Rola sztuki w życiu sławnej osoby. Rola sztuki w życiu człowieka: co ma dla nas świat piękna

Bez względu na to, jak złożone i nieprzewidywalne jest nasze życie, zawsze są chwile i wydarzenia, które je ozdabiają i czynią pięknymi. Zawsze staramy się dążyć do tego, co najlepsze, do czegoś dobrego. Życie, kochanie, robienie czegoś pożytecznego dla siebie i społeczeństwa jest cudowne. Rola sztuki jest równie ważna jak samo życie. Wszystko, co nas otacza, jest rodzajem sztuki.

Nawet w czasach starożytnych nasi przodkowie próbowali przedstawiać na ścianach kawałki skóry, kamienie, niektóre obrazy, wydarzenia ze swojego życia, bitwy, polowania. Wtedy nawet nie podejrzewali, że ich próby przyniosą ludzkości w przyszłości wiele nowej wiedzy. Ogromne znaczenie mają ich rzeźby, naczynia, broń, stroje, dzięki tym znaleziskom znamy historię rozwoju naszych przodków. Nie mieli wtedy pojęcia, że ​​wszystko co robią jest sztuką i że rola sztuki w życiu człowieka będzie bardzo duża.

Rozwój kultury, moralność promują różne dziedziny sztuki (której istotą jest pokazywanie i nauczanie prawdziwego i pięknego świata). Przy pomocy muzyki, poezji profesjonalistów i amatorów możemy uczyć się estetycznego postrzegania naszego świata. Dlatego rola sztuki w życiu człowieka jest po prostu ogromna!

Artyści, rzeźbiarze, poeci, muzycy i każda osoba, która poprzez swoją twórczość stara się przekazać postrzeganie i wizję czegoś wyjątkowego, co nas otacza, zajmuje ważne miejsce w kulturalnym rozwoju ludzkości. Nawet małe dziecko, które wykonało swój pierwszy rysunek, aplikację czy rękodzieło, w jakimś stopniu już wkroczyło w świat sztuki. W starszym wieku, będąc nastolatkiem, kształtują się jego upodobania w doborze stylu ubioru, preferencje muzyczne, książkowe oraz postrzeganie życia. Światopogląd i gust estetyczny układają się w logiczny łańcuch w bezpośrednim kontakcie z dziełami sztuki, ale tylko osobista ocena wpływa na wybór i kształtowanie się gustu. Dlatego konieczne jest częstsze obcowanie ze światem sztuki i prawdziwymi arcydziełami.

Rola sztuki w życiu człowieka jest tak wielka, że ​​po opanowaniu nawyku odwiedzania muzeów i galerii sztuki, czytania ciekawych książek, poezji, będziesz chciał dotknąć świata duchowego i historycznego, poznać nowych, ciekawych ludzi, poznać artystyczne twórczości innych ludów, zapoznać się z ich historią i kulturą. Wszystko to wnosi różnorodność i jasne kolory do naszego życia, przyczynia się do chęci lepszego, ciekawszego życia. Bogactw duchowych jest wokół nas bardzo dużo, a rola sztuki we współczesnym świecie nie jest ostatnia. Dotykając piękna, człowiek stara się wnieść do swojego życia jak najwięcej pięknych rzeczy, dąży do doskonałości ciała i mowy, prawidłowego zachowania i komunikacji z innymi ludźmi. Studiując i obcując ze sztuką, istnieje chęć wymyślenia czegoś nowego i oryginalnego, chcę tworzyć i wymyślać.

Wprowadzenie 3
1. Istota sztuki i jej miejsce w życiu człowieka i społeczeństwie 4
2. Powstanie sztuki i jej konieczność dla człowieka 8
3. Rola sztuki w rozwoju społeczeństwa i życia człowieka 13
Wniosek 24
Referencje 25

Wstęp

Człowiek styka się ze sztuką na co dzień. I zazwyczaj nie w muzeach. Od urodzenia i przez całe życie ludzie są zanurzeni w sztuce.
Budynek hotelu, dworzec, sklep, wnętrze mieszkania, odzież i biżuteria mogą być dziełami sztuki. Ale może ich nie być. Nie każdy obraz, rzeźba, piosenka czy serwis porcelanowy jest uważany za arcydzieło. Nie ma przepisu, w którym byłoby dokładnie określone, co iw jakich proporcjach należy połączyć, aby powstało dzieło sztuki. Możesz jednak rozwinąć umiejętność odczuwania i doceniania piękna, które często nazywamy smakiem.
Czym jest sztuka? Dlaczego ma taką magiczną moc nad człowiekiem? Dlaczego ludzie pokonują tysiące kilometrów, aby na własne oczy zobaczyć wielkie dzieła światowej sztuki: pałace, mozaiki, obrazy? Dlaczego artyści tworzą swoje dzieła, nawet jeśli wydaje się, że nikt ich nie potrzebuje? Dlaczego są gotowi zaryzykować swoje zdrowie, aby zrealizować swój plan?
Sztuka jest często nazywana źródłem przyjemności. Od stulecia do wieku miliony ludzi cieszą się obrazami pięknych ludzkich ciał na płótnach Rafaela. Ale obraz Chrystusa ukrzyżowanego i cierpiącego nie jest przeznaczony do zabawy, a jednak ten wątek jest wspólny tysiącom malarzy od wielu stuleci...
Często mówi się, że sztuka odzwierciedla życie. Oczywiście w dużej mierze jest to prawda: często dokładność, rozpoznawalność tego, co artysta przedstawia, jest niesamowita. Ale jest mało prawdopodobne, aby zwykłe odbicie życia, jego kopiowanie, wywołało tak duże zainteresowanie sztuką i podziw dla niej.
W tym eseju zastanowimy się nad miejscem i rolą sztuki w życiu człowieka.

