Realizm (francuski realizm z łac. realis -
realne) - chęć na więcej
kompletne, głębokie i wszechstronne
odbiciem rzeczywistości w całej jej postaci
manifestacje. W działalności artystycznej
– zrozumienie możliwości, zgodność
materialne środki i metody
przydzielone zadania. Tendencja
przejawia się realizm myślenia
w różnym stopniu i w różnych formach
lub inne formy sztuki, artystyczne
kierunki, trendy i style.
tak zwana szkoła barbizońska, z artystami, którzy zapisali się w historii sztuki
taka nazwa pochodzi od wsi Barbizon pod Paryżem. Tak właściwie,
Barbizon to nie tyle koncepcja geograficzna, co historyczna i artystyczna.
Niektórzy malarze, jak Daubigny, w ogóle nie przybyli do Barbizon, ale
należeli do ich grupy w interesie narodowego krajobrazu Francji.
Była to grupa młodych malarzy – Theodore Rousseau, Diaz della Peña, Jules Dupre,
Constant Troyon i inni, którzy przybyli do Barbizon, aby malować szkice z natury. Obrazy
wykonali w warsztacie na podstawie szkiców, stąd kompletność i uogólnienie w
kompozycje i kolory. Ale zawsze pozostawało w nich żywe poczucie natury. wszyscy
łączy chęć uważnego studiowania natury i przedstawiania jej zgodnie z prawdą, ale to
nie przeszkodziło każdemu z nich w zachowaniu twórczej indywidualności.
Theodore Rousseau (1812-1867) „Dęby”. 1852 François Daubigny (1817-1878) Wioska nad brzegiem Oise. 1868 Jules Dupre (1811-1889) „Krajobraz z bydłem w Limousin”. 1837 Constant Troyon (1810-1865) Wyjazd na rynek. 1859 Jean Francois Millet (1814-1875) urodził się w r
rodzina zamożnego chłopa z małej
wioski Gryushi nad brzegiem kanału La Manche
niedaleko Cherbourga. Jego artystyczny
zdolności były postrzegane przez rodzinę jako dar
nad. Jego rodzice dali mu pieniądze i pozwolili mu
uczyć się malarstwa. W 1837 przybył do
Paryżu i pracował w warsztacie przez dwa lata
malarz Paul Delaroche (1797-1856). OD
1840 młody artysta zaczął wystawiać
jego prace w Salonie.
W 1849 artysta osiadł w Barbizon i
mieszkał tam do końca swoich dni. Temat
życie chłopskie i przyroda stały się najważniejsze
dla Milleta. „Jestem wieśniakiem i niczym więcej,
jak wieśniak — powiedział o sobie.
Jean Francois Millet „Autoportret” Jean Francois Millet Siewca. 1850 Jean Francois Millet „Zbieracze uszu” 1857 Jean Francois Millet „Anioł Pański” 1859 Camille Corot (1796-1875)
studiował u malarzy akademickich
A. Michallon i V. Bertin, odwiedzili Włochy, wykonali
wyjazdy studyjne do Belgii, Holandii i Londynu.
Pierwotnie malował skromne pejzaże
dzielnice Paryża.
W latach 1820-40 stworzył życie bezpośrednie i
poetyckie pejzaże francuskie i włoskie
natury, które są odrębne
rzeźbiarskie formy i surowa jasna barwa,
gęsta warstwa farby materiałowej,
nasycenie przezroczystym powietrzem i jasne
światło słoneczne („Poranek w Wenecji”, 1834; „Homer i
pasterzy", 1845). Od końca lat czterdziestych XIX wieku Corot mieszkał w Paryżu
lub Ville d'Avre niedaleko Wersalu
jego obrazy z tego czasu powstały w warsztacie
pamięć. W sztuce Koro poetycki
kontemplacja, duchowość, elegijne nuty senne. Malarstwo staje się czymś więcej
wyrafinowany, drżący, lekki („Droga do Sevres”, 185560; „Wspomnienia Mortefontaine”, 1864). po 1860 r
Lat Corot malował głównie portrety rodzajowe, w
którym model harmonijnie wtapia się w otoczenie.
oprawa („Kobieta z perłą”, 1868-70),
obrazy religijne i mityczne, akty. Koro jest sławny
także jako rysownik, litograf, rytownik.
Camille Corot „Autoportret”. 1834 Camille Corot „Wóz z sianem” 1860 Camille Corot „Most w Mantas” 1868-1870 Camille Corot - Wieża ratusza w Douai. 1871 Camille Corot „Portret Claire Sennegon”. 1837 Camille Corot „Wspomnienia z Włoch”. 1863
akwaforta Camille Corot „Wspomnienia z parku w twierdzy w Douai”. 1870
akwaforta Gustaw Courbet (1819 - 1877)
urodził się w 1819 roku we Francji w miejscowości Ornans, ok
Szwajcarska granica. Jego ojciec był właścicielem winnic. w 1837 r
roku, pod naciskiem ojca, Courbet wstąpił do College of Law
w Besançon. Równocześnie ze studiami w college'u Courbet
uczęszczał na zajęcia w Akademii, gdzie jego nauczycielem był Charles Antoine Flajulot. W 1839 wyjechał do Paryża, oddając się ojcu
obietnicę, że będzie tam studiował prawo. W Paryżu
Courbet zapoznał się z kolekcją sztuki Luwru. Na jego
wielki wpływ miała twórczość, zwłaszcza wczesna
zwłaszcza mali holenderscy i hiszpańscy artyści
Velasquez.
W 1844 roku pierwszy obraz Courbeta, Autoportret z psem,
był wystawiany na Salonie Paryskim (wszystkie pozostałe obrazy
zostały odrzucone przez jury). Artysta od samego początku pokazywał się
skrajny realista, a im dalej, tym silniejszy i trwalszy
poszedł w tym kierunku, biorąc pod uwagę ostateczny cel
sztuka przekazywania nagiej rzeczywistości i życiowej prozy.
Pod koniec lat czterdziestych XIX wieku oficjalny kierunek Francuzów
malarstwo było jeszcze akademickie, a twórczość artystów
realistyczny kierunek były okresowo odrzucane
organizatorzy wystawy.
W 1855 roku otworzył indywidualną wystawę w drewnie
barak „Pawilon Realizmu”. Katalog wystawy, na której byli
sformułował zasady swojej pracy, przeszedł do historii
sztuka jako program realizmu. W 1871 dołączył Courbet
Komunie Paryskiej, zarządzanej w ramach niej publicznie
muzeów, był komisarzem ds. kultury i kierował
obalenie kolumny Vendôme.
