Wiek XVII miał szczególne znaczenie dla kształtowania się kultur narodowych czasów nowożytnych. W tej epoce zakończył się proces lokalizowania dużych narodowych szkół artystycznych, których oryginalność decydowały zarówno uwarunkowania rozwoju historycznego, jak i tradycja artystyczna, jaka rozwinęła się w poszczególnych krajach – Włoszech, Flandrii, Holandii, Hiszpanii, Francji . Pozwala to uznać wiek XVII za nowy etap w historii sztuki. Tożsamość narodowa nie wykluczała jednak cech wspólnych. Rozwijając na wiele sposobów tradycje renesansu, artyści XVII wieku znacznie poszerzyli zakres swoich zainteresowań i pogłębili zakres poznawczy sztuki.
W porównaniu z renesansem sztuka XVII wieku jest bardziej złożona, sprzeczna w treści i formach artystycznych. Holistyczne poetyckie postrzeganie świata, charakterystyczne dla renesansu, zostaje zniszczone, ideał harmonii i klarowności jest niedostępny. Ale obraz człowieka pozostaje w centrum uwagi artysty. Tytani, wyśpiewani w dziełach sztuki renesansu, ustąpili miejsca osobie świadomej swojej zależności od środowiska społecznego i obiektywnych praw bytu. Jego ucieleśnienie staje się bardziej konkretne, złożone emocjonalnie i psychologicznie. Ukazuje nieskończoną różnorodność i bogactwo świata wewnętrznego, rysy narodowe są jaśniejsze i wyraźniejsze, a także ukazane jest jego miejsce w społeczeństwie. Prawdziwe życie ukazywane jest przez artystów XVII wieku w rozmaitych dramatycznych zderzeniach i konfliktach, sytuacjach groteskowo-satyrycznych i komediowych. W literaturze to okres rozkwitu tragedii i komedii (Szekspir, Lope de Vega, Calderon, Corneille, Racine, Molière).
Kultura artystyczna XVII wieku odzwierciedla złożoność epoki, która przygotowała zwycięstwo systemu kapitalistycznego w rozwiniętych gospodarczo krajach Europy. Na początku XVII wieku w Holandii, pierwszym kapitalistycznym kraju w Europie, dokonywano rewolucyjnych zdobyczy. W Anglii rewolucja burżuazyjna lat 1640-1660 toczy się na skalę ogólnoeuropejską. We Francji kształtuje się klasyczny model państwa absolutystycznego. Służąc interesom feudalnej szlachty, francuski absolutyzm zapewnił wzrost burżuazji poprzez swoją protekcjonistyczną politykę. Jednak feudalizm był nadal silny. Hiszpania, będąca w XVI wieku najsilniejszą potęgą świata, przekształciła się w jedno z zacofanych, reakcyjnych państw Europy. We Włoszech i Niemczech, przy zachowaniu rozdrobnienia feudalnego, formuje się państwo książęce o małej sile; despotyzm. Nawet w Anglii burżuazja dzieli władzę z arystokracją ziemską.
Ruchy ludowe odegrały ważną rolę w walce o postępowy rozwój państw europejskich. Protest mas przeciwko absolutystycznemu uciskowi i grabieży ery prymitywnej akumulacji był główną treścią życia społecznego w XVII wieku. W mniejszym lub większym stopniu wpłynęło to na rozwój kultury. Przemówienia postępowych myślicieli przeciw feudalizmowi wiązały się z krytyką Kościoła katolickiego, który ponownie wzmacnia jego wpływy i krępuje myśl społeczną.
Jednocześnie ogólny wzrost gospodarczy w rozwiniętych krajach Europy, rozkwit manufaktury i handlu stworzył grunt pod rozwój nauk ścisłych i przyrodniczych. Wielkie odkrycia Galileusza, Keplera, Newtona, Leibniza, Kartezjusza w matematyce, astronomii, fizyce, filozofii przyczyniły się do aprobaty idei materialistycznych (Bacon, Hobbes, Locke, Spinoza), poszerzenia i pogłębienia wyobrażeń o przyrodzie i wszechświecie. O ile dla naukowców renesansu ustalanie wzorców zjawisk opierało się na eksperymentalnej obserwacji pojedynczej, indywidualnej jednostki, to myśliciele XVII wieku wywodzili się w swoich teoriach naukowych z integralnych systemów i poglądów na świat. Bardziej holistyczne i głębsze postrzeganie rzeczywistości potwierdza się także w twórczości artystów. Otrzymuje nową interpretację pojęcia syntezy sztuk.
Odrębne rodzaje sztuki, a także pojedyncze dzieła, tracą swoją izolację i dążą do łączenia się ze sobą. Budynki są organicznie wpisane w przestrzeń ulicy, placu, parku. Rzeźba nabiera dynamiki, wdziera się do architektury i przestrzeni ogrodu. Malarstwo dekoracyjne z efektami przestrzennymi i perspektywicznymi jest dopełnieniem tego, co tkwi we wnętrzu architektonicznym. Pragnienie szerokiego ukazywania rzeczywistości doprowadziło w XVII wieku do różnorodnych form gatunkowych. W sztukach wizualnych obok tradycyjnych gatunków mitologicznych i biblijnych niezależne miejsce zyskują gatunki świeckie: gatunek codzienny, pejzaż, portret, martwa natura.