1. Istota sztuki i jej miejsce w życiu człowieka i społeczeństwa

Słowo „sztuka” w języku rosyjskim i wielu innych językach używane jest w dwóch znaczeniach – w znaczeniu wąskim (specyficzna forma praktyczno-duchowego poznawania świata), oraz w szerokim – jako najwyższy poziom umiejętności, zdolności, niezależnie od sfery, w jakiej się przejawiają (sztuka wojskowa, umiejętność chirurga, szewca itp.) (2, s. 9).
W tym eseju interesuje nas analiza sztuki w pierwszym, wąskim znaczeniu tego słowa, choć oba znaczenia są ze sobą historycznie powiązane.
Sztuka jako niezależna forma świadomości społecznej i jako gałąź produkcji duchowej wyrosła z produkcji materiału, została w nią pierwotnie wpleciona jako moment estetyczny, czysto utylitarny. Człowiek, jak podkreślał A.M. Gorky, jest z natury artystą i wszędzie stara się w taki czy inny sposób wnosić piękno (1, s. 92). Aktywność estetyczna człowieka stale przejawia się w jego pracy, życiu codziennym, życiu publicznym, a nie tylko w sztuce. Istnieje estetyczna asymilacja świata przez osobę społeczną.
Sztuka realizuje szereg funkcji społecznych.
Po pierwsze, jest to jego funkcja poznawcza. Dzieła sztuki są cennym źródłem informacji o złożonych procesach społecznych, czasem o tych, których istotę i dynamikę nauka opanowuje znacznie trudniej iz opóźnieniem (np. zwroty i pęknięcia w świadomości społecznej).
Oczywiście nie wszyscy w otaczającym świecie interesują się sztuką, a jeśli tak, to w różnym stopniu, a samo podejście sztuki do przedmiotu jej poznania, kąt jej widzenia jest bardzo specyficzny w porównaniu z innymi formami świadomości społecznej. Człowiek zawsze był i pozostaje ogólnym przedmiotem poznania w sztuce. Dlatego sztuka w ogóle, aw szczególności fikcja, nazywana jest humanistyką, podręcznikiem życia i tak dalej. Podkreśla to inną ważną funkcję sztuki - edukacyjną, to znaczy jej zdolność do wywierania niezatartego wpływu na rozwój ideowy i moralny człowieka, jego samodoskonalenie lub odwrotnie, jego upadek.
A jednak funkcje poznawcze i edukacyjne nie są specyficzne dla sztuki: funkcje te pełnią wszystkie inne formy świadomości społecznej. Specyficzną funkcją sztuki, która czyni ją sztuką w prawdziwym tego słowa znaczeniu, jest jej funkcja estetyczna. Dostrzegając i pojmując dzieło sztuki, nie tylko przyswajamy jego treść (jak treści z fizyki, biologii, matematyki), przekazujemy tę treść przez serce, emocje, nadajemy zmysłowo konkretnym obrazom tworzonym przez artystę ocenę estetyczną jako piękny lub brzydki, wzniosły lub niski, tragiczny lub komiczny. Sztuka kształtuje w nas właśnie umiejętność wydawania takich ocen estetycznych, odróżniania tego, co naprawdę piękne i wzniosłe, od wszelkiego rodzaju namiastek.
Kognitywna, edukacyjna i estetyczna w sztuce łączą się ze sobą. Dzięki chwili estetycznej cieszymy się treścią dzieła sztuki i właśnie w procesie rozkoszowania się jesteśmy oświeceni i wykształceni. W związku z tym mówi się czasem o hedonistycznej funkcji sztuki (z greckiego „hedone” – przyjemność).
Od wielu stuleci w literaturze społeczno-filozoficznej i estetycznej trwa spór o związek piękna w sztuce z rzeczywistością. Ujawnia to dwa główne stanowiska. Według jednego z nich (w Rosji N.G. Chernyshevsky wyszedł z tego w swojej rozprawie „O estetycznych stosunkach sztuki do rzeczywistości”), piękno w życiu jest zawsze i pod każdym względem wyższe niż piękno w sztuce (1, s. 94). W tym przypadku sztuka jawi się jako kopia typowych postaci i przedmiotów samej rzeczywistości oraz surogat rzeczywistości. Oczywiście preferowana jest koncepcja alternatywna (Hegel, A.I. Herzen itp.): piękno w sztuce jest wyższe niż piękno w życiu, ponieważ artysta widzi ostrzej, dalej, głębiej, czuje się potężniejszy i bardziej kolorowy niż jego przyszli widzowie , czytelników, słuchaczy i dlatego swoją sztuką może ich rozpalać, inspirować, prostować. W przeciwnym razie, w roli surogatki, a nawet duplikatu, społeczeństwo nie potrzebowałoby sztuki (4, s. 156).
Każda forma świadomości społecznej odzwierciedla obiektywną rzeczywistość w określony sposób, właściwy tylko dla niej.
Konkretnym rezultatem teoretycznej refleksji nad światem jest koncepcja naukowa. To abstrakcja: w imię poznania głębokiej istoty przedmiotu abstrahujemy nie tylko od jego bezpośrednio zmysłowo postrzeganego, ale także od wielu logicznie wydedukowanych cech, jeśli nie mają one nadrzędnego znaczenia. Co innego jest wynikiem estetycznego odzwierciedlenia rzeczywistości. Mamy więc do czynienia z artystycznym, konkretno-zmysłowym obrazem, w którym pewien stopień abstrakcji (typu) łączy się z zachowaniem konkretno-zmysłowych, indywidualnych, często unikalnych cech odbitego przedmiotu.
Hegel pisał, że „zmysłowe obrazy i znaki pojawiają się w sztuce nie tylko ze względu na siebie i swoją bezpośrednią manifestację, ale w celu zaspokojenia w tej formie najwyższych zainteresowań duchowych, ponieważ mają zdolność budzenia i oddziaływania na wszystkie głębie świadomości i wywołać w duchu ich odpowiedź” (4, s. 157). Ujawniając specyfikę myślenia artystycznego w porównaniu z innymi formami świadomości społecznej, definicja ta, w pełnej zgodzie z głównym paradygmatem heglowskiego systemu filozoficznego, prowadzi do wniosku o obrazie artystycznym jako wyrazie abstrakcyjnej idei w konkretnej zmysłowa forma. W rzeczywistości obraz artystyczny oddaje nie abstrakcyjną ideę samą w sobie, ale jej konkretny nośnik, obdarzony takimi indywidualnymi cechami, które sprawiają, że obraz jest żywy i efektowny, nie dający się zredukować do znanych nam już obrazów tego samego rzędu. Przypomnijmy np. Artamonowów M. Gorkiego i Forsytów D. Galsworthy'ego (5).
Tak więc, w przeciwieństwie do koncepcji naukowej, obraz artystyczny ujawnia w jednostce to, co ogólne. Ukazując jednostkę, artysta ujawnia w niej to, co typowe, czyli najbardziej charakterystyczne dla całego typu przedstawianych zjawisk społecznych czy przyrodniczych.
Jednostka w obrazie artystycznym nie tylko przeplata się z generałem, on go „ożywia”. To jednostka w prawdziwym dziele sztuki dorasta do pojęcia typu, obrazu. A im jaśniej, dokładniej dostrzegane są małe, indywidualne, specyficzne szczegóły, tym szerszy obraz, tym szersze uogólnienie zawiera. Wizerunek skąpego rycerza Puszkina to nie tylko specyficzny wizerunek chciwego starca, ale także potępienie samej chciwości i okrucieństwa. W rzeźbie Rodina „Myśliciel” widz widzi coś więcej niż konkretny obraz odtworzony przez autora.
W związku z fuzją tego, co racjonalne i konkretno-zmysłowe w obrazie i wynikającym z tego emocjonalnym oddziaływaniem sztuki, szczególnego znaczenia nabiera forma artystyczna. W sztuce, jak we wszystkich dziedzinach otaczającego nas świata, forma zależy od treści, jest jej podporządkowana, jej służy. Tę dobrze znaną tezę należy jednak podkreślić, mając na uwadze tezy przedstawicieli estetyki formalistycznej i sztuki formalistycznej o dziele sztuki jako „czystej formie”, samowystarczalnej „grze formy” itp. Jednocześnie naukowemu rozumieniu sztuki zawsze obcy był nihilistyczny stosunek do formy, a nawet umniejszanie jej czynnej roli w systemie obrazu artystycznego i dzieła sztuki jako całości. Nie sposób wyobrazić sobie dzieła sztuki, w którym treść nie byłaby wyrażona w formie artystycznej.
W różnych rodzajach sztuki artysta dysponuje różnymi środkami wyrażania treści. W malarstwie, rzeźbie, grafice - to kolor, linia, światłocień; w - muzyka - rytm, harmonia; w literaturze - słowo itp. Wszystkie te środki reprezentacji stanowią elementy formy artystycznej, za pomocą której artysta ucieleśnia swoją koncepcję ideową i artystyczną. Forma sztuki jest bardzo złożoną formacją, której wszystkie elementy są ze sobą naturalnie połączone. W malarstwie Rafaela, dramacie Szekspira, symfonii Czajkowskiego, powieści Hemingwaya nie można dowolnie zmieniać konstrukcji fabuły, postaci, dialogu, kompozycji, nie można znaleźć innego rozwiązania harmonii, koloru, rytmu, aby nie naruszyć integralności cała praca.

