Van Gogh Vincent, holenderski malarz. W latach 1869-1876 był komisarzem w firmie zajmującej się handlem dziełami sztuki w Hadze, Brukseli, Londynie, Paryżu, aw 1876 pracował jako nauczyciel w Anglii. Van Gogh studiował teologię, w latach 1878-1879 był kaznodzieją w okręgu górniczym Borinage w Belgii. Ochrona interesów górników doprowadziła van Gogha do konfliktu z władzami kościelnymi. W latach 80. XIX wieku van Gogh zwrócił się ku sztuce, uczęszczając do Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli (1880-1881) i Antwerpii (1885-1886).
Van Gogh skorzystał z rady malarza A. Mauve w Hadze, entuzjastycznie malując zwykłych ludzi, chłopów, rzemieślników i więźniów. W serii obrazów i studiów z połowy lat osiemdziesiątych XIX wieku („Wieśniaczka”, 1885, Kröller-Müller State Museum, Otterlo; „Zjadacze ziemniaków”, 1885, Fundacja Vincenta van Gogha, Amsterdam), pisanych ciemną skalą obrazkową, oznaczoną artystka poprzez boleśnie ostre postrzeganie ludzkiego cierpienia i uczucia przygnębienia odtwarza przytłaczającą atmosferę psychologicznego napięcia.
W latach 1886-1888 van Gogh mieszkał w Paryżu, odwiedzał prywatną pracownię artystyczną, studiował malarstwo impresjonistyczne, japońskie grawerowanie, „syntetyczne” dzieła Paula Gauguina. W tym okresie paleta Van Gogha stała się jasna, zniknęły kolory ziemi, pojawiły się czyste błękity, złotożółte, czerwone odcienie, jego charakterystyczna dynamika, jakby płynące pociągnięcie pędzla („Most nad Sekwaną”, 1887, „Papa Tanguy”, 1881). W 1888 roku van Gogh przeniósł się do Arles, gdzie ostatecznie ustalono oryginalność jego twórczego sposobu bycia. Ognisty temperament artystyczny, bolesny pęd ku harmonii, pięknu i szczęściu, a zarazem lęk przed siłami wrogimi człowiekowi, ucieleśniają albo mieniące się słonecznymi kolorami pejzaże południa („Harvest. La Croux Valley”, 1888 ) lub w złowrogich, przypominających nocne koszmary obrazach („Night Cafe”, 1888, kolekcja prywatna, Nowy Jork). Dynamika koloru i kreski na obrazach Van Gogha wypełnia życiem duchowym i ruchem nie tylko przyrodę i zamieszkujących ją ludzi („Czerwone winnice w Arles”, 1888, Muzeum Puszkina, Moskwa), ale także przedmioty nieożywione („Sypialnia Van Gogha w Arles”, 1888).
Wytężonej pracy Van Gogha w późniejszych latach towarzyszyły napady choroby psychicznej, które doprowadziły go do zakładu dla obłąkanych w Arles, następnie Saint-Remy (1889–1890) i Auvers-sur-Oise (1890), gdzie popełnił samobójstwo. Twórczość ostatnich dwóch lat życia artysty naznaczona jest ekstatyczną obsesją, skrajnie wzmożoną ekspresją zestawień kolorystycznych, gwałtownymi wahaniami nastroju – od szaleńczej rozpaczy po ponurą wizjonerstwo („Droga z cyprysami i gwiazdami”, 1890, Muzeum Kröller-Müller, Otterlo) do drżącego poczucia oświecenia i spokoju („Krajobraz w Auvers po deszczu”, 1890, Muzeum Puszkina, Moskwa).
Bez względu na to, jak często i jak głęboko jestem nieszczęśliwy, zawsze we mnie żyje cicha, czysta harmonia i muzyka.
Vincent van Gogh
Od tak dawna jest zajęty rozmyślaniem o nierozwiązywalnych problemach współczesnego społeczeństwa i, jak poprzednio, zmaga się ze swoją dobrocią i niewyczerpaną energią. Jego wysiłki nie idą na marne, ale prawdopodobnie nie dożyje spełnienia swoich nadziei, bo będzie za późno, kiedy ludzie zrozumieją, co chce przekazać swoimi obrazami. Jest jednym z najbardziej zaawansowanych artystów i jest bardzo trudny do zrozumienia, nawet dla mnie, pomimo tego, że jesteśmy sobie bardzo bliscy. Myśli o wielu rzeczach: jaki jest cel człowieka, jak patrzeć na otaczający go świat, a aby zrozumieć, co próbuje powiedzieć, człowiek musi uwolnić się od nawet drobnych uprzedzeń. Jestem jednak pewien, że prędzej czy później zostanie rozpoznany. Trudno powiedzieć kiedy.
