Rokotov Levitsky Borowikowski przedstawiciele którego kierunku. Sztuka portretowa XVIII wieku

Kulturoznawstwo i historia sztuki

: Portret w twórczości F. Nowy etap w rozwoju sztuki portretowej, która obecnie nie ogranicza się do uchwycenia indywidualnych cech osoby, ale wnika w jej wewnętrzny świat, został szybko naznaczony pracą niesamowitego talentu F. Rokotowa przyniosła mu sławę i uznanie na dworze, ale najlepsze prace przypadają na moskiewski okres jego życia, w którym rozkwitł talent artysty do kameralnych portretów kameralnych. Kameralny portret intymny stworzony przez Rokotowa to cała epoka w rosyjskim portrecie.

Odpowiedź na pytanie nr 49 „Sztuka rosyjska XVIII wieku: portret w twórczości F.S. Rokotova, D.G. Lewicki, V.L. Borowikowski.

Nowy etap w rozwoju sztuki portretowej, który obecnie nie ogranicza się do uchwycenia indywidualnych cech osoby, ale wnika w jej wewnętrzny świat, został naznaczony twórczością F. S. Rokotova. Niesamowity talent Rokotowa szybko przyniósł mu sławę i uznanie na dworze, jednak najlepsze prace pochodzą z moskiewskiego okresu jego życia, kiedy rozkwitł talent artysty do intymnych, intymnych portretów.Typ portretu stworzony przez kameralnego portretu intymnego Rokotowa to cała epoka w rosyjskim portrecie. Posiadał rzadki dar, który pozwala mu po mistrzowsku przekazać wewnętrzny świat człowieka, jego niepokój i ciepło. Jego modelki wydają się wyłaniać z mieniącego się zmierzchu, rysy twarzy są lekko rozmyte, jakby spowite mgłą. Płótna mistrza charakteryzują się bogactwem odcieni tonów, wykwintnymi zestawieniami kolorystycznymi. Miękkie, wyciszone odcienie tworzą atmosferę intymności: w jego portretach nie ma nic ostentacyjnego ani spektakularnego. Artystę pociąga wewnętrzne piękno człowieka. Przykładowe prace: „Portret Majkowa” - trawiasto-zielony kaftan poety z czerwonymi klapami i złotym haftem, koronkowa falbana pomalowana nieco niedbale. Artystka skupiła się na twarzy: jest trochę kpiąca, trochę opuchnięta (obrzękowa), zmrużone oczy. Wszystko to mówi o osobie, która uwielbia żyć dla własnej przyjemności. Rokotov osiąga swoje prawdziwe wyżyny w wielu kobiecych portretach. „Portret A. P. Struyskaya” (1772) Rokotov pokazał wzniosłość wizerunku młodej kobiety. Jej postać na portrecie wydaje się niezwykle lekka i zwiewna. Ta praca nazywa się „Rosyjska Mona Lisa”. „Portret hrabiny Santi” niesamowite dzieło XVIII wieku. subtelnością przekazu obrazu, kolorystyką, urokliwymi zestawieniami oliwkowej i różowej tonacji. Bukiet skromnych polnych kwiatów na piersi tej damy przynosi szczególne wyrafinowanie. Portrety Rokotowa to historia w twarzach.

Mniej subiektywnie portret D. G. Levitsky. Jego malarstwo jest bardziej materialne i solidne, kolorystyka jest bardziej intensywna, umie i lubi wydobywać efekty dekoracyjne, zmieniające charakter układu nasyconych plam barwnych na płótnie. Dlatego Levitsky chętnie malował ceremonialne portrety, które nie ustępowały najlepszym zachodnioeuropejskim przykładom pod względem reprezentatywności, umiejętności użycia akcesoriów, tła, pozy, gestu i malarskiego blasku. Na jego obrazach czuć ciężar aksamitu, szelest masy jedwabiu, zimny połysk metalu, kłującą chropowatość złotych haftów, przejrzystość i grę drogocennych kamieni. Jednak cały ten malarski przepych nie przeszkadza artyście wykazać się czujnością psychologa w swoich najlepszych ceremonialnych portretach. Aktywnie pracował nad portretami kameralnymi. Levitsky'ego do stworzenia niezwykle przekonujących i wyczerpujących portretów ludzi swoich czasów. Klasyczny przykład stylu klasycyzm w gatunku portretowym jest słynny „Portret prawodawcy Katarzyny II w świątyni bogini sprawiedliwości”. W opisie portretu Katarzyny Wielkiej, co jest tak cenione klasycyzm ogólnie znaczące, oficjalne i wysokie, zaciemniające osobistą i emocjonalną stronę duszy. Wśród ich najlepszych prac są portrety „Smolanki”, uczniów Instytutu Smolnego. Seria namalowana przez Levitsky'ego składa się z siedmiu dużych portretów naturalnej wielkości. Dziewczęta z instytutu są przedstawiane w pełni wzrostu na tle warunkowego dekoracyjnego krajobrazu lub bujnych zasłon opadających ciężkimi szerokimi fałdami. Tą techniką artysta podkreśla, że ​​tematem obrazu nie jest tu prawdziwe życie, ale teatr. W kompozycji wszystkich portretów świadomie wybrano nieco obniżony horyzont – artysta pokazuje swoje bohaterki z tego samego punktu, z którego widz z trybun patrzy na scenę. Oryginalność pomysłu polega przede wszystkim na tym, że przed nami nie są portrety w zwykłym znaczeniu tego słowa, ale portrety-zdjęcia, w których ujawnia się ta lub inna akcja. Bohaterki Levitsky tańczą, grają na harfie, odgrywają role teatralne. Wszystkie portrety różnią się zasadniczo tym samym tematem kwitnącej, radosnej młodości; we wszystkich portretach jasny, optymistyczny sens życia artysty, naznaczony prawdziwym humanizmem, jest potwierdzony z jednakową siłą. Ogromny dar malarza-dekoratora, charakterystyczny dla Lewickiego, przejawiał się w tej zadziwiającej dokładności, niemal materialnej namacalności, z jaką tkaniny ubrań, przezroczystość koronek, blask satyny, blask złotych nici wplecionych w matowy aksamit są przewożone w Smolankach. Rysunek Levitsky'ego wyróżnia się nienaganną wiernością i ostrą ekspresją.

V.L. Borowikowski - od swoich nauczycieli przejął genialną technikę, łatwość pisania, umiejętność komponowania i umiejętność schlebiania portretowanej osobie. Do 1790 roku stał się jednym z najsłynniejszych portrecistów.
Był sumienny i pracowity, wszystko robił perfekcyjnie: liczne kopie, które zamawiał nie raz, a nawet te portrety, w których musiał naśladować jakiś modny wzór. Celował w formalnym portrecie (wiele jego prac z tego gatunku było czczonych jako modele), w intymnym i miniaturowym. Stworzył portret Pawła I, a także portrety ceremonialne - niezwykle piękny i egzotyczny portret Murtazy Kuli-chana, wspaniały portret A.B. Kurakina, portret Derzhavina. Najwyraźniej jego talent ujawnił się w serii kobiecych portretów, wykonanych w tych samych latach. Nie są tak spektakularne jak męskie, niewielkich rozmiarów, czasem podobne w rozwiązaniu kompozycyjnym, ale odznaczają się wyjątkową subtelnością w przekazywaniu postaci, nieuchwytnymi ruchami życia psychicznego i łączy je delikatny poetycki nastrój. Dla pięknych kobiecych wizerunków Borowikowski w stylu sentymentalizmu stworzył pewien styl portretu: obraz w połowie długości, postać pogrążona w myślach, opierając się ręką na podporze, a spokojny krajobraz służy jako tło dla ospałej krzywej ciała w lekkich, lekkich ubraniach.Portret M. I. Lopukhiny - ten portret ma na celu ujawnienie nie społecznego znaczenia i statusu społecznego portretowanej osoby, ale głęboko intymnych stron jego charakteru. Przykład imperium portret może służyć jako praca „Portret M.I. Dołgoruki” - w tej pracy wyraźnie wyrażony jest ideał kobiety epoki Wojny Ojczyźnianej 1812 roku. Ożywienie, wzrost uczuć, przebudzenie narodowej samoświadomości były podatnym gruntem, gotowym do zasiania nasion wzniosłych heroicznych idei. Na obrazie Dolgorukiego nie ma ospałej błogości, relaksu i zamyślenia młodych dam z lat 90. XVIII wieku. Wręcz przeciwnie, głębia przedstawionych uczuć harmonijnie łączy się z zewnętrzną powściągliwością w ich manifestacji. uczucia Dolgorukaya podlegają woli, ukryty smutek ukrywa się pod delikatnym uśmiechem. Surowa prostota, która wyróżnia wygląd księżniczki, została wyrażona w powściągliwym wdzięku ruchów, w prostocie kostiumu, który doskonale oddaje harmonię jej sylwetki, w charakterze biżuterii (perłowa biżuteria na głowie i w długi sznur pereł na szyi). Dość szczegółowe opracowanie twarzy łączy się tu z uogólnieniem idealnie pięknych form jej sylwetki, szyi, dłoni.

Jak również inne prace, które mogą Cię zainteresować
49328.		Funkcje edytorów szesnastkowych	843,76 KB
	Trafność: Obecnie edytory szesnastkowe są używane głównie przez profesjonalnych programistów, którzy pracują z językami niskiego poziomu. Edytory szesnastkowe wraz z deasemblerami są aktywnie wykorzystywane przez hakerów do pisania wirusów do łamania programów i tworzenia crcków. Koncepcja edytora szesnastkowego
49329.		Obwody prądu stałego	136,43 KB
	Spis treści Cel pracy przedmiotu Postawienie problemu Obliczanie obwodu Wyznaczanie prądów i napięć w gałęziach metodą prądów pętlowych Wyznaczanie prądów i napięć w gałęziach metodą potencjałów węzłowych Bilans mocy Wyznaczanie wartości nominalnej wartości elementów obwodu pasywnego Modelowanie R LC Lista piśmiennictwa Celem zajęć jest utrwalenie i...
49332.		Syntetyzowanie ciągłego układu sterowania z astatyzmem drugiego rzędu metodą pożądanej funkcji przejścia z zadaną funkcją przejścia rośliny	303,87 KB
	Celem zajęć jest zastosowanie teoretycznych zasad teorii sterowania do syntezy ciągłego układu sterowania metodą pożądanej transmitancji...
49336.		Sprzęt tensometryczny	6,05 MB
	Efekt fotoelektryczny przejawia się w przejściach elektronowych dwojakiego rodzaju: samoistnym podstawowym i domieszkowym przy 01 eV Rysunek 1.