2. Powstanie sztuki i jej konieczność dla człowieka

Sztuka jako szczególna dziedzina ludzkiej działalności, z własnymi niezależnymi zadaniami, szczególnymi walorami, obsługiwana przez profesjonalnych artystów, stała się możliwa dopiero na podstawie podziału pracy. Stworzenie sztuki i nauki – wszystko to było możliwe tylko przy pomocy zintensyfikowanego podziału pracy, którego podstawą był wielki podział pracy między masy wykonujące prostą pracę fizyczną i nielicznych uprzywilejowanych, którzy zarządzają pracą, są zajmował się handlem, sprawami państwowymi, a później także nauką i sztuką. Najprostszą, zupełnie spontaniczną formą tego podziału pracy było właśnie niewolnictwo” (2, s. 13).
Ponieważ jednak działalność artystyczna jest specyficzną formą poznania i pracy twórczej, jej początki są znacznie starsze, ponieważ ludzie pracowali iw procesie tej pracy poznawali otaczający ich świat na długo przed podziałem społeczeństwa na klasy. Odkrycia archeologiczne w ciągu ostatnich stu lat pozwoliły odkryć liczne dzieła sztuki człowieka prymitywnego, których wiek szacuje się na dziesiątki tysięcy lat. To są malowidła naskalne; figurki z kamienia i kości; obrazy i ornamentalne wzory wyryte na kawałkach poroża jelenia lub na kamiennych płytach. Występują w Europie, Azji i Afryce, są to prace, które pojawiły się na długo przed powstaniem świadomej idei twórczości artystycznej. Bardzo wiele z nich, odtwarzających głównie figurki zwierząt – jeleni, żubrów, dzikich koni, mamutów – jest na tyle żywotnych, tak wyrazistych i wiernych naturze, że są nie tylko cennymi zabytkami, ale do dziś zachowują swoją artystyczną moc (2 , s. 14).
Materialny, obiektywny charakter dzieł plastycznych stwarza szczególnie korzystne warunki dla badacza genezy sztuki plastycznej w porównaniu z historykami badającymi genezę innych rodzajów sztuki. Jeśli początkowe etapy epopei, muzyki, tańca należy oceniać głównie na podstawie danych pośrednich i analogii z pracą współczesnych plemion znajdujących się we wczesnych stadiach rozwoju społecznego (analogia jest bardzo względna, na której można polegać tylko z wielką starannością), wtedy przed naszymi oczami staje dzieciństwo malarstwa, rzeźby i grafiki.
Nie pokrywa się z dzieciństwem społeczeństwa ludzkiego, czyli z najstarszymi epokami jego formowania się. Według współczesnej nauki proces humanizacji małpopodobnych przodków człowieka rozpoczął się jeszcze przed pierwszym zlodowaceniem ery czwartorzędu, a zatem „wiek” ludzkości wynosi około miliona lat. Pierwsze ślady sztuki prymitywnej sięgają górnego paleolitu, który rozpoczął się około kilkudziesięciu tysiącleci pne. mi. Był to czas względnej dojrzałości prymitywnego systemu komunalnego: człowiek tej epoki w swojej budowie fizycznej nie różnił się od człowieka współczesnego, mówił już i potrafił robić dość skomplikowane narzędzia z kamienia, kości i rogu. Prowadził zbiorowe polowanie na duże zwierzę z włócznią i strzałkami. Klany zjednoczyły się w plemiona, powstał matriarchat.
Musiało upłynąć ponad 900 000 lat, oddzielając najstarszych ludzi od współczesnego człowieka, zanim ręka i mózg dojrzały do ​​twórczości artystycznej.
Tymczasem produkcja prymitywnych narzędzi kamiennych sięga znacznie starszych czasów dolnego i środkowego paleolitu. Już Sinantropowie (których szczątki odnaleziono niedaleko Pekinu) osiągnęli dość wysoki poziom w wytwarzaniu narzędzi kamiennych i umieli posługiwać się ogniem. Ludzie późniejszego, neandertalskiego typu, obrabiali narzędzia ostrożniej, dostosowując je do specjalnych celów. Tylko dzięki takiej, trwającej wiele tysiącleci, „szkole” powstała niezbędna elastyczność ręki, wierność oka i umiejętność uogólniania tego, co widzialne, uwypuklania w niej tego, co najistotniejsze i charakterystyczne, czyli wszystkich tych rozwinęły się cechy, które przejawiały się we wspaniałych rysunkach jaskini Altamira. Gdyby człowiek nie ćwiczył i nie doskonalił swojej ręki, przetwarzając tak trudny do obróbki materiał jak kamień na jedzenie, nie byłby w stanie nauczyć się rysować: bez opanowania tworzenia form użytkowych nie mógłby stworzyć formy artystycznej. Gdyby wiele, wiele pokoleń nie koncentrowało zdolności myślenia na schwytaniu bestii - głównego źródła życia dla człowieka prymitywnego - nie przyszłoby im do głowy zobrazować tę bestię.
Tak więc, po pierwsze, „praca jest starsza niż sztuka”, a po drugie, sztuka zawdzięcza swój początek pracy. Co jednak spowodowało przejście od produkcji wyjątkowo użytecznych, praktycznie niezbędnych narzędzi do produkcji wraz z nimi „bezużytecznych” obrazów? To właśnie ta kwestia była najbardziej dyskutowana i najbardziej zagmatwana przez burżuazyjnych uczonych, którzy za wszelką cenę starali się zastosować tezę I. Kanta o „bezcelowości”, „bezinteresowności”, „samoistnej wartości” estetycznego stosunku do świata do sztuki prymitywnej .
K. Bucher, K. Gross, E. Gross, Luke, Breuil, W. Gauzenstein i inni, którzy pisali o sztuce prymitywnej, argumentowali, że ludzie prymitywni zajmowali się „sztuką dla sztuki”, że pierwszym i definiującym bodźcem dla twórczości artystycznej była wrodzone ludzkie pragnienie zabawy (2, s. 15).
Teorie „zabawy” w różnych odmianach opierały się na estetyce Kanta i Schillera, wedle której głównym przejawem doświadczenia estetycznego, artystycznego jest właśnie pragnienie „swobodnej gry pozorów” – wolnej od jakiegokolwiek praktycznego celu, od logicznych i oceny moralnej.
„Estetyczny impuls twórczy — pisał Schiller — niepostrzeżenie buduje pośród strasznego królestwa sił i pośród uświęconego królestwa praw trzecią, radosną królestwo zabawy i pozorów, w której zrywa kajdany wszelkich stosunków” od człowieka i uwalnia go od wszystkiego, co nazywamy przymusem w sensie fizycznym i moralnym” (2, s. 16).
Schiller zastosował to podstawowe stanowisko swojej estetyki do pytania o genezę sztuki (na długo przed odkryciem autentycznych pomników twórczości paleolitu), wierząc, że „królestwo zabawy” budowane jest już u zarania społeczeństwa ludzkiego: „ ... teraz starożytny Niemiec szuka bardziej błyszczących skór zwierzęcych, wspanialszych rogów, bardziej eleganckich naczyń, a Kaledończyk szuka najpiękniejszych muszli na swoje uroczystości. Ale zadowalając się tym, że w to, co konieczne, wprowadzono nadmiar estetyki, swobodny impuls do zabawy zrywa wreszcie całkowicie z kajdan potrzeby, a przedmiotem ludzkich aspiracji staje się samo piękno. On sam się ozdabia. Wolna przyjemność jest przypisywana jego potrzebom, a bezużyteczna wkrótce staje się najlepszą częścią jego radości. Pogląd ten jest jednak obalony przez fakty.
Nie da się zaprzeczyć, że kolory, linie, a także dźwięki i zapachy oddziałują również na organizm człowieka – jedne drażniąco, odpychająco, inne wręcz przeciwnie, wzmacniają i przyczyniają się do jego prawidłowego i aktywnego funkcjonowania. Tak czy inaczej jest to brane pod uwagę przez osobę w jego działalności artystycznej, ale w żaden sposób nie leży u jej podstawy. Impulsy, które zmuszały człowieka paleolitu do rysowania i rzeźbienia postaci zwierząt na ścianach jaskiń, nie mają oczywiście nic wspólnego z odruchami instynktownymi: jest to świadomy i celowy akt twórczy istoty, która już dawno zerwała kajdany ślepej instynkt i wszedł na drogę opanowania sił natury, a co za tym idzie zrozumienia tych sił.
Człowiek rysuje bestię: w ten sposób syntetyzuje swoje obserwacje na jej temat; coraz pewniej odtwarza swoją sylwetkę, zwyczaje, ruchy, swoje różne stany. Na tym rysunku formułuje swoją wiedzę i ją wzmacnia. Jednocześnie uczy się uogólniać: na jednym obrazie jelenia przekazywane są cechy obserwowane u wielu jeleni. To samo w sobie daje ogromny impuls do rozwoju myślenia. Trudno przecenić postępową rolę twórczości artystycznej w zmianie świadomości człowieka i jego stosunku do natury. Ta ostatnia nie jest już dla niego taka ciemna, nie tak zaszyfrowana - krok po kroku, wciąż po omacku, studiuje ją.
Tak więc prymitywne sztuki piękne są jednocześnie zalążkami nauki, a ściślej prymitywnej wiedzy. Jest rzeczą oczywistą, że na tym infantylnym, pierwotnym etapie rozwoju społecznego te formy poznania nie mogły jeszcze zostać rozczłonkowane, tak jak zostały one rozczłonkowane w późniejszych czasach; początkowo działali wspólnie, nie była to jeszcze sztuka w pełnym tego słowa znaczeniu i nie była to wiedza we właściwym znaczeniu tego słowa, ale coś, w czym pierwotne elementy obu były nierozerwalnie połączone (3, s. 72).
W związku z tym staje się zrozumiałe, dlaczego wczesna sztuka poświęca tyle uwagi bestii, a stosunkowo mało człowiekowi. Ma na celu przede wszystkim poznanie przyrody zewnętrznej. W tym samym czasie, gdy zwierzęta nauczyły się już przedstawiać niezwykle realistycznie i plastycznie, postacie ludzkie są prawie zawsze przedstawiane bardzo prymitywnie, po prostu niezdarnie, z wyjątkiem nielicznych wyjątków, jak na przykład płaskorzeźby z Losla. W sztuce paleolitu nie ma jeszcze tego dominującego zainteresowania światem relacji międzyludzkich, które wyróżnia sztukę, która odgraniczyła swoją sferę od sfery nauki. Z zabytków sztuki prymitywnej (przynajmniej sztuk plastycznych) wynika, że ​​z życia społeczności plemiennej trudno dowiedzieć się czegokolwiek poza jej polowaniami i związanymi z nimi obrzędami magicznymi; główne miejsce zajmuje sam przedmiot polowania - bestia. To właśnie jego studium było przedmiotem zainteresowania praktycznego, gdyż stanowiło ono główne źródło egzystencji – a utylitarno-poznawcze podejście do malarstwa i rzeźby znalazło odzwierciedlenie w tym, że przedstawiały one głównie zwierzęta i takie rasy, z których pozyskiwania była szczególnie ważna, a jednocześnie trudna i niebezpieczna, dlatego wymagała szczególnie starannego przestudiowania. Rzadko przedstawiano ptaki i rośliny.
Rysując postać zwierzęcia, człowiek w pewnym sensie naprawdę „opanował” zwierzę, ponieważ je poznał, a wiedza jest źródłem dominacji nad przyrodą. Żywotna konieczność wiedzy figuratywnej była przyczyną powstania sztuki. Ale nasz przodek rozumiał to „mistrzostwo” w sensie dosłownym i wykonywał magiczne obrzędy wokół wykonanego przez siebie rysunku, aby zapewnić powodzenie polowania. Fantastycznie przemyślał prawdziwe, racjonalne motywy swoich działań. To prawda, jest bardzo prawdopodobne, że sztuka piękna nie zawsze miała cel rytualny; tutaj oczywiście brały udział także inne motywy, o których była już mowa powyżej: potrzeba wymiany informacji itp. W każdym razie trudno zaprzeczyć, że większość obrazów i rzeźb służyła także celom magicznym.
Ludzie zaczęli zajmować się sztuką znacznie wcześniej, niż mieli pojęcie o sztuce i znacznie wcześniej, niż mogli sami zrozumieć jej prawdziwy sens, jej rzeczywistą użyteczność.
Opanowując umiejętność przedstawiania widzialnego świata, ludzie również nie zdawali sobie sprawy z prawdziwego społecznego znaczenia tej umiejętności. Nastąpiło coś podobnego do późniejszego kształtowania się nauk, również stopniowo uwalnianych z niewoli naiwnych fantastycznych idei: średniowieczni alchemicy szukali „kamienia filozoficznego” i spędzili nad tym lata ciężkiej pracy. Kamienia Filozoficznego nigdy nie znaleźli, ale zdobyli cenne doświadczenie w badaniu właściwości metali, kwasów, soli itp., co utorowało drogę późniejszemu rozwojowi chemii.
Mówiąc o tym, że sztuka prymitywna była jedną z pierwotnych form poznania, badaniem otaczającego świata, nie należy zakładać, że w konsekwencji nie było w niej nic we właściwym znaczeniu słowa estetycznego. Estetyka nie jest czymś fundamentalnie przeciwstawnym użyteczności.
Treść sztuki dawnej jest uboga, jej perspektywa jest zamknięta, jej integralność opiera się na niedorozwoju świadomości społecznej. Dalszy rozwój sztuki mógł się odbyć tylko kosztem utraty tej pierwotnej integralności, którą obserwujemy już w późniejszych stadiach prymitywnej formacji wspólnotowej. W porównaniu ze sztuką górnego paleolitu oznaczają one pewien spadek aktywności artystycznej, ale spadek ten jest tylko względny. Schematyzując obraz, prymitywny artysta uczy się uogólniać, abstrahować pojęcia linii prostej lub krzywej, koła itp., nabywa umiejętności świadomego konstruowania, racjonalnego rozmieszczania elementów rysunkowych na płaszczyźnie. Bez tych ukrytych umiejętności, przejście do tych nowych wartości artystycznych, które są tworzone w sztuce starożytnych społeczeństw posiadających niewolników, byłoby niemożliwe. Można powiedzieć, że w okresie sztuki prymitywnej ostatecznie kształtują się pojęcia rytmu i kompozycji. Twórczość artystyczna systemu plemiennego wyraźnie pokazuje zatem potrzebę sztuki w życiu człowieka.

