łac. - dekorować): sztuka tworzenia przedmiotów gospodarstwa domowego, mających na celu zaspokojenie zarówno praktycznych, jak i artystycznych i estetycznych potrzeb ludzi. Sztuka dekoracyjna i użytkowa powstała w starożytności i rozwijała się przez wiele wieków w formie rzemiosła ludowego. O walorach estetycznych rzeczy decyduje jej przeznaczenie, właściwości materiału, z którego jest wykonana oraz technika wykonania. Produkty mogą mieć cel użytkowy (malowane kubki, tkaniny, meble intarsjowane); tutaj najbardziej oczywista jest zależność ich elementów zdobniczych od formy i przeznaczenia użytkowego. Wykończenia dekoracyjne, malowanie elewacji budynków i wnętrz pozwalają na znacznie większą swobodę w stosowaniu środków figuratywnych i wyrazowych. Panel dekoracyjny, ozdobny posąg, będący częścią zespołu architektonicznego, można również uznać za niezależne dzieła sztuki. Dlatego w estetyce i historii sztuki obok pojęcia „sztuki dekoracyjnej” pojawia się pojęcie „monumentalnej sztuki dekoracyjnej”. Wraz z rozwojem wzornictwa, mającego na celu poprawę walorów estetycznych obiektywnego świata, produkcja wyrobów sztuki dekoracyjnej i użytkowej w coraz większym stopniu ogranicza się do tworzenia małych serii lub nawet pojedynczych dzieł.
Świetna definicja
Niepełna definicja ↓
SZTUKA I SZTUKA UŻYTKOWA
od łac. decoro - dekoruję) - rodzaj sztuki, który służy codziennym potrzebom człowieka, a jednocześnie zaspokaja jego potrzeby estetyczne, ożywiając piękno. Do D.-p. oraz. obejmują wyroby wykonane z najróżniejszych materiałów (tradycyjnie – z drewna, gliny, kamienia, tkaniny, szkła, metalu). Od czasów starożytnych ludzie w tworzonych produktach nie tylko zaspokajali swoje najpilniejsze potrzeby użytkowe, ale także tworzyli „i według prawa piękna” (Marks). Piękno produktów D.-p. oraz. osiągnięte dzięki dekoracyjności formy. Starożytny rodzajem zdobienia jest ornament (łac. Ornamentum-dekoracja) – wzór naniesiony na wyrób w rytmicznych powtórzeniach lub będący jego podstawą konstrukcyjną. Pojawienie się zdobnych przedmiotów w sztuce prymitywnej wiąże się z pracą i obrzędem magicznym. Jako rodzaj artysty. kreatywność D.-str. oraz. ostatecznie kształtuje się, gdy rzemiosło zostaje wyodrębnione jako samodzielna gałąź produkcji (rzemiosło artystyczne). Dalszy społeczny podział pracy, już na etapie manufaktury, doprowadził do tego, że użyteczność i piękno, funkcja i dekoracja wytwarzanych przedmiotów stały się przedmiotem troski różnych specjalistów. Przed rewolucją przemysłową cały wyrób wykonywany był ręcznie przez mistrza i jego uczniów – kowali, garncarzy, szwaczki, którzy według Gorkiego byli założycielami sztuki w czasach jej oddzielenia od rzemiosła. W dobie mechanizacji przemysłu, aby wyroby nie zostały pozbawione walorów estetycznych, zaprasza się artystę, którego zadaniem nie jest wytwarzanie całości wyrobu, a jedynie jego zdobienie: artysta zaczął „nakładać” swoją sztukę do gotowego produktu. Tak więc wraz z rozwojem produkcji przemysłowej powstaje przemysł artystyczny, w którym metoda sztuki użytkowej znajduje dla siebie miejsce - wykańczanie produktów malowaniem, rzeźbieniem, inkrustacją itp. Ale piękno przedmiotu tkwi nie tylko w dekoracji, chociaż to też wymaga dużo sztuki. Obiekt powinien być wyrazisty jako całość - w swojej konstrukcji, proporcjach i detalach. Dlatego termin „sztuka użytkowa” we współczesnym znaczeniu. aplikacja jest błędna. Metoda sztuki użytkowej jest produktywna tylko w odniesieniu do dziedziny tworzenia artykułów gospodarstwa domowego (na przykład malowanie filiżanek, tkanin lub inkrustowanie wypracowanego przez stulecia kształtu strzelby myśliwskiej, sztyletu). Termin „sztuka zdobnicza” jest szerszy i trafniejszy, gdyż charakteryzuje wytworzony przedmiot pod względem artyzmu. znak i oddaje dziedzinę architektury wnętrz (sztuka projektowania dekoracyjnego). Wraz z pojawieniem się projektowania jako nowego rodzaju działalności estetycznej w dziedzinie produkcji przemysłowej, skutecznie rozwiązującej problem zaspokojenia masowego popytu na dobra konsumpcyjne o określonych cechach estetycznych, zwykle stosuje się metodę sztuki użytkowej związaną z pracą fizyczną ogranicza się do tworzenia małych serii produktów. Poza tym na tym nowym etapie możliwość swobodniejszego rozwoju D.-p. i., niezwiązany z wymogiem użyteczności, poszerzający i pogłębiający swoje duchowe znaczenie w życiu społeczeństwa, podnoszący się do rangi sztuki sztalugowej i monumentalnej. Ten ogólny proces rozwoju D. - poz. oraz. świadczy o przezwyciężeniu odwiecznej przepaści między roszczeniami „czystymi” i „stosowanymi”. Sztuka dekoracyjna jest ściśle związana z projektowaniem wnętrz architektonicznych (malarstwo dekoracyjne, rzeźba dekoracyjna, płaskorzeźby, plafony, wazony itp.). W tym przypadku jest prezentowana w syntezie z innymi sztukami, przede wszystkim ze sztuką monumentalną. Najbardziej uderzającym przejawem tej syntezy są takie odmiany sztuk plastycznych, jak tablice, mozaiki, freski, witraże, gobeliny, dywany i dekoracje sztukatorskie. To nie przypadek, że niektórzy artyści i teoretycy sztuki (na przykład V. I. Mukhina, Yu. D. Kolpinsky) wprowadzają do estetyki pojęcie „sztuki monumentalnej i dekoracyjnej”. Jeszcze jeden obszar D. - przedmiot. oraz. związane bezpośrednio z dekoracją samej osoby - artysty. wykonane ubrania (kostiumy) i biżuteria, D.-p. oraz. klasyfikuje się nie tylko pod względem funkcjonalnym, ale także na innych podstawach: według materiału (metal, ceramika, szkło itp. lub bardziej zróżnicowane: srebro, brąz, porcelana, fajans, kryształ itp.) oraz technologii (malarstwo, rzeźba, ściganie, rzucanie itp.). Zawarte w codziennym życiu ludzi, D.-p. i., wraz z architekturą i projektowaniem, jest stałym elementem ich edukacji estetycznej.
SZTUKA I SZTUKA UŻYTKOWA
Sztuka i Rzemiosło- rodzaj działalności twórczej polegającej na tworzeniu artykułów gospodarstwa domowego, zaprojektowanych w celu zaspokojenia potrzeb użytkowych i artystycznych oraz estetycznych ludzi.
Sztuka dekoracyjna i użytkowa to produkty wykonane z różnych materiałów i przy użyciu różnych technologii. Materiałem na temat DPI może być metal, drewno, glina, kamień, kość. Techniczne i artystyczne metody wytwarzania produktów są bardzo różnorodne: rzeźbienie, haftowanie, malowanie, golenie itp. Główną cechą charakterystyczną przedmiotu DPI jest dekoracyjność, która polega na obrazowości i chęci udekorowania, uczynienia go lepszym, piękniejszym.
Sztuka dekoracyjna i użytkowa ma charakter narodowy. Ponieważ wywodzi się ze zwyczajów, zwyczajów, wierzeń określonej grupy etnicznej, jest bliska sposobowi życia.
Sztuka i rzemiosło ludowe to jedna ze sprawdzonych form wyrażania estetycznego postrzegania świata.
Ważnym elementem rzemiosła artystycznego i użytkowego jest rzemiosło ludowe – forma organizacji pracy artystycznej oparta na twórczości zbiorowej, rozwijającej lokalną tradycję kulturową i ukierunkowana na sprzedaż rękodzieła.
Kluczową ideą twórczą tradycyjnego rzemiosła jest twierdzenie o jedności świata przyrody i człowieka.
Główne rzemiosła ludowe Rosji to:
Rzeźba w drewnie - Bogorodskaja, Abramcewo-Kudrinskaja; (ilustracje 2-8)
Malarstwo na drewnie - Khokhloma, Gorodetskaya, Polkhov-Maidanskaya, Mezenskaya,
Zdobienie wyrobów z kory brzozowej - tłoczenie na korze brzozowej, malowanie;
Artystyczna obróbka kamienia - obróbka kamienia twardego i miękkiego,
Rzeźba kości - Chołmogory, Tobolsk. Chotkowskaja,
Malarstwo miniaturowe na papierze-mache - miniatura Fedoskino, miniatura Palekh, miniatura Msterskaya, miniatura Kholuy,
Artystyczna obróbka metalu - Veliky Ustyug czarne srebro, emalia Rostów (malowanie emalią na metalu), malowanie Zhostovo na metalu,
Ceramika ludowa - ceramika Gzhel, ceramika Skopinsky, zabawka Dymkovo, zabawka Kargopol,
Koronkarstwo - Koronka Wołogdy, Koronka Michajłowska,
Malowanie na tkaninie - Chusty i szale Pawłowskie,
Haft - Vladimirskaya, Kolorowy przeplot, Złoty haft.
W Rosji istnieje ponad 80 rodzajów ludowej sztuki użytkowej, odrodzonych i tradycyjnie uzasadnionych. Są to: hafty artystyczne, rosyjskie werniksy artystyczne, ceramika, malarstwo artystyczne na tkaninie, glinie, drewnie itp. Obecnie w Rosji działa 12 instytucji edukacyjnych, które kształcą studentów w najbardziej złożonych tradycyjnych obszarach ludowej kultury użytkowej, są to: Uralska Szkoła Artystyczna, Szkoła Rzeźby Kości Łomonosowa, Szkoła Złotego Szycia Torzhok, Szkoła Sztuki Przemysłowej Mstera itp.
Sztuka dekoracyjna i użytkowa. Sztuka ludowa.
