Podręcznik dla akompaniatora ludowego tańca estradowego. Specyfika pracy akompaniatora-pianisty w klasie choreografii dziecięcej szkoły plastycznej

Potrzeba twórczego zjednoczenia choreografa i muzyka w procesie projektowania lekcji tańca jest oczywista i nie wymaga dowodu. Tylko ścisła współpraca nauczyciela z akompaniatorem może dać najskuteczniejsze efekty w kształtowaniu twórczego myślenia uczniów i kształtowaniu ich gustu artystycznego. Znajomość specyfiki sztuki choreograficznej przez koncertmistrza z jednej strony oraz doskonalenie przez choreografa metod i form edukacji muzycznej z drugiej strony, umożliwia osiągnięcie między nimi autentycznego kontaktu twórczego w przygotowaniu lekcji materiał. Tylko w tym przypadku możliwe staje się jasne, usystematyzowane podejście do opracowywania materiałów edukacyjnych i opracowywania jednej koncepcji muzycznej i choreograficznej do budowania lekcji zgodnie z cechami wiekowymi uczniów i ich poziomem przygotowania zawodowego. Kwestie układania planu lekcji, dystrybucji materiału choreograficznego i rozsądnego dawkowania jego nasycenia informacyjnego w czasie lekcji są bardzo ważne i wymagają rozważenia.

Po opanowaniu przedstawionych zasad podejścia do pracy z tekstem muzycznym można swobodnie i celowo poruszać się w kwestiach doboru materiału muzycznego.

Aranżację muzyczną lekcji należy rozumieć jako kompozycję muzyczną, ubraną w kompletną formę, zbudowaną charakterem, frazą, układem rytmicznym, dynamiką w pełnej zgodzie z ruchem tanecznym i niejako zlewającą się z nim w jedną całość. Utwór ten powinien poprzez swoją charakterystykę muzyczną podkreślać wszystkie cechy ruchu tanecznego.

Aranżacja muzyczna powinna pomóc studentom w opanowaniu technicznych umiejętności zawodu choreografa, a jednocześnie zaszczepić w nich świadomy stosunek do praw sztuki muzycznej, zrozumienie logiki melodycznej, harmonicznej, polifonicznej, rytmicznej, dynamicznej utworów muzycznych.

Zdolność choreografa do zrozumienia konstruktywnych praw kompozycji muzycznych i skoordynowania ich z systemem ruchów w tańcu jest warunkiem koniecznym do osiągnięcia swobody i sensowności w interpretacji materiału lekcji. Z drugiej strony muzyk, który podejmuje się oprawy muzycznej lekcji, musi mieć również przynajmniej podstawową wiedzę z zakresu choreografii, gdyż bez niej prawdziwy kontakt choreografa z akompaniatorem będzie prawie niemożliwy, a oprawa muzyczna będzie sprowadzić się jedynie do formalnego, mechanistycznego akompaniamentu w tle.

Tymczasem to w żywym procesie lekcji uczniowie pojmują nierozerwalne związki między muzyką a sztukami plastycznymi, to tutaj kształtuje się ich gust muzyczny. Dlatego materiał muzyczny wykorzystywany na lekcji musi być starannie dobrany, przetestowany i mieć walory artystyczne. Jako przykłady należy posłużyć się najlepszymi przykładami muzyki folklorystycznej, a także materiałem pochodzącym z dziedzictwa klasycznego i współczesnej twórczości muzycznej.

Nie należy jednak zapominać, że oprawa muzyczna ma dwojaki charakter: użytkowy i artystyczny. Te dwie strony wzajemnie się uzupełniają, oddziałując na siebie, ale żadna z nich nie powinna dominować nad drugą. Nie należy dać się ponieść nadmiernej złożoności materiału muzycznego ze szkodą dla rozwiązywania bezpośrednich zadań edukacyjnych i szkoleniowych. Zachowując takie cechy, jak figuratywność, jasność, indywidualność, oryginalność narodowa i gatunkowa, materiał muzyczny musi jednocześnie jak najściślej odpowiadać zadaniu choreograficznemu, odzwierciedlając cechy wzoru rytmicznego, dynamiki, logiki, frazowania właściwe dla niektórych ruchy i elementy składające się na słownictwo ludowego tańca estradowego. W tym sensie oprawa muzyczna lekcji tańca ludowego wymaga większej staranności w doborze materiału niż projekt lekcji tańca klasycznego, gdyż w ćwiczeniu na scenie ludowej te same ruchy, w zależności od zabarwienia narodowego i stylistycznego, mogą nabrać zupełnie inny sposób wykonania. Na przykład w tańcu klasycznym ruchy takie jak ułożyć oraz rozwijać tradycyjnie należą do elementów adagio, są spójne i wykonywane w wolnym tempie. W ćwiczeniach ludowych ich wykonanie może być zarówno płynne, jak i gwałtowne, a czasami oba typy są łączone w jedną kombinację. Dlatego też w podejściu do akompaniamentu muzycznego należy kierować się zasadami przemyślanego doboru i zestawienia swoistego „lekarza nutowego” z licznymi przykładami wariantowymi dotyczącymi tej samej części i uwzględniającymi nie tylko ogólny charakter ruch, ale także charakter wszystkich jego elementów składowych.

Praca nauczyciela i akompaniatora w przygotowaniu lekcji tańca ludowego zakłada istnienie ściśle zweryfikowanego planu kompozytorskiego. Materiał choreograficzny i muzyczny lekcji powinien być rozłożony w taki sposób, aby percepcja uczniów nie była przytępiona, a koncentracja uwagi nie zmniejszała się podczas lekcji. Aby zachować jednolity ton emocjonalny i tempo lekcji, wskazane jest budowanie jej zgodnie z zasadą kontrastowej naprzemienności ruchów i elementów różniących się charakterem i tempem. Kontrast ten może objawiać się zarówno na poziomie kompozycji całości lekcji, jak i na poziomie korelacji poszczególnych elementów tańca i mowy muzycznej. Z punktu widzenia choreografii mówimy o naprzemienności ćwiczeń z różnymi obciążeniami, których zmiana pozwala jednocześnie zaangażować w pracę różne grupy mięśni. Dynamiczne, skomplikowane technicznie ruchy można łączyć z elementami mającymi na celu rozwijanie plastyczności i taneczności - różnego rodzaju. port de bras, pochylenia, wygięcia ciała itp. Nierzadko zdarza się również łączenie ruchów tanecznych o różnej amplitudzie w jedną kombinację, np. rozwijać i „stringi” wielki batalion oraz tendu batmentu itp.

Z punktu widzenia aranżacji muzycznej kontrast można uzyskać zmieniając proporcje tempa, dzieląc kombinację na dwie części. (adagio allegro), ze względu na różnice artykulacyjne (staccato legato) dynamiczne zmiany kolorów (f-p, crescendo-diminuendo).

Ogólnie rzecz biorąc, struktura lekcji tańca ludowego różni się od struktury lekcji tańca klasycznego. W obu przypadkach wykonywane ćwiczenia przyczyniają się do rozwoju określonych umiejętności choreograficznych poprzez stopniowe włączanie do pracy różnych grup mięśni, stawów i więzadeł. Ale jeśli prawie wszystkie ruchy i elementy są już zaprezentowane na lekcji klasyki w ćwiczeniu przy drążku (z wyjątkiem skoków i ćwiczeń palców, które są później włączane do etiud na środku sali w skomplikowanych wersjach i w różnych kombinacjach kombinacje), następnie lekcja ludowego tańca estradowego zbudowana na nieco innej zasadzie. Tak więc ćwiczenie na maszynie zawiera wiele różnych ruchów. Niektóre z nich wywodzą się z ruchów ćwiczenia klasycznego (plie, battement tendu, jete, rond de jambe par terre, fondu, grand battement). Inne ruchy, zwłaszcza te, które obejmują pracę stopy skróconej i swobodnej, są charakterystyczne dla ludowego ćwiczenia estradowego (m.in. tendu batmentu,"lina", pas tortille, flip-flac, double-flic itd.).

Jeśli chodzi o materiał studiowany na środku sali, w przeciwieństwie do materiału lekcji tańca klasycznego, nie jest on powiązany z konkretnym ruchem, ale jest podzielony głównie ze względu na narodowość. Najpierw elementy badane są osobno w „czystej” formie, a następnie stają się podstawą do konstruowania szczegółowych kombinacji tanecznych i etiud. Zadania stojące przed nauczycielem-choreografem i muzykiem-konstruktorem na tym etapie zakładają inny, wyższy poziom zrozumienia materiału muzycznego i choreograficznego.

Ogólnie należy zauważyć, że pod względem kompozycyjnym zarówno ćwiczenia przy drążku, jak i w szczególności kombinacje na środku sali w ćwiczeniu ludowej sceny estradowej wyróżniają się większym stopniem złożoności niż kombinacje klasycznej lekcja tańca. W szczególności, jak już wspomniano, w ludowym tańcu estradowym nierzadko zdarza się łączenie w jednym zespole tanecznym ruchów o różnym tempie i charakterze ruchów – na przykład slow port biustonosze i szybko flic-flac, gładki port de bras z załamaniami ciała i energetyczną „liną”, fondus u tortilla. To też w pewien sposób wpływa na strukturę muzyczną, nadając jej cechy dwu- i trzygłosowe.

W którym port de bras mogą być włączone do kombinacji, zarówno jako niezależna sekcja, jak i jako integralna część kombinacji.

W każdym przypadku akompaniator przy wyborze oprawy muzycznej musi przede wszystkim kierować się logiką konstruowania zespołu tanecznego, dążeniem do jedności i współdziałania zasad organizacji materiału choreograficznego i muzycznego.

Przechodząc bezpośrednio do charakterystyki cech tkwiących w materiale lekcji tańca ludowego, należy zauważyć, że w porównaniu z materiałem lekcji tańca klasycznego istnieje większa różnorodność stylów i gatunków. Formułując główne kryteria doboru materiału muzycznego do projektu lekcji, warto przede wszystkim zwrócić uwagę na konieczność dopasowania wybranych fragmentów muzycznych do stylu, cech narodowych i charakteru badanych ruchów tanecznych i elementów .

Kompozycja utworu ludowo-estradowego zawsze wyraża specyficzną tożsamość narodową z charakterystycznymi cechami tempowo-rytmicznymi (długość, ostrość, synkopa itp.). Cechy te są osadzone w materiale muzycznym, na podstawie którego tworzona jest kompozycja taneczna.

Poza takimi cechami, jak dominująca tematyka melodyczna, wyrazistość formuł metrorytmicznych, różnorodność technik fakturalnych, przejrzystość i kompletność strukturalna, zwięzłość i przystępność percepcji, materiał muzyczny lekcji tańca ludowego estradowego powinien charakteryzować się wyraźny koloryt narodowy. Te same ruchy można interpretować na różne sposoby w zależności od charakteru, w jakim są wykonywane - hiszpański, węgierski, polski, rosyjski, cygański itp.