F.S. Rokotow(1732 lub 1735/6-1808) – wybitny portrecista XVIII wieku. Wczesne lata 60. - Studia na Akademii Sztuk Pięknych. 1765 - nadanie tytułu akademika. Nowatorski charakter twórczości Rokotowa (portrety wielkiego księcia Pawła Pietrowicza w dzieciństwie i młodości, A.G. Bobrinsky'ego w dzieciństwie, poety V.I. Majkowa itp.). Okres moskiewski (portrety pary Struiskich, „Nieznany w przekrzywionym kapeluszu”, A.I. Woroncow, „Nieznany w różowej sukience” itp.). Duchowość poetycka w portretach Rokotowa z lat 80. (portrety V.E. Novosiltseva, PN Lanskoy, E.V. Santi i inni).

Cechy rokoka i klasycyzmu w jego twórczości.

Wielki mistrz rosyjskiego portretu DG Lewicki(1735-1822) - twórca wizerunków przedstawicieli różnych warstw społeczeństwa rosyjskiego w latach 70-80 XVIII wieku. Kierownictwo klasy portretowej Akademii Sztuk Pięknych (1771-1787).

Portrety z lat 60. Najbardziej znanym portretem tamtych czasów jest portret A.F. Kokorinow.

„Smolyanki” - słynny zestaw siedmiu portretów (F.S. Rzhevskaya i N.M. Davydova, E.I. Nelidova, E.N. Chruszczowa i E.N. Khovanskaya, A.P. Levshina, N.S. Borshcheva, E.I. Molchanova, G.I. Alymova, 1770).

Portrety postępowych ludzi XVIII wieku - Denis Diderot, P.A. Demidova, NA Lwów.

Kobiece portrety lat 80-tych - Księżniczka P.N. Repnina, E.A. Vorontsova, N.Ya. Levitskaya, A.D. Lewicka.

Męskie portrety lat 80. - M.F. Półtoracki, A.V. Khrapovnitsky, A.D. Lansky'ego.

Tworzenie uroczystych portretów cesarzowej. „Portret Katarzyny II - prawodawcy w świątyni bogini sprawiedliwości”. Program tego portretu.

Portrety z lat 90. - V.I. Mitrofanova i MA Mitrofanova; II Gaufa.

Cechy klasycyzmu w twórczości Levitsky'ego.

Najwybitniejszy przedstawiciel nowego etapu w rozwoju portretu V.L. Borowikowski (1757-1825).

Wczesna twórczość mistrza (portrety OF Filippowej, Katarzyny II).

Liryzm portretów kobiecych. Portret MI Lopuchina. Rola akcesoriów w ujawnianiu wizerunku osobowości męskiego portretu (portrety G.R. Derzhavina, D.P. Troshchinsky'ego, F.A. Borovsky'ego).

Prace nad portretami ceremonialnymi - Paweł I, Książę A.B. Kurakin, książę perskiej dynastii Qajar Murtaza Kuli Khan.

Przeniesienie przyjaźni i siły relacji rodzinnych w portretach grupowych. Portrety Lizynki i Daszenki, sióstr A.G. i IG Gagaryny.

Cechy klasycyzmu i sentymentalizmu w twórczości Borowikowskiego.

Udział Borowikowskiego na początku XIX wieku w pracach nad ikonostasem soboru kazańskiego.

Inni rosyjscy portreciści drugiej połowy XVIII wieku. PS Drożdin(1745 (?) - 1805) Portret artysty A.P. Antropova z synem przed portretem żony. Portret cesarzowej Marii Fiodorowna.

LS Miropolski(1744/5-1819). Przypuszczalnie jest uczniem D.G. Lewicki. Portret adiunkta Akademii Sztuk Pięknych G.I. Kozłow.

SS. Schukin(1762-1828) - portrecista. Od 1788 wykładał w klasie malarstwa portretowego Akademii Sztuk Pięknych. Znaczenie portretów Pawła I autorstwa Szczukina dla ujawnienia osobowości rosyjskiego cesarza.

V.Ya. Rodczew(1768-1803). Malarz historyczny i portrecista. Uczył rysunku w klasie malarstwa historycznego. Uważne studium wizerunku portretowanej osoby.

S. Pogodin. Portret rytownika i miniaturzysty G.I. Skorodumowa.

MI. Belski(1753 (?) - 1794 (?)). Portret nauczyciela historii i geografii Baudouina z dwójką uczniów Akademii Sztuk Pięknych pierwszego i trzeciego wieku.

NI Argunow(1771 - nie wcześniej niż 1829). Malarz portretowy, miniaturzysta, dekorator. Hrabia poddanych NP Szeremietiew. Malował portrety artystów teatru pańszczyźnianego, ceremonialne portrety Pawła I, N.P. Szeremietiew i jego żona, była aktorka pańszczyźniana P.I. Kovaleva-Zhemchugova.

Zagraniczni portreciści. I.-B. Gruby Senior(1751-1830) – austriacki malarz. Portrety cesarzowej Katarzyny II i jej ulubieńców.

W.Eriksena(1722-1782) duński malarz. Portrety cesarzowej Katarzyny II. „Stuletnia kobieta w Carskim Siole z rodziną”.

J L. Welon(1744 - nie wcześniej niż 1806) - malarz francuski. Portrety członków rodziny cesarskiej (wielki książę Paweł Pietrowicz, wielki książę Aleksander Pawłowicz, cesarzowa Maria Fiodorowna). Portret I.P. Jelagin.

A. Roslin(1718-1793) malarz szwedzki. Malował portrety członków rodziny cesarskiej i najwyższej szlachty.

Gatunek domowy w malarstwie rosyjskim

Druga połowa XVIII wieku

Zainteresowanie osobowością człowieka, życiem różnych grup ludności Rosji.

malarzy rosyjskich I. Firsow(ok. 1730 - nie wcześniej niż 1785). „Młody Malarz” Wpływ na tę twórczość francuskiej szkoły malarstwa. M. Szybanow(? - nie wcześniej niż 1789). „Chłopski obiad”, „Spisek”.

malarzy zagranicznych zwrócił się do gatunku życia codziennego. I JA. Mettenleitera(1750-1825) malarz niemiecki. „Kolacja wiejska”, „Chłopi i sprzedawca ciast”.

Krajobraz w sztuce rosyjskiej

Druga połowa XVIII wieku

Pejzaż w malarstwie rosyjskim drugiej połowy XVIII wieku.

SF Szczedrin(1745-1804) - twórca rosyjskiego malarstwa pejzażowego. Od 1776 był kierownikiem klasy malarstwa pejzażowego, od 1799 był kierownikiem klasy pejzażu rytowniczego Akademii Sztuk Pięknych.

Prace artysty: „Południe. (Widok w okolicach jeziora Nemi)”, „Krajobraz z krową”, „Widok w posiadłości P.G. Demidov Sivoritsy pod Petersburgiem” i inni.

F.Ya. Aleksiejew(1753/4-1824) - jeden z twórców rosyjskiego krajobrazu miejskiego. Studiował w Rosyjskiej Akademii Sztuk, w Weneckiej Akademii Sztuk. Od 1803 wykładał w Akademii Sztuk Pięknych w klasie malarstwa perspektywicznego.

Włoskie poglądy w twórczości artysty. „Widok od wewnątrz na dziedziniec z ogrodem. Loggia w Wenecji. Kopie prac A. Kanala i B. Belotto.

Rosyjskie poglądy w twórczości artysty. Petersburga: „Widok na nabrzeże pałacowe z Twierdzy Pietropawłowskiej”, „Widok na Zamek Michajłowski w Petersburgu z Fontanki”, „Widok na Zamek Michajłowski i plac Connetable”. Moskwa: „Plac Czerwony”, „Widok na Kreml moskiewski i Kamienny Most”.

Orientalne poglądy w twórczości artysty. Widok na miasto Bakczysaraj.

mm. Iwanow(1748-1823) - pejzażysta i batalista. Od 1800 prowadził klasę malarstwa batalistycznego, od 1804 klasę malarstwa pejzażowego.

Zgłaszanie pracy emerytalnej. Sparowane obrazy „Dojenie krowy” i „Pasterz i pasterka wracają ze stada”.

Służba w sztabie gubernatora południowych prowincji Rosji, księcia G.IA. Potiomkin. Obrazy stworzone przez artystę podczas podróży na Ukrainę, Krym, Gruzję, Armenię. „Widok Eczmiadzynu w Armenii” itp.

Rola malarstwa pejzażowego w dziełach batalistycznych mistrza - „Burza Izmaila”, „Burza Oczakowa”.

FM Matwiejew(1758-1826). Heroiczny krajobraz w stylu klasycyzmu w twórczości Matwiejewa. „Widok na miasto Tivoli pod Rzymem”, „Pejzaż z postaciami w antycznych strojach”.

Rzeźba z drugiej połowy XVIII wieku.

Kreatywność Shubin

Powstanie narodowej szkoły rzeźby.

Rola dziedzictwa starożytnego w twórczości rosyjskich rzeźbiarzy drugiej połowy XVIII wieku. Tematy i język artystyczny charakterystyczny dla klasycyzmu.

MI. Kozłowski(1753-1802). Współcześni w postaci starożytnych bogów. Pomnik Katarzyny II na obrazie Minerwy, Katarzyny II na obrazie Temidy. AV Suworowa w postaci Herkulesa („Herkules na koniu”) i Marsa (pomnik A.V. Suworowa). Mitologiczni, literaccy i historyczni bohaterowie starożytności w dziełach rzeźbiarskich: „Apollo”, „Śpiący Amor”, „Kupidyn ze strzałą”, „Hymeneusz” „Narcyz” („Chłopiec pijący wodę”); terakota na podstawie Iliady; „Czuwanie Aleksandra Wielkiego”.