1. Od czasów starożytnych ludzką naturą było dążenie do piękna
otaczający go obiektywny (materialny) świat. W tym celu na proste tkaniny nanoszono haftowane wzory, a ceramikę dekorowano ornamentami. Wyroby metalowe odlewane były w formach figurowych, pokrytych wytłoczeniami i nacięciami. Wzór, dekoracja niejako została „nałożona” na przedmiot i stała się piękniejsza, bogatsza, bardziej elegancka. Zachował swoją utylitarną (praktyczną) podstawową zasadę, swoją użyteczność, ale teraz można go było tylko podziwiać, pokazywać jako punkt orientacyjny. A taki przedmiot był już ceniony nie tylko za to, że był po prostu użyteczny, ale także za swój wzór, za kunszt zdobienia, szlachetność materiału i subtelność. Później, w XIX wieku, ta dziedzina sztuki rozwój obiektywnego świata określono mianem „sztuki użytkowej”.
sztuki stosowane służy praktycznemu celowi i jednocześnie
zdobi nasze życie, tworzy pewien nastrój emocjonalny.
Sztuka dekoracyjna. Rozprzestrzenianie się w epoce
niewolnictwo. Pragnieniem ludzi jest ozdabianie się naszyjnikami, bransoletkami,
pierścionki, wisiorki, kolczyki itp. Później były też przedmioty
ozdoby odzieżowe, a następnie dekoracje domowe, takie jak dywany
w których już nie siedzieli ani nie leżeli, ale wisieli na ścianie dla urody, lub wazonach na podłodze - także nie na kwiaty i nie na wodę czy wino, ale na
dekoracje przedpokoju. Tutaj piękno jest na pierwszym miejscu. Ich
Jedyną „korzyścią” było to, że były piękne. To sztuka XVIII i XIX wieku.
zwany dekoracyjny(od francuskich słów „wystrój” - „dekoracja”). Produkty
sztuka dekoracyjna istnieje tylko po to, aby ozdobić pokój,
ubranie lub osoba. Jeśli obiekty projektowe są produkowane w milionach
obiegów, sztuki użytkowej - w tysiącach, następnie wyrobów dekoracyjnych -
dziesiątki, a nawet jednostki. Artysta pokazuje w nich przede wszystkim swoje
indywidualny gust. Najważniejsza rzecz w pracach dekoracyjnych
sztuka - ogólna ekspresja artystyczna, piękno rzeczy jako całości. Sztuka użytkowa i zdobnicza ukazuje gust i wyobraźnię artysty, odzwierciedla materialne i duchowe zainteresowania ludzi, cechy narodowe.
Sztuka użytkowa i zdobnicza w wielu przypadkach wzajemnie się uzupełniają.
przyjaciel. W tym przypadku mówi się o sztuce i rzemiośle.
Sztuka dekoracyjna jest jednym z rodzajów sztuk plastycznych.
Sztuka dekoracyjna to dzieło, które wraz z architekturą
artystycznie kształtuje materialne środowisko otaczające człowieka i
wprowadza do niej początek estetyczny, ideowy i figuratywny.
Rodzaje sztuki dekoracyjnej: sztuka i rzemiosło,
projektowe, teatralno-dekoracyjne, monumentalne i dekoracyjne,
dekoracja.
Sztuka ludowa.
Za tymi słowami stoi wielkie i ważne zjawisko: poezja ludowa i
teatr, muzyka i taniec, architektura i sztuki wizualne. Sztuka ludowa jest fundamentem, na którym wyrosła budowa światowej kultury artystycznej.
Charakterystyczne cechy sztuki ludowej:
1. Sztuka ludowa jest inna piękno i korzyść.
2. Umiejętności opanowania technicznego i znalezione obrazy są przenoszone z
z pokolenia na pokolenie. Z tego powodu ustalona na wieki
tradycja wybiera tylko najlepsze osiągnięcia twórcze.
3. Kreatywność zbiorowa . Wszystko w pracy jest dyktowane
wielowiekowa tradycja: dobór materiału i metody jego obróbki,
charakter i treść dekoracji.
Niesamowita radość sztuki ludowej bierze się ze świadomości
własną siłę, bo za wszystkim stoi talent, praca i jednomyślność wielu ludzi, najlepiej całego narodu. Piękno również pochodzi z tego źródła. I oczywiście z rodzimej natury, od której mistrz się uczy.
Źródłem pomysłów i inspiracji może być także sztuka ludowa
profesjonalni artyści.
3. Ornament
Duże znaczenie w sztuce ludowej przywiązuje się do ornamentu, który
zdobi przedmiot lub jest jego elementem konstrukcyjnym.
Ornament (z łac. „ornamentum” – „ozdoba”) – wzór,
zbudowany na rytmicznej naprzemienności i kombinacji geometrycznych lub
elementy obrazkowe. Głównym celem ornamentu jest dekoracja
powierzchnię przedmiotu, podkreśl jego kształt.
Rodzaje ornamentu: geometryczny, naturalny, zwierzęcy.
Pokazy dzieł sztuki i rękodzieła
interesy materialne i duchowe ludzi, cechy narodowe.
SZTUKA DEKORACYJNA I UŻYTKOWA, forma sztuki, tworzenie produktów łączących funkcje artystyczne i użytkowe. Dzieła sztuki i rzemiosła związane są z codziennymi potrzebami człowieka, stanowią integralną część jego otoczenia. Podstawą i źródłem sztuki i rzemiosła jest sztuka ludowa. Sfera rzemiosła artystycznego obejmuje wyroby tradycyjnego rzemiosła artystycznego, przemysłu artystycznego oraz profesjonalnej twórczości autorskiej. Termin „sztuka użytkowa” powstał w XVIII wieku w Anglii i był stosowany głównie do tworzenia przedmiotów użytku domowego (malowanie naczyń, tkanin, wykańczanie broni). W XX wieku termin „sztuka i rzemiosło” został zatwierdzony w rosyjskiej historii sztuki jako określenie sekcji sztuki dekoracyjnej, która obejmuje również sztukę teatralną i dekoracyjną oraz projektowanie.
Cechą charakterystyczną dzieł sztuki i rzemiosła jest nierozerwalny związek między tym, co użytkowe, a tym, co artystyczne, jedność użyteczności i piękna, funkcji i dekoracji. Użyteczność pozwala nam klasyfikować dzieła sztuki i rzemiosła według ich praktycznego przeznaczenia (narzędzia, meble, przybory itp.); funkcja przedmiotu wyraźnie określa jego schemat konstrukcyjny. Cechą nadającą przedmiotowi sztuki dekoracyjnej i użytkowej status dzieła sztuki jest dekoracyjność. Realizuje się to nie tylko w zdobieniu przedmiotu określonymi detalami (dekoracją), ale także w jego ogólnej strukturze kompozycyjnej i plastycznej. Wystrój ma swoją własną ekspresję emocjonalną, rytm, proporcje; jest w stanie zmienić formę. Wystrój może być rzeźbiarsko-reliefowy, malowniczo malowany, graficznie rzeźbiony (patrz także Grawerowanie); posługuje się zarówno ornamentem (m.in. ozdobnymi napisami - hieroglifami, kaligrafią, pismem słowiańskim itp., ujawniającymi znaczenie obrazów), jak i różnymi elementami i motywami malarskimi ("drzewo świata", ptaki i zwierzęta, rośliny itp.) zgodnie z pewnym systemem zdobniczym i stylistycznym (patrz też Bukrany, Gryf, Róża, Sfinks). W lamelowym systemie sztuki i rzemiosła istnieje możliwość zastosowania tzw. czystej formy jako przeciwieństwa każdego wystroju: może ona przejawiać się w nieodłącznym pięknie materiału, ujawniając jego walory strukturalne, plastyczne, kolorystyczne, harmonię proporcji, elegancji sylwetki i konturów.
Naczynie. Malowana ceramika. III tysiąclecie pne. Yangshao (Chiny). Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej (Wiedeń).
Inną podstawową cechą sztuki i rzemiosła jest synteza, która oznacza połączenie różnych rodzajów twórczości (malarstwo, grafika, rzeźba) i różnych materiałów w jednym dziele. Syntetyczne w swojej wewnętrznej naturze dzieło sztuki i rzemiosła jest często zaangażowane w syntezę sztuk, w zespół obiektów artystycznych i może zależeć od architektury (meble, rzeźby dekoracyjne, panele, gobeliny, dywany itp.). W wyniku tej zależności sztuka i rzemiosło we wszystkich epokach z wyczuciem i wyraźnie podążały za zmianami w stylu i modzie.
W sztuce i rzemiośle obraz rzeczy jest określony przez związek między jej formą estetyczną a przeznaczeniem użytkowym. Z jednej strony istnieje koncepcja utylitarnego i niemalarskiego charakteru sztuki i rzemiosła jako „robienia rzeczy”: czysto praktyczne zadanie nie oznacza stworzenia pełnoprawnego obrazu (na przykład cel garncarstwa lub koszyka tkanie nie polega na przedstawianiu rzeczy, ale na tworzeniu samej rzeczy). Jednak inne przykłady (ceramika antropomorficzna itp.), mające początek mimetyczny, pozwalają mówić o obrazowaniu jako nadrzędnym zadaniu twórczości w sztuce dekoracyjnej i użytkowej, przejawiającej się przede wszystkim w skojarzeniach i analogiach (kształt przedmiotu może przypominać pąk kwiatu, kropla, postać osoby lub zwierzęcia, fala morska itp.). Dualizm zadań estetycznych i funkcjonalnych determinuje figuratywną specyfikę sztuk i rzemiosł (ograniczenie konkretności obrazów, tendencja do odchodzenia od światłocienia i perspektywy, posługiwanie się lokalną kolorystyką, płaskość obrazów i sylwetek).
Sztuka dekoracyjna i użytkowa jako rodzaj działalności artystycznej związana jest z pracą fizyczną mistrza, która wyłoniła się jako samodzielna gałąź produkcji. Dalszy społeczny podział pracy prowadzi do zastąpienia produkcji rzemieślniczej produkcją maszynową (manufaktury, fabryki, zakłady); funkcjonalny projekt i dekoracja stają się dziełem różnych specjalistów. Tak powstaje przemysł artystyczny, w którym swoje miejsce znajdują metody „sztuki użytkowej” - zdobienia wyrobów za pomocą malowania, rzeźbienia, inkrustacji, tłoczenia itp.
Kwestia stosunku pracy ręcznej i maszynowej w wytwarzaniu przedmiotów sztuki dekoracyjnej i użytkowej była szczególnie dotkliwa w 2. połowie XIX wieku, w kontekście problemu „depersonalizacji” (według słów W. Morrisa ) przez produkcję rzemiosła artystycznego oraz popularne w tej epoce teorie ograniczonego zastosowania maszyn jako przesłanki odrodzenia tradycji narodowych. Kontrastując rękodzieło ludowe z masową produkcją, Morris jednocześnie sugeruje sposoby ich syntezy, co pozwala na stworzenie nowego rodzaju sztuki i rzemiosła. Wzornictwo, które od połowy XIX w. stało się nowym rodzajem działalności artystycznej w dziedzinie produkcji przemysłowej (masowej), ograniczało rzemiosło artystyczne głównie do tworzenia małonakładowych serii rękodzielniczych (zob. też Wytwarzanie artystyczne) .