Złożone relacje i walka sił społecznych dają początek różnorodnym nurtom artystycznym i ideowym. W przeciwieństwie do poprzednich okresów historycznych, kiedy sztuka rozwijała się w ramach jednorodnych dużych stylów (romański, gotyk, renesans), XVII wiek charakteryzuje się dwoma dużymi stylami - barokiem i klasycyzmem, których elementy są wyraźnie wyrażone w architekturze i nowym rozumieniu syntezy sztuk. Sztuka baroku odsłania istotę życia w ruchu i walce przypadkowo zmiennych sił żywiołów. W skrajnych przejawach sztuka baroku dochodzi do irracjonalizmu, do mistycyzmu, oddziałuje na wyobraźnię i uczucia widza dramatycznym napięciem, ekspresją form. Wydarzenia interpretowane są z rozmachem, artyści wolą przedstawiać sceny udręki, ekstazy lub panegiryki wyczynów, triumfów.
Podstawą sztuki klasycyzmu jest racjonalna zasada. Piękne z punktu widzenia klasycyzmu jest tylko to, co uporządkowane, rozsądne, harmonijne. Bohaterowie klasycyzmu podporządkowują swoje uczucia kontroli umysłu, są powściągliwi i majestatyczni. Teoria klasycyzmu uzasadnia podział na gatunki wysokie i niskie. W sztuce klasycyzmu jedność osiąga się przez łączenie i dopasowywanie wszystkich części całości, które jednak zachowują swoje niezależne znaczenie. Zarówno barok, jak i klasycyzm charakteryzują się dążeniem do uogólnień, ale mistrzowie baroku skłaniają się ku dynamicznym masom, złożonym, rozbudowanym zespołom. Często cechy tych dwóch wielkich stylów przeplatają się w sztuce jednego kraju, a nawet w twórczości tego samego artysty, wywołując w niej sprzeczności.
Wraz z barokiem i klasycyzmem w sztukach wizualnych pojawia się bardziej bezpośrednie, mocne realistyczne odbicie życia, wolne od elementów stylistycznych. Kierunek realistyczny jest ważnym kamieniem milowym w ewolucji sztuki zachodnioeuropejskiej. Jej przejawy są niezwykle różnorodne i żywe, zarówno w różnych szkołach narodowych, jak i wśród poszczególnych mistrzów. Do XVII wieku należą najwięksi mistrzowie realizmu - Caravaggio, Velazquez, Rembrandt, Hals, Vermeer z Delft. W XVII wieku do głosu doszły te szkoły narodowe, w których sztuce osiągnięto najwyższe wyniki twórcze. Włochy, Hiszpania, Flandria, Holandia, Francja szybko stają się wpływowymi ośrodkami artystycznymi. W innych krajach europejskich - Anglii, Niemczech, Austrii, Czechach, Polsce, Danii kultura artystyczna zachowuje odcisk lokalnych właściwości i związków z tradycją poprzednich epok.
Wiek XVII to okres rozkwitu okresu feudalnego w Rosji. W tym czasie system feudalno-pańszczyźniany został wzmocniony, a po drodze w głębi tego samego systemu narodziły się więzi burżuazyjne. Szybki rozwój miast i ogólnie społeczeństwa doprowadził do rozkwitu kultury. Malarstwo w XVII wieku w Rosji również zyskało na sile. Masy zaczęły się koncentrować w dużych miastach, co z kolei było główną przyczyną tak szybkiego rozwoju kultury. Horyzonty Rosjan poszerzyło się także wraz z początkiem produkcji przemysłowej, co zmusiło ich do bliższego przyjrzenia się odległym regionom kraju. Różne elementy świeckie przenikają malarstwo XVII-wieczne w Rosji. Obrazy stają się coraz popularniejsze.
Wpływ kościoła na sztukę
Z wielkiej siły oddziaływania sztuki, zwłaszcza malarstwa, zdawał sobie sprawę także Kościół. Przedstawiciele duchowieństwa starali się kontrolować pisanie obrazów, starając się podporządkować je dogmatom religijnym. Represjom poddawani byli mistrzowie ludowi – malarze, którzy ich zdaniem odchodzili od ustalonych kanonów.
Malarstwo w XVII wieku w Rosji było jeszcze dalekie od tendencji realistycznych i rozwijało się niezwykle wolno. Na pierwszy plan wysuwała się jeszcze abstrakcyjna dogmatyczna i alegoryczna wizja malarstwa. Ikony i malowidła ścienne były przepełnione małymi scenami i przedmiotami wokół głównego obrazu. Charakterystyczne dla tego czasu były również napisy wyjaśniające na obrazach.
Osobowość i malarstwo XVII wieku
Opisując malarstwo w XVII wieku w Rosji, nie sposób nie wspomnieć o artyście Szymonie Fiodorowiczu Uszakowie, który jest autorem tak słynnych obrazów, jak „Zbawiciel nie ręką uczyniony”, „Trójca” czy „Sadzenie drzewa państwa rosyjskiego”. ”. Niezwykłym zjawiskiem w malarstwie było zainteresowanie człowiekiem jako osobą. Świadczy o tym powszechne malarstwo portretowe XVII wieku w Rosji.
Należy zauważyć, że portret stał się własnością mas dopiero od połowy XVIII wieku i do tego czasu tylko ludzie bliscy najwyższej władzy mogli pozostawić na płótnach artysty wspomnienie o sobie. Powstało wiele ceremonialnych i dekoracyjnych obrazów dla dużych przestrzeni publicznych, takich jak Akademia Sztuk Pięknych, Senat, Admiralicja i Pałace Cesarskie. Rodziny też mogły zamawiać portrety, ale się nimi nie obnosiły, tylko zostawiały w swoim kręgu. Mogły ozdobić nawet biedne petersburskie mieszkania inteligencji, która starała się podążać za panującymi w społeczeństwie trendami i modą.