FF Szczedrin(1751-1825). Marsjasz, Śpiący Endymion, Wyrok Parysa, Wenus, Diana.

FG Gordiejew(1744-1810). „Prometeusz”.

monumentalna rzeźba. Idee obywatelskie i wysoka figuratywność pomników rzeźbiarskich drugiej połowy XVIII wieku.

EM. Falcone. Pomnik Piotra I. (Pomoc ucznia rzeźbiarza - mgr-A. Kallo w rozwiązaniu portretu cesarza). MI. Kozłowski. Pomnik A.V. Suworow.

Druga połowa XVIII wieku to okres rozkwitu głównych gatunków rzeźby.

rzeźba pamiątkowa. Artystyczny nagrobek i motyw pamięci w sztuce rosyjskiej. IP Martos(1754-1835). Ewolucja od „gadatliwości” wczesnych nagrobków do prostoty i zwięzłości artystycznego języka klasycyzmu. Nagrobek męża stanu, dyplomaty hrabiego N.I. Panin, nagrobek księżnej E.S. Kurakina, nagrobek księżniczki E.I. Gagarina. Korzystając z doświadczeń zdobytych podczas ich tworzenia w pomniku obywatela Minina i księcia Pożarskiego.

rzeźba dekoracyjna. Dekoracyjna rzeźba Peterhof. FG Gordiejew. Płaskorzeźby Wielkiego Pałacu Peterhof i rzeźby do kaskad. FF Szczedrin. Udział w tworzeniu zespołu rzeźbiarskiego fontann Peterhof („Neva”). IP Prokofiew (1758-1828). Jego prace dla fontann Peterhof to „Pasterz Akid”, „Wołchow”, „Trytony”.

Portret. Twórczość rzeźbiarza-portrecisty FI Shubin(1740-1805). Studia w Akademii Sztuk Pięknych i emerytura (reliefowy portret I. I. Szuwałowa i popiersie F. N. Golicyna). Cykl portretów historycznych - pięćdziesiąt osiem owalnych marmurowych płaskorzeźb dla Pałacu Chesme.

Portrety z natury to główny kierunek twórczości rzeźbiarza. Popiersia - wicekanclerz Prince A.M. Golicyna, Naczelnego Generała Jego Książęcej Wysokości Księcia G.G. Orłow, feldmarszałek hrabia P.A. Rumyantsev-Zadunaisky, Minister Edukacji Publicznej P.V. Zawadowski, feldmarszałek B.P. Szeremietiew, feldmarszałek Jego Książęca Wysokość Książę G.A. Potemkin-Tavrichesky, feldmarszałek Prince N.V. Repnin, generał piechoty PA Zubow, admirał V.Ya. Cziczagow, sekretarz stanu i główny szambelan hrabia A.A. Bezborodko.

Praca pamięciowa. Portret wielkiego rodaka - M.V. Łomonosow.

Portrety i posągi rosyjskich cesarzy. Liczne portrety Katarzyny II. Pomnik "Katarzyna II - Ustawodawca". Bliskość tej pracy do malowniczego portretu Lewickiego i programu stworzonego dla tej pracy przez architekta Lwowa. Bezkompromisowe portrety Pawła I.

w latach 60. 18 wiek klasycyzm mocno ugruntowany w sztukach pięknych Rosji. Antyczne tematy są szeroko stosowane we wszystkich gatunkach malarstwa.

Wiodącym gatunkiem rosyjskiej sztuki drugiej połowy XVIII wieku był malarstwo historii. Zgodnie z ówczesnymi ideami tylko gatunek historyczny był w stanie uchwycić bohaterskie obrazy przeszłości, wielkie wydarzenia z historii świata i Rosji. Często artyści tego gatunku zwracali się również do tematów biblijnych i mitologicznych.

Najbardziej znaczące malowidła historyczne powstały w drugiej połowie XVIII wieku. absolwent Akademii Sztuk Pięknych Anton Pawłowicz Łosenko (1737-1779). Chłopski syn, urodzony w ukraińskim mieście Głuchow, dzięki swemu talentowi śpiewackiemu zaczął w 1744 roku śpiewać w chórze dworskim w Petersburgu. Jednocześnie wykazał się umiejętnością rysowania, co pozwoliło mu w 1753 roku rozpocząć szkolenie artysty I.P. Argunowa. W 1758 roku Łosenko został przyjęty do Akademii Sztuk Pięknych. Po ukończeniu studiów w 1760 doskonalił swoje umiejętności malarskie w Rzymie i Paryżu. W latach 1772-1773. Losenko był dyrektorem Akademii Sztuk Pięknych. Jego działalność pedagogiczna była bardzo owocna: z jego szkoły wyszli wybitni artyści malarstwa historycznego. Wraz z pracami na tematy starożytne („Pożegnanie Hektora z Andromachą”) Losenko stworzył pierwszy rosyjski obraz historyczny o tematyce narodowej - „Władimir i Rogneda”. W ramach warunkowo akademickiego systemu obrazów artysta podejmuje próbę oddania złożonego konfliktu etycznego, żywych ludzkich uczuć.

Wśród wybitnych mistrzów gatunku historycznego byli m.in Iwan Akimowicz Akimow (1754-1814)(„Wielki książę Izyasław Mścisławowicz, prawie powalony przez żołnierzy, którzy nie rozpoznali go w bitwie, otwiera się przed nimi”, „Wielki książę Światosław całujący matkę i dzieci po powrocie znad Dunaju do Kijowa” itp.) oraz Grigorij Iwanowicz Ugryumow (1764-1823)(„Uroczysty wjazd Aleksandra Newskiego do Pskowa po zwycięstwie nad niemieckimi rycerzami”, „Zdobycie Kazania”, „Wybór Michaiła Fiodorowicza do królestwa” itp.).

Znani malarze historyczni końca XVIII wieku. byli też P. I. Sokolov (1753-1791) i M. I. Puchinov (1716-1797).

W drugiej połowie XVIIIw. poczyniono znaczne postępy w gatunek portretu. Jednocześnie umiejętność portretowania malarzy wyróżniała się szerokim zakresem. Tworzyli zarówno podniosłe portrety ceremonialne, jak i kameralne oraz intymne. W połowie XVIII wieku w Rosji pracowali zagraniczni mistrzowie: P. Rotary, G. Kh. Grost, A. Roslin, I.-B. Lampi, P. G. Gonzag i inni W tym samym czasie rosyjscy artyści zdobyli sławę: I. Ja Wiszniakow, 1699-1761. (Portrety Sary Fermor, władczyni Anny Leopoldovnej); AP Antropow, 1716 - 1795. (Portrety Piotra III, pań stanu A. M. Izmailova); artysta niewolnik IP Argunow, 1729-1802.(Portrety B.P. Szeremietiew, P. Żemczugowa).

Byli wybitnymi mistrzami portretu Fedor Stepanowicz Rokotow (1735-1808), Dmitrij Grigoriewicz Lewicki (1735-1822) i Władimir Łukich Borowikowski (1757-1825). Stworzyli galerię różnych wyrazistych wizerunków współczesnych - ludzi o różnej randze, znaczeniu, stylu życia, wieku. Malarze ci, będąc artystami nadwornymi, tworzyli portrety Piotra III, Katarzyny II, jej szlachciców i ulubieńców, słynnych mężów stanu epoki.

Utalentowani portreciści byli bliscy kręgom oświeconej inteligencji rosyjskiej, w szczególności N. I. Nowikowowi i N. A. Lwowowi. Nic dziwnego, że stworzyli nie tylko pompatyczne ceremonialne portrety szlachty wykonane na zamówienie, ale także kameralne portrety wykształconych i utalentowanych postaci kultury rosyjskiej: N. I. Nowikowa, N. A. Lwowa, G. R. Derżawina, V. I. Majkowa i innych Ich portrety odzwierciedlają poczucie własnej wartości , prostota, serdeczność w stosunkach międzyludzkich.

Harmonia talentu i kobiecego piękna, która przyciągała artystów, przejawiała się w tworzonych przez nich kobiecych portretach, które wyróżniają się subtelnym wnikaniem w wewnętrzny wygląd osoby, pięknem koloru i dekoracyjnością. (Portrety A. P. Struyskaya, V. E. Novosiltseva Rokotov; portrety M. I. Lopukhina, siostry Gagarina Borowikowskiego; portrety uczniów Smolnego Instytutu Szlachetnych Dziewic Levitsky).

W połowie XVIII wieku pojawił się nowy gatunek rosyjskiej sztuki - pejzaż. Na Akademii Sztuk Pięknych powstała klasa pejzażu, skąd wywodzili się najzdolniejsi mistrzowie tego gatunku. M. I. Makhaev (1718-1770), który wykonał szkice krajobrazowe ulic lub poszczególnych budynków Petersburga, F. M. Matveev (1758-1836), S. F. Shchedrin (1745-1804) należy przypisać liczbie malarzy pejzaży.

Był głównym rosyjskim pejzażystą Fedor Jakowlewicz Aleksiejew (1753-1824). Syn stróża Akademii Nauk, od 1764 do 1773 wychowywał się w Akademii Sztuk Pięknych. Po ukończeniu studiów z wyróżnieniem został wysłany za granicę do Wenecji. Po powrocie w 1779 r. W Petersburgu artysta został mianowany dekoratorem w cesarskiej dyrekcji teatralnej. Akademik Aleksiejew znany był jako autor „widoków” Petersburga, Moskwy i miast południowej Rosji.

W drugiej połowie XVIIIw. w malarstwie rosyjskim zaczął się rozwijać gatunek życia codziennego. Jednak malarstwo rodzajowe było uważane przez kierownictwo Akademii Sztuk Pięknych i uprzywilejowane warstwy społeczne za coś podłego, niegodnego pędzla artysty. Mimo to, po wojnie chłopskiej prowadzonej przez E. Pugaczowa, zarówno w literaturze, teatrze i muzyce, jak iw malarstwie lat 1770-1780. zaczął interesować się chłopstwem, jego sposobem życia, sposobem życia. Często były to sentymentalne wizerunki sielankowych pastuszków i pasterek, które z prawdziwym chłopskim życiem nie miały nic wspólnego. Były jednak wyjątki.