Typologia. Każda dziedzina sztuki i rzemiosła ma różnorodne formy; ich ewolucja jest bezpośrednio związana z rozwojem technologii, odkrywaniem nowych materiałów, zmianą idei estetycznych i mody. Dzieła sztuki i rzemiosła różnią się funkcjonalnością, formą i materiałem.
Jednym z najstarszych rodzajów sztuki i rzemiosła jest zastawa stołowa. Jego formy różniły się w zależności od materiału (drewno, metal, fajans, porcelana, ceramika, szkło, plastik) i przeznaczenia (obrzędowe, domowe, jadalne, dekoracyjne; zob. też Naczynia artystyczne). Sztuka dekoracyjna i użytkowa to także: akcesoria kultowe (gonfalony, pobory, lampady - w chrześcijaństwie; muzułmańskie naczynia do ablucji, dywaniki modlitewne „namazlyk” itp.; judaistyczne świeczniki menora; buddyjskie trony lotosowe i kadzielnice świątynne); elementy wyposażenia wnętrz (meble, oprawy oświetleniowe, wazony, lustra, przybory do pisania, szkatułki, wachlarze, tabakiery, płytki itp.); domowe przybory rzemieślnicze (kołowrotki, wałki, marszczenia, ruble, wrzeciona itp.); dzieła gliptyki; sztuka biżuterii; środki transportu (wagony, rydwany, bryczki, sanie itp.); broń; tekstylia (patrz także batik, hafty, koronki, obcasy, tkactwo; tekstylia obejmują również dywany, gobeliny, gobeliny, kilimy, maty filcowe itp.); odzież; częściowo - mały plastik (głównie zabawka).
Równie różnorodne są materiały stosowane w produktach sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Najstarsze to kamień, drewno, kość. Drewno liściaste wykorzystywano do budowy mieszkań, wyrobu mebli, artykułów gospodarstwa domowego [sosna, dąb, orzech (w sztuce renesansu), brzoza karelska (w epoce rosyjskiego klasycyzmu i cesarstwa), klon (zwłaszcza w epoce nowożytnej), mahoń, gruszka] ; miękkie odmiany (na przykład lipa) - do produkcji naczyń, łyżek. Od XVII wieku w Europie zaczęto wykorzystywać importowane drewno egzotyczne.
Techniki obróbki gliny, takie jak odręczne modelowanie i formowanie, miały decydujące znaczenie w tworzeniu wyrobów z gliny na początkowych etapach. W III tysiącleciu p.n.e. pojawiło się koło garncarskie, pozwalające na wytwarzanie naczyń cienkościennych.
Ceramika (glina wypalana) obejmuje terakotę (gładką i lakierowaną), majolikę, półfajans, fajans, nieprzezroczysty, porcelanę, biskwit, tzw. masę kamienną. Główne sposoby zdobienia ceramiki to sztukateria, satynowanie, polerowanie, malowanie kolorami, grawerowanie, glazurowanie itp.
Tkaniny były szeroko stosowane od czasów neolitu. Znakomitymi przykładami sztuki zdobniczej i użytkowej są wielobarwne tkaniny lniane starożytnego Egiptu, wykonane w technice batiku - koptyjskie; Chińskie tkaniny jedwabne, indyjskie muśliny, wenecki adamaszek.
Mistrzowie sztuki i rzemiosła często używali szlachetnych, półszlachetnych i kolorowych kamieni ozdobnych: diamentów, rubinów, szmaragdów, szafirów, jadeitu, lapis lazuli i karneolu, malachitu, jaspisu itp. (bursztyn również należy do materiałów zdobniczych). Wśród różnych rodzajów obróbki przez długi czas dominowały kaboszony (kamienie zaokrąglone), później pojawiły się kamienie fasetowane. Istnieją złożone techniki - tak zwana mozaika florencka (obrazy wykonane z marmuru i kamieni półszlachetnych), mozaika rosyjska (wklejanie zaokrąglonej powierzchni wazonów płytkami z kolorowych kamieni) itp.
Pudełko z wizerunkiem krucyfiksu i aniołów. Drewno, srebro, emalia. 1 ćwierć XIII wieku. Limoges (Francja). Ermitaż (Petersburg).
Wśród metali wyróżnia się szlachetne (złoto, srebro, platyna), nieżelazne (miedź, cyna), stopy (brąz, elektryczność, cyna), a także stal, żeliwo i aluminium. Wraz z metalami szlachetnymi prawie wszystkie starożytne cywilizacje przetwarzały miedź, brąz, a później żelazo. Złoto i srebro były pierwotnie głównymi metalami w sztuce i rzemiośle, a ich niedobór był kompensowany różnymi technikami (srebro galwanizowane i złocenia; od połowy XIX w. galwanizacja). Główne techniki obróbki metali to niello, granulacja, golenie, śrutowanie, odlewanie artystyczne, kucie artystyczne, basma (rodzaj techniki jubilerskiej imitującej golenie), tłoczenie.
Specjalną techniką i jednocześnie materiałem jest emalia, której najstarsze próbki znajdują się w Chinach. Z reguły emalia była stosowana jako integralna część złożonych dzieł sztuki i rzemiosła (na przykład technika pokrywania obrazów wygrawerowanych na metalu wielobarwną przezroczystą emalią lub dekoracyjne malowanie farbami emaliowanymi).
Wynagrodzenie tzw. Ewangelii z Lorsch. Kość słoniowa. IX wiek Akwizgran. Muzeum Wiktorii i Alberta (Londyn).
Ze względu na swoje parametry technologiczne szkło dzieli się na przezroczyste i nieprzezroczyste, bezbarwne i kolorowe itp. Istnieją również oryginalne formy ze szkła dmuchanego, dmuchanego („skrzydlate” okulary weneckie), szlifowanego kryształu angielskiego, kryształu prasowanego (pojawił się w 1820 w USA), szkło laminowane kolorowe lub mleczne, szkło filigranowe, grawerowane, rzeźbione polerowane lub barwione. Techniki obróbki szkła obejmują złocenie międzyszybowe, malowanie, millefiori, akwafortę artystyczną, iryzację.
Miejscem narodzin werniksów artystycznych jest starożytny Wschód. W Europie znane są od XVI wieku; w XVII wieku holenderscy rzemieślnicy zaczęli malować drewniane skrzynie ze złoconymi ornamentami na czarnym tle. Później w wielu krajach rozwinęła się produkcja lakierów malarskich. Lakierowane wyroby z papier-mache pojawiły się w Europie w XVIII wieku, a szczyt popularności osiągnęły w wieku XIX, zwłaszcza w Anglii, Niemczech i Rosji. W XX wieku Rosja stała się głównym ośrodkiem sztuki lakierniczej (Fedoskino, Palech, Chołuj i Mstyora).
Używanie szylkretu i kości słoniowej rozpoczęło się w starożytności; następnie ich użycie odrodziło się w sztuce europejskiej w średniowieczu, a zwłaszcza pod koniec XVIII wieku (angielskie i francuskie tabakiery i pojemniki na herbatę, rzeźba kości w Chołmogorach). Masa perłowa stała się modna w 1. połowie XIX wieku do ozdabiania przedmiotów z masy perłowej i laki oraz do wykańczania sztućców.
Esej historyczny. Pierwsze artystycznie przetworzone przedmioty pojawiły się w epoce paleolitu. W okresie neolitu ceramika stała się powszechna. Różne kultury tworzą wazony z wirtuozowskimi rozwiązaniami graficznymi, ekspresyjną fabułą sakralną i mitologiczną, ceramikę malowaną z motywami ornamentalnymi i innymi (np. , koniec III tysiąclecia pne).
Najstarsze cywilizacje wschodnie w rozwoju sztuki dekoracyjnej i użytkowej osiągnęły ten sam wysoki poziom, co w dziedzinie architektury i rzeźby (artystyczna obróbka kamienia, metalu, drewna, biżuterii, rzeźbienia w kości słoniowej itp.). Jubilerzy starożytnego Egiptu, Mezopotamii opanowali różne najlepsze techniki obróbki metali szlachetnych. Sztuka starożytnego Wschodu produkowała niezrównane przykłady polichromowanej ceramiki szkliwionej, w Egipcie wytwarzano wyroby fajansowe (na bazie krzemionki) - detale architektoniczne, rzeźby, naszyjniki, misy i kielichy. Egipcjanie (wraz z Fenicjanami) również wykonywali przedmioty szklane (ok. III tysiąclecia pne); rozkwit warsztatów szklarskich, podobnie jak innych rzemiosł, przypada na okres Nowego Państwa (naczynia o różnych kształtach wykonane ze szkła niebieskiego lub polichromowanego itp.). Egipskie meble wykonywano z miejscowego drewna hebanowego (hebanowego) oraz gatunków importowanych (cedr, cyprys), zdobiono wstawkami z fajansu niebieskiego i czarnego, pokrywano złotem i inkrustowano kością słoniową oraz malowano (niektóre jego formy później silnie wpłynęły na styl europejskiego imperium ). W wielu częściach Chin znaleziono cienkościenne naczynia (miski, wazy, dzbanki i kielichy), które wyróżniają się oryginalnością stylistyczną, różnorodnością kształtów i dziwacznymi zoomorficznymi obrazami. W Indiach wysoko rozwinięta cywilizacja miejska epoki brązu pozostawiła po sobie wyraziste przedmioty gospodarstwa domowego, malowaną ceramikę, tkaniny odkryte podczas wykopalisk w Mohendżo-Daro i Harappa. W zachodnim Iranie, w Luristanie, rozwinęła się kultura reprezentowana przez brązy Luristanu.
Oryginalność sztuki i rzemiosła świata Morza Egejskiego (patrz kultura Morza Egejskiego) wpłynęła na sztukę innych krajów (Egipt Nowego Państwa, Bliski Wschód) - biżuteria, ścigane kielichy i misy, rytony. Wiodącym rodzajem rzemiosła artystycznego jest ceramika (polichromia ze stylizowanym wzorem, motywami roślinnymi, z wizerunkami zwierząt morskich i ryb). Do najwyższych osiągnięć w dziejach sztuki zdobniczej i użytkowej należy ceramika starożytnej Grecji – przede wszystkim naczynia lakierowane czerwono-czarnofigurowe, których forma organicznie łączy się z fabułą malarstwa i ornamentu, posiada wyraźną tektonikę, bogactwo rytm linii i proporcji (patrz malarstwo wazowe). Ceramikę i biżuterię greckich wyrobów eksportowano do wielu krajów świata, dzięki czemu greckie tradycje artystyczne były szeroko rozszerzane. W sztuce i rzemiośle koczowniczych plemion Azji i Europy, Traków, Celtów i niektórych plemion ugrofińskich rozwinęły się różne formy stylu zwierzęcego; w połowie I tysiąclecia naszej ery jego osobliwa forma pojawia się wśród Niemców, tradycje stylu zwierzęcego zachowały się w sztuce średniowiecznej.