Wpływ na malarstwo rosyjskie kultury zachodnioeuropejskiej
Należy zauważyć, że malarstwo w XVII wieku w Rosji bardzo się zmieniło, zwłaszcza portrety. Prawdziwy świat z prawdziwymi losami i procesami zaczął wysuwać się na pierwszy plan. Wszystko stało się bardziej świeckie i realistyczne. Ogromne wpływy płynęły z Zachodu. Gusta estetyczne Zachodu stopniowo zaczęły napływać do Rosji. Dotyczyło to nie tylko sztuki w ogóle, ale także rzeczy artystycznych, takich jak naczynia, powozy, ubrania i wiele innych. Popularne stało się zajmowanie się portretami jako hobby. Modne było przynoszenie obrazów przedstawiających monarchów jako dar dla króla. Poza tym posłowie nie mieli nic przeciwko zdobywaniu interesujących ich portretów w stolicach świata. Nieco później popularne stało się naśladowanie umiejętności malowania na płótnie przez zagranicznych artystów. Pojawiają się pierwsze „Tytuły”, w których przedstawione są portrety władców zagranicznych i rosyjskich.
Mimo że opór niektórych środowisk rósł wprost proporcjonalnie do wzrostu popularności sztuki ludowej, powstrzymanie tego ruchu było po prostu niemożliwe. W drugiej połowie wieku malarstwo w XVII wieku nabrało rozpędu w Rosji. Jeden z głównych warsztatów ośrodków artystycznych był w którym ponad sto obrazów zostało namalowanych przez dwudziestu mistrzów pod kierunkiem Łoputskiego, Wukhtersa i Bezmina. Ich prace odzwierciedlały istniejące przeciwstawne trendy w malarstwie. Część obrazów została wykonana w stylu oficjalnym, a część w stylu zachodnioeuropejskim.
Nowość w portrecie
Malarstwo w XVII wieku w Rosji zmieniło swój wygląd. Gatunek świecki, portret, przybrał nową formę. Człowiek stał się głównym tematem sztuki. Można stwierdzić, że rola jednostki jako osoby wzrosła. Kanoniczne „twarze” zniknęły w tle i ustąpiły miejsca światowym stosunkom i osobowości jako całości. Poezja stała się godna prawdziwej osoby, a nie tylko boskiej czy świętej. Uroczysty portret opuścił scenę sztuki rosyjskiej. Oczywiście jego wpływ nie skończył się dzisiaj, ale stał się mniej znaczący. W okresie Piotrowym odnajduje również dla siebie miejsce na rosyjskiej ziemi, a nawet egzystuje na równi z portretem europejskim.
Wniosek
Tak rozwinęło się malarstwo XVII wieku w Rosji. W skrócie można stwierdzić, że właśnie w tym stuleciu nastąpił przełom w sztuce, który wpłynął na kulturę kraju i jego dalszy rozwój.
Treść
Wprowadzenie
1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn – największy holenderski artysta XVII wieku
1.2. Rubensa Piotra Pawła
1.3. francuski malarz Nicolas Poussin
Rozdział II Artyści rosyjscy XVII wieku
2.1. Zubow Aleksiej Fiodorowicz (1682-1750)
2.2. Nikitin Iwan Nikitycz (1680-1742)
Wniosek
Bibliografia
Wprowadzenie
Malarstwo XVII wieku rozwijało się pod wpływem baroku, który dominował w sztuce europejskiej do połowy XVIII wieku. Nowa filozofia świata, polegająca na zmianie sądów o jedności, różnorodności i nieskończoności świata, wywarła ogromny wpływ na światopogląd ówczesnych artystów. Przepych i dynamika, intensywność uczuć i patosu, widowiskowość, realność i iluzoryczność, kontrasty i gra światła wyróżniają malarstwo tego okresu.
Wiek XVII miał duże znaczenie w kształtowaniu się kultur narodowych nowego czasu. W tym czasie zakończył się proces lokowania szkół artystycznych, których zróżnicowanie determinowane było głównie przez uwarunkowania rozwoju historycznego i ugruntowane tradycje w poszczególnych krajach. Rosyjscy artyści XVII wieku zajmowali się głównie malarstwem ikon. Artyści hiszpańscy XVII wieku kształtowali się pod ideologią zakonów monastycznych, więc główne zamówienia na dzieła sztuki pochodziły ze sfery duchowej. Włoscy artyści XVII wieku dokładnie studiowali różne nauki: nauki przyrodnicze, perspektywę, anatomię i inne. Przedstawiali sceny religijne na obrazach jako świeckie. W odcinkach nauczyli się przekazywać charakter i ujawniać głębokie uczucia osoby. Patrząc na „Ukrzyżowanie” autorstwa Andrei Mantegny. Holenderscy artyści XVII wieku wyróżniali się tym, że dominowały wśród nich niemal wszystkie rodzaje malarstwa. Zawód ten nie był rzadkością, wśród pierwszych artystów istniała poważna konkurencja. W Holandii obrazy XVII-wiecznych artystów zdobiły domy nie tylko zamożnych członków społeczeństwa, ale także zwykłych rzemieślników i chłopów.
