W najprostszym sensie sztuka to zdolność osoby do przełożenia czegoś pięknego na rzeczywistość i czerpania przyjemności estetycznej z takich przedmiotów. Może to być też jeden ze sposobów poznawania, zwany mistrzostwem, ale jedno jest pewne: bez sztuki nasz świat byłby mdły, nudny i wcale nie ekscytujący.

przystanek terminologiczny

W najszerszym znaczeniu sztuka jest rodzajem umiejętności, której wytwory przynoszą przyjemność estetyczną. Według wpisów w Encyclopædia Britannica głównym kryterium sztuki jest umiejętność wywołania reakcji u innych ludzi. Z kolei Wielka Encyklopedia Sowiecka mówi, że sztuka jest jedną z form świadomości społecznej, która jest głównym składnikiem ludzkiej kultury.

Nieważne, co ktoś mówi, ale debata wokół terminu „sztuka” trwa od bardzo dawna. Na przykład w epoce romantyzmu sztukę uważano za cechę ludzkiego umysłu. Oznacza to, że rozumieli ten termin w taki sam sposób, jak religia i nauka.

Specjalne rzemiosło

W pierwszym i najpowszechniejszym znaczeniu pojęcie sztuki odczytywano jako „rzemiosło” lub „kompozycję” (to też tworzenie). Mówiąc najprościej, sztuką można nazwać wszystko, co zostało stworzone przez osobę w trakcie wymyślania i rozumienia określonej kompozycji.

Aż do XIX wieku sztuka była nazwą zdolności artysty lub piosenkarza do wyrażania swojego talentu, zniewalania publiczności i wzbudzania w niej uczuć.

Pojęcie „sztuki” może być wykorzystywane w różnych obszarach działalności człowieka:

• proces wyrażania talentu wokalnego, choreograficznego lub aktorskiego;
• dzieła, przedmioty fizyczne stworzone przez mistrzów swojego rzemiosła;
• proces konsumpcji dzieł sztuki przez odbiorców.

Podsumowując, można powiedzieć, co następuje: sztuka jest swego rodzaju podsystemem duchowej sfery życia, która jest twórczym odwzorowaniem rzeczywistości w artystycznych obrazach. Jest to wyjątkowa umiejętność, która może wywołać podziw opinii publicznej.

Trochę historii

O sztuce mówi się w kulturze światowej od czasów starożytnych. Sztuka prymitywna (czyli sztuka plastyczna, to także rysunek naskalny) pojawiła się wraz z człowiekiem w epoce środkowego paleolitu. Pierwsze przedmioty, które można utożsamiać ze sztuką jako taką, pojawiły się w górnym paleolicie. Najstarsze dzieła sztuki, takie jak naszyjniki z muszli, pochodzą sprzed 75 000 lat pne.

W epoce kamienia łupanego sztuką nazywano prymitywne rytuały, muzykę, tańce i dekoracje. Ogólnie rzecz biorąc, sztuka współczesna wywodzi się ze starożytnych rytuałów, tradycji, zabaw, które były uwarunkowane mitologicznymi i magicznymi ideami i wierzeniami.

Od prymitywnego człowieka

W sztuce światowej zwyczajowo wyróżnia się kilka epok jej rozwoju. Każdy z nich przejął coś od swoich przodków, dodał coś od siebie i pozostawił to swoim potomkom. Z wieku na wiek sztuka przybierała coraz bardziej złożoną formę.

Sztuka prymitywnego społeczeństwa składała się z muzyki, pieśni, rytuałów, tańców i obrazów, które były nakładane na skóry zwierząt, ziemię i inne naturalne przedmioty. W świecie starożytności sztuka przybierała bardziej złożoną formę. Rozwinął się w egipskich, mezopotamskich, perskich, indyjskich, chińskich i innych cywilizacjach. Każdy z tych ośrodków wykształcił własny, niepowtarzalny styl w sztuce, który przetrwał ponad tysiąclecie i do dziś ma wpływ na kulturę. Nawiasem mówiąc, starożytni greccy artyści byli uważani za najlepszych (nawet lepszych niż współcześni mistrzowie) w przedstawianiu ludzkiego ciała. Tylko im udało się w jakiś niesamowity sposób dokładnie oddać muskulaturę, postawę, dobrać odpowiednie proporcje i oddać naturalne piękno natury.

Średniowiecze

W średniowieczu religie miały znaczący wpływ na rozwój sztuki. Dotyczy to zwłaszcza Europy. Sztuka gotycka i bizantyjska opierała się na prawdach duchowych i opowieściach biblijnych. W tym czasie na Wschodzie iw krajach islamu wierzono, że rysunek osoby jest niczym innym jak stworzeniem idola, który został zakazany. Tak więc architektura, ornamenty były obecne w sztukach wizualnych, ale nie było osoby. Rozwinęła się kaligrafia i biżuteria. W Indiach i Tybecie główną sztuką był taniec religijny, a następnie rzeźba.

W Chinach kwitła szeroka gama sztuk, żadna religia nie wywierała na nie wpływu ani presji. Każda epoka miała swoich mistrzów, każdy z nich miał swój własny styl, który doskonalił. Dlatego każde dzieło sztuki nosi nazwę epoki, w której powstało. Na przykład wazon z epoki Ming lub obraz z epoki Tang. W Japonii sytuacja jest taka sama jak w Chinach. Rozwój kultury i sztuki w tych krajach był dość oryginalny.

renesans

W okresie renesansu sztuka ponownie powraca do wartości materialnych i humanizmu. Ludzkie postacie nabierają utraconej fizyczności, w przestrzeni pojawia się perspektywa, a artyści dążą do odzwierciedlenia fizycznej i racjonalnej pewności.

W epoce romantyzmu w sztuce pojawiają się emocje. Mistrzowie starają się pokazać ludzką indywidualność i głębię przeżyć. Zaczyna pojawiać się wiele stylów artystycznych, takich jak akademizm, symbolizm, fowizm itp. Co prawda ich stulecie było krótkie, a dawne kierunki, pobudzone grozą przeżytych wojen, można powiedzieć, że odrodziły się z popiołów.

W drodze do nowoczesności

W XX wieku mistrzowie poszukiwali nowych możliwości wizualnych i standardów piękna. W wyniku postępującej globalizacji kultury zaczęły się przenikać i wpływać na siebie. Na przykład impresjoniści inspirowali się japońskimi rycinami, na twórczość Picassa znaczący wpływ miały sztuki piękne Indii. W drugiej połowie XX wieku na rozwój różnych dziedzin sztuki wpływ miał modernizm, z jego nieubłaganym idealistycznym poszukiwaniem prawdy i sztywnymi normami. Nastał okres sztuki nowoczesnej, kiedy zdecydowano, że wartości są względne.

Funkcje i właściwości

Przez cały czas teoretycy historii sztuki i kulturoznawstwa mówili, że sztuka, jak każde inne zjawisko społeczne, charakteryzuje się odmiennymi funkcjami i właściwościami. Wszystkie funkcje sztuki są warunkowo podzielone na motywowane i niemotywowane.

Funkcje niezmotywowane to właściwości, które są integralną częścią natury ludzkiej. Mówiąc najprościej, sztuka jest czymś, do czego popychają człowieka instynkty i co wykracza poza to, co praktyczne i użyteczne. Funkcje te obejmują:

• Podstawowy instynkt harmonii, rytmu i równowagi. Tutaj sztuka przejawia się nie w formie materialnej, ale w zmysłowym, wewnętrznym pragnieniu harmonii i piękna.
• Uczucie tajemnicy. Uważa się, że sztuka jest jednym ze sposobów odczuwania połączenia z wszechświatem. To uczucie pojawia się nieoczekiwanie podczas kontemplacji zdjęć, słuchania muzyki itp.
• Wyobraźnia. Dzięki sztuce człowiek ma możliwość nieograniczonego posługiwania się wyobraźnią.
• Zwracając się do wielu. Sztuka pozwala twórcy odnieść się do całego świata.
• rytuały i symbole. Niektóre współczesne kultury mają kolorowe rytuały, tańce i występy. Są swoistym symbolem, a czasem tylko sposobem na urozmaicenie imprezy. Same w sobie nie dążą do żadnego celu, ale antropologowie widzą w każdym ruchu znaczenie nadane w procesie rozwoju kultury narodowej.

Funkcje motywowane

Motywowane funkcje sztuki to cele, które twórca świadomie stawia sobie przystępując do tworzenia dzieła sztuki.