Etruskowie, będąc pod silnym wpływem greckim, byli w stanie stworzyć równie charakterystyczną kulturę dzięki swojej ceramice „buccero”, malowanej terakocie i biżuterii. Pragnienie demonstracyjnego luksusu ucieleśnionego w przedmiotach sztuki dekoracyjnej i użytkowej zostało przekazane ich następcom – starożytnym Rzymianom. Zapożyczyli od Etrusków ceramikę reliefową, dekorację tkanin, od Greków formy i ornamenty. W rzymskim wystroju dużo jest przesady, pozbawionej greckiego smaku: bujne girlandy, bukranie, gryfy, uskrzydlone amorki. W epoce cesarstwa modne stały się wazony z kamieni półszlachetnych (agat, sardonyks, porfir). Najwyższym osiągnięciem sztuki i rzemiosła rzymskiego było wynalezienie dmuchania szkła (I wpne), wytwarzania szkła przezroczystego, mozaikowego, grawerowanego, dwuwarstwowego, imitującego kameę oraz pozłacanego. Wśród wyrobów metalowych znajdują się srebrne naczynia (na przykład skarb z Hildesheim), lampy z brązu (znalezione podczas wykopalisk miasta Pompeje).
Stabilność tradycji wyróżnia kulturę Dalekiego Wschodu i Indii jako całość, gdzie w epoce średniowiecza zachowały się charakterystyczne typy i formy sztuki zdobniczej i użytkowej (ceramika i lakiery w Japonii, wyroby z drewna, metalu i tekstyliów w Indiach, batik w Indonezji ). Chiny charakteryzują się stabilnymi obrazami i tradycjami cięcia kamienia, ceramiki i biżuterii, różnorodnymi materiałami: jedwabiem, papierem, brązem, jadeitem, ceramiką (przede wszystkim wynalezieniem porcelany) itp.
W starożytnej (prekolumbijskiej) Ameryce istniało kilka cywilizacji (Olmekowie, Totonakowie, Majowie, Aztekowie, Zapotekowie, Inkowie, Chimu, Mochica itp.), które miały wysoką kulturę materialną. Głównym rzemiosłem było garncarstwo, artystyczna obróbka kamienia, w tym półszlachetnych, z wykorzystaniem oryginalnej techniki mozaiki turkusowej na drewnie, tkaninach i biżuterii. Ceramika jest jednym z najlepszych osiągnięć starożytnej sztuki amerykańskiej, w przeciwieństwie do innych, które nie znały koła garncarskiego (urny grobowe Zapoteków, wazony Tolteków, polichromowane wazy Mixteków, naczynia z grawerowanymi ornamentami Majów itp.).
Cechą charakterystyczną sztuki średniowiecznej krajów Bliskiego Wschodu, Afryki Północnej (Maghrib) i regionów Europy zamieszkałych przez Arabów jest pragnienie barwności, wartościowego wystroju, ornamentu geometrycznego (z motywami roślinnymi stylizowanymi na abstrakcję, zob. Arabeska); w sztuce dekoracyjnej i użytkowej Iranu zachowała się również tradycja obrazkowa. Głównymi rodzajami sztuki dekoracyjnej i użytkowej krajów muzułmańskich była ceramika, tkactwo, produkcja broni i dóbr luksusowych. Ceramika (głównie ornamentalna, pokryta żyrandolem lub polichromią na białym i kolorowym tle) produkowana była w Iraku (Samarra), Iranie (Susa, Ray), średniowiecznym Egipcie (Fustat), Syrii (Rakka), Azji Centralnej (Samarkanda, Buchara). Ceramika hiszpańsko-mauretańska (fajansy z Walencji) wywarła ogromny wpływ na europejską sztukę i rzemiosło XV i XVI wieku. Niebiesko-biała chińska porcelana miała wpływ na ceramikę Złotej Ordy, Iranu itp. W XVI wieku rozkwit tureckiego polichromowanego fajansu z Iznika. Kultura muzułmańska pozostawiła także wiele przykładów artystycznego szkła, metalu (zdobionego rytami, goleniami, emalią) oraz broni. Świat islamu tradycyjnie używał dywanów częściej niż mebli; były produkowane w wielu krajach (na Kaukazie, w Indiach, Egipcie, Turcji, Maroku, Hiszpanii, Azji Środkowej); Wiodące miejsce w tkaniu dywanów należy do Iranu. W Egipcie produkowali wielobarwne wełniane tkaniny trejażowe, tkaniny lniane i obcasy; w Syrii, w Hiszpanii w czasach kalifatu kordoby i arabskich rzemieślników na Sycylii – jedwab, brokat; w Turcji (w Bursie) - aksamit; w Iranie (w Bagdadzie) - jedwabne draperie; w Damaszku - tak zwane tkaniny damasceńskie.
Bizancjum stało się spadkobiercą wielu rzemiosł artystycznych starożytności: szklarstwa, mozaiki, rzeźbienia kości itp., a także po mistrzowsku opanowało nowe - technikę emalii cloisonne itp. Przedmioty kultu i (pod wpływem kultur wschodnich) przedmioty luksusowe rozpowszechnił się tutaj; w związku z tym styl bizantyjskiej sztuki i rzemiosła był jednocześnie wyrafinowany, dekoracyjny i bogaty. Wpływy tej kultury rozciągały się na państwa Europy (w tym starożytną Ruś), Zakaukazia i Bliski Wschód (w Rosji reminiscencje tego wpływu zachowały się aż do stylu rosyjsko-bizantyjskiego XIX wieku).
W Europie nowe formy sztuki i rzemiosła rozwinęły się w okresie renesansu karolińskiego pod wpływem Bizancjum i krajów świata arabskiego. W kulturze epoki romańskiej ważną rolę odgrywają klasztory i miejskie korporacje cechowe: praktykowano rzeźbienie w kamieniu i drewnie, wytwarzanie wyrobów metalowych, kutych drzwi i sprzętów domowych. We Włoszech, gdzie zachowano tradycje późnej starożytności, rozwinęła się rzeźba w kościach i kamieniu, sztuka mozaiki i gliptyki oraz sztuka jubilerska; we wszystkich tych dziedzinach mistrzowie osiągnęli najwyższą doskonałość. Gotyk odziedziczył wiele rzemiosł charakterystycznych dla tamtej epoki; cechy stylu gotyckiego wyraźnie przejawiały się w wyrobach z kości słoniowej i srebra, w emaliach, gobelinach i meblach [w tym skrzynie ślubne (we Włoszech - cassone, zdobione rzeźbami i malowidłami)].
W starożytnej Rusi szczególne osiągnięcia miała sztuka jubilerska, rzeźbiarstwo w drewnie i kamieniu. Charakterystycznymi typami mebli rosyjskich były szkatułki, stoły wieżowe, szafy, skrzynie, stoły. Autorami malowniczych kompozycji w formie „trawiastego wzoru” byli malarze ikon – „sygnatariusze”, malowali też skrzynie, stoły, deski do pierników, szachy, pozłacane rydwany itp.; dekoracyjna „rzeźba” z XVII wieku nazywana była „ziołami fryażowymi”. Naczynia, naczynia, kafle, przedmioty sakralne wytwarzano w warsztatach Kijowa, Nowogrodu, Riazania, Moskwy (warsztaty patriarchalne, Srebrna Izba, z 2 poł. także w klasztorach Kirillo-Belozersky, Spaso-Prilutsky, Sergiev Posad. Od 2. poł. XVII w. rozpoczął się szybki rozwój rzemiosł ludowych w ruskiej sztuce dekoracyjnej i użytkowej (kaflarstwo, snycerstwo i malarstwo, tkactwo i tkactwo koronek, złotnictwo i garncarstwo).
W renesansie rzemiosło artystyczne nabiera zasadniczo autorskiego i przeważnie świeckiego charakteru. Pojawiają się nowe rodzaje sztuki i rzemiosła, odżywają zapomniane od czasów starożytnych gatunki i techniki. Najistotniejsze zmiany zachodzą w produkcji mebli (szafy ze składanym frontem, skrzynia z oparciem i podłokietnikami itp.); w wystroju zastosowano klasyczny porządek i charakterystyczny ornament - groteski. Tkanie jedwabiu z Genui, Florencji i Mediolanu, szkło weneckie, włoska majolika, glyptics, sztuka jubilerska (B. Cellini), artystyczna obróbka metali ["styl klapowy" w srebrze holenderskim i niemieckim (rodzina Jamnitser)], emalie, szkło i ceramika francuska ( produkcja Saint-Porcher, mistrz B. Palissy).
Sztuka dekoracyjna i użytkowa epoki baroku charakteryzuje się szczególnym przepychem i dynamiką kompozycji, organicznym połączeniem wszystkich elementów i detali (naczynia i meble), preferowane są obszerne, duże formy. W produkcji mebli (szafy, szafki, komody, kredensy itp.), polerowanego drewna, okuć z brązu złoconego i mozaiki florenckiej, inkrustacji (brąz lakierowany, intarsja z hebanu, metalu, masy perłowej, szylkretu itp.) .) były używane - w produktach warsztatu A. Sh. Bul). Na europejskie manufaktury gobelinów wpłynęła flamandzka sztuka dywanowa (manufaktury brukselskie); Genua i Wenecja słynęły z wełnianych tkanin i drukowanego aksamitu. Fajans z Delft powstał na wzór chińskiego. We Francji rozwija się produkcja miękkiej porcelany, fajansu (Rouen, Moustier) i ceramiki (Nevers), tekstyliów (manufaktura w Lyonie), produkcja luster i gobelinów.