Jeśli muzyk przy projektowaniu lekcji tańca klasycznego opiera się głównie na wzorcach stylistycznych muzyki klasycyzmu z takimi nieodłącznymi cechami, jak regularne akcentowanie rytmiczne, prostopadłość, ścisłe uporządkowanie metryczne, to przy projektowaniu lekcji tańca ludowego akompaniator jest mniej ograniczony w ramach klasycznych kanonów. W tańcu ludowo-estradowym, opartym na tradycjach folklorystycznych, swobodnie stosuje się konstrukcje niekwadratowe, dziwne kombinacje środków. Zasada symetrii jest tu często łamana lub interpretowana dość arbitralnie.

W czasie jego istnienia w tańcu klasycznym rozwinęły się pewne tradycje, których przekroczenie jest niedopuszczalne z punktu widzenia estetyki tańca klasycznego. Ludowy taniec estradowy jest zjawiskiem, które stale się rozwija dzięki asymilacji cech kultur muzycznych i tanecznych różnych krajów i narodowości. Dzięki temu możliwe i dopuszczalne jest wzbogacenie stylu ludowego tańca estradowego, w tym poprzez włączenie elementów słownictwa współczesnego tańca codziennego.

W muzycznym projekcie lekcji te nowe trendy i nowe kierunki mogą przejawiać się w poszerzaniu gamy gatunków i stylów utworów muzycznych - od wykorzystania archaicznych warstw muzycznych i folklorystycznych po realizację cech jazzowej kultury muzycznej, którego oddziaływanie przejawia się w różnorodności i bogactwie palety barwowej przy powszechnym wykorzystaniu narzędzi perkusyjnych i zdobniczych. A także - w zwiększeniu roli rytmu jako czynnika kształtującego.

Twórcze przemyślenie na nowo panujących stereotypów w interpretacji ludowego tańca estradowego otwiera przed nauczycielem-choreografem i muzykiem nowe możliwości autoekspresji.

Jednocześnie przy doborze materiału grafik powinien kierować się zasadą łączenia jedności i różnorodności, z obowiązkowym zachowaniem stylu i cech gatunkowych źródła muzycznego w aranżacji, czy to będzie taniec folklorystyczny lub wytworem twórczości profesjonalnego kompozytora.

Bardzo ważna we wspólnej pracy nauczyciela-choreografa i akompaniatora jest kwestia doboru metod aranżacji muzycznej. Możliwa jest tu zarówno metoda wstępnej selekcji, jak i metoda wykorzystania materiału improwizowanego przez muzyka-konstruktora lekcji. Obie metody mają prawo istnieć. Metoda preselekcji polega na adaptacji gotowych sampli muzycznych do choreograficznego zadania szkoleniowego. Tutaj akompaniator jest ubezpieczony od błędów technicznych i stylistycznych, które nieuchronnie powstają przy stosowaniu metody improwizacji. Ale z drugiej strony ta metoda w pewnym stopniu ogranicza swobodę działania, ponieważ liczba przykładów muzycznych jest wciąż ograniczona, a muzyk zmuszony jest się powtarzać. Aby uniknąć częstych powtórzeń, można się uciec do wprowadzenia elementów metody improwizacji do praktyki projektowania muzycznego.

Ta metoda, tak rozpowszechniona w klasie tańca klasycznego, zyskuje swoją specyfikę w projektowaniu ludowego ćwiczenia scenicznego. Tutaj materiał pieśni i tańca muzyki ludowej jest używany głównie jako materiał do improwizacji. Opieranie się na próbkach folklorystycznych pozwala osiągnąć większą elastyczność, „dopasowanie” materiału muzycznego do wymagań nauczyciela w żywym procesie lekcji, ponieważ „wariacja” tkwi w samej naturze folkloru tanecznego.

Wariacja i wariacja to nie jedyne zasady organizacji materiału muzycznego. Nie mniej częsta w konstrukcji kombinacji i etiud jest zasada suit.

Rozważając poszczególne ruchy ćwiczenia, należy przede wszystkim zrozumieć ich naturę i schemat muzyczno-rytmiczny, a także określić, które momenty w danym ruchu są główne, a które przemijające; jaki udział muzyczny jest głównym akcentem w ruchu itp. Jednocześnie nie warto za wszelką cenę osiągać synchronizacji muzyki i ruchu. Muzyka powinna niejako „towarzyszyć” ruchowi tanecznemu, ujawniając wszystkie jego cechy i możliwości, a nie wciskając go w ramy jednej siatki metrycznej – inaczej aranżacja muzyczna staje się monotonna i schematyczna. Wręcz przeciwnie, rytm muzyczny, nie pokrywając się dokładnie z rytmem ruchu tanecznego, może z nim „kontrpunktować”, co przyczynia się do powstania dwóch uzupełniających się planów rytmicznych – tanecznego i muzycznego. Przykłady tego rodzaju często można znaleźć w kombinacjach ruchów perkusyjnych, gdzie płynnej, powolnej pracy rąk towarzyszą ułamkowe, rytmicznie nasycone ruchy nóg.

To samo dotyczy frazowania. Taniec i frazowanie muzyczne korelują ze sobą, umieszczając logiczne akcenty w tkance narracyjnej za pomocą muzycznych kadencji, cezur i pauz. Jednocześnie konieczne jest osiągnięcie konstruktywnej koordynacji fraz tanecznych i muzycznych.

W praktyce edukacyjnej wyróżnia się dwa sposoby muzycznej aranżacji lekcji tańca ludowego: improwizacje muzyczne oraz wykorzystanie literatury muzycznej.

Improwizacja muzyczna jest szeroko stosowana na lekcjach tańca ludowego. Nauczyciel w swojej codziennej pracy również improwizuje, komponując kombinacje ćwiczeń przy drążku lub na środku sali.

Akompaniator jest bezpośrednim asystentem nauczyciela. Znając charakter, rytm, koloryt narodowy oraz elementy składowe zadania szkolenia choreograficznego, potrafi zaproponować odpowiedni temat, metrum i akcenty akompaniamentu muzycznego. Ćwiczeniu prawie w całości towarzyszy muzyczna improwizacja. W układach tanecznych improwizacja przeplata się z gotową formą muzyczną.

Improwizacja musi być ściśle zgodna z podanym przez nauczyciela schematem kombinacji, mieć określony schemat rytmiczny odpowiadający charakterowi ruchów.

Rytm muzyki powinien być bardzo wyraźny 2/4 lub 4/4 lub 3/4, a temat muzyczny powinien być jak najbardziej abstrakcyjny, ponieważ nie powinien pobudzać wyobraźni do działania.

Wszystkie kombinacje lekcji powinny być budowane z uwzględnieniem frazy muzycznej (kwadrat zegarowy) o różnych czasach trwania (4 t-t, 8 t-t, 32 t-t itp.) Istnieje możliwość budowania kombinacji ćwiczeń przy takcie i w środku sala na półtora zdania: 12 t-t, 24 t-t itd.

Najpierw opanowuje się najprostsze muzyczne rytmy.

Na początkowych etapach nauki muzyka powinna być pod każdym względem prosta i przejrzysta, zrozumiała i bliska psychologii uczniów. Dla uczniów kształcących się wybierana jest muzyka bogatsza w treści z intonacjami i złożonymi układami rytmicznymi.

Taniec jest nierozerwalnie związany z muzyką. Poprzez nadanie określonego tempa, metrum i schematu rytmicznego muzyka wydobywa i podkreśla charakterystyczne cechy ruchu. Na lekcjach tańca ludowego prowadzona jest celowa edukacja muzyczna, przy czym zwraca się uwagę nie tylko na kształtowanie rytmu, ale także na emocjonalnie efektywny związek muzyki z tańcem.

Muzykalność tancerza składa się niejako z trzech powiązanych ze sobą elementów wykonawczych:

Umiejętność poprawnego skoordynowania swoich działań z rytmem muzycznym;

Umiejętność świadomego i twórczego entuzjastycznego postrzegania tematu-melodii;

Umiejętność przekazania plastycznie postrzeganej melodii tematu.

Edukacja muzyczna w lekcji tańca ludowego ma na celu pogłębienie wewnętrznego związku między muzyką a tańcem. Sprzyja temu z reguły dobry gust muzyczny akompaniatora i nauczyciela.

Połączenie emocjonalnej i ekspresyjnej jakości ćwiczenia choreograficznego z jego muzyczną podstawą ułatwia właściwe wykonanie materiału muzycznego. Nie powinieneś flirtować z tematami muzycznymi, ponieważ traci się ostrość emocjonalną.

„Notniki” twierdzą, że kształcą słuch ucznia do percepcji próbek literatury muzycznej, kształtują gust muzyczny. Ale nie cała literatura muzyczna nadaje się do projektowania lekcji: często widzisz jedną rzecz, a słyszysz inną. Potrzebne jest doświadczenie i erudycja akompaniatora oraz jego "umiejętności choreograficzne". Często świetni muzycy, towarzyszący lekcjom tańca ludowego, są bezradni. Brakuje im poczucia ruchu.

Improwizatorzy są bardzo wrażliwi, dokładnie odtwarzają to, co sugeruje nauczyciel. Grając pod nogami, ci profesjonaliści doskonale znają swój biznes i wszystkie jego subtelności. Czasami odbiegają od normalnego tempa w trosce o poprawne wykonanie przez studentów studium przypadku w przyszłości.

Dziecięca Szkoła Plastyczna nr 2 im. AG Rozuma, Rzhev

WeselowaT. ORAZ.

KORZYŚCIDLAWEDŁUG MEASTERAWKLASACHOREOGRAFIA

ETAP LUDZITANIEC

Rzew, 2015

1. Rola akompaniatora w lekcjach tańca ludowego - estradowego.

2. Dobór materiału muzycznego do lekcji tańca ludowo - estradowego w klasie choreografii.

3. Lista referencji.

Rola akompaniatora w lekcjach tańca ludowego - scenicznego.

Sztuka tańca nie może istnieć bez muzyki. Dlatego na zajęciach choreograficznych z dziećmi pracuje dwóch nauczycieli – choreograf i muzyk (akompaniator). Dzieci otrzymują nie tylko rozwój fizyczny, ale także muzyczny. Sukces pracy z dziećmi w dużej mierze zależy od tego, jak poprawnie, ekspresyjnie i artystycznie akompaniator wykonuje muzykę, przekazuje jej treść dzieciom. Wyraźne frazowanie, jasne dynamiczne kontrasty pomagają dzieciom usłyszeć muzykę i odzwierciedlić ją w ruchach tanecznych. Lekcje choreografii od początku do końca oparte są na materiale muzycznym. Muzyczny projekt lekcji powinien zaszczepić w uczniach świadomy stosunek do utworu muzycznego - umiejętność usłyszenia frazy muzycznej, poruszania się po naturze muzyki, rytmice, dynamice. Na zajęciach z choreografii studenci zapoznają się z najlepszymi przykładami muzyki ludowej, klasycznej i współczesnej, dzięki czemu kształtuje się ich kultura muzyczna, rozwija się ucho muzyczne i myślenie figuratywne, które pomagają postrzegać muzykę i choreografię w jedności podczas pracy produkcyjnej. Akompaniator dyskretnie uczy dzieci rozróżniania utworów z różnych epok, stylów i gatunków.