Po upadku Komuny spędził, zgodnie z wyrokiem sądu, 6 miesięcy
więzienie; został później skazany na pokrycie kosztów
odbudowa zniszczonej kolumny. To go uczyniło
Gustaw
na emeryturę do Szwajcarii, gdzie zmarł w biedzie w 1877 roku.
Courbeta „Autoportret z fajką”. 1846 Gustave Courbet Kochankowie na wsi. 1845 Gustave Courbet Autoportret z czarnym psem. 1842 Gustave Courbet „Popołudnie w Ornans” 1849 Pogrzeb Gustave'a Courbeta w Ornans. 1849 Gustave Courbet Witam, panie Courbet. 1854 Gustave Courbet „Fala” 1870 Honoré Daumier (1808 - 1879)
Jako syn szklarza z Marsylii, wraz z
Rodzina przeniosła się do Paryża w 1816 roku. Dotarłem tam
edukację u Lenoira, studiował także litografię.
Wkrótce Daumier zaczął wykonywać karykatury
tygodnik „Karykatura”. w 1832 r
podstawą był wizerunek Ludwika Filipa
uwięzić Daumiera na sześć miesięcy.
Dwie wybitne litografie „Rue Transnonen” i
„Łono ustawodawcze” świadczy o wczesności
stylowa, gorzka, ironiczna wizja artysty. Później
zniesienie „Karykatury”, w której ukazała się jego praca
„Sharivari”, gdzie Daumier bezlitośnie wyśmiewał
społeczeństwo burżuazyjne w bardzo realistycznym stylu.
Spędzanie czasu na robieniu kreskówek
(z których, nawiasem mówiąc, ukończył ponad 4000), dzisiaj
Daumier jest uważany za jednego z najlepszych rzemieślników
Twój interes. Wystąpił także Honoré Daumier
około 200 małych, dramatycznych, potężnych płócien,
stylistycznie zbliżone do rycin litograficznych.
Wśród nich: „Chrystus i Jego uczniowie” (1879),
„Bunt” (1848), „Trzej prawnicy w rozmowie”
(1843-1848), „Don Kichot” (1868), „Przewóz trzeciego
klasa” (1862) i inni.
Daumier ukończył także około 30 rzeźb -
małe, malowane popiersia. W ostatnich latach
artysta cierpiał na postępującą ślepotę.
Autoportret Honore Daumier. 1860
Realizm, symbolizm. Prezentacja przybliży twórczość francuskich artystów Courbeta, Daumiera, Milleta.
Realizm w malarstwie francuskim
Styl klasycyzmu, który królował w sztuce oświecenia pod koniec XVIII wieku, został wyparty przez nowy styl, który był wynikiem wstrząsów wywołanych przez rewolucję burżuazyjną we Francji i rozczarowań jej skutkami. Ten styl stał się romantyzmem. Poświęciłem kilka wpisów sztuce romantyzmu. Dzisiaj porozmawiamy o realizm, która zaczęła nabierać kształtu w głębi sztuki romantycznej. Francuski krytyk literacki Jules Francois Chanfleury, który jako pierwszy użył terminu „realizm”, przeciwstawił go symbolizmowi i romantyzmowi. Ale realistyczny kierunek artystyczny nie stał się absolutnym antagonistą romantyzmu, ale raczej był jego kontynuacją.
Realizm francuski, dążący do prawdziwego odzwierciedlenia rzeczywistości, w naturalny sposób okazał się kojarzony z ruchem rewolucyjnym i został nazwany „realizmem krytycznym”. Odwoływanie się do nowoczesności we wszystkich jej przejawach, reprodukcja typowych postaci w typowych okolicznościach oparta na autentyczności obrazu jest głównym wymogiem realizmu.
„Sztuka malarstwa nie może być niczym innym niż przedstawianiem przedmiotów widocznych i namacalnych przez artystę… artysta realista musi przekazywać zwyczaje, idee, wygląd swojej epoki”
Gustawa Courbeta
Jest mało prawdopodobne, abym mógł mówić o twórczości i losach Gustave'a Courbeta, którego często nazywa się założycielem Realizm w malarstwie francuskim lepiej niż twórcy film „Wolność Courbeta” z serii „Mój Puszkin”
W jego prezentacji „Realizm w malarstwie francuskim” Starałem się przedstawić również twórczość wspaniałych artystów francuskich Franciszek Millet oraz Honore Daumier. Zainteresowanym tym tematem polecam zajrzeć na stronę Gallerix.ru
Jak zwykle mały Lista książek, gdzie można przeczytać o francuskim realizmie i francuskich artystach realistycznych:
- Encyklopedia dla dzieci. T.7. Sztuka. Część druga. – M.: Avanta+, 2000.
- Beckett V. Historia malarstwa. - M .: Wydawnictwo Astrel LLC: Wydawnictwo AST LLC, 2003.
- Dmitrieva NA Krótka historia sztuki. Zagadnienie III: Kraje Europy Zachodniej XIX wieku; Rosja XIX wieku. - M .: Sztuka, 1992
- Emokhonova L.G. Światowa kultura artystyczna: Proc. Zasiłek dla studentów. śr. ped. podręcznik zakłady. - M .: Centrum Wydawnicze „Akademia”, 1998.
- Lvova EP, Sarabyanov DV, Borisova EA, Fomina NN, Berezin VV, Kabkova EP, Nekrasova LM Sztuka świata. XIX wiek. Sztuki wizualne, muzyka, teatr. ‒ Petersburg: Piotr, 2007.
- Samin D.K. stu znakomitych artystów. – M.: Veche, 2004.
- Freeman J. Historia sztuki. - M .: „Wydawnictwo Astrel”, 2003.
W głębi sztuki romantycznej początku XIX wieku zaczął kształtować się realizm, związany z postępowymi nastrojami społecznymi. Termin ten pojawił się po raz pierwszy w połowie XIX wieku. Francuski krytyk literacki J. Chanfleury do określenia sztuki, która przeciwstawia się romantyzmowi i symbolizmowi „Ale realizm jest kategorią głębszą niż poszczególne style artystyczne w sztuce. Realizm w szerokim znaczeniu tego słowa ma na celu pełne odzwierciedlenie prawdziwego życia. Jest to swego rodzaju estetyczny rdzeń kultury artystycznej, który był już odczuwalny w renesansie – „realizm renesansowy”, aw epoce oświecenia – „realizm oświeceniowy”. Ale od lat 30
19 wiek sztuka realistyczna, dążąca do wiernego odwzorowania otoczenia, nieświadomie demaskująca mieszczańską rzeczywistość. Z czasem prąd ten, tzw realizm krytyczny, zbiegło się z powstaniem ruchu robotniczego w różnych krajach europejskich.