W epoce rokoka (XVIII w.) w formach i dekoracjach przedmiotów dominują kruche i misternie asymetryczne linie. W Anglii produkowane są sztućce (P. Lamery), świeczniki itp. W Niemczech wśród wyrobów metalowych znajdują się wspaniałe formy rocaille (I. M. Dinglinger). Pojawiają się nowe formy mebli - komoda (biurko-biurko, komody-podstawy i komodo-cylinder), różnego rodzaju stoły, miękkie, tapicerowane krzesło typu bergere z zamkniętym oparciem, toaletka 2-częściowa; do dekoracji używane są panele obrazkowe, intarsje, intarsje. Pojawiają się nowe rodzaje tkanin (mora i szenil). W Anglii T. Chippendale wykonywał meble w stylu rokoko (krzesła, stoły i regały), wykorzystując motywy gotyckie i chinoiserie. Na początku XVIII wieku w Miśni (Saksonia) powstała pierwsza europejska manufaktura porcelany (rzeźbiarz I. Kendler). Styl chinoiserie penetruje zarówno porcelanę europejską (Miśnia, Chantilly, Chelsea, Derby itp.), jak i rosyjską (Cesarska Fabryka Porcelany pod Sankt Petersburgiem), a także tekstylia, szkło i meble ((francuskie lakiery braci Martin). W latach siedemdziesiątych XVII wieku w Anglii pojawił się nowy skład szkła ołowiowego (tzw. kryształ angielski), a technika jego wytwarzania była szeroko rozpowszechniona w Czechach, Niemczech i Francji.
Na sztukę i rzemiosło epoki klasycyzmu 2. połowy XVIII wieku, później i Cesarstwa wpłynęły wykopaliska archeologiczne w miastach Herkulanum i Pompeje (patrz styl pompejański ). Styl stworzony przez braci Adamów (Anglia), który potwierdzał jedność wystroju zewnętrznego i wystroju wnętrz, tchnął nowe życie w sztukę i rzemiosło, w szczególności w meble (dzieła J. Hepplewhite'a, T. Sheratona, T. Hope, bracia Jacob, J. A Riziner), biżuteria plastyczna (francuski pozłacany brąz P.F. Tomira), srebro artystyczne (filiżanki i naczynia P. Storr), dywany i tkaniny, sztuka jubilerska. Prostota i przejrzystość wyróżniają szklane karafki Cork Glass Company, wazony Baccarat i kryształowe żyrandole kaskadowe. W porcelanie pod koniec XVIII wieku Miśnia scedowała status głównego europejskiego producenta porcelany na francuską porcelanę Sèvres, a wybitne egzemplarze zaczęły powstawać w fabrykach w Wiedniu, Petersburgu i Berlinie. W Anglii pojawia się fabryka J. Wedgwooda „Etruria”, produkująca ceramikę naśladującą antyczne kamee i wazony. W Rosji wielu wybitnych architektów było zaangażowanych w tworzenie dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej (AN Woronikhin i KI Rossi zaprojektowali meble i wazony, MF Kazakow i NA Lwów zaprojektowali żyrandole).
W epoce biedermeieru dzieła sztuki i rzemiosła odzwierciedlały pragnienie wygodnego życia, co doprowadziło do pojawienia się wygodnych prostych mebli o zaokrąglonych, niewyrafinowanych formach z lokalnych gatunków drewna (orzech, wiśnia, brzoza), eleganckich fasetowanych szklanych dzbanków i kieliszki z eleganckim malowaniem (dzieła A. Kotgassera i in.). Okres eklektyzmu (połowa XIX wieku) przejawiał się w zróżnicowaniu stylistycznym stosowanych stylów historycznych oraz unifikacji postaw i technik artystycznych. Neorokoko inspirowane było wystrojem sztuki XVIII wieku; w Rosji przejawiało się to w porcelanowych wyrobach fabryki A. G. Popowa z polichromowanym malowidłem kwiatowym na kolorowym tle. Odrodzenie gotyku (neogotyku) wynikało z chęci artystów wniesienia romantycznie wysublimowanego stylu do sztuki dekoracyjnej i użytkowej i tylko pośrednio reprodukowało prawdziwie gotyckie motywy; raczej zapożyczono elementy ornamentu niż formy sztuki gotyckiej (szkło czeskie D. Bimana, prace z porcelany i szkła dla pałacu Mikołaja I „Chata” w Peterhofie). Styl wiktoriański w Anglii znalazł odzwierciedlenie w tworzeniu ciężkich mebli i powszechnym stosowaniu ich „małych form” (półki, uchwyty na parasole, stoły do gry itp.). Nieszkliwiona porcelana imitująca marmur ponownie stała się popularna. W szkle (głównie czeskim) pojawiły się nowe typy i techniki - laminowane kolorowe szkło błyskowe, nieprzezroczyste kamea i czarne (chialitowe) szkło imitujące kamienie litialilowe. Od połowy lat czterdziestych XIX wieku we Francji, w hutach szkła Baccarat, Saint-Louis i Clichy, a później w Anglii, Czechach i USA, pojawił się nowy kierunek (tworzenie przycisków do papieru millefiore itp.). Fuzja elementów różnych stylów zadecydowała o rozwoju mebli i pojawieniu się nowych technologii i materiałów przemysłowych: form z drewna klejonego i giętego (M. Thonet), papier-mache, rzeźbionego drewna i żeliwa.
Protest przeciwko eklektyzmowi, zapoczątkowany w Wielkiej Brytanii przez Arts and Crafts Society, przyczynił się do powstania stylu Art Nouveau pod koniec XIX wieku; zatarła granice między sztukami dekoracyjnymi, użytkowymi i pięknymi i przybierała różne formy w wielu krajach. Wystrój secesyjny najczęściej porównywany jest do motywów zdobniczych form naturalnych; szeroko stosowane były krzywe linie, faliste kontury, asymetryczne wzory (meble V. Horta, L. Majorelle, E. Guimard, artystyczne laminowane kolorowe szkło z motywami roślinnymi i pejzażowymi E. Galle, O. Daum, L. Tiffany, biżuteria autorstwa R. Lalique). Artyści wiedeńskiej secesji, jak szkocki CR Mackintosh, wręcz przeciwnie, stosowali symetrię i powściągliwe formy prostoliniowe. Prace J. Hoffmanna, często powstające we współpracy z G. Klimtem (meble, szkło, metal, biżuteria), wyróżniają się elegancją i wyrafinowaniem. W europejskiej produkcji porcelany wiodącą pozycję zajmowały obrazy podszkliwne Królewskiej Manufaktury w Kopenhadze. W rosyjskiej nowoczesności, w jej gałęzi narodowo-romantycznej, styl neorosyjski przejawiał się - zwłaszcza w działalności koła artystycznego Abramcewa (dzieła V. M. Vasnetsova, M. A. Vrubla, E. D. Polenowej), warsztatu Talashkino księżnej M. K. Tenishevy, warsztatów ze szkoły Stroganowa.
Najnowsza historia sztuki i rzemiosła rozpoczyna się nie tylko odrodzeniem rękodzieła (W. Morris i inni), ale także pojawieniem się na przełomie XIX i XX wieku w całej Europie i USA nowego typu działalności twórczej – wzornictwo i jego dalszy aktywny rozwój w latach 20. (Bauhaus, Vkhutemas). Wzornictwo w stylu Art Deco stało się podstawą niemal wszystkich wnętrz domowych, w których kultywowano dyskretny luksus i wygodę (geometryczne kształty, stylizowana i uproszczona ornamentyka, egzotyczne fornirowane meble o prostoliniowych kształtach, funkcjonalna zastawa stołowa i wazony na kwiaty).
Sztuka rosyjska po 1917 roku rozwijała się na nowych podstawach ideowych i estetycznych.
Artyści starali się za pomocą sztuki oddać ducha epoki (tzw. porcelana propagandowa), stworzyć złożone, racjonalne środowisko dla ogółu społeczeństwa. Od końca lat pięćdziesiątych XX wieku w radzieckiej sztuce i rzemiośle, wraz z aktywnym rozwojem przemysłu artystycznego (fabryki porcelany w Leningradzie, Verbilok, fabryka porcelany Dulevo, fabryka fajansu Konakovo, leningradzka fabryka szkła, fabryka kryształów Gusevsky itp.) I rzemiosło ludowe (Ceramika Gzhel , malarstwo Zhostovo, ceramika Skopinskaya, zabawka Dymkovo itp.; patrz Rzemiosło artystyczne), sztuka autora również osiągnęła wysoki poziom.
Rozwój sztuki i rzemiosła w XX wieku wynika ze współistnienia i przenikania się zasad tradycyjnych i awangardowych. Dużego znaczenia nabrały subtelne możliwości wyrazowe nowych materiałów, naśladowanie i twórcze cytowanie. W dobie postmodernizmu rodzi się szczególny stosunek do artefaktu dekoracyjnego jako autonomicznego bytu demonstracyjnie „niezainteresowanego” służeniem wyobcowanej od niego osobie. W rezultacie doprowadziło to do „kryzysu samoidentyfikacji” sztuk i rzemiosł, spowodowanego pojawieniem się konkurencji ze strony sztuk pokrewnych (przede wszystkim dizajnu). Kryzys ten paradoksalnie otwiera jednak przed sztuką i rzemiosłem nowe perspektywy w zakresie poszerzania i rewidowania własnej specyfiki figuratywnej, opanowania nowych gatunków i materiałów (ceramiczne tworzywa sztuczne, włókno szklane, tekstylne tworzywa sztuczne, mini gobeliny, mozaiki w drewnianych ramach itp.) .
Dosł.: Molinier E. Histoire generale des arts appliqués à industrie. R., 1896-1911. Tom. 1-5; Arkin D. Sztuka rzeczy codziennych. Eseje o najnowszym przemyśle artystycznym. M., 1932; Fontanes J, de. Histoire des métiers d'art. R., 1950; Baerwald M., Mahoney T. Historia biżuterii. L.; NY, 1960; Kagan M. O sztuce użytkowej. Kilka pytań z teorii. L., 1961; Rosyjska sztuka dekoracyjna / pod redakcją AI Leonova. M., 1962. T. 1-3; Saltykov AB Izbr. Pracuje. M., 1962; Barsali I. B. Emalie europejskie. L., 1964; Kenyon GH Przemysł szklarski Weald. Leicester, 1967; Cooper, E. Historia ceramiki. L., 1972; Davis F. Szkło kontynentalne: od czasów rzymskich do czasów współczesnych. L., 1972; Moran A. de. Historia sztuki dekoracyjnej i użytkowej. M., 1982; Osborne N. Oksfordzki towarzysz sztuki dekoracyjnej. Oxf., 1985; Boucher F. Historia kostiumów na Zachodzie. L., 1987; Nekrasova M. A. Problem zespołu w sztuce dekoracyjnej // Art of the Ensemble. Przedmiot artystyczny. Wnętrze. Architektura. Środa. M., 1988; Ilustrowana encyklopedia antyków. L., 1994; Makarov K. A. Z twórczego dziedzictwa. M., 1998; Materiały i techniki w sztuce zdobniczej: słownik ilustrowany / wyd. przez L. Trencha. L., 2000.
TL Astrakhantseva.