3. Rola sztuki w rozwoju społeczeństwa i życia człowieka

Było i jest wiele kontrowersji na temat roli sztuki w rozwoju społeczeństwa i w życiu jednostki, historycy sztuki przedstawiali różne koncepcje, ale poziom masowej kultury artystycznej w Federacji Rosyjskiej tak niskie, jak być może w każdym cywilizowanym kraju.
Jesteśmy chyba jedynym państwem, w którym sztuka i muzyka są faktycznie wyeliminowane z szkolnictwa ogólnego. Nawet nadchodząca humanizacja przewiduje, bez zmian, „szczątkową” rolę sztuki. Niestety, zasada naukowego charakteru od dawna i niepodzielnie dominuje w edukacji. Wszędzie, we wszystkich dokumentach pedagogicznych chodzi tylko o opanowanie naukowej metody poznania, przyswojenie wiedzy i umiejętności naukowych, ukształtowanie naukowego światopoglądu. I tak we wszystkich dokumentach – od najbardziej tradycyjnych po najbardziej nowatorskie. Co więcej, nawet w analizie sztuki, nie tylko w szkole średniej, ale także w szkolnictwie wyższym, ukształtowało się podejście czysto naukowe (6, s. 12).
Zło zakorzeniło się; zniekształcona idea braku poważnego związku między rozwojem artystycznym, po pierwsze, z moralnością człowieka i społeczeństwa, a po drugie, z samym rozwojem ludzkiego myślenia.
Niemniej jednak ludzkie myślenie jest początkowo dwustronne: składa się z części racjonalno-logicznej i emocjonalno-wyobrażeniowej w równych częściach. Działalność naukowa i artystyczna człowieka opiera się na różnych formach myślenia, które spowodowały ich rozwój, zupełnie nietożsamych przedmiotach poznania i wynikającym z tego zapotrzebowaniu na zasadniczo różne formy przekazywania doświadczenia. Te stanowiska, które w naturalny sposób wynikają z formuły „sztuka to nie nauka”, mogą budzić wątpliwości i odrzucenia. I będą opierać się na zupełnie nienaukowym, ale trywialnym, codziennym podejściu do sztuki; zrozumienie ich roli jedynie jako sfery rekreacji, twórczej rozrywki, estetycznej przyjemności, a nie specjalnej, równorzędnej naukowej, niezbędnej sfery wiedzy.
Powszechnie uważa się, że myślenie emocjonalno-figuratywne, które historycznie naprawdę rozkwitło wcześniej, jest bardziej prymitywne niż racjonalne, czymś niezupełnie ludzkim, półzwierzęcym. Na takim złudzeniu opiera się dziś odrzucenie tej drogi poznania jako niedostatecznie rozwiniętej i „niewystarczająco naukowej” i zapomina się, że rozwijała się ona i doskonaliła w ten sam sposób od powstania ludzkości (6, s. 13).
Nie ma ludzkiego myślenia, składającego się tylko z racjonalno-logicznej, teoretycznej świadomości. Takie myślenie jest wymyślone. Osoba holistyczna bierze udział w myśleniu - ze wszystkimi swoimi "irracjonalnymi" uczuciami, doznaniami itp. A rozwijając myślenie, trzeba je uformować holistycznie. W rzeczywistości w rozwoju ludzkości wykształciły się dwa najważniejsze systemy poznania świata. Myślimy w ich ciągłej interakcji, czy nam się to podoba, czy nie. Tak to się działo historycznie.
Jeśli porównamy te dwie strony myślenia na schemacie, otrzymamy:

Formy myślenia Dziedzina działalności i rezultat pracy Przedmiot wiedzy (co jest znane) Sposoby opanowywania doświadczenia (jak to jest poznawane) Wyniki opanowywania doświadczenia
Racjonalno-logiczna działalność naukowa. Efekt - koncepcja Przedmiot rzeczywisty (przedmiot) Badanie treści Wiedzy. Zrozumienie wzorców procesów naturalnych i społecznych
Emocjonalnie figuratywna działalność artystyczna. Rezultatem jest obraz artystyczny Stosunek do przedmiotu (podmiotu) Doświadczanie treści (zakwaterowanie) Emocjonalne i wartościowe kryteria życia, wyrażające się w bodźcach do działania, pragnieniach i aspiracjach

