Aby wyświetlić prezentację zawierającą obrazy, projekty i slajdy, pobierz jego plik i otwórz go w programie PowerPoint w Twoim komputerze.
Zawartość tekstowa slajdów prezentacji: Wenecka szkoła malarstwa Giovanni Bellini (ok. 1430–1516), drugi syn Jacopo Belliniego, to największy artysta szkoły weneckiej, który położył podwaliny pod sztukę Wielkiego Renesansu w Wenecji. Portret Doża Leonarda Loredana] Portret Doża Leonarda Loredana został oficjalnie zamówiony przez Belliniego jako artystę Republiki Weneckiej. W utworze tym doża ukazany jest niemal frontalnie – wbrew dotychczasowej tradycji przedstawiania twarzy portretowanych z profilu, m.in. na medalach i monetach. Ołtarz św. Hioba U stóp wysokiego tronu, na którym uroczyście zasiada Madonna z Dzieciątkiem, błogosławiąc tych, którzy przychodzą się jej pokłonić, stoją muzyczne anioły (św. Hiob był uważany za jednego z mecenasów muzyki). Figurki są naturalnej wielkości. Bellini umieścił dwóch nagich świętych, Hioba i Sebastiana, na bokach tronu Maryi, obok nich – świętych Jana Chrzciciela, Dominika i Ludwika z Tuluzy. Architektura i wystrój apsydy, pokrytej złotą smaltą, przywodzą na myśl katedrę św. Marka. Na złotym tle wyraźnie odczytane są słowa: „Ave, czysty kwiecie dziewiczej czystości”. Giorgione Giorgione „Autoportret” (1500-1510) Kolejny przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa; jeden z największych mistrzów Wielkiego Renesansu, jego pełne imię to Giorgio Barbarelli da Castelfranco, od nazwy małego miasteczka niedaleko Wenecji. Był uczniem Giovanniego Belliniego. Był pierwszym włoskim malarzem w obrazach religijnych, mitologicznych i historycznych, który wprowadził pejzaż, piękną i poetycką Judytę Judytę, czyli Judytę (hebr. w starotestamentowej deuterokanonicznej „Księdze Judyty”, żydowskiej wdowie, która uratowała swoje rodzinne miasto przed najazdem asyryjskim. Po oblężeniu jej rodzinnego miasta przez wojska asyryjskie przebrała się i udała do obozu wrogów, gdzie zwróciła na siebie uwagę dowódca. Kiedy się upił i zasnął, odcięła mu głowę i przywiozła ją do rodzinnego miasta, które w ten sposób okazało się ocalone. Zaskakująco czysta, mimo swej nagości, „Śpiąca Wenus” jest w najpełniejszym sensie alegorią, symbolicznym obrazem Natury. Burza. Głównym bohaterem tego obrazu jest burza. Artysta wziął tło do blasku strzały przypominającej błyskawicę, która niczym wąż błysnęła w powietrzu. Bezpośrednio po prawej i lewej stronie na pierwszym planie znajdują się postacie kobiet i mężczyzn. Kobieta karmi dziecko. Ona jest prawie bez ubrania. Obraz jest pełen różnorodności. Wszędzie daje o sobie znać dzika przyroda http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-dzhordzhone-g TycjanTycjan „Autoportret” (ok. 1567) Tycjan Vecellio jest włoskim malarzem renesansu. Malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, a także portrety. Już w wieku 30 lat dał się poznać jako najlepszy malarz Wenecji.Tycjan urodził się w rodzinie męża stanu i dowódcy wojskowego Gregorio Vecellio. Dokładna data jego narodzin nie jest znana.W wieku 10 lub 12 lat Tycjan przybył do Wenecji, gdzie poznał przedstawicieli szkoły weneckiej i studiował u nich. Pierwszymi dziełami Tycjana, wykonanymi wspólnie z Giorgione, były freski w Fondaco dei Tedeschi, z których zachowały się tylko fragmenty. Miłość ziemska i niebiańska Fabuła obrazu wciąż budzi kontrowersje wśród historyków sztuki. Według XIX-wiecznego wiedeńskiego historyka sztuki Franza Wickhoffa scena ta przedstawia spotkanie Wenus i Medei, którą bogini namawia do pomocy Jazonowi. Według innej wersji fabuła została zapożyczona z popularnej wówczas książki Francesca Colonny Hypnerotomachia Poliphila.Na tle zachodzącego słońca pejzażu bogato ubrana Wenecjanka siedzi u źródła, trzymając w lewej ręce mandolinę i naga Wenus trzymająca misę ognia. Według S. Zuffi ubrana dziewczyna uosabia miłość w małżeństwie; o małżeństwie świadczy kolor sukni (biały), pasek, rękawiczki na dłoniach, mirtowy wieniec wieńczący głowę, rozpuszczone włosy i róże. W tle przedstawiona para królików - życzenie dużego potomstwa. To nie portret Laury Bagarotto, ale alegoria szczęśliwego małżeństwa.