Theo (brat van Gogha)
Muzeum Van Gogha w Amsterdamie. Nowoczesny trzypiętrowy budynek z sakurami w pobliżu. Van Gogh często malował te drzewa.
Niebo wydaje się echem prostych gałęzi sakury
Już z daleka można się domyślić, że ten budynek to Muzeum Van Gogha. W muzeum ustawia się długa kolejka.
Muzea mają trzy piętra. Wielu ludzi. Ale nikt się nie uśmiecha. Twarze ludzi są albo zmęczone, albo widać ich przeżycia, a niektórzy mają uczucia, które są dla nich niezrozumiałe i po prostu pozwalają im być. Po drugiej stronie ulicy od Muzeum Van Gogha znajduje się inne muzeum, Rijksmuseum, w którym gra muzyka klasyczna, a goście muzeum mają entuzjastyczne twarze.
Ale Muzeum Van Gogha jest inne. Uczuć jest tu więcej i wcale nie chodzi o radość.
W tym muzeum znajdują się słynne słoneczniki i inny obraz, który szczególnie mnie urzekł. To ostatnia praca Van Gogha Pole pszenicy z wronami. Znajduje się na trzecim piętrze, na końcu ekspozycji. To najnowsza praca Van Gogha. I to właśnie zwróciło moją uwagę.
Przyzwyczajam się do obrazu, próbuję stać się jego strukturą, tak jak nauczył nas Lubow Michajłowna.
Pierwszą rzeczą, która przyciąga uwagę, jest żółta plama. Pole pszenicy. Podekscytowany, niespokojny, niespokojny. Nie jest jasne, w którym kierunku poruszają się uszy, wydają się biegać. Żółte, ciężkie, wielokierunkowe pociągnięcia.
Czarne wrony, jakby nagle się pojawiły, a nie było ich na zdjęciu. Złowieszcze ciemnoniebieskie niebo. To ciemnoniebieskie niebo wydaje się pochłaniać jasne obszary nieba i wkrótce całe niebo stanie się równie ciemne i ponure. Żółty kontrastuje dramatycznie z tym ciemnoniebieskim.
A może wręcz przeciwnie, jasne obszary dają nadzieję?
I wreszcie droga, wijąca się, czerwono-brązowa, jak nagie mięśnie bez skóry. Na granicy nie możesz żyć tak długo, potrzebujesz ochrony, potrzebujesz skóry, aby przeżyć. A ona nie jest. To szaleństwo. Nie możesz tak żyć.
Każdy artysta maluje „własną krwią”
Heinricha Wölfflina
W swoim malarstwie Van Gogh nie przedstawia zjawiska naturalnego, opowiada nam o swoim stanie, eksponując swoje uczucia poprzez wybrane przez siebie obrazy. Wchodzimy w kontakt z jego duszą i poznajemy jego duchowy ból, przeżywając jego stan poprzez przekazywane przez niego obrazy.
Dokładny ruch ręki mistrza, mający na celu stworzenie gęstej, pastowatej smugi, oddaje nam napięty stan każdej komórki jego ciała. Poprzez ten dramatyczny kontrast niebieskiego i żółtego mamy również wewnętrzne napięcie.
Jest to wielkie dzieło sztuki, ponieważ zawiera kolosalną ilość sił duchowych. Ta moc przenika nas i mamy okazję poczuć jego nagi ból.
Patrząc na ten obraz, uczymy się być świadomi silnego wewnętrznego rzucania i wewnętrznego poszukiwania prawdy wielkiego artysty.
Cierpienie można opisać. Poprzez fabułę, poprzez kolor, charakter kreski.
Najwyraźniej Van Gogh chciał przekazać tę ideę przeniesienia stanu, kiedy napisał do swojego brata Theo, że znalazł formę sztuki, która będzie zrozumiała w przyszłości.
Van Gogh przekazuje nam poprzez swój stan, poprzez formę i kolor, jak bardzo życie i śmierć są obok siebie.
W jego twórczości nie ma miejsca na „relaks”, pozytywność przy kieliszku wina i radość życia. Nie ma w nim miejsca na uśmiech, że mówią „wszystko w życiu jest ok”.
Jego malarstwo jest o czymś innym.
Ból i połączenie z czymś Wyższym poprzez ten ból.