W tym przypadku sztuką może być:

• Środek komunikacji. W najprostszej formie sztuka jest sposobem komunikacji między ludźmi, za pomocą którego można przekazywać informacje.
• Rozrywka. Sztuka potrafi stworzyć odpowiedni nastrój, pomaga się zrelaksować i odwrócić uwagę od problemów.
• Na zmianę. Na początku XX wieku powstało wiele dzieł prowokujących zmiany polityczne.
• Do psychoterapii. Psychologowie często wykorzystują sztukę do celów leczniczych. Technika oparta na analizie wzorca pozwala na dokładniejszą diagnozę.
• Dla protestu. Sztuka była często używana do protestu przeciwko czemuś lub komuś.
• Propaganda. Sztuka może być także środkiem propagandy, za pomocą którego można po cichu wpływać na kształtowanie się nowych gustów i nastrojów wśród społeczeństwa.

Jak widać z funkcji, sztuka odgrywa ważną rolę w życiu społeczeństwa, wpływając na wszystkie sfery życia człowieka.

Rodzaje i formy

Początkowo sztukę uważano za niepodzielną, to znaczy za ogólny kompleks działalności twórczej. Dla człowieka prymitywnego nie istniały odrębne przykłady sztuki, takie jak teatr, muzyka czy literatura. Wszystko zostało połączone w jedno. Dopiero po pewnym czasie zaczęły pojawiać się różne rodzaje sztuki. Tak nazywają się historycznie utrwalone formy artystycznej refleksji nad światem, które służą do tworzenia różnych środków.

W zależności od użytych środków wyróżnia się następujące formy sztuki:

• Literatura. Używa środków werbalnych i pisemnych do tworzenia próbek dzieł sztuki. Wyróżnia się tutaj trzy główne gatunki - dramat, epicki i teksty.
• Muzyka. Dzieli się na wokalną i instrumentalną, do tworzenia sampli artystycznych używa się środków dźwiękowych.
• Taniec. Do tworzenia nowych wzorów stosuje się ruchy plastyczne. Przydziel balet, rytuał, salę balową, nowoczesną i ludową sztukę tańca.
• Obraz. Za pomocą koloru rzeczywistość jest pokazywana na płaszczyźnie.
• Architektura. Sztuka przejawia się w przekształcaniu środowiska przestrzennego za pomocą struktur i budynków.
• Rzeźba. Jest to dzieło sztuki, które ma objętość i trójwymiarowy kształt.
• Sztuka dekoracyjna i użytkowa. Ta forma jest bezpośrednio związana z potrzebami użytkowymi, są to przedmioty artystyczne, które można wykorzystać w życiu codziennym. Na przykład pomalowane naczynia, meble itp.
• Teatr. Za pomocą gry aktorskiej rozgrywa się na scenie akcja sceniczna o określonym temacie i charakterze.
• Cyrk. Rodzaj spektakularnej i zabawnej akcji z zabawnymi, nietypowymi i ryzykownymi liczbami.
• Film. Można powiedzieć, że jest to ewolucja akcji teatralnej, w której wciąż stosuje się nowoczesne środki audiowizualne.
• Zdjęcie. Polega na utrwalaniu obrazów wizualnych środkami technicznymi.

Do wymienionych form można jeszcze dodać takie gatunki sztuki jak sztuka różnorodna, grafika, radio itp.

Rola sztuki w życiu człowieka

To dziwne, ale z jakiegoś powodu uważa się, że sztuka jest przeznaczona tylko dla wyższych warstw populacji, tak zwanej elity. Dla innych osób ta koncepcja jest rzekomo obca.

Sztuka zwykle utożsamiana jest z bogactwem, wpływami i władzą. W końcu to ci ludzie mogą sobie pozwolić na kupowanie pięknych, nieprzyzwoicie drogich i absurdalnie bezużytecznych rzeczy. Weźmy na przykład Ermitaż lub Pałac Wersalski, w których zachowały się bogate kolekcje monarchów z przeszłości. Dziś na takie kolekcje mogą sobie pozwolić rządy, niektóre organizacje prywatne i osoby bardzo zamożne.

Czasami można odnieść wrażenie, że główną rolą sztuki w życiu człowieka jest pokazywanie innym statusu społecznego. W wielu kulturach drogie i eleganckie rzeczy pokazują pozycję danej osoby w społeczeństwie. Z drugiej strony, dwa wieki temu starano się uczynić sztukę wysoką bardziej dostępną dla szerokiej publiczności. Na przykład w 1793 roku Luwr został otwarty dla wszystkich (do tej pory był własnością królów francuskich). Z czasem idea ta została podchwycona w Rosji (Galeria Trietiakowska), Stanach Zjednoczonych (Muzeum Metropolitalne) i innych krajach europejskich. Mimo to ludzie, którzy mają własną kolekcję dzieł sztuki, zawsze będą uważani za bardziej wpływowych.

syntetyczny lub prawdziwy

W dzisiejszym świecie istnieje ogromna różnorodność dzieł sztuki. Uzyskują różne rodzaje, formy, środki tworzenia. Jedyne, co pozostało niezmienione, to sztuka ludowa w jej pierwotnej postaci.

Dziś nawet prosty pomysł jest uważany za sztukę. To dzięki pomysłom, opinii publicznej i krytycznym opiniom prace takie jak Czarny kwadrat, pokryty naturalnym futrem serwis do herbaty czy sprzedana za 4 miliony dolarów fotografia Renu cieszą się niesłabnącym powodzeniem. Trudno nazwać te i podobne przedmioty prawdziwą sztuką.

Czym więc jest prawdziwa sztuka? W zasadzie są to prace, które zmuszają do myślenia, zadawania pytań, szukania odpowiedzi. Prawdziwa sztuka przyciąga, chcę zdobyć ten przedmiot za wszelką cenę. Nawet w literaturze rosyjscy klasycy pisali o tej przyciągającej sile. Tak więc w opowiadaniu Gogola „Portret” bohater wydaje ostatnie oszczędności na zakup portretu.

Prawdziwa sztuka zawsze czyni człowieka milszym, silniejszym i mądrzejszym. Posiadając bezcenną wiedzę i doświadczenie, które były gromadzone przez wiele pokoleń i są obecnie dostępne w akceptowalnej formie, człowiek ma możliwość rozwoju i doskonalenia się.

Prawdziwa sztuka jest zawsze tworzona z serca. Nieważne, co to będzie - książka, obraz, muzyka, sztuka. Widz poczuje. Koniecznie poczuj to, co chciał przekazać twórca. Poczuj jego emocje, zrozum jego myśli, idź z nim w poszukiwaniu odpowiedzi. Prawdziwa sztuka to niesłyszalna rozmowa autora z człowiekiem, po której słuchacz/czytelnik/widz już nigdy nie będzie taki sam. Na tym polega prawdziwa sztuka. Prawdziwie skoncentrowana wiązka uczuć. Jak napisał Puszkin, powinien palić serca ludzi i bez względu na wszystko - czasownikiem, pędzlem lub instrumentem muzycznym. Taka sztuka powinna służyć ludziom i inspirować ich do zmiany, bawić, gdy są smutni i budzić nadzieję, zwłaszcza gdy wydaje się, że nie ma wyjścia. To jedyna droga, nie może być inaczej.

Dziś istnieje wiele dziwnych, czasem nawet śmiesznych przedmiotów, które nazywane są dziełami sztuki. Ale jeśli nie są w stanie „zahaczyć o szybkie”, to nie mogą odnosić się do sztuki a priori.

Rozgrywka RPG 3Postacie z gry Czy gry są frustrujące? RDI 4. Strumienie i na żywo

Pojęcie „sztuki”

Czym jest „sztuka”? Termin ten nie ma prostego i intuicyjnego znaczenia. Większość ludzi rozumie to słowo w zupełnie innych, sprzecznych znaczeniach. A jednocześnie jest to bardzo ważny byt, który otacza nas ze wszystkich stron.

Spróbujmy to rozgryźć. Na początek przyjrzyjmy się znaczeniu tego słowa w najpopularniejszym źródle informacji - w encyklopedii komputerowej Wikipedii: en.wikipedia.org/wiki/Art

Sztuka(od „sztuki tworzenia”) – proces lub rezultat wyrażania świata wewnętrznego w obrazie (artystycznym), twórcze połączenie elementów w sposób odzwierciedlający uczucia lub emocje.

Przez długi czas widok był uważany za sztukę. kulturalny czynność, która zaspokaja umiłowanie człowieka do piękna. Wraz z ewolucją społecznych norm i ocen estetycznych wszelkie działania mające na celu tworzenie wyrazistych form zgodnych z ideałami estetycznymi zyskały prawo do miana sztuki.