Rozdział I Artyści zagraniczni XVII wieku
1.1 Rembrandt Harmensz van Rijn – największy holenderski artysta XVII wieku
Dzieło holenderskiego artysty Rembrandta Harmensa Van Rijna (1606-1669) należy do szczytów światowego malarstwa realistycznego. Rembrandt malował tematy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże. Był największym mistrzem rysunku i akwaforty w Europie. Jego twórczość cechuje pragnienie filozoficznego rozumienia życia, uczciwość wobec siebie i ludzi, zainteresowanie duchowym światem człowieka. Moralna ocena wydarzeń i osoby jest głównym nerwem sztuki mistrza. Artysta doskonale oddał duchowość modelki i dramatyzm wydarzenia poprzez efekty światłocienia, kiedy przestrzeń zdaje się tonąć w cieniu, w złotym półmroku, a snop światła podkreśla poszczególne sylwetki ludzi, ich twarze, gesty i ruchy. W tej metodzie malarskiej konstrukcji obrazu Rembrandt nie miał sobie równych (tylko włoski Caravaggio może z nim konkurować w umiejętności posługiwania się światłocieniem). Jak to często w historii sztuki bywa, Rembrandt, mimo swojego genialnego talentu, zmarł w biedzie i samotności, zapomniany, bezużyteczny mistrz. Ale jego twórczość żyje przez wieki, więc bez przesady można powiedzieć, że Rembrandt jest jednym z największych artystów w historii sztuki światowej. Wielu nazwałoby go malarzem niezrównanym, większym nawet niż Rafael czy Leonardo. Wydawałoby się, że jego twórczość była skrępowana tradycjami i dogmatami holenderskiej sztuki protestanckiej, ponieważ nigdy nie wyjeżdżał poza Holandię. A jednak Rembrandt nie tylko zachwyca błyskotliwą techniką malarską, ale także objawia swoją twórczością objawienie: nikt dotąd nie mówił o prostych ludzkich uczuciach tak głęboko, czule, ciekawie i przenikliwie. W swoich scenach historycznych i biblijnych, w portretach współczesnych sięga głębi psychologicznej ekspresji. Jego mądrość, współczucie i przenikliwość wynikają najprawdopodobniej z samowiedzy: wielokrotnie jak nikt inny malował autoportrety i uwieczniał swoją drogę życiową, począwszy od młodości i sukcesów, a skończywszy na starości, który przyniósł smutki i trudności. W tej chwili znanych jest ponad sto autoportretów Rembrandta, z których każdy jest niesamowitym arcydziełem. Dzięki szczęśliwym okolicznościom historycznym Rosja posiada obecnie jedną z najbogatszych kolekcji obrazów Rembrandta. Prawie wszystkie z nich są przechowywane w Państwowym Muzeum Ermitażu w Petersburgu, w tym tak słynne arcydzieła, jak „Powrót syna marnotrawnego”, „Danae”, „Portret Saskii jako Flory”, „Portret starego człowieka w czerwieni ", "Dawid i Uria" itp. Więcej niż jedno pokolenie rosyjskich artystów studiowało na obrazach Rembrandta z Ermitażu. Jeśli nie macie możliwości zwiedzenia Państwowego Ermitażu, to zapraszamy do naszej wirtualnej galerii obrazów Rembrandta. Tutaj możesz zobaczyć prawie wszystkie słynne arcydzieła mistrza, z których wiele ma szczegółowe opisy. Miłej podróży do zniewalającego świata niesamowitego artysty i wrażliwej osoby - Rembrandta.
1.2. Petera Paula Rubensa
Piotra Pawła Rubensa, 1577-1640 - Flamandzki malarz i dyplomata. Urodził się w Siegen w Westfalii 28 czerwca 1577 roku w rodzinie Jana Rubensa, adwokata z Antwerpii. Kiedy Peter Paul Rubens miał jedenaście lat, zmarł jego ojciec, a matka przeprowadziła się z dziećmi do Antwerpii. Przyszły artysta kształcił się w szkole jezuickiej. Znajomość języków (władał sześcioma językami) pozwoliła mu nie tylko opanować dziedzictwo kulturowe swojej epoki, ale także odnieść znaczące sukcesy na polu dyplomatycznym. Rubens studiował u trzech flamandzkich malarzy - Tobiasa Verhachta, Adama van Noorta i Otto van Vena. W 1598 został przyjęty do cechu św. Łukasz. W 1600 artysta przybył do Włoch; tam studiował starożytną architekturę i rzeźbę, malarstwo włoskie, a także malował portrety (głównie w Genui) i ołtarze (w Rzymie i Mantui). W 1603 roku włoski patron Rubensa, Vicenzo Gonzaga, wysłał go do Hiszpanii w ramach misji dyplomatycznej. W 1608 r. Rubens został nadwornym malarzem Izabeli Austriackiej, osiadł w Antwerpii, aw 1609 r. ożenił się z arystokratką Izabelą Brant. Z tego małżeństwa urodziło się troje dzieci. Aby sprostać rosnącemu zapotrzebowaniu na swoje obrazy, Rubens stworzył w ciągu kilku lat duży warsztat, w którym pracowali A. van Dyck, Jacob Jordaens i F. Snyders. Wykonał szkice, które jego uczniowie i asystenci przenieśli na płótno, a następnie pod koniec pracy nieznacznie poprawił obrazy. Zorganizował nawet szkołę grawerowania, aby jeszcze bardziej rozpowszechnić swoją twórczość. Obrazy Rubensa z tych lat są pełne namiętnej dynamiki. Wśród wątków, scen myśliwskich, bitew, barwnych i dramatycznych epizodów ewangelicznych oraz scen z życia świętych dominują kompozycje alegoryczne i mitologiczne; w nich Rubens lubił pisać energiczne, potężne ciała, które tak bardzo lubili jego współcześni. Oprócz zamówień z lokalnych kościołów