Efektywna praca na zajęciach choreograficznych jest możliwa tylko przy współpracy nauczyciela-choreografa i muzyka. Ważne jest, aby akompaniator był przyjacielem i partnerem. Tylko z punktu widzenia kreatywnego podejścia możliwe jest wdrożenie wszystkich pomysłów, uzyskanie wysokich wyników w działaniach performatywnych studentów klas choreograficznych.

Nauka ludowego tańca estradowego rozpoczyna się od ćwiczeń przy drążku i trwa na środku sali. Doboru materiału muzycznego na zajęciach choreograficznych dokonuje akompaniator zgodnie z wymaganiami programowymi choreografa. Ćwiczenia na drążku składają się z określonych ćwiczeń, z których każde ma swoje specyficzne wymagania muzyczne. W trakcie pracy następuje zapoznanie się z układem muzycznym i rytmicznym na prostych przykładach muzycznych. Dla rozwoju wyobraźni wybierane są przykłady muzyczne, które są małe dla percepcji, ale bardzo jasne w charakterze i kolorycie muzycznym, dzięki czemu dzieci po wysłuchaniu tego utworu muzycznego mogą stworzyć mini-etiudę lub wcielić się w określony obraz do danej muzyki.

Praca akompaniatora w szkole artystycznej obejmuje działalność czysto twórczą (artystyczną) i pedagogiczną. Aspekty muzyczne i twórcze przejawiają się w pracy ze studentami wszystkich specjalności. Pedagogiczna strona działania szczególnie wyraźnie ujawnia się w pracy z uczniami klasy wokalnej i choreograficznej.

Umiejętności akompaniatora są bardzo specyficzne. Wymaga od pianisty nie tylko wielkiego kunsztu, ale także wszechstronnych talentów muzycznych i wykonawczych, wykorzystania wszechstronnej wiedzy i umiejętności w zakresie kursów harmonii, solfeżu, polifonii, historii muzyki, analizy dzieł muzycznych, literatury wokalnej i chóralnej, pedagogiki – w ich wzajemne połączenia.

Pełnoprawna aktywność zawodowa akompaniatora zakłada, że ​​posiada on zespół psychologicznych cech osobowości, takich jak duża spostrzegawczość i pamięć, wysoka sprawność, ruchliwość reakcji i zaradność w sytuacjach nieoczekiwanych, wytrwałość i wola, pedagogiczny takt i wrażliwość .

Specyfika pracy akompaniatora w dziecięcej szkole plastycznej wymaga od niego szczególnego uniwersalizmu, mobilności, a także umiejętności w razie potrzeby przejścia do pracy z uczniami różnych specjalności. Akompaniator musi mieć szczególne, bezinteresowne zamiłowanie do swojej specjalności, która (z nielicznymi wyjątkami) nie przynosi zewnętrznego sukcesu – oklasków, kwiatów, zaszczytów i tytułów. Zawsze pozostaje „w cieniu”, jego praca rozpływa się w ogólnej pracy całego zespołu. Akompaniator to powołanie nauczyciela, a jego praca w swoim celu jest zbliżona do pracy nauczyciela.

Praca akompaniatora w klasie choreografii

Przyjrzyjmy się działalności pianisty akompaniatora, który pracuje z dziećmi w różnych grupach wiekowych na zajęciach choreograficznych.

Sztuka tańca nie może istnieć bez muzyki. Dlatego na zajęciach choreograficznych z dziećmi pracuje dwóch nauczycieli – choreograf i muzyk (akompaniator). Dzieci otrzymują nie tylko rozwój fizyczny, ale także muzyczny.

Powodzenie pracy z dziećmi w dużej mierze zależy od tego, jak poprawnie, ekspresyjnie i artystycznie pianista wykonuje muzykę, przekazuje dzieciom jej treść. Wyraźne frazowanie, jasne dynamiczne kontrasty pomagają dzieciom usłyszeć muzykę i odzwierciedlić ją w ruchach tanecznych. Muzyka i taniec w ich harmonijnej jedności jest doskonałym środkiem rozwijania sfery emocjonalnej dzieci, podstawą ich edukacji estetycznej.

Lekcje choreografii od początku do końca oparte są na materiale muzycznym. Muzyczny projekt lekcji powinien zaszczepić w uczniach świadomy stosunek do utworu muzycznego - umiejętność usłyszenia frazy muzycznej, poruszania się po naturze muzyki, rytmice, dynamice. Słuchając muzyki, dziecko porównuje frazy przez podobieństwo i kontrast, uczy się ich wyrazistego znaczenia, śledzi rozwój obrazów muzycznych, tworzy ogólne pojęcie o strukturze utworu, określa jego charakter. Dzieci tworzą podstawowe oceny estetyczne. Na zajęciach z choreografii studenci zapoznają się z najlepszymi przykładami muzyki ludowej, klasycznej i współczesnej, dzięki czemu kształtuje się ich kultura muzyczna, rozwija się ucho muzyczne i myślenie figuratywne, które pomagają postrzegać muzykę i choreografię w jedności podczas pracy produkcyjnej. Akompaniator dyskretnie uczy dzieci rozróżniania utworów z różnych epok, stylów i gatunków.

Części muszą odsłaniać treść muzyki, odpowiadać jej kompozycją, charakterem, dynamiką, tempem, metrorytmią. Muzyka wywołuje reakcje motoryczne i je pogłębia, nie tylko towarzyszy ruchom, ale określa ich istotę. Zatem zadaniem akompaniatora jest rozwijanie „muzykalności” ruchów tanecznych.

1. Zadania edukacji muzycznej

W procesie nauczania choreografii realizowane są następujące zadania edukacji muzycznej:

1. Rozwój percepcji muzycznej metrorytmii;
2. Rytmiczne wykonywanie ruchów do muzyki, umiejętność postrzegania ich w jedności;
3. Umiejętność skoordynowania charakteru ruchu z charakterem muzyki;
4. Rozwój wyobraźni, zdolności artystycznych i twórczych;
5. Zwiększenie zainteresowania uczniów muzyką, rozwijanie umiejętności jej emocjonalnego odbioru;
6. Poszerzanie muzycznych horyzontów dzieci.

W pracy akompaniatora zawsze występują obiektywne trudności. Ma do czynienia z dziećmi w różnym wieku (od początkujących do absolwentów), z nauczycielami różnych stylów tanecznych - choreografii ludowej, tańca klasycznego i nowoczesnego. Wypełnienie każdej lekcji muzyką, zgodnie z wiekiem tancerzy, repertuarem danej kategorii wiekowej oraz kierunkiem tanecznym, nie jest łatwe. Jest tylko jeden sposób - ciągłe doskonalenie, poważne kreatywne podejście do pracy.

2. Obowiązki akompaniatora

Do obowiązków akompaniatora zajęć choreograficznych należy:

1. Dobór repertuaru utworów muzycznych do zajęć, ciągłe poszerzanie bagażu muzycznego i wiedzy o naturze tańca, jego cechach charakterystycznych;
2. Studiowanie doświadczeń pracy nad edukacją estetyczną dzieci w grupach choreograficznych, w szczególności nad rozwojem muzycznym;
3. Zapoznanie się z nowymi metodami „poruszania się do muzyki”;
4. Systematyczna praca nad rozwojem muzycznym tancerzy, ponieważ dzieci wykształcone muzycznie są dużo bardziej wyraziste w tańcu.

Efektywna praca na zajęciach choreograficznych jest możliwa tylko przy współpracy nauczyciela-choreografa i muzyka. I tutaj można mówić o pozycji subiektywnej, ponieważ zgodność psychologiczna, cechy osobiste akompaniatora i choreografa odgrywają niemałą rolę. Do prawdziwej kreatywności potrzebna jest atmosfera życzliwości, łatwości, wzajemnego zrozumienia. Ważne jest, aby akompaniator był przyjacielem i partnerem. Tylko z punktu widzenia kreatywnego podejścia możliwe jest wdrożenie wszystkich pomysłów, uzyskanie wysokich wyników w działaniach performatywnych studentów klas choreograficznych.

3. Wybór utworu muzycznego

Technologia doboru utworów muzycznych oparta jest na głębokiej wiedzy akompaniatora edukacji systemowo-choreograficznej i obejmuje:

1. Znajomość szkół i kierunków sztuki tanecznej;
2. znajomość tradycyjnych form i etapów nauczania choreografii dzieci;
3. znajomość form konstruowania zajęć, obowiązkowych momentów improwizacji;
4. znajomość terminologii choreograficznej (w szczególności w języku francuskim);

Wybór fragmentów muzycznych wymaga spełnienia następujących punktów:

1. postać
2. tempo;
3. metro-rytm (metr, akcenty i wzór rytmiczny);
4. forma utworu muzycznego (jednogłos, dwugłos, trójgłos, wstęp, zakończenie).

Muzyka towarzysząca ćwiczeniom tanecznym musi być stale uzupełniana i urozmaicana, kierując się kryteriami estetycznymi, poczuciem artystycznej proporcji. Ciągłe wybrzmiewanie tego samego marsza lub walca na lekcjach prowadzi do mechanicznego, pozbawionego emocji wykonywania ćwiczeń przez tancerzy. Druga skrajność również jest niepożądana: zbyt częste zmiany akompaniamentów rozpraszają uwagę uczniów; nie przyczynia się do przyswajania i zapamiętywania przez nich ruchów.

4. Metody pracy

Aby rozwinąć „muzykalność” wykonania ruchu tanecznego, stosuje się następujące metody pracy:

1. wzrokowo-słuchowy(słuchanie muzyki podczas pokazywania ruchów przez nauczyciela);
2. werbalny(nauczyciel pomaga zrozumieć treść utworu muzycznego, pobudza wyobraźnię, sprzyja przejawom aktywności twórczej);
3. praktyczny(konkretna aktywność w formie systematycznych ćwiczeń).

W zakresie edukacji muzycznej akompaniator ma możliwość nauczenia dzieci:

1. podkreśl najważniejsze w muzyce;
2. przekazywać ruchem inne znaczenie intonacyjne (rytmiczny, melodyczny, dynamiczny początek).

Można to zrobić na każdym etapie lekcji: zarówno w ćwiczeniach, jak iw etiudach tanecznych.

5. Główne etapy wprowadzania dzieci w akompaniament muzyczny na lekcjach muzyki klasycznej i ludowej.

Pierwszy etap- wstępne zapoznanie się z utworem muzycznym. Oto zadania:

1. zapoznanie uczniów z fragmentami muzycznymi,
2. nauczyć się słuchać i emocjonalnie reagować na wyrażane w nich uczucia.

Druga faza– kształtowanie umiejętności w zakresie muzycznego wykonywania ruchów, postrzegania akompaniamentu muzycznego w jedności z ruchami. Oto zadania:

1. umiejętność wykonywania ruchów zgodnie z charakterem muzyki,
2. dogłębne postrzeganie i przekazywanie nastroju muzyki w ruchu,
3. koordynacja słuchu i charakter ruchów.