// Bachus i Ariadna Ariadna, porzucona przez Tezeusza na wyspie Naksos, przybyła pocieszyć Bachusa. Tycjan przedstawia moment pierwszego spotkania bohaterów. Bachus wychodzi z zarośli ze swoją liczną świtą i pędzi do Ariadny, która się go boi. W tej złożonej kompozycyjnie scenie wszystkie postacie i ich działania są wyjaśnione przez starożytne teksty. Orszak Bachusa odprawia swoje rytuały: jeden satyr demonstruje, jak owijają się wokół niego węże, inny macha nogą cielęcia, a mały satyr ciągnie za sobą głowę zwierzęcia. Pokutująca Maria MagdalenaTiziano Vecellio namalował swoje dzieło „Pokutująca Maria Magdalena” na zamówienie w latach 60. XVI wieku. Modelką obrazu była Giulia Festina, która uderzyła artystę burzą złotych włosów. Gotowe płótno wywarło wielkie wrażenie na księciu Gonzagi i postanowił zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozując kobiety, namalował jeszcze kilka podobnych prac. Święty Sebastian „Święty Sebastian” to jedno z najlepszych dzieł malarza. Sebastian Tycjana to dumny chrześcijański męczennik, który według legendy został zastrzelony z łuku z rozkazu cesarza Dioklecjana za odmowę czczenia pogańskich bożków. Potężne ciało Sebastiana jest ucieleśnieniem siły i buntu, jego spojrzenie nie wyraża fizycznej udręki, ale dumne wyzwanie rzucone dręczycielom. Tycjan osiągnął niepowtarzalny efekt mieniącego się koloru nie tylko za pomocą palety barw, ale także za pomocą faktury farb, reliefu kresek „Oto człowiek” Obraz ten uważany jest za arcydzieło Tycjana. Jest napisana na podstawie ewangelicznej historii, ale artysta umiejętnie przenosi ewangeliczne wydarzenia na rzeczywistość. Piłat staje na stopniach schodów i słowami „to jest człowiek” zdradza Chrystusa, by rozszarpał go tłum, w którym są wojownicy i młodzieńcy ze szlacheckiej rodziny, jeźdźcy, a nawet kobiety z dziećmi . I tylko jedna osoba zdaje sobie sprawę z grozy tego, co się dzieje - młody człowiek w lewym dolnym rogu zdjęcia. Ale jest on nikim wobec tych, którzy w tej chwili mają władzę nad Chrystusem...1543). Płótno, olej. 242x361 cm Kunsthistorisches Museum, Wiedeń Tintoretto (1518/19-1594) Tintoretto „Autoportret” Naprawdę nazywa się Jacopo Robusti. Był malarzem szkoły weneckiej późnego renesansu, urodzonym w Wenecji, z zawodu ojca, byłego farbiarza (tintore), nazywany był Tintoretto (mały farbiarz). Wcześnie odkrył umiejętność malowania. Przez pewien czas był uczniem Tycjana.Wyróżnikiem jego twórczości była żywa dramaturgia kompozycji, śmiałość rysunku, swoista malowniczość w rozkładzie światła i cienia, ciepło i siła barw. Ostatnia Wieczerza Obraz został namalowany specjalnie dla weneckiego kościoła San Giorgio Maggiore, gdzie znajduje się do dziś. Odważna kompozycja obrazu pomogła pomysłowo przedstawić ziemskie i boskie szczegóły. Fabuła płótna to ewangeliczny moment, w którym Chrystus łamie chleb i wypowiada słowa: „To jest Ciało moje”. Akcja toczy się w ubogiej tawernie, jej przestrzeń tonie w półmroku, a dzięki długiemu stołowi wydaje się nieograniczona. Paolo Veronese aolo Veronese urodził się w 1528 roku w Weronie. Był piątym synem w rodzinie. Studiował u swojego wuja, weneckiego malarza Badile, pracował w Weronie i Mantui. W 1553 roku Veronese dekorował Pałac Dożów. W wieku 27 lat został wezwany do Wenecji do dekoracji zakrystii kościoła Stasenko. W 1560 r. Veronese odwiedza Rzym, gdzie we wsi Maser koło Vicenzy maluje św. Weronikę. W 1566 ożenił się z córką swojego nauczyciela Antonio Badile. W 1573 roku Veronese został oskarżony przez sąd inkwizycji, ale zdołał się usprawiedliwić i został zmuszony jedynie do poprawienia i wyłączenia niektórych postaci w jednym ze swoich obrazów Opłakiwanie Chrystusa.Uczynił kompozycję zwięzłą i prostą, co zwiększyło wyrazistość obrazu. jego trzy postacie: zmarłego Chrystusa, pochyloną nad nim Matkę Boską i anioła. Miękkie, stonowane kolory łączą się w piękną gamę odcieni zielonkawych, liliowo-wiśniowych, szaro-białych, delikatnie mieniących się w światłach i niejako zanikających w cieniu. W pierwszej połowie XVII wieku został kupiony przez angielskiego króla Karola I. Następnie obraz w kościele zastąpiono kopią dzieła Alessandro Varotari (Padovanino).
SZKOŁA MALARSTWA W WENECJI
Nauczyciel: Kaigorodova Natalya Evgenievna
Co oznacza „szkoła wenecka”?
Wenecja była jednym z wiodących ośrodków kultury włoskiej. Jest uważana za jedną z głównych włoskich szkół malarstwa. Rozkwit szkoły weneckiej przypisuje się wiekom XV-XVI. „Perła Adriatyku” – osobliwie malownicze miasto z kanałami i marmurowymi pałacami, rozłożone na 119 wyspach na wodach Zatoki Weneckiej – było stolicą potężnej republiki handlowej. Stało się to podstawą dobrobytu i wpływów politycznych Wenecji, która obejmowała część północnych Włoch, wybrzeże Adriatyku na Półwyspie Bałkańskim, terytoria zamorskie. Był jednym z czołowych ośrodków włoskiej kultury, drukarstwa i szkolnictwa humanistycznego.
Zasady artystyczne
W Wenecji pracowało wielu włoskich artystów, których łączyły wspólne zasady artystyczne.
Te zasady to: jasne schematy kolorów
opanowanie plastyczności malarstwa olejnego
umiejętność dostrzegania afirmującego życie znaczenia natury i samego życia w jego najwspanialszych przejawach.