Z tabeli wynika, że ​​w tych dwóch wierszach wszystko jest inne – zarówno przedmiot wiedzy, jak i sposoby i skutki jej rozwoju. Oczywiście wskazane tutaj sfery aktywności to te, w których formy te manifestują się najdobitniej. We wszystkich obszarach aktywności zawodowej „pracują” razem, w tym w nauce, przemyśle i sztuce.
Działalność naukowa (i poznanie) rozwija sferę myślenia teoretycznego bardziej niż jakakolwiek inna.
Ale działalność artystyczna jako priorytet rozwija także własną sferę myślenia. Naukowy raczej potrafi to wykorzystać i wykorzystać do pomocy sobie (6, s. 14).
Badając roślinę: jej kwiaty, owoce czy liście, rosyjskiego lub meksykańskiego naukowca interesują całkowicie obiektywne dane: rodzaj i gatunek, kształt, waga, skład chemiczny, system rozwoju - to, co nie zależy od obserwatora. Im dokładniejsze, im bardziej niezależne od ucznia są dane i wnioski z obserwacji, tym są bardziej wartościowe, tym bardziej naukowe. Obserwacja artystyczna i jej wyniki są zasadniczo różne. Nie mogą i nie powinny być w ogóle obiektywne. Z konieczności są osobiste, moje. Rezultatem jest mój osobisty stosunek do tej rośliny, kwiatu, liścia - czy sprawiają mi przyjemność, czułość, smutek, gorycz, zdziwienie. Oczywiście przeze mnie patrzy na ten obiekt cała ludzkość, ale także mój naród, moja historia. Budują ścieżki mojej percepcji. Gałązkę brzozy będę postrzegał inaczej niż Meksykankę. Poza mną nie ma percepcji artystycznej, to nie może mieć miejsca. Emocje nie mogą być bezosobowe.
Dlatego nie da się przekazać nowym pokoleniom doświadczenia myślenia emocjonalno-figuratywnego poprzez wiedzę teoretyczną (co do tej pory usilnie staraliśmy się). To doświadczenie jest bezużyteczne tylko do nauki. Przy takim "badaniu" np. uczucia moralne, takie jak uczucia czułości, nienawiści, miłości, zamieniają się w zasady moralne, w prawa społeczne, które z uczuciami nie mają nic wspólnego. Bądźmy szczerzy: wszystkie prawa moralne społeczeństwa, jeśli nie są doświadczane przez jednostkę, nie są zawarte w uczuciach, a jedynie w wiedzy, nie tylko są nietrwałe, ale często stają się przedmiotem antymoralnych manipulacji.
L. N. Tołstoj słusznie powiedział, że sztuka nikogo nie przekonuje, po prostu zaraża pomysłami. A „zarażeni” nie mogą już żyć inaczej. Świadomość przynależności, asymilacja, empatia – oto siła ludzkiego myślenia. Globalna technokratyzacja jest katastrofalna. Psycholog Zinchenko napisał o tym bardzo słusznie: „Dla myślenia technokratycznego nie ma kategorii moralności, sumienia, ludzkiego doświadczenia i godności”. Ostro powiedziane, ale prawdziwe.
BM Nemensky wyjaśnia dlaczego: myślenie technokratyczne to zawsze prymat środków nad znaczeniem (6, s. 16). Sensem życia ludzkiego jest bowiem właśnie ludzkie doskonalenie relacji między człowiekiem a światem, harmonizacja tych relacji. Przy integralności obu sposobów poznania, naukowy dostarcza środków do harmonizacji, a artystyczny obejmuje wprowadzenie tych środków w system działań i warunkuje kształtowanie ludzkich pragnień jako bodźców do działania. Kiedy kryteria emocjonalne i wartościowe są zniekształcone, wiedza jest kierowana na antyludzkie cele.
Wraz z opresją, niedorozwojem sfery emocjonalno-figuratywnej, w naszym społeczeństwie dochodzi do dzisiejszego wypaczenia – prymatu środków, pomieszania celów. A to jest niebezpieczne, bo czy tego chcemy, czy nie, czy to rozumiemy, czy nie, to właśnie nasze uczucia determinują „pierwsze poruszenia duszy”, determinują pragnienia. A pragnienia, nawet wbrew przekonaniom, tworzą działania.
Dwa sposoby poznania powstały właśnie dlatego, że istnieją dwa przedmioty lub przedmioty poznania. A przedmiotem (podmiotem) poznania dla emocjonalno-figuratywnej sfery myślenia nie jest sama rzeczywistość życia, ale nasz ludzki stosunek emocjonalno-osobowy do niej. W tym przypadku (formie naukowej) poznaje się przedmiot, w drugim (artystycznym) poznaje się wątek wartościowego związku między przedmiotem a podmiotem - stosunek podmiotu do przedmiotu (podmiotu). I tu tkwi sedno całego problemu.
A potem nić zrozumienia działania emocjonalno-figuratywnej sfery myślenia rozciąga się na te rodzaje pracy, w których ta forma jest najbardziej manifestowana, na sztukę. Sztuka jest wielofunkcyjna, ale jej główną rolą w życiu społeczeństwa jest właśnie analiza, formułowanie, utrwalanie w formie figuratywnej i przekazywanie kolejnym pokoleniom doświadczenia relacji emocjonalnych i wartościowych do pewnych zjawisk relacji ludzi między sobą i z naturą. Naturalnie, podobnie jak w formie naukowej, istnieje walka idei, tendencji w odniesieniu do zjawisk życia. Idee nie tylko przydatne, ale także szkodliwe dla społeczeństwa, żyją i sprzeciwiają się. A społeczeństwo intuicyjnie wybiera i konsoliduje z nich to, czego potrzebuje dzisiaj do rozkwitu lub upadku.
Czy nie czas szukać dróg harmonijnego rozwoju, ale nie wśród starszych pokoleń, czyli późno, ale wśród wchodzącego w życie pokolenia? Musisz tylko zdać sobie sprawę, że oferujemy więcej niż jeden strumień rozwojowy zamiast innego. Konieczne jest osiągnięcie właśnie harmonii w rozwoju myślenia. Ale do tego konieczne jest zaakceptowanie jako obiektywnej rzeczywistości dwustronności naszego myślenia: obecności myślenia racjonalno-logicznego i emocjonalno-figuratywnego, obecności odpowiadających im różnych kręgów wiedzy - rzeczywistego przedmiotu i związku podmiot do przedmiotu. A jeśli zaakceptujemy te dwie strony, to łatwo zaakceptować dwa sposoby opanowania doświadczenia – studiowanie treści doświadczenia i przeżywanie treści. Tu właśnie kładą się podstawy dydaktyki artystycznej – nic innego nie jest dane (6, s. 17).
Jednak po uważnej analizie można wyczuć różne role trzech form myślenia plastyczno-artystycznego w zachowaniu i komunikacji ludzi.
Dekoracja. Tylko wolno urodzeni obywatele rzymscy mieli prawo do noszenia stroju. Specjalne dekrety dotyczące stroju w Europie wydano już w XIII wieku. W większości z nich określono ścisłe zasady, dla jakiej klasy można było nosić garnitury. Na przykład w Kolonii w XV wieku. sędziowie i lekarze musieli chodzić w czerwieni, prawnicy - w fioletach, inni eksperci - w czerni. Przez długi czas w Europie tylko wolny człowiek mógł nosić kapelusz. W Rosji za Elżbiety ludzie bez rangi nie mieli prawa nosić jedwabiu, aksamitu. W średniowiecznych Niemczech poddanym pod karą śmierci nie wolno było nosić butów: był to wyłączny przywilej szlachty. A w Sudanie istnieje zwyczaj przeciągania mosiężnego drutu przez dolną wargę. Oznacza to, że osoba jest w związku małżeńskim. To samo dotyczy jej fryzury. A dziś, wybierając dla siebie taki lub inny rodzaj ubioru lub jego krój, osoba odnosząca się do określonej grupy społecznej posługuje się nimi jako symbolami społecznymi pełniącymi rolę regulatora relacji międzyludzkich. Ozdabianie siebie, broni, ubrań, mieszkań było działalnością niezwiązaną z rozrywką od czasu powstania społeczeństwa ludzkiego. Poprzez dekorację osoba wyróżniała się ze środowiska ludzi, wyznaczając w nim swoje miejsce (bohater, wódz, arystokrata, oblubienica itp.) oraz przedstawiając się w określonej społeczności ludzi (wojownik, członek plemienia, członek kasty lub biznesmen, hipis itp.). d.). Pomimo bardziej wielopłaszczyznowej gry dekorem, jego podstawowa rola pozostaje do dziś taka sama - znak komunii i izolacji; znak przesłania afirmujący miejsce danej osoby, danej grupy ludzi w środowisku relacji międzyludzkich – tu tkwi podstawa istnienia dekoracji jako zjawiska estetycznego (6, s. 18).
Fakt, że masy Rosjan są analfabetami w tej dziedzinie, prowadzi do wielu załamań społecznych i osobistych załamań moralnych. Eksperci słusznie zwracają uwagę, że społeczeństwo nie wypracowało jeszcze usystematyzowanego systemu nauczania języka sztuki zdobniczej. Każdy przechodzi przez szkołę języka takiej komunikacji zupełnie samodzielnie i spontanicznie.
Konstruktywna linia myślenia artystycznego i plastycznego pełni inną funkcję społeczną i odpowiada na inną potrzebę. Rolę tego toku myślenia można prześledzić w tej sztuce, gdzie ujawnia się on wyraźniej i jawnie występuje jako wiodący. Budowa dowolnych obiektów jest bezpośrednio związana z komunikacją międzyludzką, ale inną niż wystrój. Architektura najpełniej (podobnie jak design) wyraża ten nurt artystycznego myślenia. Buduje domy, wsie i miasta z ich ulicami, parki, fabryki, teatry, kluby - i to nie tylko dla wygody codziennego życia. Świątynia egipska swoim projektem wyrażała pewne relacje międzyludzkie. Gotycka świątynia, a samo średniowieczne miasto, jego konstrukcja, charakter domów są zupełnie inne. Twierdza, zamek pana feudalnego i majątek szlachecki z XIII wieku. były odpowiedzią na różne relacje społeczne, gospodarcze, inaczej kształtowały środowisko komunikowania się ludzi. Nie bez powodu architektura nazywana jest kamienną kroniką ludzkości, możemy ją wykorzystać do badania zmieniającej się natury relacji międzyludzkich.
Wpływ form architektonicznych na nasze życie nietrudno dziś odczuć. Na przykład, jak bardzo zniszczenie moskiewskich dziedzińców zmieniło się w rozwoju gier dla dzieci. Do tej pory w tych ogromnych niepodzielnych budynkach nie ma organicznych form samoorganizacji środowiska dziecięcego. Tak, a relacje między dorosłymi a sąsiadami są budowane inaczej, a raczej prawie nie są budowane. Swoją drogą jest o czym myśleć. W jakim stopniu nasza codzienna architektura trafnie wyraża typ relacji międzyludzkich, jakich pragniemy? Potrzebujemy środowiska do komunikacji, tworzenia silnych więzi międzyludzkich. Teraz sąsiedzi, nawet na tym samym piętrze, mogą się w ogóle nie znać, nie mieć ze sobą żadnego związku. A architektura przyczynia się do tego w każdy możliwy sposób, nie ma środowiska do komunikacji. Nawet na wydziałach humanistycznych Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego ludzie nie mają gdzie usiąść i porozmawiać. Są tylko aule wykładowe i sale na spotkania masowe. Nie ma zaplanowanego środowiska, w którym jednostka może komunikować się z jednostką, kłócić się, rozmawiać, zastanawiać się. Chociaż być może w poprzednich okresach historii naszego społeczeństwa nie było to konieczne. A poza architekturą i mimo to niezwykle trudno jest stworzyć warunki do komunikacji. Zatem oprócz funkcji wąsko użytkowej (ochrona przed zimnem, deszczem i zapewnienie warunków do pracy) architektura pełni istotną rolę społeczną, „ duchowo-utylitarnej” roli w kształtowaniu relacji międzyludzkich. Pełni funkcję konstruktywnego elementu myślenia artystycznego: tworzy realne środowisko, które określa charakter, styl życia i relacje w społeczeństwie. W ten sposób niejako wyznacza parametry i wyznacza kamienie milowe dla pewnego ideału estetycznego i moralnego, stwarza środowisko dla jego rozwoju. Tworzenie ideału estetycznego rozpoczyna się od zbudowania jego podstaw i podstawowych właściwości. Sfera konstruktywna spełnia swój cel poprzez wszystkie sztuki.
Obrazowe podstawy myślenia plastyczno-artystycznego przejawiają się we wszystkich sztukach, ale stają się wiodącą linią w sztukach właściwych, a nawet najostrzej w sztukach sztalugowych - w malarstwie, grafice, rzeźbie. Ze względu na jakie potrzeby społeczeństwa rozwinęły się te formy myślenia? Możliwości tych form są naszym zdaniem najbardziej subtelne i złożone. Są to w dużej mierze badania i pod pewnymi względami podobne do działalności naukowej. Istnieje analiza wszystkich aspektów prawdziwego życia. Ale analiza ma charakter emocjonalno-figuratywny, a nie obiektywne prawa natury i społeczeństwa, ale charakter osobistych, emocjonalnych relacji człowieka z całym jego środowiskiem - naturą i społeczeństwem. To poprzez osobowość każdego z nas nasze ludzkie - wspólne - może się tylko objawiać. Społeczeństwo bez jednostek to stado. Jeśli więc w nauce konkluzja brzmi: „wiem, rozumiem”, to tutaj: „kocham, nienawidzę”, „cieszę się, to budzi wstręt”. To jest emocjonalne kryterium wartości osoby.
Obrazowa forma myślenia poszerza możliwości systemów figuratywnych, napełniając je żywą krwią rzeczywistości. To tutaj myślenie odbywa się w rzeczywistych widzialnych obrazach (a nie tylko w obrazie rzeczywistości). To myślenie realnymi obrazami pozwala analizować wszystkie najbardziej złożone, subtelne aspekty rzeczywistości, uświadamiać je, budować do nich stosunek, zmiennie i zmysłowo (często intuicyjnie) porównywać z nim swoje ideały moralne i estetyczne oraz utrwalić tę postawę w obrazach artystycznych. Dołącz i udostępniaj innym osobom.
Właśnie z tego powodu sztuka piękna jest potężną i subtelną szkołą kultury emocjonalnej i jej kroniką. To właśnie ta strona myślenia artystycznego pozwala sztukom plastycznym podnosić i rozwiązywać najbardziej złożone problemy duchowe społeczeństwa.
Elementy myślenia artystycznego, jak trzy serca, trzy motory procesu artystycznego, uczestniczą w kształtowaniu charakteru społeczeństwa ludzkiego, na swój sposób wpływają na jego formy, metody i rozwój.
Zmiana zadań sztuki na różnych etapach kształtowania się ideału moralnego i estetycznego każdej epoki przejawia się w pulsowaniu tych trzech nurtów. Wzloty i upadki każdego z nich są odpowiedzią na zmieniające się zapotrzebowanie społeczeństwa na sztukę jako narzędzie, które pomaga jej nie tylko w formowaniu moralnego i estetycznego ideału epoki, ale także utwierdzaniu go w życiu codziennym. Od praktyki poprzez jej rozwój duchowy, emocjonalny, moralny i estetyczny ponownie do codziennej praktyki życiowej – oto droga do realizacji tych fundamentów. A każda podstawa (kula) ma swoją własną, niepowtarzalną i niezastąpioną funkcję, generowaną przez specyfikę, naturę jej możliwości.
Sztuka jawi się w swoim prawdziwym znaczeniu jako jedna z najważniejszych form samoświadomości i samoorganizacji zbiorowości ludzkiej, jako przejaw niezastąpionej formy myślenia wypracowanej przez miliony lat ludzkiej egzystencji, bez której ludzkie społeczeństwo nie mogłoby się obejść. w ogóle miały miejsce.

