osiągnąć różne cele uczenia się. Uważa się zatem, że metody nauczania to metody realizacji wspólnych działań nauczyciela i uczniów, mających na celu rozwiązywanie problemów w nauce, zadań dydaktycznych.

Metody nauczania w dydaktyce charakteryzują poszczególne szczegóły, główne części metody. Obejmowały one na przykład pokazanie ilustracji lub przedmiotu w trakcie przedstawiania w celu wyjaśnienia pomysłów uczniów na temat kształtu, rozmiaru, koloru lub innych cech przedmiotu (jeśli uczniowie mają trudności z zrobieniem czegoś). Metody i metody nauczania są w dialektycznej jedności i mogą przechodzić jedne w drugie. Recepcja - techniczna metoda nieodłącznie związana z artystą lub szkołą artystyczną w celu rozwiązania określonego problemu; stosunkowo kompletny element technologii edukacyjnej, utrwalony w ogólnej lub osobistej kulturze pedagogicznej; element metody, jej integralna część, odrębny krok w realizacji metody.

Metoda obserwacji leży u podstaw całego systemu nauczania sztuk pięknych. Powodzenie w rozwoju zdolności twórczych, a także powodzenie w opanowaniu technik pracy z materiałami obrazkowymi, zależy od tego, jak dobrze uczniowie rozwiną umiejętność obserwacji otoczenia, nawiązywania powiązań między zjawiskami rzeczywistości, rozróżniania między ogólne i indywidualne.

W szkole, w klasie do zajęć wizualnych, stosuje się różnorodne metody i techniki, które można warunkowo podzielić na wizualne i werbalne. Specjalną, specyficzną dla ucznia grupę technik stanowią techniki gry. Łączą użycie wizualizacji i użycie słowa.

Metoda nauczania, zgodnie z definicją przyjętą w pedagogice, charakteryzuje się holistycznym podejściem do rozwiązania problemu, determinuje charakter wszystkich działań zarówno uczniów, jak i nauczycieli na tej lekcji.

Metoda uczenia się jest bardziej prywatnym, pomocniczym sposobem działania, który nie przesądza o całej specyfice zajęć na lekcji i ma jedynie wąski walor edukacyjny.

Wizualne metody i techniki nauczania obejmują: - korzystanie z natury, rysunek pedagogiczny, reprodukcje obrazów, próbki i inne pomoce wizualne; badanie pojedynczych obiektów; pokazując nauczyciela technik obrazowych; pokazanie pracy uczniów na koniec lekcji, kiedy są oceniani. Przy ujawnianiu zasad konstruowania obrazu konieczne jest dołączenie do wyjaśnienia słownego rysunku pedagogicznego na tablicy, aby pomóc dzieciom w radzeniu sobie z najtrudniejszymi dla nich zadaniami, należy pokazać im właściwy sposób budowania główna forma tematu.

Rysunek pedagogiczny jest jednym z najważniejszych środków, metod nauczania techniki pracy z materiałami obrazkowymi. W pewnym momencie rysunek pedagogiczny musi zostać uproszczony, zeschematyzowany dla przejrzystości, aby uczniowie poprawnie zrozumieli projekt formy, jej strukturę i cechy plastyczne.

Praca z natury polega na przedstawieniu przedmiotu z określonego punktu widzenia, w pozycji, w jakiej znajduje się on w stosunku do oka malarza. Ta cecha obrazu z natury decyduje również o oryginalności percepcji w procesie klasowym. Najważniejsza jest tutaj percepcja wzrokowa, a po przedstawieniu na płaszczyźnie obiekt jest postrzegany tylko z jednej strony.

Umiejętność postrzegania przedmiotu w całości jego cech jest charakterystyczna dla uczniów klasy 5. Jednak potrzeba zobrazowania obiektu z natury wymaga umiejętności analizy proporcji części, ich położenia w przestrzeni.

Psychologowie uważają, że uczniowie klasy V są zdolni do takiej analityczno-syntetycznej percepcji tylko wtedy, gdy mają odpowiednie wskazówki pedagogiczne.

Zwróćmy uwagę na niektóre cechy wykorzystania przyrody na lekcjach plastyki. Natura przede wszystkim ułatwia pracę pamięci, gdyż proces wyobrażania łączy się z percepcją; pomaga uczniom poprawnie zrozumieć i przekazać kształt i strukturę przedmiotu, jego kolor.

Dostrzegając przedmiot, uczniowie muszą ukazać jego objętość (podać dwuwymiarowy obraz o trójwymiarowym charakterze na płaszczyźnie), co wiąże się z zastosowaniem światłocienia, przenoszeniem zmian perspektywicznych w obiekcie, stosowaniem różnych technik malarskich techniki i wyświetlanie złożonych zasobów.

Wykorzystanie natury jako metody nauczania obejmuje zatem cały proces tworzenia obrazu: wstępną analizę tematu, analizę technik stosowanych przy pracy z materiałami obrazkowymi, porównanie obrazu z naturą pod względem formy, położenia, koloru , ocena efektów pracy poprzez porównanie rysunku z naturą.

Próbka, podobnie jak natura, może pełnić rolę metody i odrębnej techniki nauczania. W tych rodzajach działań graficznych, w których głównym celem nie jest utrwalenie wrażeń z percepcji otoczenia, ale rozwinięcie poszczególnych momentów tej czynności, model stosuje się jako metodę nauczania.

Czasami można zgłosić do wyboru kilka próbek, jeśli uczniowie opanowali już niektóre techniki malarskie. Czasami próbka działa jako technika uczenia się. Na przykład w rysowaniu obiektów próbka jest używana nie w celu kopiowania, ale w celu wyjaśnienia pomysłów dzieci na temat przedstawionego obiektu.

Pokazywanie reprodukcji wielkich mistrzów przyczynia się również do rozwoju poziomu opanowania techniki pracy z materiałem obrazowym oraz wyjaśniania środków i metod przedstawiania.

Badanie reprodukcji obrazów może być zalecane w przypadkach, gdy nie ma wymaganego tematu, a także może służyć jako środek do zapoznania studentów z niektórymi metodami przedstawiania na płaszczyźnie, z różnymi technikami malarskimi. Na przykład nauczyciel pokazuje reprodukcje wielkich mistrzów, aby wyjaśnić obraz poszczególnych przedmiotów, jak używać określonych materiałów malarskich, jak je zastosować w praktyce. Program sztuk wizualnych określa zakres umiejętności wizualnych, które uczniowie muszą opanować w procesie uczenia się. Opanowanie stosunkowo niewielkiego zakresu umiejętności pozwoli uczniom przedstawiać różnorodne przedmioty.

Demonstracja metod obrazkowych przez nauczyciela jest efektywną wizualnie techniką, która uczy dzieci świadomego tworzenia pożądanej formy w oparciu o ich specyficzne doświadczenia. Wyświetlacz może być dwojakiego rodzaju:

Pokaż gestem;

Demonstracja technik obrazowania.

We wszystkich przypadkach pokazowi towarzyszą wyjaśnienia słowne.

Gest wyjaśnia położenie obiektu na arkuszu. Gestem można przywrócić w pamięci uczniów główną formę przedmiotu, jeśli jest on prosty, lub jego poszczególne części.

Na koniec lekcji nauczyciel pokazuje dobrze wykonaną pracę. Celem pokazu jest zwrócenie uwagi uczniów na wyniki ich działań. Nauczyciel zatwierdza również prace innych uczniów. Pozytywna ich ocena przyczynia się do zachowania zainteresowania aktywnością wzrokową.

Rozmowa jest jedną z werbalnych metod i technik nauczania. Celem rozmowy jest przywołanie w pamięci uczniów wcześniej postrzeganych obrazów i wzbudzenie zainteresowania lekcją. Rola konwersacji jest szczególnie duża na tych zajęciach, na których uczniowie będą wykonywać pracę na podstawie prezentacji (według własnego projektu lub na zadany przez nauczyciela temat), bez pomocy pomocy wizualnych.

Rozmowa powinna być krótka, ale treściwa i emocjonalna. Nauczyciel głównie zwraca uwagę na to, co będzie istotne w dalszej pracy, tj. nad konstruktywnym rozwiązaniem kolorystycznym i kompozycyjnym obrazu artystycznego. Jednak jedna rozmowa, bez dodatkowych technik, nie wystarczy do wykonania zadania.

Aby wyjaśnić pomysły uczniów na ten temat lub zapoznać ich z nowymi technikami pracy z materiałami obrazkowymi, nauczyciel podczas rozmowy lub po niej pokazuje pożądany przedmiot lub reprodukcje obrazów, a przed rozpoczęciem zadania dzieci demonstrują metody konstrukcyjne, materiały obrazkowe.

Praktyczne metody nauczania obejmują bardzo szeroki wachlarz różnorodnych aktywności uczniów. Podczas stosowania praktycznych metod nauczania stosowane są następujące techniki: stawianie zadania, planowanie jego realizacji, stymulacja operacyjna, kontrola i regulacja, analiza wyników pracy praktycznej, identyfikacja przyczyn braków.

Praktyczne metody nauczania obejmują wykonywanie różnorodnych ćwiczeń mających na celu zdobycie wiedzy o umiejętnościach i zdolnościach poprzez opanowanie technik pracy z materiałami obrazkowymi, gdzie podczas ćwiczeń studenci wykorzystują zdobytą wiedzę w praktyce.

Praktyczne metody nauczania są stosowane w ścisłym połączeniu z werbalnymi i wizualnymi metodami nauczania, ponieważ praktyczna praca powinna być poprzedzona pouczającym wyjaśnieniem przez nauczyciela. Samemu wykonywaniu pracy towarzyszą zazwyczaj objaśnienia słowne i ilustracje, a także analiza wykonanej pracy, którą najlepiej przeprowadzić poprzez osobisty kontakt z uczniami.

Techniki nauczania gier – to wykorzystanie momentów gry w procesie aktywności wizualnej odnosi się do wizualnych i efektywnych metod nauczania techniki pracy z materiałami obrazkowymi. Metody nauczania gier pomogą zwrócić uwagę uczniów na stopniowe zadanie, ułatwią pracę myślenia i wyobraźni.

Naukę malowania z natury w klasie 5 można rozpocząć od ćwiczeń z gry. Ich celem jest usprawnienie procesu uczenia się uczniów. Korzystając z momentów gry, nauczyciel nie powinien zamieniać całego procesu uczenia się w grę, ponieważ może to odwrócić uwagę uczniów od wykonania zadania edukacyjnego, zakłócić system zdobywania wiedzy, umiejętności i zdolności.

Oddzielne metody i techniki – wizualne i werbalne – są łączone i towarzyszą sobie w jednym procesie uczenia się w klasie.

Wizualizacja odnawia materialne i zmysłowe podstawy działania wizualnego, słowo pomaga w tworzeniu poprawnej reprezentacji, analizie i uogólnieniu tego, co postrzegane i przedstawiane.

Tak więc wybór określonych metod i technik zależy od:

Od wieku uczniów i ich rozwoju;

Z zadania postawionego przed lekcją;

Od rodzaju materiałów obrazkowych, z którymi działają uczniowie.

„Malarstwo” - powiedział wybitny nauczyciel i wybitny artysta P.P. Czistyakow - to prosta sprawa. Musisz znaleźć odpowiedni kolor i umieścić go we właściwym miejscu”. Aby jednak poradzić sobie z tym „prostym przypadkiem”, potrzebne jest doświadczenie i wiedza. Malarstwo oznacza „pisać życie”, „pisać obrazowo”, czyli w pełni i przekonująco oddać rzeczywistość. Malarstwo to sztuka koloru.

Malarstwo to rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła (obrazy, freski, murale) odzwierciedlają rzeczywistość, oddziałują na myśli i uczucia odbiorcy. Dzieło sztuki wykonane za pomocą farb (olej, tempera, akwarela, gwasz itp.) Nałożonych na powierzchnię nazywa się malarstwem. Obrazy malarstwa są bardzo wyraźne i jasne. Artyści tworzą płótna środkami malarskimi i plastycznymi. Wykorzystują możliwości rysunku i kompozycji, ale głównym środkiem wyrazu w malarstwie jest kolor. Jest w stanie wywołać różne uczucia, skojarzenia, wzmocnić emocjonalność obrazu. Obraz obrazkowy jest tworzony za pomocą farb, to znaczy kolorów, które tworzą ciągłą kolorową warstwę powierzchni obrazu. Nawet w malarstwie akwarelowym, gdzie czasami pozostają niepomalowane obszary papieru, nie wpływają one znacząco na ogólne wrażenie ciągłości obrazu, ponieważ kolory przepływają jedna w drugą, stapiają się i mieszają.

Malarskie i ekspresyjne możliwości koloru są wykorzystywane w malarstwie z pełną mocą, swobodnie, zgodnie z potrzebami artysty. Kolor może uwypuklić to, co najważniejsze w kompozycji, podkreślić ważne szczegóły, przekazać głębię przestrzeni lub podkreślić płaskość obrazu. Bardzo kolorowa masa z najdrobniejszymi przejściami kolorystycznymi, niuansami, kontrastami, refleksami jest wartością w malarstwie.

Obrazowe przedstawienie przedmiotu opiera się na kolorze, jaki dostrzega oko artysty w momencie obserwacji. W malarstwie głównemu językowi – kolorowi – pomaga język linii, objętości, przestrzeni, kompozycji.

Ważnymi środkami wyrazu artystycznego w malarstwie, oprócz koloru (koloru), są plama i charakter kreski, obróbka barwnej powierzchni (faktury), refleksy.

Szczególną rolę w edukacji estetycznej odgrywają techniki pracy z materiałami obrazkowymi.