Wenecjan charakteryzowało zamiłowanie do wszystkiego, co niepowtarzalne, emocjonalne bogactwo percepcji, podziw dla fizycznej, materialnej różnorodności świata. W czasach, gdy podzielone Włochy były rozdzierane przez konflikty, Wenecja prosperowała i cicho unosiła się na gładkiej powierzchni wód i przestrzeni życiowej, jakby nie zauważając całej złożoności bytu lub nie myśląc o niej szczególnie, w przeciwieństwie do Wysokiego Renesansu , którego kreatywność była karmiona przemyśleniami i złożonymi poszukiwaniami.
Wenecja dała światu tak wspaniałych mistrzów, jak Giovanni Bellini i Carpaccio, Giorgione i Tycjan, Veronese i Tintoretto… Ich twórczość wzbogaciła sztukę europejską o tak znaczące odkrycia artystyczne, że późniejsi artyści od Rubensa i Velasqueza po Surikowa nieustannie zwracali się ku malarstwu weneckiego renesansu.
Giovanniego Belliniego. „Święta alegoria”. Masło. 1490.
Wenecja kojarzy się z najwyższym rozkwitem we Włoszech takich czysto świeckich gatunków jak portret, malarstwo historyczne i mitologiczne, pejzaże, sceny wiejskie .
Portret młodego rycerza w krajobrazie. 1510. Madryt, Muzeum Thyssen-Bornemisza
Paolo Veronese
Najważniejszym odkryciem Wenecjan były wypracowane przez nich zasady kolorystyczne i malarskie. Wśród innych artystów włoskich było wielu znakomitych kolorystów, obdarzonych wyczuciem piękna barwy, harmonijnej harmonii barw.
Ale podstawą języka obrazkowego był rysunek i światłocień, który wyraźnie i całkowicie modelował formę. Kolor rozumiany był raczej jako zewnętrzna powłoka formy, nie bez powodu, stosując barwne kreski, artyści stapiali je w idealnie gładką, emaliowaną powierzchnię. Ten styl pokochali także holenderscy artyści, którzy jako pierwsi opanowali technikę malarstwa olejnego.
Jakuba Belliniego
Cechy malarstwa weneckiego kształtowały się na długiej, prawie półtorawiecznej drodze rozwoju. Założycielem renesansowej szkoły malarstwa w Wenecji był Jakuba Belliniego, pierwszy z Wenecjan, który sięgnął do osiągnięć najnowocześniejszej wówczas szkoły florenckiej, studium starożytność i zasady perspektywy linearnej .
Główną część jego spuścizny stanowią dwa albumy rysunków z opracowaniem kompozycji złożonych wielofigurowych scen o tematyce religijnej. W tych rysunkach, przeznaczonych do pracowni artysty, przebijają się już charakterystyczne cechy szkoły weneckiej. Są przesiąknięci duchem plotki, zainteresowaniem nie tylko legendarnym wydarzeniem, ale także prawdziwym otoczeniem.
Horoskop
Gentile Bellini
Następcą dzieła Jacopo był jego najstarszy syn Gentile Bellini, największy mistrz malarstwa historycznego w Wenecji XV wieku. Na jego monumentalnych płótnach Wenecja jawi się nam w całej okazałości swego przedziwnie malowniczego wyglądu, w chwilach festynów i uroczystych ceremonii, z zatłoczonymi wspaniałymi procesjami i pstrokatym tłumem widzów tłoczących się na wąskich skarpie kanałów i garbatych mostów.
Portret sułtana Mehmeda II. (1480, olej na płótnie).
Historyczne kompozycje Gentile Belliniego wpłynęły na twórczość jego młodszego brata Vittore Carpaccio, który stworzył kilka cykli monumentalnych obrazów dla weneckich bractw – Scuol. Najbardziej godnym uwagi z nich jest Dzieje św. Urszuli” oraz „Scena z życia świętych Hieronima, Jerzego i Tyfona”.
Gentile Bellini- Procesja w św. Marka (Galleria dell...
Sen św. Urszula. 1495.
Galeria Akademii. Wenecja
Tycjan (1488/1490-1576)
Tycjan Vecellio to włoski malarz renesansu. Malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, a także portrety. Już w wieku 30 lat dał się poznać jako najlepszy malarz w Wenecji. Tycjan urodził się w rodzinie męża stanu i przywódcy wojskowego Gregorio Vecellio. Dokładna data jego urodzin nie jest znana.
Tycjan „Autoportret” (ok. 1567 r.)
W wieku 10 lub 12 lat Tycjan przybył do Wenecji, gdzie poznał przedstawicieli szkoły weneckiej i studiował u nich.
Styl ówczesnego Tycjana jest bardzo podobny do stylu Giorgione, skończył nawet dla niego obraz, który pozostał niedokończony (Giorgione zmarł młodo na szalejącą wówczas w Wenecji zarazę).
Słynne obrazy z tego okresu: „Madonna Cygańska” (ok. 1511 r.), „Miłość ziemska i miłość niebiańska” (1514 r.), „Kobieta z lustrem”
„Madonna Cygańska”
Pędzel Tycjana należy do wielu kobiecych portretów i wizerunków Madonn. Są pełne witalności, jasności uczuć i spokojnej radości. Kolory są czyste i pełne kolorów.
Tycjanowski. „Portret córki Lavinii”. Masło. Późne lata pięćdziesiąte XVI wieku.
Tycjana „Miłość ziemska i niebiańska”. Olej na płótnie, 118x279 cm, Galeria Boghese, Rzym
Ten obraz został zamówiony przez Niccolò Aurelio, sekretarza Rady Dziesięciu Republiki Weneckiej, jako prezent ślubny dla jego oblubienicy. Nowoczesna nazwa obrazu zaczęła być używana 200 lat później, a wcześniej miała różne nazwy. Wśród krytyków sztuki nie ma zgody co do fabuły. Na tle pejzażu zachodzącego słońca bogato ubrana Wenecjanka siedzi u źródła, trzymając w lewej ręce mandolinę, a naga Wenus trzyma misę ognia. Skrzydlaty amorek bawi się wodą. Wszystko na tym obrazie podlega poczuciu wszechogarniającej miłości i piękna.