Na tym etapie identyfikowane są wszelkie nieścisłości w wykonaniu, korygowane są błędy i stopniowo opracowywane są optymalne techniki wykonywania zadań choreograficznych. Ten etap trwa długo. Istnieje staranny dobór materiału muzycznego dla każdej części klasycznego i ludowego ćwiczenia scenicznego zgodnie z wymaganiami (kwadratowość, wzór rytmiczny, charakter melodii, obecność uderzenia, cechy metrorytmiczne, tempo, wielkość ).

Trzeci etap- kształcenie i utrwalanie umiejętności, czyli automatyzacja sposobów wykonywania zadań w ścisłej zgodności z charakterem, tempem, układem rytmicznym fragmentu muzycznego. Stawia przed sobą następujące zadania: emocjonalne wykonywanie ćwiczeń ruchowych, rozwijanie samodzielnej aktywności twórczej dzieci. Na tym etapie wszystko, co zostało wypracowane w procesie uczenia się na drugim etapie, jest naprawione. Kontrola słuchowa i wizualna jest wspomagana przez kontrolę motoryczną.

Zautomatyzuj sposób wykonywania zadania. Studenci świadomie rozwiązują postawione przed nimi zadania, opierając się na nabytych umiejętnościach słuchania i tańca. W procesie systematycznej pracy uczniowie nabywają umiejętności słuchania muzyki, zapamiętywania jej i rozpoznawania. Są nasycone treścią dzieła, pięknem formy, obrazami. Dzieci rozwijają zainteresowanie i miłość do muzyki. Poprzez muzyczne obrazy dzieci poznają piękno otaczającej ich rzeczywistości.

Podstawowe dyscypliny w choreografii to klasyczny i ludowy taniec estradowy. Naukę tańca klasycznego zwykle rozpoczyna się od nauki ćwiczenia klasycznego, które jest główną częścią lekcji (ćwiczenia z kijem, na środku sali i allegro). Naukę tańca ludowego rozpoczyna się również od nauki ćwiczeń przy kiju i na środku sali. Doboru materiału muzycznego na zajęciach choreograficznych dokonuje akompaniator zgodnie z wymaganiami programowymi choreografa. Ćwiczenie z kijem składa się z określonych ćwiczeń, z których każde ma swoje specyficzne wymagania muzyczne. W pierwszym roku nauki dzieci angażują się w rytm. W tym momencie rozwija się prawidłowa koordynacja ruchów, rozwija się ustawienie tułowia, głowy, ramion, mięśni nóg. W trakcie tych lekcji zdobywają wiedzę na temat organizacji rytmicznej, rozmiarów, obrazów muzycznych, które ucieleśniają w tańcach i etiudach.

W trakcie pracy zapoznaje się z muzyką i układem rytmicznym marsza, polki, walca, mazurka, poloneza na prostych przykładach muzycznych. Do rozwoju myślenia figuratywnego wybierane są nieduże i łatwe do zauważenia przykłady muzyczne, ale bardzo jasne w charakterze i kolorycie muzycznym, dzięki którym dzieci po wysłuchaniu tego utworu muzycznego mogły stworzyć mini-etiudę, czyli ucieleśniają określony obraz do określonej muzyki („Klowny”, „Morze się martwi” itp.).

Na kolejnym etapie nauki dzieci ponownie stykają się z tymi tańcami lub ruchami, ale na bardziej złożonym materiale muzycznym.

Na drugim roku nauki choreografii taniec klasyczny jest wprowadzany jako podstawa wszystkich kolejnych szkoleń, zbudowana na najlepszych przykładach światowej sztuki choreograficznej.

W pierwszym roku nauki tańca klasycznego dzieci otrzymują podstawowe wstępne wyobrażenia na jego temat. Na początkowym etapie odbywa się to na znanym lub nieskomplikowanym materiale muzycznym, dzięki czemu uczniom łatwiej jest zorganizować swoje ruchy zgodnie z muzyką. Ponadto kombinacje stają się bardziej skomplikowane, materiał muzyczny staje się bardziej skomplikowany.

Akompaniament muzyczny lekcji tańca powinien być bardzo dokładny, przejrzysty i sprawnie zorganizowany, ponieważ od tego zależy rozwój muzyczny uczniów. Akompaniator musi bardzo jasno określać sobie zadania każdego roku studiów (zarówno na lekcjach estrady ludowej, jak i tańca klasycznego), a także wykazywać się nie suchym przestrzeganiem zaleceń nut do choreografii, ale indywidualnym podejściem twórczym w wybór lekcji aranżacji muzycznych.

Zatrzymajmy się nad zasadami podejścia akompaniatora do doboru fragmentów muzycznych do lekcji ćwiczeń klasycznych z kijem. Klasyczne ćwiczenia przez cały okres szkolenia mają pewien zestaw elementów, które są badane z roku na rok, ale w miarę ich opanowywania stają się coraz bardziej skomplikowane i łączone. Oprawa muzyczna lekcji tańca klasycznego powinna być bardzo zróżnicowana zarówno pod względem melodycznym, jak i rytmicznym. Charakter rytmów często zmienia się w trakcie lekcji. Kiedy bada się nową część lub poszczególne jej elementy, rytm powinien być prosty, melodia nieskomplikowana, przystępna. Następnie w trakcie pracy materiał muzyczny staje się bardziej złożony, układ rytmiczny w obrębie taktu komplikuje się, zmienia się kształt i wielkość fragmentu muzycznego, zwłaszcza w skokach lub gdy różne ćwiczenia łączą się w jedną kombinację. Oprócz wykorzystania materiału muzycznego możliwe i pożądane są improwizacje muzyczne pianisty.

6. Zasady doboru fragmentów muzycznych do ćwiczeń klasycznych.

Fragmenty muzyczne do ćwiczeń klasycznych muszą mieć następujące właściwości:

1. Rzetelność.
2. Pewny schemat rytmiczny i tempo.
3. Obecność wyzwalaczy.
4. Funkcje tempa i metryki.

Podsumowując powyższe, jeszcze raz pragnę zwrócić uwagę na specyfikę pracy akompaniatora w klasie choreografii. Musi umieć zastosować swoją wiedzę, wykazać się opanowaniem techniki, a jednocześnie wykazać się kunsztem i wszechstronnymi talentami muzycznymi i wykonawczymi.

Tekstowa wersja HTML publikacji

Weselowa

T
.
ORAZ
.
METODOLOGICZNE

KORZYŚCI

UWAGI

DODATEK

WEDŁUG MEASTERA

KLASA

CHOREOGRAFIA

ETAP LUDZI

TANIEC
Rzew, 2015

Treść
1. Rola akompaniatora w lekcjach tańca ludowego - estradowego. 2. Wymagania dotyczące doboru materiału muzycznego (muzycznego) do lekcji tańca ludowego - scenicznego. 3. Główne etapy wprowadzania dzieci w świat akompaniamentu muzycznego. 4. Dobór materiału muzycznego do lekcji tańca ludowo-estradowego w klasie choreografii. 5. Lista referencji.

Rola akompaniatora w lekcjach tańca ludowego - scenicznego.
Praca akompaniatora obejmuje działalność twórczą (artystyczną) i pedagogiczną. Umiejętności akompaniatora są bardzo specyficzne. Wymaga to od niego nie tylko wielkiego kunsztu, ale także wszechstronnych talentów muzycznych i wykonawczych. Pełnoprawna aktywność zawodowa akompaniatora zakłada, że ​​posiada on zespół psychologicznych cech osobowości, takich jak duża spostrzegawczość i pamięć, wysoka sprawność, ruchliwość reakcji i zaradność w sytuacjach nieoczekiwanych, wytrwałość i wola, pedagogiczny takt i wrażliwość . Sztuka tańca nie może istnieć bez muzyki. Dlatego na zajęciach choreograficznych z dziećmi pracuje dwóch nauczycieli – choreograf i muzyk (akompaniator). Dzieci otrzymują nie tylko rozwój fizyczny, ale także muzyczny. Sukces pracy z dziećmi w dużej mierze zależy od tego, jak poprawnie, ekspresyjnie i artystycznie akompaniator wykonuje muzykę, przekazuje jej treść dzieciom. Wyraźne frazowanie, jasne dynamiczne kontrasty pomagają dzieciom usłyszeć muzykę i odzwierciedlić ją w ruchach tanecznych. Muzyka i taniec w ich harmonijnej jedności jest doskonałym środkiem rozwijania sfery emocjonalnej dzieci, podstawą ich edukacji estetycznej. Lekcje choreografii od początku do końca oparte są na materiale muzycznym. Muzyczny projekt lekcji powinien zaszczepić w uczniach świadomy stosunek do utworu muzycznego - umiejętność usłyszenia frazy muzycznej, poruszania się po naturze muzyki, rytmice, dynamice. Słuchając muzyki, dziecko porównuje frazy przez podobieństwo i kontrast, uczy się ich wyrazistego znaczenia, śledzi rozwój obrazów muzycznych, tworzy ogólne pojęcie o strukturze utworu, określa jego charakter. Dzieci tworzą podstawowe oceny estetyczne. Na zajęciach z choreografii studenci zapoznają się z najlepszymi przykładami muzyki ludowej, klasycznej i współczesnej, dzięki czemu kształtuje się ich kultura muzyczna, rozwija się ucho muzyczne i myślenie figuratywne, które pomagają postrzegać muzykę i choreografię w jedności podczas pracy produkcyjnej. Akompaniator dyskretnie uczy dzieci rozróżniania utworów z różnych epok, stylów i gatunków. Części muszą odsłaniać treść muzyki, odpowiadać jej kompozycją, charakterem, dynamiką, tempem, metrorytmią. Muzyka wywołuje reakcje motoryczne i je pogłębia, nie tylko towarzyszy ruchom, ale określa ich istotę. Zatem zadaniem akompaniatora jest rozwijanie „muzykalności” ruchów tanecznych. Do obowiązków akompaniatora zajęć choreograficznych należy:  dobór repertuaru utworów muzycznych do zajęć, stałe poszerzanie muzycznego bagażu i wiedzy o naturze tańca, jego charakterystycznych cechach;
 studiowanie doświadczeń pracy nad edukacją estetyczną dzieci w zespołach choreograficznych, w szczególności nad rozwojem muzycznym;  Zapoznanie się z nowymi metodami „poruszania się do muzyki”;  systematyczna praca nad rozwojem muzycznym tancerzy, ponieważ dzieci wykształcone muzycznie są dużo bardziej wyraziste w tańcu. Efektywna praca na zajęciach choreograficznych jest możliwa tylko przy współpracy nauczyciela-choreografa i muzyka. I tutaj można mówić o pozycji subiektywnej, ponieważ istotną rolę odgrywa zgodność psychologiczna, cechy osobiste akompaniatora i choreografa. Do prawdziwej kreatywności potrzebna jest atmosfera życzliwości, łatwości, wzajemnego zrozumienia. Ważne jest, aby akompaniator był przyjacielem i partnerem. Tylko z punktu widzenia kreatywnego podejścia możliwe jest wdrożenie wszystkich pomysłów, uzyskanie wysokich wyników w działaniach performatywnych studentów klas choreograficznych.
2.