W skali całego społeczeństwa sztuka jest szczególnym sposobem poznawania i odzwierciedlania rzeczywistości, jedną z form świadomości społecznej i częścią duchowego kultura zarówno osoby, jak i całej ludzkości, będącej różnorodnym rezultatem twórczej działalności wszystkich pokoleń.

Pojęcie sztuki jest niezwykle szerokie – może przejawiać się jako niezwykle rozwinięta umiejętność w określonej dziedzinie.

Zgadzam się, to dość trudne do zrozumienia. Jakby specjalnie zaszyfrowali i ukryli znaczenie przed wszystkimi niewtajemniczonymi. Spróbujmy teraz zinterpretować ten termin po ludzku: prostszy i bardziej zwięzły.

Sztuka jest narzędziem kultury

W opisie brakuje słowa kluczowego, ale jest zakopany w masie nonsensów. Tym ważnym słowem jest kultura. Sztuka jest głównym narzędziem kultury. To dzięki kulturze termin „sztuka” jest najłatwiejszy do zrozumienia.

Kultura jest tym, co odróżnia człowieka od zwierzęcia, to wszystkie zgromadzone przez ludzkość informacje, przekazywane z pokolenia na pokolenie. Zwierzęta są w ciągłym rozwoju, przekazując zmiany swoim potomkom poprzez geny. Ludzkość oprócz rozwoju genetycznego wykorzystuje rozwój informacji. Ludzie rodzą się i umierają, ale zapisane przez nich informacje pozostają na zawsze w kulturze i są stale dostępne dla nowych pokoleń. Sztuka to konkretne przedmioty intelektualne lub fizyczne, poprzez które przekazywana jest kultura.

Nie trzeba pojmować kultury wyłącznie jako czegoś lirycznego, przeciwstawnego temu, co naukowe i techniczne. Oficjalna nauka jest tylko jednym z działów kultury. W nauce informacje o świecie zewnętrznym są starannie demontowane, sortowane, układane na półkach i przekształcane w formuły. Kultura zawiera nie tylko formuły, ale także słabo ustrukturyzowane informacje, które nie poddały się jeszcze naukowej analizie. Ludzie już przyswoili sobie te informacje, ale jeszcze ich w pełni nie zdali sobie sprawy, dlatego używają nie dokładnych słów, aby to opisać, ale licznymi przykładami, sytuacjami, działaniami, podobnymi obrazami.

Czy ci to nic nie przypomina? Na tej źle ustrukturyzowanej informacji opiera się sztuka.

Sztuka to przekazywanie nieustrukturyzowanych informacji.

Filtrowanie sztuki

Nie podoba Ci się skąpe naukowe sformułowanie? Nie zaskakujący. Dla większości ludzi słowo „sztuka” jest wyraźnie kojarzone z takimi słowami, jak „piękny”, „kreatywność”, „umiejętność”, „umiejętność”, „arcydzieło”, ale nie z terminem „nieustrukturyzowana informacja”. Wszystko to można wyjaśnić nieco szerzej, rozumiejąc proces powstawania dzieł sztuki.

Współcześni autorzy czasami tworzą rzeczy, które są okropne pod względem jakości i treści, ale mimo to są uważane za część sztuki. Prawdziwym koneserom te fakty nie mieszczą się w głowie. Historycy sztuki wymyślili nawet specjalne kategorie „sztuki współczesnej” i „sztuki wysokiej”, aby oddzielić jedną od drugiej. Dobra, życzliwa, wieczna nie powinna być na równi ze złą, złą i chwilową.

Ale jedno i drugie jest sztuką. I nie ma co myśleć, że „nowoczesny” to określenie tylko dla tego, co pojawiło się w naszym XXI wieku. Obsceniczne obrazy, książki, posągi były sprzedawane na rynkach od niepamiętnych czasów. Być może już w epoce kamiennej istniały tego rodzaju malowidła naskalne. Tylko wszystkie te twory, mające na celu zaspokojenie bieżących potrzeb, nie przetrwały do ​​dziś. Kiedy opadnie piana nowoczesności, wszystko chwilowo wyparuje, pozostawiając jedynie suchą pozostałość po najlepszych arcydziełach.

Tak działa sztuka: twórcy tworzą dzieła o różnych stylach, kierunkach, walorach, ale tylko najlepsze egzemplarze, arcydzieła trafiają do skarbca kultury. Mistrzowie swojego rzemiosła początkowo dążyli do takiego wyniku - pozostawienia śladu w kulturze, dlatego w swoich dziełach uwzględniają odwieczne tematy, które będą istotne zarówno dla współczesnych, jak i potomków. W pamięci ludzi nieprzyjemne i nieistotne wydarzenia szybko zapadają w pamięć, z czysto psychofizjologicznych powodów na długo zapamiętywane są tylko przyjemne lub żywe wspomnienia, dodając emocjonalnej siły z każdym wspomnieniem. Dlatego wszystkie dzieła klasyczne wydają nam się tak wspaniałe iz tego samego powodu kojarzymy ze sobą słowa „sztuka” i „piękne”. Filtry wejściowe kultury są ułożone w taki sposób, że dostaje się do niej tylko to, co odpowiada uniwersalnym wartościom człowieka i przyczynia się do dalszego rozwoju ludzkości.

Z tego punktu widzenia cały spór wśród historyków sztuki sprowadza się do tego, jaka część sztuki jest uważana za sztukę: cała różnorodność nieustrukturyzowanych informacji, czy tylko to, co już przeszło przez filtry uniwersalnych wartości ludzkich.

Tempo naszego życia z roku na rok przyspiesza. Okres, po którym można stwierdzić, czy dzieło stało się klasykiem, został skrócony do dosłownie 10-20 lat. Zdecydowanie konieczne jest oddzielenie wieczności od chwilowości, ale w tym celu konieczne jest studiowanie obu stron sztuki, a nie odgradzanie się od nowoczesnych trendów. W końcu to my, cała ludzka społeczność, decydujemy, jakich potomków obejrzymy, a co rozpłyną się w otchłani czasu. Z roku na rok pojawia się coraz więcej informacji, a czasu na ich uporządkowanie jest coraz mniej. Z tego powodu prace dziwne i absurdalne otrzymują nagle wysoki tytuł klasyki. Należy uporządkować strukturę i uznanie sztuki, aby więcej osób mogło uczestniczyć w tym procesie, a filtry kulturowe wykonywały swoją pracę równie dobrze, jak przed nadejściem ery cyfrowej.

Sztuka to umiejętność tworzenia piękna

Rozważmy tę samą „sztukę przefiltrowaną”, która ostatecznie pozostanie w pamięci ludzkości. Aby to wyznaczyć, możesz wymyślić bardziej eleganckie i zwięzłe sformułowanie:

Sztuka to umiejętność tworzenia piękna Źródło sztuki - kreacja(kreacja).
medium sztuki - umiejętność(rzemiosło).
Celem sztuki jest piękny(duchowa przyjemność).

Do zdefiniowania potrzebne były tylko trzy słowa, ale jednocześnie mieści się w nich całe znaczenie: zarówno źródło, jak i środek i cel.

Istnieją również trzy akcje, które są ważne dla sztuki: zrozumienie nowy (aby motywować kreatywność), wyrażenie myśli i uczucia (używać umiejętności, umiejętności), wiara(do świadomości koneserów). Pierwsze trzy składniki – sama istota sztuki, te trzy pozostałe – nie należą do sztuki, ale są jej niezbędne. W czystej, bezinteresownej sztuce nigdy nie zwraca się na te działania szczególnej uwagi. Jeśli natomiast akcentuje się jakiś element (rozumienie, ekspresję, przekonanie), to sztuka staje się narzędziem innego działania i przestaje być sobą.

Nacisk na zrozumienie. Celem jest sława autora lub powiadomienie o opisanym wydarzeniu, dostarczenie informacji (nauki, wiadomości, kampanie PR, reklama).
Nacisk na wyrażenie. Celem jest zaufanie wymagane do wierzenia(oszustwo, wykorzystywanie ludzkich słabości).
Nacisk na perswazja. Celem jest narzucenie swoich wartości, swojego punktu widzenia, zmiana światopoglądu (władza, religia).

Rysunek przedstawia schemat sztuki w postaci sześciokąta foremnego. Na tym diagramie można zauważyć jedno podobieństwo, jeśli posuniemy się w kierunku przeciwnym do ruchu wskazówek zegara: zrozumienie, kreatywność, ekspresja, rzemiosło, perswazja, przyjemność. Przypomina cykl każdego produktu: badanie, modelowanie, projektowanie, produkcja, dystrybucja, konsumpcja. Okazuje się, że:

Sztuka to cykl produkcji dóbr dla duszy

Sześciokąt jest figurą zamkniętą, w środku jest napięcie. Każdy aspekt przeciwstawia się przeciwległemu aspektowi.