Styl Tycjana rozwijał się stopniowo, gdy studiował dzieła wielkich mistrzów renesansu, Rafaela i Michała Anioła. Jego sztuka portretowa osiągnęła szczyt: był bardzo przenikliwy i wiedział, jak dostrzec i przedstawić sprzeczne cechy ludzkich charakterów: pewność siebie, dumę i godność, połączone z podejrzliwością, hipokryzją i oszustwem. Umiał znaleźć odpowiednie rozwiązanie kompozycyjne, pozę, wyraz twarzy, ruch, gest. Stworzył wiele obrazów o tematyce biblijnej.
penitent Maria Magdalena .
Tycjan „Oto człowiek” (1543). Płótno, olej. 242x361 cm Kunsthistorisches Museum, Wiedeń
Ten obraz jest uważany za arcydzieło Tycjana. Jest napisana na podstawie ewangelicznej historii, ale artysta umiejętnie przenosi ewangeliczne wydarzenia na rzeczywistość. Piłat staje na stopniach schodów i słowami „to jest człowiek” zdradza Chrystusa, by rozszarpał go tłum, w którym są wojownicy i młodzieńcy ze szlacheckiej rodziny, jeźdźcy, a nawet kobiety z dziećmi . I tylko jedna osoba zdaje sobie sprawę z grozy tego, co się dzieje - młody człowiek w lewym dolnym rogu zdjęcia. Ale on jest nikim wobec tych, którzy mają władzę nad Chrystusem w tej chwili…
W 1575 roku w Wenecji rozpoczyna się epidemia dżumy. Tycjan, zarażony przez syna, umiera 27 sierpnia 1576 r. Znaleziono go martwego na podłodze ze szczotką w dłoni.
Prawo wymagało spalenia ciał zmarłych na zarazę, ale Tycjana pochowano w weneckiej katedrze Santa Maria Gloriosa dei Frari.
Na jego grobie widnieją słowa: „Tu leży wielki Tycjan Vecelli – rywal Zeusa i Apellesa”
Tycjan „Pieta” (1575-1576). Płótno, olej. 389x351 cm Galeria Akademii, Wenecja
Giorgione da Castelfranco
Giorgione da Castelfranco żył krótko. Zmarł w wieku trzydziestu trzech lat podczas jednej z częstych plag tamtych czasów. Jego spuścizna jest niewielka: niektóre obrazy Giorgione, które pozostały niedokończone, zostały ukończone przez młodszego towarzysza i pomocnika w warsztacie, Tycjana. Jednak nieliczne obrazy Giorgione miały być objawieniem dla współczesnych. Jest to pierwszy artysta we Włoszech, którego tematyka świecka zdecydowanie przeważyła nad religijną, zdeterminowała cały system twórczości. Stworzył nowy, głęboko poetycki obraz świata, niezwykły dla ówczesnej sztuki włoskiej, z jej skłonnością do majestatycznej wielkości, monumentalności, heroicznych intonacji. Na obrazach Giorgione widzimy idylliczny, piękny i prosty świat, pełen zamyślonej ciszy.
Giorgione (1476/1477-1510) Giorgione „Autoportret” (1500-1510)
Sztuka Giorgione była prawdziwą rewolucją w malarstwie weneckim, wywarła ogromny wpływ na współczesnych, w tym na Tycjana
Obraz ten nie jest typowy dla portretu renesansowego: spojrzenie modela na portretach z tamtej epoki jest zazwyczaj skierowane wprost, wywołując poczucie kontaktu z widzem. Młody człowiek patrzy w bok, co stwarza szczególną, melancholijną atmosferę i interakcję nie na poziomie racjonalnym, ale emocjonalnym. W tej pracy poszczególne cechy z powodzeniem połączono z wizerunkiem idealnego człowieka renesansu.
Miękkie kontury konturów wskazują, że Giorgione znał technikę sfumato opracowaną przez Leonarda da Vinci.
Badanie obrazu na zdjęciach rentgenowskich wykazało, że początkowo młody człowiek patrzył na pejzaż będący tłem obrazu.
Portret młodego mężczyzny. OK. 1510
Judyta
Adoracja pasterzy
Ostatni, końcowy okres renesansu weneckiego związany jest z twórczością Veronese i Tintoretta.
P. Veronese. Obrazy plafonu sali Olimpu. Fresk. Około 1565 roku
Wenus i Adonis
Paolo Veronese był obdarzony wyjątkowym poczuciem piękna i prawdziwą miłością do życia. Na ogromnych płótnach, lśniących drogocennymi barwami, rozwiązanymi w wykwintnej srebrzystej tonacji, na tle wspaniałej architektury widzimy barwny tłum uderzający żywotną jasnością - patrycjusze i szlachcianki we wspaniałych szatach, żołnierze i pospólstwo, muzycy, służący, krasnoludki .
Obraz powstał w latach 1562-1563. dla refektarza klasztoru San Giorgio Maggiore.
Jakuba Tintoretta
Ostatni wielki mistrz Wenecji w XVI wieku, Jacopo Tintoretto. Natura złożona i buntownicza, poszukiwacz nowych dróg w sztuce, dotkliwie i boleśnie odczuwający dramatyczne konflikty współczesnej rzeczywistości. Tintoretto wprowadza do swojej interpretacji osobisty, często subiektywno-arbitralny początek, podporządkowując postacie ludzkie jakimś nieznanym siłom, które je rozpraszają i otaczają. Przyspieszając skurcz perspektywy, tworzy iluzję szybkiego biegu przestrzeni, wybierając nietypowe punkty widzenia i misternie zmieniając kontury postaci. Proste, codzienne sceny zostają przekształcone przez inwazję surrealistycznego, fantastycznego światła. Jednocześnie świat zachowuje swoją wielkość, pełen ech wielkich ludzkich dramatów, zderzeń namiętności i charakterów.