Początkowo realizm był utożsamiany z naturalizmem, a przejście do niego, powiedzmy, w Niemczech i Austrii było Biedermeier - kierunek stylistyczny, który charakteryzował się upoetyzowaniem świata rzeczy, wygodą domowego wnętrza, dbałością o rodzinne sceny z życia codziennego. Biedermeier dość szybko zdegenerował się w filisterski cukierkowy naturalizm, w którym pierwsze miejsce zajmowały drobne detale codzienności, ale rozpisane „dokładnie jak w życiu”.
We Francji realizm utożsamiano z pragmatyzmem, przewagą poglądów materialistycznych i dominującą rolą nauki. Do największych przedstawicieli realizmu w literaturze należą O. Balzac, G. Flaubert, aw malarstwie - O. Daumier i G. Courbet.
Wspieraj deBalzaca(1799-1850) już w jednym ze swoich pierwszych dzieł Shagreen Skin, łącząc romantyczne obrazy i symbolikę z trzeźwą analizą, realistycznie oddał atmosferę Paryża po rewolucji 1830 roku. Balzac, zgodnie z prawami swojej sztuki, w serii powieści i opowiadań składających się na epicką „Komedię ludzką” ukazał społeczną część społeczeństwa, w której żyją i wchodzą w interakcje przedstawiciele wszystkich klas, stanów, zawodów, typów psychologicznych , które stały się rzeczownikami pospolitymi, jak na przykład Gobsek i Rastignac. Epos, składający się z 90 powieści i opowiadań, połączonych wspólną ideą i postaciami, obejmował trzy działy: studia nad moralnością, studia filozoficzne i studia analityczne. Etiudy obyczajowe przedstawiały sceny z życia prowincjonalnego, paryskiego, wiejskiego, prywatnego, politycznego i wojskowego. Tym samym Balzac znakomicie pokazał prawa rozwoju rzeczywistości w spirali od faktów do filozoficznych uogólnień. Mówiąc słowami samego autora, starał się zobrazować społeczeństwo, które „zawiera podstawę swojego ruchu”. Epopeja Balzaka to realistyczny obraz społeczeństwa francuskiego, majestatyczny w skali, odzwierciedlający jego sprzeczności, odwrotną stronę burżuazyjnych stosunków i obyczajów. Jednocześnie Balzac wielokrotnie przekonywał, że nie maluje portretów konkretnych jednostek, lecz obrazy uogólnione: jego postaci literackie nie były niewolniczo kopiowanymi modelami, lecz były swego rodzaju próbką rodzaju, łączącą w sobie najbardziej charakterystyczne cechy tego czy innego ten obraz. Uogólnienie jest jednym z głównych nakazów estetyki Balzaka.
Estetyka Gustawa Flaubert(1821-1880) znalazł wyraz w stworzonej przez siebie koncepcji o szczególnej roli i elitarności literatury, którą przyrównał do nauki.Pojawienie się powieści Pani Bovary zapoczątkowało nową erę w literaturze. Posługując się prostą opowieścią o cudzołóstwie, Flaubert jest naszym sposobem na pokazanie głębokich źródeł otaczającej go wulgarności, moralnej miernoty prowincjonalnego mieszczaństwa, dusznej atmosfery Drugiego Cesarstwa, która rozwinęła się po przewrocie lipcowym Ludwika Bonaparte w 1848 roku. , to arcydzieło literatury francuskiej, nie bez powodu nazywane jest encyklopedią francuskiej prowincji XIX wieku. Pisarz, dobierając charakterystyczne detale, odtwarza historyczny obraz całego społeczeństwa z nieistotnych znaków czasu. Maleńkie miasteczko Yonville, w którym rozgrywa się akcja powieści, przedstawia w miniaturze całą Francję: ma własną szlachtę, własne duchowieństwo, własną burżuazję, własnych robotników i chłopów, własnych żebraków i strażaków, którzy zajęli miejsce wojska. Ci ludzie, żyjący obok siebie, są zasadniczo podzieleni, obojętni wobec siebie, a czasem wrogo nastawieni. Hierarchia społeczna jest tu niezniszczalna, mocna
popycha słabych: właściciele wyładowują swój gniew na służących - na niewinnych zwierzętach. Egoizm i bezduszność jak zaraza szerzy się na całą dzielnicę, nastroje beznadziejności i melancholii przenikają wszystkie pory życia. Artysta Flaubert był pochłonięty strukturą kolorystyczną i dźwiękową powieści, która stanowiła niejako akompaniament do smutnej historii Emmy Bovary. „Dla mnie”, pisał Flaubert, „ważna była tylko jedna rzecz - oddać szary kolor, kolor pleśni, w której wegetują wszy”. Swoim prowincjonalnym dramatem Flaubert zadał cios gustowi drobnomieszczańskiemu, pseudoromantyzmowi. Nic dziwnego, że "Panią Bovary" porównano do "Don Kichota" Cervantesa, co położyło kres namiętności do rycerskiego romansu. Flaubert udowodnił ogromne możliwości sztuki realistycznej i miał decydujący wpływ na rozwój realizmu w literaturze światowej.
Rewolucja 1830 roku otworzyła nowy etap w historii kultury artystycznej Francji, w szczególności przyczyniła się do rozwoju karykatury jako potężnego środka krytyki. W literaturze, poezji, w sztukach plastycznych grafika najżywiej reagowała na wydarzenia rewolucyjne. Uznanym mistrzem grafiki satyrycznej był Honore Daumier(1808-1879). Będąc genialnym rysownikiem, mistrzem linii, jednym pociągnięciem, plamą, sylwetką tworzył ekspresyjne obrazy, czyniąc z karykatury politycznej prawdziwą sztukę.
Po mistrzowsku opanował technikę modelowania światła i cienia, Daumier stosował w swoich obrazach techniki graficzne i zawsze podkreślał kontur. Spokojną, płynną czarno-brązową linią obrysowywał kontury postaci, profili, nakryć głowy, co było cechą jego malarskiej metody.