Michaił Szibanow, poddany książę GA Potiomkin, był jednym z pierwszych w malarstwie rosyjskim, który rozwinął temat chłopski. Namalował obrazy „Chłopski obiad”, „Święto paktu weselnego” itp. Na obrazach Szibanowa nie ma potępienia pańszczyzny, jednak na tych płótnach nie ma idealizacji życia chłopskiego. Artystę wyróżnia znajomość i zrozumienie życia i charakteru rosyjskiego chłopa.

Temat chłopski znalazł odzwierciedlenie w twórczości artysty I. M. Tankowa (1739–1799), autora obrazu „Uczta we wsi” i I. A. Ermeneva (1746? - po 1792 r.), który namalował akwarele „Chłopski obiad” , „Błagający śpiewacy” itp.). Artysta po raz pierwszy w historii sztuki rosyjskiej przekazał ponurą stronę życia ludowego, nędzę nędzy.

Wiek XVIII był znaczący dla Rosji z zauważalnymi zmianami i znaczącymi osiągnięciami w dziedzinie sztuki. Zmieniła się jego struktura gatunkowa, treść, charakter, środki artystycznego wyrazu. A w architekturze, rzeźbie, malarstwie i grafice sztuka rosyjska wkroczyła na ogólnoeuropejską ścieżkę rozwoju. Jeszcze w trzewiach XVII wieku, za czasów Piotra Wielkiego, miał miejsce proces „sekularyzacji” kultury rosyjskiej. W kształtowaniu się i rozwoju kultury świeckiej typu paneuropejskiego nie można było polegać na starych artystycznych sposobach wyrazu, dla których nowe zadania nie sprostały. Zagraniczni mistrzowie zaproszeni do służby rosyjskiej nie tylko pomagali tworzyć nową sztukę, ale byli także nauczycielami narodu rosyjskiego. Innym, nie mniej ważnym sposobem zdobywania wykształcenia zawodowego było wysyłanie rosyjskich mistrzów na studia do Europy Zachodniej. Tak wielu rosyjskich mistrzów otrzymało wysokie wykształcenie we Francji, Holandii, Włoszech, Anglii, Niemczech. Myślę, że właśnie na tym etapie sztuka rosyjska zetknęła się ściślej z nurtami stylistycznymi rozwijanymi w sztuce zachodnioeuropejskiej czasów nowożytnych, przez które i on musiał przejść swoją drogę. Jednak początkowo proces restrukturyzacji świadomości artystycznej rosyjskich mistrzów przebiegał z dużymi trudnościami; tradycyjne idee, prawa średniowiecznej twórczości w postaci monumentalnych i dekoracyjnych malowideł ściennych oraz malowania ikon nadal wpływały na sposób ich pracy.

W drugiej połowie XVII wieku, wraz z innymi formami sztuki w Rosji, malarstwo przechodziło duże przemiany. W pewnym stopniu przygotowują te fundamentalne reformy, jakie zachodzą w nim na początku XVIII wieku. Wchodząc na pozycję sztuki nowego czasu (ze znacznym opóźnieniem w porównaniu z innymi zaawansowanymi artystycznie krajami europejskimi), malarstwo rosyjskie na swój sposób odzwierciedla ogólne prawa tego etapu rozwoju. Na pierwszy plan wysuwa się sztuka świecka. Początkowo malarstwo świeckie powstało w Petersburgu i Moskwie, ale już od drugiej połowy XVIII wieku rozpowszechniło się w innych miastach i stanach. Tradycyjna pochodna malarstwa - malowanie ikon jest nadal szeroko stosowana we wszystkich sektorach społeczeństwa. Malarstwo rosyjskie rozwijało się przez cały XVIII wiek w ścisłym kontakcie ze sztuką szkół zachodnioeuropejskich, włączając do domeny publicznej dzieła sztuki renesansu i baroku, a także szeroko korzystając z doświadczeń państw ościennych. W tym samym czasie. Jak badacze od dawna ustalili, sztuka w ogóle, a malarstwo w szczególności, przez cały XVIII wiek były połączone jednym ogniskiem i miały wyraźny charakter narodowy. W tym okresie w Rosji pracowali najwięksi mistrzowie swojego rzemiosła - przedstawiciele rodzimej szkoły artystycznej i malarze zagraniczni.

1. Portret z pierwszej połowy XVIII wieku

We wczesnych pracach, powstałych na przełomie XIX i XX wieku, zachowały się jeszcze elementy średniowiecznego portretu – parsuny, z charakterystycznym dla nich przeniesieniem pozycji społecznej modela, statycznymi postawami, płaskością interpretacji form, zainteresowaniem ornamentem. Parsuna odegrała ważną rolę - była przekaźnikiem głównych cech nowej metody portretowej, która w rosyjskich warunkach została przekształcona na swój sposób. Portrety należące do tej linii wyróżniają się dużymi rozmiarami, schematami kompozycyjnymi zapożyczonymi z ceremonialnych płócien Europy Zachodniej XVII wieku, imponowaniem i imponowaniem, ścisłym oznakowaniem społecznym i „ważną ciszą”.

Przedstawieni na takich portretach modele uosabiają niemal ikoniczne obojętne oczekiwanie. Malarstwo łączy w nich obszerne i konkretne pismo osobiste z planarnymi „delikatnościami” – jak to było w parsunie. Parsuna wprowadził malarstwo rosyjskie na drogę sztuki sztalugowej - nadał mu nie tylko podobieństwa, ale i malowniczość, dał mu miejsce w powstającym świeckim wnętrzu. Ale pod koniec 1710 r. portrety w tym stylu przestały zadowalać odbiorców ze względu na swoją ciężkość, skrępowanie i archaizm, który ujawnił się po pierwszych zagranicznych podróżach Piotra. Klienci mają nowy punkt orientacyjny - sztukę Zachodu (głównie Francji): obrazy kupowane są za granicą, zagranicznych artystów zaprasza się do Rosji, a Rosjan - na studia.

Główna linia (Nikitin i Matveev) rozwoju portretu stale posuwa się do przodu, a parsuna traci swoją atrakcyjność w oczach wysoko postawionych klientów. Niemniej jednak im dalej od Petersburga, tym wyraźniej cechy parsuny będą się ujawniać na prowincji – przez cały XVIII wiek, a nawet pierwszą połowę XIX wieku. Osobliwością tej linii portretu jest jej zaangażowanie w malowanie ikon, które samo w tym okresie, tracąc średniowieczną duchowość, staje się kompromisowe, jasne i eleganckie. Wpłynie to na niektórych artystów znajdujących się w pobliżu Kancelarii z budynków.

1. Linię leżącą obok zagranicznych emerytów uzupełniają artyści, którzy samodzielnie przeszli od malarstwa ikon do portretu, pańszczyźniani mistrzowie domowego treningu i miłośnicy sztuki - szlachta-amatorzy.

2. Rossicę reprezentują zagraniczni artyści, którzy pracowali w Rosji przez cały XVIII wiek. Linia ta jest niejednorodna pod względem składu narodowego i poziomu jakości. Bliżej mu do głównego nurtu rosyjskiego portretu, jego zadaniem jest pokazanie lokalnego wzorca w ogólnoeuropejski sposób. Dzięki sztuce rosyjskiej sztuka rosyjska styka się ze sztuką krajów sąsiednich - na poziomie typologii, stylu i kształtowania ogólnych kryteriów jakości artystycznej.

3. Sama szkoła rodzima (Iwan Nikitin, Aleksiej Matwiejew, Iwan Wiszniakow, Aleksiej Antropow, Iwan Argunow). Ich prace wyróżniają się kunsztem i dokładnością w przekazywaniu wyglądu, choć nie osiągnęły jeszcze pełnej doskonałości. (Od następnego pokolenia należeli do niego Rokotow, Lewicki, Borowikowski). Ta główna linia wyróżnia się ciągłością. Jednocześnie miał wewnętrzną jedność - początkowo miał na celu opanowanie podstawowych zasad artystycznych New Age, następnie, dogoniwszy je, zaczął się rozwijać zgodnie z paneuropejskimi trendami stylistycznymi (barok, rokoko , klasycyzm, sentymentalizm, preromantyzm).

Stopniowo portret zaczął coraz głębiej odtwarzać wewnętrzną treść osoby. W pierwszej ćwierci XVIII wieku pojawiły się portrety wiernie oddające wizerunki wielu wybitnych współczesnych. Największymi artystami pierwszej połowy XVIII wieku byli I.N. Nikitin i A.M. Matwiejew. Szybciej niż inni pokonali wpływy ikonograficzne i stworzyli prawdziwie artystyczne dzieła sztuki nowej epoki.

Już wczesne portrety Iwana Nikiticha Nikitina wyróżniały się wielkim kunsztem. Piotr Wielki był bardzo dumny z Nikitina, a artysta wielokrotnie malował portrety samego cesarza. Umiejętności artysty zostały wyraźnie zamanifestowane w portrecie Piotra na łożu śmierci. Ta niedokończona praca nosi ślady szybkiego, śmiałego pisma i jest wykonana szkicowo, pewną ręką doświadczonego artysty.

Najbardziej znaczący nie tylko w twórczości samego Nikitina, ale ogólnie Noi w rosyjskim portrecie pierwszej połowy XVIII wieku, jest tak zwany „Portret hetmana podłogowego”. Artysta przedstawił starszego mężczyznę, jakby zmęczonego długą pracą. To jeden z nielicznych portretów, w których człowiek nie pozuje, nie jest przedstawiony widzowi w „najprzyjemniejszym świetle”, ale jest pełen głębokiego życia wewnętrznego. Artystce znakomicie udało się rozwiązać kolorystycznie płótno.

Sztuka portretowa Nikitina jest szczytem w historii rozwoju malarstwa rosyjskiego w pierwszej połowie XVIII wieku. Żadnemu z jego współczesnych artystów nie udało się osiągnąć tak głębokiego wglądu w istotę ludzkiej psychologii, takiego artyzmu i kunsztu zawodowego.