Największym wyczynem twórczym Tintoretta było stworzenie w Scuola di San Rocco obszernego, składającego się z ponad dwudziestu wielkoformatowych paneli ściennych i wielu kompozycji plafonowych, nad którym artysta pracował przez prawie ćwierć wieku – od 1564 r. do 1587 r.
Zgodnie z niewyczerpanym bogactwem fantazji artystycznej, zgodnie z rozległością świata, który zawiera w sobie zarówno uniwersalną tragedię („Golgota”), jak i cud przemieniający chatę biednego pasterza („Narodziny Chrystusa”) oraz tajemnicze majestatyczność natury („Maria Magdalena na pustyni”) i wzniosłe wyczyny ludzkiego ducha („Chrystus przed Piłatem”), cykl ten nie ma sobie równych w sztuce włoskiej. Niczym majestatyczna i tragiczna symfonia dopełnia, wraz z innymi dziełami Tintoretta, historię weneckiej szkoły malarstwa renesansowego.
Praca domowa.
Przeprowadź analizę obrazu Tycjana, Tintoretta lub Veronese. (opcjonalnie)
Podobne dokumenty
Główne kamienie milowe w życiu Tycjana (Tiziano Vecellio), słynnego włoskiego malarza okresu wysokiego i późnego renesansu. Wczesny okres twórczości artysty. Specyfika możliwości realistycznych w jego malarstwie. Późne mitologiczne obrazy Tycjana.
praca semestralna, dodano 11.09.2017
Uwzględnienie cech weneckiej szkoły malarstwa i architektury renesansu. Afirmację życia i hedonizm renesansu odnajdujemy u Giorgione, Veronese, Tycjana. To jest życie w jego najwspanialszych przejawach, które jest ucieleśnione w sztuce.
streszczenie, dodano 28.11.2010
Etapy i cechy włoskiego renesansu. Kreatywność L. de Vinci i Rafael Santi. Szkoły malarstwa weneckiego i padewskiego. Nauka i sztuka, architektura okresu Quattrocento. Cechy późnych dzieł Tycjana. Typ kobiecej urody Botticelli.
Ściągawka, dodano 11.08.2012
Krótka informacja biograficzna o życiu i twórczości Marka Zacharowicza Chagalla - białoruskiego, rosyjskiego i francuskiego grafika, malarza i poety, jednego z najbardziej znanych przedstawicieli artystycznej awangardy XX wieku. Najsłynniejsze obrazy.
prezentacja, dodano 25.01.2015
Informacje biograficzne o życiu Borysa Michajłowicza Kustodiewa - słynnego rosyjskiego malarza, grafika i artysty teatralnego. Początek jego kariery portrecisty. Jego udział w projektowaniu Piotrogrodu w rocznicę Rewolucji Październikowej.
prezentacja, dodano 12.01.2016
Studium krótkiej biografii Aiwazowskiego Iwana Konstantynowicza. Stworzenie przez artystę obrazu ze scenami militarnymi, obrazem morza i wypadków morskich. Cechy twórczości największego rosyjskiego malarza morskiego. Najsłynniejsze obrazy artysty.
prezentacja, dodano 02.02.2017
Historia obrazu Sandro Botticellego, włoskiego malarza toskańskiej szkoły wczesnego renesansu „Madonna del Magnificat”. Kompozycja i postacie obrazu, duchowe piękno twarzy, połączenie chrześcijaństwa i mistycyzmu w twórczości artysty.
streszczenie, dodano 13.05.2014
Biografia wielkiego włoskiego malarza, grafika i architekta Rafaela Santiego. Zapewnienie szkoły malarstwa Florensky'ego w pracach artysty. Krótka charakterystyka „Madonny Sykstyńskiej” jako najsłynniejszego obrazu Rafaela. Portrety i freski artysty.
prezentacja, dodano 02.10.2013
Przywrócenie PD Korina obrazów w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin. Możliwość udziału młodego Tycjana w tworzeniu portretu kardynała Antoniotto Pallaviciniego. Subtelność i elegancja rysunku, bogactwo malarstwa.
artykuł, dodano 25.06.2013
Główne etapy życia słynnego rosyjskiego malarza W. Serowa. Badanie cech osobowości i kreatywności. Przeprowadzenie szczegółowej analizy obrazu „Dziewczyna z brzoskwiniami”. Rozważanie logiki rozwoju malarstwa utalentowanego rosyjskiego portrecisty Serowa.
zalicza się do najważniejszych
centra kulturalne Europy. Giorgione
(1476-1510)
34 lata
Giorgio
barbarelli tak
Castelfranco
przodek
sztuka
Wysoki
Renesans. Giorgione zreformowany
Taka wenecka szkoła
jak to zrobił Leonardo da Vinci
Środkowe Włochy. W Wenecji on
działał jako innowator, który nie miał
przodkowie. w odróżnieniu
XV-wieczni rzemieślnicy, którzy pracowali
głównie z polecenia kościoła,
maluje wyłącznie na
mitologiczne i literackie
motywy, portrety, wstępy do malarstwa
krajobraz i nagość
ciało. Ze wszystkich dostępnych środków wyrazu
oddał do dyspozycji malarstwa
preferencje kolorystyczne. w transmisji
przestrzeń, na której nie bardzo polegał
liniowy, ile za powietrze
perspektywy, rejestrując subtelne przejścia
kolory, gdy oddalają się od oczu widza, i
poszukiwane w obrazie form trójwymiarowych
relacje kolorów między oświetlonymi
i zacienionych miejscach.