"Sztuka użytkowa -
wartość artystyczna w życiu praktycznym
Definicja
Sztuka użytkowa jest zwykle rozumiana jako rodzaj działalności twórczej, w której funkcja artystyczna dzieła jest w pewnym stopniu połączona z funkcją użytkową. Dlatego dzieło sztuki użytkowej może być postrzegane jako wartość artystyczna dla jego wykorzystania w działaniach praktycznych.
Złożoność takiej definicji polega na tym, że jakość artystyczna to także przekształcona użyteczność (użyteczność), wynik duchowego, idealnego przemyślenia praktycznych potrzeb człowieka.
Dlatego sztuka (jako działalność zręczna w ogóle) staje się artystyczna w takim stopniu, w jakim człowiek potrafi przekształcić swoje praktyczne potrzeby w wartości idealne. „Obraz artystyczny jest w swojej modalności duchowy, jest formą idealnej subiektywnej rzeczywistości, zlokalizowanej w ludzkim umyśle”. Jednak w sztuce następuje ciągłe przekształcanie idealnej treści duchowej w formę materialną: „materializacja duchowości i uduchawianie materii”. Rezultatem tego procesu jest przenikanie myślenia artystycznego w sfery działalności utylitarnej – w rzemiosło, w technologię, w budownictwo i odwrotnie, twórczość techniczna wprowadzana jest do twórczości artystycznej.
Jednak sformułowanie „sztuka użytkowa” powinno być stosowane, aby uniknąć pomieszania pojęć, tylko do tych zjawisk aktywności twórczej, które niosą ze sobą treści artystyczne i figuratywne. Takich dziedzin jak wzornictwo, sztuka dekoracyjna, projektowanie mody, których główną treścią nie są walory artystyczne, ale estetyczne, nie należy nazywać sztuką użytkową. Wbrew dosłownemu odczytaniu tego terminu, sztuka nie jest nigdzie stosowana, istnieje z definicji. Wartość artystyczna nie jest przywiązana do materiału, ale jedno przechodzi w drugie. Dlatego wszystkie odmiany sztuki użytkowej mają ruchomą, asymetryczną strukturę funkcjonalną, w której stosunek wartości zmienia się historycznie.
Trochę historii
W sztuce starożytnego świata nie było sztuki użytkowej, ponieważ wszystkie jej funkcje były nierozłączne. W sztuce starożytnej pojęcia „technika” i „sztuka” również nie były rozdzielone, oba określano pojęciem Techne. W starożytności
W Grecji posągów nie podziwiano w muzeach, zawsze coś z nimi robiono: czcili je, dekorowali kwiatami i owocami, ubierali w drogie tkaniny, przynosili im jedzenie i napoje oraz składali prośby.
Wszystkie dzieła sztuki służyły jako atrybuty mitologiczno-religijnego sposobu życia. W dziełach Pliniusza Starszego i Pauzaniasza entuzjastycznie ocenia się dzieła sztuki za iluzję i subtelność technicznego wykonania. Dlatego używanie terminu „sztuka użytkowa” w odniesieniu do starożytności jest niedopuszczalne. W sztuce średniowiecznej wzrastała specjalizacja mistrzów, wraz z grecką Techne pojawia się łacińskie słowo Arsis („darmowa praca”). Jednak w średniowieczu obszar „sztuki czystej”, wolnej od utylitaryzmu, nie był jeszcze zdefiniowany, gdyż malarstwo i rzeźba rozwijały się w obrębie kompozycji architektonicznej. Stąd takie nieorganiczne brzmienie określeń typu: „sztuka użytkowa Bizancjum” czy „sztuka użytkowa średniowiecznej Francji”. W średniowieczu istniała specjalna dziedzina rzemiosła artystycznego, ale ich struktura funkcjonalna różni się od sztuki użytkowej New Age. W tej sytuacji eksperci często używają innych terminów: „rzemiosło artystyczne” lub „małe formy sztuki”. Na przykład: małe formy sztuki starożytnej Grecji, „małe formy” tradycyjnej sztuki Chin i Japonii. Metamorfozy znaczeń, znaczeń, funkcji dzieł sztuki antycznej dobrze odsłaniają historię ich istnienia i związane z nimi mity. W historycznym rozwoju form myślenia artystycznego dwufunkcyjność należy również odróżnić od dekoracyjności, jakości, która powstaje w wyniku artystycznego przemyślenia związku między dziełem sztuki a jego otoczeniem.
Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej pełnią różne funkcje i dlatego reprezentują różne rodzaje sztuki, ale w procesie historycznego rozwoju wzajemnie na siebie oddziałują. W formach sztuki sakralnej funkcje artystyczne i religijne przenikają się, ale z tego powodu nie można ich nazwać „stosowanymi”. Po epoce włoskiego renesansu, kiedy nastąpiło rozgraniczenie architektury, malarstwa i rzeźby, ukształtowała się sztuka sztalugowa – malarstwo, rzeźba, niezwiązana z konkretnym miejscem w środowisku architektonicznym. Od tego czasu możemy mówić o odrębnej dziedzinie sztuki zdobniczej i użytkowej.
Główną cechą pracy „stosowanej” jest jej materialność. Na przykład gatunek portretowy należy do sztuki wielofunkcyjnej, ponieważ rzeczywista treść obrazkowa portretu jest uzupełniana treściami nieartystycznymi - dokumentalnymi, faktycznymi. To samo dzieje się w klasycznym gatunku malarstwa o tematyce historycznej. Ale nie nazywamy takich prac użytkowych, ponieważ poza częścią artystyczną ich treść nie zamienia ich jeszcze w rzecz.
Inny przykład: w kolekcji Wallace'a w Londynie wystawiony jest odlany z brązu wizerunek węża zwiniętego w kłębek, wykonany w przerażająco naturalistyczny sposób. Dzieło powstało w północnych Włoszech około 1600 roku i służyło jako prasa papiernicza. Ale patrząc na tego węża, nie ma poczucia „rzeczy”, jego „portret” jest zbyt mocny. Ze względu na złożoność ich funkcjonalnego i figuratywnego charakteru dzieła te trudno przypisać do określonego rodzaju sztuki.
W połowie XIX wieku, w związku z sukcesem Wystaw Światowych, pod wpływem rozwoju produkcji przemysłowej, w różnych krajach powstały muzea sztuki użytkowej.
W 1857 roku takie muzeum powstało w Londynie (patrz Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie). W 1859 roku w Wiedniu otwarto Królewskie Muzeum Sztuki i Przemysłu. W Rosji odbywały się „wystawy manufakturowe”, od 1870 r. Powstała nazwa „przemysł artystyczny”.
Formy „przymusowej sztuki użytkowej”
W sztuce XX wieku obok wzornictwa, projektowania architektonicznego, istnienia tradycyjnego rzemiosła ludowego i rzemiosła artystycznego pojawiły się formy „przymusowej sztuki użytkowej”. Artysta zwrócił się do stosowanego rodzaju twórczości ze względów pragmatycznych lub komercyjnych. Skutkiem „rozmycia” twórczości artystycznej w obszarze obejmującej ją działalności komercyjnej jest pojawienie się pogardliwego określenia „rękodzieło” – wirtualna rzeczywistość; kicz; spinacz; komiczny „sztuka komercyjna”; „materializacja duchowości i uduchawianie materii”; Grafika komputerowa; Kultura masowa; pop-artu itp.
W latach 1960-1970. artyści zaczęli wychodzić z pola sztuki użytkowej w sferę „czystej przedmiotowości”, tworzyli przedmioty, ale nie rzeczy. Zewnętrznie podobne do produktów, które pełnią funkcję użytkową, takie przedmioty zdawały się przedstawiać same siebie. Wystąpił efekt podwójnego odbicia. Niektórzy krytycy uznali to zjawisko za „kryzys sztuki użytkowej”, inni zapowiadali pojawienie się nowego sposobu twórczości – „sztuki obiektywnego świata”.
Rodzaje sztuki „stosowanej”.
Sztuka użytkowa dzieli się na rodzaje według funkcji użytkowej: meble, przybory, odzież; na odmianach w zależności od użytego materiału: ceramika, szkło, metal, drewno. Specjalizacja artysty użytkowego zależy od techniki obróbki materiału, na przykład snycerz, ścigacz do metalu, malarz porcelany. Tacy mistrzowie, zgodnie z tradycją klasyczną, łączą umiejętności artysty (rysownika, kompozytora, projektanta mody) i rzemieślnika, technologa.
Interakcja form sztuki na „obszarach pogranicza” dała początek w szczególności grafice użytkowej. Obejmuje plakat, afisz, grafikę książkową, ekslibris, epigrafię, emblematykę (grafikę użytkową lub dekoracyjną należy oddzielić od grafiki projektowej, w której wiodącą metodą jest metoda estetyczna, a nie artystyczno-figuratywna). Określenia „malarstwo użytkowe” czy „rzeźba użytkowa” są niedopuszczalne, gdyż w interakcji z architekturą lub kompozycją sztuki dekoracyjnej i użytkowej malarstwo przekształca się w malarstwo, a rzeźba w plastykę dekoracyjną lub rzeźbę monumentalną i dekoracyjną.
Sztuka i Rzemiosło
Sztuka i Rzemiosło — sekcja rzemiosła artystycznego; obejmuje szereg dziedzin twórczości poświęconych tworzeniu produktów artystycznych przeznaczonych głównie do życia codziennego. Dziełami sztuki i rzemiosła mogą być: różne naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, a także odzież i wszelkiego rodzaju biżuteria. Wraz z podziałem dzieł sztuki i rzemiosła według ich praktycznego przeznaczenia w literaturze naukowej od drugiej połowy XIX wieku pojawił się podział gałęzi rzemiosła według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno) lub techniki (snycerstwo, malarstwo, haft, druk). , odlewanie, golenie, intarsje itp.). Dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej są nierozerwalnie związane z kulturą materialną ich współczesnej epoki, są ściśle związane z odpowiadającym im stylem życia, z lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi, grupami społecznymi i różnicami klasowymi.
Posiadające własną ekspresję emocjonalną, własny rytm i proporcje, często kontrastujące w stosunku do formy, jak na przykład w wyrobach mistrzów Khokhloma, gdzie skromny, prosty kształt misy i eleganckie, odświętne malowanie powierzchni różnią się emocjonalnym brzmieniem.
Środki plastyki i ornamentyki służą w rzemiośle artystycznym nie tylko do tworzenia dekoracji, ale niekiedy także do wnikania w kształt przedmiotu (detale meblowe w postaci palmet, wolut, zwierzęcych łap, głów; naczynia w formie kwiat, owoc, postać ptaka, bestia, osoba). Czasami ornament lub wizerunek staje się podstawą do ukształtowania wyrobu (wzór kraty, koronki; wzór tkacki tkaniny, dywan).