Andriej Matwiejew był pierwszym z rosyjskich mistrzów, który otrzymał pełnoprawne zachodnioeuropejskie wykształcenie artystyczne. Młody artysta powrócił do Rosji po śmierci swoich królewskich mecenasów – Piotra I i Katarzyny I. W sierpniu 1727 r. przybył do Petersburga i został zbadany przez Louisa Caravaque, który zauważył, że Matwiejew dobrze pisze „osobowość” i ma więcej „siły w kolorach niż na zdjęciu. Matveev został zapisany do sztabu Kancelarii z budynków. W 1731 r. otrzymał tytuł mistrza i kierował zespołem malarskim Kancelarii, głównej instytucji państwowej zajmującej się twórczością architektoniczną i malarską w kraju.

Z dokumentów wiadomo, że Matwiejew namalował obrazy batalistyczne dla Domu Letniego, obrazy dla Peterhofu, ozdobił bramy triumfalne Aniczkowa i Admiralicji, a nawet podpisany szkic przedstawiający „Zaślubiny z królestwem” (1732) został znaleziony jako pierwszy. Artysta brał również udział w malowaniu soboru Piotra i Pawła, rezydencji królewskich w Petersburgu, do końca swoich dni malował ikony do cerkwi św. Symeona i Anny. Niestety, wiele prac Matwiejewa jest znanych tylko z wzmianek, podczas gdy inne nie zawsze są bezsporne pod względem autorstwa. Najciekawszą pozostałą spuścizną Andrieja Matwiejewa są jego portrety. Do naszych czasów zachowało się ich bardzo niewiele, m.in.: „Alegoria malarstwa” (1725), „Autoportret z żoną” (1729), „Portrety pary książąt Golicynów” (1728).

Oczywiście na początku XVIII wieku w dziedzinie portretu pracowało wielu innych utalentowanych mistrzów. Różnorodność form gatunku portretowego przejawiała się w pracach miniaturystów - G.S. Musikiy i A.G. Owsow, który stworzył serię portretów Piotra I i jego wewnętrznego kręgu. Stali się pierwszymi wielkimi mistrzami, których miniatury przetrwały do ​​dziś. Obaj artyści pracowali najpierw w Zbrojowni, a następnie przenieśli się do nowej stolicy - Petersburga. Ponieważ wykonywali przede wszystkim rozkazy Piotra I, naturalne jest, że w ich dziedzictwie dominują portrety królewskie. Jednym z dzieł G. Musikija jest portret Piotra I na tle Petersburga. Nie mniej interesujące jest jego wcześniejsze dzieło z 1717 r. - portret rodziny królewskiej przedstawiający Katarzynę oraz postacie stojących dzieci: Elżbiety, Anny, Carewicza Aleksieja i małego Piotra Pietrowicza. Rozwiązanie kompozycyjne miniatury sugeruje, że artysta był dobrze zaznajomiony z europejskim portretem ceremonialnym - najpewniej dzięki rycinom. Ale dla europejskiej miniatury takie portrety grupowe były innowacją. A zasługą mistrza jest to, że po raz pierwszy wprowadził ten gatunek do sztuki rosyjskiej. Musikisky w swoich pierwszych pracach nie jest jeszcze bardzo mocny w rysunku - zauważalna jest dysproporcja postaci, pewna sztywność i sztywność póz. Uwagę zwraca przede wszystkim kolor – rozwiązanie kolorystyczne miniatury jest zaskakująco odświętne, eleganckie. Jeśli przypomnimy sobie słynne wyroby XVII-wiecznych mistrzów z Usolska, mimowolnie odnotujemy podobieństwo ich kolorystyki do dzieł Musikijskiego. Podobno artysta w Zbrojowni widział wyroby usolskich rzemieślników, co znalazło odzwierciedlenie w jego miniaturach portretowych.

Począwszy od czasów Pietrowskiego, portret w sztuce rosyjskiej dominował pod względem rozpowszechnienia i jakości. Portret „właściwie wziął na siebie główny ciężar opanowania artystycznych zasad New Age”. W utworach tego konkretnego gatunku testowane są nieznane wcześniej posunięcia twórcze - schematy kompozycyjne, techniki kolorystyczne, oprawy stylistyczne. Równolegle z portretem rozwijały się inne gatunki niezbędne dla państwa absolutystycznego - kompozycje historyczne i alegoryczne, dzięki którym kultura rosyjska wkroczyła w świat nieznanego wcześniej systemu personifikacji.

Wprowadzenie do praw malarstwa sztalugowego w post-piotrowej Rosji było trudne. Artyści musieli nie tylko opanować nowe rozumienie treści, ale także nauczyć się umiejętnie budować płaszczyznę obrazu, sztuki perspektywy i anatomicznie poprawnego oddania ciała ludzkiego, a także podstaw technik malarstwa olejnego i prawa koloru.

Cechą specyficzną typologii portretu rosyjskiego XVIII wieku jest brak lub skrajna rzadkość portretu grupowego (w tym rodzinnego), który w tej samej epoce był bardzo charakterystyczny dla ówczesnej Anglii i Francji; a także brak „scen wywiadów”. Do 2. piętra. XVIII wieku nie było rzeźbiarskiego portretu.

2. Cechy rosyjskiego portretu połowy XVIII wieku

Od połowy XVII do połowy XVIII wieku portret był głównie własnością środowisk dworskich - czy to był królewski memoriał „parsuna”, ceremonialny portret cesarski, czy też wizerunki ludzi, którzy byli w jakiś sposób bliscy najwyższej władzy . Dopiero od poł. W latach 30.-40. XVIII w. wzmocniono szlachtę, czemu sprzyjała reforma wolności szlachty. Portret stał się nieodzownym środkiem zarówno autoafirmacji, jak i estetyzacji życia. W latach sześćdziesiątych XVIII wieku sztuka portretowa była już szeroko opanowana nie tylko na dworze cesarskim, ale także w odległych posiadłościach ziemskich. W latach 1760-1780 ostatecznie ustalono wiele cech rosyjskiego portretu XVIII wieku. Okres formacji, przechodzenia od starych form kultury, terminowania z Zachodem został zakończony.

Późne panowanie elżbietańskie (koniec lat pięćdziesiątych XVIII wieku - początek lat sześćdziesiątych XVIII wieku) charakteryzowało się ideałem piękna związanym z osobowością cesarzowej Elżbiety Pietrowna. To szeroko pogodna akceptacja rzeczywistości, poczucie święta, triumf natury. Często ten ideał pojawia się w zaokrąglonej korpulencji mocno uróżowanych twarzy. Niemniej jednak dla wielu mistrzów tę radość bycia i fizyczne zadowolenie uzupełnia powściągliwy stosunek do przedstawiania osoby, który sięga form i tradycji ikony i parsuny. Energia życiowa, która jest widoczna w potężnych formach i jasnych kolorach, jest powstrzymywana przez „zamrożone rzeźbienie oderwanych twarzy i wyraźne kontury form”. Pewna sztywność pozy bierze się z parsuny na tak wczesnych portretach, a kolor przedmiotu jest czasem tak nasycony, że wyziera zza niego barwa symboliczna, charakterystyczna dla średniowiecznego systemu artystycznego. „Dwoistości” (to, co jest poniżej twarzy) są interpretowane płasko, płótno jest tworzone rękodzieło sumiennie, jako rodzaj rzeczy, podczas interpretacji wizerunku osoby pozostają ślady symbolicznego myślenia - wszystko to jest reliktem przejścia od średniowiecza do New Age. Do lat pięćdziesiątych XVIII wieku na portrecie rosyjskim wyraźnie wzrosła intymność w interpretacji obrazu. Np. Anton Losenko kultywuje gatunek sztalugowy, w związku z czym w jego portretach maleje dekoracyjność, wzrasta rola gestu, pojawia się asocjatywność fabularna, następuje poszukiwanie przestrzeni kameralnej.

Połowa wieku - czas powstania i odrodzenia tradycji narodowych - w dziedzinie malarstwa jest reprezentowana przez nazwiska I.Ya. Wiszniakowa, A.P. Antropowa, I.P. Argunow. Swobodę i swobodę w konstruowaniu kompozycji, w ruchu pędzla i pociągnięciach piotrowych emerytów, mistrzowie połowy wieku zastępują bardziej tradycyjnym pismem, rozwagą w pozowaniu modela.

Wybitne umiejętności i talent Iwana Jakowlewicza Wiszniakowa można ocenić na podstawie portretów K. i N. Tishinów, a zwłaszcza Sarah Fremor. Przedstawiając dziewczynę w stroju dworskiej damy, artysta jednocześnie uchwycił żywy i prawdziwy obraz nastolatka - niezręczność i sztywność ruchów, pewne napięcie w pozie, kanciastość. Mimo statycznego charakteru modelki, umowności w interpretacji postaci, gestu, ornamentu, portret Sary Fremor urzeka swoją poezją. Moim zdaniem to jeden z najlepszych obrazów połowy wieku.

W połowie XVIII wieku Aleksiej Pietrowicz Antropow był głównym mistrzem malarstwa portretowego, łączącego różnorodne techniki artystyczne. Portret damy stanu A.M. Izmailova (1759) jest interesująca ze względu na ekspresyjną charakterystykę modelu. Wyróżnia się narodową i historyczną typowością obrazu, integralnością malarską i plastyczną. Portret ma prostą kompozycję. Opiera się na połączeniu dźwięcznych i niebieskich tonów.

I.I. Argunov (1729-1802) - poddany Szeremietiewów - przedstawiciel bardzo utalentowanej rodziny architektów i artystów. Stworzył liczne portrety Szeremietiewów i ludzi z ich kręgu. Zwykle mu nie pozowali, a Argunow, jak sam powiedział, malował je, obserwując podczas uroczystych świąt w pałacu. Do najlepszych dzieł artysty należą sparowane portrety K.A. Chripunow, „zagraniczne kolegium tłumaczy” i jego żona (1757) – ludzie skromnego pochodzenia. Argunov przedstawia swoich modeli z bliska: wydają się być obok widza.

Ale kariera A.P. Antropova jako portrecistka rozwijała się pod bezpośrednim wpływem wydarzeń politycznych, które miały miejsce w Rosji. Zmiany panowania wymiernie wpłynęły na jego twórczość. 25 grudnia 1761 r., po śmierci Elżbiety Pietrowna, na tron ​​rosyjski wstąpił Piotr III, jej siostrzeniec i następca prawny.