Wniosek

W tej pracy zbadaliśmy rolę sztuki w życiu społeczeństwa i każdego człowieka oraz skupiliśmy się na specyfice jednej z form manifestacji myślenia emocjonalno-figuratywnego - plastyczno-artystycznej sfery działania.
To nie jest tylko problem teoretyczny. Istniejąca niechęć do dostrzegania realności tych form myślenia skutkuje kształtowaniem się intelektu jednostronnego. Nastąpiła ogólnoświatowa fetyszyzacja racjonalno-logicznej ścieżki poznania.
O tym niebezpieczeństwie pisze profesor Massachusetts Institute of Technology J. Weizenbaum: „Z punktu widzenia zdrowego rozsądku nauka stała się jedyną uprawnioną formą wiedzy… wymusza wszystkie inne formy wiedzy. Takie myśli wyrażali również nasi naukowcy. Wystarczy przypomnieć filozofa E. Iljenkowa. Ale społeczeństwo w ogóle ich nie słucha.
Zagubiona, nie rozwinięta i nie przekazana od przodków tradycji kultury emocjonalnej i wartościowej. I to oni tworzą kulturę stosunku do świata, która leży u podstaw wszelkiej ludzkiej działalności, u podstaw ludzkiego działania.

Bibliografia

1. Apresyan R. Estetyka. – M.: Gardariki, 2003.
2. Powszechna historia sztuki. W 9 tomach T.1. Sztuka prymitywna. - M., 1967.
3. Loktev A. Teoria sztuki. – M.: Vlados, 2003.
4. Ilyenkov E. Works. – M.: Logos, 2000.
5. art. – M.: Avanta+, 2003.
6. Niemenski B.M. Poznanie emocjonalno-figuratywne w rozwoju człowieka / W książce. Sztuka współczesna: rozwój czy kryzys. - M .: Wiedza, 1991. S. 12-22.

© Umieszczenie materiału na innych zasobach elektronicznych wyłącznie z aktywnym linkiem

Prace egzaminacyjne w Magnitogorsku, prace testowe do kupienia, prace semestralne prawo, prace semestralne prawo, prace semestralne w RANEPA, prace semestralne prawo w RANEPA, prace dyplomowe prawo w Magnitogorsku, dyplomy prawa w MIEP, dyplomy i prace semestralne w VSU, testy w SGA, prace magisterskie z prawa w Chełdze.

Sztuka jest częścią duchowej kultury ludzkości, swoistym rodzajem duchowego i praktycznego rozwoju świata. Sztuka obejmuje odmiany ludzkiej działalności, które łączą artystyczne i figuratywne formy odtwarzania rzeczywistości, malarstwo, architekturę, rzeźbę, muzykę, fikcję, teatr, taniec, kino. W szerszym znaczeniu słowo „sztuka” odnosi się do każdej formy ludzkiej działalności, jeśli jest wykonywana umiejętnie, umiejętnie, umiejętnie.

Cała różnorodność otaczającego nas świata i stosunek do niego osoby, myśli i uczucia, idee i idee, przekonania ludzi - wszystko to jest przekazywane przez osobę na artystycznych obrazach. Sztuka pomaga człowiekowi wybrać ideały i wartości. I tak było przez cały czas. Sztuka jest swego rodzaju podręcznikiem życia.

„Sztuka jest wiecznie radosnym i dobrym symbolem ludzkiego pragnienia dobra, radości i doskonałości” - napisał słynny niemiecki pisarz T. Mann. Każdy rodzaj sztuki mówi swoim językiem o odwiecznych problemach życia, o dobru i złu, o miłości i nienawiści, o radościach i smutkach, o pięknie świata i duszy ludzkiej, o wzniosłości myśli i aspiracji, o życiu komicznym i tragicznym.

Różne rodzaje sztuki wzajemnie się wzbogacają, często zapożyczając od siebie środki wyrazu treści. To nie przypadek, że panuje opinia, że ​​​​architektura to zamrożona muzyka, że ​​ta czy inna linia na obrazie jest muzyczna, że ​​powieść epicka jest jak symfonia.

Skoreluj charakter brzmiącej muzyki z figuratywną strukturą zabytków architektury. Do jakiej zachodniej, wschodniej, rosyjskiej kultury należy A C B?

Mówiąc o jakiejkolwiek działalności artystycznej, w tym o sztukach performatywnych (twórczości), często posługują się takimi pojęciami, jak kompozycja, rytm, kolor, plastyczność, linia, dynamika, muzykalność, które są wspólne w sensie bezpośrednim lub przenośnym dla różnych sztuk. Ale w każdym dziele zawsze jest element poetycki, który stanowi jego główną istotę, jego patos i nadaje mu niezwykłą siłę oddziaływania. Bez wzniosłego uczucia poetyckiego, bez duchowości, każde dzieło jest martwe.