Jedność i różnice funkcji artystycznej i użytkowej
W jedności funkcji artystycznych i użytkowych produktu, w przenikaniu się formy i wystroju, subtelnych i tektonicznych zasad, przejawia się syntetyczny charakter sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Dzieła sztuki użytkowej są przeznaczone do percepcji wzrokowej i dotykowej. Dlatego ujawniając piękno tekstury i właściwości plastycznych materiału, zręczność i różnorodność metod jego obróbki nabierają znaczenia szczególnie aktywnych środków oddziaływania estetycznego w sztuce dekoracyjnej i użytkowej.
Powstała najwcześniej w rozwoju społeczeństwa ludzkiego sztuka i rzemiosło przez wiele stuleci było najważniejszym, a dla wielu plemion i narodowości głównym obszarem twórczości artystycznej. Tendencja ta utrzymała się w tradycyjnej sztuce ludowej do dnia dzisiejszego. Ale wraz z początkiem rozwarstwienia klasowego społeczeństwa w ewolucji stylistycznej sztuki dekoracyjnej i użytkowej wiodącą rolę zaczyna odgrywać jej gałąź specjalna, mająca służyć potrzebom rządzących warstw społecznych i zaspokajać ich gusta i ideologię. Stopniowo zainteresowanie bogactwem materiałów i dekoracji, ich rzadkością i wyrafinowaniem nabiera coraz większego znaczenia w sztuce dekoracyjnej i użytkowej. Wyróżniają się wyroby służące celom reprezentatywnym (przedmioty do obrzędów kultowych czy ceremonii dworskich, do dekoracji domów szlacheckich), w których rzemieślnicy w celu zwiększenia ich emocjonalnego wydźwięku często poświęcają codzienną celowość budowania formy.
Jednak aż do połowy XIX wieku mistrzowie sztuki zdobniczej i użytkowej zachowali integralność myślenia plastycznego i klarowność idei estetycznych powiązań między przedmiotem a otoczeniem, dla którego jest przeznaczony. Powstawanie, ewolucja i zmiana stylów artystycznych w sztuce dekoracyjnej i użytkowej przebiegały synchronicznie z ich ewolucją w innych formach sztuki. Tendencje eklektyzmu w kulturze artystycznej drugiej połowy XIX wieku prowadzą do stopniowego zubożenia jakości estetycznej oraz treści figuratywnych i emocjonalnych rzemiosła artystycznego.
Zatraca się związek między wystrojem a formą, przedmiot artystycznie zaprojektowany zostaje zastąpiony dekorowanym. Dominacji złego smaku i depersonalizującemu wpływowi na sztukę i rzemiosło masowej produkcji maszynowej artyści starali się przeciwstawić unikatowe przedmioty wykonane według ich projektów w warunkach rękodzieła (warsztaty W. Morrisa w Wielkiej Brytanii, „Darmstadt Artists „Kolonia” w Niemczech) lub praca fabryczna, aby ożywić figuratywno-emocjonalną integralność i ideologiczną treść artystycznie znaczącego środowiska.
Odrodzenie i upadek
Odrodzenie rzemiosła ludowego w ZSRR i rozbudzone w latach 30. XX wieku. Zainteresowanie rosyjskim dziedzictwem artystycznym odegrało rolę w rozwoju najlepszych tradycji technologicznych i artystycznych przeszłości przez radzieckich mistrzów sztuki i rzemiosła. Jednak podejście do dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej ze standardami sztuki sztalugowej, dążenie do świetności wyrobów, które dało się odczuć szczególnie silnie w pierwszych latach po Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej, wyraźnie zahamowało rozwój sztuki zdobniczej i użytkowej .
Od połowy lat pięćdziesiątych. w ZSRR, wraz z poszukiwaniem funkcjonalnych i artystyczno-ekspresyjnych form i dekoracji przedmiotów codziennego użytku produkowanych w sposób fabryczny, prawdziwi artyści byli zajęci tworzeniem unikalnych dzieł, w których emocjonalność obrazu łączy się z różnorodnymi technikami przetwarzania dla najprostszych materiałów, z chęcią wydobycia całego bogactwa ich plastycznych i dekoracyjnych możliwości. Ale takie prace mają służyć jedynie jako wizualne akcenty w masowym, artystycznie zorganizowanym środowisku, które tworzą fabryczne produkty i przedmioty, które powstały na podstawie jednolitego projektu projektowego.
Sztuka dekoracyjna i użytkowa to obszerny dział sztuki, obejmujący różne obszary działalności artystycznej i ukierunkowany na tworzenie przedmiotów użytkowych. Poziom estetyczny takich prac jest z reguły dość wysoki. Zbiorcze określenie łączy w sobie dwa rodzaje sztuki – użytkową i dekoracyjną. Pierwsza nosi ślady praktycznego zastosowania, druga ma za zadanie ozdobić otoczenie człowieka.
Kreatywność i użyteczność
Sztuka użytkowa - co to jest? Przede wszystkim są to przedmioty o cechach zbliżonych do stylu artystycznego, a ich przeznaczenie jest dość różnorodne. Wazony, dzbanki, naczynia czy komplety ze szlachetnej porcelany, a także wiele innych przedmiotów zdobią salony, zestawy kuchenne, sypialnie i pokoje dziecięce. Niektóre przedmioty mogą być prawdziwymi dziełami sztuki, a mimo to należą do kategorii sztuki użytkowej.
Szeroki zakres działań
Sztuka użytkowa - czym jest z punktu widzenia mistrza? Pracochłonny proces twórczy czy proste rzemiosło z improwizowanych materiałów? dzieło sztuki zasługujące na najwyższą pochwałę. Użyteczny cel produktu nie umniejsza jego zalet. Sztuka dekoracyjna i użytkowa to szerokie pole działania artystów i rzeźbiarzy, projektantów i stylistów. Szczególnie cenione są ekskluzywne dzieła sztuki powstałe w jednym egzemplarzu. Jednocześnie produkty masowe są klasyfikowane jako pamiątki.
Dekoracje w domu
Sztuka dekoracyjna i użytkowa - co to jest, jeśli uznamy ją za część estetycznego wypełnienia środowiska domowego? Można śmiało powiedzieć, że wszystkie produkty i przedmioty znajdujące się w pobliżu odzwierciedlają gusta osób, które znajdują się w ich pobliżu, ponieważ człowiek stara się otaczać pięknymi rzeczami. Sztuka dekoracyjna i użytkowa umożliwia dekorowanie mieszkań, przestrzeni biurowych, terenów rekreacyjnych. Szczególną uwagę przywiązuje się do projektowania pokoi dla dzieci.
I wreszcie sztuka użytkowa – czym jest w rozumieniu odbiorców? Są to wystawy, wernisaże, targi i wiele innych imprez masowych, które przybliżają ludziom kulturę. Sztuka i rzemiosło artystyczne podnosi poziom rozwoju człowieka, przyczynia się do kształtowania jego gustu estetycznego. Ponadto zwiedzanie ekspozycji poszerza ogólne horyzonty. Każda wystawa sztuki użytkowej jest zapoznaniem szerokiej publiczności z nowymi osiągnięciami w dziedzinie twórczości artystycznej. Takie wydarzenia mają szczególne znaczenie w edukacji młodego pokolenia.
Trochę historii
Sztuka i rzemiosło ludowe wywodzi się z rosyjskich wsi. Proste rękodzieła rodzimych rzemieślników są często klasyfikowane jako produkty w kategorii „rękodzieło ludowe”. Dobrym przykładem stylu folklorystycznego są tzw. malowane koguciki, figurki, ozdoby z czerwonej gliny.
Rybołówstwo jest zakorzenione w przeszłości, ma ponad czterysta lat. Starożytna sztuka użytkowa pojawiła się dzięki świętu narodowemu „Gwizdek”, kiedy cała populacja kobiet rzeźbiła gliniane gwizdki na ten dzień w postaci kurczaków, jagniąt, koni. Impreza trwała dwa dni.
Z czasem święto straciło na znaczeniu, a sztuka ludowa i rzemiosło nadal się rozwijały. Obecnie wyroby artystyczne Dymkovo są replikowane w stowarzyszeniu producentów zabawek Vyatka. Produkty są tradycyjnie bielone i malowane jasnymi, bogatymi kolorami.
sztuki piękne
Produkty sztuki ludowej w swojej oryginalnej formie z reguły stają się podstawą bajkowych postaci wymyślonych przez mieszkańców rosyjskich wiosek, są eksponowane w słynnych szkatułkach Palekh, tacach Zhostovo i drewnianych produktach Khokhloma. Sztuka użytkowa Rosji jest różnorodna, każdy kierunek jest na swój sposób interesujący, produkty rosyjskich mistrzów cieszą się dużym zainteresowaniem wśród zagranicznych kolekcjonerów.
„Popyt rodzi podaż” – to sformułowanie doskonale oddaje stan rzeczy w dziedzinie rzemiosła ludowego w Rosji. Na przykład produkty artystyczne w stylu Gzhel są popularne na całym świecie od kilku stuleci. Słynne biało-niebieskie wazony, talerze i czarki są pożądane w każdym domu, a szczególnie cenne okazy są ozdobą kolekcjonerów. Wciąż nie jest jasne, czym jest sztuka użytkowa – praca, rzemiosło czy twórczość artystyczna. Tak naprawdę każdy produkt wymaga pewnego wysiłku, aby go stworzyć, a jednocześnie konieczne jest nadanie obrazowi walorów artystycznych.
Sztuka użytkowa w pokoju dziecięcym
W niektórych przypadkach temat twórczości artystycznej można skierować do młodszego pokolenia. Szczególną wartość mają wyroby wykonane rękami dzieci. Spontaniczność tkwiąca w chłopcach i dziewczynkach w wieku przedszkolnym, naiwna fantazja połączona z chęcią wyrażenia najskrytszych uczuć dają początek prawdziwym arcydziełom. Sztuka i rękodzieło dziecięce, reprezentowane przez rysunki, figurki z plasteliny, kartonowe ludziki, to najbardziej prawdziwa twórczość artystyczna. Dziś w całej Rosji odbywają się konkursy, w których biorą udział mali „artyści” i „rzeźbiarze”.
Współczesna rosyjska sztuka użytkowa
Fotografie, sztylety, akwaforty, ryciny, ryciny i wiele innych przykładów to także twórczość artystyczna. Produkty mogą być bardzo różne. Jednocześnie wszystkich łączy przynależność do życia społecznego i kulturalnego pod wspólną nazwą – sztuka dekoracyjna i użytkowa. Prace z tego obszaru wyróżniają się szczególnym stylem folklorystycznym. Nie bez powodu całe rzemiosło artystyczne powstało w głębi Rosji, w wioskach i wioskach. Jest domowa bezpretensjonalność i całkowity brak tej pretensjonalności, którą czasami można znaleźć w dziełach sztuki w produktach. Jednocześnie poziom artystyczny sztuki ludowej jest dość wysoki.