Obserwacje procesu aktywności wizualnej pokazują, że studenci mają duże trudności w tworzeniu obrazu, jeśli nie mają umiejętności malarskich. A kiedy nie potrafią zobrazować tego, czego chcą, powoduje to niezadowolenie z siebie, negatywny stosunek emocjonalny do tej czynności i w ogóle odmowę rysowania. Nie znając technicznych metod rysowania, uczniowie sami próbują je znaleźć. W większości przypadków są to osoby niewłaściwe. W rezultacie kształt obiektu na rysunku jest zniekształcony, powodując niepokój uczniów.

Technika, zgodnie z figuratywną ekspresją P.P. Czistyakowa, jest językiem artysty. Bez opanowania tego języka artysta nie będzie w stanie przekazać widzowi idei swojej pracy.

W sztukach wizualnych technika pracy z materiałami obrazkowymi jest rozumiana jako zestaw specjalnych umiejętności, metod i technik, za pomocą których wykonywane jest dzieło sztuki. Pojęcie „technika” w wąskim tego słowa znaczeniu zwykle odpowiada bezpośredniemu, natychmiastowemu rezultatowi artysty za pomocą specjalnego materiału i narzędzia (technika malarstwa olejnego, akwarela itp.) Umiejętność wykorzystania artystycznych możliwości tego materiału ; w szerszym znaczeniu pojęcie to obejmuje również odpowiadające im elementy o charakterze obrazowym – przeniesienie materialności przedmiotów.

Pod pojęciem techniki obrazu należy więc rozumieć: posiadanie materiałów i narzędzi, sposoby ich wykorzystania na potrzeby obrazu i wypowiedzi artystycznej. Pojęcie technologii obejmuje rozwój oczu i dłoni, ich skoordynowaną aktywność. Szczególną wagę przywiązuje się do umiejętnego, poprawnego przedstawienia konturu, kształtu przedmiotu. Zajęcia plastyczne w szkole mają na celu nauczenie techniki pracy z materiałami obrazkowymi środkami dostępnymi dla uczniów klasy V.

Przez technikę obrazkową w dosłownym tego słowa znaczeniu należy rozumieć specjalną gałąź wiedzy, której przedmiotem jest racjonalna konstrukcja dzieła obrazkowego z punktu widzenia jego materialnej istoty.

Znajomość technik malarskich daje artyście możliwość nie tylko tworzenia trwałych dzieł, ale także najlepszego artystycznego wykorzystania posiadanych materiałów malarskich.

Malowanie martwej natury to zestaw specjalnych umiejętności, metod i technik, za pomocą których wykonywana jest martwa natura. Pojęcie technologii obejmuje również najbardziej racjonalne i systematyczne wykorzystanie artystycznych możliwości materiałów w przekazywaniu materialności przedmiotów, w modelowaniu form trójwymiarowych, modelowaniu relacji przestrzennych itp. Technika jest więc jednym z najważniejszych elementów systemu środków wyrazu malarstwa.

Techniki i kierunki malowania stosowane na lekcjach w szkole:

Malarstwo akwarelowe - farby wodne, z łac. agua - woda. Główną właściwością akwareli jest przezroczystość warstwy tuszu. Tę właściwość należy wziąć pod uwagę przy nakładaniu jednego koloru na inny. Podkreślenie nasyconego tonu następuje poprzez rozcieńczenie akwareli wodą. Malarstwo akwarelowe opiera się na technice polegającej na tym, że najpierw na papier nakładane są jasne tony kolorów, pozostawiając odkryte pasemka, a następnie stopniowo wprowadzane są kolory nasycone. W procesie studiowania akwareli na początkowych etapach należy unikać inscenizacji obiektów o bardzo ciemnym kolorze (załącznik 1).

Prace akwarelowe charakteryzują się czystością, przezroczystością i intensywnością warstwy malarskiej oraz umiejętnością oddania najsubtelniejszych odcieni barw.

Technika gwasz - francuskie słowo gwasz - kryjące farby akwarelowe. Posiada dobre właściwości kryjące. Dzięki temu jeden kolor można nałożyć na inny. Rozjaśnienie koloru uzyskuje się przez dodanie bieli. Uzyskanie kolorów pochodnych odbywa się poprzez wstępne wymieszanie kolorów na palecie. Po wyschnięciu farby gwaszowe rozjaśniają się i uzyskują piękną, aksamitną, matową powierzchnię. Dlatego ważne jest, aby podczas pisania gwaszem wybrać żądany kolor i ton. Znajomość techniki gwaszu powinna rozpocząć się od martwej natury, w której wyraźnie zarysowane są relacje kolorystyczne. Metody i techniki pracy z gwaszem są bardzo różnorodne. Gwasz pozwala na długi proces malowania, przepisywanie i zmywanie nieudanych miejsc, dokonywanie wyjaśnień na końcu pracy. Wilgotna warstwa tuszu łatwo się rozmywa, dzięki czemu jeden kolor pasuje do drugiego (Załącznik 1).

Technika pastelowa – wywodzi się z języka łacińskiego od słowa „pasta” – „ciasto”, takie wrażenie wywołują suche pastelowe kredki. Pastel to rodzaj kredy, jej odmiana ma swoje specyficzne właściwości, lepiej układa się na papierze, kreski wykonane pastelą sprawiają wrażenie aksamitnych i miękkich rozmytych krawędzi. Kreski można mieszać (cieniować) lub pozostawić w czystej postaci, jak mozaika. Uzyskuje się miękkie, delikatne, przewiewne półtony, wydaje się, że obraz jest otoczony blaskiem. Nieważka percepcja i zmysłowość są towarzyszami pasteli. Papier do pracy z pastelami jest szorstki, a wykonana praca jest utrwalana utrwalaczem, ponieważ pastel ma tendencję do kruszenia się.

Wykorzystanie różnych materiałów i technik artystycznych podczas rysowania pozwala dzieciom na kreatywne podejście do rozwiązania figuratywnych cech naturalnego otoczenia. Każda technika ma tylko swoje nieodłączne walory artystyczne i jednocześnie ograniczone możliwości w przekazywaniu otaczającej rzeczywistości. Tak więc farbą olejną prawie niemożliwe jest uzyskanie specjalnej przezroczystości i zwiewności warstwy farby, takiej jak akwarele lub miękkiej aksamitności, jak pastele (dodatek 1).

Technika Grisaille - malowanie jednobarwne w neutralnych tonacjach. Ta technika jest odpowiednia do wykonywania wstępnych ćwiczeń dotyczących opanowania techniki pracy z akwarelami i farbami gwaszowymi, badania właściwości i właściwości materiałów wizualnych, wzorów światłocienia i ogólnej tonacji obiektów naturalnych (Załącznik 1).

W tej technice niezbędne przejścia tonalne w kształcie przedmiotu uzyskuje się poprzez natychmiastowe nałożenie farby z pełną mocą, tj. dla każdej powierzchni rysunku, a nawet dla każdego pociągnięcia, sporządzane jest inne rozwiązanie malarskie. Na palecie przygotowywana jest kolorowa mieszanka. Powtórne rejestracje można wykonać zarówno na wyschniętej, jak i na mokrej warstwie farby. Lepiej jest pracować od ciemności do światła.

Technika glazurowania polega na wielowarstwowym malowaniu polegającym na wykorzystaniu przezroczystości farby oraz możliwości zmiany koloru przy nakładaniu jednej przezroczystej warstwy farby na drugą poprzez optyczne dodawanie kolorów. Należy jednak zauważyć, że nałożona warstwa farby wysycha całkowicie, a warstw nakładek jest nie więcej niż trzy. Tylko przy takim stanie uzyskuje się głębię, czystość i nasycenie koloru. Każde pociągnięcie farby nakładane jest od razu na dane miejsce, bez kilkukrotnego poruszania pędzlem w jednym miejscu, aby nie naruszyć faktury papieru. Metodę glazurowania stosuje się w martwych naturach długotrwałych (załącznik 1).

Technika alla prima (alla prima) - malowanie w jednym kroku, bez wstępnych rysunków i podmalowań. Wszystkie kolory są pobierane z pełną mocą za pomocą mechanicznego mieszania farb. Kolory są świeże i żywe. Metoda ta stosowana jest najczęściej przy szkicach, ale ma również miejsce w pracach samodzielnych (Załącznik 1).

Technika malarstwa olejnego jest jedną z technik malarskich wykorzystujących farby z olejem roślinnym jako głównym spoiwem. Farby olejne występują we wszystkich możliwych i niewyobrażalnych kolorach, z różnymi efektami i fakturami. Dobrze mieszają się na palecie, co pomaga uzyskać pożądane kolory i odcienie. Obrazy olejne są trwałe. Farby olejne pozwalają lepiej oddać tonację kolorystyczną, głębię przestrzeni (załącznik 1).

Farby olejne są zwykle malowane na płótnie, ale można również użyć desek, sklejki. Płótno jest wystarczająco mocne, elastyczne, lekkie, ma dobrą fakturę. Do malowania płótno musi mieć wiele cech - być trwałe, gęste, o wyraźnej ziarnistej powierzchni. Najlepsze płótna o tych właściwościach to len i konopie. Płótno jest klejone i gruntowane przed pracą.

Rozjaśnianie farb uzyskuje się poprzez dodanie bieli, a gęstość reguluje się za pomocą rozcieńczalników. Może to być terpentyna lub olej lniany. Pracę z farbami olejnymi zaczynamy od podmalowania. Podmalowanie to cienkowarstwowe przygotowanie kolorystyczne płótna z oczekiwaniem na późniejsze malowanie. Uogólnia główne relacje tonalne i kolorystyczne, relacje dużych obiektów, główne powierzchnie. Metody i techniki nakładania warstwy malarskiej są różne. Można pisać grubą lub cienką warstwą, pociągnięciami lub cieniować farbę pędzlem, mieszać z innymi farbami, wybielać lub nakładać w czystej postaci, płynnie rozcieńczać farby i nakładać przezroczyste warstwy tak, aby dolne warstwy prześwitywały , a tym samym stworzyć nowy odcień koloru. Pędzle z włosia są szeroko stosowane w malarstwie olejnym. Szczotki z włosia niedźwiedzia polarnego są również dobrej jakości. Są dość miękkie, elastyczne, sprężyste. W dobrej szczotce wiązka włosów powinna być zwięźle zebrana na końcu i nie wystawać na boki. Po pracy pędzle należy umyć rozcieńczalnikiem, a następnie ciepłą wodą z mydłem. Czysty pędzel po wyschnięciu owija się miękkim papierem, dzięki czemu po wyschnięciu zachowuje pożądany kształt.

Drewniane deski służą jako paleta. Po pracy paletę należy dokładnie umyć. Niestety technika malarstwa olejnego jest rzadko stosowana w szkole, jedynie w kręgach plastycznych.

Sposobów nauczania obrazu artystycznego jest wiele, które należy uwzględnić w procesie celowego kształtowania poziomu opanowania technik i metod pracy z materiałami obrazkowymi.

Opanowanie technik i metod pracy z materiałami obrazkowymi w działalności wizualnej uczniów jest jednym z głównych zadań kształtowania osobowości, talentu, zdolności i odczuć estetycznych uczniów.

Pierwszy etap w rozwoju zdolności plastycznych uczniów rozpoczyna się od momentu, kiedy do ręki dziecka po raz pierwszy trafia materiał wizualny - papier, ołówek, farby, kredki. W przyszłości, wraz z gromadzeniem doświadczenia, opanowaniem umiejętności i zdolności wizualnych, można postawić przed nimi nowe zadania.

Tym samym praca nad obrazem artystycznym z wykorzystaniem różnych materiałów obrazkowych budzi wśród studentów silne pozytywne emocje. Uczniowie chętnie wykonują prace różnymi technikami malarskimi. Zastosowanie technik malarskich pomaga wyrazić emocjonalny stosunek uczniów do przedstawianych. Stosowane przez studentów środki wyrazu są dość zróżnicowane: kolor, kształt, kompozycja, techniki malarskie. W naszych czasach istnieje wiele technik pracy z materiałami obrazkowymi, różnią się one pracochłonnością i wykonaniem, w zależności od celów i celów postawionych przez nauczyciela uczniom. Różnorodne techniki malarskie pozwalają na pracę w różnych nurtach stylistycznych, wypełniając i komplikując artystyczny obraz przedstawianych przedmiotów.

Stan obecny i problemy oceny kompetencji uczniów szkół podstawowych na lekcjach czytania literackiego

W tej części opisujemy doświadczenia nauczycieli w ocenie kompetencji na lekcjach czytania literackiego. Rozważ pracę nauczyciela szkoły podstawowej najwyższej kategorii Schneider Nadieżda Michajłowna ...

Wykorzystanie ustnej twórczości ludowej na zajęciach plastycznych w szkole podstawowej

Techniki ilustracyjne Akwarela Akwarela to jedna z najpopularniejszych technik ilustracji książkowej. A sposobów na jej wykorzystanie po prostu nie sposób policzyć – ktoś pracuje z gładkimi praniami technicznymi, ktoś z plamami w wilgotny sposób…

Cechy organizacyjne i metodyczne zajęć wychowania fizycznego z uczniami w wieku szkolnym w szkole nieklasycznej

Frontalny sposób organizowania zajęć (jednoczesne wykonywanie ćwiczeń przez wszystkich uczniów) stosowany jest przy studiowaniu większości ćwiczeń przewidzianych programem nauczania: konstrukcje gimnastyczne i przebudowy...