Ekspresja przeciwstawia się przyjemności.

Przyjemność jest potrzebą, pragnieniem piękna i duchowości. Wyrażenie jest możliwością, czymś, co osoba może zrobić. Często nie ma wystarczających możliwości zaspokojenia potrzeb. Aby uzyskać nowe potrzeby, musisz zmienić możliwości.

Rzemiosło sprzeciwia się zrozumieniu.

Produkcja koncentruje się na tworzeniu gotowych pomysłów, są one dopracowywane do ideału, wiele wysiłku wkłada się w gotową produkcję. Dlatego pojawienie się nowej wiedzy nie jest korzystne dla produkcji: wszystko trzeba będzie przebudować, aby pasowało do nowych pomysłów, wydając na to zasoby i ponownie osiągając ideał. Zmiany w produkcji nigdy nie następują dobrowolnie, tylko pod presją okoliczności zewnętrznych (przykład: udana rola aktora zamyka dla niego wszystkie inne role, jest zmuszony grać to, w czym jest najlepszy). Aby zrozumieć nowe, musisz uciec od starego.

Perswazja jest przeciwieństwem kreatywności.

Za pomocą perswazji produkty produkcji są rozprowadzane i utrwalane. „Perswazja” jest równie sztywną strukturą jak „rzemiosło”. Przeciwdziała nowym kreacjom, nie pozwala im przebić się do konsumenta. (przykład: prawdziwi fani serii gier komputerowych zawsze wrogo odnoszą się do nowej gry z serii, bez względu na to, jak dobra jest). Aby stworzyć coś nowego, musisz zrezygnować ze starego.

To wewnętrzne napięcie powoduje, że cały system prawie zawsze stoi w miejscu. Dopiero gdy jeden z trzech elementów ruchu (przyjemność, zrozumienie, kreatywność) staje się silniejszy niż jego przeciwieństwo (elementy bezwładności: przekonanie, rzemiosło, ekspresja), dopiero wtedy zachodzą zmiany w całym cyklu. Następują zmiany i natychmiast elementy bezwładności znów zaczynają sztywnieć, aż do następnej zmiany.

Towary artystyczne

Przeanalizujmy teraz, jakie „dobro dla duszy” produkuje sztuka.

Wszystkie dobra sztuki to doznania, za pomocą których człowiek postrzega otaczający go świat, a mianowicie: zapachy, smaki, dotyk, kolory, ruchy, dźwięki, myśli. Ogólnie rzecz biorąc, wszystkie nasze wrażenia dotyczące świata można podzielić na dwie grupy: wrażenia formy i wrażenia ruchu. Wrażenie koloru, które znajduje się na styku tych dwóch grup, daje nam najpełniejszą informację o świecie.

Jak widać z diagramu, ruch i forma to dwa przeciwieństwa, z których składa się cały świat. Być może świadomość jest trzecim pełnoprawnym składnikiem świata, to znowu schemat można przedstawić jako regularny sześciokąt, ale jak dotąd to nie działa, nie ma wystarczającej liczby faktów. Spróbuj, może uda ci się udowodnić tę teorię.

Rozważmy każde odczucie osobno.

Zapach - analiza składu chemicznego formy na odległość (za pomocą analizy gazowej (pojedyncze atomy oderwane od analizowanego obiektu)).

Smak to bezpośrednia analiza składu chemicznego formy.

Dotyk jest wrażeniem napotkania formy. Ale samej formy nie można bezpośrednio odczuć.

Przyspieszenie - odczucia przy zmianie prędkości. Jeśli poruszamy się ze stałą, jednostajną prędkością, to po prostu nie ma czym tego wyczuć. Wrażenie samego ruchu jest niedostępne dla świadomości.

Dźwięk to wrażenie fal gęstości powietrza emitowanych podczas ruchu formy. W tym przypadku sam dźwięk jest ruchem (falą). Słuch, który odbiera dźwięki, jakby analizował ruchy, które miały miejsce wokół.

Myśl - długoterminowa analiza ruchów. Reprezentuje założenia dotyczące tego, jakie ruchy mogą wystąpić po pewnym czasie. Założenia budowane są na podstawie już wykonanych ruchów (doświadczenia). Im więcej doświadczenia, tym trudniejsze i bliższe prawdy myśli. Jest jak zapach, ale nie dla przedmiotów i ich atomów, ale dla wydarzeń i ich konsekwencji.

Ruch formy jest lekki. Jak wspomniano powyżej, nie możemy bezpośrednio poczuć formy i ruchu. Nie możemy też w pełni odczuć ich łączenia - światła. Tylko niewielka jego część (nazywana kolorem) jest dostępna dla percepcji.

Wszystkie wrażenia ruchowe i wrażenia kolorystyczne są symulowane przez człowieka za pomocą komputera. W praktyce powstaje nowy wirtualny świat, do którego kompletności brakuje jedynie doznań smakowych, zapachowych i dotykowych. A ludzie nieustannie starają się, aby świat wirtualny coraz bardziej przypominał świat rzeczywisty.

Bóg, który stworzył świat, stworzył człowieka na swój obraz i podobieństwo. Pragnienie osoby do tworzenia i tworzenia jest tą częścią Boga, którą nas obdarzył, dzięki czemu stajemy się jak bogowie. Sztuka jest przejawem chęci tworzenia i kreowania własnego świata na wzór Boga. Wcześniej twórcy tworzyli tylko poszczególne części wymyślonego przez siebie świata, teraz zgrane zespoły twórców tworzą całe wymyślone światy.

Istnieje ogólna zasada: „90% wszystkiego, co powstaje na świecie, to kompletna bzdura i niewarta uwagi”, ta zasada dotyczy sztuki i wszystkich jej rodzajów z osobna. W każdej postaci: w muzyce, w filmie iw grach komputerowych - tylko około 10% dzieł wszystkich stworzonych to prawdziwe arcydzieła, wszystko inne to 90% żużla. Nie ma w tym nic dobrego, ale trzeba, żużel to ciemne tło, na którym pozostałe 10% prac świeci jasnym światłem.

Podział, rodzaje i formy sztuki

Przeanalizujmy wszystkie rodzaje sztuki stworzonej przez ludzkość według ich kompozycji doznań.

Zaczynamy przeglądać schemat od dołu do góry. Badamy osobę i uwydatniamy wszystkie jej zmysły: nos (zapach), język (smak), skórę (dotyk), oczy (wzrok), uszy (słuch). Jest też coś, czym wywołuje uczucia: całym ciałem i ustami (struny głosowe). Cóż, tym, co ostatecznie przetwarza wszystkie otrzymane uczucia, jest mózg.

Kodowanie. Wszystkie uczucia można zakodować: myśl można zakodować w tekście, dźwięku, ruchu, kolorze i formie; dźwięk można zakodować w tekście lub obrazie; kształt jest kodowany jako kolor; i ogólnie wszystko, co nie ma formy, wszystko, co składa się tylko z fal - kolor (także forma zakodowana w kolorze), ruch, dźwięk, myśl - wszystko można zakodować jako sekwencję „0” i „1” .

Nos wyczuwa zapachy, a jedyną formą ludzkiej aktywności, która działa na te zmysły, jest perfumeria. Nazywanie perfumiarstwa sztuką jest bardzo kontrowersyjne, ale całkiem możliwe jest nazwanie go sztuką niższą (w przeciwieństwie do wyrażenia „sztuka wysoka”). Zapachy w sensie fizycznym to rozpoznanie pierwiastków chemicznych znajdujących się w stanie gazowym.

Język odbiera smaki i znowu istnieje tylko jedna forma ludzkiej aktywności, która działa na te uczucia - gotowanie. Ale gotowanie jest bardziej złożone, polega na tworzeniu zapachów, smaków i kształtów. To samo dotyczy sztuki niższej. Smak w sensie fizycznym to rozpoznawanie pierwiastków chemicznych, które są w dowolnym stanie, w przeciwieństwie do zapachów, ale tylko w bliskiej odległości.

Skóra odbiera dotyk innych obiektów fizycznych. Poczucie formy jest używane w projekt wszystkie odmiany w sztuki piękne, w Sporty(sztukę sportową można przypisać e-sport , sztuka wojskowa). Forma jest bezpośrednio odczuwalna tylko z bliskiej odległości, więc najczęściej jej odczucia są postrzegane na odległość za pomocą kodowania kolorami.

Oczy postrzegają kolor, który przenosi większość informacji o otaczającym nas świecie. Jak już wspomniano, forma i ruch są w nim zakodowane, a wszelkie sztuki z nimi związane dotyczą również koloru. Ale najważniejsze dla oczu są dzieła sztuki, które wraz z pojawieniem się specjalnych urządzeń były kontynuowane w formie sztuka fotografii oraz animacje.