Wymagania

wybór

musical

(muzyka)

materiał

lekcje tańca ludowego - estradowego.
Technologia doboru utworów muzycznych oparta jest na głębokiej wiedzy akompaniatora z zakresu systemowego kształcenia choreograficznego i zakłada:  znajomość szkół i dziedzin sztuki tańca;  znajomość tradycyjnych form i etapów nauczania choreografii dzieci;  znajomość form konstruowania zajęć, obowiązkowych momentów improwizacji;  znajomość terminologii choreograficznej (w szczególności w języku francuskim). Do wyboru fragmentów muzycznych wymagane są następujące punkty:  charakter;  tempo;  metrorytm (metr, akcenty i układ rytmiczny);  forma utworu muzycznego (jednogłosowy, dwugłosowy, trójgłosowy, wstęp, zakończenie). Fragmenty muzyczne powinny mieć następujące właściwości:  prostokątność;  określony wzorzec rytmiczny i tempo;  tempo i cechy metryczne. Muzyka towarzysząca ćwiczeniom tanecznym musi być stale uzupełniana i urozmaicana, kierując się kryteriami estetycznymi, poczuciem artystycznej proporcji.
W zakresie edukacji muzycznej akompaniator ma możliwość nauczenia dzieci:  podkreślania najważniejszej rzeczy w muzyce;  przekazywać ruchem inne znaczenie intonacyjne (rytmiczny, melodyczny, dynamiczny początek). Można to zrobić na każdym etapie lekcji: zarówno w ćwiczeniach, jak iw etiudach tanecznych.
3.

Główny

gradacja

znajomy

dzieci

musical

eskorta.

Pierwszy scena- wstępne zapoznanie się z utworem muzycznym. Tutaj stawiane są zadania:  zapoznanie uczniów z fragmentami muzycznymi,  nauka słuchania i emocjonalnego reagowania na wyrażane w nich uczucia. Druga faza– kształtowanie umiejętności w zakresie muzycznego wykonywania ruchów, postrzegania akompaniamentu muzycznego w jedności z ruchami. Postawiono tu następujące zadania:  umiejętność wykonywania ruchów zgodnie z charakterem muzyki,  pogłębione postrzeganie i przekazywanie nastroju muzyki w ruchu,  koordynacja słuchu i charakteru ruchów. Na tym etapie identyfikowane są wszelkie nieścisłości w wykonaniu, korygowane są błędy i stopniowo opracowywane są optymalne techniki wykonywania zadań choreograficznych. Ten etap trwa długo. Istnieje staranny dobór materiału muzycznego zgodnie z wymaganiami. Trzeci etap- kształcenie i utrwalanie umiejętności, czyli automatyzacja sposobów wykonywania zadań w ścisłej zgodności z charakterem, tempem, układem rytmicznym fragmentu muzycznego. Stawia przed sobą następujące zadania: emocjonalne wykonywanie ćwiczeń ruchowych, rozwijanie samodzielnej aktywności twórczej dzieci. Na tym etapie wszystko, co było praktykowane w procesie uczenia się na drugim etapie, jest utrwalane, kontrola słuchowa i wzrokowa jest wzmacniana przez kontrolę motoryczną. Zautomatyzuj sposób wykonywania zadania. Studenci świadomie rozwiązują postawione przed nimi zadania, opierając się na nabytych umiejętnościach słuchania i tańca. W procesie systematycznej pracy uczniowie nabywają umiejętności słuchania muzyki, zapamiętywania jej i rozpoznawania. Są nasycone treścią dzieła, pięknem formy, obrazami. Dzieci rozwijają zainteresowanie i miłość do muzyki. Poprzez muzyczne obrazy dzieci poznają piękno otaczającej ich rzeczywistości. Nauka ludowego tańca estradowego rozpoczyna się od ćwiczeń przy drążku (drążku) i jest kontynuowana na środku sali. Doboru materiału muzycznego na zajęciach choreograficznych dokonuje akompaniator zgodnie z wymaganiami programowymi choreografa. Ćwiczenie ze sztangą (kijem) składa się z określonych ćwiczeń, z których każde jest prezentowane z własnymi
pewne wymagania muzyczne. W trakcie pracy następuje zapoznanie się z układem muzycznym i rytmicznym na prostych przykładach muzycznych. Dla rozwoju wyobraźni wybierane są przykłady muzyczne, które są małe dla percepcji, ale bardzo jasne w charakterze i kolorycie muzycznym, dzięki czemu dzieci po wysłuchaniu tego utworu muzycznego mogą stworzyć mini-etiudę lub wcielić się w określony obraz do danej muzyki. Na początkowym etapie szkolenia dzieci otrzymują podstawowe wstępne pomysły dotyczące tańca. Odbywa się to na znanym lub nieskomplikowanym materiale muzycznym, aby ułatwić uczniom organizowanie ruchów zgodnie z muzyką. Ponadto kombinacje stają się bardziej skomplikowane, materiał muzyczny staje się bardziej skomplikowany. Na kolejnym etapie nauki dzieci ponownie stykają się z tymi tańcami lub ruchami, ale na bardziej złożonym materiale muzycznym. Akompaniament muzyczny lekcji tańca powinien być bardzo dokładny, przejrzysty i sprawnie zorganizowany, ponieważ od tego zależy rozwój muzyczny uczniów. Akompaniator musi bardzo jasno określić sobie zadania każdego roku studiów, a także wykazać się nie suchym przestrzeganiem zaleceń nut do choreografii, ale indywidualnym twórczym podejściem w doborze projektu muzycznego do lekcji. Podsumowując powyższe, jeszcze raz pragnę zwrócić uwagę na specyfikę pracy akompaniatora w klasie choreografii. Musi umieć zastosować swoją wiedzę, wykazać się opanowaniem techniki, a jednocześnie wykazać się kunsztem i wszechstronnymi talentami muzycznymi i wykonawczymi.
Za pomocą

bylina

doświadczenie

praca

I,

koordynacja

z

choreograf

odebrać

moje

musical

(muzyka)

repertuar.

Do

odnaleźć

muzykę odpowiednią do każdego ruchu, trzeba posortować

wiele

partytura muzyczna

literatura.

Odbieranie

niezbędny

musical

materiału i uzgodnienie go z choreografem zgodnie z konstrukcją

lekcji, stworzyłem ten podręcznik.

Wybór materiału muzycznego do lekcji muzyki ludowej - estradowej

taniec w klasie choreografii.

Ćwiczenia maszynowe.
1.
Plie
- w naturze tańca ukraińskiego. Rozmiar muzyczny 4/4. „Liryka ukraińska”
2.
Tendu batementu
- w naturze tańca estońskiego. Rozmiar muzyczny 3/4. "Bielizna"
3.
Odrzutowiec tendu battement
- w naturze tańca włoskiego. Rozmiar muzyczny 6/8. "Tarantela"

4.
Tendu na pięcie
- w naturze tańca rosyjskiego. Rozmiar muzyczny 2/4. „Ach, Samara to małe miasteczko!” pięć.
flik-flak
- rozmiar muzyczny 2/4. „polka słowacka”

6.
Rond de ościeżnica par terre et rond de pied
- w naturze tańca białoruskiego. Rozmiar muzyczny 4/4. „Juraczka”
7.
Battementowe fondue
- w naturze tańca mołdawskiego. Rozmiar muzyczny 6/8. „Hora”
8.
Przygotowanie do liny
- w naturze tańca rosyjskiego. Rozmiar muzyczny 2/4. „Jak cienki lód”
9.
Rozwój battementu
– po węgiersku. Rozmiar muzyczny 2/4. „Węgierski taniec ludowy”
10
. wielki odrzutowiec bojowy
- - w ukraińskim znaku. Rozmiar muzyczny 2/4. „Gopak”

Ćwiczenia na środku sali.
1. Kombinacja skoków.
2. Kombinacja nawijaczy.
3. Zbieracz na skokach.
4. Kombinacja klawiszy.
5. Kombinacja lin.

6. Ułamek.

7. Przeciążenia.
8. Szkic tańca węgierskiego.
9. Szkic tańca białoruskiego.


Przekątna.
1. Bieganie w zakręcie z uderzeniem w podłogę.
2. Połączenie nawijarki z zbieraczem.

C P I S O K L I T E R A T U R Y: 1. M. Tovpeko. Repertuar pedagogiczny akordeonisty (akordeonisty) 3-4 kl. Dziecięcej Szkoły Artystycznej. Briańsk. 2005 2. „Początkowy kurs gry na akordeonie guzikowym”. Opracował: A. Iwanow. Moskwa. Muzyka. 2000 3. „Bayan w szkole muzycznej”. Wydanie 36. Przedstawienia dla klas 3-4. Sankt Petersburg. Kompozytor. 2000 4. Szkoła Muzyczna „Bayan klasa 3”. Opracował: I.D. Aleksiejew, N.I. Korecki. Moskwa. Kifara.2004 5. Szkoła muzyczna dla dzieci „Bayan 4 klasa”. Opracował: I.D. Aleksiejew, N.I. Korecki Moskwa. Kifara. 2004 6. „Bayan 4. klasa”. Repertuar edukacyjny szkoły muzycznej. Kijów. Muzyczna Ukraina. 2001 7. „Szkoła gry na akordeonie guzikowym”. Opracował: Yu Akimov Moskwa. Muzyka. 2008 8. Album dla początkującego akordeonisty. Wydanie 33. Moskwa. Kompozytor. 2000 9. Czytelnik akordeonisty. Dziecięca szkoła muzyczna 3-4 klasy. Moskwa. Muzyka. 2000 10. Czytnik akordeonowy. 3-4 klasy szkoły muzycznej. Moskwa. Muzyka. 2000 11. Czytnik akordeonowy. Starsze klasy dziecięcej szkoły muzycznej. Moskwa. Muzyka 2000 12. Album początkującego akordeonisty nr 22. Opracował: A. Talakin Moscow Composer. 2000 13. Melodie ludowe na akordeon guzikowy (akordeon). Sankt Petersburg. Kompozytor. 2007 14. A.Mirek. Nauka gry na akordeonie. Salon instrumentów muzycznych. Porozumienie 2000 15. Pieśni i tańce ludowe w opracowaniu na akordeon guzikowy. Wydanie 18. Sankt Petersburg. Kompozytor. 2008 16. Akwarela muzyczna. Utwory na akordeon. Wydanie 9. Moskwa. Kompozytor. 2000 17. Do młodego muzyka grającego na akordeonie. szkoła muzyczna V kl. "Feniks". Rostów nad Donem 2010 18. R. N. Bazhilin. Szkoła akordeonowa. Wydawnictwo Włodzimierza Katańskiego. Moskwa. 2008 19. V. Siemionow. Nowoczesna szkoła gry na akordeonie. "Muzyka". Moskwa. 2010 20. Czytnik akordeonowy. Szkołę Muzyczną dla dzieci V kl. Opracowali V. Nesterov i A. Chinyakov. Moskwa. Muzyka. 2000

W pracy akompaniatora zawsze występują obiektywne trudności. Ma do czynienia z dziećmi w różnym wieku (od początkujących do absolwentów), z nauczycielami różnych stylów tanecznych - choreografii ludowej, tańca klasycznego i nowoczesnego. Wypełnienie każdej lekcji muzyką, zgodnie z wiekiem tancerzy, repertuarem danej kategorii wiekowej oraz kierunkiem tanecznym, nie jest łatwe. Jest tylko jeden sposób - ciągłe doskonalenie, poważne kreatywne podejście do pracy.