Zwiększenie poziomu podmiotowości dorastających uczniów na lekcjach technologii podczas studiowania sekcji „Projektowanie i modelowanie produktu”

Współczesny nauczyciel jest przede wszystkim zainteresowany tym, co powiedzieć? oraz Jak prezentować gotową wiedzę?, a nie jak organizować działania edukacyjne uczniów. Nie sposób się nie zgodzić...

Rozwój samorządu dzieci

Samorządu nie można „wziąć”, nie można „dać”, nie można „wprowadzić”. Rozwija się i ćwiczy latami, dziś nasze dzieci się uczą, a jutro staną się dorosłymi i „wyjdą na świat”. Aby odnieść sukces w życiu...

Rola lekcji informatyki w rozwoju aktywności poznawczej młodszych uczniów

Nowoczesna szkoła powinna nie tylko kształtować w uczniach określony zasób wiedzy, ale także rozbudzać w uczniach chęć samokształcenia, realizacji swoich możliwości...

Siedem zasad szybkiego czytania

W zależności od celu rozróżnia się i stosuje różne metody czytania, wśród których główne są następujące. Dogłębne - w którym zwraca się uwagę na szczegóły, przeprowadza się ich analizę i ocenę...

System uniwersalnych zajęć szkoleniowych

Dużą rolę w tworzeniu logicznych uniwersalnych działań edukacyjnych przypisuje się matematyce. Ponieważ przede wszystkim podczas nauczania matematyki uczniowie rozwijają takie właściwości inteligencji ...

Doskonalenie motoryki małej rąk u dzieci w wieku przedszkolnym w procesie nauki techniki origami

motoryka ręka dziecko origami Historia rozwoju sztuki origami jest nierozerwalnie związana z pojawieniem się i rozpowszechnieniem papieru. Papier był znany Chińczykom na długo przed naszą erą. Orniolodzy twierdzą, że...

Doskonalenie umiejętności zawodowych uczniów Dziecięcej Szkoły Plastycznej na kierunku dekoracja wnętrz na przykładzie prowadzenia zajęć w DPI na temat: "Technologia artystycznej obróbki szkła. Blask. Witraże filmowe"

Słowo „Vitrage” jest tłumaczone jako szkło, ale to nie tylko szkło, to raczej ruchomy obraz. To ciągła zmiana koloru i efektów świetlnych: słoneczne przezroczyste kolorowe szkło mieni się wieloma odcieniami. W nocy sztuczne światło...

Teoretyczny aspekt badania problemu rozwoju mowy spójnej u dzieci w starszym wieku przedszkolnym w rodzinie

Rodzina jest jedyną grupą społeczną, która przystosowała się do wielu następujących po sobie wydarzeń w tak krótkim czasie i na tak małej przestrzeni życiowej. Z definicji V.V. Stolinie...

Warunki i metody nauczania czytania ekspresyjnego

Umiejętność czytania nie przychodzi sama. Trzeba ją umiejętnie i konsekwentnie rozwijać. Najbardziej przystępną formą odbioru dzieła sztuki dla dzieci jest słuchanie ekspresyjnego czytania. Naukowiec-nauczyciel M.A. Rybnikova uważał ...

Kształtowanie komunikatywnych uniwersalnych działań edukacyjnych w nauczaniu ekspresyjnego czytania młodzieży szkolnej

WPROWADZANIE ...................................................................................................3

1.1. ...............................................................................................6

1.2. ..................................................................9

2.1. ...................17

2.2. .................................................................................20

2.3. Etapy pracy nad martwą naturą .................................................24

2.4. ..............................................29

WNIOSEK .........................................................................................32

BIBLIOGRAFIA ......................................................................34

WPROWADZANIE

Znaczenie badań. W kształtowaniu osobowości dziecka nieocenione są różnego rodzaju zajęcia plastyczne i twórcze: rysowanie, modelowanie, wycinanie i sklejanie figurek z papieru, tworzenie różnorodnych wzorów z materiałów naturalnych itp.

Takie zajęcia dają dzieciom radość z nauki, kreatywność. Doświadczywszy raz tego uczucia, dziecko będzie dążyć w swoich rysunkach, aplikacjach, rękodziełach do opowiedzenia o tym, czego się nauczył, zobaczył, doświadczył.

Cechą charakterystyczną sztuki jest odzwierciedlenie rzeczywistości w obrazach artystycznych, które oddziałują na umysł i uczucia dziecka, wychowują go w określonym stosunku do wydarzeń i zjawisk życiowych oraz pomagają głębiej i pełniej rozumieć rzeczywistość. Wpływ sztuki na kształtowanie się osobowości człowieka, jego rozwój jest bardzo duży. Dusza dziecka jest predysponowana do postrzegania piękna, dziecko potrafi subtelnie wyczuć obraz.

Aktywność wizualna młodszych uczniów jako rodzaj aktywności artystycznej powinna mieć charakter emocjonalny, twórczy. Nauczyciel musi stworzyć ku temu wszystkie warunki: musi przede wszystkim zapewnić emocjonalne, figuratywne postrzeganie rzeczywistości, kształtować uczucia i idee estetyczne, rozwijać myślenie i wyobraźnię figuratywną, uczyć dzieci tworzenia obrazów, środków ich ekspresyjnego działania.

Zgodnie z metodyką nauczania sztuk plastycznych pierwszy etap edukacji w szkole ogólnokształcącej powinien poprzez sztukę kłaść podwaliny pod artystyczne, estetyczne postrzeganie zjawisk otaczającej rzeczywistości. Przez cztery lata nauki w szkole podstawowej konieczne jest stworzenie w umyśle i rozwoju emocjonalnym dziecka podstaw idei artystycznych, na których będzie mógł polegać w całej dalszej edukacji. Nauczyciel musi od samego początku szkolenia stworzyć „sytuację asymilacji” wokół tematu lekcji, tj. atmosferę radości, udział dzieci w procesie postrzegania materiału oraz potrzebę aktywnego twórczego sprzężenia zwrotnego podczas wykonywania praktycznej pracy nad każdym zadaniem.

Aktywność artystyczna uczniów w klasie znajduje różne formy wyrazu: obraz na płaszczyźnie iw objętości, prace dekoracyjne i konstrukcyjne; postrzeganie zjawisk rzeczywistości i dzieł sztuki (slajdy, reprodukcje); omówienie pracy towarzyszy, wyników ich własnej twórczości zbiorowej i pracy indywidualnej na zajęciach; badanie dziedzictwa artystycznego; poszukiwanie pracy uczniów w zakresie wyboru materiału ilustracyjnego do badanych tematów; słuchanie utworów muzycznych i literackich (ludowych, klasycznych, współczesnych).

Proces uczenia się powinien być ukierunkowany na rozwój plastyki dzieci, na twórcze odzwierciedlenie wrażeń z otaczającego świata, dzieł literackich i plastycznych.

Przedmiot badań Ta praca kursowa to martwa natura jako sposób na rozwijanie umiejętności.

Przedmiot badań to metoda nauczania martwej natury młodszych uczniów.

Cel – rozważenie cech metodyki nauczania rysunku martwej natury młodszych uczniów.

Zgodnie z celem, co następuje zadania:

1. uznać martwą naturę za gatunek plastyczny;

2. określić rolę sztuki w rozwoju młodszego ucznia;

3. studiowanie organizacji pracy pedagogicznej w celu zapoznania dzieci z martwą naturą;

4. identyfikować etapy pracy nad martwą naturą;

5. rozważ zasady sporządzania martwej natury.

Podstawy teoretyczne Praca służyła jako studium Komarowej T.S. Kosminskoy V.B., Khalezova NB, Maksimova Yu.V. itd.

Metody badawcze:

1. analiza literatury naukowej i metodologicznej dotyczącej problemu badawczego;

2. celowa obserwacja rozwoju dzieci, analiza istniejących programów i dokumentacji naukowo-wychowawczej.

Struktura pracy - wstęp, dwa rozdziały, wnioski i bibliografie.

ROZDZIAŁ 1. MARTWA NATURA JAKO GATUNEK SZTUKI PIĘKNEJ

1.1. Cechy martwej natury jako rodzaju sztuki plastycznej

Martwa natura (fr. naturemorte, dosł. martwa natura) - w sztukach wizualnych - obraz przedmiotów nieożywionych, w przeciwieństwie do portretu, gatunku, tematyki historycznej i pejzażowej.

Martwa natura to jeden z gatunków sztuki poświęcony reprodukcji artykułów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp. Zadaniem artysty przedstawiającego martwą naturę jest przekazanie kolorystycznego piękna przedmiotów otaczających osobę, ich objętości i materialnej istoty, a także wyrażenie ich stosunku do przedstawionych przedmiotów. Rysowanie martwej natury jest szczególnie przydatne w praktyce edukacyjnej do doskonalenia umiejętności malarskich, ponieważ w nim początkujący artysta rozumie prawa harmonii kolorów, nabywa techniczne umiejętności modelowania form malarskich.

Martwa natura jako niezależny gatunek w sztuce pojawiła się na przełomie XIX i XX wieku
XVI - XVII wiek. w Holandii i Flandrii i od tego czasu był używany przez wielu artystów do przekazywania bezpośredniego związku sztuki z życiem i życiem ludzi. To czas artystów, którzy zasłynęli w gatunku martwej natury, P. Klasa, V. Hedy, A. Beierena i V. Kalfa, Snydersa i innych.

Martwa natura to najbardziej ulubiony gatunek w sztuce wielu współczesnych artystów. Malowane są martwe natury w plenerze, we wnętrzach, realizacje proste i złożone, tradycyjne i ostro nowoczesne zaaranżowane zestawy przedmiotów z życia codziennego człowieka.

W malarstwie martwej natury artyści dążą do ukazania świata rzeczy, piękna ich form, kolorów, proporcji, uchwycenia ich stosunku do tych rzeczy. Jednocześnie osoba, jej zainteresowania, poziom kulturowy i samo życie znajdują odzwierciedlenie w martwych naturach.

Rysowanie martwej natury wiąże się z umiejętnością przedstawiania kształtu różnych przedmiotów za pomocą światłocienia, perspektywy, praw kolorów.

Głównym rysunkiem martwej natury jest taki wybór obiektów, w którym najdobitniej wyrażona jest ogólna treść i temat.

Istnieje kilka rodzajów martwych natur:

Działka tematyczna;

Szkolenie;

Edukacyjny i kreatywny;

Twórczy.

Martwe natury wyróżniają:

Według koloru (ciepły, zimny);

Według koloru (bliski, kontrastowy);

Przez oświetlenie (oświetlenie bezpośrednie, oświetlenie boczne, pod światło);

Według lokalizacji (martwa natura we wnętrzu, w krajobrazie);

Do czasu wykonania (krótkoterminowe – „policzek” i długoterminowe – wielogodzinne występy);

Zgodnie z ustawieniem zadania edukacyjnego (realistyczne, dekoracyjne itp.).

Martwa natura w pejzażu (plener) może być dwojakiego rodzaju: jedna – skomponowana zgodnie z wybranym tematem, druga – naturalna, „przypadkowa”. Może być samodzielny lub stanowić integralną część malarstwa rodzajowego lub pejzażu. Często sam pejzaż lub scena rodzajowa jest jedynie uzupełnieniem martwej natury.

Martwa natura we wnętrzu polega na rozmieszczeniu obiektów otoczonych dużą przestrzenią, w której martwe natury są fabularnie podporządkowane wnętrzu.

Tematyczna martwa natura fabularna implikuje unifikację przedmiotów przez temat, fabułę.

Edukacyjne martwa natura. W nim, podobnie jak w wątku fabularnym, konieczne jest skoordynowanie obiektów pod względem wielkości, tonu, koloru i faktury, ujawnienie cech konstrukcyjnych obiektów, zbadanie proporcji i zidentyfikowanie wzorców plastyczności różnych form. Edukacyjna martwa natura jest również nazywana akademicką lub, jak wspomniano powyżej, inscenizowaną. Edukacyjna martwa natura różni się od twórczej ściśle określonym celem: przekazanie uczniom podstaw umiejętności wizualnych, aktywizacja ich zdolności poznawczych i zaangażowanie w samodzielną pracę twórczą.

W przypadku martwej natury dekoracyjnej głównym zadaniem jest rozpoznanie walorów dekoracyjnych natury, stworzenie ogólnego wrażenia elegancji „Dekoracyjna martwa natura nie jest dokładnym przedstawieniem natury, ale refleksją nad nią: jest to wybór i uchwycenie najbardziej charakterystyczne, odrzucenie wszystkiego, co przypadkowe, podporządkowanie struktury martwej natury konkretnemu zadaniu artysty”.

Podstawową zasadą rozwiązania dekoracyjnej martwej natury jest przekształcenie przestrzennej głębi obrazu w warunkową płaską przestrzeń. Jednocześnie możliwe jest użycie kilku planów, które muszą znajdować się na niewielkiej głębokości. Zadaniem edukacyjnym stojącym przed uczniem w procesie pracy nad dekoracyjną martwą naturą jest „zidentyfikować charakterystyczną, najbardziej wyrazistą jakość i wzmocnić ją w jej dekoracyjnej obróbce, w dekoracyjnym rozwiązaniu martwej natury należy starać się dostrzec cechę w go i zbudować na nim przetwarzanie”.

Dekoracyjna martwa natura daje możliwość rozwijania poczucia harmonii kolorystycznej, rytmu, ilościowej i jakościowej proporcjonalności płaszczyzn kolorystycznych, w zależności od ich intensywności, lekkości i faktury.