Malownicze dzieła Daumiera wyznaczają cykle, z których pierwszy był rewolucyjny. Można całkiem rozsądnie powiedzieć, że rewolucja 1830 roku stworzyła Daumiera-grafikę, rewolucja 1848 roku - Daumiera-malarza. Daumier był zagorzałym republikaninem, a sympatie artysty były po stronie proletariatu i demokratycznej inteligencji. Najważniejszym dziełem cyklu rewolucyjnego jest „Powstanie”, w którym Daumier, przedstawiając zaledwie kilka postaci, ustawiając je po przekątnej, osiągnął wrażenie i ruch wielkiego tłumu, natchnienie mas i skalę akcji poza płótnem. Nacisk położył tylko na postać młodego mężczyzny w lekkiej koszuli. Podporządkowany jest ogólnemu ruchowi i jednocześnie nim kieruje, zwracając się do idących za nim i podniesioną ręką wskazując drogę do celu. Obok niego intelektualista, na którego bladej twarzy zastyga zdumienie, ale on, porwany ogólnym impulsem, wtapia się w tłum.
Cykl „Don Kichot” można nazwać cyklem przelotowym w twórczości Daumiera. Jego interpretacja obrazów Don Kichota i Sancho Pansy nie ma odpowiedników w sztuce francuskiej. W przeciwieństwie do banalnych ilustratorów Cervantesa, Daumiera interesowała jedynie psychologiczna strona obrazu, a motywem przewodnim wszystkich jego 27 wariacji jest wychudzony, niewiarygodnie wysoki i wyprostowany Don Kichot, jadący przez ponury pagórkowaty krajobraz na swoim monstrualnie kościstym , podobny do gotyckiej chimery Rossinante; a za nim, na osiołku, tchórzliwy Sancho Pansa, zawsze pozostający w tyle. Obraz Sancho niejako mówi: dość ideałów, dość walki, czas wreszcie przestać. Ale Don Kichot niezmiennie podąża naprzód, wierny swemu marzeniu, nie zatrzymują go przeszkody, nie przyciąga błogosławieństw Życia, cały czas jest w ruchu, w poszukiwaniu.
Jeśli w „Don Kichocie” Daumier odzwierciedlał tragiczną sprzeczność między dwiema stronami ludzkiej duszy, to w serii „Sędziowie i prawnicy” powstał przerażający kontrast między wyglądem, wyglądem osoby i jej istotą. W tych naprawdę genialnych serialach Daumier wszedł do społeczności i
Sztuka francuska XVIII w. Realistyczny kierunek w malarstwie.
Naprzeciw wyrafinowanej sztuce rocaille, sztuce salonów i buduarów, „podporządkowanej wyobraźni i zachciankom garstki bogatych, znudzonych próżniaków, których gust jest równie zepsuty jak ich moralność”, przedstawiciele krytyki burżuazyjnej, na czele z Denisem , wypowiadał się w latach 60. i 70. Diderot. Obwiniając sztukę arystokracji za jej konwencjonalność i brak naturalności, domagali się tworzenia sztuki prawdziwie odzwierciedlającej życie, wolnej od manier i nie bojącej się codzienności. W przeciwieństwie do sztuki rocaille, której głównym zadaniem było sprawianie przyjemności ludziom rozpieszczonym bezczynnością, Diderot i jego zwolennicy domagali się stworzenia sztuki skutecznej, której zadaniem było nie tylko odtworzenie rzeczywistości, ale także wychowanie nowej osoba. Ich zdaniem sztuka, oprócz prawdomówności, powinna zawierać głębokie treści o znaczeniu społecznym, powinna mieć dobroczynny wpływ na społeczeństwo, pomagać człowiekowi w rozwiązywaniu najważniejszych problemów życiowych.
Najpełniej poglądy te rozwinął Diderot w swoich Salonach, recenzjach wystaw sztuki w Luwrze publikowanych od 1759 roku.
Jean Baptiste Simeon Chardin. Uderzającym kontrastem z dominującą w rozwoju sztuki linią arystokratyczną jest twórczość największego mistrza realizmu XVIII wieku, Jeana Baptiste Simeona Chardina (1699-1779). Syn paryskiego rzemieślnika-stolarza, kształcił się u akademickich malarzy, ale bardzo szybko zerwał z ich metodą pracy - według wzorów innych mistrzów i wyobraźnią. Tej metodzie przeciwstawiał pracę z natury i jej uważne studiowanie - zasadzie, której pozostał wierny przez całe życie. W 1728 roku Chardin zwrócił na siebie uwagę dwoma martwymi naturami, które wystawił na plenerowym Place Dauphine, gdzie raz w roku młodzi artyści mogli wystawiać swoje obrazy. Sukces, który przypadł mu w udziale, pozwolił mu zgłosić swoją pracę do Akademii. Tutaj jego martwe natury zyskały jednogłośne uznanie, a Chardin został wybrany akademikiem.
Martwa natura była ulubionym gatunkiem Chardina. Gatunek ten stał się modny w XVIII wieku pod wpływem Holendrów, których pasja odzwierciedlała pragnienie prostoty i naturalności, które pojawiło się w literaturze. Ale w swoich martwych naturach francuscy mistrzowie zwykle odpychali się nie od realistycznych podstaw sztuki holenderskiej, ale od jej elementów dekoracyjnych. Chardin skontrastował tę dekoracyjną martwą naturę ze swoimi prostymi, bezpretensjonalnymi obrazami, pozbawionymi jakichkolwiek efektów zewnętrznych. Malował gliniane dzbany, butelki, szklanki, proste przybory kuchenne w otoczeniu owoców i warzyw, czasem ryb lub martwej zwierzyny. Ale w tych prostych przedmiotach odkrył zdumiewające bogactwo barwnych odcieni, które pozwoliły mu wyrazić materialne walory rzeczy z niezwykłą mocą. Te walory malarstwa Chardina natychmiast docenił Diderot, który uznał go za „pierwszego kolorystę” Salonu i być może jednego z pierwszych kolorystów w malarstwie. „... Jak powietrze porusza się wokół tych obiektów”, wykrzykuje Diderot, „to ten, kto rozumie harmonię kolorów i refleks”. Rzeczywiście, Chardin jest jednym z największych kolorystów w sztuce zachodniej.