Święty Synod, aby udekorować swoją przednią salę, zamawia A.P. Antropowa portret nowego władcy Rosji. Za taką pracę odpowiadał artysta, który był przydzielony do wydziału synodalnego. Po raz pierwszy Antropow miał okazję pokazać swoje umiejętności malarskie, tworząc pełnometrażowy ceremonialny portret cesarski. To dawało mu nadzieję, że gdy zmieni się otoczenie królewskie, uda mu się dostać do pałacu i przy odrobinie szczęścia osiągnąć tytuł nadwornego malarza.

W lutym 1762 r. A.P. Antropow wykonał mały szkic, który znajduje się obecnie w Galerii Trietiakowskiej. Na szkicu, w którym kolory są pięknie i subtelnie dobrane, Piotr III ukazany jest w warunkowym wnętrzu, które nie wygląda jak sala przyjęć dla uroczystych audiencji, ale raczej jak prywatne kwatery. Postać nowego cesarza ujęta jest w swego rodzaju malowniczą ramę: z jednej strony ujęta jest w spiralną kolumnę z girlandami z liści, z drugiej zaś przez drzwi, nad którymi dopasowana jest draperia. Po lewej stronie, na różowawej ścianie, artysta umieszcza portret Piotra I w rzeźbionej ramie – detal ten miał świadczyć o sukcesywnej legitymacji władzy z dziadka na wnuka i zawoalowany wskazywać na program rozpoczętego panowania, ponieważ Piotr III zadeklarował w swoim pierwszym manifeście, że „we wszystkim pójdzie śladami mądrego władcy, naszego dziadka Piotra Wielkiego.

Nie wiemy, jakie stosunki łączyły artystę z władcą; nie wiemy, czy Piotr III pozował dla Antropowa. Można się jednak domyślać, że szkic nie przypadł do gustu cesarzowi, który pretendował do roli wielkiego władcy i wodza. A malarz odchodzi od pierwotnego planu. Ostateczny portret Piotra III to ceremonialne płótno, które spełnia wszystkie kanony tego gatunku. Wprowadza się atrybuty majestatu i królewskości obowiązujące dla portretu cesarskiego: na stole - korona, berło, jabłko; na krześle leży gronostajowy płaszcz. Piotr III pojawia się w energicznej pozie, z wyciągniętą do przodu nogą; jedną ręką opiera się o buławę marszałkowską, a drugą zakłada na pas. Ze względu na zniekształconą perspektywę podłoga ukazana jest w nieco nienaturalnej perspektywie, a postać króla unosi się ponad widza. Przestrzeń zostaje powiększona: w otworze okiennym pojawiła się scena batalistyczna – wymagana przez malowniczy kanon wskazówka wybitnych wojskowych zdolności przywódczych Piotra III, których jednak Piotr III nie posiadał. Artystce zależało oczywiście na uzyskaniu wzniosłego, a zarazem pompatycznego efektu.

W 1762 r. Na prośbę byłego członka Synodu, archimandryty klasztoru Trinity-Sergius, Ławrientija Khotsyatovsky'ego A.P. Antropow pisze zmniejszoną i okrojoną wersję tego samego portretu Piotra III. Teraz jest przechowywany w Rezerwacie Muzeum Siergijewa Posada. Tutaj władca przedstawiony jest w bardziej zrelaksowanej pozie. Regalia królewskie są do połowy odcięte ramą obrazu. Brzydka twarz Piotra Fiodorowicza złagodzona czarno-białym modelingiem. Autorska kopia okazała się bardziej udana pod względem malarskim niż oryginał. wtedy AP Antropow maluje kolejny, czwarty portret monarchy – w atmosferze obozu wojskowego. Przed rewolucją październikową płótno znajdowało się w Pałacu Zimowym, następnie trafiło do Muzeum Rosyjskiego.

Najwyższej władzy zdecydowanie spodobała się interpretacja Piotra III w wykonaniu Anthropo. Pośrednim potwierdzeniem tego może być fakt, że jednocześnie z A.P. Antropow został zaproszony do napisania do Piotra III przez F.S. Rokotow. W kwietniu 1762 r. z niespotykanym pośpiechem – w dwa i pół tygodnia – Rokotow wykonał pokoleniowy portret władcy ze wszystkimi królewskimi atrybutami. Obraz nie wywarł pozytywnego wrażenia na dworze, być może dlatego, że został napisany w pośpiechu. Wersja Rokotowskiego pozostała nieodebrana, a wszystkie kolejne zamówienia zostały przekazane A.P. Antropow.

Pałacowe sukcesy artysty, a także panowanie Piotra III okazały się jednak krótkotrwałe. Pod rządami nowego cara nastąpiły dramatyczne zmiany w polityce wewnętrznej i zagranicznej Rosji. W wyniku zamachu stanu z 28 czerwca 1762 roku, żona Piotra III, nowa cesarzowa Katarzyna II, została ogłoszona jedyną cesarzową. AP Antropow miał pecha: perspektywa zostania nadwornym malarzem na dworze Piotra III już się przed nim rysowała, ale Ekaterina Alekseevna oczywiście nie chciała przyznać tak wysokiego i prestiżowego stanowiska osobie, która cieszyła się jej przychylnością znienawidzony mąż.

Potrzebni byli jednak wykwalifikowani artyści. Następnie A. P. Antropow wykonał wiele rozkazów pałacowych i wielokrotnie pisał do Matki Cesarzowej. Miejsce nadwornego malarza przypadło jednak Duńczykowi Vigiliusowi Eriksenowi, który stworzył słynny konny portret królowej oraz portret przed lustrem.

Od 1768 roku nadwornym malarzem Katarzyny II został Stefano Torelli, który na jej cześć stworzył wspaniałe płótna alegoryczne. Ze względu na sprawiedliwość należy zauważyć, że pod względem umiejętności malarskich zagraniczni mistrzowie byli lepsi od naszego Antropowa.

3. Portret z końca XVIII wieku

Malarstwo ostatnich dziesięcioleci XVIII wieku odznacza się znaczną różnorodnością i kompletnością. Przede wszystkim wynika to z założenia Akademii Sztuk Pięknych. Szkoła rosyjska opanowuje teraz te gatunki malarstwa, które wcześniej były reprezentowane tylko przez dzieła starych i współczesnych mistrzów Europy Zachodniej. Największe osiągnięcia malarstwa rosyjskiego ostatnich dziesięcioleci XVIII wieku związane są ze sztuką portretu. W drugiej połowie XVIII wieku portret osiągnął swój szczyt. W tym czasie najwięksi malarze F.S. Rokotow, D.G. Lewicki i V.L. Borowikowskiego, który stworzył genialną galerię portretów współczesnych, prace gloryfikujące piękno i szlachetność ludzkich aspiracji. Rosyjski portret tamtych czasów szczęśliwie łączy w sobie wielką głębię i znaczenie w przedstawieniu osoby ludzkiej. Artyści odtworzyli wizerunek człowieka za pomocą różnych środków malarskich: wyrafinowanych kolorów i refleksów, najbogatszego systemu wielowarstwowego nakładania farb, przezroczystych laserunków, subtelnego i wirtuozowskiego wykorzystania faktury barwnej płaszczyzny.

kreatywność Rokotov (1735-1808) to jedna z najbardziej urokliwych i trudnych do wyjaśnienia stron naszej kultury. Już w dość dojrzałym wieku został przyjęty do Akademii Sztuk Pięknych. Jego wczesne prace - portrety G. G. Orłowa (1762-1763), E. B. Yusupova (1756-1761) świadczą o jego zaangażowaniu w kulturę rokoko. Ślady tego stylu widać w portrecie koronacyjnym Katarzyny II (1763), który stał się wzorem dla wizerunku bardzo wymagającej cesarzowej. Spod pędzla artysty - poety V.I. wyszło znacznie więcej portretów. Maykov (1769-1770), prawie cała rodzina Woroncowa - on sam (koniec lat 60. XVIII wieku), jego żona M.A. Woroncowa i dzieci (lata 70. XVIII wieku). W latach osiemdziesiątych XVIII wieku na portretach F.S. Rokotowa dominuje cień dumnej świadomości własnego znaczenia; okres ten obejmuje: portret żony młodego generała V.E. Novosiltseva (1780), szlachcianka E.N. Orłowa. Rokotov malował głównie portrety kameralne. Jego twórczość odzwierciedlała charakterystyczne dla tego czasu dążenie najlepszej, oświeconej części rosyjskiej szlachty do przestrzegania wysokich norm moralnych. Artysta lubił przedstawiać osobę bez ceremonialnego otoczenia, nie pozującą.

Nawet we wczesnych pracach Rokotowa - portretach Wielkiego Księcia Pawła, dziewczyny E. Jusupowej i innych, umiejętność nie tylko prawidłowego oddania podobieństwa, ale także nadania obrazowi wielkiej duchowości.

Twórczość Rokotowa rozkwitła w kolejnych latach, kiedy artysta jeszcze bardziej wzbogacił i skomplikował kolorystykę, uzyskując w swoich portretach przeniesienie obrazu wewnętrznie znaczącego, wzniosłego. W późniejszych portretach Rokotov podkreśla intelektualność i duchowość swoich modeli. Rokotov zwykle skupia całą swoją uwagę na twarzach. Ludzie na jego portretach prawie zawsze lekko się uśmiechają, często w skupieniu, czasem tajemniczo patrząc na widza. Łączy ich coś wspólnego, rodzaj głębokiego człowieczeństwa i duchowego ciepła. To tak, jakby portretowani ludzie coś ukrywali, coś ukrywali. Wydają się być zanurzeni w tajemniczym malowniczym otoczeniu tła.