Dzięki temu powstają jego obrazy
uczucie powietrza
obejmując i jednocząc wszystkich
przedmiotów i na obraz nagiego
ciało, wie, jak złapać drżenie i
ciepło. "Judyta" 1504 -
jedyny
znajduje się w Rosji
obraz Giorgione.
przechowywane
w stanie
Pustelnia. Wśród wczesnych obrazów artysty
odnosi się do Judyty. W przeciwieństwie do mistrzów
Florence Giorgione nie rozwiązuje tego tematu
heroicznie, ale lirycznie. W
ze swoją Judith ucieleśniał ideał czystego i
śliczna kobieta. Przedstawił ją
w momencie akcji, ale kiedy wyczyn
już dokonane, a ona stoi w nim zanurzona
zamyślenie oparte na
lśniący miecz. Do tworzenia
artysta nastroju subtelnie wykorzystuje
emocjonalna ekspresja koloru.
ciepłe odcienie ubrań i ciała Judith
wyróżnia się na tle błękitnego nieba i
zimne zielone odcienie trawy i
odcięta głowa Holofernesa. „Śpiąca Wenus” 1510
obraz weneckiego artysty Giorgione,
napisany przez niego na krótko przed śmiercią. Czysty i piękny obraz antyków
bogini miłości i piękna. Delikatność owalu
twarz, uderzająca czystość i gładkość
linie, subtelność relacji kolorystycznych,
zbudowany na odporności ciepłych tonów
korpus, niebieskawo-szare odcienie prześcieradeł,
gęsty winny kolor tkaniny
wezgłowie kontrastujące z zielenią
trawa i drzewa - wszystko było w tym nowe
zdjęcie, pierwsze z dużej serii podobnych
obrazy w sztuce europejskiej.
Obraz dokończył Tycjan, który
uzupełniony krajobrazem, a także przedstawiony u stóp
Wenus Kupidyna, która później zniknęła
podczas renowacji obrazu. TYCJAN 1477-1576
99 lat
Tycjan Vecellio
Po śmierci
Giorgione
prowadzący
mistrz
wenecki
szkoły
staje się
Tycjanowski. Gdyby Giorgione zaczął sztukę
A więc wysoki renesans w Wenecji
osiąga swój szczyt w dziele Tycjana.
Pod wieloma względami jest
następca Giorgione. Tak, w sztuce
został opracowany przez wprowadzonego przez Giorgione
wątki zapożyczone z literatury i
mitologii, a także pejzaży i portretów. Jak
i Giorgione, namalował dużo nagich ciał,
starając się przekazać jego niepokój i ciepło.
Natura sztuki Tycjana jest jednak inna.
Charakterystyczne dla dzieł Giorgione
odrobina romansu i rozmarzenia zostaje zastąpiona
ma bardziej ziemski, pełnokrwisty
wesołe uczucie. Jego kompozycje są bogatsze i
bardziej zróżnicowane, w dojrzałym
działa brzmi majestatycznie
patos sztuki Wysokości
Renesans. W jeszcze większym
stopnia niż Giorgione
kolorowy organizer główny
początek na zdjęciu i dojrzały
prace stają się nowe
zrozumienie formy zbudowanej nie na
światłocień i kolor
relacje. „Miłość ziemska i miłość niebiańska” (1514)
Jest to najbardziej znany i wykwintny z
romantyczne sceny napisane przez młodych
Tycjanowski.
Fabuła płótna pozwala na wiele interpretacji. Na
obraz dwóch niezwykle do siebie podobnych
kobiety (jedna ubrana, druga naga) siedzą na brzegach
rzeźbiona kamienna fontanna. Tło jest spokojne
sceneria. JEDNA WERSJA: Herb na środku fontanny
(tuż nad rurą, z której wypływa woda)
należy do znanego urzędnika
Niccolo Aurelio. Obraz został namalowany dla niego
ślub z Laurą Bagarotto. Kobieta
lewej, ubrana w białą suknię
symbolizuje pannę młodą i nagość
bohaterką jest bogini miłości Wenus. Bogini
zwraca się do Laury, jakby sobie tego życzyła
wprowadź ją w tajemnice miłości.
Ale niezależnie od planu Tycjana, on
udało się stworzyć
uderzająca harmonia kompozycji,
promienne ciepło koloru i
niesamowite kontrasty. Bachus i Ariadna 1520-1523 Bóg Bachus (w starożytnej mitologii greckiej Dionizos)
pojawia się po prawej stronie. Zakochanie się w Ariadnie od pierwszego wejrzenia
rzut oka, wysiada z rydwanu z dwoma gepardami.
Ariadnę właśnie rzucił Grek
bohater Tezeusz na wyspie Naksos – jego statek stoi
widać w oddali. Chwila uchwycona na płótnie
strach Ariadny przed nagłym pojawieniem się boga. Za pomocą
Legenda Bachusa zabrała ją później do nieba i zamieniła w
konstelacja Korony, która jest symbolicznie przedstawiona
na zdjęciu (na niebie nad Ariadną).
Kompozycja podzielona jest po przekątnej na dwie części
trójkąt: jeden to stałe błękitne niebo, np
do którego Tycjan użył drogiego lapis lazuli
dwoje kochanków i druga - pełna ruchu
krajobraz w odcieniach zieleni i brązu z
postacie towarzyszące Bachusowi. Ciekawy,
że wśród postaci towarzyszących rydwanowi,
jeden się wyróżnia, oczywiście inspirowany
znaleziono rzeźbę Laokoona i jego synów
na krótko przed namalowaniem obrazu w 1506 r. „Denarius Cezara”
1516
Nawet pod koniec XV wieku
Leonarda
kontrasty w
mój sekret
wieczór jest ludzki
szlachta i
człowiek
podłość. Tycjanowski,
wrażliwy
czas, nie mógł
zignoruj te
sprzeczności. Fabuła obrazu odzwierciedla moment, w którym faryzeusze,
niezadowolony z objawień ze strony Chrystusa, postanowił
zrujnować go. Ale bojąc się, że sami zabiją Chrystusa, postanowili
zrób to rękami Rzymian. W tym celu wymyślili faryzeusze
przebiegły plan. Wysłali do Chrystusa jednego z faryzeuszy
srebrna moneta - denar.