Na styku ruchów i dźwięków jest teatr. Same dźwięki są używane w bardziej złożonych sztukach i są dalej podzielone zgodnie z ich formą muzyka , śpiewanie, przemówienie. Mowa - dźwięki niosące myśl, w tym kaligrafia. Ale najważniejsze jest to, jakie myśli są osadzone w tym tekście. Szczególnym rodzajem myśli jest humor. Kontrowersyjny moment, czy to w ogóle sztuka? Ale w naszym kraju jest to zdecydowanie szczególny rodzaj sztuki. Obejmuje takie formy jak żarty, parodie, żarty. Tekst jest używany w bardziej złożonych formach: w literatura(książki) i naciśnij(gazety, czasopisma), natomiast obrazy są dodatkowo wykorzystywane w formie fotografii.

Im wyżej na diagramie, tym nowsze nośniki przechowujące dzieła sztuki.

Wraz z pojawieniem się kaset wideo dawne formy sztuki uległy transformacji. Teatr został przekształcony w kino. Kompozycje muzyczne w klipy wideo. Reszta sztuk ruchu i dźwięku: animacja, sport, taniec, koncerty - nie uległy zmianie, ale stały się dostępne w formie nagrań.

Wraz z pojawieniem się komputerów i binarnego systemu przechowywania, większość wcześniejszych mediów (takich jak obrazy, wideo, audio, tekst) może być kodowana i przechowywana w tym systemie binarnym bez modyfikacji. Niektóre stare formy sztuki zostały przekształcone w nowe na komputerze: projektowanie + animacja w modelowanie, wyślij sms + wprowadź się programowanie. I już na podstawie tych nowych sztuk pojawiły się jeszcze bardziej złożone - gry komputerowe i wideo(modelowanie (projektowanie, obraz, animacja), teatr (ruch, dźwięk, muzyka, mowa), programowanie (ruch, tekst)) oraz witryny(programowanie (ruch, tekst), prasa, animacja).

Na samej górze diagramu znajdują się mediatorzy informacji.

Projekty, obrazy i fotografie można znaleźć na wystawach.

Animacje i filmy są tworzone i powielane w studiach filmowych.

Kompozycje muzyczne są powielane w studiach muzycznych.

Literatura i prasa powielane są w wydawnictwach książkowych.

Gry komputerowe są tworzone i powielane w studiach komputerowych i wydawnictwach.

Telewizja rozpowszechnia wszystko, co można zakodować w wideo.

Radio rozprowadza wszystko, co da się zakodować w dźwięku.

Internet rozpowszechnia wszystko, co można zakodować w systemie binarnym.

Bardziej poprawny, ale i trudniejszy w odbiorze schemat dla sztuki

Kliknij na obrazek, aby powiększyć

Wniosek

Tak więc gry komputerowe są złożoną formą sztuki, składającą się z wielu wcześniejszych form sztuki. A Internet to ogromne publiczne muzeum prawie wszystkich znanych rodzajów twórczości.

Jedyną różnicą w stosunku do sztuki klasycznej jest to, że jest to informacja nowa i jeszcze nie przefiltrowana. Arcydzieła w Internecie są umieszczane na tych samych półkach obok dzieł niskiej jakości, które zostaną zapomniane w ciągu tygodnia. Jak dotąd tylko nieliczni specjaliści są w stanie zrozumieć różnorodność informacyjną przesyconego rynku. Na tej stronie pomożemy Ci poruszać się po burzliwym przepływie najnowocześniejszej formy sztuki.

	Osiągnięcie „Witryna honorowego czytelnika” Podobał Ci się artykuł? W ramach podziękowania możesz umieścić polubienie w dowolnej sieci społecznościowej. Dla Ciebie to jedno kliknięcie, dla nas to kolejny awans w rankingu serwisów z grami.
	Osiągnięcie „Strona Honorowego Sponsora” Dla tych, którzy są szczególnie hojni, istnieje możliwość przelania pieniędzy na konto serwisu. W takim przypadku możesz wpłynąć na wybór nowego tematu artykułu lub fragmentu. money.yandex.ru/to/410011922382680

1. Działalność zawodowa mająca na celu budowanie form figuratywnych prezentowanych w postaci specjalnych artefaktów – dzieł I. Antropologicznymi przesłankami takiej działalności są pewne właściwości człowieka przejawiające się w relacjach z otoczeniem: porządkująca reakcja na niepewność sytuacji; przedstawienie niepewnej sytuacji w formie graficznej; Zewnętrzna reprezentacja obrazów w postaci symboli może stać się przedmiotami komunikacji w procesach społecznych. interakcje. Właściwości te odpowiadają specyficznym zdolnościom ludzi, które ze szczególną surowością i szczególnym rozwojem pozwalają im stać się artystami w szerokim tego słowa znaczeniu: umiejętność budowania kompozycji z elementów niepewnej sytuacji; umiejętność budowania holistycznego wizerunku; umiejętność wyrażenia tego obrazu w akceptowalnej kulturowo formie. 2. Specjalistyczny obszar kultury, społeczny. o znaczeniu roju decyduje potrzeba definiowania przez ludzi swoich relacji z otoczeniem w układach wspólnych idei i umiejętność nadawania im zewnętrznej formy figuratywnej. Ponieważ odpowiednie informacje mają charakter społeczny. znaczenie, okazuje się, że jest ono specjalnie uporządkowane w społeczeństwie i kulturze, a odpowiadające im rodzaje działalności i publiczne prezentowanie ich wyników są w szczególny sposób zinstytucjonalizowane. Podstawy funkcjonalne i symboliczne sposoby wyrażania tego porządku stanowią swoisty kod kulturowy I. Dla potrzeb badań w obszarze społecznym. W naukach ścisłych kluczowe cechy I. mają szczególne znaczenie, nadając mu stabilną w czasie tożsamość własną i społecznie akceptowalne cechy komunikacyjne. Typy II są zwykle podzielone na typy. Podstawą takiego podziału jest „materiał”, który kształtuje się poprzez figuratywną organizację estetyczną. Fikcja – werbalne przedstawienie obrazów relacji ludzi z otoczeniem; sztuki plastyczne (malarstwo, grafika) - symbolizacja obrazów wizualnych; muzyka to organizacja dźwiękowych systemów symbolicznych; architektura - symboliczna organizacja przestrzeni życiowych; rzeźba - estetyczne przedstawienie ciała w przestrzeni; taniec - estetyczna organizacja ruchu w przestrzeni; projektowanie - nadawanie estetycznej formy środkom masowego przekazu (reklama, plakat), wnętrz mieszkalnych, przemysłowych i użyteczności publicznej. pomieszczenia, narzędzia, artykuły gospodarstwa domowego. Można też wyróżnić rodzaje sztuki mieszane, łączące w sobie elementy kilku „czystych” typów, na przykład: teatr, produkcja filmów artystycznych, fotografia, organizacja akcji masowych itp. Podział I. na typy przyczynia się do usunięcia, czyli przedstawienia w nietypowej formie zróżnicowanych typów powiązań człowieka z otoczeniem, powiązań, które w życiu codziennym działają w synkretycznej integralności. Gatunki I. W I. zwyczajowo rozróżnia się gatunki w odniesieniu do każdego z jego typów. Wybór gatunków odbywa się zgodnie z rodzajem estetycznego stosunku do otoczenia: tragiczny, komiczny, dramatyczny, liryczny, satyryczny, farsowy itp. Wybór gatunków w każdym z typów I. ustala typy społecznie znaczące stany psychiczne i doświadczenia, które zabarwiają odpowiadające im dzieła I. Forma sztuki. W sztuce zwyczajowo wyróżnia się pewne formy dzieł sztuki, które charakteryzują organizację wewnętrzną i reprezentację zewnętrzną. Tak więc w fikcji można wyróżnić takie formy, jak powieść, opowiadanie, opowiadanie, opowiadanie itp. - w prozie; wiersz, sonet, oda, ballada itp. - w poezji; symfonia, sonata, oratorium, romans, suita itp. - w muzyce; malarstwo, portret, pejzaż, martwa natura itp. - w malarstwie. Formy dzieł I. dzieli się też zwykle na duże, np.: powieść - w literaturze, symfonia - w muzyce, malarstwo monumentalne itp.; i małe: opowiadanie - w literaturze preludium, moment muzyczny, etiuda itp. - w muzyce; malarstwo kameralne i miniaturowe - w malarstwie. Wyodrębnienie form dzieł sztuki oddaje kulturową „przestrzeń” poddaną przez autora do szczegółowego rozważenia. Aby wyróżnić zasady konstruowania obrazu artystycznego i formy artystycznej w dziedzinie sztuki, zwyczajowo wyróżnia się specjalne kategorie, takie jak styl, kierunek artystyczny i sposób twórczy. Styl w sztuce jest powszechnie rozumiany jako zbiór zasad organizowania informacji estetycznych, charakterystycznych dla określonej epoki i określonego regionu kulturowego oraz mający charakter normatywny, czyli ogólnie przyjęty dla artystów profesjonalnych. Styl określa zestawy środków wyrazu, technik i technologii, które są najbardziej rozpowszechnione w danej epoce i w danym regionie kulturowym. Trendy w sztuce można określić jako zbiór zasad estetycznych charakterystycznych dla różnych grup artystów, obejmujących elementy stylu, pewne wariacje form stylistycznych i pewne elementy nowatorskie. W zależności od kombinacji tych składników, prądy artystyczne (szkoły) mogą być składnikami stylu, tendencjami artystycznymi, które do niego ciążą lub od niego odbiegają, nowatorskimi zasadami kształtowania estetycznego, które są przeciwstawne stylowi. Maniera twórcza autora to stały zespół indywidualnych technik artystycznych, które charakteryzują jego tożsamość w I. Podobnie jak w przypadku ruchów artystycznych, maniera twórcza może być w pełni zgodna ze stylem, być odmianą norm stylistycznych lub być nowatorskie poszukiwanie zasad estetycznych, środków wyrazu, technik artystycznych. Identyfikacja kategorii charakteryzujących zasady konstruowania formy sztuki daje podstawy do strukturyzacji relacji nosicieli danej kultury ze środowiskiem naturalnym i sztucznym. Celowe jest przedstawianie wizualizacji jako pewnego kodu kulturowego opartego na estetycznych, figuratywnych zasadach budowania powiązań między człowiekiem a jego otoczeniem, na podstawie których profesjonalni artyści rozwiązują w symbolicznej formie problemy pojawiające się w obszarze tych powiązań. To także specyficzny porządek kulturowy, którego strukturę charakteryzuje pierwotne zainteresowanie ludzi pewnymi elementami środowiska i budowanie z nimi określonych powiązań. Analiza twórczości I. pozwala ujawnić, w jakich formach estetycznego dystansu ludzie przedstawiają swoje związki z otoczeniem, a także postawić hipotezy, co powoduje takie formy dystansu w danym czasie iw określonej kulturze. Lit.: Bart R. Prace wybrane. M., 1973; Vans-lov V.V. Estetyka. Sztuka. Historia sztuki. M., 1983; Sztuka w systemie kultury. L., 1987; Kagan MS Morfologia sztuki: historyczne i teoretyczne studium wewnętrznej struktury świata sztuki . L., 1972; Kiyashchenko N.I., Leizerov N.L. Teoria refleksji i problemy estetyki. M., 1983; Morfologia kultury. Struktura i dynamika. M., 1994; Markov M. Sztuka jako proces: podstawy funkcjonalnej teorii sztuki. M., 1970. EA Orłowa