„Notatka samobójcy” – tak krytycy nazywają ten obraz. Van Gogh popełnił samobójstwo po pracy nad tym obrazem.
W takim stanie nie mógł kontynuować życia, dla niego było to już nie do zniesienia. Trudno dalej żyć w stanie nadmiernego napięcia, bo nie ma bezpieczeństwa, nie ma „skóry”, „mięśnie” są obnażone, a fizycznie nie da się tak żyć. W końcu skóra powinna chronić mięśnie.
Jak możemy pojąć ten stan, którego być może nie jesteśmy w stanie pojąć w zwykłym życiu?
Odpowiedź: „Poprzez sztukę, poprzez uczucie”.
Jak nauczył nas Lubow Michajłowna: „Ważne jest, aby stać się tą drogą, tym kolorem, tą strukturą, a wtedy jest szansa na przeżycie chwili, która nie jest dana do życia w życiu codziennym”.
W ten sposób stajemy się bogatsi duchowo, bardziej różnorodni, tak budzi się w nas wewnętrzne poszukiwanie prawdy.
W życiu musimy doświadczać różnych uczuć. Ale czy jesteśmy otwarci na te uczucia?
A może nadal boimy się tej nagości i bólu? Być może wciąż się przed nimi zamykamy i nie czujemy, jak nasze ciała stają się coraz bardziej skrępowane, a nasze zmysły coraz bardziej skrępowane.
Teraz rozumiem, co chciał nam przekazać Ljubow Michajłowna, mówiąc nam, że rozumienie sztuki jest dziełem duchowym, do którego jeszcze nie jesteśmy przyzwyczajeni, że sztuka nie jest dostępna dla wszystkich i trzeba próbować ją zrozumieć krok po kroku, i wtedy zacznie się przed nami otwierać.
Natura zawsze zajmowała szczególne miejsce w twórczości malarzy pejzażystów. Szczególnie chętnie artyści przedstawiali morze, góry, leśne krajobrazy i bezkresne pola, w tym pszenicę. Wśród tych obrazów szczególne miejsce zajmuje dzieło wybitnego Van Gogha „Pole pszenicy z cyprysami”.
Historia stworzenia
Van Gogh stworzył swoje płótno pod koniec XIX wieku. W tym czasie wielki artysta był w strasznym stanie: w tym czasie spędził już prawie rok w szpitalu psychiatrycznym. Mistrz był zmęczony uwięzieniem, a ten obraz był jego próbą powrotu do sztuki. Wag Gog zaczął spędzać dużo czasu na rysowaniu. Szczególnie pociągał go i uspokajał obraz natury. Zaczął rysować pola (szczególnie pszenica zajmowała autora), artysta zaczął często dodawać do swoich kompozycji drzewa. Szczególnie lubił przedstawiać cyprysy.
Symbolizm
Eksperci wyjaśniają, że cyprys stał się dla artysty symbolem smutku i upadku. Pomimo faktu, że wierzchołki cyprysów są skierowane ściśle w górę, na wybrzeżu Morza Śródziemnego drzewa te są tradycyjnie uważane za symbol smutku. To właśnie cyprysy artysta przedstawiał w swoich pracach pod koniec lat osiemdziesiątych. Naukowcy tłumaczą to złożonymi przeżyciami emocjonalnymi mistrza. Co więcej, cyprysy są jedynymi obiektami na obrazie przedstawionymi w pionie. Autorka specjalnie je zobrazowała w oderwaniu od pola i podkreśliła szczególnie jaskrawym kolorem, co tworzy świetny kontrast między czystym, spokojnym polem a samotnymi drzewami pędzącymi w niemocy w górę.
Na dole płótna znajdują się jasne pola, pszenica lub żyto. Wydaje się, że pochylają się przed nagłym nadciągającym wiatrem. W tle dwie cyprysowe korony powiewają jak płomień. Sam artysta przyznał, że te drzewa bardzo go porwały. Nazwał je wspaniałymi.
W porównaniu z polem pszenicy szmaragdowa trawa wygląda bardzo kontrastowo. Jak powiedział Van Gogh, takie dziedziny wymagają od artysty wielkiej obserwacji. Jeśli długo przyjrzysz się ich konturom, wśród rzędów pszenicy dostrzeżesz krzaki jeżyn lub wysoką trawę. Dlatego autor starał się je przedstawić z prawej krawędzi płótna. Na pierwszym planie, na samym dole obrazu, widać kreski przedstawiające dojrzałe jagody na krzaku.