Postać Chrystusa majestatycznie dominuje nad obrazem, wypełniając
obraz jest prawie w całości, wyróżnia się na ciemnym tle.
Jeśli obraz Chrystusa jest zdominowany przez idealnie wzniosłe
początku, potem w przebraniu faryzeusza pewnego
jego podłość, znikomość, pełna wad. Jego ręka jest spuchnięta
i żylasty, haczykowaty profil jest ostry, twarz pomarszczona.
Temat spotkania dwóch przeciwstawnych światów, świata
wzniosłe ideały i rzeczywistość,
jakby się zapina i dopełnia, tworzy rodzaj połączenia,
wyrazisty kontrast szczupłej ręki Chrystusa, która
nigdy nie dotyka monety wskazanej przez Chrystusa,
i potężna ręka faryzeusza, mocno ściskająca srebro
denar. Portret
Papież Paweł
III w
Aleksander
i Ottavio
farnez
Pierwszy
napisane w
gatunek muzyczny
Grupa
porter.
1546 Maryja pokutująca
Magdaleny 1565
Płótno z
przedstawienie Maryi
Magdalena była
na zlecenie Tycjana w r
połowa lat 60. XVI wieku.
Za to zdjęcie
pozował artystce
Julia Festina. Kiedy
obraz był gotowy
Ona była
pokazano księciu
Gonzaga, do której ona
spodobało się tak bardzo, że
zamówił kopię. Później
Tycjan to zrobił
jeszcze kilka egzemplarzy
zmiana pochylenia głowy i
pozycja dłoni
kobiety i też
tło krajobrazu
obrazy. Paolo Veronese
1528-1588
60 lat
Paolo Veronese
urodził się w Weronie. W
rodzina była piąta
syn. studiował z
wenecki
artysta Badile,
pracował w Weronie
i Mantui.
W 1566 ożenił się
córka jego nauczyciela
Antonio Badil. Zmarł
Paolo Veronese z
zapalenie płuc w
Wenecja. Był
pochowany w cerkwi
Święty Sebastianie. Paolo Cagliari (Veronese), Było
niezwykle uzdolniony artysta
Ma 25 lat i już stał się sławny
obrazy do Pałacu Weneckiego
Pieseł. Paolo szybko zwyciężył
artystyczny Olimp Wenecki,
demonstrują w swojej pracy
bogactwo i harmonia kolorów
palety, bezbłędny rysunek,
świetne wyczucie kompozycji. Jak
i większość jego artystów
Veronese pisał głównie
obrazy o tematyce religijnej i
opowieści mitologiczne. „Pokłon Trzech Króli” 1573 Mały (45x34 cm) obraz jest
wyjątkowa praca. To może być
powiększyć go do rozmiarów fresku i to
nie stracą swojego artystycznego charakteru
zasługi. Veronese odtworzył jeden
z najważniejszych momentów
życie Chrystusa.
Został napisany dla kościoła San Silvestro w Wenecji i pozostał
tam, aż do XIX wieku nie było
odbudowany. „Pokłon Trzech Króli” nie jest ołtarzem, obrazem
zawieszony na ścianie nawy obok
ołtarz bractwa św. Józefa. Trzej magowie, którzy przybyli ze wschodu, podążając za przewodnikiem
gwiazdę, znaleźli Maryję z Dzieciątkiem w Betlejem. W
malarzy renesansu, a w szczególności Veronese,
często malował dom, w którym urodziła Dziewica Maryja. Ten dom
wygląda jak zniszczony budynek i symbolizuje
Stary Testament. Chrystus przyszedł na ziemię, aby go zastąpić
do Nowego Testamentu. Zdjęcie pokazuje, że ten „dom” jest przymocowany
do ruin majestatycznej budowli w stylu klasycystycznym
stylu z łukiem triumfalnym w tle – wskazaniem
Rzym. Na pierwszym planie Mędrcy ze swoją świtą. Oprócz
postacie z ewangelii, jak zwykle wprowadza Veronese
scena wielu innych uczestników, obracając się całkowicie
we własnym stylu, wzniosły akt kultu Dzieciątka (wówczas
są wyznania Jego Boskiej natury) w sposób wspaniały
festiwal.
Przekątna, która dominuje na obrazie, która się tworzy
strumień światła lejący się z nieba z postaciami aniołów na nim,
„reaguje” na inny, narysowany pod kątem prostym
ten promień - z postaci Mędrców. Madonna z Dzieciątkiem
są na przecięciu linii - cudowne i
unikalne rozwiązanie kompozycyjne. „Zaślubiny w Kanie Galilejskiej” „Wesele w Kanie Galilejskiej” – obraz wg
motyw słynnej ewangelicznej opowieści o
Jezus zamieniający wodę w wino.
Obraz przedstawia około 130 postaci,
wśród nich jest późniejsza tradycja
podświetlone portrety słynnych władców
renesansu, jak Karol
V, Franciszek I, Sulejman
Wspaniały, Maria I i inni.
Na obrazie muzyków na pierwszym planie
Veronese przechwytuje słynne
malarze weneccy -
Tycjan, Tintoretto, Bassano i on sam
białe ubrania.
Obraz wykonał o
na zlecenie benedyktynów z San Giorgio
Maggiore w Wenecji dla refektarza opactwa. Jeden z najlepszych i znanych
dzieła malarza – „Triumf
Wenecja”, ogromny obraz
owalny kształt, który
ten dzień zdobi sufit
Wielka Sala Rady w
Pałac Dożów.