W Rosji sztuka i rzemiosło są częścią potęgi gospodarczej kraju. Poniżej znajduje się lista głównych dziedzin rzemiosła ludowego, które zyskały uznanie na całym świecie i są eksportowane w ilościach przemysłowych.
- Miniatury lakierowane na podstawce drewnianej (Palekh, Mstyora, Fedoskino).
- Malarstwo artystyczne Zhostovo na metalu, emalia Limoges, emalia.
- Khokhloma, Gorodets, Mezen malarstwo artystyczne na drewnie.
- Gzhel, zabawka Filimonovo, zabawka Dymkovo - artystyczne malowanie na ceramice.
Palech
Rzemiosło sztuki ludowej Palekh pojawiło się na rosyjskich otwartych przestrzeniach na początku XX wieku. Sztuka rysunku laką narodziła się w małej wiosce w prowincji Iwanowo zwanej Palech. Rzemiosło było kontynuacją sztuki malowania ikon, której korzenie sięgają czasów przedpiotrowych. Później mistrzowie Palecha brali udział w malowaniu Kremla moskiewskiego, klasztoru Nowodziewiczy, katedr Ławry Świętej Trójcy Sergiusza.
Rewolucja 1917 roku zniosła malowanie ikon, artyści zostali bez pracy. W 1918 r. rzemieślnicy utworzyli artel artystyczny Palech, w którym malowano drewniane wyroby rękodzielnicze. Następnie rzemieślnicy nauczyli się tworzyć pudełka z papier-mache i malować je w miniaturowym stylu, stosując tradycyjne techniki malowania ikon.
W 1923 r. Miniatury lakowe zostały zaprezentowane na Ogólnorosyjskiej Wystawie Rolniczo-Przemysłowej, gdzie otrzymały dyplom II stopnia. A dwa lata później trumny Palekh zostały wystawione w Paryżu na Wystawie Światowej.
Sukces niezwykłych wyrobów artystycznych stał się bodźcem do powstania organizacji „Związek Artystów Palechów” i „Warsztatów Artystycznych Palechów” w ramach Funduszu Sztuki ZSRR.
Fedoskino
Słowo to kojarzone z rosyjskim malarstwem lakowym przy użyciu rzemiosła pojawiło się we wsi Fedoskino pod Moskwą w drugiej połowie XVIII wieku. Rysunek został nałożony na wyroby z papieru-mache, a następnie lakierowany w kilku warstwach.
Początki sztuki miniatury Fedoskino położył rosyjski kupiec P. I. Korobov, który odwiedził niemieckie miasto Brunszwik i przyjął tam technologie tworzenia tabakierek, koralików, szkatułek i innych przedmiotów ozdobionych malowniczymi obrazami.
Miniatura lakieru Fedoskino jest malowana farbami olejnymi w czterech etapach: najpierw wykonywany jest szkic rysunku („malowanie”), następnie szczegółowe badanie („przemalowanie”), szkliwienie - powlekanie przezroczystymi farbami, ostatni proces - odblaski , który przekazuje światła i cienie na obrazie.
Technika rysowania Fedoskino polega na użyciu warstwy odcienia elementów odblaskowych: proszku metalicznego lub płatków złota. W niektórych przypadkach mistrz może wykonać podszewkę z masy perłowej. Transparentne farby do glazury wraz z okładziną tworzą niepowtarzalny efekt głębokiego blasku. Warstwa tuszu jest podkreślona czarnym tłem.
Mstyora
Tak nazywało się rosyjskie rzemiosło ludowe, które pojawiło się w połowie XVIII wieku w prowincji Władimir. Wszystko zaczęło się od „drobnych literek” - miniaturowych ikonek z najdrobniejszymi szczegółami. Po rewolucji 1917 r., kiedy nie było potrzeby malowania ikon, mstyora przerzucił się na szkatułki i pudełka z papier-mache. Rysunek został naniesiony wymieszany na żółtko. W połowie XX wieku ostatecznie ukształtowały się technologie lakowej miniatury mstyory.
Podstawowe zasady rysowania obrazu polegają na przeniesieniu ogólnych konturów z kalki na powierzchnię produktu, po czym następuje „otwarcie”, rysowanie samego obrazu. Następnym krokiem jest szczegółowe malowanie. I wreszcie „topienie” – ostateczne zabarwienie z blaskiem, w którym zawarte jest stworzone złoto (najmniejszy złoty proszek). Gotowy produkt pokrywany jest przezroczystym lakierem w sześciu warstwach z pośrednim suszeniem, a następnie polerowany.
Charakterystycznymi cechami malarstwa mstyorskiego są dekoracyjność dywanowa, wyrafinowana gra odcieni oraz trzy tonacje kolorystyczne zastosowane w kolorystyce: żółta ochra, czerwień i srebrnoniebieski. Tematyka rysunku jest klasyczna: bajki, zabytki, architektura.
Żostowo
Ludowe rzemiosło Zhostova to metalowe tace malowane w specjalnym stylu. Sztuka Zhostovo narodziła się na początku XIX wieku we wsiach Trójcy Świętej w obwodzie moskiewskim. Mieszkańcy trzech wiosek (Ostaszkowa, Zhostowa i Chlebnikowa) zaczęli robić przedmioty malowane papier-mache. A w warsztacie braci Wiszniakowów zaczęli robić tace z cyny z kolorowym wzorem.
Cennik Wiszniakowów obejmował dwa tuziny różnych przedmiotów wykonanych z metalu i papier-mâché, wszystkie malowane, barwnie zaprojektowane i cieszące się dużym zainteresowaniem na jarmarkach, a malowana taca zawsze była na pierwszym planie.
Obraz Zhostovo to motyw kwiatowy w kilku wersjach: bukiet ogrodowy, przypadkowe kwiaty, girlanda, wiklinowy wieniec. Osobną kompozycję stanowiły rośliny polne.
Bukiety na tacy wyglądają naturalnie dzięki starannemu przestudiowaniu drobnych szczegółów. W takim przypadku paleta kolorów jest używana tak nasycona, jak to możliwe. Tło z reguły jest czarne, brzegi tacy zdobią ażurowe ornamenty, wegetatywne lub stylizowane na strukturę drewna. Taca Zhostovo jest zawsze ręcznie malowana i stanowi ekskluzywne dzieło sztuki.
Khokhloma
Nazwę tę nadano rosyjskiemu rzemiosłu ludowemu, którego historia sięga początku XVII wieku. Malarstwo Khokhloma jest najbardziej złożoną i kosztowną ze wszystkich obecnie istniejących technik. Artystyczna sztuka użytkowa to długi proces twórczy związany z obróbką drewna, wielowarstwowym gruntowaniem i malowaniem farbami olejnymi.
Proces wytwarzania produktów Khokhloma rozpoczyna się od wykrojów. Najpierw rzemieślnicy, czyli rąbią siekierą drewniane klocki. Następnie detale są obrabiane na maszynach do pożądanego rozmiaru i kształtu. Przetworzone półfabrykaty nazywane są „płótnem”. Po zmieleniu są one powlekane specjalną płynną glinką i suszone. Następnie już zagruntowane przedmioty są pokrywane kilkoma warstwami oleju lnianego z suszeniem pośrednim. Po tym następuje cynowanie lub wcieranie proszku aluminiowego w powierzchnię, po czym produkt nabiera białego lustrzanego koloru. Na tym etapie jest już gotowy do malowania.
Główne kolory Khokhloma to czarny i czerwony (sadza i cynober), kolory pomocnicze to złoty, brązowy, jasnozielony i żółty. W tym przypadku używane są bardzo cienkie pędzle (wykonane wyłącznie z ogonów wiewiórek), ponieważ pociągnięcia są nakładane z ledwo zauważalnym dotykiem.
Treść tematyczna obrazu to jagody jarzębiny, kalina, truskawki, małe liście, cienkie, lekko zakrzywione zielone łodygi. Wszystko jest narysowane jasnymi, intensywnymi kolorami, kontury są wyraźnie zaznaczone. Obraz zbudowany jest na zasadzie kontrastu.
Gżel
To najpopularniejsze rzemiosło ludowe, tradycyjne rosyjskie centrum produkcji ceramiki artystycznej. Zajmuje rozległy region, składający się z 27 wsi, pod ogólną nazwą Gzhel Bush, 60 km od Moskwy.
Od niepamiętnych czasów miejsca Gzhel słynęły ze złóż wysokiej jakości gliny, nadającej się do wyrobu naczyń aptecznych. W 1770 r. ziemie gżelskie zostały przydzielone Zakonowi Farmaceutycznemu. W tym samym czasie we wsiach Gzhel uruchomiono produkcję cegieł, fajek ceramicznych, kafli piecowych i zabawek dla dzieci dla Moskwy.
Naczynia wykonane z gliny Gzhel były szczególnie dobre, lekkie i trwałe. Na początku XIX w. w parafii istniało 25 fabryk produkujących zastawę stołową. Bliskość Moskwy sprzyjała rozwojowi produkcji wyrobów glinianych, na stołecznych jarmarkach sprzedawano niezliczoną ilość misek, talerzy, półmisków i innych przyborów kuchennych.
Zabawki Gzhel w tym czasie były wykonane z odpadów. Bez względu na to, ile gliny zostało, wszystko służyło do modelowania kogutów, kur, baranków i kóz. Początkowo warsztaty rzemieślnicze działały chaotycznie, ale wkrótce wytyczono pewien kierunek produkcji. Surowce zaczęto zbierać specjalnie na pamiątki, rzemieślnicy specjalizowali się także w profilu najbardziej poszukiwanych produktów.
Białe błyszczące konie i figurki malowano na różne kolory, aż pojawił się kobalt, uniwersalna farba. Intensywny jasnoniebieski kolor najlepiej komponuje się ze śnieżnobiałą emalią obrabianego przedmiotu. W latach 50. ubiegłego wieku artyści całkowicie zrezygnowali z innych kolorów i zaczęli używać glazurowanego niebieskiego kobaltu. Jednocześnie motywy rysunku mogą być bardzo różne, na dowolny temat.
Inne rzemiosło
Zakres rosyjskiego rzemiosła artystycznego i rzemieślniczego jest niezwykle szeroki. Oto artystyczne odlewanie i wytłaczanie Kasli z przeplatanymi elementami. Technologie intarsji i intarsji pozwalają tworzyć wspaniałe obrazy i panele. Rosyjska sztuka użytkowa to rozległa warstwa kulturowa kraju, własność społeczeństwa.