Świetna definicja

Niepełna definicja ↓

SZTUKA

termin używany w dwóch znaczeniach: 1) umiejętność, zdolność, zręczność, zręczność, rozwinięta przez znajomość materii; 2) działalność twórcza mająca na celu tworzenie dzieł sztuki, szerzej – form estetycznie wyrazistych. Konceptualny status I. wiąże się bezpośrednio z drugim znaczeniem tego terminu, zachowując pierwsze jako techniczny warunek wszelkiej twórczości.

Pojęcie „ja”. związana jest z historycznymi przemianami (transformacjami) form i typów kultur, ich wzajemnych oddziaływań, a co za tym idzie z natury refleksji filozoficznej, krytyki artystycznej, artystycznej i poetyckiej, i jest obecnie wielowymiarową formacją semantyczną, zasadniczo otwartą na włączenie nowe elementy semantyczne generowane przez nieustannie trwające i przekształcające się artystyczne - estetyczne doświadczenie ludzkości, w tym rozwój więzi międzykulturowych, komunikacji, wymiany, technologii zapewniających i wspierających twórczość oraz transmisję jej wytworów w społeczeństwie. Ten rodzaj ciągłej zmiany charakteru i objętości ja, jego „proteizm”, uniemożliwia klasyczne, pozytywne zdefiniowanie ja. Jest ono z gruntu apofatyczne zarówno w stosunku do swego substancjalnego charakteru, jak i w stosunku do konkretnego, społeczno-historycznego celu -ustawienie. Ze względu na swoją empirycznie faktyczną nieokreśloność, I. może być określone tylko na płaszczyźnie fenomenologicznej, jako wydarzenie (urzeczywistnienie) o zawsze nowym, nieznanym znaczeniu i tych egzystencjalnych okolicznościach, w których sens ten staje się możliwy.