1.2. Materiały i techniki artystyczne stosowane w malarstwie martwej natury

Rysowanie z reguły nie wymaga skomplikowanych urządzeń. Każdy musiał rysować ołówkami, pisakami lub pisakami na papierze, ale nie jest łatwo osiągnąć mistrzostwo w dokładnym oddawaniu ruchu, charakteru faktury. Ogólnie rzecz biorąc, jeśli mówimy o papierze, pozwól dzieciom wypróbować jego różne odmiany do rysowania.

Jak wiadomo, papier powstaje głównie z masy specjalnie przetworzonych włókien drzewnych z dodatkiem minerałów (kaolin, kreda) oraz klejonki, barwników itp. Według legendy papier został wynaleziony w Chinach w I wieku. PNE. Został wykonany z drewna łykowego, aw II wieku. OGŁOSZENIE - z włókien jedwabiu, z tym związana jest jego łacińska nazwa. Tajniki produkcji papieru stały się znane w Europie dopiero po kilku wiekach. Wykonywano go głównie z lnianych szmat, które zaczęto wykorzystywać do rysowania od XIV wieku. .

Istnieją różne gatunki papieru. Do pracy ołówkiem lub farbami potrzebny jest gruby biały papier - Whatman lub papier półrysunkowy - papier najwyższej klasy o chropowatej powierzchni, jest wytrzymały i dobrze sklejany. Jej nazwa pochodzi od nazwiska właściciela angielskiej papierni J. Whatmana.

Papier pokryty równą warstwą kredy z niewielką ilością spoiwa to papier powlekany lub kredowy. Dobrze wyczuwa farbę, kreska i kreska stają się wyraźne, tusz kładzie się bardzo równomiernie i gęsto. Ale najważniejsze jest to, że zgodnie z gotowym rysunkiem możliwy jest retusz, czyli wprowadzanie zmian i poprawek igłą, skalpelem, nożem itp. Tutaj pojawia się nawet taka nowa technika jak biała kreska i kreska na czarnym tle, która przypomina rytownictwo (zasada linorytu). Nie należy ich jednak nadużywać.

Rysuj dobrze na kolorowym papierze. Ta tradycja dawnych mistrzów ma wielkie znaczenie i bogate możliwości techniczne, kolorowy papier nadaje rysunkowi tonalne środowisko, można na nim pracować jednocześnie w ciemności i świetle. Taki papier można przygotować w następujący sposób: drobno pokruszony pastel lub inny proszek barwiący równomiernie wciera się w cały arkusz wacikiem. Kolorowy lub barwiony papier jest również wytwarzany przez zalanie słabym roztworem herbaty lub kawy, monochromatyczną akwarelą lub gwaszem.Kolor i ton malarstwa papierowego można zmieniać w nieskończoność. Możliwości artystyczne papieru są bardzo szerokie.

Praktyka edukacyjna wykazała, że ​​do wykonywania zadań rysunkowych najbardziej preferowane są kredki grafitowe i kolorowe, flamastry, akwarele, tusz, sos, kolorowe kredki, a także węgiel drzewny, sangwiniczny i pastelowy.

Na początkowym etapie nauki rysowania martwej natury graficznie ołówek jest dopuszczalny. Dobrze się układa, trzyma i zdejmuje się za pomocą gumki, co jest ważne przy poprawianiu błędów. Istnieją ołówki o różnym stopniu twardości i miękkości (twarde, miękkie, średnie).

Ołówek grafitowy jest równie wygodny zarówno w pracy edukacyjnej, jak i twórczej. Ma ładny odcień szarości i lekki połysk, łatwo ścieralny gumką, można nanosić poprawki. Ten ołówek tworzy rysunki liniowych, liniowych kresek i tonalnych malarskich plam. Do rysowania ołówek grafitowy ze wszystkich materiałów jest najprostszym i najtańszym narzędziem. Grafit w połączeniu z innymi materiałami artystycznymi ma ogromny potencjał dla każdego artysty.

Grafit dobrze przylega do każdego papieru i nie kruszy się. Podnieś ołówek i papier powinien być zgodny z zadaniami. Najpierw musisz nauczyć się pracować jednym ołówkiem i spróbować wykorzystać wszystkie jego możliwości wyrazu. Linia i obrys dobrze sprawdzają się na grubym, gładkim papierze, a papier ziarnisty nadaje się do pracy tonalnej. Rysunki ołówkiem na pożółkłym papierze wyglądają dobrze.

Pracując ołówkiem grafitowym nie należy szczególnie lubić cieniowania, gdyż może to sprawiać wrażenie przetartego i zatłuszczonego wzoru. Ołówek grafitowy jest dobry do rysunków w albumie, na kartce papieru, ale jeśli potrzebujesz zamknąć duże płaszczyzny, zwykle używa się węgla drzewnego.

Ekspresyjność kreski, jej izo-możliwość zależą od metody pracy ołówkiem.

Równie ważna podczas pracy z ołówkiem jest gumka. O dobrej jakości gumie decyduje jej miękkość.

Kolorowe kredki mogą również uzyskiwać różnorodne efekty graficzne lub malarskie, zwłaszcza kredki akwarelowe, które można rozmywać wodą.

Węgiel jako materiał rysunkowy był używany przez artystów od czasów starożytnych, ponieważ ma duże możliwości ekspresyjne, malują pejzaże, portrety, martwe natury i kompozycje fabularne. Węgiel można obrabiać na dwa sposoby; używając linii i pociągnięć oraz stosując cieniowanie tonalne. W przypadku cienkich linii węgiel jest ostrzony ukośnie, ponieważ środkowa część (rdzeń) węgli wykonanych z gałązek jest luźniejsza. Podczas pracy na płótnie węgiel samoczynnie się wyostrza. Rysowanie węgli powinno mieć różny rozmiar i kształt. Rysuj szerokie linie, szybko cieniuj duże powierzchnie bokiem. Charcoal nadaje głęboką, aksamitną czerń oraz szeroką gamę przejść tonalnych. Wykonują szybkie szkice, szkice i długie rysunki. Jest bardzo wygodny w użytkowaniu i łatwy w praniu. Węgiel wyraźnie odsłania kształt przedmiotu, pozwala oddać światło i cień. Rysują na papierze, tekturze, płótnie, ścianach i innych powierzchniach. Lepiej jest użyć szorstkiego papieru, można też użyć grubego papieru rysunkowego, który należy lekko przetrzeć drobnym papierem ściernym. Ciekawe rysunki węglem uzyskuje się na kolorowym tle delikatnych tonów.

Dozwolone jest łączenie węgla drzewnego z innymi materiałami - sangwinikiem, kredą, pastelami, kredkami, akwarelą, specjalnym ołówkiem węglowym „Retusz”.

Zaleca się pocierać węgiel szmatką lub specjalną mieszanką z zamszu, skóry koźlęcej lub grubego papieru w postaci mocno skręconego wałka z zaostrzonymi końcami. W takim przypadku nie należy używać gumki, ponieważ po niej węgiel leży nierównomiernie. Możesz rozjaśnić ton, usuwając nadmiar węgla ściereczką lub szczotką z włosia. Istnieje możliwość wypracowania podświetlonych miejsc formy kredą.

Rysunki wykonane węglem drzewnym należy utrwalić specjalnym utrwalaczem lub lakierem do włosów. Rozpyla się go stopniowo, w kilku krokach, z odległości około jednego metra, unikając tworzenia się kropel. Pamiętaj, że nawet najbardziej staranne mocowanie spowoduje przyciemnienie rysunku.

Podczas rysowania flamastrem należy wziąć pod uwagę jego możliwości. Flamaster łatwo przesuwa się po papierze i pozostawia piękną, gładką linię, której nie można wymazać, więc musisz pracować pewną i pewną ręką. Flamastry są cienkie i grube, różne kolory, co charakteryzuje ich możliwości artystyczne. Rysowanie odbywa się za pomocą linii, pociągnięć lub ozdobnych plam. Dobre flamastry do szkiców z natury, szkiców krajobrazów, prac dekoracyjnych i projektowych.

Sanguine, czerwono-brązowy materiał, został użyty w rysunku Leonarda da Vinci. Inną nazwą tego materiału jest czerwona kreda. Sanguina produkowana jest w postaci okrągłych lub kwadratowych sztyftów o różnych odcieniach. Rysunki sangwiniczne są liniowe, przerywane i tonowe. Dobrze łączy się z szorstkim papierem, tekturą, zagruntowanym płótnem. Często artyści łączą sangwinik z węglem drzewnym, kredą i ołówkiem. Zaleca się pracę z sangwinikiem dla tych, którzy mają już umiejętności rysowania. Opanowanie techniki pracy z tym materiałem należy rozpocząć od szkiców, a kontynuować na dłuższych rysunkach z natury lub z przedstawienia.

Dzieła wybitnych mistrzów – Leonarda da Vinci, Rafaela, Rubensa, Michała Anioła, Rembrandta, Tycjana, Chardina i wielu innych, stworzone przez sangwiników, są zróżnicowane pod względem techniki.

Sos jest materiałem rysunkowym w postaci grubych sztyftów ołówkowych wykonanych ze sprasowanych barwników z klejem, zawiniętych w folię. Jest używany w dużych i długich rysunkach, w szkicach i szkicach. Sos daje bogate możliwości w tonalnym rysunku, ma głęboką aksamitną czerń (czasami szarą lub brązową), dobrze się blenduje; nakładany na papier kreską, cieniowany (suchy sos) lub rozmyty pędzlem wodą. Podobny do akwareli (mokry sos). Rysunki wykonane techniką suchego sosu najlepiej utrwalać lub przechowywać przykryte cienkim papierem, a także pod szkłem.

Sos jako materiał graficzny stał się znany na przełomie XVIII i XIX wieku. Jest to szczególnie rozpowszechnione w Rosji. I. Kramskoy, I. Repin, A. Savrasov i inni lubili pracować w tej technice. Sos dobrze komponuje się z węglem drzewnym, tuszem i innymi materiałami. Otwiera to nowe ekspresyjne możliwości rysunku.

Metoda „mokra” jest następująca: starty sos w proszku rozcieńcza się wodą do pożądanej konsystencji. Najpierw roztworem o średnim nasyceniu pędzel pokrywa cienie własne i opadające. Następnie duże części formy i otoczenia pokrywa się słabym roztworem. Następnie przejdź do szczegółowego studium tematu. Tym samym metoda pracy z „mokrym” sosem jest na swój sposób zbliżona do techniki pracy z akwarelami (grisaille). Możesz pracować z sosem w sposób łączony.

Wykorzystanie materiałów węglowych, sosu i sangwiny podczas rysowania pozwala dzieciom na kreatywne podejście do rozwiązania figuratywnych cech pełnowymiarowej produkcji.

Rysowanie piórem to doskonała szkoła kształcąca rękę i oko. Pióra mają różne rozmiary i są wykonane z różnych materiałów. Pióro jest narzędziem artysty. Służy do pisania piękną czcionką w kaligrafii i do rysunków graficznych,

W dawnych czasach rysowano ptasimi piórami (gęsi, łabędzi, wron, pawi itp.). Na przykład A.S. Puszkin wykonał szkice na marginesach swoich rękopisów gęsim piórem. Rysowanie ptasimi piórami nie straciło jeszcze na znaczeniu. Elastyczność i sprężystość takich pisaków pozwala na wykonywanie kresek o bardzo różnej grubości, jednak to narzędzie bardzo szybko się psuje, a przygotowanie nowego pisaka jest dość pracochłonne i wymaga pewnej wprawy. Końcówkę pióra nacina się ukośnie ostrym nożem, a następnie nacina wzdłuż kilku milimetrów (z tym procesem wiąże się nazwa „scyzoryk”).

Znaczna dystrybucja do rysowania tuszem w przeszłości, a teraz ma drewniany patyczek. Jego przygotowanie jest bardzo proste, zwykły cienki patyczek na końcu jest zaostrzony jak długopis w sposób, jakiego potrzebuje sam artysta.

Martwą naturę można wykonać zarówno z materiałami graficznymi, jak i obrazowymi.

Realistyczny obraz nie jest lustrzanym odbiciem natury. Jego celem jest stworzenie obrazu artystycznego, który poprawnie oddaje sens i treść fenomenu przyrody i życia. Malarstwo, podobnie jak rysunek, opiera się na ściśle określonych wzorach konstruowania realistycznej formy. Nauczanie malarstwa to sposób poznawania sposobów, technik i środków budowania malarskiej formy kolorystycznej. Czynnikami wpływającymi na zmianę barwy są: środowisko świetlne i powietrzne, środowisko barwne, źródła światła.

Młodsi uczniowie muszą rozwinąć umiejętność widzenia przedmiotów w otoczeniu, patrzenia na martwą naturę jako na harmonijną grupę przedmiotów, które mają odruchowe i przestrzenne powiązania. Jedyną metodą, która pozwala z powodzeniem stworzyć wizualny obraz natury, jest metoda relacji. Proces rozwoju percepcji wzrokowej przebiega równolegle z gromadzeniem wiedzy i umiejętności.

Kolory są podzielone na kolory achromatyczne (biały i czarny). Różnią się lekkością. Wszystkie kolorowe farby nazywane są chromatycznymi. Kolory mogą być ciepłe lub chłodne. Również pracując z martwą naturą mamy do czynienia ze zjawiskiem - kontrastem. Każdy kolor achromatyczny rozjaśnia się w otoczeniu ciemniejszego i ciemnieje w otoczeniu jaśniejszego. To lekki kontrast. Zmiana odcienia koloru w zależności od sąsiedniego koloru nazywana jest kontrastem kolorów.

Odcień to cecha chromatyczności, dzięki której jeden kolor różni się od drugiego. Jasność - różnica w jasności, nasycenie - stopień ekspresji określonego odcienia koloru. Półtony to pośrednia część formy między światłem a cieniem.