W najprostszym sensie sztuka to zdolność osoby do przełożenia czegoś pięknego na rzeczywistość i czerpania przyjemności estetycznej z takich przedmiotów. Może to być też jeden ze sposobów poznawania, zwany mistrzostwem, ale jedno jest pewne: bez sztuki nasz świat byłby mdły, nudny i wcale nie ekscytujący.

przystanek terminologiczny

W najszerszym znaczeniu sztuka jest rodzajem umiejętności, której wytwory przynoszą przyjemność estetyczną. Według wpisów w Encyclopædia Britannica głównym kryterium sztuki jest umiejętność wywołania reakcji u innych ludzi. Z kolei Wielka Encyklopedia Sowiecka mówi, że sztuka jest jedną z form świadomości społecznej, która jest głównym składnikiem ludzkiej kultury.

Nieważne, co ktoś mówi, ale debata wokół terminu „sztuka” trwa od bardzo dawna. Na przykład w epoce romantyzmu sztukę uważano za cechę ludzkiego umysłu. Oznacza to, że rozumieli ten termin w taki sam sposób, jak religia i nauka.

Specjalne rzemiosło

W pierwszym i najpowszechniejszym znaczeniu pojęcie sztuki odczytywano jako „rzemiosło” lub „kompozycję” (to też tworzenie). Mówiąc najprościej, sztuką można nazwać wszystko, co zostało stworzone przez osobę w trakcie wymyślania i rozumienia określonej kompozycji.

Aż do XIX wieku sztuka była nazwą zdolności artysty lub piosenkarza do wyrażania swojego talentu, zniewalania publiczności i wzbudzania w niej uczuć.

Pojęcie „sztuki” może być wykorzystywane w różnych obszarach działalności człowieka:

• proces wyrażania talentu wokalnego, choreograficznego lub aktorskiego;
• dzieła, przedmioty fizyczne stworzone przez mistrzów swojego rzemiosła;
• proces konsumpcji dzieł sztuki przez odbiorców.

Podsumowując, można powiedzieć, co następuje: sztuka jest swego rodzaju podsystemem duchowej sfery życia, która jest twórczym odwzorowaniem rzeczywistości w artystycznych obrazach. Jest to wyjątkowa umiejętność, która może wywołać podziw opinii publicznej.

Trochę historii

O sztuce mówi się w kulturze światowej od czasów starożytnych. Sztuka prymitywna (czyli sztuka plastyczna, to także rysunek naskalny) pojawiła się wraz z człowiekiem w epoce środkowego paleolitu. Pierwsze przedmioty, które można utożsamiać ze sztuką jako taką, pojawiły się w górnym paleolicie. Najstarsze dzieła sztuki, takie jak naszyjniki z muszli, pochodzą sprzed 75 000 lat pne.

W epoce kamienia łupanego sztuką nazywano prymitywne rytuały, muzykę, tańce i dekoracje. Ogólnie rzecz biorąc, sztuka współczesna wywodzi się ze starożytnych rytuałów, tradycji, zabaw, które były uwarunkowane mitologicznymi i magicznymi ideami i wierzeniami.

Od prymitywnego człowieka

W sztuce światowej zwyczajowo wyróżnia się kilka epok jej rozwoju. Każdy z nich przejął coś od swoich przodków, dodał coś od siebie i pozostawił to swoim potomkom. Z wieku na wiek sztuka przybierała coraz bardziej złożoną formę.

Sztuka prymitywnego społeczeństwa składała się z muzyki, pieśni, rytuałów, tańców i obrazów, które były nakładane na skóry zwierząt, ziemię i inne naturalne przedmioty. W świecie starożytności sztuka przybierała bardziej złożoną formę. Rozwinął się w egipskich, mezopotamskich, perskich, indyjskich, chińskich i innych cywilizacjach. Każdy z tych ośrodków wykształcił własny, niepowtarzalny styl w sztuce, który przetrwał ponad tysiąclecie i do dziś ma wpływ na kulturę. Nawiasem mówiąc, starożytni greccy artyści byli uważani za najlepszych (nawet lepszych niż współcześni mistrzowie) w przedstawianiu ludzkiego ciała. Tylko im udało się w jakiś niesamowity sposób dokładnie oddać muskulaturę, postawę, dobrać odpowiednie proporcje i oddać naturalne piękno natury.

Średniowiecze

W średniowieczu religie miały znaczący wpływ na rozwój sztuki. Dotyczy to zwłaszcza Europy. Sztuka gotycka i bizantyjska opierała się na prawdach duchowych i opowieściach biblijnych. W tym czasie na Wschodzie iw krajach islamu wierzono, że rysunek osoby jest niczym innym jak stworzeniem idola, który został zakazany. Tak więc architektura, ornamenty były obecne w sztukach wizualnych, ale nie było osoby. Rozwinęła się kaligrafia i biżuteria. W Indiach i Tybecie główną sztuką był taniec religijny, a następnie rzeźba.

W Chinach kwitła szeroka gama sztuk, żadna religia nie wywierała na nie wpływu ani presji. Każda epoka miała swoich mistrzów, każdy z nich miał swój własny styl, który doskonalił. Dlatego każde dzieło sztuki nosi nazwę epoki, w której powstało. Na przykład wazon z epoki Ming lub obraz z epoki Tang. W Japonii sytuacja jest taka sama jak w Chinach. Rozwój kultury i sztuki w tych krajach był dość oryginalny.

renesans

W okresie renesansu sztuka ponownie powraca do wartości materialnych i humanizmu. Ludzkie postacie nabierają utraconej fizyczności, w przestrzeni pojawia się perspektywa, a artyści dążą do odzwierciedlenia fizycznej i racjonalnej pewności.

W epoce romantyzmu w sztuce pojawiają się emocje. Mistrzowie starają się pokazać ludzką indywidualność i głębię przeżyć. Zaczyna pojawiać się wiele stylów artystycznych, takich jak akademizm, symbolizm, fowizm itp. Co prawda ich stulecie było krótkie, a dawne kierunki, pobudzone grozą przeżytych wojen, można powiedzieć, że odrodziły się z popiołów.

W drodze do nowoczesności

W XX wieku mistrzowie poszukiwali nowych możliwości wizualnych i standardów piękna. W wyniku postępującej globalizacji kultury zaczęły się przenikać i wpływać na siebie. Na przykład impresjoniści inspirowali się japońskimi rycinami, na twórczość Picassa znaczący wpływ miały sztuki piękne Indii. W drugiej połowie XX wieku na rozwój różnych dziedzin sztuki wpływ miał modernizm, z jego nieubłaganym idealistycznym poszukiwaniem prawdy i sztywnymi normami. Nastał okres sztuki nowoczesnej, kiedy zdecydowano, że wartości są względne.

Funkcje i właściwości

Przez cały czas teoretycy historii sztuki i kulturoznawstwa mówili, że sztuka, jak każde inne zjawisko społeczne, charakteryzuje się odmiennymi funkcjami i właściwościami. Wszystkie funkcje sztuki są warunkowo podzielone na motywowane i niemotywowane.

Cechy niezmotywowane to właściwości, które są integralną częścią ludzkiej natury. Mówiąc najprościej, sztuka jest czymś, do czego popychają człowieka instynkty i co wykracza poza to, co praktyczne i użyteczne. Funkcje te obejmują:

• Podstawowy instynkt harmonii, rytmu i równowagi. Tutaj sztuka przejawia się nie w formie materialnej, ale w zmysłowym, wewnętrznym pragnieniu harmonii i piękna.
• Uczucie tajemnicy. Uważa się, że sztuka jest jednym ze sposobów odczuwania połączenia z Wszechświatem. To uczucie pojawia się nieoczekiwanie podczas kontemplacji zdjęć, słuchania muzyki itp.
• Wyobraźnia. Dzięki sztuce człowiek ma możliwość nieograniczonego posługiwania się wyobraźnią.
• Zwracając się do wielu. Sztuka pozwala twórcy odnieść się do całego świata.
• rytuały i symbole. Niektóre współczesne kultury mają kolorowe rytuały, tańce i występy. Są swoistym symbolem, a czasem tylko sposobem na urozmaicenie imprezy. Same w sobie nie dążą do żadnego celu, ale antropologowie widzą w każdym ruchu znaczenie nadane w procesie rozwoju kultury narodowej.

Funkcje motywowane

Motywowane funkcje sztuki to cele, które twórca świadomie stawia sobie przystępując do tworzenia dzieła sztuki.

W tym przypadku sztuką może być:

• Środek komunikacji. W najprostszej formie sztuka jest sposobem komunikacji między ludźmi, za pomocą którego można przekazywać informacje.
• Rozrywka. Sztuka potrafi stworzyć odpowiedni nastrój, pomaga się zrelaksować i odwrócić uwagę od problemów.
• Na zmianę. Na początku XX wieku powstało wiele dzieł prowokujących zmiany polityczne.
• Do psychoterapii. Psychologowie często wykorzystują sztukę do celów leczniczych. Technika oparta na analizie wzorca pozwala na dokładniejszą diagnozę.
• Dla protestu. Sztuka była często używana do protestu przeciwko czemuś lub komuś.
• Propaganda. Sztuka może być także środkiem propagandy, za pomocą którego można po cichu wpływać na kształtowanie się nowych gustów i nastrojów wśród społeczeństwa.

Jak widać z funkcji, sztuka odgrywa ważną rolę w życiu społeczeństwa, wpływając na wszystkie sfery życia człowieka.