Do obowiązków akompaniatora zajęć choreograficznych należy:

Dobór repertuaru utworów muzycznych na zajęcia,
nieustanne poszerzanie bagażu muzycznego i wiedzy o naturze tańca, jego
charakterystyczne cechy;

Studiując doświadczenia pracy nad edukacją estetyczną dzieci w
grupy choreograficzne, w szczególności dotyczące rozwoju muzycznego;

Zapoznanie się z nowymi metodami „poruszania się do muzyki”;

Systematyczna praca nad rozwojem muzycznym tancerzy, bo
że dzieci wykształcone muzycznie są znacznie bardziej ekspresyjne w tańcu.
Efektywna praca na zajęciach choreograficznych jest możliwa tylko wspołeczność pedagoga-choreografa i muzyka. I tutaj możemy mówić opozycja subiektywna, bo psychologicznakompatybilność, cechy osobiste akompaniatora i choreografa. Doprawdziwa kreatywność potrzebuje atmosfery życzliwości, swobody,wzajemne zrozumienie. Ważne jest, aby akompaniator był inny i był partnerem. Tylko z punktu widzenia kreatywnego podejścia możliwe jest wdrożenie wszystkich pomysłów, uzyskanie wysokich wyników w działaniach performatywnych studentów klas choreograficznych.

Programy i plany działają na zajęciach choreograficznych nauczycielachoreograf. Akompaniator często musi pracować z kilkomanauczycieli, a na gotowy program najczęściej przychodzi akompaniator.
Tematyczne planowanie materiałów edukacyjnych dotyczących choreografii jest również wykonywane przez nauczyciela. Akompaniator musi znać zarówno program, jak i plan każdego roku studiów oraz plan każdej lekcji. Współtworzenie nauczyciela-choreografa i akompaniatora jest konieczne we wszystkich obszarach (planowanie, realizacja programów pracy wychowawczej i inscenizacyjnej). Konstrukcja lekcji nie zależy od akompaniatora, decyduje choreograf. Ale jaki będzie powrót, na jakim poziomie emocjonalnym przejdą, w dużej mierze zależy od muzyka, od wybranej i zaproponowanej przez niego muzyki.
Technologia doboru utworów muzycznych oparta jest na głębokiej wiedzy akompaniatora edukacji systemowo-choreograficznej i obejmuje:

Znajomość szkół i kierunków sztuki tanecznej;

znajomość tradycyjnych form i etapów nauczania choreografii dzieci;

znajomość form konstruowania zajęć, obowiązkowa improwizacja
chwile;

znajomość terminologii choreograficznej (w szczególności nt
Francuski);

Wybór fragmentów muzycznych wymaga spełnienia następujących punktów:

postać

tempo;

metro-rytm (metr, akcenty i wzór rytmiczny);

forma utworu muzycznego (jednogłosowa, dwugłosowa,
trójstronna, wstęp, zakończenie);


Muzyka towarzysząca ćwiczeniom tanecznym musi być staleuzupełniać i urozmaicać, kierując się kryteriami estetycznymi, poczuciem artystycznej proporcji. Ciągłe wybrzmiewanie tego samego marsza lub walca na lekcjach prowadzi do mechanicznego, pozbawionego emocji wykonywania ćwiczeń przez tancerzy. Druga skrajność jest również niepożądana: zbyt częste zmiany akompaniamentu rozpraszają uwagę uczniów, nie sprzyjają przyswajaniu i zapamiętywaniu ruchów.
Rozwój muzyczny na lekcjach choreografii odbywa się za pomocąokreślone metody i techniki. Podstawowym źródłem wiedzy jest sama muzyka, dopiero ona budzi w człowieku „muzyczne” uczucia. Na początku trwają prace nad gromadzeniem doświadczeń w słuchaniu muzyki. Drugim źródłem wiedzy jest słowo nauczyciela i akompaniatora, które prowadzi do zrozumienia i postrzegania obrazu muzycznego konkretnych utworów muzycznych. Trzecim źródłem są bezpośrednio zajęcia muzyczno-taneczne samych dzieci.

Aby rozwinąć „muzykalność” wykonania ruchu tanecznego, stosuje się następujące metody pracy:

wzrokowo-słuchowe (słuchanie muzyki podczas pokazywania ruchów przez nauczyciela);

werbalne (nauczyciel pomaga zrozumieć treść musicalu
działa, pobudza wyobraźnię, sprzyja manifestacji aktywności twórczej);

praktyczny (konkretna aktywność w formie systematycznej
ćwiczenia);

W trakcie zajęć iw przerwach między nimi akompaniator zapoznaje dzieci z coraz to nowymi utworami muzycznymi, gromadzi ich wrażenia słuchowe. Akompaniator nie ma specjalnych lekcji, ale zawsze są małe przerwy, które można wypełnić muzyką i przyciągnąć uwagę dzieci. Rozwijając dziecięcą wyobraźnię, spostrzegawczość, fantazję, warto zastosować metodę słuchania fragmentu lub utworu muzyki klasycznej, po czym następuje krótka rozmowa. Metoda nie jest nowa, ale uzasadnia się. Wynik tej pracy jest zawsze pozytywny: ruchy dzieci stopniowo stają się bardziej wyraziste, tj. następuje zbieżność muzyczno-słuchowych form percepcji z wizualno-motorycznymi. Dzieci uczą się kontrolować swoje ruchy i wykonywać
ich harmonijne.

W zakresie edukacji muzycznej akompaniator ma możliwość nauczenia dzieci:

podkreśl najważniejsze w muzyce;

przekazywać ruchem inne znaczenie intonacyjne (rytmiczne,
melodyjny, dynamiczny początek).

Można to zrobić na każdym etapie lekcji: zarówno w ćwiczeniach, jak iw etiudach tanecznych.
Główną ideą muzyczną zawartą w utworze jest melodia, podstawa muzyki. Najważniejszym elementem muzyki jest rytm. Cechą charakterystyczną - przeplatanie się ciężkich dźwięków z lżejszymi - jest pojęcie metrum w muzyce. Tempo jako prędkość jest zasadniczo takie samo zarówno w muzyce, jak iw tańcu. Tańczące dzieci powinny znać, rozumieć, definiować wszystkie te cechy. I to jest podstawa umiejętności muzycznych. Rytm, melodia, metrum, harmonia, barwa – wszystko razem składa się na język muzyki, a akompaniator uczy dzieci go rozumieć. Subtelne poczucie percepcji muzyki rozwija się u dzieci podczas kontaktu organicznego
ruch i fraza muzyczna (początek i koniec). Koncertmistrz uczy
wykonanie „komend”: początek melodii – początek ruchu, koniec melodii – koniec ruchu. Rozwijana jest umiejętność wpasowania się w frazę muzyczną.

Rozważ główne etapy wprowadzania dzieci w akompaniament muzyczny na lekcjach ćwiczeń scenicznych klasycznych i ludowych.

Pierwszy etap- wstępne zapoznanie się z utworem muzycznym.

Tutaj stawiane są zadania: zapoznanie uczniów z fragmentami muzycznymi, nauczenie ich słuchania i emocjonalnego reagowania na wyrażane w nich uczucia, umiejętność dokładnego przeprowadzenia przygotowania podczas wprowadzenia.

W procesie opanowywania nowego materiału muzycznego, słuchowego,
analizatory wizualne i motoryczne. Dlatego materiał jest podany w formie holistycznej, a nie fragmentarycznej. Nauczyciel-choreograf pokazuje ruchy do akompaniamentu muzycznego (pierwszy etap to jedna lub dwie lekcje).

Druga faza– kształtowanie umiejętności w zakresie muzycznego wykonywania ruchów, postrzegania akompaniamentu muzycznego w jedności z ruchami.Tutaj stawiane są zadania: umiejętność wykonywania ruchów zgodnie z charakterem muzyki, dogłębne postrzeganie i przekazywanie nastroju muzyki w ruchu, koordynacja słuchu i charakteru ruchów. Na tym etapie identyfikowane są wszelkie nieścisłości w wykonaniu, korygowane są błędy i stopniowo opracowywane są optymalne techniki wykonywania zadań choreograficznych. Ten etap trwa długo.Istnieje staranny dobór materiału muzycznego dla każdej częścićwiczenia na scenie klasycznej i ludowej wgwymagania (kwadratowość, wzór rytmiczny, charakter melodii, obecność poza rytmem, cechy metrorytmiczne, tempo, wielkość).
Trzeci etap– edukacja i utrwalanie umiejętności, czyli automatyzacja
sposoby wykonywania zadań w ścisłej zgodności z charakterem, tempem, układem rytmicznym fragmentu muzycznego.Wyznacza następujące zadania:
emocjonalnie ekspresyjne wykonywanie ćwiczeń ruchowych, rozwójniezależna twórczość dzieci. Na tym etapie wszystko, co zostało wypracowane w procesie uczenia się na drugim etapie, jest naprawione. Kontrola słuchowa i wizualna jest wspomagana przez kontrolę motoryczną. Zautomatyzuj sposób wykonywania zadania. Studenci świadomie rozwiązują postawione przed nimi zadania, opierając się na nabytych umiejętnościach słuchania i tańca. W procesie systematycznej pracy uczniowie nabywają umiejętności słuchania muzyki, zapamiętywania jej i rozpoznawania. Są nasycone treścią dzieła, pięknem formy, obrazami. Dzieci rozwijają zainteresowanie i miłość do muzyki. Poprzez muzyczne obrazy dzieci poznają piękno otaczającej ich rzeczywistości.

Podstawowe dyscypliny w choreografii to klasyczny i ludowy taniec estradowy. Naukę tańca klasycznego zwykle rozpoczyna się od nauki ćwiczenia klasycznego, które jest główną częścią lekcji (ćwiczenia z kijem, na środku sali i allegro).