Najważniejsze miejsce w twórczości Chardina zajmuje malarstwo rodzajowe. Poświęcona jest przedstawianiu prostych scen z życia francuskiego trzeciego stanu - drobnomieszczaństwa i ludzi pracy. Sam Chardin wyszedł z tego środowiska i nie zerwał z nią kontaktu do końca swoich dni. Po raz pierwszy w sztuce XVIII wieku życie trzeciego stanu znajduje się w centrum uwagi artysty, który przekazuje je z głębokim uczuciem. Fabuły obrazów rodzajowych Chardina są zwyczajne i proste, pozbawione dramaturgii i narracji. W większości przypadków jest to obraz spokojnego życia domowego: matka z dziećmi czytająca modlitwę przed skromnym posiłkiem („Modlitwa przed obiadem”, 1744, Ermitaż); praczka piorąca ubrania i dziecko puszczające bańki mydlane siedzące przy wannie („Praczka”, ok. 1737, Ermitaż), chłopiec skrzętnie składający domek z kart („Dom z kart”, Luwr) – to są typowe tematy obrazów mistrza. Wszystko w nich jest naturalne i proste, a jednocześnie pełne wielkiej poezji. Dzieła gatunkowe Chardina są całkowicie pozbawione tendencji literackich i dydaktycznych, a także sentymentalizmu i anegdot, charakterystycznych dla podobnych dzieł większości mu współczesnych. Ale tak jak Chardin odkrył piękno prostych przyborów kuchennych w swoich martwych naturach, tak potrafił odkryć cały świat ludzkich uczuć pod skromnym wyglądem codziennych domowych scen, które nabierają w jego obrazach prawdziwego znaczenia moralnego. Szczerość i głęboka prawdomówność łączą się w tych pracach Chardina z jego wrodzonym kunsztem, smakiem oraz znakomitymi umiejętnościami malarskimi i kolorystycznymi. Podobnie jak martwe natury, są one malowane miękko i ogólnie, a ich brak jaskrawości budowany jest na najsubtelniejszych niuansach stonowanych tonów.
W sztuce francuskiej XVIII wieku Chardin był także jednym z twórców portretu realistycznego. Do najpiękniejszych portretów artysty należą jego autoportrety i portret żony wykonany pastelami (Luwr, lata 70. XVIII wieku).
Realistyczna sztuka Chardina natychmiast zyskała poparcie najnowocześniejszej krytyki artystycznej. Diderot szczególnie cenił Chardina, w swoich „Salonach” niejednokrotnie chwaląc jego obrazy za ich realistyczną prawdziwość i wysokie walory malarskie. Jednak nie pod każdym względem sztuka Chardina zadowoliła nową krytykę. Teraz, gdy sztuka miała stać się, mówiąc słowami Diderota, „szkołą moralności, niemym oratorem, pouczającym nas o cnotach i wzniosłych czynach”, ci artyści, w których twórczości zaczęły odnosić szczególne sukcesy cechy dydaktyczne.
Jean Baptiste Greuz. Głową nurtu sentymentalno-moralizatorskiego w sztuce francuskiej drugiej połowy XVIII wieku był Jean Baptiste Greuze (1725-1805). Twórczość Greuze'a, poświęcona głównie przedstawieniu życia drobnomieszczańskiego, odznacza się silnymi tendencjami idealizacyjnymi i przesiąknięta jest sentymentalną wrażliwością. Mają charakter zbliżony do dramatu sentymentalnego, który powstał w tym okresie - gatunku literackiego, w którym pisał Diderot.
Greuze jako pierwszy wśród artystów francuskich został głosicielem mieszczańskiej moralności, co w dużej mierze tłumaczy sukces jego dzieł, takich jak „Ojciec rodziny wyjaśniający Biblię swoim dzieciom”, który ukazał się w Salonie w 1755 roku (Paryż, prywatnie kolekcja) lub „The Country Bride” (Salon 1761, obecnie w Luwrze). W tych obrazach współczesnych Greuze'owi pociągała zarówno drażliwa tematyka, jak i sentymentalna pochwała cnót rodzinnych.
Wysoko cenił twórczość Greuze'a i Diderota. „Naprawdę moim artystą jest Greuze” - napisał Diderot, analizując obraz Greuze'a „Paralityczny” (Ermitaż) w swoim „Salonie” z 1763 roku. Diderot podziwia ten obraz jako „malarstwo moralne”, które wraz z poezją dramatyczną ma nas „dotykać, uczyć, poprawiać i zachęcać do cnoty”.
Jednak pod względem wartości artystycznej dzieła Greuze’a ustępują pracom Chardina. Kompozycje jego obrazów są często sztuczne i teatralne, typ monotonnie wyidealizowany i pozbawiony prawdziwej wyrazistości, gesty postaci zapamiętywane i powtarzane w podobnych sytuacjach, pozy widowiskowe i przemyślane. Kolorystyka obrazów Greza jest również często dowolna. Ale jego liczne rysunki mają wielką wartość. Są to szkice kompozycyjne lub szkice postaci, wykonane zazwyczaj włoskim ołówkiem lub sangwinikiem, swobodne stylistycznie, żywo i bezpośrednio oddające model.
Oprócz scen z życia drobnomieszczańskiego Grez malował portrety (portret młodzieńca, lata 50. XVIII w., Ermitaż), a także wyidealizowane wizerunki ładnych dziewcząt, w których wrodzony sentymentalizm ekspresji często przeradza się w nieprzyjemną mdłość. Jednak to właśnie te tak zwane „głowy” Greza były w swoim czasie szczególnie popularne.
Jednak sztuka Greza była tylko chwilowym sukcesem. Im bardziej zbliżał się moment wejścia mieszczaństwa w okres walk klasowych, tym mniej zadowalały go sentymentalne obrazy Greuze'a z ich ograniczoną problematyką tematyki życia rodzinnego, zwłaszcza że sentymentalizm Greuze'a jest zwykle przesycony erotyką.
W przededniu rewolucji 1789 r. dydaktyczną sztukę codzienną zastąpił klasycyzm.
Jeana Opore Fragonarda. W sztuce francuskiej drugiej połowy XVIII wieku nadal żywe są tradycje stylu rokoko, w które jednak obecnie przenikają realistyczne poszukiwania. Największym przedstawicielem tego nurtu był Jean Honore Fragonard (1732-1806), genialny mistrz rysunku i subtelny kolorysta. Szczególnie znane były rycerskie sceny i obrazy parków w wykonaniu Fragonarda.