i arystokratów antwerpskich artysta dostawał zamówienia z zagranicy, głównie z Anglii. Duży warsztat, którego budynek zaprojektował w stylu genueńskiego palazzo (odrestaurowany w latach 1937-1946), szybko stał się centrum społecznym i wizytówką Antwerpii. W latach dwudziestych XVII wieku Rubens pracował dla francuskiego domu królewskiego. Napisał dla Marii Medycejskiej cykl alegorycznych paneli przedstawiających sceny z jej życia i wykonał tekturowe gobeliny na zamówienie Ludwika XIII, a także rozpoczął nieukończony cykl kompozycji z epizodami z życia francuskiego króla Henryka IV z Nawarry. Od początku lat dwudziestych XVII wieku Rubens zajmował się dyplomacją. W 1628 i 1630 r Rubens podróżował do Madrytu i Londynu z misjami dyplomatycznymi i uczestniczył w zawarciu traktatu pokojowego między Hiszpanią, Anglią i Holandią. Po powrocie do Antwerpii Rubens został przyjęty z wielkimi honorami; król hiszpański nadał mu tytuł radcy stanu, a król angielski – szlachtę osobistą. Rubens wkrótce poślubił szesnastoletnią Elenę Fourman; mieli pięcioro dzieci. W ciągu tych lat styl Rubensa uległ zmianie – kompozycje budowane są w swobodnym i płynnym rytmie, sztywna rzeźbiarska interpretacja form, charakterystyczna dla wczesnego okresu twórczości, zostaje zastąpiona jaśniejszym i zwiewniejszym modelowaniem kolorystycznym. Można w nich dostrzec wpływ dzieł Tycjana, które Rubens kopiował podczas pobytu w Madrycie. Pomimo tego, że spędził dużo czasu pracując nad dużymi kompozycjami i konstrukcjami dekoracyjnymi (malowanie plafonu w sali bankietowej w Pałacu Whitehall w Londynie; łuki triumfalne na cześć wjazdu Infante Ferdinanda do Antwerpii; dekoracja Torre de la zamek myśliwski Parada), Rubensowi udało się napisać także bardziej kameralne, liryczne utwory. Należą do nich portret „Heleny Fourman Fur Coat” (ok. 1638-1640, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum), „Kermessa” (ok. 1635-1636, Luwr), a zwłaszcza kilka promiennych, jasno oświetlonych pejzaży powstałych w ciągu ostatnich pięciu lat życia w wiejskiej posiadłości niedaleko Mechlina. Rubens zmarł 30 maja 1640 r.
Rubensowi udało się w swoich pracach osiągnąć to, do czego dążyły trzy poprzednie pokolenia artystów Flandrii: połączenie realizmu flamandzkiego z klasyczną tradycją odrodzoną przez włoski renesans. Artysta obdarzony był wielką energią twórczą i niewyczerpaną wyobraźnią; czerpiąc inspiracje z różnych źródeł, stworzył swój własny, niepowtarzalny styl. Wykonane przez niego obrazy ołtarzowe charakteryzują się zmysłowością i emocjonalnością; dekorując zamki arystokracji epoki rodzącego się absolutyzmu, przyczynił się do rozpowszechnienia stylu barokowego – języka artystycznego nie tylko kontrreformacji, ale i kultury świeckiej tego czasu.
1.3. francuski malarz Nicolas Poussin
Urodzony w 1594 w Les Andelys w Normandii. Pierwszym nauczycielem Poussina był Quentin Varin z Amiens, który mieszkał w Les Andelys w latach 1611-1612. W 1612 roku Poussin przybył do Paryża, gdzie królewski kamerdyner Alexandre Cutois dał młodemu artyście możliwość zwiedzenia królewskiej kolekcji obrazów; tam po raz pierwszy zobaczył dzieła Rafaela i mistrzów jego szkoły. W Paryżu Poussin spotkał poetę Giovanniego Battistę Marino, dla którego następnie wykonał wspaniałą serię rysunków na tematy z Owidiusza, Wergiliusza i Tytusa Liwiusza, która jest obecnie przechowywana w zamku Windsor.
Wiosną 1624 roku artysta przybył do Rzymu i osiadł tam na resztę życia. W 1640 roku, kiedy sława Poussina dotarła wreszcie do jego ojczyzny, otrzymał zaproszenie od Ludwika XIII i został zmuszony do powrotu na jakiś czas do Paryża. W Paryżu Poussin stworzył takie dzieła jak Eucharystia, Cud św. Francis Xavier (oba w Luwrze) i Time Saves Truth from Envy and Discord (Lilia, Muzeum Sztuk Pięknych). Ta ostatnia została zamówiona przez kardynała Richelieu i miała ozdobić sufit. Wiadomo, że życie na dworze królewskim bardzo ciążyło Poussinowi iw 1642 roku wrócił do Rzymu.
Głównymi źródłami malarstwa Poussina są dzieła klasycznej starożytności i włoskiego renesansu. Liczne rysunki świadczą o jego wielkim zainteresowaniu zabytkami starożytnego Rzymu. Jest właścicielem wielu szkiców starożytnych płaskorzeźb, posągów i sarkofagów. Jednak motywy klasyczne, tak liczne w twórczości Poussina, prawie zawsze są przez niego zmieniane i przerabiane zgodnie z własnymi zamierzeniami artystycznymi. Spośród dzieł mistrzów włoskiego renesansu najsilniejszy wpływ na artystę wywarło malarstwo Rafaela i Tycjana. W późniejszych dziełach Apolla i Daphne (ok. 1664) oraz serii czterech obrazów Pory roku (1660–1664, wszystkie w Luwrze), Poussin zwraca się ku motywom lirycznym; dzieła te są bogatsze w kompozycję i lepszą technikę niż czysto romantyczne płótna z wczesnego okresu. Seria Seasons ze scenami biblijnymi Raj (wiosna), Rut (lato), Exodus (jesień) i powódź (zima) to jeden z najlepszych krajobrazów Poussina.