Naukę tańca ludowego rozpoczyna się również od nauki ćwiczeń przy kiju i na środku sali.
Na zajęciach z choreografii prowadzony jest dobór materiału muzycznegokoncertmistrza zgodnie z wymaganiami programowymi choreografa.
Ćwiczenie z kijem składa się z określonych ćwiczeń, z których każde ma swoje specyficzne wymagania muzyczne. Na pierwszym lub drugim roku studiów dzieci zajmują się choreografią publiczną. W tym momencie rozwija się prawidłowa koordynacja ruchów, rozwija się ustawienie tułowia, głowy, ramion, mięśni nóg. W trakcie tych lekcji zdobywają wiedzę na temat organizacji rytmicznej, rozmiarów, obrazów muzycznych, które ucieleśniają w tańcach i etiudach.
W trakcie pracy zapoznaje się z muzyką i układem rytmicznym marsza, polki, walca, mazurka, poloneza na prostych przykładach muzycznych.
Do rozwoju myślenia figuratywnego wybierane są nieduże i łatwe do zauważenia przykłady muzyczne, ale bardzo jasne w charakterze i kolorycie muzycznym, dzięki którym dzieci po wysłuchaniu tego utworu muzycznego mogły stworzyć mini-etiudę, czyli ucieleśniają określony obraz do określonej muzyki („Małpy”, „Morze się martwi” itp.).
Na kolejnym etapie edukacji dzieci ponownie stykają się z tymi tańcami czy ruchami na lekcjach, ale już na bardziej złożonym materiale muzycznym.
Na trzecim roku choreografii wprowadzany jest taniec klasyczny, który później jest podstawą wszystkich zajęć tanecznych.
W pierwszym roku nauki tańca klasycznego dzieci otrzymują podstawowe wstępne wyobrażenia na jego temat. Na początkowym etapie odbywa się to na znanym lub niezbyt trudnym poziomiemateriał muzyczny, aby ułatwić uczniom zorganizowanie ruchu zgodnie z muzyką. Ponadto kombinacje stają się bardziej skomplikowane, materiał muzyczny staje się bardziej skomplikowany. Widać to na konkretnych przykładach: na lekcji wykorzystano marsz do muzyki, aby rozwinąć poczucie rytmu i koordynację ruchów z muzyką. Na początku ćwiczenia przebiegają w tym samym tempie, aw miarę ich opanowania w różnych tempach: z przyspieszeniem lub zwolnieniem, z pauzami, z inną organizacją rytmiczną. Plie w początkowej fazie jest wykonywana w metrum 4/4, następnie w ¾.
Akompaniament muzyczny lekcji tańca powinien być bardzo dokładny, przejrzysty i sprawnie zorganizowany, ponieważ od tego zależy rozwój muzyczny uczniów. Akompaniator musi bardzo jasno określać sobie zadania każdego roku studiów (zarówno na lekcjach estrady ludowej, jak i tańca klasycznego), a także wykazywać się nie suchym przestrzeganiem zaleceń nut do choreografii, ale indywidualnym podejściem twórczym w wybór lekcji aranżacji muzycznych.

Zastanówmy się nad zasadami podejścia akompaniatora do wyboru muzykifragmenty do lekcji ćwiczeń klasycznych z kijem. Klasyczne ćwiczenia w trakcie całego treningu mają pewien zestaw elementów, które są badane z roku na rok, ale w miarę ich opanowywania stają się coraz bardziej złożone i łączone. Oprawa muzyczna lekcji tańca klasycznego powinna być bardzo zróżnicowana zarówno pod względem melodycznym, jak i rytmicznym. Charakter rytmów często zmienia się w trakcie lekcji. Podczas studiowania nowej części lub jej poszczególnych elementów rytm powinien być prosty, melodia nieskomplikowana, przystępna. Następnie w trakcie pracy materiał muzyczny staje się bardziej skomplikowany, rytmiczny
rysując wewnątrz taktu zmienia się kształt i rozmiar fragmentu muzycznego, zwłaszcza w skokach lub przy łączeniu różnych ćwiczeń w jednopołączenie. Oprócz wykorzystania materiału muzycznego możliwe i pożądane są improwizacje muzyczne wykonywane przez muzyka.

Fragmenty muzyczne do ćwiczeń klasycznych muszą mieć następujące właściwości:

1. Kwadratowość.
Na początkowym etapie bardzo ważne jest, aby pracę można było podzielić na kwadraty. Oznacza to, że jeden ruch wykonuje się 4 razy: krzyżem - do przodu, na boki, do tyłu, na boki. Kwadrat składa się z taktów w metrum 2/4 lub 4/4. W przyszłości, w miarę zdobywania techniki tańca, tempo przyspiesza, ale prostopadłość pozostaje. Na przykład kompilowana jest kombinacja dwóch ruchów na kwadracie - jest to równoznaczne z frazą składającą się z ośmiu taktów: jeden ruch - 1 takt lub trzy
ruchy w kwadracie są równe 12 cyklom. Na trzecim roku nauki klasyki ta właściwość nie ma już takiego znaczenia jak na pierwszym roku, ponieważ dzieci uczą się ćwiczeń w ich czystej postaci, a tworzone kombinacje stają się bardziej złożone, a ruchy mogą się w nich zmieniać . Tutaj przyjmuje się bardziej złożone rozmiary: ¾, 6/8 itd. I stosuje się szybsze tempo.

2. Określony wzór rytmiczny i tempo.
Przy wykonywaniu takich ruchów, jak Adagio, tendus, Rond de jambe, par terre, schemat rytmiczny nie ma znaczenia, ale tempo ma. Powinien być wolny, a melodia liryczna, ponieważ ruchy są wykonywane płynnie i powoli. Do wykonania ruchu ścięgien battementów wymagany jest wyraźny wzorzec rytmiczny, a także obecność rytmu synkopowanego. Ruchy te wykonywane są w szybkim tempie z ósemkami; szesnastki i ósemki muszą być obecne we fragmentach muzycznych (rozmiar 2/4 lub 4/4 dla wolnego wykonania).

3. Obecność uderzeń.
Każde uderzenie w tył ma niemałe znaczenie w wykonaniu ruchu, dodatkowo determinuje tempo całego ćwiczenia. W początkowej fazie, gdy ruch jest wyuczony i wykonywany na mocnym uderzeniu, czas wyprzedzenia nie odgrywa decydującej roli, ponieważ ruchy na tym etapie wykonywane są wolnym tempem w kwadratach na mocnym uderzeniu tendus jetes, battements frappe).

W przyszłości ta jakość odgrywa ważną rolę. Każde uruchomienie, oprócz określenia tempa ćwiczenia, uwydatnia fragment muzyczny, aktywizuje ćwiczenia, podkreślając słaby beat. Zatakt można stosować we wszystkich ćwiczeniach, ponieważ od niego łatwiej jest rozpocząć wykonywanie.
ruch.

4. Cechy tempa i metryki.

Rozmiar 2/4 można wykorzystać do różnych ćwiczeń. Ale tempo wykonania i sama technika są zawsze różne. Battements tendus, battements tendus jetes, battements frappes można grać w metrum 2/4 w allegro, w umiarkowanych tempach.A ćwiczenia battements fondues, plie, passé par terre - w ilości 2/4 w tempie adagio, lento. Rond de ościeżnicę par terre można wykonać w czasie ¾, czyli jeden ruch na takt. W ten sposób tempo zwalnia do adagio (lub jednej części - pełnego koła - na 4 takty. To samo dzieje się z metrum 4/4. Tempo w tym metrum może zmieniać się od lento do andanteno w różnych częściach.

5. Cechy metrorytmiczne.

Na początkowym etapie można grać dwa razy dłużej małe czasy trwania, ale nie należy zniekształcać charakteru melodii. Gdy uczysz się ruchów, tempo przyspiesza. Na początkowym etapie, kiedy uczy się ruchu, akompaniator gra w wolnym tempie, w miarę uczenia się tempa przyspiesza.
To samo dzieje się z przygotowaniem i tworzeniem kombinacji póz.
Zastanówmy się konkretnie, na jakiej podstawie dokonuje się wyboru musicalu
fragmenty do głównych ćwiczeń ćwiczenia klasycznego z kijem.

Plie - rozmiar 4/4, ¾; muzyka jest płynna, tempo umiarkowane lub adagio.
Fragment musi być kwadratowy, obecność równomiernego rytmu nie ma znaczenia. Pożądane jest, aby mieć pchnięcie. Rytmiczne rozszerzenie do dłuższych czasów trwania nie jest wymagane, ponieważ w metrum 4/4 wykonuje się jeden ruch na takt. W tym ćwiczeniu wybrano utwór muzyczny na 4/4 w wolnym tempie.
Ścięgno battenus - rozmiar 2/4; charakter muzyki - klarowny, wesoły, tempo
allegro czy allegretto. W przypadku fragmentu muzycznego pożądana jest prostopadłość.
Rytmiczny wzór ma ogromne znaczenie. Poza tym to ma znaczenie
możliwość dekompozycji metrum rytmicznej. Na początku ruchu
zrobione na 2/4 i 4/4 w wolnym tempie, a następnie na 2/4 w szybkim tempie. Duże znaczenie dla dokładności wykonania i oddania charakteru ruchu ma również czas prowadzenia i jego akcentowanie.
Odrzutowce do ścięgien - rozmiar 2/4; tempo - allegro, wyraźny układ rytmiczny (w miarę możliwości synkopowany), akcent na słabym uderzeniu. W początkowej fazie prostolinijność, wyraźny rytm z naciskiem na „i” ma znaczenie.
Obecność nietaktu jest konieczna od początkowego momentu badania. Może
metr-rytmiczna ekspansja do jednej czwartej. Na początkowym etapie tempo w metrum 2/4 jest wolne, potem szybkie.
Rond de jambe par terre - rozmiar 2/4, 4/4, ¾; charakter melodii
płynne, tempo - andante. Ekspansja metrorytmiczna jest wymagana tylko dla
na początkowym etapie, jeśli rozmiar wynosi 2/4 (jeśli 4/4 nie jest konieczne). Jeden ruch wykonywany jest w tym przypadku na 1 uderzenie, zwalniając w ten sposób tempo.
Jeśli fragment jest wybrany na 2/4, to tempo powinno być wolne, a jeśli rozmiar to ¾ - szybsze.
Battements fondue - rozmiar 2/4 i 4/4; charakter melodii jest płynny, tempa to adagio, largo i andante. Na początkowym etapie wymagana jest prostopadłość,
pewien wzór rytmiczny nie ma znaczenia, odbiór jest możliwy.
Rozszerzenie metrorytmiczne jest wymagane początkowo, jeśli metrum jest podane w 2/4 (jeśli 4/4 nie jest); w tym przypadku wykonuje się jeden ruch na 1 uderzenie, zwalniając w ten sposób tempo.
Battements frappe - rozmiar 2/4; tempo - allegro, wyraźny i delikatny rytm.
Kwadratowość ma znaczenie tylko na początkowym etapie. Rytmiczny wzór jest pożądany od małych czasów trwania, lepiej na staccato. Może być haczyk. Rozbudowa rytmu jest bardziej potrzebna na początkowym etapie, gdy tempo jest wolne, niż wtedy, gdy ruch jest już „wypracowany”.
Adagio - rozmiar 4/4, ¾; charakter muzyki jest gładki, spokojny. Tempo
wykonanie jest powolne. To ćwiczenie jest włączone do ćwiczenia na czwartym roku studiów zamiast Developpe. Kwadratowość nie ma decydującego znaczenia, podobnie jak wzór rytmiczny. Obecność overtactu jest możliwa, ale nie wymagana.
Rozszerzenie metrorytmiczne nie jest wymagane. W tempie ¾
utwór muzyczny szybszy niż w metrum 4/4.
Anler - rozmiar 4/4, 2/4, ¾; charakter muzyki jest płynny, tempo adagio.
Na początkowym etapie duże znaczenie ma prostopadłość. Rytmiczny wzór nie jest ważny. Może być haczyk. Rozszerzenie na dłuższe okresy nie jest wymagane ze względu na powolne tempo ruchu. W metrum ¾ tempo melodii przyspieszy, a postać stanie się bardziej zwiewna (w metrum 2/4 jest odwrotnie).
Rozwinięcia listew - rozmiar 4/4, 3/4; charakter muzyki jest płynny,
spokój, tempo adagio, lento. Ponieważ część ta poprzedza adagio, dla lepszej asymilacji należy wybrać kwadratowe fragmenty muzyczne.
Rytmiczny wzór nie ma znaczenia. Możliwe jest rozpoczęcie ruchu od początku.
Dekompozycja metrorytmiczna materiału muzycznego nie jest wymagana. Tempo
wykonanie jest powolne.
Grant battement jetes - rozmiar 2/4, ¾; charakter musicalu
fragment - wesoły, energiczny; tempo od allegretto do allegro moderato. Na początkowym etapie potrzebny jest czysty kwadrat. Gra rytmiczna
ważna rola. Nacisk jest potrzebny na mocnym uderzeniu. Rozmiar ¾
wymagana jest obecność wyzwalacza. Rozkład na większe czasy trwania jest możliwy na początkowym etapie nauki, tempo zmienia się w zależności od „zaawansowania” technicznego uczniów – od wolnego do szybkiego.
Na podstawie powyższego można sformułować zasady, według których
kierować się akompaniatorem przy wyborze fragmentów muzycznych do
ćwiczenia z kijem.