Kiedy rozkwitła twórczość Rokotowa, rozpoczęła się działalność innego wielkiego portrecisty Dmitrija Grigoriewicza Lewickiego, który stworzył serię prawdziwych, głęboko scharakteryzowanych portretów. Stworzona przez artystę galeria portretów współczesnych przyniosła mu zasłużoną sławę. Nadeszły solidne zamówienia. Jednym z nich był portret P.A. Demidowa (1773). Potomek kowali z Tuły, który za panowania Piotra I stał się bajecznie bogatym hodowcą, Prokofij Demidow dał się poznać jako wielki oryginał, zaskakujący swoimi dziwactwami nie tylko Petersburg i Moskwę, ale i Europę. Lewickiemu udało się oddać indywidualne cechy portretowanej osoby, umiejętnie i subtelnie połączyć je z głębokim zrozumieniem złożonej natury swojego modela. Demidov przedstawiony jest w szlafroku i czapce, opierając dłoń na konewce ogrodowej. Dumną postawę podkreśla uroczysty gest wskazujący na doniczki z kwiatami, których ten sługa szczęścia był miłośnikiem. Przy całej parodii obrazu, najwyraźniej uzgodnionej z klientem, Lewickiemu udało się połączyć te cechy ekstrawagancji z elementami oficjalnego portretu (kolumny, draperie, pejzaż z widokiem na sierociniec w Moskwie, z którego znane były ogromne datki Demidow w społeczeństwie). Jednak nuty gorzkiego sceptycyzmu i ironii przemykają przez twarz przedstawionej osoby. Portret świadczy o wysokich umiejętnościach artysty, jego umiejętności dostrzegania cech głębokiego człowieczeństwa poza tym, co zewnętrzne, udawane.

W latach 1773-77. Lewicki był zajęty wykonywaniem rozkazu cesarzowej Katarzyny II, która poleciła mu namalować siedem portretów uczniów Smolnego Instytutu Szlachetnych Dziewic. Tę galerię portretów łączy wspólna idea: artystka przedstawiała smoleńskie kobiety tańczące lub odgrywające scenki teatralne. Obrazy podawane są na tle pejzaży lub draperii, dzięki czemu każdy z nich odbierany jest jako rodzaj obrazu fabularnego. Na portrecie E.I. Nelidovej (1773), przedstawionej jako tancerka, elegancja ruchów ujawnia się w pełnych wdzięku obrotach postaci, a spontaniczność i wdzięk wyrażają dziarski błysk brązowych oczu w kształcie migdałów i chytry uśmiech. Oprócz jednopostaciowych portretów kobiet ze Smolanki, G.I. Alimova grająca na harfie (1776), E.I. Molchanova, siedząca przy stole z instrumentami fizycznymi (1776), A.P. Levshina (1775) i N.S. Borshchova (1776), pokazany taniec, - Levitsky stworzył także sparowane portrety F.S. Rzhevskaya i N.M. Davydova (1772?), E.N. Khovanskaya i E.N. Chruszczowa (1773). Szczególnie udany jest ostatni portret, przedstawiający nastoletnie dziewczyny grające scenę z opery komicznej „Kaprysy miłosne, czyli Ninetta na dworze”. Figlarna dziesięcioletnia Chruszczowa, która gra męską rolę, i nieśmiała Chowańska, nieśmiało patrząca na swojego „kawalera”, są widziani przez Lewickiego w całej bezpośredniości, przeglądającej zapamiętane teatralne gesty. Jedność technik kompozytorskich, rytmicznych ruchów i subtelnych rozwiązań kolorystycznych łączy tę oryginalną suitę portretową. Wśród oficjalnych portretów ceremonialnych stworzonych przez artystę szczególne miejsce zajmuje obraz „Katarzyna II – prawodawca w świątyni bogini sprawiedliwości” (1783). Wyraża w alegorycznej formie ideę rosyjskich oświeconych o idealnym monarchie. Katarzyna II przedstawiona jest w gronostajowym płaszczu, na tle kolumn i draperii, paląca kadzidło z maków przed posągiem bogini Sprawiedliwości. Za balustradą pejzaż morski ze statkami, przypominający zwycięstwa floty rosyjskiej na Morzu Czarnym; u stóp cesarzowej orzeł z gałązką laurową w dziobie, siedzący na ogromnych kartach Kodeksu Praw, jakby potwierdzający rolę Katarzyny II – prawodawcy. Taka koncepcja obrazu odpowiadała wymogom klasycyzmu – stylu, który dominował w literaturze i sztuce końca XVIII wieku. Jego ideały determinowały także charakter tzw. koła lwowsko-derżawińskiego, któremu Lewicki był bliski. Czołowi myśliciele i pisarze N.A. Lwów, GR Derzhavin, V.V. Wielki wpływ na artystę wywarł Kapnist. W tym okresie Levitsky stworzył portrety filozofa D. Diderot (1773), przebywający obecnie w Genewie, oraz pisarz A.V. Chrapowicki (1781). Mistrzowsko namalowany portret N.A. Lwów (koniec lat 70. XVIII w.), którego osobowość ucieleśniała najlepsze cechy człowieka oświecenia: wzniosły umysł, talent, czystość i szlachetność myśli.

Portrety Levitsky'ego są bardzo różnorodne. Dla artysty wszystkie jego modele to ludzie o złożonym życiu wewnętrznym. Nie schlebiał im, pozostając obiektywnym w swoich cechach.

Lewicki był wybitnym rysownikiem i kolorystą. Jego portrety zawsze harmonizują kolorystycznie, złote światło otula płótna. Artysta często sięga po intensywne, nasycone kolory, które składają się na jedną i charakterystyczną dla niego gamę, w której króluje wyrazistość i czystość relacji tonalnych i kolorystycznych.

Trzecim wybitnym mistrzem gatunku portretowego końca XVIII wieku był Władimir Łukich Borowikowski. Losy Włodzimierza Łukicha radykalnie odmieniły dwa alegoryczne malowidła wykonane do dekoracji Pałacu w Krzemieńczugu, jednego z „pałaców podróżnych” wzniesionych na szlaku Katarzyny II na Krym. Cesarzowa lubiła zdjęcia i schlebiała swojej próżności. Jeden z nich przedstawiał Piotra I w przebraniu rolnika i Katarzynę II zasiewającą pole, a na drugim cesarzową w przebraniu Minerwy w otoczeniu mędrców starożytnej Grecji. Królewska pochwała otworzyła Borowikowskiemu drogę do Petersburga.

30-letni malarz nie mógł już wstąpić do Akademii Sztuk Pięknych i dlatego pobierał prywatne lekcje u swojego znakomitego rodaka D. G. Levitsky'ego, a od 1772 r. - u słynnego malarza austriackiego, który pracował na dworze Katarzyny II, I.B. Lampiego, a także kopiował najlepsze przykłady malarstwa europejskiego i twórczość jego mentorów.

To wystarczyło, aby opanować umiejętności zawodowe do perfekcji. Około 4 grudnia 1794 Lumpy zwrócił się do Rady Akademii Sztuk Pięknych z listem, w którym prosił o przyznanie swojemu uczniowi V.L. Borowikowskiego tytuł akademika. Oczywiście zaprezentowano „Portret Katarzyny II na spacerze”. Ta prośba wskazuje na wysokie uznanie dla talentów rosyjskiego studenta, jakie daje mu zagraniczny artysta.

Od swoich nauczycieli przejął błyskotliwą technikę, łatwość pisania, umiejętność komponowania i umiejętność schlebiania portretowanej osobie. W kręgu słynnego architekta, poety i muzyka N.A. Lwowa, w którego domu mieszkał przez dziesięć lat, Borowikowski znalazł się wśród wybitnych postaci artystycznej Rosji, przesiąkniętej ideami symbolizmu. Nowy trend był w zgodzie ze spokojnym, elegijnym artystą, na którego prosty styl życia nie miał wpływu ani sława, ani pieniądze. Władimir Łukich był całkowicie pochłonięty sztuką, a jego kunszt szybko został doceniony przez klientów.

Do 1790 stał się jednym z najsłynniejszych portrecistów, w 1795 otrzymał tytuł akademika, a siedem lat później został doradcą Akademii Sztuk Pięknych. Stał się znanym, a nawet modnym malarzem portretowym, spadały na niego zamówienia od najwyższych rangą osób, aż po członków rodziny cesarskiej.

Okres świetności jego sztuki był krótkotrwały - zaledwie kilkanaście lat na przełomie XVIII i XIX wieku - ale wspaniały. To wtedy stworzył portret Pawła I, sekretarza stanu D.P. Troshchinsky'ego, który oddaje wewnętrzną siłę tej wybitnej osoby, która wyszła z dna, a także ceremonialne portrety - niezwykle piękny i egzotyczny portret Murtazy Kulikhan, wspaniały portret A.B. Kurakina, ekspresyjnie przedstawiający mężczyznę, którego nazywano „diamentowym księciem” za zamiłowanie do luksusu i „pawiem” za jego rzadką arogancję, portret Derzhavina siedzącego w fotelu przy biurku zaśmieconym rękopisami.

Niemniej jednak jego talent najdobitniej ujawnił się w serii kobiecych portretów wykonanych w tych samych latach. Nie są tak spektakularne jak męskie, niewielkich rozmiarów, czasem podobne w rozwiązaniu kompozycyjnym, ale odznaczają się wyjątkową subtelnością w przekazywaniu postaci, nieuchwytnymi ruchami życia psychicznego i łączy je delikatny poetycki nastrój.

Dla pięknych kobiecych wizerunków Borowikowski stworzył pewien styl portretu: obraz w połowie długości, postać pogrążona w myślach, opierając się ręką na stojaku, a cichy krajobraz służy jako tło dla ospałej krzywej ciała w świetle , lekkie ubrania.

Na portretach Borowikowski śpiewał umiejętność wzniosłych uczuć, szczerych uczuć, co odpowiada sentymentalnemu nastrojowi tego społeczeństwa i trendowi w literaturze. W portretach kobiecych artystka dążyła do szczególnej poetyckości modelki, do swego rodzaju swobodnego, a zarazem eleganckiego, nieco wyidealizowanego jej wizerunku.

Artysta długo zachował błyskotliwy warsztat i czujność oka.

Borowikowski wychował dwóch uczniów, z których jednym był Aleksiej Wenecjanow, który przejął od swojego mentora poetyckie postrzeganie świata.

W 1810 roku twórczość Borowikowskiego zaczęła zmierzać w kierunku romantycznym. Ten najsubtelniejszy poeta o sentymentalnym kobiecym wizerunku i największe przykłady jego kunsztu otworzyły drogę do twórczych dokonań artystom romantyzmu.