Poussin tworzy dzieła antycypujące surowe obywatelstwo późnego klasycyzmu („Śmierć Germanika”, ok. 1628, Institute of Arts, Minneapolis), płótna barokowe („Męczeństwo nad Erazmem”, ok. 1628-1629, Pinakoteka Watykańska), obrazy oświeceniowo-poetyckie o tematyce mitologicznej i literackiej, naznaczonej szczególnym działaniem systemu kolorystycznego, bliskiego tradycjom szkoły weneckiej. („Śpiąca Wenus”, Galeria Sztuki, Drezno; „Narcyz i Echo”, Luwr, Paryż; „Rinaldo i Armida”, Muzeum Sztuk Pięknych im. A. S. Puszkina, Moskwa; wszystkie trzy - około 1625-1627; „Królestwo Flora” , ok. 1631-1632, Galeria Sztuki, Drezno; „Tankred i Erminia”). Klasyczne zasady Poussina są wyraźniej widoczne na płótnach z drugiej połowy lat 30. XX wieku. („Gwałt na Sabinkach”, wersja 2, ok. 1635; „Izrael zbiera mannę”, ok. 1637-1639; oba - w Luwrze w Paryżu). Panujący w tych utworach pogoń za kompozycyjnym rytmem jawi się jako bezpośrednie odzwierciedlenie racjonalnej zasady, która łagodzi niskie popędy i nadaje wielkości szlachetnym czynom człowieka. W latach 1640-1642 Nicolas Poussin pracował w Paryżu na dworze Ludwika XIII ("Czas ratuje prawdę przed zakusami zazdrości i niezgody", ok. 1641-1642, Muzeum Sztuki, Lille). Intrygi nadwornych artystów, na czele z S. Vue, skłaniają Poussina do powrotu do Rzymu.
Rozdział II Artyści rosyjscy XVII wieku
2.1. Zubow Aleksiej Fiodorowicz
Początkowo był malarzem w Zbrojowni, od 1699 uczył się u Adriana Schkhonebeka „robienia herbów” (na papierze stemplowym). Aby udowodnić swoją znajomość grawerowania, już w 1701 r. Zubow przekazał do Zbrojowni kopię Biblii holenderskiej z 1674 r., Podpisaną: „Z fresku Zesłanie Ducha Świętego”.
Zubov wkrótce stał się utalentowanym grawerem i wyrył wiele dużych arkuszy, w których osiągnął zaawansowaną technologię. Ogromny widok Petersburga, wyryty przez niego na 8 planszach, w parze widoku Moskwy, wyryty przez Jana Bliklandta, jest najlepszym dziełem Zubowa. Jest także właścicielem obrazów bitew morskich („Bitwa pod Grengam”, 1721), uroczystości z okazji zwycięstw („Uroczyste wkroczenie wojsk rosyjskich do Moskwy po zwycięstwie pod Połtawą”, 1711) i innych ważnych wydarzeń tamtych czasów. Zubov uzupełnił przednią część takich obrazów o dokładnie oddane szczegóły życia. Tworzył ryciny, korzystając z rysunków i projektów architektów, m.in. M. G. Zemtsova. Dokumentalny charakter kompozycji połączono z dekoracyjnością rytej blachy i wizerunkiem rzekomych budowli. Widoki miasta zostały ukazane przez artystę „z lotu ptaka”, co przyczyniło się do poczucia skali majestatycznych scen – panoram brzegów Newy.
Od 1714 r. Zubow pracował w Petersburgu. Był starszym mistrzem w drukarni w Petersburgu. Po śmierci Piotra I, za panowania Katarzyny I, Zubow wykonuje portret cesarzowej (1726, z oryginału I. Adolskiego), graweruje wraz z P. Pikartem konny portret Piotra (1726), na zlecenie A. D. Mieńszikowa portrety jego żony i córek „najspokojniejszego” księcia - D. M. i M. A. Mienszykowa (1726). Jesienią 1727 r. zamknięto petersburską drukarnię, w której Zubow przebywał od chwili przybycia do północnej stolicy. Po rezygnacji został zmuszony, podobnie jak jego brat, do przekształcenia się w mistrza popularnych druków ludowych. Artysta starał się o pracę w Izbie Grawerskiej Akademii Nauk, ale nigdy nie dostał tam stałej pracy. W 1730 wrócił do Moskwy.
W starej stolicy Zubov nadal pracuje bardzo intensywnie. W 1734 r. tworzy portrety Piotra I, Piotra II i Anny Ioannovny. Dużo pracuje na zlecenia kościołów i zamożnych obywateli. Ale ówczesne dzieła Zubowa pokazują, jak cienka była warstwa nowej kultury, jak bardzo rosyjscy artyści byli zależni od środowiska, jak silne były tradycje epoki przedpiotrowej. Świadczy o tym słynny „Widok klasztoru Sołowieckiego” - ogromny rycina wykonana przez Zubowa wraz z bratem Iwanem w 1744 r. Jakby nie było widoków Petersburga, bitew, portretów. Jakby nie było samej epoki Piotrowej. Jakby nigdy nie opuścił Żubowa w Moskwie i Zbrojowni. Ostatnie znane nam prace rytownika datowane są na rok 1745, a ostatnia wzmianka o nim to rok 1749. Mistrz zmarł w biedzie i zapomnieniu.
Ostatni arkusz wygrawerowany przez Zubowa odnotowano w 1741 r. Jego najlepsze portrety w czarnej stylistyce: „Katarzyna I”, „Piotr I”, dwie księżniczki „Daria i Maria Mienszykow” – są niezwykle rzadkie; dłuto - „Katarzyna I”, „Gołowin” i „Stefan Jaworski”. Rovinsky („Rytownicy rosyjscy”, M. 1870) podaje listę 110 desek autorstwa Zubowa. Niektóre plansze przetrwały do dziś, a nawet dają wciąż dobre wydruki.