Będąc jeszcze emerytem w Rzymie, Fragonard wraz z pejzażystą Hubertem Robertem lubił rysować szkice rzymskich willi. Wraz z tym samym Robertem Fragonard mieszka w Villa d'Este nad Tybrem, zapewnionej przez niego przez patrona św. Non, otoczonej malowniczym parkiem, położonej w obszarze o niezwykłej urodzie. Tutaj Fragonard i Robert piszą szereg studiów i uczestniczą w publikacji podjętej przez Saint Non, poświęconej Neapolowi i Sycylii, wykonując rysunki do rycin.
W przedstawianiu scen miłosnych Fragonard rozwija jeszcze śmielej niż Boucher elementy zmysłowe i erotyczne. Te nuty są szczególnie mocne w takich utworach jak "Skradziona koszula" (Luwr), "Swing" (Londyn, kolekcja Wallace'a), "Stealth Kiss" (Ermitaż) i inne. Bogata wyobraźnia, łatwość pisania, odważne pociągnięcie pędzla, błyskotliwy kunszt są charakterystyczne dla twórczości Fragonarda. Fragonard odnosi sukcesy również w pracach przedstawiających sceny z życia codziennego, czasem ludowego, jak np. Dzieci farmera (Ermitaż) i inne. Przesiąknięte są ciepłym uczuciem, wyróżniają się witalnością obrazów, dużą sprawnością w przekazywaniu światła, subtelnością koloru oraz swobodnym, szerokim stylem pisania. Czują studium dzieł malarzy holenderskich z XVII wieku. Wpływ tych ostatnich znajduje odzwierciedlenie w świetnie oddanej charakterystyce rzeczy, zainteresowaniu przedstawieniem zwierząt. Jak wszyscy artyści swoich czasów, Fragonard był bardzo wszechstronny, malował portrety, obrazy religijne, panele dekoracyjne, ilustrowane książki, wykonywał miniatury.
Realizm (z łac. „realis” – realny, materialny) jest nurtem w sztuce, powstał pod koniec XVIII wieku, osiągnął swój szczyt w XIX wieku, rozwija się nadal na początku XX wieku i istnieje do dziś. Jej celem jest rzeczywiste i obiektywne odwzorowanie przedmiotów i obiektów otaczającego świata, przy zachowaniu ich typowych cech i cech. W procesie historycznego rozwoju całej sztuki jako całości realizm przybrał określone formy i metody, w wyniku których wyróżnia się jego trzy etapy: oświecenie (wiek oświecenia, koniec XVIII w.), krytyczny (XIX w. wieku) i socrealizmu (początek XX wieku).
Terminu „realizm” po raz pierwszy użył francuski krytyk literacki Jules Jeanfleury, który w swojej książce „Realizm” (1857) zinterpretował to pojęcie jako sztukę stworzoną w celu przeciwstawienia się takim nurtom jak romantyzm i akademizm. Działał jako forma odpowiedzi na idealizację, charakterystyczną dla romantyzmu i klasycznych zasad akademizmu. Mając ostrą orientację społeczną, nazwano ją krytyczną. Kierunek ten odzwierciedlał ostre problemy społeczne w świecie sztuki, dawał ocenę różnych zjawisk w życiu ówczesnego społeczeństwa. Jego naczelnymi zasadami było obiektywne ukazanie istotnych aspektów życia, które jednocześnie zawierały w sobie wysokość i prawdziwość ideałów autora, odtworzenie charakterystycznych sytuacji i typowych postaci, przy zachowaniu pełni ich artystycznej indywidualności.
(Borys Kustodiew „Portret D.F. Bogosłowskiego”)
Realizm początku XX wieku miał na celu znalezienie nowych związków między człowiekiem a otaczającą go rzeczywistością, nowych dróg i metod twórczych, oryginalnych środków artystycznego wyrazu. Często nie wyrażała się w czystej postaci, charakteryzuje się ścisłym związkiem z takimi nurtami w sztuce XX wieku jak symbolizm, mistycyzm religijny, modernizm.
Realizm w malarstwie
Pojawienie się tego nurtu w malarstwie francuskim wiąże się przede wszystkim z nazwiskiem artysty Gustave'a Courbiera. Po tym, jak kilka obrazów, zwłaszcza tych o wielkim znaczeniu dla autora, zostało odrzuconych jako eksponaty na Wystawie Światowej w Paryżu, w 1855 roku otworzył własny „Pawilon Realizmu”. Deklaracja złożona przez artystę głosiła założenia nowego kierunku w malarstwie, którego celem było stworzenie sztuki żywej, oddającej obyczaje, zwyczaje, idee i wygląd współczesnych. „Realizm” Courbiera od razu wywołał ostrą reakcję społeczeństwa i krytyków, którzy twierdzili, że „ukrywając się za realizmem, oczernia naturę”, nazywa go rzemieślnikiem w malarstwie, parodiuje go w teatrze i szkaluje na wszelkie możliwe sposoby.
(Gustave Courbier „Autoportret z czarnym psem”)
Sztuka realistyczna opiera się na własnym, szczególnym spojrzeniu na otaczającą rzeczywistość, które krytykuje i analizuje wiele aspektów życia społecznego. Stąd nazwa realizmu XIX wieku „krytycznym”, ponieważ krytykował przede wszystkim nieludzki charakter okrutnego systemu wyzysku, ukazywał rażącą biedę i cierpienie urażonych zwykłych ludzi, niesprawiedliwość i pobłażliwość rządzących . Krytykując podstawy istniejącego społeczeństwa burżuazyjnego, artyści realiści byli szlachetnymi humanistami, którzy wierzyli w Dobro, Najwyższą Sprawiedliwość, Powszechną Równość i Szczęście dla wszystkich bez wyjątku. Później (1870) realizm dzieli się na dwie gałęzie: naturalizm i impresjonizm.
(Julien Dupre „Powrót z pól”)
Głównymi tematami artystów malujących swoje płótna w stylu realizmu były sceny rodzajowe z miejskiego i wiejskiego życia zwykłych ludzi (chłopów, robotników), sceny wydarzeń i incydentów ulicznych, portrety bywalców ulicznych kawiarni, restauracji i klubów nocnych. Dla realistów ważne było oddanie momentów życia w jego dynamice, jak najbardziej wiarygodne podkreślenie indywidualnych cech grających bohaterów, realistyczne ukazanie ich uczuć, emocji i przeżyć. Główną cechą obrazów przedstawiających ludzkie ciała jest ich zmysłowość, emocjonalność i naturalizm.