Wniosek

Przez cały XVIII wiek rosyjska sztuka malarska przeszła długą drogę, dostosowując się do praw współczesności. Potrzeby epoki znalazły odzwierciedlenie w dominującym rozwoju malarstwa świeckiego – portretowego, pejzażowego, historycznego i codziennego.

Od początku XVIII wieku, od dość prymitywnego przedstawienia ludzkiej twarzy, artyści doprowadzili swój warsztat do niezwykłej perfekcji. Ucząc się od zagranicznych malarzy, krajowi mistrzowie nie tylko przyjęli ich wiedzę, ale także przewyższyli ich i dodali swojej sztuce głęboko rosyjski posmak.

Portrety z początku wieku przedstawiają głównie przynależność społeczną człowieka, jego najlepsze strony, jego pompatyczność, czasem fikcyjną urodę. Ale na przestrzeni stulecia stan, nastroje społeczne, a także stosunek artysty do przedstawionej osoby bardzo się zmieniły. Mistrzowie nie stawiali już sobie za zadanie, aby portret wyglądał jak model. Interesowała ich nie tyle powaga przedstawienia, ile wewnętrzny świat człowieka, jego istota, jego predyspozycje do duchowości. Pod koniec XVIII wieku malarze oddają duszę swoich modeli, najsubtelniejsze nastroje i zmienność charakterów.

Wiek XVIII miał ogromne znaczenie nie tylko w historii rozwoju państwa rosyjskiego, ale także dokonał gigantycznych zmian w sztuce rosyjskiej. Po raz pierwszy możemy nie tylko przeczytać o wielkich ludziach z przeszłości, ale także zobaczyć twarze tych, od których zależała nasza przyszłość. Portret, jako kierunek w sztuce, wydaje mi się jednym z najważniejszych nie tylko dla ludzi, ale także dla historii ich ludu.

Rosyjscy artyści XVIII wieku byli w stanie ucieleśnić wygląd, charaktery i świat duchowy swoich współczesnych w farbie i marmurze. To właśnie w portrecie sztuka tego czasu stworzyła swoje najlepsze dzieła.

Wśród wielu rosyjskich i zagranicznych artystów, którzy pracowali w Rosji, można bezpiecznie nazwać wybitnych mistrzów portretów w XVIII wieku

AP Antropowa, I.P. Argunowa, F.S. Rokotova, D.G. Lewicki, V.L. Borowikowski.

Na swoich płótnach A.P. Antropow i I.P. Argunov starał się przedstawić nowy ideał osoby - otwarty i energiczny. Wesołość, święto zostało podkreślone jasnymi kolorami. Godność przedstawionych, ich otyłość została oddana za pomocą pięknych strojów i uroczystych, statycznych póz.

A.P. Antropow i jego obrazy

Autoportret AP Antropowa

W pracy A.P. Antropowa, nadal istnieje zauważalny związek z malowaniem ikon. Mistrz maluje twarz ciągłymi pociągnięciami, a ubrania, dodatki, tło - swobodnie i szeroko. Artysta nie „łasi się” przed szlachetnymi bohaterami swoich obrazów. Maluje ich takimi, jakimi są naprawdę, bez względu na to, jakich cech, pozytywnych lub negatywnych, nie posiadają (portrety M.A. Rumyantseva, A.K. Woroncowa, Piotr III).

Do najbardziej znanych dzieł malarza Antropowa należą portrety:

• Izmajłow;
• sztuczna inteligencja i PA Kolichyov;
• Elżbieta Pietrowna;
• Piotr I;
• Katarzyna II z profilu;
• ataman F. Krasnoszczekow;
• książka portretowa. Trubetskoj

I.P. Argunov - portrecista XVIII wieku

I.P. Argunow „Autoportret”

Rozwijając koncepcję portretu narodowego, I.P. Argunow szybko i łatwo opanował język malarstwa europejskiego i porzucił stare rosyjskie tradycje. W jego dziedzictwie wyróżniają się ceremonialne portrety retrospektywne, które namalował z wizerunków przodków P.B. Szeremietiew. W jego twórczości przewidziano malarstwo następnego stulecia. Staje się twórcą portretu kameralnego, w którym dużą wagę przywiązuje się do wysokiej duchowości obrazu. Był to portret intymny, który stał się bardziej powszechny w XIX wieku.

I.P. Argunov „Portret nieznanej kobiety w stroju chłopskim”

Najważniejszymi obrazami w jego twórczości były:

• Jekaterina Aleksiejewna;
• PB Szeremietiew w dzieciństwie;
• Szeremietiewowie;
• Katarzyna II;
• Jekaterina Aleksandrowna Łobanowa-Rostowska;
• nieznany w stroju chłopskim.

F.S. Rokotov - artysta i obrazy

Nowa faza w rozwoju tej sztuki związana jest z nazwiskiem rosyjskiego portrecisty - F.S. Rokotowa. W swoich dynamicznych obrazach oddaje grę uczuć, zmienność charakteru człowieka. Świat wydawał się malarzowi uduchowiony, podobnie jak jego postacie: wieloaspektowe, pełne liryzmu i człowieczeństwa.

F. Rokotov „Portret nieznanego mężczyzny w przekrzywionym kapeluszu”

F.S. Rokotov pracował w gatunku portretu w połowie sukni, kiedy osoba była przedstawiana do pasa na tle budynków architektonicznych lub krajobrazu. Wśród jego pierwszych prac znajdują się portrety Piotra III i Grigorija Orłowa, siedmioletniego księcia Pawła Pietrowicza i księżniczki E.B. Jusupowa. Są eleganckie, ozdobne, kolorowe. Obrazy namalowane są w stylu rokoko z jego zmysłowością i emocjonalnością. Dzięki twórczości Rokotowa można poznać historię jego czasów. Cała zaawansowana elita szlachecka dążyła do uchwycenia na płótnach pędzla wielkiego malarza.

Kameralne portrety Rokotowa charakteryzują się: wizerunkiem popiersia, zwróceniem się do widza o ¾, tworzeniem objętości poprzez złożone formowanie światła i cienia, harmonijnym zestawieniem tonów. Za pomocą tych ekspresyjnych środków artysta tworzy pewien rodzaj płótna, który przedstawia honor, godność, duchową łaskę osoby (portret „Nieznanego mężczyzny w przekrzywionym kapeluszu”).

F.S. Rokotov „Portret AP Struyskaya”

Szczególnie niezwykłe były młodzieńcze i kobiece obrazy artysty, a nawet rozwinął się pewien typ kobiety Rokotowskiego (portrety A.P. Struyskaya, E.N. Zinowiewa i wielu innych).

Oprócz już wymienionych, sławę przyniosły prace F.S. Rokotowa:

• W I. Majkow;
• Nieznany w kolorze różowym;
• V.E. Nowosilcewa;
• PN Lanskoj;
• Surowcewa;
• sztuczna inteligencja i I.I. Woroncowa;
• Katarzyna II.

D.G. Lewicki

Autoportret D.G. Levitsky'ego

Mówiono, że portrety D. G. Levitsky'ego odzwierciedlały całe stulecie Katarzyny. Kogokolwiek portretował Levitsky, działał jak subtelny psycholog iz pewnością oddawał szczerość, otwartość, smutek, a także cechy narodowe ludzi.

Jego najwybitniejsze dzieła: portret A.F. Kokorinowa, seria portretów „Smolyanka”, portrety Dyakovej i Markerowskiego, portret Agashi. Wiele prac Levitsky'ego uważa się za pośrednie między portretami ceremonialnymi a kameralnymi.

DG Levitsky „Portret A.F. Kokorinowa”

Levitsky połączył w swojej pracy dokładność i prawdziwość obrazów Antropowa i tekstów Rokotowa, w wyniku czego stał się jednym z najwybitniejszych mistrzów XVIII wieku. . Jego najsłynniejsze dzieła to:

• EI Nelidova
• MA Lwowa
• N. I. Nowikowa
• AV Chrapowicki
• Mitrofanowowie
• Bakunina

V.L. Borowikowski - mistrz portretu sentymentalnego

Portret V.L. Borowikowskiego, art. Bugajewski-blagodatny

Osobowość domowego mistrza tego gatunku V.B. Borowikowski jest związany ze stworzeniem sentymentalny portret. Jego miniatury i portrety olejne przedstawiały ludzi z ich przeżyciami, emocjami, oddawały wyjątkowość ich wewnętrznego świata (portret M.I. Lopukhiny). Wizerunki kobiet miały określoną kompozycję: kobieta była przedstawiana na naturalnym tle, sięgała do pasa, opierała się o coś, trzymając w dłoniach kwiaty lub owoce.

V.L. Borowikowski „Portret Pawła I w stroju Zakonu Maltańskiego”

Z biegiem czasu obrazy artysty stają się typowe dla całej epoki (portret generała F. A. Borowskiego), dlatego artysta nazywany jest także historiografem swoich czasów. Peruwiański artysta posiada portrety:

• VA Żukowski;
• „Lizanka i Daszenka”;
• GR Derżawin;
• Paweł I;
• AB Kurakina;
• „Bez brody z córkami”.

Dla rozwoju malarstwa rosyjskiego wiek XVIII był punktem zwrotnym. Wiodącym gatunkiem staje się portret . Artyści przejmują techniki malarskie i podstawowe techniki od swoich europejskich kolegów. Ale nacisk kładziony jest na osobę z własnymi doświadczeniami i uczuciami.

Rosyjscy portreciści starali się nie tylko oddać podobieństwo, ale także oddać na swoich płótnach duszę i wewnętrzny świat swoich modelek. Jeśli Antropow i Argunow starali się przezwyciężyć konwencje, aby zgodnie z prawdą przedstawić osobę, to Rokotow, Lewicki i Borowikowski poszli dalej. Duchowe osobowości patrzą ze swoich płócien, których nastrój został uchwycony i przekazany przez artystów. Wszyscy dążyli do ideału, śpiewali piękno w swoich dziełach, ale piękno cielesne było tylko odbiciem człowieczeństwa i duchowości tkwiącej w narodzie rosyjskim.

Podobało ci się? Nie ukrywaj swojej radości przed światem - udostępnij