Tradycja takiego fenomenologicznego rozumienia I. zadomowiła się już w świecie starożytnym, kiedy wyjaśniono trzy podstawowe pojęcia, ujawniające I. w postaci trójcy: "POIESIS - MIMESIS - TECHNE". POIESIS – wyraża czynność twórczą opartą na inspiracji twórczej, która ujawnia i tworzy przedmiot najbardziej artystyczny (przedmiotowość artystyczna i estetyczna), a nie jego podobieństwo; w rzeczywistości tutaj zaczyna się formowanie sensu, zwróconego ku prawdzie. MIMESIS - imitacja-reprodukcja (jako przedstawienie rzeczy), autentyczność dzieła, jego legalność. TECHNE - rzemiosło, nauka, przebiegłość, zręczność - wykonanie, kompletność dzieła, jego wyrazistość. I. jako zjawisko twórcze i artystyczne obejmuje wszystkie te trzy tryby w ich nierozłączności i komplementarności. Poetyka starożytna (Arystoteles, Horacy), oddzielając I. wolne (liryczne) od rzemieślniczych, podkreślała zarówno różnicę między fikcją artystyczną a imitacją zewnętrzną (formalno-empiryczną), jak i różnicę między rzemiosłem formalno-technicznym a bystrym (opartym na bystrym widzeniu) kreacja. Tryb poetycki, decydujący w kształtowaniu artystycznego statusu dzieła, wyznacza jednocześnie istotę jego pojawienia się i obecności. Tą zasadniczą cechą I. w akcie jego bezpośredniej reprezentacji (obecności) dla zrozumienia percepcji (uczucia) jest AISTHETIKOS (dosł. - wiedza zmysłowa, jednak percepcja ujmowana w całokształcie uczuć, doznań i ich świadomości). Tak więc I., dając początek manifestującemu się kompleksowi dzieł sztuki, konstytuuje jednocześnie swój własny świat – kulturę artystyczną – świat nieistotny w stosunku do rzeczywistości empirycznej, mający swoją (immanentną) zgodność z prawem , jest zorientowany na piękno, w kierunku którego ja tylko fenomenalnie się urzeczywistniam. Ten sposób realizacji Ja jako aktu fenomenalnego wyznacza jego dwa komplementarne współrzędne, z których jeden wiąże się nieodzownie z pytaniem o egzystencjalną obecność człowieka w Ja (poprzez kulturę artystyczną). Tworzy się tutaj antropologiczny kompleks społeczno-kulturowy, w którym prace przedstawiają sytuację eksplikującą i tematyzującą teleologiczne zadanie kulturowego samookreślenia historycznie powstających wspólnot ludzkich. Egzystencjalna obecność w kulturze artystycznej jest tematycznie definiowana przez zespół prac I. jako ideał artystyczny obecny i definiujący go. I. w tym przypadku bezpośrednio odwołuje się do nadrzędnych wartości porządku społecznego i w równym stopniu staje się przedmiotem krytyki społecznej. Druga współrzędna określa kierunek I. jako procesu artystycznego i twórczego ku prawdzie, możliwości jej manifestacji dla świadomości estetycznej. Problem ten jest przedstawiony jako epistemologiczny składnik wiedzy I., jego filozoficznego rozumienia. Tutaj prawda jest rozpatrywana w jej przejawie nie w systemie noetyczno-logicznym, ale w jej formie eidologicznej („forma” w dosłownym tego słowa znaczeniu). Za najbardziej adekwatną formę takiego ujawniania prawdy poprzez jej konstytutywne i postulujące eidos można uznać mit (mitologem) – semantyczną formację figuratywną, w której dokonuje się „hierofania” (zjawisko sacrum, a więc prawopodobne i konieczne istnienie). Ta tradycja jest charakterystyczna dla rozumienia epistemologicznej istoty I. z III wieku. do czasów nowożytnych i nowożytnych. W każdym razie na płaszczyźnie epistemologicznej I. ustala fenomenalną obecność rzeczy i kieruje się ku transcendentalnym podstawom jakiejkolwiek obecności. Mitologem można uznać za najbardziej podstawową formę zjawiska I., w której istotne fenomenalne aspekty aktu twórczego przedstawiają się w jedności: rzeczywistość pozajęzykowa (nie-znakowa); osobowościowo zdefiniowany, pod względem obecności, podmiotu (artysta, poeta); znak rzeczywistości reprezentujący i wskazujący na faktyczność w I. W mitologii I. objawia się w pełni swego bytu, ale tym samym nie jest to samodzielny typ działalności czysto artystycznej, obejmujący niemal całość bytu jako jedność kreatywności i tworzenia. Chrześcijaństwo, zakładając transcendencję absolutnego podmiotu (osobowego Boga), oferuje symboliczną formę realizacji I. w postaci symbolu-objawienia (przymierza), stale podtrzymującego łączność (dialog) między Stwórcą a Stworzeniem. Takie I. ma charakter nadany przez Boga (fabuły i objawienia Pisma Świętego, teofaniczne kanony świętych obrazów, wizje itp.). Jednak w tym pojmowaniu transcendencji poprzez symbol daje się już odczuć samowola twórcza „stworzenia”, artysty. W tym okresie koncepcja „ja”. konotowany przez semantyczny akcent „umiejętność”, „pokusa”. Symbol w kulturze chrześcijańskiej nie jest jeszcze dziełem sztuki, pozostaje w granicach fenomenu samego fenomenu sztuki, zjawiska bezpośrednio związanego z transcendentalnymi podstawami twórczości. Pod tym względem nie ma wyraźnej granicy np. między ikoną stworzoną przez mistrza a czysto naturalnym znakiem teofanii (ślad Matki Bożej, niezniszczalne relikwie, materialne symbole Świętej Historii). Wydarzeniem, które radykalnie zmieniło sytuację I., można uznać przyjęcie przez zachodnie chrześcijaństwo zasady „filioque”, z której wynika postulowana przez Tomasza z Akwinu doktryna „dwóch prawd”, która doprowadziła do pewnej emancypacji zarówno (stworzenie) poznanie prawdy, a właściwie ludzka kreatywność. Rzeczywistość stworzona (wyemancypowana przyroda) jest sama w sobie stosunkowo samowystarczalnym źródłem bytu, a człowiek zostaje tu przyjęty jako podmiot epistemologiczny i twórczy. Subiektywnie twórca (artysta) jest już oddzielony od świata, który jest mu teraz przeciwny w postaci przedmiotu i podmiotu o empirycznie wyznaczonych celach. W takiej sytuacji I. jest w stanie jedynie opisywać, pokazywać świat w dziełach sztuki, które zgodnie z dokładną uwagą Feuerbacha „nie udają rzeczywistości”. W twórczości artystycznej zaczynają dominować aspekty "techne" - kunsztu, zręczności i "mimesis" w zakresie formalnego naśladowania natury, rozumianej w jej "naturalnej prawidłowości". W ten sposób kształtuje się „klasyczny” model sztuki jako świata dzieł artystycznych, ukształtowanych na zasadach estetycznych i adresowanych do wykształconego zmysłu estetycznego (percepcja) i sądu (smak). Ponieważ w tym samym okresie najistotniejszym składnikiem kultury ludzkiej staje się historyzm w postaci totalnej historii światowej, zakładającej rozwiązanie teleologicznego problemu ludzkości (Hegel, Marks), wraz z nią klasyczna historia sztuki (Winckelmann), skupiony na zrozumieniu (reprodukcji) piękna w jego idealnej formie estetycznej. Klasyczny model świata I. staje się determinantą i fundamentem budowy całego „projektu europejskiego”, co implikuje jego korelację ze wszystkimi aspektami eurocentrycznego porządku światowego.

Klasyczny świat I. zakłada wzorowy (normatywny) zarówno pod względem orientacji na piękny ideał, dosłownie wyrafinowany z tzw. klasycznych epok historycznych (por. „antyk klasyczny”, „klasyczny (wysoki) renesans”), jak i w terminy przemiany życia, wyrażone w zsocjologizowanej tematyzacji relacji między „pięknem” a „życiem”. Powstanie zobiektywizowanego „klasycznego świata ja”. Wraz z instalacją na temat artystyczny (estetyczny) prowadzi do powstania quasi-naukowego paradygmatu badania I. z systemem procedur pozwalających badać, oceniać i ustalać wzorce rozwoju I. na podstawie kryteriów subiektywnych. Historia sztuki, teoria I. (Velfflina) i krytyka sztuki towarzyszą rozwojowi I. New Age. Sam I. (świat klasycznego I.) jest uważany za swoisty system adekwatnego opisu (pokazywania) rzeczywistości pozaartystycznej, którego głównym istotnym elementem jest obraz artystyczny. Problematyka obrazu artystycznego, najpełniej reprezentowana w Heglowskiej „Estetyce”, była próbą rozwiązania sprzeczności między rzeczywistą obiektywnością dzieła sztuki (co i jak jest przedstawiane) a jego znaczeniem (w ujęciu klasycznej teorii estetycznej – sprzeczność między treścią a formą). Obraz artystyczny był interpretowany głównie jako wytwór wyobraźni twórczej, powstający w procesie tworzenia i odbioru dzieła. Jednak sztywne wiązanie obrazu artystycznego z procedurą odzwierciedlania rzeczywistości – rzetelną i sformalizowaną – doprowadziło do całej gamy paradoksów związanych z fundamentalną nieadekwatnością świata „artystycznego” i „rzeczywistego”. Sytuację tę naprawili Schopenhauer i Nietzsche, utrwaleni w formie wzmożonej uwagi na temat POIESIS jako niezbędny środek kształtowania jak najbardziej artystycznego obiektywizmu, który pozostaje aktualny do dziś. To właśnie POIESIS, jako fundamentalny moment twórczości artystycznej, stał się podstawą, na której zrodziły się różne nurty nowatorskie, określane zazwyczaj mianem „sztuki nowoczesnej”, które znacząco przekształciły całą koncepcję, a wraz z nią praktykę I. koniec XIX i początek XX wieku.

Na przełomie wieków wyznaczono okres trwający przez cały wiek XX. konflikt między tradycją klasyczną a nowatorską, w którego głębi wyraźnie zaznacza się głęboka przemiana sztuki i jej wejście w zupełnie nowy wymiar ludzkiej egzystencji, dość trafnie ujęty przez M. Heideggera: „Sztuka wkracza w horyzont estetyka. Oznacza to, że dzieło sztuki staje się przedmiotem doświadczenia, a zatem sztuka jest uważana za wyraz życia człowieka. Ten status I. implikuje nieklasyczną strukturę świata artystycznego oraz równe współistnienie i komunikację różnych światów kulturowych związanych z życiem równie różnorodnych, często dynamicznie zmieniających się istot ludzkich, samoorganizujących się według politycznych, ekonomicznych, etnicznych, religijnych , zasady etyczne i wartości. . Komunikacyjna zasada konstruowania świata artystycznego (kulturowego), która pod koniec stulecia przybrała charakter totalny, modyfikuje sposób i formę bycia ja, które staje się przede wszystkim formacją symboliczną (dyskursem) niosącą ( przekazuje, komunikuje) znaczenia wartości.

Modern I. to złożony system komunikujących się form i kierunków, często połączonych tzw. „projektem postmodernistycznym”. Cechą rozmaitych „modernistycznych” artefaktów była bezpośrednia obecność twórcy-wykonawcy w realizacji aktu artystycznego, który ma na celu publiczną prowokację, która kończy się performansem. Jeśli chodzi o koncepcję artystyczną (estetyczną), to jest ona realizowana w modernizmie w formie programu, manifestu i refleksji antropologicznej. Ogólnie można stwierdzić, że zjawisko „nowoczesnego ja”. - raczej projekt humanitarno-antropologiczny, ostro, czasem agresywnie skierowany przeciwko totalnie dominującym systemom społecznych samoodniesień - politycznych i ekonomicznych. Z tego powodu wspólnoty powstające w procesie działania artystycznego mają charakter marginalny i tymczasowy. Jednak „nowoczesne ja”. w swoich awangardowych formach, dalekiej od wyczerpującej współczesnej kultury artystycznej, jaką wyznaje paradygmat klasyczny, zaprojektował w postaci klasycznej edukacji artystycznej, muzeum, instytucje naukowe, które są włączone w system masowej komunikacji i w stosunku do których nowoczesne formy działalności artystycznej identyfikują się w kategoriach estetycznych i artystycznych. Wreszcie obraz nowoczesnej sztuki i współczesnej kultury artystycznej byłby niepełny bez zjawiska kultury masowej, która jest zasadniczo zorientowana na masowy rynek sztuki i produkcję ideologemów masowej świadomości (kult gwiazd, konsumpcja, masowe fobie i sukces w życiu). Kultura masowa rozwija się głównie w środkach komunikacji, które bezpośrednio reprezentują dominujące polityczne, ekonomiczne i ideologiczne odniesienia społeczeństwa i bezpośrednio obejmują socjalizację jednostek w totalnych systemach władzy.