Realizm jako kierunek w malarstwie rozwinął się w wielu krajach świata, takich jak Francja (szkoła Barbizon), Włochy (znany był jako weryzm), Wielka Brytania (szkoła figuratywna), USA (szkoła kosza Edwarda Hoppera, szkoła artystyczna Thomasa Eakinsa), Australii (Heidelberg School, Tom Roberts, Frederick McCubbin), w Rosji znany był jako ruch Wędrowców.
(Julien Dupre „Pasterz”)
Obrazy francuskie, pisane w duchu realizmu, często należały do gatunku pejzażu, w którym autorzy starali się oddać otaczającą przyrodę, piękno francuskiej prowincji, wiejskie pejzaże, które ich zdaniem ukazywały „prawdziwą” Francję w całej okazałości w najlepszy możliwy sposób. Obrazy francuskich artystów realistów nie przedstawiały wyidealizowanych typów, byli prawdziwi ludzie, zwykłe sytuacje bez upiększeń, nie było zwykłej estetyki i narzucania uniwersalnych prawd.
(Honore Daumier „Powóz trzeciej klasy”)
Najwybitniejszymi przedstawicielami francuskiego realizmu w malarstwie byli artyści Gustave Courbier („Warsztat artysty”, „Łapacze kamieni”, „Knitter”), Honore Daumier („Powóz trzeciej klasy”, „Na ulicy”, „Praczka”) , Francois Millet („Siewca”, „Zbieracze”, „Anioł Pański”, „Śmierć i drwal”).
(François Millet „Zbieracze”)
W Rosji rozwój realizmu w sztukach wizualnych jest ściśle związany z przebudzeniem świadomości społecznej i rozwojem idei demokratycznych. Postępowi obywatele społeczeństwa potępili istniejący system państwowy, okazali głębokie współczucie dla tragicznego losu prostego narodu rosyjskiego.
(Alexey Savrasov „Przybyły gawrony”)
Do utworzonej pod koniec XIX wieku grupy Wędrowców należeli tacy wielcy rosyjscy mistrzowie pędzla, jak pejzażyści Iwan Szyszkin („Poranek w sosnowym lesie”, „Żyto”, „Las sosnowy”) i Aleksiej Sawrasow („ Przybyły gawrony”, „Wiejski widok”, „Tęcza”), mistrzowie malarstwa rodzajowego i historycznego Wasilij Perow („Trojka”, „Odpoczywający myśliwi”, „Wiejska procesja religijna na Wielkanoc”) i Iwan Kramskoj („Nieznany” , „Niepocieszony smutek”, „Chrystus na pustyni”), wybitny malarz Ilya Repin („Wozidła barek na Wołdze”, „Nie czekali”, „Procesja w guberni kurskiej”), mistrz przedstawiania wydarzenia historyczne na dużą skalę Wasilij Surikow („Poranek egzekucji Streltsy”, „Boyar Morozova”, „Suvorov Crossing the Alps”) i wielu innych (Vasnetsov, Polenov, Levitan),
(Valentin Serov „Dziewczyna z brzoskwiniami”)
Na początku XX wieku tradycje realizmu były mocno zakorzenione w sztukach pięknych tamtych czasów; tacy artyści jak Valentin Serov („Dziewczyna z brzoskwiniami”, „Piotr I”), Konstantin Korovin („W zimie”, „ Przy stole herbacianym”, „Borys Godunow. Koronacja”), Siergiej Iwanow („Rodzina”, „Przybycie gubernatora”, „Śmierć osadnika”).
Realizm w sztuce XIX wieku
Realizm krytyczny, który pojawił się we Francji i osiągnął swój szczyt w wielu krajach europejskich w połowie XIX wieku, powstał w opozycji do poprzedzających go tradycji prądów artystycznych, takich jak romantyzm i akademizm. Jego głównym zadaniem było obiektywne i zgodne z prawdą odzwierciedlenie „prawdy życia” za pomocą określonych środków plastycznych.
Pojawienie się nowych technologii, rozwój medycyny, nauki, różnych gałęzi produkcji przemysłowej, rozwój miast, wzmożona presja wyzysku na chłopów i robotników, wszystko to nie mogło nie wpłynąć na ówczesną sferę kulturową, co później doprowadziło do rozwój nowego ruchu w sztuce - realizmu, mającego odzwierciedlać życie nowego społeczeństwa bez upiększeń i zniekształceń.
(Daniel Defoe)
Angielski pisarz i publicysta Daniel Defoe jest uważany za twórcę europejskiego realizmu w literaturze. W swoich utworach „Dziennik roku zarazy”, „Roxanne”, „Radości i smutki Mole Flandersa”, „Życie i niesamowite przygody Robinsona Crusoe” ukazuje różne sprzeczności społeczne tamtych czasów, opierają się one na stwierdzenie o dobrym początku każdego człowieka, który może ulec zmianie pod wpływem zewnętrznych okoliczności.
Założycielem realizmu literackiego i powieści psychologicznej we Francji jest pisarz Frederic Stendhal. Jego słynne powieści „Czerwony i czarny”, „Czerwony i biały” pokazały czytelnikom, że opis zwyczajnych scen z życia i codziennych ludzkich przeżyć i emocji można wykonać z największą wprawą i podnieść go do rangi sztuki. Do wybitnych pisarzy realistycznych XIX wieku należą także francuski Gustave Flaubert („Pani Bovary”), Guy de Maupassant („Drogi przyjacielu”, „Silny jak śmierć”), Honore de Balzac (seria powieści „Komedia ludzka” ), Anglik Charles Dickens („Oliver Twist”, „David Copperfield”), Amerykanie William Faulkner i Mark Twain.
Początkami rosyjskiego realizmu byli tacy wybitni mistrzowie pióra, jak dramaturg Aleksander Gribojedow, poeta i pisarz Aleksander Puszkin, bajkopisarz Iwan Kryłow, ich następcy Michaił Lermontow, Nikołaj Gogol, Anton Czechow, Lew Tołstoj, Fiodor Dostojewski.
Malarstwo okresu realizmu XIX wieku charakteryzuje się obiektywnym przedstawieniem prawdziwego życia. Francuscy artyści pod wodzą Theodore'a Rousseau malują wiejskie pejzaże i sceny z życia ulicy, udowadniając, że zwykła natura bez upiększeń może być również wyjątkowym materiałem do tworzenia arcydzieł sztuki.