Praca nad martwą naturą odbywa się przy użyciu różnych materiałów malarskich. Jednym z takich materiałów jest akwarela.

Malarstwo akwarelowe: akwarela - farby wodne, od francuskiego aguarell, od łacińskiego agua - woda. Zdarza się twarde - w płytkach, półmiękkie w kubkach, miękkie - w tubach. Główną właściwością akwareli jest przezroczystość warstwy tuszu. Tę właściwość należy wziąć pod uwagę przy nakładaniu jednego koloru na inny.

Istnieją dwa sposoby pracy w akwareli:

Glazura - nakładanie jednej przezroczystej warstwy farby na drugą, podczas gdy pierwsza warstwa jest suszona.

Alla prima - wszystkie kolory są pobierane od razu o pożądanej sile, każdy detal koloru zaczyna się i kończy w jednym kroku. Nazywany również „pracą na surowo”.

Podkreślenie nasyconego tonu następuje poprzez rozcieńczenie akwareli wodą. Malarstwo akwarelowe opiera się na technice polegającej na tym, że najpierw na papier nakładane są jasne tony kolorów, pozostawiając odkryte pasemka, a następnie stopniowo wprowadzane są kolory nasycone.

Kolejnym materiałem malarskim jest gwasz - francuskie słowo gwasz - kryjące akwarele. Zgodnie z technologią produkcji gwasz jest zbliżony do miękkich odmian akwareli, ale różni się od niego nieprzezroczystością. Posiada dobre właściwości kryjące. Dzięki temu jeden kolor można nałożyć na inny. Rozjaśnienie koloru uzyskuje się przez dodanie bieli. Uzyskanie kolorów pochodnych odbywa się poprzez wstępne wymieszanie kolorów na palecie. Po wyschnięciu farby gwaszowe rozjaśniają się. Znajomość techniki gwaszu powinna rozpocząć się od martwej natury, w której wyraźnie zarysowane są relacje kolorystyczne.

Tak więc martwa natura jako forma sztuki ma swoje własne cechy. Ucząc młodszych uczniów sztuki martwej natury, dla bardziej przystępnego, systematycznego zrozumienia tego zagadnienia, konieczne jest zastosowanie specjalnych metod i technik nauczania, które zostały opracowane przez wielu nauczycieli wcześniej i są obecnie rozwijane i aktualizowane.

ROZDZIAŁ 2

2.1. Rola sztuki w rozwoju uczniów szkół podstawowych

Analiza twórczości artystycznej młodzieży szkolnej pokazuje, że sztuka jest nieodzownym narzędziem kształtowania osobowości; to dzięki niemu młodsi uczniowie mogą zapoznać się z ważnymi społecznie ideami i koncepcjami, utwierdzić się w swoich orientacjach wartościowych. Wprowadzenie do sztuki daje młodszemu uczniowi możliwość odczucia i odtworzenia szczególnych, pierwotnych form twórczości, dotknięcia najbogatszych na wpół zapomnianych pokładów kultury uniwersalnej; stanowi dobrą pozycję wyjściową do opanowania kolejnych etapów rozwoju sztuki.

Kształtowanie orientacji wartości uczniów w sztuce ułatwia zrozumienie, jak poprawnie artysta posługuje się tego czy innego rodzaju środkami wyrazu; związek sztuki z osobowością, jej potrzebami duchowymi, preferencjami emocjonalnymi i doświadczeniem praktycznym.

Jak wiadomo, ważnym elementem kształtowania estetycznego stosunku do rzeczywistości jest forma jej manifestacji – motywacja do doznań zmysłowych, rozumienia dzieła sztuki.

Najbardziej charakterystyczną formą motywacji jest zainteresowanie artystyczne, orientacja na wartości z zakresu kultury artystycznej i potrzeba estetyczna, formy rozumienia sztuki to percepcja artystyczna, docenienie estetyczne i twórcza interpretacja.

Wiadomo, że twórczość artystyczna odgrywa ważną rolę w kształtowaniu osobowości młodszego ucznia. Rozwijając uniwersalną ludzką zdolność widzenia i rozumienia piękna, jest to jeden ze sposobów na uaktywnienie wyobraźni, wyobraźni i intuicji.

Zajęcia plastyczne w szkole ponadgimnazjalnej mają na celu rozwijanie u dzieci zdolności wyrażania siebie, odkrywania potencjału twórczego i wyostrzania poczucia piękna. Aby zwiększyć zainteresowanie młodszych uczniów twórczością artystyczną, konieczne jest naszym zdaniem rozwijanie w nich wraz z tymi zdolnościami emocjonalnego i twórczego stosunku do określonego rodzaju aktywności, propagowanie radosnego oczekiwania na interesujące pracy i możliwość zademonstrowania swojego punktu widzenia, pokazania swojego „ja”.

Analiza literatury naukowej wykazała, że ​​opanowanie umiejętności plastycznych ma duże znaczenie praktyczne w dalszej pracy studenta, gdyż umożliwia posługiwanie się zapisem graficznym i wizualną metodą wyjaśniania przy przekazywaniu myśli, rozwija klarowność i kompletność wypowiedzi wizualnych. przedstawienia niezbędne do projektowania i projektowania, uczy dokładniej rozróżniać kolory i kształty.

Wiadomo, że wychowawcze oddziaływanie sztuki na człowieka jest procesem dwukierunkowym, czyli aktywną interakcją między dziełem sztuki a człowiekiem. Cechą takiego oddziaływania pedagogicznego na młodsze pokolenie jest kształtowanie estetycznego stosunku do sztuki. Ważną rolę w kształtowaniu rozwoju artystycznego i twórczego ucznia odgrywa rodzina jako „mikrośrodowisko”, w którym odbiera on pierwsze wrażenia artystyczne.

Zauważa się, że największe zainteresowanie sztuką rozwijają te dzieci, których rodzice są pasjonatami lub zajmują się działalnością twórczą. Należy uznać, że autorytet rodziny i rodziców maleje wraz z wiekiem dziecka.

Dlatego w kształtowaniu zainteresowań artystycznych uczniów ważną rolę odgrywa szkoła, która daje im określony poziom wiedzy, rozwija kulturę, zaspokaja potrzeby duchowe, jest głównym źródłem wiedzy o sztuce. W przeciwieństwie do rodziny, szkoła zajmuje się kształtowaniem zainteresowań artystycznych dzieci celowo i systematycznie.

Główną formą pracy artystyczno-pedagogicznej szkoły są zajęcia z cyklu artystycznego. Jednak, jak pokazują obserwacje, z wiekiem dzieci w wieku szkolnym stają się mniej zależne od informacji otrzymywanych w klasie: ich preferencje smakowe kształtują się nie tylko pod wpływem rodziny i szkoły, ale także poprzez system medialny.

Dlatego edukacja estetyczna młodszych uczniów musi być budowana z uwzględnieniem specyfiki psychologii ich wieku, wprowadzać ich w sztukę, kształtować ich potencjał twórczy.

Ponadto twórczość artystyczna, jak wiadomo, rozwija elastyczność i produktywność myślenia uczniów, pozwala dostrzec ich naturalne skłonności do określonego rodzaju aktywności i stwarza warunki do ich realizacji. Będąc czynnością niemal duchową, zakłada obowiązkową obecność określonych umiejętności wykonawczych. Jak wiecie, każdy proces artystyczny i twórczy wymaga opanowania przedmiotowego środowiska za pomocą pewnych środków. Dlatego potrzeba kształtowania zainteresowania młodzieży twórczością artystyczną jest podyktowana faktem, że ich owocne obcowanie ze sztuką jest możliwe tylko na podstawie prawdziwej świadomości w zakresie kultury artystycznej. Zaangażowanie dzieci w wieku szkolnym w działania wizualne i twórcze jest nieodzownym aspektem procesu edukacyjnego.

Wiadomo, że praktyka angażowania się w działania wizualne opiera się na tradycyjnej sztuce ludowej, w której syntetyzowane są wszystkie rodzaje plastyki. Dzięki takiemu podejściu edukacja nabiera charakteru uniwersalnego, staje się dostępna i skuteczna.

środek rozwoju młodszego ucznia, ujawnia jego zdolności twórcze, kształtuje zdolności i zdolności artystyczne. Cechą działalności plastycznej i plastycznej jest naszym zdaniem jej twórczy charakter, spontaniczność fragmentów lekcji, improwizacja nauczyciela i uczniów. Wszystko to przyczynia się do rozwoju zdolności twórczych dzieci w każdej sytuacji, w której urzeczywistnia się wyobraźnia, pisanie, obserwacja. Wymyślając, wyobrażając sobie, fantazjując, dokonują odkryć, odkrywając przed sobą bezkresny świat sztuki.

2.2. Organizacja pracy pedagogicznej w celu zapoznania dzieci z martwą naturą

Po wybraniu martwej natury z gatunków malarstwa zastanowimy się, w jaki sposób możesz nauczyć dzieci rozumienia języka sztuki. Świat sztuki jest tak urządzony, że dziecko nie może do niego wejść bez pomocy osoby dorosłej, która odsłoni dorastającemu człowiekowi sens i prawa sztuki oraz nauczy języka różnych sztuk. Poszukiwania metodyczne nauczyciela zakończą się sukcesem, jeśli sam wykona praktyczną pracę, w wyniku której opanuje środki obrazu i wejdzie w świat sztuki. Istotne wydaje nam się zatem ujawnienie twórczości pedagoga-nauczyciela w zakresie sztuk plastycznych, gdzie wraz z emocjonalnym i figuratywnym postrzeganiem świata sztuki ujawniłoby się metodyczne poszukiwanie środków jego obrazu.

Martwa natura to pierwszy gatunek malarstwa, który, jak pokazują badania pedagogów i psychologów, powinien być wprowadzany do młodszych uczniów. Nie tylko wywołuje największy odzew emocjonalny u dzieci w wieku od 3-4 lat, skojarzenia z własnym doświadczeniem życiowym, ale także zwraca uwagę dzieci na środki wyrazu malarstwa, pomaga im bliżej przyjrzeć się pięknu malarstwa. przedstawionych obiektów i podziwiać je. Eksperyment NM Zubareva pokazał, że największą uwagę dzieci przykuł gatunek codziennego malarstwa i martwej natury. Motyw wyboru tych gatunków malarstwa przez dzieci jest zrozumiały: są one zgodne z ich doświadczeniem, ponieważ dzieci stykają się z wieloma przedmiotami przedstawionymi na przykład w martwych naturach, w życiu codziennym. NM Zubareva ustalił poziomy percepcji estetycznej przez dzieci malowniczej martwej natury. Na pierwszym poziomie, najniższym, dziecko cieszy się obrazem znajomych przedmiotów, które rozpoznało na obrazku. Na tym poziomie są dzieci w wieku trzech lat, ale jeśli nie prowadzi się z nimi pracy pedagogicznej, to pozostają one na tym samym poziomie w wieku 6 lat, 7 lat i więcej. Na drugim poziomie dziecko zaczyna dostrzegać elementarne walory estetyczne dzieła – potrafi ocenić zarówno kolorystykę, jak i zestawienia kolorystyczne przedstawionych obiektów i zjawisk na obrazie jako piękne, rzadziej – formę i kompozycję. Na trzecim poziomie dziecko jest w stanie uchwycić wewnętrzne cechy obrazu artystycznego. Jest to jeszcze częściowe, niepełne zrozumienie obrazu artystycznego, ale pozwala dziecku przeżyć estetycznie przynajmniej część intencji artysty.

Sztuka budzi emocjonalny i twórczy początek w dzieciach w wieku szkolnym. Za pomocą malarstwa młodsi uczniowie uczą się rozumieć harmonię natury. Kiedy przyjrzymy się wielu martwym naturom różnych artystów, zobaczymy, jak bardzo różnią się one treścią, środkami wyrazu i indywidualnym sposobem twórczym każdego artysty. Krytycy sztuki nie dzielą martwych natur na typy, ale dla pracy pedagogicznej z dziećmi wydaje nam się to ważne. Martwa natura jednogatunkowa przedstawia przedmioty jednego określonego typu: tylko warzywa, tylko owoce, tylko jagody, grzyby, kwiaty; możliwe są artykuły spożywcze lub artykuły gospodarstwa domowego, na przykład: P. Konczałowski „Brzoskwinie”; I. Repin „Jabłka i liście”; I. Lewitan „Liliowy”; V. Stozharov „Chleb. Kwas"; P. Konczałowski „Suche farby” i inne. Jeśli obraz przedstawia odmienne przedmioty (warzywa i owoce, kwiaty i owoce, potrawy i warzywa itp.), Warunkowo definiujemy taką martwą naturę jako mieszaną w treści, na przykład: I. Chrucki „Kwiaty i owoce”; I. Michajłow „Warzywa i owoce”; K. Petrov-Vodkin „Szkło i cytryna”. Martwa natura może obejmować martwe natury przedstawiające żywe istoty: ptaki, zwierzęta, ludzi - lub martwe natury z włączeniem do nich krajobrazu, na przykład: F. Tołstoj „Bukiet kwiatów, motyla i ptaka”; I. Serebryakova „Na śniadaniu”; P. Kryłowa „Kwiaty na oknie” i inne.

W klasach podstawowych dzieciom należy pokazywać różne martwe natury. Oprócz martwych natur pojedynczych i mieszanych proponujemy martwe natury dziecięce o charakterze fabularnym, a także malowane w sposób uogólniony realistyczny, szczegółowy i dekoracyjny, w tonacji ciepłej, zimnej i kontrastowej, liryczne, podniosłe i inne. Martwe natury są wybierane w różnych kompozycjach.