Na początkowym etapie nauki ćwiczenia wykonywane są w zwolnionym tempie.
tempo (jeden ruch na uderzenie).

Wszystkie ruchy w ćwiczeniu klasycznym dzielą się na wolne i szybkie, z wyraźnym rytmem i płynnie przesuwające się. A fragmenty muzyczne są wybierane według tej samej zasady: wolno (w rozmiarach 4/4, 2/4); z rytmem synkopowanym (w metrum 2/4, ¾, 4/4); w umiarkowanym tempie (na 2/4 i ¾).

Na początkowym etapie należy zwrócić uwagę na improwizację
przejścia muzyczne (mostki) po każdych czterech taktach (w postaci dwóch lub czterech akordów), które służą do zmiany pozycji.

Należy pamiętać o prostopadłości, czyli wykonywaniu jednego ruchu
krzyż na 4 takty, wtedy następuje zmiana. Fragment muzyczny podzielony jest na frazy, z których każda składa się z czterech taktów. Kompletna kombinacja to 4 frazy muzyczne iw ten sposób uzyskuje się kompletne zdanie muzyczne o 32 taktach. Kiedy tempo wzrasta i wykonuje się jeden ruch na każde uderzenie, fraza jest redukowana do 16 taktów, ale musi być muzycznie kompletna.

Wprowadzenie do każdego ćwiczenia, do którego ręce „otwierają się”
nazywa się przygotowaniem. Na początkowym etapie treningu tę sekcję można rozbudować (8 taktów lub więcej), a następnie skrócić (2 takty i 4 takty).

Na początkowym etapie ćwiczenia są uczone w dużym stopniu. I przez
ponieważ są one zapamiętywane, potrzebny jest krok, zwłaszcza do ćwiczeń battements tendus, battements tendus jetes, battements frappes, petit battements.
Dlatego należy od razu wybrać dla nich dwie wersje muzyki, z naciskiem na mocne i słabe bity, z niewielkim rytmem (można zastosować staccato).

Wybrano ruchy, w których zaakcentowane jest wyrzucanie nóg
fragmenty muzyczne z naciskiem na pierwszy takt lub możesz sam go podkreślić podczas gry. Dotyczy to przede wszystkim odrzutowców typu grand battement.

Na początkowym etapie szkolenia, kiedy podejmuje się utwór muzyczny
2/4 z małym rytmem, ważne jest, aby rozszerzyć go na większy
czas trwania, ale tak, aby charakter muzyki nie uległ zmianie.

Tempo wybranych fragmentów muzycznych powinno być zróżnicowane
różne rozmiary - na różne sposoby. Na przykład 2/4 - w allegro, andante, largo; ¾ - w adagio, andantino; 4/4 - lento, andante, vivo.

Często tempo jest przyspieszone ze względu na to, że na początku jeden ruch
odbywa się przez cały takt, potem tylko dla mocnych uderzeń. W ten sposób pod tym samym utworem muzycznym ruch można wykonać zarówno szybko, jak iw wolnym tempie.

W przypadku prostych kombinacji należy podać proste fragmenty muzyczne
wyraźną melodię, w prostym metrum, z prostym układem rytmicznym. W przypadkach, gdy stosuje się bardziej złożone metrum, kombinację kwadratów wykonuje się o ¾, tempo jest przyspieszane, ale charakter muzyki odpowiada ruchom (gładki, liryczny lub ostry).

. Materiał muzyczny na każdym roku studiów staje się stopniowo coraz bardziej skomplikowany.

Na późniejszym etapie nauki, kiedy
bardziej złożone warianty kombinacji, akompaniator powinien zwrócić uwagę na fakt, że kombinacje można łączyć. Na przykład battements tendus łączy się z battementami tendus jetes - a utwór muzyczny powinien składać się z dwóch części, z których druga ma wyraźniejszy rytm. Jeśli połączymy battements fondue z battements frappes, to pierwsza część jest płynna (na 4/4), a druga z wyraźnymi ostrymi akcentami (na 2/4).
Fragment muzyczny powinien temu odpowiadać. Wariantów takich skojarzeń jest wiele, a zadaniem akompaniatora jest trafne wybranie fragmentu, tak aby zmiana ruchu została w nim muzycznie uchwycona. Aby to zrobić, musisz pamiętać o prostopadłości, tempie, rozmiarze, wejściu, rytmicznym wzorze.

Ćwiczenia mogą obejmować pozycje. Jeśli utwór muzyczny był w
wolne tempo, to nie odgrywa to znaczącej roli, zwłaszcza jeśli poza łączy się na końcu. Jeśli jest pośrodku, kwadrat muzyczny się rozsuwa. Jeśli fragment muzyczny był szybki, to w momencie pozy powinien przejść w płynną melodię liryczną w wolnym tempie. Po zakończeniu dowolnego ćwiczenia następuje odejście od pozycji wyjściowej na 2 dodatkowe akordy końcowe. Należy zauważyć, że wszystkie główne ćwiczenia klasycznego ćwiczenia z kijem są wykonywane w ten sam sposób na środku sali (ale w bardziej uproszczonej wersji); w przyszłości zostanie do nich dodane allegro.

Możliwe warianty doboru repertuaru akompaniamentu muzycznego do nauki ćwiczenia klasycznego przy drążku zamieszczono w załączniku.

Wniosek
Praca akompaniatora w szkole artystycznej obejmuje zarówno działalność czysto twórczą (artystyczną), jak i pedagogiczną. Aspekty muzyczne i twórcze przejawiają się w pracy studentów dowolnych specjalności. Pedagogiczny wymiar działania szczególnie wyraźnie ujawnia się w pracy ze studentami klasy wokalnej i choreograficznej, a także w pewnym stopniu zakładany jest w pracy z wykonawcami na instrumentach smyczkowych.
Umiejętności akompaniatora są bardzo specyficzne. Wymaga od pianisty nie tylko wielkiego kunsztu, ale także wszechstronnych talentów muzycznych i wykonawczych, opanowania techniki zespołowej, znajomości podstaw sztuki śpiewu, cech gry na różnych instrumentach, a także doskonałejsłuch, szczególne zdolności muzyczne w czytaniu i transponowaniu różnych partytur, w improwizowanej aranżacji na fortepian.
Działalność akompaniatora wymaga od pianisty zastosowania wielostronnej wiedzy i umiejętności w zakresie kursów harmonii, solfeżu, polifonii, historii muzyki, analizy utworów muzycznych, literatury wokalnej i chóralnej, pedagogiki - w ich powiązaniach.

Dla nauczyciela w klasie specjalnej akompaniator jest prawą ręką i pierwszym asystentem, osobą podobnie myślącą muzycznie.
Dla solisty (śpiewaka i instrumentalisty) akompaniator jest jego powiernikiemsprawy twórcze; jest asystentem, przyjacielem, mentorem, coachem i nauczycielem.Nie każdy akompaniator może mieć prawo do takiej roli - tozdobywa się autorytetem solidnej wiedzy, nieustannej kreatywnościopanowanie, wytrwałość, odpowiedzialność w osiąganiu pożądanegoefekty artystyczne we wspólnej pracy z solistami, we własnym doskonaleniu muzycznym.
Pełnoprawna działalność zawodowa akompaniatora obejmujeobecność zespołu cech psychologicznych osobowości, takich jak duża ilość uwagi i pamięci, wysoka wydajność, mobilność reakcji i zaradność w nieoczekiwanych sytuacjach, wytrzymałość i wola, pedagogiczny takt i wrażliwość.
Specyfika pracy akompaniatora w dziecięcej szkole plastycznej wymaga od niego szczególnego uniwersalizmu, mobilności, umiejętnościprzejść do pracy ze studentami różnych specjalności. Akompaniator musi mieć szczególne, bezinteresowne zamiłowanie do swojej specjalności, która (z nielicznymi wyjątkami) nie przynosi zewnętrznego sukcesu – oklasków, kwiatów, zaszczytów i tytułów. Zawsze pozostaje „w cieniu”, jego praca rozpływa się w ogólnej pracy całego zespołu. Akompaniator to powołanie nauczyciela, a jego praca w swoim celu jest zbliżona do pracy nauczyciela.

LITERATURA
1. Abramova O.A. Niektóre cechy pracy akompaniatora w klasie dyrygentury specjalnej na wydziale dyrygencko-chóralnym // Derzhavin Readings. Historia sztuki. Działalność społeczno-kulturalna: Materiały z konferencji naukowej nauczycieli i doktorantów. - Tambow: Wydawnictwo TSU im. GR Derzhavina, 2000. - S. 71-72.

2.. Taniec klasyczny / komp. D. Jarmołowicz. - Sankt Petersburg:Muzyka, 1985. - 148 s.
3. Khaikina T.Ya. Zadania koncertmistrza-pianisty
zajęcia choreograficzne // Wyniki przeglądu prac metodycznych
nauczyciele placówek oświatowych kultury i sztuki
na rok akademicki 1995-96. - Tambow, 1997. - S. 110-112.

4. Szenderowicz E.M. W klasie akompaniatora: Refleksje
nauczyciel. - M.: Muzyka, 1996. - 207 s.

Podanie.

Mukhametzyanov A. K.,
Miasto Kartaly