2.2. Nikitin Iwan Nikitycz
Urodzony w Moskwie, syn księdza Nikity Nikitina, który służył w Izmailowie, brat księdza Irodiona Nikitina, późniejszego arcykapłana katedry Archanioła na Kremlu, i malarza Romana Nikitina.
Studiował w Moskwie, podobno w Izbie Zbrojowni, prawdopodobnie pod kierunkiem Holendra Szchonebeka w warsztacie grawerskim. W 1711 został przeniesiony do Petersburga, gdzie studiował u Johanna Tannauera, niemieckiego artysty, który jako jeden z pierwszych przyjął zaproszenie Piotra Wielkiego i przeniósł się do Petersburga, aby uczyć rosyjskich artystów malarstwa perspektywicznego. Szybko zdobywa autorytet na dworze. W latach 1716-1720 na emeryturze państwowej wraz z bratem Romanem został wysłany w gronie dwudziestu osób na studia do Włoch, do Wenecji i Florencji. Studiował u takich mistrzów jak Tommaso Redi i J.G. Dangauer. Po powrocie zostaje nadwornym malarzem. Tak więc Nikitin jest właścicielem portretu umierającego Piotra Wielkiego. W 1732 wraz z bratem Romanem, także artystą, został aresztowany w związku z rozpowszechnianiem oszczerstw przeciwko Feofanowi Prokopowiczowi. Po pięciu latach tymczasowego aresztowania w Twierdzy Pietropawłowskiej został wychłostany i dożywotnio zesłany do Tobolska. W 1741 r., po śmierci Anny Ioannovny, otrzymał pozwolenie na powrót do Petersburga. Wyjechał w 1742 i zmarł w drodze.
Istnieją tylko trzy podpisane prace Nikitina, wraz z przypisywanymi mu tylko około dziesięciu. Wczesne prace nadal zawierają ślady parsuny, która była jedynym stylem portretowym w Rosji w XVII wieku. Nikitin jest jednym z pierwszych (często określanych jako pierwszy) rosyjskich artystów, którzy odeszli od tradycyjnego stylu malowania ikon w malarstwie rosyjskim i zaczęli malować z perspektywą, tak jak robili to w ówczesnej Europie. Jest więc założycielem tradycji języka rosyjskiego
itp.................
W historii sztuki rosyjskiej wiek XVII był okresem zmagań dwóch szkół malarskich i kształtowania się nowych gatunków. Kościół prawosławny nadal wywierał ogromny wpływ na życie kulturalne człowieka. Artyści również doświadczyli pewnych ograniczeń w swojej działalności.
ikonografia
W okresie późnego średniowiecza ośrodkiem koncentracji artystów i rzemieślników w Rosji był Kreml, a właściwie Zbrojownia. Pracowali tam najlepsi mistrzowie architektury, malarstwa i innych rodzajów twórczości.
Pomimo szybkiego rozwoju sztuki w całej Europie, malarstwo w Rosji w XVII wieku miało tylko jeden gatunek - malarstwo ikon. Artyści zmuszeni byli tworzyć pod czujnym nadzorem kościoła, który stanowczo sprzeciwiał się wszelkim innowacjom. Rosyjskie malarstwo ikonowe ukształtowało się pod wpływem malarskich tradycji Bizancjum i miało już wówczas wyraźnie ukształtowane kanony.
Malarstwo, podobnie jak kultura w Rosji w XVII wieku, było raczej samoistne i rozwijało się bardzo powoli. Jednak jedno wydarzenie doprowadziło do całkowitej reformy gatunku malowania ikon. W pożarze w 1547 roku w Moskwie spłonęło wiele starożytnych ikon. Trzeba było przywrócić utracone. A przy tym główną przeszkodą był spór o charakter twarzy świętych. Zdania były podzielone, zwolennicy dawnych tradycji uważali, że obrazy powinny pozostać symboliczne. Artyści o bardziej nowoczesnych poglądach opowiadali się natomiast za nadaniem świętym i męczennikom większego realizmu.
Podzielony na dwie szkoły
W rezultacie malarstwo w Rosji w XVII wieku podzieliło się na dwa obozy. W pierwszej znaleźli się przedstawiciele szkoły „Godunow” (w imieniu Borysa Godunowa). Starali się ożywić tradycje malowania ikon Andrieja Rublowa i innych średniowiecznych mistrzów.
Mistrzowie ci pracowali na zlecenia dla dworu królewskiego i reprezentowali oficjalną stronę sztuki. Cechami charakterystycznymi dla tej szkoły były kanoniczne twarze świętych, uproszczone wizerunki tłumu ludzi w postaci wielu głów, tonacji złotej, czerwonej i niebieskozielonej. Jednocześnie można zauważyć próby oddania przez artystów materialności niektórych przedmiotów. Szkoła Godunowa jest najbardziej znana z malowideł ściennych w komnatach Kremla, w katedrze smoleńskiej, katedrze Świętej Trójcy.
Szkołą przeciwną był „Stroganow”. Nazwa związana jest z kupcami Stroganowami, dla których wykonywano większość zamówień i którzy pełnili rolę „sponsorów” rozwoju malarstwa w Rosji w XVII wieku. To dzięki mistrzom z tej szkoły rozpoczął się szybki rozwój sztuki. Jako pierwsi wykonali miniaturowe ikony do domowych modlitw. Przyczyniło się to do ich rozpowszechnienia wśród zwykłych obywateli.