Fabuła dzieła jest majestatyczna
i pompatyczny - niebiański anioł
korona Wenecji. Wokół
znajdują się główni bohaterowie
postacie ludzi, alegorycznie
wskazując na wszystko
Cnoty weneckie
republiki, które
zapewnić jej pomyślność
i chwała.
Godne uwagi w pracy są dwa
chwila - postać anioła,
który jest przedstawiony w bardzo
trudne skróty perspektywiczne i kolor
decyzja. bogaty kolor
kolor stylu
Jak dotąd Veronese
budzi podziw. Tintoretta
(Jacopo
solidny)
1519-1594
75 lat Tintoretto był synem farbiarza
jedwabie. Nie przeszedł przez to, co zwykle
szkolenie w warsztacie malarza i
był samoukiem (krytycy sztuki
nazywają tylko jednego imienia nauczyciela, Tycjana, ale studiował tylko
kilka dni.) Tintoretto z
z wielką gorliwością studiował stworzenie
wielkich mistrzów renesansu
(Tycjan i Michał Anioł). Cud Świętego Marka
1547-1548Scuola Grande di San Marco, bogata i potężna
stowarzyszenie handlarzy przyprawami, również zdobiło ich
sale ze scenami z życia świętych. Dla niej
trzydziestoletni Tintoretto wykonał kompozycję „Cud
Świętego Marka”, wygrywając swój pierwszy bezwarunkowy sukces.
Do czasu powstania płótna w malarstwie weneckim
nastąpiły istotne zmiany. Tintoretto Jr.
współczesny Giorgione, Tycjanowi i wielkim mistrzom
Środkowe Włochy w okresie wysokiego renesansu, nie tylko
wyciągnęli wnioski („rysunek Michała Anioła, kolorowanie
Tycjanowski").
To jest w „cudzie św. Marka” (apostoł uwalnia
chrześcijański niewolnik tortur) odkrywają badacze
pierwsza triumfalna manifestacja niepodległości
wpływy stylu Tintoretta.
Jeśli chodzi o cechy malarskiej struktury płótna, to
niespokojną grę nienaturalnego światła, z pomocą
którym artystka tworzy wspaniały klimat, zwłaszcza
zauważalna soczystą i odważną paletą kostiumów
postacie. „Ukrzyżowanie” (1565-1588)
Wielki zakres talentu Tintoretta
objawiła się w zespole Scuola di San Rocco. Za pomocą
ścian i sufitów tego dwupiętrowego pomieszczenia
umieszczone ogromne wielofigurowe
kompozycje, które sprawiają wrażenie autentycznych
ludowe podstawy twórczości Tintoretta. „Ukrzyżowanie” – monumentalne
kompozycja przedstawiająca tłumy
ludzie,
zmieszany
oraz
ciekawski
smutny
oraz
triumfujący na widok ukrzyżowania. Na
sama stopa krzyża - grupa
ukochani,
wstrząśnięty
pogląd
objawione im cierpienie. I koniec
z całym tym morzem ludzi, w blasku
świt wznosi krzyż z ukrzyżowanym
Chrystus, jakby się rozciągał
ręce obejmujące zmartwiony
niespokojny świat. Powstanie Drogi Mlecznej 1575-1580 Fabuła jego pracy została zaczerpnięta z języka greckiego
mitologia. Zeus chciał
nieśmiertelny jego syn Herkules,
zrodzony z ziemskiej kobiety. Za to on
pogrążył żonę w głębokim śnie,
bogini Herę i przyłóż jej dziecko do piersi,
aby mógł pić boskość
mleko, które zapewnia nieśmiertelność. Herkules już
wówczas wyróżniający się niewiarygodną siłą, stał się
ssanie mleka tak energicznie, że spowodowało
Jaki ból. Bogini odepchnęła dziecko, krople
mleko rozlało się w niebo i zamieniło się w
w gwiazdy, które utworzyły Mleczną
Droga. Krople mleka, które spadły na ziemię
stały się białymi liliami.
Sztuka renesansu i średniowiecza: Renesans Średniowiecze Indywidualna twórczość poszczególnych artystów i mistrzów Sztuka jest anonimowa: osobowość artysty jest słabo wyrażona; artyści rozumieli sztukę jako usługę, jako dzieło zbiorowe Sztuka świecka: w formie religijnej artyści głosili świeckie ideały Sztuka religijna w formie i treści Zwiększyła się liczba świeckich rodzajów malarstwa Religijne rodzaje malarstwa
Pracował bardzo powoli (fresk Ostatnia Wieczerza w Mediolanie był malowany przez 16 lat) Wiele jego prac pozostało niedokończonych przez Lonardo da Vinci ()
Mieszkał przez kilka lat we Florencji Przeniósł się do Rzymu Z rozkazu papieża Juliusza 2 stworzył cykl malowideł ściennych w komnatach reprezentacyjnych rezydencji papieskiej w Watykanie Namalował wiele portretów autorstwa Rafaela Santiego ()
„Szkoła Ateńska” – najlepszy fresk Rafaela w Pałacu Watykańskim W centrum – Platon i Arystoteles Platon wskazuje palcem na niebo, Arystoteles na ziemię Leonardo da Vinci jest przedstawiony na obrazie Platona, filozofa Michała Anioła siedzi na pierwszym planie, Rafał przedstawił siebie po prawej stronie obok astronomów
Rzeźbiarz Malarz Architekt Poeta - Pracował we Florencji - potem w Rzymie - potem w Watykanie Michał Anioł ()
Ściany malował już Botticelli i inni. Michał Anioł został poproszony o pomalowanie sufitu. Pracował bez asystentów. Malował stojąc na rusztowaniu i odchylając głowę do tyłu. Pracował kilka lat. Jego freski ilustrują mity o stworzeniu świat i człowiek kaplica Pałacu Watykańskiego w Rzymie)