Przy doborze prac pod względem formy brana jest pod uwagę zasada różnorodności środków wyrazu i sposobu wykonania stosowanych przez artystę. Do oglądania z dziećmi wybierane są obrazy, w których obrazy artystyczne są ułożone w okrąg, trójkąt, asymetrycznie, symetrycznie, w środku, statyczne, dynamiczne ... Uwzględniają również zasadę koncentryczności, której istotą jest powrót do wcześniej postrzeganych obrazów, ale na wyższym poziomie wiedzy. Ten sam obraz w ciągu roku szkolnego jest wielokrotnie oferowany dzieciom do zbadania. Ale uwaga dzieci skierowana jest na różne cele: wyróżnić poszczególne obrazy, nazwać kolor, określić nastrój, przeanalizować logiczne powiązania obrazu, ustalić związek między treścią a środkami wyrazu.

Obrazy, martwe natury powinny realistycznie odzwierciedlać znane dzieciom zjawiska życia społecznego i przyrody. Obraz powinien jasno wyrażać ideę, intencję artysty. Wybierając martwe natury do rozważenia, należy jasno zrozumieć, o czym jest obraz, jaką główną ideę wyraził artysta, dlaczego stworzył to dzieło, w jaki sposób przekazał treść (jakich środków artystycznych użył). Temat martwej natury powinien być bliski doświadczeniu społecznemu dziecka, jego życiowym wrażeniom. Wybierając martwe natury do zapoznania młodszych uczniów, biorą pod uwagę indywidualną twórczą wizję rzeczywistości w podobnej tematyce martwych natur. Młodsi uczniowie zapoznają się z martwymi naturami stworzonymi przez różnych artystów na ten sam temat. Dostrzegając te martwe natury, dzieci nabywają umiejętności porównywania odmiennego sposobu wykonania tego samego zjawiska przez różnych artystów, aby podkreślić ich stosunek do przedstawianego.

Praca pedagogiczna mająca na celu zapoznanie dzieci ze sztuką wymaga stworzenia warunków materialnych oraz szczególnej twórczej, radosnej atmosfery, duchowego kontaktu dorosłych z dziećmi. W zapoznaniu młodszych uczniów z malarstwem, w szczególności z martwą naturą, objaśnieniami, porównaniami, techniką podkreślania detali, metodą wywoływania adekwatnych emocji, metodą dotykowo-zmysłową, metodą ożywiania emocji dzieci za pomocą obrazów literackich i pieśniowych , szeroko stosowana jest technika „wchodzenia w obraz”. , metoda akompaniamentu muzycznego, techniki gry. Jedność technik i metod stosowanych w pracy z dziećmi w klasie zapewnia kształtowanie u młodszych uczniów stałego zainteresowania sztuką, głębią, jasnością wrażeń, emocjonalnością ich stosunku do treści malarskich. „Dziecko z natury jest dociekliwym odkrywcą, odkrywcą świata. Niech więc cudowny świat otworzy się przed nim w żywych kolorach, jasnych i drżących dźwiękach - w bajce, grze, we własnej pracy, w pięknie ”V.N. Suchomliński.

2.3. Etapy pracy nad martwą naturą

Najpierw trzeba spojrzeć na martwą naturę z różnych punktów widzenia i wybrać ten najbardziej udany, zwracając uwagę na efekty oświetlenia, czyli z którego punktu widzenia kształty przedmiotów wyglądają ciekawiej. Zazwyczaj ciekawiej i wyraziściej prezentują się w oświetleniu bocznym. Nie zaleca się siedzenia pod światło.

Warto zastanowić się, jaki rozmiar papieru wybrać i jak najlepiej skomponować martwą naturę na kartce – w pionie czy w poziomie. Na przykład, jeśli chcesz uwzględnić narożnik stołu w kompozycji, lepiej jest umieścić kartkę papieru pionowo.

Alberti napisał: „Nigdy nie bierz do ręki ołówka ani pędzla, zanim dobrze nie przemyślisz, co masz zrobić i jak to zrobić, bo doprawdy łatwiej jest poprawiać błędy w umyśle niż zeskrobać je z obrazu. "

Zawsze konieczne jest rozpoczęcie rysunku od kompozycyjnego umieszczenia obrazu. Bardzo ważne jest ułożenie całej grupy obiektów tak, aby kartka była równomiernie wypełniona. Aby to zrobić, łączymy mentalnie całą grupę obiektów w jedną całość i zastanawiamy się nad jej rozmieszczeniem zgodnie z formatem kartki papieru.

Prowadzący powinien wytłumaczyć uczniom, że należy zostawić więcej miejsca na górze niż na dole – wtedy widz będzie miał wrażenie, że przedmioty stoją stabilnie na płaszczyźnie. Jednocześnie należy uważać, aby przedstawione obiekty nie opierały się o krawędzie kartki i odwrotnie, aby nie pozostało zbyt wiele pustej przestrzeni.

Problem kompozycyjny nie zawsze jest łatwy do rozwiązania. Czasami uczeń musi poświęcić dużo czasu i wysiłku, aby osiągnąć sukces. A jeśli produkcja jest bardzo trudna, nie możesz obejść się bez pomocy nauczyciela. Wyjaśnia to fakt, że oprócz umieszczenia obrazu na kartce, uczeń musi również znaleźć środek kompozycyjny na płaszczyźnie obrazu.

W większości przypadków centrum wizualne nie pokrywa się z centrum kompozycyjnym, w zależności od lokalizacji głównego obiektu, wokół którego zgrupowane są pozostałe. W końcu przestrzenne położenie obiektów względem siebie na obrazie zależy również od wyboru punktu widzenia, co z pewnością wpłynie na układ martwej natury w zamierzonym formacie.

Aby praca edukacyjna zakończyła się sukcesem, nauczyciel musi wziąć to wszystko pod uwagę z wyprzedzeniem i zapewnić uczniom pomoc w odpowiednim czasie. Prowadzący musi zademonstrować na tablicy sekwencję liniowej konstrukcji rysunku martwej natury, zwracając szczególną uwagę na ustalenie układu kompozycyjnego całej grupy obiektów martwej natury na kartce papieru. Prowadzący powinien również pokazać prawidłowy i nieprawidłowy układ rysunku na arkuszu.

Następnie nauczyciel wymazuje rysunki z tablicy i uczniowie zabierają się do pracy.

Najpierw lekko muskając papier ołówkiem, zarysowujemy ogólny charakter kształtu przedmiotów, ich proporcje, a także położenie w przestrzeni. Krótkimi odcinkami uczniowie ograniczają ogólny układ przestrzenny całej grupy obiektów martwej natury.

Ci uczniowie, którzy nie potrafią określić ogólnego składu grupy martwych natur na rysunku, mogą narysować każdy obiekt z osobna, zaczynając jednak od przybliżonego oszacowania wielkości każdego z nich. Następnie musisz określić rozmiar każdego elementu osobno.

Kształt obiektów budujemy w taki sam sposób, jak w zadaniach do rysowania pojedynczych obiektów. Obrysowujemy powierzchnie każdego obiektu, zarówno widoczne, jak i niewidoczne. W ten sposób na rysunku uzyskuje się niejako obraz modeli drutowych.

Tak więc w środku zamierzonego obrysu obiektu (na przykład czajnika) rysowana jest pionowa linia osiowa, na której określona jest wysokość, a przez punkty określające jego wysokość rysowane są poziome segmenty. Określają szerokość szyjki i dna czajnika. Bierzemy pod uwagę proporcje głównej części czajnika - naczynia i rysujemy dno i szyję. Cienkimi liniami zarysowujemy dziobek, pokrywkę, uchwyt czajnika. Ponownie sprawdzamy i od razu określamy proporcje zarówno całego kształtu czajnika, jak i głównych części.

W ten sam sposób musisz pracować nad obrazem jabłka. Nie powinieneś od razu rysować i udoskonalać konturów obiektów; najważniejsze jest określenie wymiarów i proporcji każdego z obiektów (wysokość, szerokość, głębokość).

Ujawniając konstruktywne podstawy kształtu obiektów, konieczne jest dokładne sprawdzenie perspektywy. Szczególną uwagę należy zwrócić na perspektywiczny obraz podstaw obiektów. Nie należy dopuszczać do tego, aby na rysunku ślad jednego obiektu „stąpał” po śladzie innego, innymi słowy, uczeń musi jasno zrozumieć, który obiekt jest na pierwszym planie, a który na drugim. Początkujący kreślarze zwykle tego nie przestrzegają i nie uzyskują odstępu między obiektami na rysunku. Następnie zaczynają wprowadzać ton do rysunku, mając nadzieję, że w ten sposób da się skorygować wadę, ale to nie daje pożądanych rezultatów.

Metoda obrazowania liniowo-konstruktywnego pomaga rozwiązać ten problem. Ważne jest, aby uczeń jasno wyobrażał sobie położenie obiektów (ścieżek) na płaszczyźnie stołu, odległość między nimi. Następnie musi sobie wyobrazić tę płaszczyznę ze śladami, ukazaną w perspektywie.

P. P. Chistyakov napisał: „Przede wszystkim należy zwrócić uwagę na plan, punkty, których dotyka postać. Na przykład ślady stóp na podłodze. Tutaj, w liniach, należy również zarysować granice światła i cienia, aby później nie szukać ich na każdy temat z osobna.

Osobno należy powiedzieć o obrazie draperii, która opada z góry i zakrywa płaszczyznę obiektu. Przedstawiając draperię, najpierw określamy płaszczyznę poziomą i pionową, a dopiero potem przystępujemy do rysowania fałd. Lekka w tonacji i cienka w swojej strukturze i materiale tkanina tworzy wyraziste fałdy pod względem plastyczności i ściętego modelowania na płaszczyźnie pionowej. Na płaszczyźnie obiektu fałdy draperii są lekko zarysowane. Podczas konstruowania fałd wolumetrycznych można zastosować metodę uogólnienia formy (cięcie). Uczeń musi ostatecznie uogólnić złożony kształt fałd na proste kształty geometryczne. Ta metoda pomoże zrozumieć kształt fałd i poprawnie rozwiązać problemy tonalne wzoru draperii.

Następnie bardziej szczegółowo rysujemy wszystkie obiekty martwej natury, usuwając linie konstrukcyjne.

W procesie nauki rysowania z natury uczniowie muszą nauczyć się dostrzegać i rozumieć związek między projektem obiektu a zjawiskami światłocienia oraz opanować środki rysowania światłocienia. Nie znając praw rozkładu światła na kształt przedmiotu, będą biernie kopiować jasne i ciemne plamy z natury, ale nie uzyskają wiarygodności i wiarygodności obrazu.

W procesie uczenia się nauczyciel powinien bardziej szczegółowo omówić teorię światła i cienia oraz tonu na rysunku.

Zaczynając identyfikować objętość obiektów, przede wszystkim konieczne jest określenie najjaśniejszego i najciemniejszego miejsca w martwej naturze. Po ustaleniu tych dwóch biegunów należy zwrócić uwagę na półcień. W tym celu dokładnie śledzimy kierunek promieni świetlnych i określamy, na którą płaszczyznę obiektu promienie świetlne padają bezpośrednio, czyli gdzie będzie padać światło, a na którą nie padają wcale, czyli gdzie będzie cień. Następnie obrysowujemy cienie padające z każdego obiektu.

Najpierw lekko dotykając papieru ołówkiem, na każdym tonie kładziemy miejsca cienia: na czajniczku, jabłku, draperii. Pomoże to wyraźniej zobaczyć masę każdego obiektu, a zatem jeszcze raz sprawdzić proporcje i ogólny stan rysunku.

Następnie kładziemy półcień, intensyfikując ton w zacienionych miejscach, a na końcu cienie padające z przedmiotów. Ta procedura ujawniania objętości obiektów w tonie przez wszystkich artystów jest uważana za obowiązkową.

Leonardo da Vinci napisał: „Najpierw nałóż ogólny cień na całą wypełnioną część, która nie widzi światła, a następnie umieść półcień i główne cienie, porównując je ze sobą. I w ten sam sposób połóż światło dopełniające trzymane w półświetle, a następnie połóż środkowe i główne światła, również je porównując.

Kiedy ogólny rysunek martwej natury jest prawidłowo zaplanowany, możesz zwiększyć nacisk ołówka na papier i ułożyć ton, przechodząc do szczegółowego rysunku każdego obiektu.

Na koniec lekcji nauczyciel powinien zorganizować powtórzenie i utrwalenie materiału teoretycznego dotyczącego sztuk pięknych.

Rysując szczegółowo formę, należy uważnie obserwować wszystkie odcienie i przejścia światłocienia, wszystkie szczegóły formy. Ale pracując nad detalem, nie możemy zapomnieć o porównaniu go z tym obok. P.P. Chistyakov zalecił: „Nie trzeba długo pracować nad szczegółem, ponieważ znika ostrość percepcji, lepiej przejść do innej, pobliskiej części. Kiedy wraca się do pracy wykonanej na początku, łatwo dostrzec niedoskonałości. Tak więc w trakcie całej pracy, przemieszczając się z miejsca na miejsce, miej całą figurę w oku, nie dąż od razu do ogólnika, tylko zagłębiaj się w szczegóły, nie bój się początkowej rozmaitości, to nie tak trudno to uogólnić, to byłoby coś do uogólnienia.

Podczas opracowywania form martwych natur należy przeprowadzić poważną pracę analityczną. Konieczne jest staranne narysowanie każdego szczegółu przedmiotu, zidentyfikowanie jego struktury, oddanie charakterystycznych cech materiału, prześledzenie, w jaki sposób elementy składowe są ze sobą powiązane i z ogólnym kształtem, np. czajniczek, faktura i kształt jabłka, różnice w blasku różnych przedmiotów.