Jednym z najbardziej skandalicznych artystów realistycznych tamtych czasów, wywołującym burzę krytyki i potępienia, był Gustave Courbier. Jego martwe natury, pejzaże ("Jeleń nad wodopojem"), sceny rodzajowe ("Pogrzeb w Ornan", "Miażdżacze kamieni").
(Pavel Fedotov „Swatanie majora”)
Założycielem rosyjskiego realizmu jest artysta Paweł Fedotow, który swoimi słynnymi obrazami „Major's Matchmaking”, „Fresh Cavalier”, w swoich pracach obnaża występne obyczaje społeczeństwa i wyraża współczucie dla ludzi biednych i uciskanych. Kontynuatorów jego tradycji można nazwać ruchem Wędrowców, który został założony w 1870 roku przez czternastu najlepszych absolwentów Cesarskiej Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych wraz z innymi malarzami. Ich pierwsza wystawa, otwarta w 1871 roku, odniosła ogromny sukces wśród publiczności, pokazywała odzwierciedlenie prawdziwego życia prostego narodu rosyjskiego, który żyje w strasznych warunkach biedy i ucisku. Są to słynne obrazy Repina, Surikowa, Perowa, Lewitana, Kramskoja, Wasniecowa, Polenowa, Ge, Wasiliewa, Kuindżiego i innych wybitnych rosyjskich artystów realistów.
(Constantin Meunier „Przemysł”)
W XIX wieku architektura, architektura i pokrewne sztuki użytkowe znajdowały się w stanie głębokiego kryzysu i upadku, co z góry stworzyło niekorzystne warunki dla rozwoju monumentalnej rzeźby i malarstwa. Dominujący system kapitalistyczny był wrogo nastawiony do tych rodzajów sztuki, które były bezpośrednio związane z życiem społecznym zbiorowości (budynki publiczne, zespoły o szerokim znaczeniu obywatelskim), realizm jako nurt w sztuce mógł w pełni rozwinąć się w sztukach wizualnych i częściowo w rzeźbie. Wybitni realistyczni rzeźbiarze XIX wieku: Constantine Meunier („Ładowarka”, „Przemysł”, „Pudding Man”, „The Hammerman”) i Auguste Rodin („Myśliciel”, „Spacer”, „Mieszkańcy Calais”) .
Realizm w sztuce XX wieku
W okresie porewolucyjnym oraz w okresie tworzenia i rozkwitu ZSRR socrealizm stał się dominującym nurtem w sztuce rosyjskiej (1932 – pojawienie się tego terminu, jego autorem był radziecki pisarz I. Groński), co było estetycznym odzwierciedleniem socjalistycznej koncepcji społeczeństwa sowieckiego.
(K. Yuon „Nowa planeta”)
Głównymi zasadami socrealizmu, mającymi na celu wierne i realistyczne przedstawienie otaczającego świata w jego rewolucyjnym rozwoju, były zasady:
- Narodowości. Używaj wspólnych zwrotów mowy, przysłów, aby literatura była zrozumiała dla ludzi;
- Ideologiczny. Wyznacz bohaterskie czyny, nowe idee i sposoby niezbędne dla szczęścia zwykłych ludzi;
- Specyficzność. Przedstawiają otaczającą rzeczywistość w procesie historycznego rozwoju, odpowiadającą jej materialistycznemu rozumieniu.
W literaturze głównymi przedstawicielami socrealizmu byli pisarze Maxim Gorky („Matka”, „Foma Gordeev”, „Życie Klima Samgina”, „Na dnie”, „Pieśń Petrela”), Michaił Szołochow („ Virgin Soil Upturned”, epicka powieść „Cichy Don”), Nikołaj Ostrowski (powieść „Jak hartowano stal”), Aleksander Serafimowicz (historia „Żelazny strumień”), poeta Aleksander Twardowski (wiersz „Wasilij Terkin” ), Alexander Fadeev (powieści „Rout”, „Młoda gwardia”) i inni
(ML Zvyagin „Do pracy”)
Również w ZSRR dzieła takich zagranicznych autorów, jak pacyfistyczny pisarz Henri Barbusse (powieść „Ogień”), poeta i prozaik Louis Aragon, niemiecki dramaturg Bertolt Brecht, niemiecka pisarka i komunistka Anna Segers (powieść „ Siódmy krzyż”) byli zaliczani do pisarzy socrealistycznych. , chilijski poeta i polityk Pablo Neruda, brazylijski pisarz Jorge Amado („Kapitanowie piasku”, „Donna Flor i jej dwaj mężowie”).
Wybitni przedstawiciele kierunku socrealizmu w malarstwie sowieckim: Alexander Deineka („Obrona Sewastopola”, „Matka”, „Przyszli piloci”, „Sportowiec”), V. Favorsky, Kukryniksy, A. Gerasimov („Lenin na podium ”, „Po deszczu” , „Portret baletnicy O. V. Lepeshinskaya”), A. Plastov („Kąpiące się konie”, „Obiad traktorzystów”, „Stado kołchozowe”), A. Laktionov („List z przodu ”), P. Konczałowski („Liliowy”), K. Yuon („Komsomolskaja Prawda”, „Ludzie”, „Nowa planeta”), P. Wasiljew (portrety i znaczki przedstawiające Lenina i Stalina), V. Svarog („Bohaterowie -piloci na Kremlu przed lotem”, „Pierwszy maja - pionierzy”), N. Baskakov („Lenin i Stalin w Smolnym”) F. Reshetnikov („Znowu dwójka”, „Przybył na wakacje”), K. Maksimov i inni.
(Pomnik Very Muchiny „Robotniczka i dziewczyna z kołchozu”)
Wybitnymi sowieckimi rzeźbiarzami-monumentalistami epoki socrealizmu byli Vera Mukhina (pomnik „Robotnik i dziewczyna z kołchozu”), Nikołaj Tomski (płaskorzeźba z 56 postaciami „Obrona, praca, odpoczynek” na Domu Sowietów na Moskiewskim Prospekcie w Leningradu), Jewgienija Wucheticza (pomnik „Wojownik-Wyzwoliciel” w Berlinie, rzeźba „Ojczyzna wzywa!” w Wołgogradzie), autorstwa Siergieja Konenkowa. Z reguły do wielkoformatowych rzeźb monumentalnych wybierano szczególnie trwałe materiały, takie jak granit, stal czy brąz, które ustawiano w otwartych przestrzeniach dla upamiętnienia szczególnie ważnych wydarzeń historycznych lub epickich heroicznych czynów.