Autor przedstawił niebo na swoim obrazie jeszcze bardziej niezwykłym. Na czystym, czystym niebie obserwuje się niezwykłe loki liliowych chmur. Najwyraźniej autor chciał, aby zła pogoda na niebie była zupełnym przeciwieństwem spokojnego i beztroskiego bezkresnego pola, którego kłosy pszenicy lekko kołyszą się na wietrze. Jeśli przyjrzysz się uważnie niebu, to wśród szalejących chmur zobaczysz ledwo widoczny półksiężyc.
Van Gogh o swoim malarstwie
Mistrz wielokrotnie przyznawał, że specjalnie przedstawiał rozległe połacie pola pod przeciągającym się niebem. W ten sposób, jego zdaniem, objawił się smutek i tęsknota, które go ogarnęły. Van Gogh wierzył, że ten wybitny obraz ma wyrazić to, czego nie potrafił wyrazić o sobie słowami. Tak czy inaczej obraz „Pole pszenicy z cyprysami” nadal budzi zainteresowanie historyków sztuki i turystów.
22 lutego 2012 r
Rok 1890, lato w Auvers. Na początku czerwca Theo wraz z żoną i dzieckiem przyjechali do Auvers na jeden dzień. Van Gogh jest szczęśliwy pomimo nierozwiązanych problemów finansowych. Theo mówi mu, że niektóre z jego obrazów budzą zainteresowanie, ale nie znalazły jeszcze nabywców. Problemem Vincenta jest zarabianie pieniędzy na życie i malowanie. Za życia nie sprzedał żadnego ze swoich obrazów.
1890; 50x100,5 cm
Muzeum Van Gogha w Amsterdamie
Wkrótce mały Vincent, syn Theo, zachoruje. Sam Theo też jest ciężko chory iw liście z 30 czerwca zastanawia się nad swoim dalszym życiem, planowanym wcześniej z całą rodziną wyjazdem do Auvers na lipiec. Pomimo uspokajających słów brata, treść listu robi na Van Goghu duże wrażenie. Vincent zaczyna popadać w rozpacz. Theo zdecydowanie wyczuł reakcję brata i napisał: „Bądź spokojny i uważaj na siebie, żeby nie doszło do jakiegoś wypadku”.
Pod koniec lipca przychodzi tydzień spędzony przez Vincenta z bratem w Paryżu. Theo i Io walczą o pieniądze. Ale Theo od wielu lat wysyła bratu pieniądze... Van Gogh, wściekły i zdruzgotany, wraca do Auvers. 14 lipca pisze uroczystość, którą widział z okna, związaną z obchodami święta narodowego. Na zdjęciu nie ma ani jednej sylwetki człowieka.
Wkrótce Vincent otrzymuje długi list od brata, pełen ciepłych słów i zapewnień, że w przyszłości może liczyć na jego pomoc. Znowu dużo rysuje. „Przyciągają mnie niekończące się pola pszenicy, wielkie jak morze, w delikatnych żółciach i zieleniach”.
23 lipca Vincent pisze list do Theo i nie wspomina, że myśli o samobójstwie. W międzyczasie kupił już rewolwer. 27 lipca Van Gogh decyduje się na planowany akt. W kieszeni ma niedokończony list do brata: „Chciałbym napisać do Ciebie o wielu rzeczach, ale czuję, że to bezcelowe… A jeśli o mojej pracy, to zapłaciłem za to życiem i kosztowało mnie to pół głowy”.
Jednym z ostatnich obrazów Van Gogha są Wrony nad polem pszenicy. Ciemne, niespokojne niebo zlewa się w jedną całość z ziemią, trzy drogi prowadzą donikąd, pszenica ugina się pod wpływem nadprzyrodzonych mocy, a żałobne ptaki piszą na płótnie litery „M”. Nie ma już zawirowań, nie ma porządkującego rytmu. Mocne, mocne pociągnięcia pędzla tworzą dynamikę na płótnie pełnym niespokojnego chaosu.
„To niezmierzona przestrzeń pełna pszenicy pod niespokojnym niebem i patrząc na nią, odczuwam niekończący się smutek i samotność”. W Wrony nad polem pszenicy pociągnięcia pędzla są coraz bardziej chaotyczne i skierowane we wszystkich kierunkach. Van Gogh używa brązu, ochry, zieleni, kobaltu i lazuru. Nad horyzontem zbiera się stado czarnych wron, nadając niebu głębię. Zbliżamy się do sztuki abstrakcyjnej.