Świetna definicja

Niepełna definicja ↓

Jeśli rozpatrujemy pojęcie sztuki w szerokim znaczeniu, oznacza to jedną z form poznania rzeczywistości przez ludzkość, która znajduje odzwierciedlenie w dziełach sztuki, obrazach, utworach muzycznych i przedstawieniach teatralnych w rycinach i rzeźbach. Sztuka jest częścią życia duchowego zarówno człowieka, jak i społeczeństwa i jest powszechnie uważana za różnorodny efekt twórczości wszystkich pokoleń.

Czym jest sztuka w węższym znaczeniu

Sztuka oznacza pojmowanie przez mistrza rzeczywistości, odzwierciedlenie jego świata zewnętrznego i wewnętrznego, co ostatecznie daje produkt przynoszący satysfakcję estetyczną nie tylko samemu twórcy, ale także społeczeństwu.

Cele art

Jak każdy rodzaj działalności człowieka, sztuka ma swoje własne cele. Jeśli weźmiemy pod uwagę, czym jest sztuka piękna i jej główne funkcje, to ten rodzaj sztuki ma zarówno funkcje niezmotywowane, jak i zmotywowane. Na przykład artyści awangardowi poprzez swoje obrazy wyrażali oburzenie na istniejący system polityczny (funkcja motywowana, rewolucyjna). Każdy obraz jest przesłaniem dla całego świata, ponieważ artysta tworzy go, aby pokazać ludzkości, jak piękny jest krajobraz danego obszaru lub aby pokazać piękno człowieka, pozostawiając jego portret dla przyszłych pokoleń. Odwoływanie się do nieograniczonego kręgu ludzi jest niemotywowaną funkcją sztuki pięknej i nie tylko.

Sztuka ma cele rozrywkowe i rytualne oraz jest doskonałym sposobem leczenia chorób psychoterapeutycznych (cel motywowany). W zasadzie każdy rodzaj sztuki pełni zarówno funkcje ogólne, jak i ściśle szczegółowe. Na przykład graffiti, będąc rodzajem sztuki, ma motywowane cele, takie jak komercjalizacja i propaganda, ale jednocześnie pełni funkcje niezmotywowane - tylko osoba kreatywna na poziomie podświadomości może wykonywać graffiti za pomocą wyobraźni.

Rodzaje sztuki

Istnieje wiele rodzajów sztuki, ale biorąc pod uwagę, czym jest rodzaj sztuki, należy zauważyć, że istnieją dwie duże grupy - sztuka piękna i sztuka. Pierwszy typ wyraża rzeczywistość zewnętrzną, a drugi typ wyraża wewnętrzną. Z kolei sztuki wizualne dzielą się na takie rodzaje jak malarstwo i malarstwo, grafika, rzeźba i fotografia, graffiti i komiks. Do tej grupy zalicza się również sztukę i rzemiosło, które polega na tworzeniu wyrobów artystycznych o przeznaczeniu użytkowym i nieutylitarnym. Jeśli zastanowimy się bardziej szczegółowo nad tym, czym jest sztuka dekoracyjna i użytkowa, zrozumiemy, że ma ona swoje szczególne cechy. Tak więc przedmioty tworzone w ramach tego rodzaju sztuki są wykorzystywane do dekoracji wnętrz i gospodarstw domowych. Ale jednocześnie przedmioty te są estetyczne dla oka i mają efekt artystyczny.

Do sztuk niewizualnych zalicza się literaturę i architekturę, które według innej zasady podziału sztuki klasyfikowane są jako statyczne. Muzyka i choreografia, balet i sztuka radiowa to nieobrazowe, dynamiczne formy sztuki. Wszystkie rodzaje sztuki są również podzielone według rodzajów użytych materiałów. Na przykład, aby stworzyć obraz, potrzebne są nowoczesne i tradycyjne materiały - farby i płótno, pędzel i tak dalej. Sztuka dzieli się na style i gatunki, takie jak dramat i tragedia, farsa i komedia i inne. W zasadzie, jeśli powierzchownie rozważymy, czym jest sztuka, definicja tej sfery ludzkiej aktywności jest bardzo przestrzenna. Ponieważ sztuką można nazwać wszystko, co człowiek stworzył za pomocą swoich rąk i mózgów.

Sztuka - sfera działalności człowieka, obejmująca pracę twórczą nad tworzeniem przedmiotów o znaczeniu estetycznym - dzieł sztuki, sposobów ich przechowywania i udostępniania publiczności poprzez włączenie w proces komunikacji publicznej.

Obecnie istnieje wiele definicji pojęcia „sztuka”. Tutaj jest kilka z nich:

"Sztuka- szczególna forma świadomości społecznej, która jest artystycznym (figuratywnym) odbiciem życia. Artysta, ukazując świat, ucieleśnia w dziele swoje myśli, uczucia, aspiracje, ideały. Odtwarza zjawiska życia i jednocześnie dokonuje ich oceny, wyjaśnia ich istotę i znaczenie, wyraża swoje rozumienie świata. "/Soviet Encyclopedic Dictionary/

"Sztuka(łac. ars) nazywano każdą zdolnością do wykonywania zręcznej pracy wymagającej talentu, wiedzy i doświadczenia.

"Sztuka- całokształt wszystkich możliwych rodzajów twórczości artystycznej, w tym literatury"

Sztuka jest rozumiana i definiowana jako zbiór form artystycznych, próby klasyfikacji, które można uznać jedynie za względnie udane.

Z punktu widzenia zastosowanych warunków materialnych zwyczajowo dzieli się sztukę na trzy grupy:

1) przestrzenny (Plastikowy)

Rzeźba, malarstwo, grafika i fotografia artystyczna stanowią szczególną grupę sztuk wizualnych.

2) tymczasowy

muzyka (sztuka komponowania)

literatura

3) czasoprzestrzenny

sztuka aktorska (a także oparta na niej tzw. sztuka syntetyczna: choreografia, sztuka teatralna, filmowa, telewizyjna i wideo, sztuka różnorodna, cyrk)

sztuka komputerowa

W każdej z tych trzech grup artystycznych można uprawiać działalność artystyczną i twórczą

znaki graficzne, tj. sugerowanie podobieństwa obrazów do zmysłowo odbieranej rzeczywistości (malarstwo, rzeźba, grafika – tzw. sztuki piękne; literatura; sztuka aktorska)

znaki typu niefiguratywnego, tj. niedopuszczanie do rozpoznawania na obrazach jakichkolwiek rzeczywistych obiektów, zjawisk, działań (architektura, muzyka, taniec)

znaki o mieszanym charakterze obrazowym i niemalarskim, charakterystyczne dla syntetycznych form twórczości (synteza architektury lub sztuki dekoracyjnej i użytkowej ze sztuką plastyczną itp.)

Jednocześnie należy wziąć pod uwagę, że lista rodzajów sztuki nie jest niezmienna w czasie i przestrzeni – w różnych kulturach i społeczeństwach mamy do czynienia z różnymi konfiguracjami, ponadto w niektórych przypadkach trudno jest wyciągnąć twardą linia oddzielająca działalność artystyczną od pozaartystycznej (różne rodzaje sztuki użytkowej, a także wzornictwo).

Sztuka odzwierciedla świat całościowo. Głównym tematem sztuki jest człowiek, życie społeczne. Krąg zjawisk rzeczywistości przedstawionych przez artystę to zwykle tzw temat pracy

nazywa się wewnętrzny świat przedstawionego pomysł emocjonalnie wyrażony stosunek artysty do przedstawionego - ocena . Temat, idea i ocena, jako nierozłączne, stanowią treść dzieła sztuki.

Dziełami sztuki nowoczesnej nazywamy te, w których osiągnięto całkowitą jedność treści i formy, projektu i realizacji oraz mistrzostwo. Ta jedność jest podstawą piękna sztuki. Ucieleśniając ideał artysty, dzieła sztuki powstają zgodnie z prawami piękna, stają się ucieleśnieniem i personifikacją piękna.