Mistrzowie Stroganowa coraz bardziej wychodzili poza kanony kościelne i zaczęli zwracać uwagę na szczegóły otoczenia, wygląd świętych. I tak krajobraz powoli zaczął się rozwijać. Ich ikony były kolorowe i ozdobne, a interpretacja postaci biblijnych była bliższa wizerunkom prawdziwych ludzi. Najbardziej znanymi z zachowanych dzieł są ikony „Wojownik Nikita”, „Jan Chrzciciel”.
freski w Jarosławiu
Wyjątkowym zabytkiem w historii malarstwa XVII wieku w Rosji są freski w cerkwi Proroka Eliasza w Jarosławiu, nad którymi pracowali artyści ze Zbrojowni. Cechą charakterystyczną tych fresków są sceny z prawdziwego życia, które przeważają nad opowieściami biblijnymi. Na przykład w scenie z uzdrowieniem główną część kompozycji zajmuje wizerunek chłopów podczas żniw. Był to pierwszy monumentalny obraz w rodzimym gatunku.
Wśród tych fresków można znaleźć sceny baśniowe i mitologiczne. Zachwycają jasnymi kolorami i złożoną architekturą.
Szymon Uszakow
Na każdym etapie rozwoju kulturalnego kraju pojawiają się znaczące postaci. Osobą, która wypromowała w Rosji w XVII wieku malarstwo w nowym kierunku i przyczyniła się do jego częściowego wyzwolenia od ideologii religijnej, był Szymon Uszakow.
Był nie tylko nadwornym malarzem, ale także naukowcem, nauczycielem, teologiem, człowiekiem o szerokich poglądach. Simon był zafascynowany sztuką zachodnią. W szczególności interesowało go realistyczne przedstawienie ludzkiej twarzy. Widać to wyraźnie w jego dziele „Zbawiciel nie ręką uczyniony”.
Uszakow był innowatorem. Był pierwszym rosyjskim artystą, który użył farby olejnej. Dzięki niemu zaczęła się rozwijać sztuka grawerowania na miedzi. Będąc głównym artystą Zbrojowni przez trzydzieści lat, napisał wiele ikon, rycin, a także kilka traktatów. Wśród nich jest „Słowo do miłośnika malarstwa ikonowego”, w którym wyraził myśl, że artysta powinien jak lustro wiernie odzwierciedlać otaczający go świat. Śledził to w swoich pismach i nauczał tego swoich uczniów. W jego notatkach pojawiają się odniesienia do atlasu anatomicznego, który chciał napisać i zilustrować rycinami. Ale najwyraźniej nie został opublikowany lub nie został zachowany. Główną zasługą mistrza jest to, że położył podwaliny pod portrety XVII wieku w Rosji.
Parsuna
Po znaczących przemianach w malarstwie ikon zaczął się kształtować gatunek portretowy. Początkowo wykonywano go w stylu malarstwa ikonowego i nazywano „parsuna” (z łac. osoba, osobowość). Artyści coraz częściej pracują z żywą naturą, a plebanie stają się bardziej realistyczne, twarze na nich nabierają objętości.
W tym stylu malowano portrety Borysa Godunowa, carów Aleksieja Michajłowicza, Fiodora Aleksiejewicza, carycy Jewdokii Łopuchiny, Praskowej Saltykowej.
Wiadomo, że na dworze pracowali także artyści zagraniczni. Przyczynili się również w znacznym stopniu do ewolucji malarstwa rosyjskiego.
grafika książkowa
Druk również dość późno pojawił się na ziemiach rosyjskich. Jednak równolegle z jej rozwojem popularność zyskały ryciny, które służyły jako ilustracje. Obrazy miały charakter zarówno religijny, jak i domowy. Książkowa miniatura z tego okresu wyróżnia się rozbudowaną ornamentyką, spotyka się także ozdobne litery, a także wizerunki portretowe. Wielki wkład w rozwój miniatur książek wnieśli mistrzowie szkoły Stroganowa.
Malarstwo w Rosji w XVII wieku zmieniło się z wysoce duchowego w bardziej świeckie i bliskie ludziom. Mimo sprzeciwu przywódców kościelnych artyści obronili swoje prawo do tworzenia w gatunku realizmu.
Jednym z dominujących stylów jest barok: jest to styl ekstrawagancki, porywczy, przejawiający się w przepychu i nadmiarze. Michelangelo da Caravaggio można uznać za twórcę baroku, który wywodzi się z Włoch.
Pierwszym i najwybitniejszym przedstawicielem baroku kościelnego był artysta znany jako El Greco. Dzieło de Silvy Velasqueza uważane jest za szczyt sztuki hiszpańskiej złotego wieku baroku.
Najwybitniejszymi przedstawicielami malarstwa flamandzkiego XVII wieku są Peter Rubens i Rembrandt.
Na początku XVIII wieku wiodącą pozycję zajmował nowy styl, rokoko. Nazwa tego kierunku pochodzi od francuskiego słowa oznaczającego „wzór kamieni i muszli”. Cechą charakterystyczną nowego kierunku było odejście od prawdziwego życia do wymyślonego świata, co znalazło żywy wyraz w twórczości najlepszych przedstawicieli stylu.
Jednym z przedstawicieli pierwszego okresu francuskiego rokoka jest Antoine Watteau, Francois Boucher, Nicolas Lancret. Gatunek portretowy rozwinął się w twórczości Jeana Nattiera.
We włoskim rokoku wybitnymi przedstawicielami stylu byli Giovanni Tiepolo, Francesco Guardi, Pietro Longhi.
W drugiej połowie XVIII wieku lekki, wyrafinowany rokokowy styl w malarstwie został zastąpiony przez klasycyzm z jego głęboką treścią i dążeniem do idealnego standardu. Przedstawicielami francuskiego klasycyzmu połowy XVIII wieku są Joseph Marie Vien, Jacques Louis David. Przedstawiciele niemieckiego klasycyzmu - Anton Mengs, Anton Graff, Franz Maulberch.