Ostrożnie rysujemy cienie padające z detali - cień z imbryka, jabłko. Takie badanie formy pomoże uczynić rysunek przekonującym i wyrazistym.

Kończąc rysunek, uczniowie pod kierunkiem nauczyciela dokładnie analizują relacje tonalne martwych natur, określając ogólną tonację czajnika, jabłka, draperii, różne odcienie tonacji w świetle, w cieniu, w półcień: na pierwszym planie iw tle. Należy uważać, aby poszczególne obiekty nie miały zbyt mocnej tonacji (czerń) i nie wypadały (nie wybijały się) z rysunku. Aby to zrobić, musisz spojrzeć na rysunek z daleka zmrużonymi oczami i porównać siłę odruchów z naturą. Należy pamiętać, że refleksy nie powinny być bardzo jasne ani kłócić się ze światłem, z półcieniem. A kiedy malarz spojrzy na nie zmrużonymi oczami, powinny zniknąć, stopić się z cieniami.

2.4. Zasady rysowania martwej natury

Tworzenie martwej natury musi rozpocząć się od pomysłu, w naszym przypadku od sformułowania zadania edukacyjnego (konstrukcyjnego, graficznego, obrazowego itp.). Poprzez analizę porównawczą dochodzi się do określenia najbardziej charakterystycznych cech formy oraz uogólnienia spostrzeżeń i wrażeń. Trzeba pamiętać, że każdy nowy przedmiot w spektaklu jest „nową miarą wszystkich rzeczy w nim zawartych, a jego pojawienie się jest jak rewolucja: przedmioty zmieniają się i zmieniają swoje relacje, jakby wpadając w inny wymiar”.

Ważny jest również właściwy wybór pewnego punktu widzenia, zgodnie z określonym zadaniem edukacyjnym, tj. linia horyzontu (kąt). Kolejnym etapem rysowania martwej natury jest ułożenie obiektów w przestrzeni płaszczyzny przedmiotowej z uwzględnieniem idei grupowania w kompozycji.

Ważny jest moment samodzielnego układania martwej natury, gdyż takie ćwiczenia pozwolą na wykonanie zadań plastycznych i najkorzystniejsze pogrupowanie przedmiotów.

Jeden z obiektów powinien stać się centrum kompozycyjnym spektaklu i wyróżniać się wielkością i tonem. Powinien być umieszczony bliżej środka oprawy, a dla nadania oprawie dynamizmu (ruch plamek) można go przesuwać w prawo lub w lewo.

Dzięki przestrzennemu rozwiązaniu martwej natury mały przedmiot, który różni się fakturą i kolorem od innych obiektów, może zostać umieszczony na pierwszym planie jako akcent. Aby dopełnić kompozycję, a także połączyć wszystkie obiekty w jedną całość, do produkcji dodano draperie, podkreślając w ten sposób różnicę między solidnymi przedmiotami a miękką lejącą się fakturą tkaniny. Tkanina może być gładka i wzorzysta lub wzorzysta, ale nie powinna odwracać uwagi od innych, zwłaszcza głównych tematów. Często jest umieszczany ukośnie, aby skierować wzrok od widza w głąb do centrum kompozycji, aby uzyskać lepsze rozwiązanie przestrzenne.

Można zatem stwierdzić, że istotą kompozycji jest znalezienie takiego zestawienia, uporządkowania elementów obrazowych, które pomogłyby w ujawnieniu treści.

Ważną rolę w kompozycji martwej natury odgrywa oświetlenie - sztuczne lub naturalne. Światło może być boczne, kierunkowe lub rozproszone (z okna lub przy oświetleniu ogólnym). Kiedy martwa natura jest oświetlana światłem kierunkowym z przodu lub z boku, na przedmiotach pojawia się kontrastowy światłocień, a aby uwypuklić pierwszy (lub główny) plan, można zamknąć część padającego światła na tło. Podczas oświetlania martwej natury z okna (jeśli obiekty są umieszczone na parapecie) pojawi się rozwiązanie sylwetki ciemności na świetle, a część koloru zniknie, jeśli martwa natura zostanie zdecydowana w kolorze. Różnica tonalna obiektów jest bardziej zauważalna w świetle rozproszonym.

W edukacyjnych martwych naturach dobierane są obiekty o różnej tonacji, bez łączenia tylko jasnych lub ciemnych obiektów w jednym ustawieniu, a jednocześnie z uwzględnieniem kształtów padających cieni.

Składa się z trzech elementów (jednego dużego - centrum kompozycji i dwóch lub trzech mniejszych) oraz draperii;

Przedmioty różnią się kolorem, ale nie intensywnymi kolorami;

Małe obiekty mogą być aktywne w kolorze (służą do porównywania cech kolorów);

Przedmioty i draperie powinny mieć wyraźną różnicę tonalną;

Umieszczenie produkcji w bezpośrednim świetle dziennym (duże proporcje kolorów są łatwe do odczytania, mają dekoracyjny wygląd).

Przestrzeganie tych zasad pozwoli studentom w trakcie praktycznej pracy nad edukacyjnymi martwymi naturami najdokładniej zidentyfikować główne relacje obrazowe, dążyć do prawidłowego widzenia różnic tonalnych, co przyczynia się do prawidłowego odwzorowania kolorystycznego materialności rzeczy.

WNIOSEK

Zgodnie z metodyką nauczania sztuk plastycznych pierwszy etap edukacji w szkole ogólnokształcącej powinien poprzez sztukę kłaść podwaliny pod artystyczne, estetyczne postrzeganie zjawisk otaczającej rzeczywistości. Przez cztery lata nauki w szkole podstawowej konieczne jest stworzenie w umyśle i rozwoju emocjonalnym dziecka podstaw idei artystycznych, na których będzie mógł polegać w całej dalszej edukacji. Nauczyciel musi od samego początku szkolenia stworzyć „sytuację asymilacji” wokół tematu lekcji, tj. atmosferę radości, udział dzieci w procesie postrzegania materiału oraz potrzebę aktywnego twórczego sprzężenia zwrotnego podczas wykonywania praktycznej pracy nad każdym zadaniem.

Aktywność artystyczna uczniów w klasie znajduje różne formy wyrazu: obraz na płaszczyźnie iw objętości, prace dekoracyjne i konstrukcyjne; postrzeganie zjawisk rzeczywistości i dzieł sztuki (slajdy, reprodukcje); omówienie pracy towarzyszy, wyników ich własnej twórczości zbiorowej i pracy indywidualnej na zajęciach; badanie dziedzictwa artystycznego; poszukiwanie pracy uczniów w zakresie wyboru materiału ilustracyjnego do badanych tematów; słuchanie utworów muzycznych i literackich (ludowych, klasycznych, współczesnych).

Rozwój percepcji artystycznej i działania praktyczne są przedstawione w programie w ich wymownej jedności. Różnorodne zajęcia praktyczne prowadzą uczniów do zrozumienia zjawisk kultury artystycznej, badanie dzieł sztuki i życia artystycznego społeczeństwa jest poparte praktyczną pracą uczniów.

Wprowadzenie do sztuki rozpoczyna się w szkole podstawowej, stopniowo rozszerza się – od najbliższego otoczenia do sztuki rodzimej i innych ludów, sztuki obcej.

Wizualna aktywność dziecka, którą dopiero zaczyna opanowywać, wymaga wykwalifikowanej opieki osoby dorosłej.

Cechą charakterystyczną sztuki jest odzwierciedlenie rzeczywistości w plastycznych obrazach, które oddziałują na umysł i uczucia dziecka, wychowują go w określonym stosunku do wydarzeń i zjawisk życiowych oraz pomagają lepiej i pełniej poznawać rzeczywistość. Wpływ sztuki na kształtowanie się osobowości człowieka, jego rozwój jest bardzo duży. Dusza dziecka jest predysponowana do postrzegania piękna, dziecko potrafi subtelnie wyczuć obraz.

Obrazy bogate w treść ideową i doskonałe w formie artystycznej kształtują gust artystyczny, umiejętność rozumienia, rozróżniania, doceniania piękna nie tylko w sztuce, ale także w rzeczywistości, w naturze, w życiu codziennym. Malarstwo odtwarza całe bogactwo i różnorodność świata. Za pomocą malarstwa odtwarzany jest świat rzeczywisty z przestrzenną głębią, objętością, kolorem, światłem, powietrzem.

Martwa natura do nauczania młodszych uczniów rysowania jest bardzo wygodna pod każdym względem: jest nieruchoma, zachowuje swój wygląd przez długi czas, martwym przedmiotom można nadać dowolną pozycję i ciekawą kombinację kształtów, ruchów, tekstur, rozmiarów i można uzyskać kolory. Martwa natura uczy rozwiązywania podstawowych problemów wychowawczych, a wraz z nimi zadań twórczych. Opanowanie technik przedstawiania martwej natury jest wygodniejsze od rysowania dobrze znanych trójwymiarowych obiektów ołówkiem i farbą tego samego koloru.

BIBLIOGRAFIA

1. Alechin A.D. Sztuka. Malarz. Nauczyciel. Szkoła: książka dla nauczycieli. - Moskwa: Edukacja, 1984.

2. Alechin A.D. Kiedy zaczyna artysta. - Moskwa: Edukacja, 1993.

3. Wegner LA Pedagogika umiejętności. - Moskwa: Wiedza, 1973.

4. Własow V.G. Style w sztuce: słownik . - Petersburg: Kolna, 1995.

5. Związane z wiekiem możliwości przyswajania wiedzy: młodsze klasy szkoły / Red. D. B. Elkonin, V. V. Davydov. - Moskwa: Edukacja, 1968.

6. Wygotski L.S. Wyobraźnia i kreatywność w dzieciństwie. - wyd. 3 - Moskwa: Oświecenie, 1991.

7. Gerchuk Yu.Ya. Podstawy alfabetyzacji artystycznej. - Moskwa: Literatura edukacyjna, 1998.

8. Davydov V.V. Problemy rozwoju edukacji: Doświadczenia teoretycznych i eksperymentalnych badań psychologicznych. - Moskwa: Pedagogika, 1989.

9. Kovalev A.G. Psychologia osobowości. - Wydanie 3 - Moskwa: Edukacja, 1970.

10. Komarowa T.S. Nauczanie dzieci rysowania. - Moskwa: wiek, 1994.

11. Komarowa T.S. Jak nauczyć dziecko rysować. - Moskwa: wiek, 1998.

12. Kosminskaya V.B., Khalezova N.B. Podstawy plastyki i metody kierowania aktywnością wizualną dzieci. - Moskwa: Edukacja, 1981.

13. Kosterin NP Rysunek edukacyjny. - Moskwa: Edukacja, 1984.

14. Kuzin V.S. Podstawy nauczania plastyki w szkole. - Moskwa: Edukacja, 1977.

15. Kuzin V.S. Szkice i szkice. - II edycja. - Moskwa: Edukacja, 1981.

16. Kuzin V.S. Psychologia. - II edycja. - Moskwa: Szkoła Wyższa, 1982.

17. Kuzin V.S. Plastyka i metody jej nauczania w klasach podstawowych. - Moskwa: Edukacja, 1984.

18. Kuzin V.S. Metody nauczania plastyki w klasach I-III. - Moskwa: Edukacja, 1979.

19. Lyublinskaya A.A. Do nauczyciela o psychologii młodszego ucznia - Moskwa: Edukacja, 1977.

20. Maksimow Yu.V. U początków rzemiosła. - Moskwa: Edukacja, 1983.

21. Metody nauczania sztuk pięknych i projektowania: Podręcznik / pod redakcją T.S. Komarova. - wydanie drugie, poprawione. - Moskwa: Edukacja, 1985.

22. Mukhina V.S. Aktywność wzrokowa dziecka jako forma przyswajania doświadczeń społecznych. - Moskwa: Pedagogika, 1981.

23. Niemenski B.M. Plastyka i twórczość plastyczna 1 - 4 godz. - Moskwa: Edukacja, 1991.

24. Edukacja w klasie pierwszej: Poradnik dla nauczycieli klas 1-4 szkoły podstawowej. - Moskwa: Edukacja, 1986.

25. Edukacja w klasie drugiej: Poradnik dla nauczycieli klas 1-4 szkoły podstawowej. - Moskwa: Edukacja, 1987.

26. Nauczanie w klasie trzeciej: Poradnik dla nauczycieli klas 1-4 szkoły podstawowej. - Moskwa: Edukacja, 1988.

27. Programy placówek oświatowych. Sztuka. Stopnie 1 - 9. / Promotor VS Kuzin. - Moskwa: edukacja, 1994.

28. Programy placówek oświatowych. Sztuki wizualne i twórczość artystyczna. Klasy 1 - 9. / Opiekun B.M. Nemensky. - Moskwa: Edukacja, 1994.

Martwa natura to najbardziej ulubiony gatunek w twórczości wielu współczesnych artystów. W martwych naturach artyści dążą do ukazania świata rzeczy, piękna ich form, bogactwa relacji i treści przedstawienia. W szkołach artystycznych martwa natura zajmuje pierwsze miejsce w systemie nauczania umiejętności wizualnych. Martwe natury piszą i rysują podczas zajęć lekcyjnych, także w plenerze. Zadaniem martwej natury jest badanie obrazu obiektów przy użyciu praw perspektywy, zasad rozkładu światła i cienia, zasad nauki o kolorze.

Podstawą komponowania martwej natury jest dobór obiektów pod względem znaczeniowym i treściowym.