Rodzaje i formy

Początkowo sztukę uważano za niepodzielną, to znaczy za ogólny kompleks działalności twórczej. Dla człowieka prymitywnego nie istniały odrębne przykłady sztuki, takie jak teatr, muzyka czy literatura. Wszystko zostało połączone w jedno. Dopiero po pewnym czasie zaczęły pojawiać się różne rodzaje sztuki. Tak nazywają się historycznie utrwalone formy artystycznej refleksji nad światem, które służą do tworzenia różnych środków.

W zależności od użytych środków wyróżnia się następujące formy sztuki:

• Literatura. Używa środków werbalnych i pisemnych do tworzenia próbek dzieł sztuki. Istnieją trzy główne gatunki - dramat, epicki i teksty.
• Muzyka. Dzieli się na wokalną i instrumentalną, do tworzenia sampli artystycznych używa się środków dźwiękowych.
• Taniec. Do tworzenia nowych wzorów stosuje się ruchy plastyczne. Przydziel balet, rytuał, salę balową, nowoczesną i ludową sztukę tańca.
• Obraz. Za pomocą koloru rzeczywistość jest pokazywana na płaszczyźnie.
• Architektura. Sztuka przejawia się w przekształcaniu środowiska przestrzennego za pomocą struktur i budynków.
• Rzeźba. Jest to dzieło sztuki, które ma objętość i trójwymiarowy kształt.
• Sztuka dekoracyjna i użytkowa. Ta forma jest bezpośrednio związana z potrzebami użytkowymi, są to przedmioty artystyczne, które można wykorzystać w życiu codziennym. Na przykład pomalowane naczynia, meble itp.
• Teatr. Za pomocą gry aktorskiej rozgrywa się na scenie akcja sceniczna o określonym temacie i charakterze.
• Cyrk. Rodzaj spektakularnej i zabawnej akcji z zabawnymi, nietypowymi i ryzykownymi liczbami.
• Film. Można powiedzieć, że jest to ewolucja akcji teatralnej, w której wciąż stosuje się nowoczesne środki audiowizualne.
• Zdjęcie. Polega na utrwalaniu obrazów wizualnych środkami technicznymi.

Do wymienionych form można jeszcze dodać takie gatunki sztuki jak sztuka różnorodna, grafika, radio itp.

Rola sztuki w życiu człowieka

To dziwne, ale z jakiegoś powodu uważa się, że sztuka jest przeznaczona tylko dla wyższych warstw populacji, tak zwanej elity. Dla innych osób ta koncepcja jest rzekomo obca.

Sztuka zwykle utożsamiana jest z bogactwem, wpływami i władzą. W końcu to ci ludzie mogą sobie pozwolić na kupowanie pięknych, nieprzyzwoicie drogich i absurdalnie bezużytecznych rzeczy. Weźmy na przykład Ermitaż lub Pałac Wersalski, w których zachowały się bogate kolekcje monarchów z przeszłości. Dziś na takie kolekcje mogą sobie pozwolić rządy, niektóre organizacje prywatne i osoby bardzo zamożne.

Czasami można odnieść wrażenie, że główną rolą sztuki w życiu człowieka jest pokazywanie innym statusu społecznego. W wielu kulturach drogie i eleganckie rzeczy pokazują pozycję danej osoby w społeczeństwie. Z drugiej strony, dwa wieki temu starano się uczynić sztukę wysoką bardziej dostępną dla szerokiej publiczności. Na przykład w 1793 roku Luwr został otwarty dla wszystkich (do tej pory był własnością królów francuskich). Z czasem idea ta została podchwycona w Rosji (Galeria Trietiakowska), Stanach Zjednoczonych (Muzeum Metropolitalne) i innych krajach europejskich. Mimo to ludzie, którzy mają własną kolekcję dzieł sztuki, zawsze będą uważani za bardziej wpływowych.

syntetyczny lub prawdziwy

W dzisiejszym świecie istnieje ogromna różnorodność dzieł sztuki. Uzyskują różne rodzaje, formy, środki tworzenia. Jedyne, co pozostało niezmienione, to sztuka ludowa w jej pierwotnej postaci.

Dziś nawet prosty pomysł jest uważany za sztukę. To dzięki pomysłom, opinii publicznej i krytycznym opiniom prace takie jak Czarny kwadrat, pokryty naturalnym futrem serwis do herbaty czy sprzedana za 4 miliony dolarów fotografia Renu cieszą się niesłabnącym powodzeniem. Trudno nazwać te i podobne przedmioty prawdziwą sztuką.

Czym więc jest prawdziwa sztuka? W zasadzie są to prace, które zmuszają do myślenia, zadawania pytań, szukania odpowiedzi. Prawdziwa sztuka przyciąga, chcę zdobyć ten przedmiot za wszelką cenę. Nawet w literaturze rosyjscy klasycy pisali o tej przyciągającej sile. Tak więc w opowiadaniu Gogola „Portret” bohater wydaje ostatnie oszczędności na zakup portretu.

Prawdziwa sztuka zawsze czyni człowieka milszym, silniejszym i mądrzejszym. Posiadając bezcenną wiedzę i doświadczenie, które były gromadzone przez wiele pokoleń i są obecnie dostępne w akceptowalnej formie, człowiek ma możliwość rozwoju i doskonalenia się.

Prawdziwa sztuka jest zawsze tworzona z serca. Nieważne, co to będzie - książka, obraz, muzyka, sztuka. Widz poczuje. Koniecznie poczuj to, co chciał przekazać twórca. Poczuj jego emocje, zrozum jego myśli, idź z nim w poszukiwaniu odpowiedzi. Prawdziwa sztuka to niesłyszalna rozmowa autora z człowiekiem, po której słuchacz/czytelnik/widz już nigdy nie będzie taki sam. Na tym polega prawdziwa sztuka. Prawdziwie skoncentrowana wiązka uczuć. Jak napisał Puszkin, powinien palić serca ludzi i bez względu na wszystko - czasownikiem, pędzlem lub instrumentem muzycznym. Taka sztuka powinna służyć ludziom i inspirować ich do zmiany, bawić, gdy są smutni i budzić nadzieję, zwłaszcza gdy wydaje się, że nie ma wyjścia. To jedyna droga, nie może być inaczej.

Dziś istnieje wiele dziwnych, czasem nawet śmiesznych przedmiotów, które nazywane są dziełami sztuki. Ale jeśli nie są w stanie „zahaczyć o szybkie”, to nie mogą odnosić się do sztuki a priori.

Sztuka to twórcze rozumienie otaczającego świata przez utalentowaną osobę. Owoce tej refleksji należą nie tylko do jej twórców, ale do całej ludzkości żyjącej na planecie Ziemia.

Nieśmiertelne są piękne dzieła starożytnych greckich rzeźbiarzy i architektów, florenckich mistrzów mozaiki, Rafaela i Michała Anioła… Dantego, Petrarki, Mozarta, Bacha, Czajkowskiego. Ujmuje ducha, kiedy próbujesz ogarnąć swoim umysłem wszystko, co stworzyli geniusze, zachowane i kontynuowane przez ich potomków i naśladowców.

SZTUKA

W zależności od materialnych środków, za pomocą których powstają dzieła sztuki, obiektywnie powstają trzy grupy form sztuki: 1) przestrzenne lub plastyczne (malarstwo, rzeźba, grafika, fotografia artystyczna, architektura, rzemiosło artystyczne i wzornictwo), czyli takie, które rozmieścić swoje obrazy w kosmosie; 2) tymczasowe (werbalne i muzyczne), czyli takie, w których obrazy budowane są w czasie, a nie w rzeczywistej przestrzeni; 3) czasoprzestrzenne (taniec; aktorstwo i wszystko na nim oparte; syntetyczne - teatr, kino, sztuka telewizyjna, różnorodność i cyrk itp.), czyli takie, których obrazy mają zarówno długość, jak i trwanie, cielesność i dynamizm. Każdy rodzaj sztuki jest bezpośrednio scharakteryzowany przez sposób materialnego istnienia jego dzieł i rodzaj użytych znaków figuratywnych. W tych granicach wszystkie jego typy mają odmiany, określone przez cechy tego lub innego materiału i wynikającą z tego oryginalność języka artystycznego.

Tak więc odmiany sztuki werbalnej to twórczość ustna i literatura pisana; odmiany muzyki – wokalna i różne rodzaje muzyki instrumentalnej; odmiany sztuk performatywnych - dramat, muzyka, teatr lalek, teatr cieni, a także scena i cyrk; odmiany tańca - taniec codzienny, klasyczny, akrobatyczny, gimnastyczny, taniec na lodzie itp.

Z drugiej strony każda forma sztuki ma podział rodzajowy i gatunkowy. Kryteria tych podziałów są różnie definiowane, ale samo istnienie takich rodzajów literatury jak epicka, liryczna, dramatyczna, takich rodzajów sztuk plastycznych jak sztalugowa, monumentalno-dekoracyjna, miniaturowa, takich gatunków malarstwa jak portret, pejzaż, martwa natura jest oczywista...

Tak więc sztuka jako całość jest historycznie ustalonym systemem różnych specyficznych dróg artystycznego rozwoju świata,

z których każdy ma cechy wspólne dla wszystkich i osobliwe.

ROLA SZTUKI W ŻYCIU LUDZI