Istnieje kilka rodzajów martwych natur:

Działka tematyczna;

Szkolenie;

Edukacyjny i kreatywny;

Twórczy;

Zgodnie z formułą zadania edukacyjnego - realistyczny, dekoracyjny.

Martwa natura w plenerze może być dwojakiego rodzaju: skomponowana zgodnie z wybranym tematem, druga - naturalna, „przypadkowa”. Martwa natura we wnętrzu polega na aranżacji przedmiotów otoczonych dużą przestrzenią, gdzie martwe natury są podporządkowane wnętrzu.

Tematyczna martwa natura fabularna implikuje unifikację przedmiotów przez temat, fabułę.

Edukacyjne martwa natura. Konieczne jest skoordynowanie obiektów pod względem rozmiaru, tonu, tekstury. Aby ujawnić cechy konstrukcyjne przedmiotów, zbadać proporcje i zidentyfikować wzory plastyczności różnych form. Edukacyjna martwa natura nazywana jest także akademicką lub inscenizowaną, której celem jest nauka podstaw alfabetyzacji wizualnej, promowanie aktywacji procesów poznawczych i angażowanie się w samodzielną pracę twórczą.

W dekoracyjnej martwej naturze głównym zadaniem jest ujawnienie dekoracyjnych walorów natury, stworzenie ogólnego wrażenia elegancji. Podstawową zasadą rozwiązania dekoracyjnej martwej natury jest przekształcenie przestrzennej głębi obrazu w warunkową płaską przestrzeń. Jednocześnie możliwe jest użycie kilku planów, które muszą znajdować się na niewielkiej głębokości. Zadaniem twórczym w martwej naturze dekoracyjnej w klasach niższych jest interpretacja koloru i opanowanie techniki malarstwa dekoracyjnego, aw klasach wyższych stylizacja.

Z doświadczenia pracy w dziecięcej szkole plastycznej:

Próbki prac uczniów klas 1-4, wykonane w gatunku martwej natury z różnymi zadaniami edukacyjnymi, fabularnymi, edukacyjnymi, twórczymi i twórczymi.

Tarasowa Anya klasa 3 Obrót silnika. Sirazieva S.F.	Garipova Guzel klasa 4 nauczyciel Muchametdinow R.Z.
Khairetdinov Marcel 4 klasa Nauczyciel Sirazieva S.F.	Fayrushina Leya klasa 3 nauczyciel Muchametdinow R.Z.
Khairullina Dilyara klasa 4 Obrót silnika. Muchametdinow R.Z.	Kutik Lida klasa 4 nauczyciel Chaziew M.Sz.
Chabiew Kamil klasa 4 Nauczyciel Sirazieva S.F.	Fayrushina Leya klasa 4 nauczyciel Sirazieva S.F.
Nuretdinov Aidar 4 klasa Nauczyciel Khaziev M.Sh.	Ganiew Damir klasa 4 nauczyciel Muchametdinow R.Z.
Sirazeeva Alsou klasa 3 nauczyciel Chaziew M.Sz.	Fayrushina Leya klasa 3 nauczyciel Sirazieva S.F.
Nuretdinov Aidar 4 klasa Nauczyciel Sirazieva S.F.	Sirazeeva Alsou klasa 4 nauczyciel Chaziew M.Sz.
Akhmetzyanova Julia klasa 3 Obrót silnika. Sirazieva S.F.	Akhunova Elmira klasa 3 nauczyciel Sirazieva S.F.

Program kursu przewiduje poznanie podstaw pisma obrazkowego na przykładzie martwych natur i ich przedstawiania za pomocą malarstwa w różnych materiałach.

1. Rodzaje martwych natur

Martwa natura(francuska natura morte dosł. martwa natura) - w sztukach wizualnych - obraz przedmiotów nieożywionych, w przeciwieństwie do portretu, gatunku, tematyki historycznej i pejzażowej.

Martwa natura to jeden z gatunków sztuki poświęcony reprodukcji artykułów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp. Zadaniem artysty przedstawiającego martwą naturę jest przekazanie kolorystycznego piękna przedmiotów otaczających osobę, ich objętości i materialnej istoty, a także wyrażenie ich stosunku do przedstawionych przedmiotów. Rysowanie martwej natury jest szczególnie przydatne w praktyce edukacyjnej do doskonalenia umiejętności malarskich, ponieważ w nim początkujący artysta rozumie prawa harmonii kolorów, nabywa techniczne umiejętności modelowania form malarskich.

Martwa natura jako niezależny gatunek w sztuce pojawiła się na przełomie XVI i XVII wieku. w Holandii i Flandrii i od tego czasu był używany przez wielu artystów do przekazywania bezpośredniego związku sztuki z życiem i życiem ludzi. To czas artystów, którzy zasłynęli w gatunku martwej natury, P. Klasa, V. Hedy, A. Beierena i V. Kalfa, Snydersa i innych.

Martwa natura to najbardziej ulubiony gatunek w sztuce wielu współczesnych artystów. Malowane są martwe natury w plenerze, we wnętrzach, realizacje proste i złożone, tradycyjne i ostro nowoczesne zaaranżowane zestawy przedmiotów z życia codziennego człowieka.

Istnieje kilka rodzajów martwych natur:

- fabuła tematyczna;

- edukacyjny;

– edukacyjny i kreatywny;

- kreatywny.

Martwe natury wyróżniają:

– według koloru (ciepły, zimny);

- według koloru (blisko, kontrastowo);

- oświetleniem (oświetlenie bezpośrednie, oświetlenie boczne, pod światło);

- według lokalizacji (martwa natura we wnętrzu, w krajobrazie);

- do czasu wykonania (krótkoterminowe - "plamy" i długoterminowe - wielogodzinne występy);

- zgodnie ze sformułowaniem zadania edukacyjnego (realistyczne, dekoracyjne itp.).

Martwa natura w pejzażu (plener) mogą być dwojakiego rodzaju: jeden – zestawiony zgodnie z wybranym tematem, drugi – naturalny, „losowy”. Może być samodzielny lub stanowić integralną część malarstwa rodzajowego lub pejzażu. Często sam pejzaż lub scena rodzajowa jest jedynie uzupełnieniem martwej natury.

Martwa natura we wnętrzu polega na aranżacji obiektów otoczonych dużą przestrzenią, gdzie martwe natury są podporządkowane fabule wnętrzu.

Działka tematyczna martwa natura oznacza zjednoczenie tematów przez temat, fabułę.

Edukacyjne martwa natura. W nim, podobnie jak w wątku fabularnym, konieczne jest skoordynowanie obiektów pod względem wielkości, tonu, koloru i faktury, ujawnienie cech konstrukcyjnych obiektów, zbadanie proporcji i zidentyfikowanie wzorców plastyczności różnych form. Edukacyjna martwa natura jest również nazywana akademicki lub, jak wspomniano powyżej, wystawiany na scenie. Edukacyjna martwa natura różni się od twórczej ściśle określonym celem: przekazanie uczniom podstaw umiejętności wizualnych, aktywizacja ich zdolności poznawczych i zaangażowanie w samodzielną pracę twórczą.

W dekoracyjna martwa natura głównym zadaniem jest zidentyfikowanie walorów dekoracyjnych natury, stworzenie ogólnego wrażenia elegancji Dekoracyjna martwa natura nie jest dokładnym przedstawieniem natury, ale refleksją nad tą naturą: jest to wybór i uchwycenie najbardziej charakterystycznych, odrzucenie wszystkiego, co przypadkowe, podporządkowanie struktury martwej natury konkretnemu zadaniu artysty.

Podstawową zasadą rozwiązania dekoracyjnej martwej natury jest przekształcenie przestrzennej głębi obrazu w warunkową płaską przestrzeń. Jednocześnie możliwe jest użycie kilku planów, które muszą znajdować się na niewielkiej głębokości. Zadaniem edukacyjnym stojącym przed uczniem w procesie pracy nad dekoracyjną martwą naturą jest „ujawnić cechę charakterystyczną, najbardziej wyrazistą i wzmocnić ją w jej dekoracyjnej obróbce, w rozwiązaniu dekoracyjnym martwej natury należy starać się dostrzec cechę w go i zbuduj na nim przetwarzanie.

1. Zasady sporządzania martwej natury

Rysowanie martwej natury musi zaczynać się od planu. Poprzez analizę porównawczą dochodzi się do określenia najbardziej charakterystycznych cech formy oraz uogólnienia spostrzeżeń i wrażeń. Trzeba pamiętać, że każdy nowy przedmiot w spektaklu jest „nową miarą wszystkich rzeczy w nim zawartych, a jego pojawienie się jest jak rewolucja: przedmioty zmieniają się i zmieniają swoje relacje, jakby wpadając w inny wymiar”.

Ważny jest również właściwy wybór pewnego punktu widzenia, zgodnie z określonym zadaniem edukacyjnym, tj. linia horyzontu (kąt). Kolejnym etapem rysowania martwej natury jest ułożenie obiektów w przestrzeni płaszczyzny przedmiotowej z uwzględnieniem idei grupowania w kompozycji.

Jeden z obiektów powinien stać się centrum kompozycyjnym spektaklu i wyróżniać się wielkością i tonem. Powinien być umieszczony bliżej środka oprawy, a dla nadania oprawie dynamizmu (ruch plamek) można go przesuwać w prawo lub w lewo.

Dzięki przestrzennemu rozwiązaniu martwej natury mały przedmiot, który różni się fakturą i kolorem od innych obiektów, może zostać umieszczony na pierwszym planie jako akcent. Aby dopełnić kompozycję, a także połączyć wszystkie obiekty w jedną całość, do produkcji dodano draperie, podkreślając w ten sposób różnicę między solidnymi przedmiotami a miękką lejącą się fakturą tkaniny. Tkanina może być gładka i wzorzysta lub wzorzysta, ale nie powinna odwracać uwagi od innych, zwłaszcza głównych tematów. Często jest umieszczany ukośnie, aby skierować wzrok od widza w głąb do centrum kompozycji, aby uzyskać lepsze rozwiązanie przestrzenne.

Ważną rolę w komponowaniu scenerii martwej natury odgrywa oświetlenie – sztuczne lub naturalne. Światło może być boczne, kierunkowe lub rozproszone (z okna lub przy oświetleniu ogólnym). Podczas oświetlania martwej natury z okna (jeśli obiekty są umieszczone na parapecie) pojawi się rozwiązanie sylwetki ciemności na świetle, a część koloru zniknie, jeśli martwa natura zostanie zdecydowana w kolorze. Różnica tonalna obiektów jest bardziej zauważalna w świetle rozproszonym.

Rozpoczynając pracę nad obrazem należy zwrócić uwagę na następujące podstawowe wymagania.

1) Oświetlenie jest równomierne, rozproszone, padające z lewej strony tak, aby cień dłoni nie przecinał kartki. Niedopuszczalne jest, aby kartka papieru była oświetlana promieniami słonecznymi.

2) Arkusz należy umieścić nie bliżej niż na wyciągnięcie ręki. Podczas pracy wskazane jest odejście od szkicu lub pozostawienie go do obejrzenia z daleka. Ta technika pozwala wyraźniej zobaczyć swoje błędy lub sukcesy.

3) Obiekt obrazowy (model) powinien znajdować się nieco na lewo od miejsca pracy ucznia w takiej odległości, z której można go oglądać jako całość. Im większy, tym większa odległość między nim a obrazem.

4) Długie etiudy spektakli realizowane są na papierze rozciągniętym na tablecie.

Praca rozpoczyna się od kompozycyjnego umieszczenia obrazu na kartce papieru. Wcześniej uczeń musi obejrzeć martwą naturę ze wszystkich stron i ustalić, z jakiego punktu widzenia bardziej opłaca się (efektywniej) umieścić obraz na płaszczyźnie. Przed przystąpieniem do malowania uczeń musi zapoznać się z przyrodą, odnotować jej cechy charakterystyczne i zrozumieć ogólną kolorystykę przedstawienia.

Badanie przyrody zaczyna się od bezpośredniej obserwacji. Uczeń najpierw wzrokowo zapoznaje się z naturą, a następnie jego uwaga skupia się na jej proporcjach, naturze formy, ruchu, oświetleniu, kolorze i tonacji. Taka wstępna obserwacja natury jest wstępem do szczegółowej analizy obiektu.

Obraz zaczyna się od lekkiego rysunku ołówkiem. Należy unikać przedwczesnego obciążania arkusza niepotrzebnymi plamami i liniami. Forma jest narysowana bardzo ogólnie i schematycznie. Ujawnia się główny bohater dużej formy.

Zadaniem ucznia jest nauczenie się oddzielania głównego od drugorzędnego. Aby szczegóły nie odwracały uwagi początkującego od głównego bohatera formy, proponuje się zmrużyć oczy, aby forma wyglądała jak sylwetka, jak wspólne miejsce, a szczegóły zniknęły.

Podczas pracy nad martwymi naturami odpowiednie są zarówno techniki techniki „a la prima”, jak i malowanie wielowarstwowe (2-4) z glazurą.

Kiedy wszystkie szczegóły są spisane, a obraz jest starannie wymodelowany pod względem tonacji i koloru, rozpoczyna się proces uogólniania.

Na ostatnim i najważniejszym etapie pracy nad realizacją uczeń podsumowuje wykonaną pracę: sprawdza ogólny stan obrazu, podporządkowuje całości detale, uogólnia kolorystykę. Na końcowym etapie pracy pożądany jest powrót do świeżego, pierwotnego spojrzenia.

Zadaniem nie jest ślepe kopiowanie, ale potrzeba kreatywnego podejścia do przedstawiania natury.